Transcripciones
1. Introducción: Hola, y bienvenidos a mi tutorial sobre la pintura de setas
doradas. Con el otoño
a la vuelta de la esquina, es el momento perfecto para capturar la esencia acogedora de la temporada, especialmente en las tardes lluviosas Hoy creará una
cálida escena otoñal, con
setas doradas enclavadas debajo de un árbol bellamente
texturizado. La magia de esta pieza cobra vida con reflejos resplandecientes, musgo
suave, hojas dispersas y la encantadora
atmósfera del otoño En este tutorial,
exploraremos una rica
variedad de texturas, incluyendo la intrincada
corteza de árbol, la delicada suavidad del musgo, los colores vibrantes de las hojas
de otoño y las maravillosas
formas de los hongos Cada uno de estos elementos se mezclará armoniosamente
contra un fondo suave y
soñador,
creando una atmósfera que realmente captura la
magia de la temporada Aprenderá a
lograr un fondo borroso húmedo sobre húmedo que agregue profundidad y tranquilidad
a su pintura A medida que avanzamos, profundizaremos técnicas de
estratificación
que nos permitan hacer una representación natural y
real de estos hermosos
tesoros
de la Además,
descubriremos cómo crear cautivadores
efectos de luz que potencien la sensación de luminosidad
y calidez en la escena También examinaremos cómo
usar eficazmente amplia quash para agregar
detalles con una variedad de
técnicas atractivas para explorar estas
promesas de tutoriales para enriquecer tus habilidades e inspirar
tu creatividad Aunque esta pintura pueda parecer desafiante
a primera vista, prometo que es más
accesible de lo que parece Te guiaré
a través de cada paso rompiendo la pintura en
pequeñas partes manejables Capa por capa, verás cómo tu obra de arte cobra vida a
medida que construimos cada sección. Aparte de tus suministros de arte, todo lo que necesitarás es una
mente carbonera y un poco de paciencia. Tómese un momento para relajarse,
reunir sus materiales y entremos
juntos en este proceso pacífico y
creativo este proceso pacífico y
creativo. Empecemos.
2. Proyecto y recursos: He preparado una selección
de recursos útiles para su proyecto disponibles en la sección de proyectos y
recursos. Encontrarás allí un archivo PDF con la lista de suministros que
utilicé para esta pintura, junto con una foto de referencia y una imagen de mi
obra terminada para orientación. También se proporcionan dibujos de líneas en varios
tamaños, para que pueda imprimirlos y
transferirlos a su papel de acuarela en el tamaño que mejor
se ajuste a sus necesidades. Mi pintura está en un formato de
16 por 12 pulgadas. Adicionalmente, hay fotos de
trabajo en progreso para
ayudarte a seguir el proceso
y enfocarte en áreas específicas. También he escrito un libro electrónico en formato
PDF para ti sobre la planificación de
una pintura en acuarela. Espero que te resulte útil. Siéntase libre de explorar
estos materiales y utilizarlos para crear su propia pintura única y
hermosa. No puedo esperar a
ver tus resultados. Por favor, comparta sus planos de
progreso y pintura
final en la sección de proyectos
y recursos. También te animo a que te
tomes el tiempo para ver trabajo de
cada uno en la galería de proyectos
estudiantiles. Siempre es inspirador
ver lo que otros crean y el apoyo de tus
compañeros de puede ser increíblemente reconfortante. No olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro. Por último,
recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de
comenzar a pintar. Esto te dará una comprensión
clara de qué esperar en cada
etapa del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho te
agradecería mucho
que dejaras
una crítica honesta. Sus comentarios
me ayudarán a mejorar mi contenido y ayudar a otros
estudiantes a decidir si unirse a esta clase.
Gracias de antemano.
3. Planificación de la pintura: Cuando miras un
cuadro como este, tal vez
te preguntes, ¿cómo diablos
voy a pintar eso? Parece tan complejo y
puede que ni siquiera sepas por
dónde empezar. Créeme, incluso los artistas profesionales de la
acuarela se toman el tiempo para planear cómo se acercarán una pintura
incluso antes de tocar un pincel. Para mí, esta fase de planeación a veces
puede tomar algunos días. A veces pocas horas, pero a veces puedo
dedicarme a ello incluso algunas semanas, sobre todo cuando estoy
buscando o estoy tratando de capturar la foto de referencia
perfecta. Con tiempo y experiencia, el proceso de planeación puede ser más rápido
dependiendo del tema. Hay pinturas que ahora sé exactamente cómo
descomponer en secciones manejables, pero otras veces todavía lleva un tiempo
resolverlo todo. Inicialmente, quería incluir una guía detallada sobre cómo planificar una pintura
en este tutorial. Pero al comenzar a escribir, me di cuenta de que este tema merece su propia discusión en
profundidad. En cambio, he creado un PDF para que lo descargues o
imprima, si quieres. Esta guía incluye gran parte
del proceso de pensamiento que implica
la planeación de una pintura. Mostrando lo que considero
antes de comenzar a pintar, y luego los pasos
del proceso. Lo puedes encontrar en
los recursos de clase, y espero que te
resulte útil. Sin embargo, antes de comenzar a pintar, organicemos un par
de cosas para que tengamos una comprensión clara de los elementos a los que me referiré
. Estaremos dividiendo la pintura
en varias secciones. Si es posible, siempre recomiendo este enfoque para que puedas
enfocarte en una parte a la vez, lugar de tratar de abordar toda
la pintura a la vez. Para este proyecto, lo he
desglosado en las siguientes secciones y las estaremos
pintando en este orden. Fondo, árbol y musgo, y esta es un área bastante grande, pero he decidido no
romperla en partes más pequeñas porque creo que es
mejor pensar toda
esta sección
como un solo objeto, el árbol con musgo
creciendo sobre ella. Después tenemos las hojas
y los hongos. Además, como no soy
hablante nativo de inglés, y sé que muchos de
ustedes tampoco lo son, me tomé el tiempo de
revisar la anatomía de un hongo para que todos podamos
estar en la misma página. Los elementos principales a los
que me di cuenta, y a los que me voy
a referir son las copas, branquias, tallos y escamas Ahora que tenemos un
claro entendimiento de estos términos, podemos
comenzar a pintar. Te deseo un viaje placentero
y ameno a través de este tutorial, y espero que encuentres
algo en este proyecto que inspire tus propias pinturas futuras.
