Transcripciones
1. Introducción: Los entornos juegan un papel importante en el establecimiento del estado de ánimo y el tono de una historia. Al crear escenas y fondos cautivadores, podemos comunicar tanta atmósfera e invitar al espectador a nuestros propios pequeños mundos, estableciendo una experiencia de narración rica e inmersiva. Hola, soy Sarah Holliday, y soy ilustradora de Escocia. Encuentro entornos tan divertidos de dibujar ya que te permiten explorar tu propia imaginación y crear una escena en la que puedas sumergirte totalmente. Ilustrar entornos puede proporcionar todo un reto técnico, ya que hay muchos aspectos que tenemos que considerar a la vez, como composición, perspectiva, color, e iluminación, por no hablar de llegar a ideas creativas y transmitiendo el estado de ánimo y la historia. Pero no te preocupes porque en esta clase, voy a romper todos estos aspectos en lecciones y ejercicios
fáciles de seguir para que a la hora de dibujar nuestras escenas, puedas pasar menos tiempo preocupándote por estos retos y más tiempo transmitiendo atmósfera e imaginación. En esta clase, exploraremos cómo podemos lograr un sentido de profundidad y perspectiva en nuestras escenas, cómo acentuar un punto focal en la composición, estilizando nuestros elementos usando el lenguaje de formas, y te mostraré algunos consejos prácticos para dar vida a
tu escena con iluminación y efectos atmosféricos. Entonces te guiaré por todo mi proceso por ilustrar una escena de principio a fin para que al final de esta clase, estés totalmente equipada para crear tu propio paisaje llamativo. Ya sea que sigues siendo un principiante que disfruta dibujando objetos
individuales o personajes pero nunca has compuesto una escena antes o eres un ilustrador experimentado solo en busca de mejorar tus habilidades en esta área, este está repleto de consejos y trucos que serán útiles para todos los niveles. Estaré usando mi iPad Pro con Procreate en mis demostraciones, pero siéntete libre de seguir junto con tus herramientas de dibujo preferidas. Si estás listo para hacer unas escenas magníficas, te
veré en la clase.
2. Descripción de la clase: ¿ Qué exactamente vamos a estar aprendiendo en esta clase? Para empezar, estaremos viendo cómo podemos componer nuestra escena usando profundidad y perspectiva y luego cómo acentuar un punto focal, cómo estilizar nuestros elementos usando el lenguaje de formas, luego dar vida a la escena con iluminación y efectos atmosféricos. Una vez que hayamos cubierto estos temas, entonces estaremos listos para aplicar todo lo que hemos aprendido en nuestro proyecto de clase. El proyecto de clase es ilustrar nuestra escena paisajística. Empezaremos por decidir qué tipo de ubicación queremos
ilustrar y el estado de ánimo particular que queremos transmitir. Si estás atascado por ideas, he creado una lista pronta, así que siéntete libre de descargarla desde la sección Recursos a continuación cuando se trata de esa etapa. Una vez que tengamos nuestra idea suelta, vamos a ir en busca de inspiración y crear un tablero de humor para ayudar a inspirar nuestra escena, y luego decidiremos qué elementos queremos incluir en la escena y dibujarlos todos individualmente antes de esbozar varias ideas para nuestra composición. Cuando hayamos elegido nuestro favorito, después refinaremos un poco más este diseño, hablamos de elegir colores y crear un color rugoso, y luego terminaremos la ilustración bloqueando nuestras capas y agregando texturas y detalles finales para darle vida a la escena. En cuanto a materiales, voy a estar usando mi iPad Pro con Procreate para demostrar estas lecciones por lo que tal vez te resulte más fácil seguir si también
tienes alguna forma de software de dibujo digital, pero aún así puedes tomar esta clase usando sólo medios tradicionales. Y si bien voy a estar dibujando en Procreate y compartiendo algunos consejos sobre la app en el camino, esta no es una clase de “cómo usar Procreate”, por lo que te ayudará si tienes una familiaridad decente con cualquier software o medio que vas a estar usando. Dado que esta clase está enfocada en dibujar paisajes, no
vamos a entrar en mucho detalle en las reglas de perspectiva
avanzadas ni en el dibujo de estructuras creadas por el hombre, y tampoco nos centraremos demasiado en cómo dibujar elementos individuales exactamente. El enfoque se centra más en construir una base de técnicas para componer escenas inmersivas y atmosféricas. Y mi esperanza es que al final de esta clase, habrás aprendido montones de tips y procesos que puedes incorporar a tu práctica general de dibujo y estilo
personal con el fin de hacer todo el proceso de ilustrar escenas mucho más satisfactorias y agradables para ti. Estoy muy emocionado de ver adónde te lleva tu imaginación así que por favor siéntete libre de subir tus ejercicios y bocetos de
trabajo en progreso en la sección de proyectos de clase a medida que vas y por favor sube tu pieza final allí también, porque me encanta ver tu trabajo y dar mis comentarios. Si hay algún concepto o áreas de la clase en las que te estás quedando un poco atascado, entonces por favor siéntete libre de hacerme cualquier pregunta en la sección Discusiones en cualquier etapa, y estaré más que feliz de ayudarte. Si estás listo para empezar, entonces empecemos y te veré en la siguiente lección.
3. Profundidad y perspectiva: Empecemos viendo cómo crear un sentido de profundidad y perspectiva en nuestras escenas, lo que nos permitirá rodar composiciones más creíbles e inmersivas. Podemos transmitir profundidad utilizando una combinación de varios métodos como escala, estratificación, valor tonal, y perspectiva. Veamos cómo podemos usar estas técnicas para crear profundidad en nuestras escenas. Empecemos con la escala. Primero que nada voy a dibujar un árbol y solo duplicar esto un par de veces, y luego también dibujaré una línea para nuestro plano terrestre. Se puede ver que todos son del mismo tamaño y aparece como si estuvieran todos en una fila en el mismo nivel con poco espacio entre ellos. Primero que nada hagamos uno de estos árboles más grande y uno un poco más pequeño. A pesar de que ahora son diferentes tamaños, todavía no tenemos ese sentido más claro de profundidad. Otra cosa que podemos hacer es capas de estos árboles. Los acercaré un poco para que uno se superponga con el otro, y haré lo mismo con este árbol más pequeño trayéndolo detrás de los otros. Entonces podemos frotar estas áreas donde el árbol atrás está siendo solapado por el de enfrente. Podemos empezar a ver ahora que hay una jerarquía de colocación con el árbol más grande delante y el árbol más pequeño detrás. Tenemos alguna perspectiva empezando a formarse aquí, pero todavía se ven planas como si fueran trozos de papel colocados uno encima del otro. Todavía no hay una verdadera sensación de espacio entre ellos. Otra forma de realzar la profundidad es usar valor tonal, así es como son claros u oscuros en tono. Coloraré cada uno de estos árboles de negro, y luego voy a aligerar bastante ese árbol más lejano, y luego aligeré un poco menos el árbol de gama media. A medida que las cosas se alejan cada vez más de nosotros, se
vuelven más opacas y más ligeras a nuestros ojos porque hay más partículas de aire en medio de nuestra visión y el sujeto que oscurece los colores y valores, y esto fenómeno se conoce como perspectiva atmosférica. Ya puedes ver con esta combinación de escala, estratificación, y perspectiva atmosférica, hemos logrado lograr una ilusión muy básica de profundidad. Ahora pasemos a ver algunas herramientas básicas de perspectiva que pueden ayudarnos a mejorar aún más la profundidad en nuestros entornos. Cuando se trata de trabajar con paisajes y perspectiva en general, una de las primeras cosas que queremos hacer es identificar la línea del horizonte. El horizonte es básicamente la línea que separa el cielo del suelo. Generalmente, cualquier cosa por debajo de la línea es parte del suelo y por encima de la línea está el cielo. Una vez que hayas dibujado tu línea de horizonte, podemos identificar el punto de fuga y éste se puede colocar en cualquier parte de esa línea. Simplemente lo colocaré más o menos en el medio aquí. Nuestro punto de fuga es el punto de nuestra imagen al que todo retrocede hacia. Puedes hacer pequeñas pautas desde tu punto de fuga saliendo hacia afuera, lo que te ayudará a visualizar tu escala aquí. Esto solo pueden ser líneas aleatorizadas que salen de tu punto de fuga en cualquier lugar. Puedes hacerlos cercanos juntos o muy separados, realidad no importa. Si estás usando Procreate, hay una herramienta realmente útil que te voy a mostrar ahora, así que no tienes que dibujar a mano todas tus pautas. Simplemente me desharé de esos lineamientos por ahora. Entonces podemos ir a acciones, lienzo, guía de
dibujo, y encender este pequeño interruptor aquí. Se puede ver esta cuadrícula ha aparecido en el lienzo. Necesitamos tocar editar guía de dibujo. Después verás que aparece esta fila de diferentes tipos de guías de dibujo. Seleccionemos perspectiva. Ahora puedes ver en la parte superior aquí dice tap para crear un punto de fuga. Voy a tocar nuestro punto de fuga ahí, y se puede ver esto ha llegado con montones de pequeñas líneas que todas se encuentran en medio en ese punto de fuga. Simplemente alinearé eso con nuestra colocación original. También puedes cambiar el color de esas pautas si lo deseas, y también puedes ajustar el grosor y la opacidad. Una vez que estés feliz, solo tienes que dar click hecho. Si quieres encender y apagar eso en cualquier momento, si te está distrayendo de tu dibujo, puedes simplemente voltear ese interruptor ahí. Vamos a mantener esto encendido por ahora, y podemos usar estas líneas como guías. En primer lugar, dibujar un árbol bastante pequeño cerca de mi punto de fuga. Si nos imaginamos un árbol del mismo tamaño que éste trajo hacia nosotros, entonces podemos seguir por esas mismas líneas y dibujar más
o menos eso más lejos del punto de fuga. Se puede ver cómo esas pautas están mucho más espaciadas entre más alejadas del punto de fuga que están. Significa que los objetos aparecerán mucho más grandes cuanto más lejos del punto de fuga
se comparan con objetos del mismo tamaño que están cerca del punto de fuga. Si dibujamos otro árbol a medio camino entre estos dos, enfatiza aún más esa distancia y profundidad. También puedes usar ese principio de perspectiva atmosférica para realzar la profundidad aquí. El divertido de dibujar paisajes y escenas
naturales es que mientras tengamos en mente estos conceptos principales, no
tenemos que preocuparnos particularmente si la perspectiva es totalmente correcta o no, porque nosotros puede salirse con la suya mucho más en comparación con el dibujo de escenas arquitectónicas o interiores. No te preocupes demasiado una vez que tengas un duro sentido de la perspectiva, siempre y cuando te adhieras a los principios básicos, probablemente
estarás bien. Se pueden mostrar diferentes tamaños de elementos y en colocaciones bastante aleatorias, y debido a que ya tenemos alguna perspectiva básica definida, podemos aleatorizar nuestros tamaños y formas de nuestros sujetos sin ser demasiado precisos o matemáticos sobre ella. Lo mismo sucede con los elementos en el cielo. Digamos que tenemos una nube que está lejos del punto de fuga, va a ser realmente grande en comparación con las nubes que están más cerca del punto de fuga. Las cosas se vuelven mucho más agrupadas a medida que llegan
al punto de fuga porque el espacio aparece más compacto. Al tener estos elementos viniendo hacia nosotros tanto en el cielo como en el suelo, crea una experiencia realmente inmersiva de profundidad. Si quieres dibujar un río curvo o un camino o algo así, solo
puedes dibujar algunas pautas básicas que quieres que siga el camino, y luego solo puedes dibujar esta curva dentro de esas pautas. La curva se volverá cada vez más agrupada a medida que se desplaza hacia el punto de fuga. Se puede ver que los huecos entre estas curvas son bastante grandes en primer plano, y luego se vuelven cada vez más pequeños hasta realmente se
agrupan hacia ese punto de fuga. Es útil si dibujas más o menos estas pautas primero y luego puedes dibujar sobre eso con un poco más de confianza, y también recuerda si esto es un camino o un río, aparecerá realmente grueso en primer plano y luego lo hará poco a poco se vuelve más delgado y más delgado a medida que se acerca a tu punto de fuga. Lo mismo sucede con los cerros y las montañas a medida que se hacen más
pequeños y más agrupados en una distancia. Obtienes la idea general. Sólo apaguemos estas capas por ahora, y apagaré esas guías para que podamos ver nuestra línea de horizonte original. Simplemente te mostraré algunas formas diferentes de que ahora
puedes colocar tu línea de horizonte en tu imagen. Simplemente puedes dibujar caja simple alrededor de esa línea para representar el tamaño de nuestra imagen. Aquí se puede ver, nuestra imagen está dividida por la mitad por la línea del horizonte, y esto crea una escena simétrica bastante equilibrada, sobre todo si tenemos el punto de fuga a mitad de camino a lo largo de esa línea. Pero también puede ser bastante aburrido y no es composición muy interesante. mí me gusta o tener mi línea de horizonte un poco por encima o por debajo de la línea media porque creo que crea un poco más de interés, pero todavía no es demasiado extrema. Pero si quieres crear una perspectiva realmente extrema, entonces puedes colocar la línea del horizonte realmente en lo alto de tu imagen, y eso mostrará montones de tu área de tierra y no mucho del cielo. Esto da la impresión de que el espectador está realmente alto en algún lugar
y está mirando hacia abajo, y les da una sensación de
control sobre la escena porque tienen un buen punto de vista. Probablemente puedan ver mucho de la zona y lo que está pasando. contrario, puedes colocar la línea del horizonte realmente baja en tu imagen, y mostraré bajo al cielo. Es posible que quieras mostrar mucha de la acción de nube que está pasando o algunos pájaros volando o una montaña realmente alta que se avecina por encima, y esto da la impresión de que el espectador está mirando hacia arriba y los hace sentir pequeños y a tierra . Se puede usar esto para crear un sentido del arte o del drama, o tal vez que haya un obstáculo por superar. Algo más que puedes hacer para crear un punto de vista extremo es inclinar la línea del horizonte, y esto hará que todo en tu paisaje se incline. Todo a tu imagen se va a inclinar junto con eso, y esto realmente juega con nuestro cerebro y nos hace sentir un poco ansiosos e intranquilos. Esto se puede usar para la parte de la historia donde tal vez algo va mal o hay algún sentido del drama, y esto se sumará a una sensación de tensión o emoción. Pero usa esto con moderación porque quieres que sea realmente impactante cuando lo uses, así que solo ten en cuenta eso. Se puede ver que cuando tenemos una línea recta del horizonte, pensamos, qué bonito paisaje. Pero entonces cuando lo giramos, cambia completamente el sentimiento y estamos pensando ¿qué está pasando? También puedes jugar con la colocación de tu punto de fuga, no tiene
que estar justo en el centro de tu imagen. Tan sólo como esté en algún lugar la línea del horizonte y no tenga que estar ni a tu imagen, podría estar totalmente fuera de la conversación por completo. Ahora que hemos cubierto cómo crear un sentido de profundidad y perspectiva en nuestras escenas, pasemos a ver cómo podemos acentuar un punto focal dentro de nuestras composiciones.
4. Punto focal y composición: Un punto focal es la dolencia o área dentro de una escena hacia la que tu ojo se dibuja e intriga al identificar el punto focal dentro tu composición es importante ya que te da visto un propósito, además de proporcionar interés visual. Entonces echemos un vistazo a algunas técnicas que podemos utilizar para llamar la atención sobre nuestro punto focal deseado. Empecemos con la regla de los tercios. Para que podamos dividir nuestra composición en tres secciones iguales con dos líneas verticales y luego hacer lo mismo horizontalmente para que terminemos con nueve segmentos de tamaño uniforme. La idea principal es que podamos colocar nuestro punto focal en una de estas cuatro intersecciones aquí, lo que compensará un poco el equilibrio de tu composición y agregará un poco más de interés a tu imagen que si acabaras de tener tu bofetada de punto focal bang en el medio. Por lo que colocaré aquí mi punto focal en el lado izquierdo de la imagen. Y también dibujaré en un punto focal secundario en esa intersección superior derecha. Y otra cosa que podemos hacerlo con la regla de tercios es usar eso para ayudarnos a dividir aún más nuestra imagen. Por lo que podemos colocar nuestra línea de horizonte por encima de ese tercio inferior. Para que ese pueda ser nuestro plano terrestre. Y entonces este tipo retoma los dos tercios superiores. O siempre podrías hacer esto al revés con dos tercios gemidos y 1 tercio de cielo. Y entonces podemos empezar a dar forma a la escena con detalles
extra y realzar nuestro principal punto focal. Y también podemos agregar en capas extra y profundidad a la escena usando estas historias para ayudar a dividir más o menos cada área de interés. Por lo que se puede ver que esto crea una dinámica de desplazamiento agradable que es un
poco más interesante que si todo estuviera más centrado. Pero eso no quiere decir que las composiciones centradas no puedan ser realmente impactantes y efectivas ellas mismas. De hecho, crear una imagen más simétrica que esté uniformemente equilibrada en cada lado y complacer tu punto focal en el mismo centro de tu escena como una forma realmente simple pero efectiva de llamar la atención hacia tu punto focal. Por lo que se puede ver que en esta escena estamos enseguida atraídos hacia esa cascada en medio de la composición. Por lo que este sentido de simetría puede crear un equilibrio realmente agradable, tipo de sensación
segura. Ahora veamos las líneas de liderazgo para que podamos utilizar carriles dentro nuestra composición para ayudar a llamar la atención hacia el punto focal. Podemos hacerlo mediante el uso de formas circundantes como caminos, ríos, colinas, nubes, y básicamente cualquier elemento de nuestra imagen que pueda crear un carril direccional que conduce hacia el punto focal deseado. Por lo que incluso puedes usar árboles, por ejemplo, apuntando hacia el punto focal. Y aquí se puede ver que todos los elementos circundantes en esta escena están ayudando a dirigir nuestro ojo hacia el punto focal. Y también puedes usar estas líneas para guiar el ojo alrededor la imagen antes de descansar en el punto focal. Ahora veamos el encuadre. Reformar nos permite enfocar aún más nuestra atención en
lo principal visto mucho de la misma manera que una pintura físicamente enmarcada. Entonces aquí estoy dibujando unos oscuros y árboles
en primer plano para crear un marco alrededor de ese punto focal. Pero también puedes usar cualquier otro elemento para crear efectos de marco como follaje, rocas, nubes y efectos de iluminación. Entonces, por ejemplo, puedes sombrear todo excepto el área en la que quieres enfocarte. Y también puedes crear una especie de efecto de viñeta oscureciendo los bordes de tu imagen. Y estas técnicas de encuadre trabajan juntas para ayudar a dirigir al espectador hacia la parte más brillante de tu imagen. Espacio negativo. Entonces digamos que tenemos un árbol parado por sí mismo comparado con otros árboles circundantes que se ven exactamente igual excepto que todos están agrupados juntos. Este árbol en medio destaca mucho más a nuestro ojo debido a todo el espacio circundante y logra captar nuestra curiosidad por la S. Y también podemos utilizar el contraste para ayudar a este punto focal a destacar más. Entonces, por ejemplo, podemos crear un contraste entre colores haciendo el resto de la escena y azul mientras este árbol es naranja. Y entonces está realmente claro en qué elemento es el punto focal. Y también podemos usar el contraste en valor,
por ejemplo, haciendo que nuestros otros árboles parezcan más oscuros o más claros que el punto focal. Y también podemos mostrar un contraste en escala haciendo que nuestro punto focal mucho más pequeño o mucho más grande que los elementos circundantes en la escena. Entonces esas son solo algunas ideas, pero realmente cualquier tipo de contraste que te ayude a puntos focales de mayor destaque es grandes personajes y rostros. Entonces algo que inmediatamente llama nuestra atención dentro de una escena es el uso de figuras y rostros. Entonces aquí estoy dibujando un personaje ante todo, como mi principal punto focal. Y si el personaje está mirando algo o gesto hacia algo en particular, muy a menudo siguen naturalmente su isla para tratar de notar lo que están mirando. Por lo que esta puede ser una manera realmente buena de jugar con tener múltiples puntos focales en la escena con una jerarquía de importancia. Entonces aquí nuestro punto focal es primero de todo ese personaje y luego nuestro punto focal secundario como anfitrión, que fueron atraídos al carro después del personaje. Para que podamos intentar juntar toda esta escena en combinación con varias de las técnicas que acabo de explicar. Pero ten cuidado de no abrumar tu escena con demasiados puntos focales colocados al azar porque no