Pintura feliz.
4. Aplicación de líquido enmascarante: Antes de comenzar a pintar, siempre
es bueno
planificar con anticipación e identificar áreas donde queremos conservar
el blanco del papel, o donde el enmascaramiento puede facilitarnos
las cosas. En esta pintura,
definitivamente hay algunos
puntos que vale la pena enmascarar. Voy a usar líquido de enmascaramiento Windsor
y Newton para proteger esas áreas. Si tenemos herramientas que
nos pueden hacer la vida más fácil,
¿por qué no usarlas? Además del líquido
enmascarador,
estaré usando un vaso
viejo de botella, un trozo de jabón, agua y un cepillo que guardo
específicamente para enmascarar líquido. Si nunca antes has usado líquido de
enmascaramiento, es importante saber
que nunca debes usar tus buenos cepillos para ello ya que inevitablemente se
dañarán. Lo mejor es comprar un cepillo barato dedicado solo para este colmillo También recomiendo verter poco de líquido enmascarante en
un recipiente más pequeño. Yo uso el vaso de una vieja
botella de líquido enmascarante, Sellado
rápidamente el barril principal para limitar su exposición al aire. Cuando el líquido de enmascaramiento se
expone al oxígeno, puede comenzar a formar grumos, por lo que minimizar esta exposición lo
mantendrá utilizable por más tiempo Para proteger tu cepillo, primero, sumételo en agua, luego
frótalo sobre una barra de jabón. El jabón creará
una capa protectora, capa protectora
en las cerdas, que ayuda a preservar la condición de los cepillos
por mucho más tiempo Una vez hecho esto, sumerja su pincel en el líquido de enmascaramiento
y comience a aplicarlo. Hay dos
áreas principales que quiero enmascarar. Primero, los bordes
de las setas. No quiero preocuparme por pintar
accidentalmente sobre los hongos cuando estoy trabajando en las
áreas más oscuras a su alrededor. El enmascaramiento ayudará a
proteger estas áreas. Aplicaré el líquido
enmascarador alrededor de
los bordes del hongo,
copas y tallos. Sea generoso con
el fluido de enmascaramiento. No haga que la capa sea demasiado delgada ya que no proporcionará
suficiente protección. Una capa más gruesa de líquido de enmascaramiento creará una
barrera sólida contra la pintura. Se puede aplicar sobre todas las copas de
setas si lo prefieres o generalmente setas enteras
ya que no son muy grandes, pero suelo
enfocarme en los bordes. El ancho del fluido de
enmascaramiento es aproximadamente media pulgada
o un poco menos. Aplicando el líquido de enmascaramiento, trata de ser preciso
y tómate tu tiempo. No tienes prisa, así que calma tu mente y aplica el enmascaramiento
con la mano firme. Los bordes del
enmascaramiento son importantes porque definirán
la forma de tu sujeto. Por ejemplo, si quieres una línea suave en
la copa de hongos, necesitarás aplicar el líquido enmascarante
con cuidado para lograrlo. enmascaramiento irregular dará como resultado bordes dentados en tu sujeto. Aquí hay algunos ejemplos de pinceles
más antiguos donde no
usé jabón. Sin jabón, el líquido enmascarante se seca sobre las cerdas,
pegándolas entre sí. Ocurre después del primer uso. Una vez que se seca en las cerdas, es casi
imposible de quitar Si bien puedes intentar usar vaselina o algunos detalles
como limpiarlos, honestamente no
vale la pena el esfuerzo Solo usa cepillos y
jabón baratos para proteger tus
herramientas desde el principio. Todavía tengo estos pinceles
porque incluso con ellos, podemos aplicar líquido de enmascaramiento, pero tal vez de una manera texturada más
espontánea. Otra área que
quiero proteger son los bordes de las hojas en
la parte inferior de la pintura. Enmascararlos hará que sea más fácil pintar las áreas
oscuras de arriba. Aplica el enmascaramiento
cerca del borde, pero para crear las puntas de las hojas, utilizo una herramienta de gofrado. Como este cepillo no
tiene una punta afilada, cambio a la herramienta de
gofrado para tirar del líquido de enmascaramiento directamente a
las puntas de las hojas. Si no tienes una herramienta de
gofrado, no te preocupes, puedes usar cualquier cosa
con una punta afilada. A lo mejor tu cepillo es
mejor que el mío, pero también puedes
usar un palillo de dientes, pluma
profunda, palo de barbacoa, aguja, o cualquier otra cosa
que creas que funcionará En los recursos de clase, encontrarás una
ilustración que muestra exactamente dónde apliqué
el fluido de enmascaramiento. Puedes usarlo como guía para
ver qué áreas he enmascarado. Una vez que hayas terminado de
aplicar el enmascaramiento, déjalo secar completamente. Una vez que esté seco,
pasaremos a pintar el fondo. Bien.
5. Pintar el fondo: Empezaremos pintando el fondo usando la técnica
wet on wet. Primero, preparemos
algunos colores. Definitivamente
necesitaremos un amarillo cálido. En mi paleta, actualmente
tengo amarillo indio,
pero cualquier amarillo cálido
como el amarillo Hansa profundo, los vientos son amarillos profundos, o la nueva gamboge
funcionará igual El amarillo será nuestro color principal y lo usaremos frecuentemente a lo
largo de la pintura. La próxima vez, agregar sienna quemada, ya que estos dos colores ayudarán a crear este ambiente cálido
que buscamos Amarillos y marrones serán los tonos primarios de esta
pieza También estoy mezclando oro verde con un toque de azul ultramarino para crear un verde natural que
complementará la composición general del
color Planea usar un poco más de
verde en el fondo. Quiero decir más de lo que hay
en la foto de referencia, no sólo porque es
mi color favorito, sino también para crear una conexión entre el
tema principal y el fondo. En el tema principal, tenemos
musgo, que también es verde. En el
espacio de mezcla adecuado de mi paleta, tendré una combinación
de azul ultramarino, pinturas grises y siena quemada Esta mezcla neutra azulada será el otro color dominante para el fondo
junto al verde Por último, voy a mantener el color que yo diría que es como el plateado. Es una mezcla de azul ultramarino y un toque de siena quemada Estos son los colores que
usaremos para el fondo. Ahora, comencemos aplicando un lavado limpio de agua
sobre el fondo. Voy a estar usando una brocha talla
12 para esto. Comience aplicando
una capa de agua, comenzando desde la parte superior de la pintura y trabajando
hacia abajo a lo largo del árbol. te preocupes si vas ligeramente por
encima de la línea de lápiz, ya que el árbol y el musgo serán más oscuros que
el fondo, cualquier superposición no será un problema. En la parte inferior, aplica el agua hasta
los bordes de las hojas. Aunque podríamos haber
enmascarado estas hojas, su forma no es demasiado compleja, por lo que podemos
pintar cuidadosamente alrededor de ellas. Tómate tu tiempo con este paso. Aplica el agua con cuidado, asegurándote de
que no haya manchas o huecos secos. cuando
llegues al fondo, las secciones medias del extremo superior pueden comenzar a secarse,
pero no te preocupes. Simplemente agregue una segunda capa
de agua sobre esas áreas. Aplicar dos capas de agua mantendrá el papel húmedo por más tiempo, dándonos más tiempo para
trabajar en el fondo. Ahora empieza a aplicar tu pintura, empezando por los
amarillos y marrones Ahora estamos empezando a construir los colores y valores
en el fondo. Como el fondo
no es muy oscuro, lo
estaremos pintando en una sola capa. Sin embargo,
no hay necesidad de apresurarse. Usa pequeñas cantidades de pintura en tu pincel y aplica valores
tonales claros al papel Observe que
intencionalmente estoy dejando áreas
más claras en el lado izquierdo cerca del musgo y en la parte inferior. Comienza primero con tonos claros. Evita aplicar tonos muy
oscuros de inmediato. Al
construir gradualmente el color, mantienes más control sobre cómo se
comporta la pintura en el papel Si bien podríamos simplificar
el fondo y aplicar solo un lavado grande y suave. Quiero sugerir que algo
está pasando allá atrás. Tal vez árboles distantes o
incluso un poco de humo. No necesitamos replicar
cada parche de color, pero sí queremos crear cierta variedad en
tonos y colores Estamos usando la
técnica wet on wet porque permite que la pintura se extienda y forme
esas formas borrosas suaves Este tipo de efecto
ayuda a transmitir la distancia, haciendo que los objetos en el fondo se sientan alejados debido al desenfoque. Mi consistencia de pintura es bastante
acuosa. No es demasiado gruesa. Cada vez que agrego más pintura, también
agrego más
humedad al papel, manteniéndolo húmedo y
manejable por más tiempo Tengo un poco de control sobre
cuánto se extiende la pintura. Si se está extendiendo demasiado, eso es
una señal de que hay mucha agua en el papel. Si quiero limitar la propagación, puedo eliminar algo de
humedad con un cepillo de presa limpio, o puedo cambiar a una consistencia de pintura un poco
más gruesa. Recuerda, tu
foto de referencia es solo una guía. Te da una idea
de la distribución de col, pero no tienes que
seguirla exactamente. M. Una punta sobre el amarillo. Tiene tendencia a
alejar otros colores. Si lo aplicas
sobre azul o verde, empujará suavemente esos colores a un lado y creará suaves manchas amarillas
brillantes Por último, ten en cuenta
que el color del agua siempre se seca más claro de lo que
parece cuando está mojado. En esta etapa,
querrás aplicar colores que sean ligeramente más que el
efecto final al que estás apuntando. Ahora que la pintura aún está húmeda, estoy cambiando a una brocha
más pequeña del tamaño ocho. Sumerjo el pincel en agua
, lo coloco en una toalla y uso el cepillo limpio y
húmedo para levantar algo de la pintura y
crear un efecto similar al humo Para ello, cepille suavemente desde el área más clara hacia el área
pintada en forma de S. Después de cada golpe enjuague y seque su cepillo y luego repita
el proceso varias veces. Es posible que deba hacer esto
en el mismo lugar varias veces, ya que la pintura tenderá a fluir de regreso
al área levantada. Sea paciente y siga levantando la pintura para lograr
ese efecto de humo suave. Por supuesto, si quieres
crear este efecto en esa zona porque puedes decidir que
no te gusta y
no quieres crearlo, entonces eso está totalmente bien. Es tu pintura.
Si haces esto, siempre trata de tirar de la zona clara hacia
la zona oscura. Al igual que hacer el reverso
arrastraría la pintura oscura
hacia el área más clara, lo que queremos evitar. También quiero agregar
algo de textura aleatoria salpicando
gotas de agua sobre la superficie Para hacer esto, profundice tu
cepillo en agua, luego golpecialo contra un
segundo cepillo o simplemente usa tu dedo para arrojar
gotas de agua sobre el papel En esta etapa, la pintura sobre el papel todavía está
un poco demasiado húmeda. Algunas de esas manchas más claras pueden desaparecer a medida que la pintura
continúa extendiéndose. La clave es encontrar el
momento adecuado para agregar esos efectos. Cuando la pintura
empieza a secarse, pero sigue visiblemente mojada Además del agua, también
puedes salpicar color como verde o amarillo
para agregar variedad O si lo prefieres, puedes
saltarte este paso por completo. A continuación, vuelvo a la parte
inferior de la pintura para continuar levantando
pintura para el efecto humo. En la
versión acelerada del video, notarás cómo la pintura sigue fluyendo hacia atrás
después de cada levantamiento. Necesitamos repetir pacientemente este proceso hasta que la
pintura finalmente se asiente. También estoy agregando
más gotas de agua medida que la pintura se seca más. Una vez que estés satisfecho,
limpia el exceso de pintura alrededor la cinta y deja que
la pintura se seque
completamente antes de continuar. Una nota final, hemos estado
usando azul ultramarino, que es un color granulado También lo usaremos
para pintar el árbol. Últimamente, he llegado a apreciar
realmente las texturas y granulación
que ofrece el acuarela Creo que los colores granulados
funcionarán maravillosamente en esta pieza Siéntase libre de usar sus
colores de granulación favoritos si lo desea En la siguiente sección, comenzaremos a pintar el árbol. Oh.