quieres tener tantas cosas pasando que tu espectador no sabe en qué deberían estar mirando o enfocándose. Idealmente, se desea tener una jerarquía clara entre todos los elementos de su escena. Cuando tienes muchos pequeños elementos que
encajan con éxito en una composición equilibrada, el espectador puede intentar crear conexiones entre todos estos en su mente. Y ahí es cuando se empieza a conseguir un sentido de la historia y el ambiente que viene, lo que en mi opinión, crea una imagen realmente fuerte. Entonces, no tengas miedo de agregar muchos pequeños detalles a tu composición, pero solo ten claro cuál es tu punto focal también. El cuento es que quieres contar son el tipo de sentimiento que quieres comunicar. Recapitulemos rápidamente esta lección. Hemos mirado la regla de los tercios y creando un interesante equilibrio colocando tu punto focal a lo largo de una de estas cuatro intersecciones. Además de colocar los elementos de tu escena y un buen equilibrio entre todos estos segmentos. Hemos mirado el uso de una composición centrada, que es una forma realmente simple y efectiva de llamar la atención hacia tu punto focal. Hemos mirado el uso de líneas de liderazgo para dirigir el ojo. Hemos mirado el uso de encuadre e iluminación. Hemos mirado el uso del espacio y el contraste negativos. Y hemos hablado de usar personajes y heces para llamar la atención del espectador. También miramos establecer una jerarquía de puntos focales juntos en una escena. Y por último, poner la escena por completo utilizando varios de estos lineamientos de los que hablamos. Entonces, no te dejes sentir demasiado constreñido por estos lineamientos de composición. Simplemente debes usarlos para ayudar a mejorar la forma en que piensas cuando estás dibujando tu diseño. Pero una vez que tengas una comprensión de lo básico,
entonces la mayor parte de esto vendrá con intuición. Entonces no sientas que tu composición tiene que seguir por completo estas reglas. Y si quieres romper alguna de estas reglas y hacer lo tuyo en cuanto a tu composición. Eso está absolutamente bien. Todo se trata de lo que quieres comunicar y el tipo de sentimiento que quieres transmitir. Entonces ahora pasemos a la siguiente lección.
5. Lenguaje de formas: Algo de lo que vamos a querer estar conscientes a la hora de
crear los elementos estilizados en nuestra escena es el lenguaje de formas. Esta es solo una forma de pensar en estilizar tu trabajo, y es una técnica realmente interesante y efectiva que personalmente uso mucho en mi propia práctica. Te explicaré un poco sobre este método ahora y cómo puedes aplicarlo a tus dibujos y diseños para no solo realzar la estética de tus elementos sino también el tipo de sentimiento que proyectan. En primer lugar, desglosemos nuestras formas en círculos, cuadrados y triángulos. Por lo general, vemos que los círculos son seguros, inocentes y suaves. No hay bordes afilados ahí para lastimarnos. Los cuadrados son escena como robustos, sensatos, confiables, a menudo tal vez un poco aburridos, y los vemos más comúnmente en estructuras artificiales que en la naturaleza. triángulos se ven como peligrosos y emocionantes. Tienen estos bordes puntiagudos, por lo que a nivel subconsciente, estamos conscientes de que podrían dañarnos potencialmente. Esta relación psicológica que tenemos con estas formas
a nivel subconsciente puede ser utilizada dentro nuestros diseños para comunicar sentimientos específicos al espectador. Por ejemplo, empecemos con estilizar una palmera y podemos usar el lenguaje de formas para influir en la percepción de este sujeto. puedes ver he usado formas muy redondeadas aquí y usaré el mismo tratamiento redondeado en el tronco. Percibimos que este árbol es bastante suave y blando
y amigable debido al uso del lenguaje de formas. Si le damos a la palmera un tratamiento más cuadrado y blocky, podemos ver esto como muy robusto y sólido. Para mí, se ve un poco futurista y hecho por el hombre porque es muy raro ver estas formas en la naturaleza. Si le damos a la palmera un tratamiento puntiagudo más triangular, se ve un poco más peligroso, pero también se ve un poco más emocionante y misterioso. Podemos hacer lo mismo con cualquier tema. Adelante y dibujemos varios otros elementos ahora con cada uno de estos diferentes tratamientos de lenguaje de formas y notemos cómo cada una de estas estilizaciones evoca sentimientos y connotaciones diferentes. Puedes probar esto con muchos temas diferentes y ver qué efecto te da cada uno de estos tratamientos y también puedes usar estos diferentes lenguajes de formas en diferentes partes de tus imágenes y combinar diferentes formas también en su paisaje. Si quieres combinar, digamos, realmente le
peiné a una palmera con unas bonitas rocas lisas, amigables y algunas montañas realmente dentadas, peligrosas, entonces eso le dará a tus ilustraciones un efecto diferente y le agregará un poco de historia extra interesante a tu pieza O quizás quieras usar lenguaje de forma
muy suave o realmente dentado a lo largo de toda tu pieza. Simplemente juega con este ejercicio y ve con qué se puede llegar, y una vez que hayas tenido un go con eso, pasemos a la siguiente lección.
6. Iluminación y efectos atmosféricos: Mi parte favorita personal del proceso es darle vida a esto con iluminación y efectos atmosféricos porque aquí es donde se establece
tanto del estado de ánimo de tu escena. Entonces en esta lección, correré algunos consejos y trucos rápidos que comúnmente uso en mi propia práctica para dar vida a mis escenas. Empecemos con perspectiva atmosférica. Entonces como mencioné en nuestra lección de profundidad y perspectiva, puedes utilizar el fenómeno natural de la perspectiva
atmosférica para crear efectos al colorear tu escena. Asegurarse de que los elementos que retroceden sean más bajos en contraste y saturación en comparación con los elementos que avanzan, los cuales aparecerán más saturados y más altos y contraste y rango de valor. Entonces algo que puedes hacer aquí para comprobar tus valores es agregar en una capa gris encima de tu imagen y simplemente establecer ese modo de mezcla de capas a color. Y entonces podrás ver tus valores con mayor claridad sin la distracción de esos colores. Por lo que puedes ver tenemos valores bastante fuertes en el desgarro de primer plano, que se vuelven más ligeros y ligeros a medida que estas montañas retroceden hacia la distancia. Entonces volvamos a apagar esa capa gris por ahora y a encender esta capa de primer plano. Entonces si tenemos algo en la escena que eso está aún más cerca de nosotros, se
puede ver cómo hay aún más contraste ahí. Por lo que no necesariamente significa que todos los elementos en primer plano vayan a ser más oscuros. Simplemente significa que va a haber un mayor contraste entre los colores y valores claros y oscuros. Y también van a haber mayores niveles de
saturación dentro de los colores más cercanos a nosotros. Entonces algo más que podemos hacer, nuestra deuda entre nuestras capas es crear una especie de efecto desordenado. Entonces si elegimos un pincel suave y seleccionamos un color claro, podemos dibujar un gradiente suave entre cada capa, lo que crea una encantadora sensación de espacio y atmósfera. Y este tipo de efecto puede ocurrir a intensidad
variable cuando el clima está realmente nebuloso o nebuloso, o solo hay mucha humedad en el aire en general. Por lo que se puede ver cómo este efecto ha tomado algo que todavía era un poco plano de aspecto y realmente empujó hacia arriba sensación de profundidad. Y algo más que realmente me gusta hacer con mis cielos es crear un gradiente que sea más claro en la parte inferior y más oscuro en la parte superior. Entonces, por ejemplo, si creo una nueva capa y dibujo en una franja de azul oscuro en la parte superior del lienzo. Entonces puedo crear un gradiente yendo a Ajustes desenfoque gaussiano y luego difuminando esa capa para que parezca como si mezclara sin problemas con el color de abajo. Y solo creo que eso ayuda a crear un efecto de aspecto natural realmente agradable. Por lo que se puede ver cómo implementar estas técnicas muy básicas puede ser súper, súper eficaz para crear una escena inmersiva llena de profundidad y atmósfera. Perspectiva atmosférica inversa es cuando los colores cálidos retroceden dentro de la escena y los colores fríos avanzan hacia nosotros. Y esto suele ocurrir cuando el sol está bajo en el cielo ya sea al amanecer o al atardecer. Por lo que se puede ver en esta escena tenemos algunos tonos realmente cálidos en la distancia, volviéndose más fríos a medida que se mueven hacia nosotros. Entonces, solo escojamos esos colores y veamos dónde yacen en la rueda de color. Por lo que se puede ver esto está en el lado muy cálido del espectro. Y con cada color viniendo hacia nosotros, eso hacia moverse un poco más hacia el extremo más frío de esa rueda de color. Por lo que aparte de la temperatura de color invertida y este efecto, la otra perspectiva atmosférica aún aplicaremos en términos de valor y contraste. Y también podemos añadir en ese efecto de niebla para realzar aún más la atmósfera aquí. Ahora veamos cómo funcionan las luces y las sombras. Por lo que podemos pensar que la luz se mueve en líneas rectas, iluminando sujetos con los que interactúa y dejando una sombra atrás. Y no sólo obtenemos una sombra en el plano terrestre detrás del sujeto, sino que también queda una sombra sobre el propio sujeto. Y esto crea un sentido de forma, proporcionando más de una apariencia tridimensional al sujeto. Y también puede crear un efecto bastante agradable, dibujando reflejos sobre nuestro tema y servicios dondequiera que la fuente de luz los esté golpeando directamente. Entonces si las fuentes de luz realmente intensas, verás sombras muy
duras y reflejos duros y cargas de contraste entre tus sombras y luz. tanto que si, por ejemplo, es un día bastante nublado con poca luz solar directa, tendrás un contraste muy bajo entre tu luz y sombra. Y las sombras aparecerán mucho más suaves sin bordes duros, ya que la luz se difunde mucho más en estas situaciones. Y la escena en general se verá menos contrastante y los colores aparecerán de manera más uniforme. Y dependiendo del ángulo de la luz. Por ejemplo, si es bajo en el cielo al atardecer, las sombras aparecerán mucho más largas en comparación con la mitad del día. Cuando las sombras serán otras más cortas con una súbita alta en el cielo. Así como nuestra principal fuente de luz aquí, que es el sol. También obtienes menos intensa luz entidades bonused, áreas sombreadas, por ejemplo, aquí tenemos luz azul dispersa por todo el cielo. Y esta luz también se rebota en las zonas sombreadas. En un día encantador en el que hay un cielo azul realmente claro, posible
que notes que las áreas sombreadas pueden aparecer bastante intensamente azules. Otra cosa a destacar es que cuanto más lejos se vuelve la sombra del sujeto, más se llenan los espacios de luz que rebota del cielo y de otros objetos. Y para que la parte más lejana de la sombra a menudo aparezca un poco suave y más ligera que el área de sombra más cercana al sujeto. Algo más que quizás quieras considerar a la hora de crear tus paisajes es solo usar siluetas, lo que puede crear un efecto increíblemente llamativo. Entonces podemos hacer esto girando todo en negro excepto el cielo, del cual podemos hacer una característica encantadora mediante el uso de colores vibrantes. Y si haces que tu cielo sea bastante oscuro, puede
que quiera agregar alguna iluminación de borde alrededor tus siluetas solo para que destaquen más lejos en la escena. Entonces puedes imaginar que tu hijo está justo por debajo del horizonte y solo está iluminando ligeramente el contorno de tus siluetas para llamar la atención hacia ellas y crear más contraste y drama dentro de tu composición. Ahora veamos cómo crear un defecto de luz brillante. Algo que realmente disfruto es saludar yendo efectos alrededor de fuentes de luz dentro de mis ilustraciones. Entonces te mostraré una técnica realmente sencilla que solía hacer esto ahora. Para que podamos empezar duplicando la capa a la que quieres añadir un efecto de brillo. Y luego seleccionando la capa debajo. Entonces solo puedes ir a Ajustes, desenfoque gaussiano y crear un efecto resplandeciente de intensidades variables simplemente deslizando tu lápiz a lo largo del lienzo para aumentar o disminuir nuestro Desenfoque. Y si quieres aumentar aún más la intensidad, solo
puedes duplicar esa capa borrosa tanto
como quieras hasta que estés contento con el efecto. Y otro efecto que es bastante bonito es que si
creas una máscara de recorte sobre esa capa borrosa, puedes entonces llenar esa capa de máscara de recorte con absolutamente cualquier color sobre ella. Y también puedes intentar cambiar el modo de mezcla hasta lograr un efecto agradable. Y esta también es una buena técnica para usar si
quieres agregar un poco más de color a tu escena. Entonces podemos hacer exactamente lo mismo con estas estrellas. Entonces si volteamos esos efectos de resplandor de, se
puede ver apenas cuánta diferencia hay en el encanto y la atmósfera de todo este cielo. Otra cosa que me gusta bastante hacer es crear un resplandor duro dibujando todo un círculo alrededor del área que quería resaltar. Y simplemente cambia el modo de mezcla para superponer y bajar la opacidad. Y podría repetirlo algunas veces para crear una especie de efecto de datación gris. Entonces esa es otra técnica que creo que funciona realmente, muy bien. A continuación, veamos los rayos de luz. Entonces aquí hay una escena forestal que he creado. Por lo que puedes ver he añadido algunos efectos de luz resplandecientes a esta zona donde la luz se filtra a través de los árboles. Y también he añadido algo de ese aligeramiento entre estas capas de primer plano solo para realzar la sensación de profundidad y espacio en la escena. Y también he estudiado un área sombreada a lo largo este lado izquierdo que ustedes mismos el ojo para enfocar en esta parte posterior de la imagen. Ahora voy a añadir algunos rayos de luz. Entonces imaginemos que hay un montón de pequeños agujeros en el dosel por encima de la luz que atraviesa. Entonces, empecemos por crear una nueva capa. Y vamos a utilizar la herramienta de selección. Y comience marcando o una forma de haz de donde queremos que venga nuestra luz. Entonces solo estoy tocando fuera del lienzo para marcar las esquinas de este frijol en forma. Por lo que voy a usar mi cepillo para sombreador de textura rizoma para esto. Pero puedes usar cualquier pincel suave que vaya a crear un gradiente. Entonces, por ejemplo, puedes usar el cepillo suave de la sección Uber en Procreate. Entonces podemos simplemente dibujar en esta viga dentro de esa zona seleccionada. Y me estoy asegurando de laminar y con más intensidad en la parte superior de esta viga y permitiendo que se alimente hacia abajo. Y luego podemos dibujar un par de vigas más pequeñas al lado de esta más grande, que están siguiendo la misma dirección. Por lo que sólo estoy haciendo lo mismo seleccionando las áreas en las que quiero dibujar mi viga. Y luego disparando con ese color de luz, asegurándose de aumentar la intensidad de ese sombreado hacia la parte superior de la viga. Y luego podemos seleccionar Superposición de la lista Modo de capa. Y se puede ver cómo esto crea un efecto realmente bonito que ilumina todos los colores debajo de él. Y esta puede ser herramienta realmente útil para tal vez ayudar a resaltar nuestro personaje o un punto focal dentro de tu escena. Y también puedes robots y secciones de esta viga con un cepillo suave solo para crear un look más natural. Y un toque final que puede agregar un poco de encanto extra, es simplemente dibujar unas pequeñas partículas dentro estos haces que se están iluminando y resaltando por esa luz. Y podemos configurar estos para superponer también. Y Laura, la capacidad. El efecto final te voy a mostrar como reflexiones en el agua. Agregar reflejos a grandes cuerpos de agua puede crear un efecto tan agradable. Por lo que hay varias técnicas que se utilizan para crear reflexiones, y esto todo depende de lo estéril o entrecortado que quieras que aparezca el agua. Para agregar una reflexión en esta escena, lo que queremos hacer es reflejar todo lo que está por encima de esta línea de flotación abajo abajo. Por lo que esencialmente queremos reflejarlo. Entonces lo que podemos hacer es simplemente exportar toda esta escena como una imagen JPEG. Y luego queremos importarlo y otra vez,
y queremos convertir esta imagen insertada en una máscara de recorte por encima de esta capa de lago. Y entonces podemos voltear esa capa verticalmente. Y sólo queremos alinear todo para que parezca como si estuviera reflejado dentro de la escena. Y luego queremos bajar la opacidad de esta capa para crear una mirada reflejada más natural. Y debido a que también
tenemos estas rocas, vamos a querer avergonzarlas también porque van a estar interrumpiendo los reflejos de la escena de arriba. Por lo que queremos hacer lo mismo espejando esa capa. Pero debido a que todos están en la misma capa, no
tenemos que exportarla como JPEG. Por lo que podemos simplemente voltear verticalmente esta capa duplicada en su lugar. Y se puede ver que debido a que todos están sentados en diferentes planos horizontales, vamos a tener que aprender cada uno de estos de manera individual. Por lo que solo puedes usar la herramienta de selección y alinear estos todos con su compañero reflejado. Y entonces sólo podemos llevar esa capa reflejada debajo de las piedras reales. Y esta vez en realidad no queremos bajar la opacidad porque entonces esta capa interactúa con la otra capa reflejada y se ve un poco transparente. Entonces en cambio podemos aligerar el tono de estos para distinguirlos de los sujetos reales. Entonces como puedes ver, esta reflexión se ve muy quieta y clara por el momento, casi como si se tratara de un cristal o de un espejo. Entonces si queremos que esta agua vea más áspera y rápidamente, lo que podemos hacer es ir a Ajustes, desenfoque de movimiento. Y luego puedes matar el lápiz verticalmente y verás este carril que cruza la parte superior. Y eso sólo indica intensidad de este desenfoque de movimiento. Por lo que queremos una cite hacia abajo y una línea vertical en contraposición a horizontalmente. Y me gusta cuando sólo está un poco borrosa. Y entonces podemos hacer lo mismo con las rocas. Entonces otra cosa que podemos hacer es usar la herramienta de manchas. Y puedes usar eso con cualquier pincel que quieras. Y solo podemos crear líneas horizontales de diversos tamaños y colocaciones. Y eso solo mancha todos los colores de tu capa
seleccionada entre sí para crear un efecto ondulante. Otra cosa que podemos hacer es sumar algunos aspectos destacados. Y hace un efecto bastante bonito si colocas tu resaltado en aproximadamente el mismo plano vertical que la fuente de luz en tu imagen. Entonces aquí se puede ver que estoy tratando de colocar esos reflejos más o menos debajo de donde está la luna. Entonces como puedes ver, eso crea un look realmente bonito y podemos hacer un bonito efecto resplandeciente en el agua usando ese desenfoque gaussiano y superponer de nuevo, también
puedes simplemente mascotas colores directamente del agua y hacer ondulaciones de esos. Y prueba diferentes técnicas y formas de estilizar. El agua es algo que puedes ser bastante juguetón con la abstracción. Y no siempre tienes que crear un reflejo espejo cuando estás ilustrando el agua, yo diría que la mejor manera de aprender sobre dibujar diferentes efectos de agua y efectos de iluminación en general, es hacer estudios a partir de fotos y luego ver hasta dónde puedes empujar la estilización. Entonces esas son solo unas pocas pestañas muy simplificadas porque no quiero abrumarte poniéndote demasiado técnico. Y si estás creando escenas bastante abstractas y estilizadas, puedes ser un poco más lúdico y doblar estas reglas a tu pozo un poco más que si quieres crear escenas de aspecto realista. Para que puedas ver cómo todas estas técnicas juntas pueden ayudarte a
realzar realmente el ambiente y el estado de ánimo de toda tu escena. Entonces, una vez que estés listo, pasemos a nuestra siguiente lección.