6. Árbol y musgo: primera capa: En esta sección,
comenzaremos a pintar el árbol. Cuando digo árbol, no me refiero sólo al
tronco de la izquierda, sino también a las zonas entre
y por debajo de los hongos, así
como al musgo. Trataremos toda esta área
como un elemento arbóreo unificado. El árbol es la
parte más oscura de la pintura, y cubre un área
bastante grande Para lograr estos valores tonales
profundos y construir las ricas
texturas que
queremos, todos necesitamos pintar
en varias capas Es simplemente
imposible capturar toda la profundidad y textura
en una sola capa. Pintar en capas nos permite
mantener la hermosa
transparencia de las acuarelas, controlar los colores
y formas de
manera más efectiva lograr un equilibrio entre bordes suaves y afilados. Ajusta los valores tonales y los
colores con cada capa. Construye texturas gradualmente y crea la
profundidad de color deseada. Pero, ¿por dónde empezamos? El primer paso es identificar los colores principales que
usaremos y prepararlos. Vamos a necesitar muchos
tonos marrones, así que empiezo mezclando la sienna
quemada Ya tengo algo de
amarillo indio en mi paleta, por lo que esta mezcla naturalmente
contendrá un poco de amarillo, lo que agregará
calidez al marrón. El lado izquierdo del
árbol está más a la sombra. Podemos ver
tonos azulados más oscuros con toques de verde. Para plasmar eso, mezclaré azul
ultramarino con
un toque de oro verde Para las zonas más oscuras, necesitaremos un
marrón muy profundo, casi negro Podemos llamarlo negro. Podemos crear esto
mezclando azul ultramarino, pinturas grises y siena quemada Aunque el azul ultramarino no es estrictamente necesario para esta mezcla, lo
estoy usando porque es
un color granulado, lo que potenciará la
textura de la corteza Además, ya que
lo usamos en el fondo, incorporarlo aquí ayuda a mantener la armonía del color a
lo largo de la pintura. Por último, necesitaremos un
poco de verde para el musgo. Puedo ver toques
de verde no sólo en el
lado derecho del árbol, sino también en la sombra en
la esquina superior izquierda. Es muy oscuro, pero definitivamente
es verde. Mezclemos oro verde con azul
ultramarino para esto. Que tenemos nuestros colores
básicos mezclados, podemos comenzar a aplicarlos. Agarra un cepillo grande, un tamaño 12 funciona bien, pero si tienes uno más grande, incluso
puedes tomar uno más grande. Con los colores principales identificados, podemos comenzar a construir los
tonos en nuestro tema. En esta etapa, estamos
aplicando una capa inicial, que actúa como una hoja de ruta El objetivo aquí es establecer todos los colores más o menos
en sus áreas designadas. Recuerda, esta es
solo la primera capa, así que evita usar
tonos oscuros por ahora. En cambio, enfócate en aplicar las versiones más ligeras
de cada color Por ejemplo, en la esquina
superior izquierda, hay un verde muy
oscuro visible, pero aún no es momento para eso. Quiero decir para ese color verde oscuro muy
profundo. Aplicará una versión más ligera
de verde en esa zona. El árbol tiene secciones
que captan la luz. Voy a añadir más amarillo
en esas manchas. Para las zonas marrones más oscuras, usaré un
tono claro de marrón y en las secciones sombrías donde
veo azules y negros, aplicaré
mezclas más claras de esos Piense en esto como sentar
una base sobre la cual construiremos las texturas,
los colores y los valores. Estoy usando una técnica húmeda
sobre seca, no húmeda sobre húmeda para
esta capa inicial. Hay algunas
razones para ello. Una de ellas es que ya que
esta es solo la primera capa, cualquier error que cometa
se puede tapar con capas
posteriores. Esta zona también es muy texturizada. Incluso si creo bordes duros o floraciones o cualquier otra
imperfección, eso está perfectamente bien No necesitamos una capa
renderizada impecablemente en este punto. Solo queremos aplicar
versiones más claras de los colores. Por último, el uso de la
técnica de húmedo sobre seco requiere menos agua, lo que significa que esta capa
se secará bastante rápido. Al usar un pincel grande, puedo cubrir esta área
rápidamente con color. Observe que la consistencia de mi pintura es acuosa.
No es denso. Mantenerlo acuoso
permite que los colores
del papel se mezclen maravillosamente entre sí Entre los hongos,
quemamos Siena. Esa zona en la parte inferior entre los hongos
y las hojas, siéntete libre de jugar
con tus colores. Esta sección será muy
oscura brindándote una gran oportunidad para experimentar y practicar
tu relación agua/pintura. Usa amarillos, verdes,
azules y marrones. Esta es tu oportunidad de refinar la consistencia de
tu pintura y la mezcla de
colores en el papel. Si te estás preguntando cuál es
la consistencia ideal de la pintura, piensa en ella como bastante acuosa, similar a una textura lechosa, pero definitivamente en
el lado acuoso La mejor manera de verificar si consistencia de
tu pintura
coincide con la mía es comparar los valores tonales en tu papel con lo que
ves en el papel mío Si la tuya aparece más oscura, entonces tu pintura es demasiado gruesa. Si es más ligero, estás
usando demasiada agua, así que agrega más pintura. En el lado derecho,
desplaza tu color a una agradable mezcla de oro verde
y azul ultramarino No obstante, evite hacer que
esta zona sea demasiado uniforme. Hay hojas marrones cerca, así que agrega algunos tonos marrones aquí
también para reflejar los colores
de los objetos circundantes. Observe el fuerte
punto culminante en esta área. Para conservarlo, lo
mejor es pintar alrededor de él. Trate de crear un borde
irregular irregular
cerca del punto culminante
para una más natural Oh. Una vez que hayas terminado de
aplicar tus colores, deja que todo
se seque completamente. Notarás que una vez secos, los colores aparecen mucho más pálidos. Los acuarelas a menudo se ven
vibrantes y ricos cuando están mojados, pero pueden secarse más claros. Para lograr esos
ricos colores vibrantes, un método efectivo es
aplicar múltiples capas. Acabamos de completar
nuestra primera capa, así que déjala secar completamente, y luego
pasaremos a la segunda capa.