7. Búsqueda de inspiración: Ya es hora de empezar a trabajar en nuestro proyecto. Antes de empezar a buscar inspiración, decidamos primero un tema general o una idea para nuestra pieza final. Piensa, en primer lugar, en qué tipo de entorno quieres dibujar, ya sea un bosque, playa, desierto, montañas o cualquier otra cosa, y también quizá una idea del estado de ánimo y el ambiente que quieres establecer. Una vez que tengamos una lista, más podremos buscar más intencionalmente inspiración en torno a esto. Para mi pieza, he decidido que quiero hacer una escena montañosa con un sentimiento algo aventurero. Ahora que tengo esa dirección, voy a ir a buscar imágenes que pueda usar como inspiración. Por favor siéntete libre de reunir tanta referencia fotográfica como quieras de diferentes fuentes en esta etapa. Esto podría ser de búsquedas de imágenes en línea, o tal vez quieras ir a tomar tus propias fotos de un lugar específico. Pero lo que queremos hacer es reunir inspiración de un montón de imágenes
diferentes para que podamos escoger y elegir diferentes elementos, y unir un poco de cada uno para crear algo que sea único para nosotros. Nos centraremos más en inspirarnos en las fotos de esta clase en lugar de en el trabajo de otros ilustradores, porque es más fácil estilizar algo de una manera que es único para ti cuando estamos referenciando desde fotos, más que de ilustraciones que ya han sido estilizadas por otra persona. De esta forma, evitaremos copiar involuntariamente trabajo de otra
persona y nuestra pieza será más original para nosotros. Dicho esto, a menudo me resulta útil crear
también un tablero de humor de Pinterest con ilustraciones e imágenes que han logrado capturar el mismo sentimiento y estado de ánimo general que también quiero transmitir. Simplemente haré notas mentales sobre cosas que realmente me gustan de cada pieza, ya sean los colores, las texturas, la forma, el lenguaje, o la composición, y estas son todas cosas que puedo tener en cuenta cuando estoy dando forma a mi final ilustración, al tiempo que se tiene cuidado de no copiar estas obras de arte directamente. El truco aquí es tomar inspiración de muchas fuentes diferentes que
puedas remezclar esas ideas para hacer algo nuevo y fresco, lugar de simplemente inspirarte en una sola pieza y copiarla directamente. Una vez que hayas reunido algunas imágenes o hecho una pizarra de humor para usarla como inspiración, hagamos un breve más específico para nosotros mismos. Piensa en lo que quieres que sea tu punto focal en la escena. ¿ Qué quieres destacar? ¿ Es un tema específico o tal vez sólo un área específica? Piensa en qué hora del día es, y la temporada. Por último, haz una lista mental de todos tus elementos que deseas aparecer en la escena. Piensa en la vida vegetal, rocas, diferentes signos de vida, son su ropa, cuerpos de agua, diferentes situaciones climáticas y ese tipo de cosas, y considera tanto tus elementos grandes como pequeños. Una vez que tengas una idea más clara de qué incluir en tu escena, pasemos a la siguiente lección donde podemos empezar a dibujar nuestros elementos individuales de referencia, luego decidir cómo podríamos querer estilizarlos.
8. Dibuja elementos individuales: En esta lección, vamos a dibujar todos nuestros elementos individuales que podríamos querer colocar en la escena. Este ejercicio nos ayudará a formar una idea clara de cómo van a quedar estos antes empezar a armar todo porque se va asegurar que a la hora de dibujar toda nuestra escena, no nos
quedemos atascados en lo que cualquier individuo objeto se va a ver y el proceso será mucho más suave y más divertido. Hice una lista de todos mis elementos que quiero incluir en mi escena. En esa lista se encuentran pinos, rocas, montañas, caminos, y largos pastos y flores, y luego escogí varias fotos
de referencia de esta lista de elementos de los que voy a sacar. Empecemos dibujando una línea aproximadamente hacia abajo en el centro de la página. Por un lado vamos a estar haciendo bocetos simples desde referencia y luego el otro lado estilizaremos y abstraeremos esos elementos usando nuestra imaginación. Voy a empezar dibujando varios árboles. Simplemente realmente estoy dibujando a las ovejas de lo que veo y tratando de mantener mi dibujo pequeño y ser bastante rápido al respecto. Por ejemplo aquí estoy notando esa forma triangular general y luego la curva general de esas ramas dentro de esa forma. Al hacer varios estudios a partir de diferentes imágenes de referencia, puedo señalar similitudes y diferencias entre este tipo de árboles y sus estructuras. Me ayuda a construir un poco más de una biblioteca visual a la que puedo recurrir más adelante. Voy a seguir adelante y hacer lo mismo con el resto de los elementos de mi lista. Dibujar varias variantes de todo y hacerse una idea de cómo dibujarlas todas de diferentes maneras. Simplemente mantengo esos dibujos pequeños y llenando ese lado izquierdo de la página con todos estos bocetos observacionales. Ahora que hemos dibujado todos estos elementos de referencia, vamos a volver a dibujarlos usando un poco más de nuestra imaginación esta vez y agregándoles nuestro propio estilo a ellos. En esta etapa, no quiero que mires tu referencia si puedes evitarla porque podrías sentirte atraída hacia formas más realistas. De esta forma podemos crear elementos más estilizados y traer un poco de estilo y personalidad únicos a la hora de dibujar nuestras escenas. Por ejemplo, si tomo aquí este primer boceto de árbol, puedo dibujar más o menos esa forma triangular para empezar y luego dibujar a lo largo de estas curvas para crear esta forma más definida y estilizada. Aquí puedes simplemente jugar abstrayendo y simplificando las formas de tus bocetos anteriores y probar diferentes cosas dependiendo del estilo en el que te guste trabajar y también tener en cuenta qué lenguaje de formas quieres usar y qué sentimiento general quieres encontrarte. Puedes hacer que estos elementos realmente simplificados y de aspecto simbólico, puedes intentar jugar alrededor con lo que va a ser un grupo de estos elementos juntos y también puedes probar diferentes niveles de detalle desde realmente simplificado formas a las más detalladas. Ya puedes ver que mis bocetos de
la derecha son de aspecto mucho más gráfico y creo que tienen un sentido más fuerte del estilo y la personalidad que los bocetos más representacionales de la izquierda. Simplemente déjate divertirte aquí, juega, experimenta, y mira a dónde te lleva. Al construir una biblioteca visual de elementos estilísticos de esta manera, facilita mucho saber qué queremos incluir en nuestra escena y cómo queremos dibujarla a la hora de componer nuestra pieza. También es solo un buen ejercicio para ayudarnos a
calentarnos y practicar ser un poco más expresivos, ya sea estilo de ilustración y
habilidades de dibujo antes de pasar a crear nuestra escena final. Una vez que estés listo y hayas tenido una buena oportunidad de practicar este ejercicio, pasemos a esbozar nuestras composiciones.