7. Árbol y musgo: segunda capa: Ahora que la primera capa
está completamente seca, podemos pasar a aplicar
la segunda capa. Antes de comenzar, quiero destacar dos puntos
importantes. Primero, lo repito en
casi todos los tutoriales, pero tengo que repetirlo de nuevo. Los valores tonales son mucho
más importantes que los colores. Sé que ya lo sabes, y ya tienes suficiente
de mí repitiendo esto, pero quiero que
tengas esto en mente. Cualquier etapa de tu pintura, puedes tomar una foto y
convertirla a escala de grises. Esto le permite
compararlo con una imagen en escala de grises de
su foto de referencia. Al eliminar el color, solo puedes
enfocarte en los valores tonales. Aquí está claro que la
mayor parte de esta zona sigue siendo demasiado ligera
en comparación con nuestro objetivo. Habrá que oscurecer
estas zonas de manera significativa. Sin embargo, algunas secciones como
las áreas iluminadas por el sol
son casi perfectas, y debemos evitar esos
aspectos destacados por ahora Voy a
tener eso en mente. Voy a tratar de no repasar esas zonas porque no
quiero hacerlas más oscuras. También necesitamos ser
más conscientes de la forma del árbol y las
texturas que queremos construir También una cosa más a considerar. Si tus líneas de lápiz aún
son visibles, es posible que desees
oscurecerlas en esta etapa Cuando aplicamos la pintura
ahora en la segunda capa, esas líneas se volverán mucho menos visibles porque la
pintura las cubrirá. Si quieres, puedes hacerlos más oscuros ahora antes de
empezar a aplicar la pintura. Ahora, preparemos más pintura usando las mismas mezclas que antes. Nuestro objetivo es oscurecer
algunos de los colores para acercar los valores tonales
a nuestra foto de referencia Con la segunda capa, tendremos una acumulación de dos capas que
nos darán tonos mucho más oscuros. Siéntete libre de usar tonos ligeramente
más oscuros que antes, especialmente en las zonas más oscuras, ya que de todos modos aparecerán
muy oscuros Solo recuerda mantener la consistencia de la
pintura acuosa. En mi mezcla verde de
oro verde y azul ultramarino, también
he agregado
siena quemada para crear un tono verde oliva o
musgo más rico Ahora, teniendo en cuenta las áreas amarillas donde el valor
tonal es más ligero, tendremos que pintar alrededor de
ellas a medida que aplicamos color Comienza con el verde en la esquina
superior izquierda y luego cambia a otros colores según
el área que estés pintando. Aquí es donde debemos considerar la estructura
del árbol. Observe el que es bastante oscuro y poco a poco
aclara el lado derecho Apunta a reflejar eso
en tu pintura, oscurece el lado izquierdo mientras
aligeras el lado derecho Puedes aplicar la pintura,
enjuagar tu pincel, secarlo y tirar suavemente del
color hacia la derecha. Entonces mientras la pintura sobre
el papel aún está húmeda, recoge más pintura oscura y déjala caer en la
grieta para oscurecerla Con este marrón amarillento claro, estoy tratando de
definir el límite
entre el área resaltada y la sombra Una vez que establezca esta línea, hará
que pintar
el resto sea mucho más fácil. Recuerda mantener el
lado izquierdo situado a la sombra, más de un verde azulado mientras usas marrones y
amarillos más cálidos a la derecha Podemos suavizar algunos bordes
mientras mantenemos otros afilados. Lograr un equilibrio entre bordes
suaves y afilados es
crucial en la acuarela. Sí, sé que todo
es crucial. Pero este equilibrio agrega
interés y hace que la pintura sea dinámica guiando
la atención de los espectadores. Creo que hemos abordado
la parte más desafiante, pintando alrededor del área
resaltada Ahora solo necesitamos
rellenar el resto del árbol hasta
el musgo de
la derecha con tonos más oscuros. Esencialmente, estamos repitiendo lo que hicimos en la capa
anterior, pero usando tonos más oscuros para
realzar la profundidad de color. También recuerda que acodar el mismo color puede
hacerlo más vibrante Muchos de ustedes se han preguntado cómo mis pinturas logran colores
tan vivos, y la respuesta está en la estratificación. Una sola capa generalmente
da como resultado un tono más pálido, incluso si aplicas una consistencia de pintura muy
gruesa Pero aplicando varias capas
delgadas, incluso solo dos capas son suficientes
enriquecerá significativamente la saturación. Cuando llegues al área de musgo, cambia
un poco tu técnica. Puedes seguir
usando el mismo pincel o cambiar a un
pincel más pequeño si lo prefieres. Pero ahora en lugar de simplemente cubrir toda el
área con verde, concéntrese en construir textura. Usa trazos de
pincel cortos aleatorios aplicados de manera orgánica para
crear el aspecto de mos. Incorpora varios
tonos y tonos de verde para reflejar la
estructura que se puede ver allí. Observe pequeños infiernos que son más claros en la parte superior
y más oscuros en la parte inferior Intenta recrear ese defecto con tu pincel y los
colores que estás usando Tómate tu tiempo con esto. No hay necesidad de apresurarse. Nadie te persigue. Espero que
ya hayas impreso la frase y la
tengas frente a ti. Los colores de la primera
capa escogerán a través los huecos creados por tus trazos de pincel
cortos, agregando profundidad a tu trabajo. Por último, recoge una mezcla
realmente oscura y deja caer ese tono oscuro al fondo de cada una de esas pequeñas colinas. Esto creará un precioso efecto
tridimensional, y con esto, podremos
terminar esta parte. Así es como se ve la pintura una vez que la segunda capa se ha secado. Si comparamos la versión en blanco
y negro con la etapa anterior y
la foto de referencia, podemos ver avances significativos. Algunas zonas oscuras ya
son bastante ricas y similares a
la foto de referencia, pero aún podemos oscurecer
el árbol en varios puntos Una capa más calzada basta con
los tonos correctos. También eche un vistazo más de cerca
a mis líneas de lápiz. Como puedes ver, la segunda capa los
ha hecho apenas visibles. Por eso
mencioné al principio que tal vez quieras
oscurecerlos. Todavía puedo
verlos un poco, pero lo suficiente como para agregar
detalles de la corteza, que abordaremos
en la siguiente capa.