9. Miniaturas de la composición: Ahora vamos a empezar a bosquejar varias miniaturas de composición para elegir para nuestra pieza final. De acuerdo, Así que en primer lugar podemos empezar dibujando nuestro marco y vamos a mantener este pequeño para empezar. Por lo que solo estoy creando una línea recta en Procreate dibujando una línea rugosa y manteniendo el lápiz en el lienzo por un par de segundos. Y si sostenemos nuestro otro dedo en el lienzo, esa línea se partirá a diferentes ángulos. Por lo que esta es una manera fácil de crear un marco áspero con líneas rectas. Ahora mantén estas miniaturas realmente pequeñas e intenta no acercar a marzo. Ahora que tenemos este espacio definido para jugar, Primero que nada
distinguamos dónde está la línea del horizonte. Entonces voy a colocar mi línea de horizonte bastante baja en la escena para que podamos ver más del cielo. Entonces simplemente estoy dibujando una línea horizontal y la mitad inferior de este marco. Y eso da la impresión de que estamos mirando un poco hacia arriba. Voy a dibujar una montaña en medio de la composición aquí. Y este va a ser mi punto focal. Por lo que quiero que todos mis elementos rendidos complementen la ness y ayuden a llamar la atención hacia ella. Hombres pensando en ese lenguaje de forma aquí también, quiero que la montaña parezca algo peligrosa y emocionante con este tratamiento triangular. Estoy dibujando algunas colinas circundantes para crear un paisaje más natural y proporcionar alguna variación y maduración. Entonces voy a dibujar algunos árboles en primer plano para empezar a establecer aquí una sensación de profundidad. Entonces puedes ver que estoy dibujando estos bastante grandes y están desapareciendo del costado del marco, lo que da la impresión de que están bastante cerca de nosotros. Y aunque esta es una composición bastante asimétrica, aún
quiero crear alguna variación natural entre ambos lados de la imagen al dibujar mis elementos. Entonces vas a querer elementos considerables que quieres
mostrar en tu primer plano, medio suelo y fondo,
y cuál es el punto focal y cómo vas a llamar la atención
sobre ese punto focal. En esta escena. Yo quiero que el foco principal esté en esa montaña. Entonces es una especie de enmarcado dentro de estos árboles. Y también vamos a dibujar algunos elementos más alrededor esa montaña y hacer que esto parezca un poco más fluida y realista. Entonces estoy dibujando unos infiernos más y, y creando más capas en la escena. Voy a llenar esa zona media a continuación ya que se ve un poco vacía. Entonces estoy dibujando un par de curvas para definir algunos infiernos y luego dibujando un lago que fluye entre ellos y viniendo hacia nosotros aquí. solo puedas seguir agregando cosas y editando tu composición hasta que empieces a acumular una sensación de profundidad y atmósfera así como un buen equilibrio y volaste a tu escena. Estoy dibujando algunas nubes en el cielo aquí ahora, y deliberadamente estoy haciendo esas curvas hacia abajo hacia esa montaña para ayudar a guiar el ojo hacia ella y agregar algo de gripe extra y encuadre a la escena. También voy a dibujar el sol y detrás de esa montaña porque al tener nuestra fuente de luz directamente encima del punto focal y
ayudará a exagerarlo y llamar la atención hacia la forma de montaña a la hora de definir todo el efectos de color e iluminación. Y podemos crear un efecto realmente bonito al mostrar esa
luz que irradia hacia afuera en el cielo. De acuerdo, Así que estoy bastante contento con esta composición ahora, pero intentemos crear unas miniaturas más aquí y explorar algunas ideas diferentes. Para que no tengas que quedarte dentro de ese mismo formato. Puedes intentar trabajar dentro lienzos
realmente largos orientados a retratos o formatos panorámicos muy amplios. Entonces aquí he dibujado una caja bastante larga para representar el lienzo. Y de nuevo, estoy empezando definiendo la colocación de
mi línea de horizonte y luego dibujando en mis elementos para que correspondan con eso. Entonces de nuevo, solo estoy definiendo muchas capas y formas en este paisaje. Y porque esta es una composición más larga y consumen más de lo que está pasando tanto en el suelo como en el cielo. Entonces realmente estoy haciendo uso del espacio extra. Y tal vez esta vez tengamos algún tipo de acantilado y el primer plano con un camino conduce hacia la montaña y luego tal vez algunas flores a los costados. Y esto hace un gran lugar para poner a un personaje en la cima de este camino. Entonces cuando agregamos un personaje a nuestra escena, muchas veces el punto focal cambia y se dibujará para mirar al personaje en primer lugar, así que solo ten en cuenta que quieres incluir a un personaje en tu escena. Entonces para mí, esta escena luce llena de aventura. Hay muchos zigzags y lenguaje de forma triangular. Se siente bastante enérgico, mientras que nuestra composición anterior se siente más tranquila, ha conseguido más líneas fluidas y lenguaje de forma circular. Entonces solo voy a seguir haciendo diferentes tamaños de composiciones hasta que llene esta página con algunas opciones. Y luego veré lo que más me gusta asumir como mi pieza final. Entonces solo tienes una jugada con tus composiciones. Déjate desordenado y garabateado y déte un poco de espacio para experimentar. Podrás probar diferentes formatos de escenas, desde el paisaje hasta el retrato, dos cuadrados, triángulos, composiciones centradas. Intenta leering. Intenta tener algunos puntos focales diferentes y ve si
puedes crear algún tipo de equilibrio y jerarquía entre ellos. Intenta crear un camino y usar líneas de liderazgo, e intenta usar diagonales para crear una sensación de energía. Y puedes intentar crear composiciones realmente dinámicas y complejas. O puedes mantenerlos súper simples y simplemente estar al tanto
del tipo de estado de ánimo que se cruza y del equilibrio general de tu escena. Un último truco que me gusta hacer es voltear mi lienzo horizontalmente. Y eso nos permite ver estas miniaturas desde una perspectiva fresca y ayudarnos a decidir qué composición queremos llevar a la siguiente etapa. Entonces me gusta mucho cómo resultó esta composición aquí. Creo que hay un buen equilibrio entre todos los elementos y un buen sentido del ambiente. Entonces voy a tomar este para finalizar en las próximas lecciones.
10. Perfecciona la composición: Voy a crear un nuevo lienzo en Procreate ahora y quiero que mi pieza sea tamaño de pantalla. Estoy ajustando mis dimensiones a 1.920 veces 1,080P a 300 DPI. Pero siéntete libre de usar las dimensiones que te convengan, dependiendo de para qué vas a estar usando tu pieza y dónde quieras compartirla. He abierto mi lienzo y ahora voy a pegar en mi miniatura elegida. Tocaré ese botón “Ajustar a pantalla” y luego bajaré la opacidad de esa miniatura. Entonces crearé una nueva capa y cambiaré mi pincel por algo más limpio para dibujar en mi trabajo de línea. Ahora voy a repasar estas líneas ásperas y posiblemente retocar algunas cosas para definir estas formas y refinar aún más la composición. Solo estoy rastreando esas marcas iniciales y tratando de mantener mi mano firme y crear unas líneas lisas y
limpias para que pueda definir formas más decisivas en esta etapa. Se puede ver que aquí se están haciendo muchos ajustes de formas y tratando de mejorar el sentido del lenguaje de flujo y forma entre todos mis diferentes elementos en la escena. Si en cualquier momento durante este proceso te sientes un poco atascado con no saber representar un objeto o detalle en particular, solo tienes que ir y encontrar alguna referencia. No te dejes frustrar tratando de sacar todo de la memoria y la imaginación si no estás listo para eso. Pero si te sientes cómodo con eso, entonces eso es genial. Simplemente haz lo que se sienta natural dependiendo de tu nivel de habilidad. Una vez que tenemos bastantes líneas hechas, podemos apagar esa capa rugosa y ver cómo se ve el trabajo de esta línea. Entonces podemos ordenar cualquier cosa que parezca un poco fuera de equilibrio. Ahora que las formas más grandes se han definido principalmente, estoy pasando a dibujar algunos de los elementos más pequeños en detalles. No necesitas dibujar cada pequeño detalle, pero esto es solo para darte un diseño general con el que trabajar y una mejor idea de cómo quieres que se vean tus elementos en términos de forma y estilo. Tu boceto refinado no necesita ser absolutamente perfecto siempre y cuando estés generalmente contento con el diseño general y tu lenguaje de formas y capas. Entonces desde aquí podemos empezar a burlarnos de una idea aproximada de cómo queremos colorear la escena.