8. Árbol y musgo: detalles de adición: Esta parte del
tutorial probablemente será la más larga y
desafiante, así que prepárate para sumergirte. Me tomó unos 40
minutos terminar. Así que asegúrate de
tener tiempo para pintar tranquilamente durante
la siguiente hora más o menos En esta sección,
completaremos el árbol
agregando detalles, oscureciendo áreas que necesitaban
e introduciendo texturas El reto aquí radica
en el enfoque del paciente y manejo simultáneo de diversas técnicas y áreas. La buena noticia es que estaremos pintando de una manera
que te permita
tomar descansos siempre que lo necesites sin
interrumpir
el proceso Opté por no romper
esta sección en partes
más cortas ya que sería difícil
dividirla lógicamente Recomiendo encarecidamente ver primero todo
este segmento
antes de recoger tu pincel. Esto te ayudará a comprender
lo que vamos a hacer y por qué
prepararte mejor para esta tarea por delante. Comienza mezclando Siena quemada, azul
ultramarino
y Podemos considerar
esta mezcla nuestra negra, y vamos a necesitar una
buena cantidad de ella. Debajo de este pudal oscuro, mantén a
mano un poco de siena quemada ya que es el
marrón principal que usaremos Empezar con un pincel más pequeño, comenzaré con una talla ocho, pero voy a cambiar a una talla seis breve ya que el ocho
resultó ser un poco demasiado grande. Carga tu pincel con
la pintura oscura y empieza a aplicarlo desde
la esquina superior izquierda. Nuestro objetivo es
oscurecer las sombras más profundas del
lado izquierdo, y lo que es más importante, pintar todas las grietas y
grietas negras en Podemos dividir visualmente toda
esta área en
dos secciones principales. El lado izquierdo, que está a
la sombra presenta tonos
más azulados, y la corteza aparece vieja con secciones
claramente definidas En contraste, el lado
derecho es más cálido y es más marrón con
diferentes texturas y colores. Ahora vamos a centrarnos
en el lado izquierdo. Recuerda, no necesitas
recrear la foto de referencia exactamente ya que nadie
comparará tu pintura
con la foto de referencia Cada árbol es único, su naturaleza. No hay dos,
los mismos árboles, así que no te sientas presionado para que
todas las líneas estén bien Apenas puedo ver mis líneas de lápiz ahora y principalmente estoy
mirando la foto de referencia para identificar dónde deberían estar esas
grietas. Pero no me estreso si los
coloco de manera diferente. De hecho, voy a estar
improvisando un poco también. Después de todo, es mi pintura. Incluso podría agregar un poco de ardilla
recogiendo si quisiera Aquí cambié a
un pincel tamaño seis para crear líneas más precisas
y más delgadas. Observe que a medida que
aplicamos este color oscuro, la capa anterior aparece
bastante clara. ¿No te parece? Incluso después de aplicar dos capas, los colores aún parecen pálidos en comparación con este tono oscuro. Pero eso está perfectamente bien. No sólo vamos a oscurecer
todo en esta capa, sino que también necesitamos esos tonos más claros para mostrar a
través de la tercera capa A medida que creas el
patrón de grietas, usa el mismo color oscuro
en el lado izquierdo. Puedes volver a cambiar a un cepillo
más grande para esto. Las grietas pueden secarse más pálidas, por lo que tal vez tengamos que
repasarlas nuevamente y quizás aún más para asegurarnos de que
permanezcan lo suficientemente oscuras una vez secas Ahora, usando el pincel más grande, aplica algunos verdes y
marrones en la parte superior No te preocupes por lograr lavados
perfectamente suaves. Yo incluso diría que aquí no
queremos lavados suaves. Concéntrese en cambio en
la entrada de tonos claros y oscuros y en la distribución
general del color. Estamos creando texturas, por lo que los lavados
perfectamente suaves no son
una prioridad en este caso He vuelto
a cambiar a un pincel más pequeño para ajustar las grietas
por tercera vez Estoy agregando otra capa de ese color oscuro y haciendo algunas
marcas aleatorias aquí y allá. El lado izquierdo ha
perdido su alto brillo. Todavía está húmedo, pero ahora
es menos acuoso. Estoy salpicando algunas gotas de
agua para introducir variedad en
esta zona bastante uniforme Aquí es donde empiezo
a crear texturas. Siéntase libre de tomar un descanso
ahora, si lo desea. Respira hondo, y regresa con ojos frescos. Ahora pasemos a la parte
superior del árbol. Yo otra mezcla oscura
de Siena quemada, azul
ultramarino,
y pinturas grises Aquí estoy aplicando
este color oscuro que hace transiciones para
quemar Siena a la derecha, mientras también intento
representar la textura de
la corteza con pinceladas ligeramente
alargadas Estoy salpicando gotas de agua aquí para crear textura
adicional No queremos lavados perfectamente
suaves en ningún lado. Por un lado, esta parte
es más fácil de pintar porque no necesitamos
esforzarnos por la perfección. Pero por otro lado, aquí
hay bastante
que lograr. Usando la pintura negra
y posteriormente en Mb Ciena, comienzan a construir la textura y tonos de la corteza en esta zona la izquierda y
poco a poco se aclara y gusanos hacia el lado derecho Un trazo de pincel alargado que colectivamente crean un
bonito efecto de corteza. Oh. Mientras que otras áreas
se están secando ligeramente, así que estoy salpicando aún
más gotas de agua Cuando comparo esta zona
con la foto de referencia, puedo ver que
todavía está demasiado pálida. Voy a repetir el
proceso aplicando otra capa de
negro y marrón. Observe que los
colores visibles en los espacios entre cada
trazo de pincel son cruciales para construir la textura de los ladridos, ya que esas áreas más claras representan dónde el sol golpea la corteza Sobre el musgo, estoy aplicando muchos
puntos verdes irregulares para crear textura. Esta técnica de
colocar muchos puntos
aleatorios
uno al lado del otro se llama. Repitamos aquí un proceso
similar. Identifique las áreas más oscuras, comience con pintura negra y luego haga la transición a marrón, aplicando muchas pinceladas
alargadas
para desarrollar la textura de la corteza Tenemos una sección agradable, grande, oscura donde
podemos aplicar un tono más profundo. Usando un marrón más oscuro, oscurece toda el área por encima de
la sección resaltada En el resaltado amarillento, agrega más textura de corteza, pero ten cuidado de no
perder esos tonos más claros Salpicar muchas
gotas de agua en el área marrón para asegurarse de que no parezca demasiado
uniforme o plana Con pintura negra,
concéntrese en pintar las
grietas oscuras más prominentes de la corteza. Concéntrate en los
que capten tu atención o siéntete libre de crear los
tuyos propios sin mirar el. Recuerda, la referencia
puede ser bastante compleja, y podemos simplificar
ciertos aspectos. Ahora vamos a probar una
técnica diferente para agregar textura. Cepillado en seco. He cambiado
a un pincel talla ocho. No voy a profundizar el
cepillo en el agua. Debería estar ligeramente húmedo. Estoy sosteniendo el pincel casi
paralelo a la paleta, tratando de recoger la pintura con el lado de las cerdas Sujeta el pincel en ángulo, frota
suavemente el lado de las cerdas sobre el papel para
crear un efecto texturizado Debido a que el pincel está casi seco y la superficie del
papel está texturizada, podemos producir esas marcas
irregulares que funcionan maravillosamente
para la textura de la corteza. Observe que estoy frotando el cepillo de izquierda a
derecha, no al azar. Pero de una manera que
sigue la forma de cada sección bruh para crear
esas marcas horizontales Es importante que
el cepillo no esté mojado. Debe estar casi seco, ahí el nombre, cepillado en seco Si el pincel o la
pintura están demasiado mojados, terminaremos con pinceladas
regulares en lugar de la textura deseada. Podemos agregar esta textura
donde queramos, y creo que se
verá particularmente bien en esas secciones grandes
azuladas claras Esta técnica crea un aspecto
muy natural. A diferencia de las marcas bh,
aplicamos intencionalmente formas específicas. Toda esta zona podría
parecer un yo grande en este momento, pero una vez que pintemos los
hongos y otros detalles, todo
se
unirá muy bien. Antes de seguir adelante, quiero
agregar un poco más de negro aquí y allá para asegurar que estas
grietas permanezcan lo suficientemente oscuras La
parte más desafiante ha terminado. Ahora podemos tomar una respiración profunda, y si quieres, tomarte un descanso. Con energía fresca,
podemos seguir pintando. El resto de esta pintura
será mucho más fácil. Aquí, todo lo que tenemos que hacer es aplicar otra capa de
pintura para oscurecer ey Esta vez además de
aplicar la pintura, también
salpicaremos algunas
gotas de agua para crear textura En la mayor parte de la derecha, me gustaría
oscurecer el verde ya que
siento que está demasiado pálido
y debería ser más profundo Esta capa también
suaviza un poco la
capa anterior. Ahora, echa un último buen
vistazo a tu árbol y considera si hay algo que
te moleste o que te
gustaría realzar Por ejemplo, creo que algunas zonas
más oscuras todavía
no son d. Estoy aplicando otra capa
oscura de pintura. Dado que esta zona más clara está
iluminada por la luz solar, usaré amarillo
indio muy diluido y aplicaré sobre la sección
para sugerir una luz cálida. Este color se hará
eco más adelante en los hongos y también está
presente en el fondo Por último, me gustaría
salpicar algo de color
sobre el árbol Podemos salpicar gotas de agua, pero también podemos cargar una
brocha con pintura y salpicarla para Si eliges hacer esto, recomiendo cubrir el
fondo con un trozo de papel o una toalla de papel para atrapar
cualquier gota de pintura perdida Con eso, podemos
terminar esta parte desordenada. Eso fue bastante intenso, ahora celebremos nuestro éxito. Volveremos al
árbol y al musgo por un momento en la
parte final del tutorial. Pero por ahora, relajémonos y disfrutemos de lo que
hemos logrado. Cuando estés listo,
pasaremos a
la siguiente parte y comenzaremos a
pintar las hojas.