11. Boceto de colores: Ahora vamos a empezar a poner algunas ideas de color áspero para la escena. Entonces me voy a deshacer de unas cuantas capas que no necesito por el momento, solo dejando el diseño de pantalla para trabajar. Ahora voy a crear una nueva capa y voy a nombrar la capa de diseño original, Rough Layout. Después nombra esa nueva capa, Color Rough, y luego trae eso debajo del diseño. Ahora vamos a sentar realmente más o menos nuestras ideas iniciales para los colores. Quiero que mi escena se establezca alrededor de la puesta de sol, así que voy a elegir un color naranja vibrante para el cielo primero nada y luego puedo escoger todos mis otros colores basados en eso. También podría tener una hora del día o temporada o estado de ánimo que desee
transmitir que le informará a su esquema de color deseado. Por lo que apenas estoy empezando a bloquear más o menos en colores que estoy pensando sin ser demasiado preciso. Podemos jugar con todos estos y probar algunos efectos de iluminación después de que estén bloqueados. Por lo que he elegido un color verde menta para estas colinas Mitterrand aquí y solo estoy bloqueando esos fuera todos a la vez. Entonces puedes ver que estoy tratando de ser realmente rápido y no preocuparme por quedarme dentro las líneas ni nada porque no quiero perder demasiado tiempo aquí. Entonces quiero que esta hierba en ese acantilado en primer plano sea más de un verde amarillento en contraste con esas colinas. Entonces solo estoy bloqueando eso también. Haré de esa montaña de la distancia un color lila por ahora. Nuestro sol va a ser un amarillo brillante, claro y nuestro color roca acantilado va a ser un marrón grisáceo por ahora. Yo quiero que el lago sea de color turquesa. Por lo que sólo aligero el tono para que se destaque un poco más de los cerros. Estoy poniendo todos estos colores abajo en esa misma capa porque sí queremos estar faffing con demasiadas capas en esta etapa. Se trata de bajar la idea realmente dura antes de pulir todo más tarde. Entonces si apagamos esa capa de diseño, se
puede ver que no hay percepción de profundidad en absoluto entre estos cerros. Entonces voy a escoger ese color verde y luego crear diferentes tonos del mismo tono. Entonces tendremos una versión más oscura para las capas que están más cercanas a nosotros y luego hacerlas un poco más ligeras y desaturadas a medida que retroceden dentro de la escena. Entonces si volvemos a apagar esa capa, se
puede ver cómo este rango tonal ha hecho tanta diferencia en la percepción de profundidad aquí. Entonces una vez que tenemos algunos colores realmente básicos bloqueados, podemos jugar un poco con agregar algunos efectos de iluminación básicos y ver si
queremos cambiar alguno de esos colores una vez que tengamos una idea de iluminación y atmósfera. Yo quiero que el cielo tenga un gradiente más ligero hacia el horizonte. Entonces voy a crear una nueva capa y dibujar con mi pincel de textura un poco de color más claro y luego voy a cambiar el tono ligeramente a algo amarillento y luego pondré esta capa a superponerse. Por lo que ya puedes ver cómo un efecto de iluminación realmente simple puede agregar tanta atmósfera a la escena. Entonces voy a crear otra capa nueva y dibujar en alguna de esa textura en un color más oscuro para establecer algunas áreas sombrías en los lugares que están más lejos del sol. Entonces estableceré esta capa para que se
multiplique y juegue con la saturación de tono y el brillo. Por lo que ahora estoy empezando a tener una idea muy aproximada
del estilo de iluminación y cómo eso va a funcionar junto con mi esquema de color. Por lo que una vez que tengas algunos colores más o menos bloqueados, puedes jugar con la saturación de tonalidad y brillo de la capa Color Rough y ver qué diferentes efectos puedes crear. Recuerda que no tienes que seguir con colores realistas en absoluto, haces las reglas aquí. Entonces solo intenta escuchar tu intuición de cómo estos diferentes esquemas de color te hacen sentir y lo que crees que funciona, y lo que no. Otra cosa que podemos hacer si queremos jugar con solo una sección de la imagen es usar la herramienta Selección. Entonces aquí estoy seleccionando esta zona de acantilado de primer plano. Después entra en saturación de matiz y brillo de nuevo. Ahora si juego con esos deslizadores, sólo
es cambiar los colores dentro de mi área seleccionada. Entonces estoy tratando de decidir aquí si quiero que este acantilado destaque y sea bastante contrastante con el resto de la imagen, o si quiero que se mezcle sin problemas y armoniosamente y si quiero que se vea más fresco o más cálido que el resto de la imagen. Por lo que estas son todas las cosas que también podrías querer considerar dentro de tus esquemas de color. Entonces voy a seguir jugando con mis colores y efectos de iluminación, probando algunas cosas diferentes y viendo por qué creo que funciona mejor con esta imagen. Si quieres hacer varias versiones de esquemas de color completamente diferentes, para que puedas comparar cuál te gusta más, entonces ve por ello. Pero igualmente, si aterrizas en un esquema de color que realmente te gusta tal como es, entonces puedes absolutamente quedarte con eso. No hay necesidad de pensarlo demasiado. Como puedes ver, hice mucho experimentar y jugar con colores ahí y finalmente tengo el Color Rough que realmente me gusta. Voy a usar esto como base para informar los colores y efectos de iluminación de mi pieza final. Entonces pasemos a la siguiente lección donde estaremos bloqueando nuestros colores de acuerdo con esto.
12. Bloques de colores: Ahora tenemos nuestra idea aproximada para los colores, y probablemente voy a cambiar algunos de estos colores más adelante, pero esto nos da una buena base para empezar. Simplemente voy a aplanar mis capas fusionando todo aquí porque terminé con unas cuantas capas extra mientras intentaba descifrar los efectos de iluminación. Solo estoy fusionando todos esos pellizcando mis dos dedos con un montón de capas en el medio hasta que todo esté en esa capa. Después voy a exportar esto como una imagen JPEG, y luego voy a ir a Acciones, Canvas, encender este práctico botón de “Referencia”, y puedes ver que esta pestaña de “Referencia” ha emergido. Entonces voy a ir a Imagen, Importar imagen, y sólo añadir en ese color rugoso ahí. Simplemente lo redimensionaré rápidamente para que no ocupe demasiado espacio en pantalla. De esta forma, podré tener todos esos colores a hacer referencia, y puedo apagar esa capa rugosa de color en mi lienzo, así que empezaré una nueva capa, y solo puedo escoger estos colores de la imagen de referencia manteniendo presionado mi lápiz el color deseado por un segundo y empezar a bloquearlos en mi lienzo. Por cada área de color que estoy bloqueando, estoy creando una nueva capa para mantener todas esas separadas. Simplemente voy a
bajar la transparencia del diseño para que pueda ver los bordes de mis elementos con mayor claridad. Entonces puedo seguir esas pautas con trazos suaves, primer lugar, creando un contorno limpio que luego puedo bloquear para completar la forma. El pincel que estoy usando aquí es el MaxU Toothy Inker del
set de comics MaxPacks porque me gusta mucho la variación en textura así como la presión de línea. Obviamente, no tienes que usar los mismos pinceles que yo. Simplemente puedes usar lo que te sientas más cómodo y sin duda puedes lograr un efecto similar con los pinceles nativos Procreate o pinceles de otros fabricantes. Me gusta empezar delineando la forma primero con un pequeño tamaño de pincel, y luego entrando y coloreándola con un tamaño de pincel más grande para que pueda mantener algo de esa textura granulada. Otro pincel que me gusta usar es este RISO Texture Shader, que proviene del conjunto de brochas RISO de Tip Top, y que da una agradable textura granulada suave que es genial para crear gradientes. Vamos a usar eso aquí para crear un gradiente suave en el cielo. Ahí hay un pincel que es nativo de Procreate que
puedes usar para lograr un efecto muy similar, que encontrarás en la carpeta Sketching. Si vas al fondo de esa lista, se llama Bonobo Chalk. Eso crea una textura muy similar, agradable, granulada. Pero en lo personal, prefiero el RISO Texture Shader solo porque es un poco más fino. Pondré esa superposición de gradiente y luego bloquearé en algunas formas de nube en el horizonte, y luego después de eso, ajustaré un poco algunos colores y empezaré a agregar en algunos de los elementos más pequeños ahora que tenemos los colores principales bloqueados. Ahora quiero agregar una sutil textura de bosque a algunas de estas capas. Estoy dibujando algunas formas triangulares básicas, para empezar, para representar una colección de árboles, y añadiré en un par de formas de árbol diferentes solo para crear alguna variación extra. Solo estoy borrando algunas partes de esos árboles para crear un filo más afilado. Ahora que tengo un pequeño grupo de estos árboles, voy a ir a Ajustes y luego Clonar en la parte inferior, y verás que este círculo ha salido. Voy a mover eso sobre mi pequeño grupo de árboles y voy a aumentar el tamaño de mi pincel. Dondequiera que dibuje en el lienzo con esta herramienta de pincel, estoy clonando dondequiera que esté dentro de ese área de círculo en la misma capa. Solo vamos a usar esta técnica para crear un patrón aleatorizado en esta ladera. Yo sólo voy a seguir moviendo ese círculo alrededor y dibujando en diferentes lugares hasta que esta zona esté llena de todas estas formas de árbol. Esta es una gran manera tanto de ahorrar tiempo como de crear un efecto de patrón natural realmente agradable. Tu patrón podría terminar con el área que quieres, así que entonces solo podemos usar la herramienta Borrador para frotar cualquier forma no deseada. A mí me gustan bastante los árboles que están sobresaliendo de esa silueta de capa porque le suma un poco de interés extra. Entonces lo que voy a hacer es duplicar esa capa de árbol y encogerla un poco, luego moverla hacia estas partes que están un poco más lejos. Entonces de nuevo, solo voy a frotar cualquier área que no necesite. Después voy a configurar estas capas para Multiplicar y luego bajar la opacidad para crear un look más sutil. Ahora voy a hacer lo mismo con las otras capas,
asegurándome de considerar la escala y el nivel de detalle
disminuyendo a medida que la escena retrocede hacia la distancia. Ahora que tenemos la mayoría de nuestras capas bloqueadas con el color, pasemos a agregar detalles, iluminación y efectos atmosféricos.
13. Detalles, iluminación y atmósfera: Ahora es el momento de empujar más el estado de ánimo de la escena con detalles, iluminación y efectos atmosféricos. Por lo que queremos crear un efecto de resplandor alrededor del sol aquí. Y se puede ver que para lograr esto, estoy dibujando unos círculos de creciente diámetro detrás de nuestra original hijación. Y estoy aplicando algunos modos de fusión a esas capas dependiendo del look que quiera lograr. Entonces estoy jugando con multiplicar y superponer
y ver cómo esos colores se mezclan todos juntos. Y sabe lo que voy a hacer es duplicar la capa solar original y luego ir a ajustes, desenfoque
gaussiano, y jugar con la opacidad aquí. Y se puede ver que eso solo está dando un brillo suave y agradable. Y jugaremos con el modo de fusión y la opacidad en esa capa borrosa también. Por lo que ahora apenas empiezo a bloquear algunas de estas formas cerradas, lo que va a agregar ambiente e intereses extra a mi escena. Por lo que realmente puedo empujar las formas y la dirección de éstas dependiendo del estado de ánimo que quiera lograr. Entonces si complacido estos en un ángulo bastante diagonal para agregar un poco más de energía y movimiento a la escena. Y también he dibujado algunas de esas nubes frente esa montaña lejana para realzar esa sensación de profundidad. Y también estoy usando la herramienta de borrador para astillar estas formas para conseguirlas exactamente como quiero. Entonces configuraré el modo de mezcla de capas para agregar y jugar con la opacidad. Y ahora voy a levantar algunos tramos de estas nubes. Por lo que seleccionaré esta subida o Texture Shader como mi cepillo de goma de borrar. Y luego simplemente estoy frotando suavemente algunas áreas de estas formas para crear un look más translúcido al tiempo que agrega una textura sutil. Por lo que puedes ver esto solo ayuda a crear una sensación más suave y natural. Ahora voy a pasar a una nueva capa y dibujar en algunas reflexiones en el agua. Entonces para empezar, estoy creando varias líneas horizontales en colocaciones aleatorias, aproximadamente correspondientes al área por debajo del sol. Y luego cambiaré el modo de capa a superposición. Y luego sólo voy a botes de remos y secciones de estos carriles para hacerlos ver un poco más ordenados. De acuerdo, ahora voy a empezar una nueva capa justo encima mi capa de agua y luego escoger un color verde oscuro. Y estoy dibujando los reflejos de estas montañas en esa agua. Por lo que me estoy tomando mi tiempo para averiguar qué ovejas
serán estas reflexiones y asegurarme de que todo se aline bien. Entonces voy a ir a ajustes, tonalidad, saturación y brillo y jugar con el color de estos reflejos, haciéndolos un poco más tarde y más azulados que las montañas reales arriba. Y ahora voy a entrar en esas reflexiones con la herramienta de borrador y solo goma unas cuantas secciones en los bordes aquí para crear un sutil efecto ondulante en el agua. Ahora voy a añadir algún detalle a la montaña lejana. Entonces voy a crear una nueva capa por encima de esa capa de montaña. Y luego crearé una máscara de recorte tocando en el lado izquierdo de la capa vacía y seleccionando Máscara de recorte de este menos que se ha surgido. Y eso asegurará que todo lo que dibuje se quede dentro de los píxeles de la forma de montaña de abajo. Entonces sólo voy a formas secas y ásperas aquí, empezando a definir una sensación de luz y sombra en esta montaña. Entonces una vez más solo estoy astillando algunas áreas con la herramienta de borrador y redibujando piezas de nuevo hasta que estoy bastante contento con el efecto de estas formas. Y al agregar sombras aquí creamos un sentido de forma para que la montaña parezca más 3D y no completamente plana. Entonces, porque esta montañosa bastante lejana y la distancia, no
queremos que las sombras sean dos contrastantes en términos de valor. Entonces estoy bajando la opacidad aquí, lo que crea un look más natural. Y también voy a jugar con el matiz sólo un poco. Voy a agregar un poco de textura a la montaña saber, así que voy a crear una nueva capa de máscara de recorte justo encima de esa montaña y seleccionar mi pincel texturizado. Y luego voy a dibujar sobre la montaña con esta textura para
que ese modo de mezcla se multiplique y luego baje la opacidad. También estoy frotando un poco de esa textura en la cima de la montaña con el mismo pincel. Y de nuevo, estoy jugando con el matiz ahí. Ahora voy a añadir un defecto un poco de lío
creando algunas nubes bajo por el agua. Así que estoy simplemente de nuevo bloqueando algunas formas gráficas cerradas en capas separadas. Estar al tanto de la colocación de estas capas dentro del Lienzo. Y también estoy bajando la opacidad de estas capas para crear un efecto neblino translúcido. A continuación, voy a añadir algunos gradientes suaves a estas otras capas. Por lo que comenzaré creando una nueva capa de máscara de recorte por encima del sujeto, seleccionando nuevamente mi pincel texturizado, así
como un color verde oscuro. Y luego dibujando con esa textura en las áreas donde quiero crear un defecto de sombra suave. Y luego cambiaré el modo de fusión para multiplicar. Y puedo jugar rápidamente con el color ahí también. Ahora voy a seguir adelante y hacer lo mismo con mis otras capas para darles un poco más de forma y textura. Entonces en este punto voy a deshacerme de mi referencia rugosa de color porque estamos en esa etapa ahora donde tenemos la mayoría de nuestros colores definidos y está proporcionando un poco de distracción en este momento. Entonces sólo voy a cruzar eso por ahí. Y luego solo seguiré agregando diversos gradientes y efectos de iluminación a mis capas. Por lo que también estoy agregando en un gradiente más ligero proveniente de debajo estas montañas para realzar esa profundidad y mirada atmosférica brumosa. Y luego estoy mejorando aún más el resplandor que viene del sol dibujando en esa textura con un amarillo claro y configurando el modo de mezcla para superponerse. Y luego estoy jugando con la saturación del matiz y el brillo. También estoy jugando por ahí con la colocación del sol aquí también, y viendo qué diferente luce eso en mi contra. De acuerdo, entonces en esta etapa ahora que tenemos mucha de la iluminación definida, voy a sumar en una capa totalmente de acuerdo y poner este modo a color para que podamos comprobar todos nuestros valores. Entonces creo que esta área de la composición está funcionando bien, aunque quizá necesitemos crear un poco más de contraste entre esas capas lejanas. No obstante, en esta parte de nuestra escena, se
puede ver que apenas hay variación de valor entre estas dos capas. Por lo que vamos a necesitar cambiar esos para poder jugar con más sombras o reflejos en esas áreas para crear un poco más de contraste. Algo más que me gustaría hacer periódicamente durante todo el proceso es voltear mi lienzo horizontalmente. Y eso me permite ver mi composición desde una perspectiva fresca. Y podría ser capaz de notar cosas a las que mi, me había acostumbrado anteriormente. Por lo que ahora puedo ver que esta textura del bosque no es muy visible aquí. Por lo que podría traer un poco la opacidad de esa copia de seguridad. Por lo que con tu propia pieza, puedes jugar y experimentar con efectos de iluminación y agregar sombras y reflejos y efectos resplandecientes. A lo mejor intenta agregar algo de lío si ese es el tipo de ambiente que quieres ir. Pero va a ser específico del bucle que quieres lograr y tu configuración y hora del día y situación meteorológica. Entonces simplemente no tengas miedo de experimentar y
probar diferentes modos de mezcla y ver qué funciona para ti. Definitivamente no tienes que simplemente seguir lo que estoy haciendo. Por lo que solo diviértete y juega con él y no te preocupes por conseguir las cosas perfectas. Ese no es absolutamente el objetivo. El objetivo es simplemente usar esto como una herramienta para expresarnos a nosotros mismos y a nuestra imaginación. Y muchas veces tu pieza resultará nada como la habías imaginado originalmente. Pero eso también es parte de la diversión porque llegamos a explorar y cambiar de camino en el camino y sorprendernos con nuevos descubrimientos. Entonces voy a seguir adelante y acelerar la parte final del proceso y me
verás tomando montones de decisiones y probando cosas de las que no estoy seguro. Y luego probando cosas diferentes y esencialmente solo jugando y experimentando y dile finalmente en una posición donde estoy feliz de dejar la pieza como está, sí. Esta es una historia verdadera. Hola. Entonces aquí lo tenemos. Por fin estoy contento con cómo ha resultado toda mi escena. Y estoy muy contento con la iluminación y los colores y el estado de ánimo general. Entonces si activamos nuestra capa de diseño rugoso
por sí solo, manteniendo presionada esa casilla de verificación de visibilidad, podemos ver hasta dónde hemos llegado agregando en todos estos colores y detalles y efectos. Entonces una vez que estés contento con tu escena, entonces solo puedes exportar tu pieza como una imagen JPEG o PNG. Y no olvides subir tu proyecto y trabajar en progreso bocetos a la galería de proyectos.
14. Gracias: Muchas gracias por tomarse el tiempo para aprender conmigo en esta clase, y espero que hayas recogido algunas herramientas útiles que podrás seguir adelante en tu práctica de dibujo. No puedo esperar a ver tu magnífica creación, así que no olvides subir tu proyecto en la sección de proyectos a continuación. Estaría súper agradecido si
me pudieras dejar una reseña y hacerme saber qué te gustó de esta clase, y eso ayudará a otras personas a decidir si esta clase les va a ser de ayuda, y también me ayuda a aprender más sobre qué seguir haciendo o mejorar para futuras clases. Si sí tienes alguna pregunta, o ideas de lo que te gustaría aprender de mí a continuación, entonces puedes hacer un post en la sección de discusión y te volveré en cuanto pueda, o también puedes mandarme un mensaje en Instagram si lo prefieres. Si también quieres compartir tu trabajo en redes sociales, eso sería increíble. Si lo haces, entonces por favor etiquetame en Instagram @Sarahholliday para que pueda gustarme y compartirlo ahí también. Si quieres mantenerte actualizado sobre mi trabajo y las próximas clases, entonces asegúrate de seguirme en Instagram y también aquí en Skillshare. Si quieres aprender más de mí, entonces tengo un par de clases de ilustración de personajes que pueden disfrutar, y puedes dirigirte a mi perfil de Skillshare para revisarlos. Muchas gracias otra vez, espero que te hayas divertido mucho y espero verte la próxima vez.