9. Hojas: primera capa: Ahora que nuestro árbol
está completamente seco, espero que se haya tomado un momento
para relajarse y recargar energías. Con energía fresca,
podemos continuar nuestro viaje de pintura
iniciando en las hojas. Comencemos quitando el líquido enmascarante
de las hojas. Prefiero usar una herramienta de pastilla de
enmascaramiento de goma, pero también puedes usar tus
dedos si prefieres. A medida que eliminemos el líquido de enmascaramiento, descubriremos las hermosas
formas que hemos creado Suavemente pase
el dedo por la superficie del papel para asegurarse que todo el
líquido de enmascaramiento se haya ido. Ahora ya estamos listos para pintar. Preparemos nuestros colores. Voy a estar quitando la
pintura verde de mi paleta ya que no
creo que la vaya a
necesitar ahora mismo. En su espacio, mezclaré algunos
tonos de marrón amarillento. Esta será una combinación
de amarillo indio, Ciena
quemada y
azul ultramarino También agregaré un
toque de rojo windsor para cambiar la mezcla
hacia una demanda de redis Generalmente, cuando combinamos
amarillo, marrón y azul, podemos crear varios tonos de marrón dependiendo de
las proporciones. Por eso voy a mantener la
sienna quemada en la paleta. Nos permite
crear fácilmente otros tonos. Agregar rojo abre una gama aún más amplia de tonos
marrones con un matiz
rojizo Inclinándose hacia tonos granate. Ten en cuenta que agregar azul
tiende a silenciar los marrones, haciéndolos menos saturados Ahora, usando un pincel tamaño diez, comencemos a aplicar nuestros colores. El objetivo en esta
etapa es cubrir todas las hojas con
sus colores base. Utilizaremos la técnica de húmedo sobre seco y una consistencia de pintura
acuosa Si bien estaremos
viendo cada hoja individualmente para identificar
sus colores únicos, piense en toda esta área de todas esas hojas
como una gran área. Los colores de una hoja fluyen hacia otra, eso está
perfectamente bien. En esta etapa,
no hay necesidad de preocuparse. En este punto, no nos estamos enfocando en los
detalles de cada hoja. En cambio, estamos sentando
una base de colores, una hoja de ruta para lo que está por venir Si una hoja aparece
más de color marrón amarillento, use una mayor mezcla de
amarillo indio y queme Siena Si es más rojizo, ajusta tu mezcla para
incluir más rojo windsor No te estreses en lograr
los colores perfectos. Estaremos usando la misma paleta lo largo de toda la pintura. Mientras mantengamos la armonía
del color, siéntete libre de experimentar con
los tonos de tus hojas. Incluso podrías optar por
incorporar algunas hojas de color marrón verdoso o más
rojas, si quieres Después de todo, es tu
versión y tu pintura. He agregado más azul ultramarino a la mezcla para
neutralizar
aún más el marrón ya que agregar azul tiende a hacer que el marrón se sature y n. Ahora, centrémonos en esta
licencia con Intenta pintar alrededor de
ese resaltado. Para estas dos hojas finales, debemos considerar
el aumento de la luz. Usa un tono marrón más claro
y pinta alrededor de las áreas
resaltadas, dejando algunas manchas blancas para
indicar reflejos fuertes. Para la hoja más ligera, la de enfrente, he añadido un toque de
amarillo Windsor a mi mezcla de amarillo
indio claro El amarillo Windsor es
un amarillo más frío, y creo que una versión muy pálida de los dos funcionará
maravillosamente aquí. Cuando mezclamos un gusano y un tono
fresco de un color, logramos un tono neutro, o algunos pueden
llamarlo tono primario. Combinando amarillo Windsor
con gusano amarillo indio. Nos da un amarillo llamado también amarillo verdadero
o amarillo primario. El mismo principio
se aplica a otros colores. Por ejemplo, si mezclamos magenta
frío con vientos
cálidos son rojos, obtendremos un rojo neutro
o rojo primario o rojo verdadero. Bien hecho, enhorabuena. Hemos aplicado la
capa inicial a todas las hojas. No fue muy difícil, ¿verdad? Ahora tenemos una
base sólida sobre la que construir. En la siguiente parte, nos
enfocaremos en potenciar a
cada individuo. O.
10. Hojas: texturas: En esta parte,
vamos a divertirnos un poco con colores
y texturas. Asegúrate de
reservar alrededor de una hora para completar la sección
sin sentirte apurado. Si bien esta parte no es
particularmente
difícil, llevará algún tiempo. Voy a estar usando un pincel talla diez. Empecemos por la Sienna Quemada. Como pueden ver, mis colores en la paleta no están
perfectamente limpios, y eso está perfectamente bien en
este caso para esta pintura. Queremos capturar
el aspecto natural de varios tonos de otoño. Comienza con la hoja del
lado izquierdo y aplica el marrón a la mitad
inferior más oscura de la hoja. Después, elige un tono más oscuro
mezclando siena quemada,
pinturas grises y azul ultramarino, y deja caer el color más oscuro para
introducir En esta etapa, nos
enfocaremos en cada hoja individual, con el objetivo de crear distinciones
claras agregando más colores y
ajustando valores tonales Esto significa que nos concentraremos
en una hoja a la vez. Una vez que termines de
pintar un área, pasa a otra área que no esté tocando la
que acabas de terminar. En la capa anterior, era aceptable que los colores fluyeran de una
hoja a otra, ya que estábamos construyendo la base. Sin embargo, ahora necesitamos mantener claras distinciones
entre cada forma Evitemos que la pintura
fluya entre las hojas. Apliqué el
marrón más oscuro solo a la mitad inferior del sleaf porque la mitad superior
es ligeramente más clara, que voy a pintar por separado En esta etapa, concéntrese más en los valores
tonales
que en los colores específicos. Recuerda que en cada etapa puedes tomar una foto
de tu pintura, cambiarla a blanco y negro,
y compararla con la versión en blanco y negro
de la foto de referencia. Si bien nos referiremos a la foto de referencia
para inspiración de color, nuestra atención principal debe estar en establecer los valores
correctos de tonnel Similar a cuando
pintamos el árbol, es posible que necesitemos repasar algunas
áreas dos o más veces. Por ejemplo, esta hoja
rojiza puede parecer tener el valor correcto de
tonnel ahora, pero más adelante, podría encontrarla demasiado ligera y tendré que
aplicar otra capa A continuación, voy a cambiar a un pincel
más pequeño tamaño cuatro. Con este pincel más pequeño, salpicaré algunas gotas de
agua sobre mis hojas y agregaré los puntos
más oscuros aquí y allá Puedes salpicar la pintura
más oscura o simplemente tocar la superficie
con la punta de tu pincel salpicaduras crean un efecto
más aleatorio, pero a veces queremos colocar manchas en ubicaciones específicas El efecto final de las salpicaduras
es siempre impredecible. A pesar de que tenemos un plan, el resultado final
aún nos sorprenderá. Esa es una de las maravillosas cualidades
impredecibles
de las acuarelas. Ahora sigamos trabajando
en cada forma de manera individual. Agrega más colores y
oscurece los tonos. Recuerda que siempre puedes
volver a visitar la misma área más tarde para agregar más profundidad
y detalles más oscuros Por ejemplo, en esta área, sé que no puedo lograr el efecto deseado
en una sola capa. Primero, oscureceré
esta zona en general, y una vez que se seque, volveré a
agregar detalles más finos Estamos construyendo cada hoja
con múltiples capas. Siempre pregúntate
si estás pintando una hoja o
cualquier otro objeto. ¿Puedo lograr
esto en una capa, o debo romper el
proceso en varias? En la mayoría de los casos,
necesitarás al menos dos
capas y muchas veces más para lograr los valores
correctos y vitalidad
del color y
también para agregar detalles Si decides que son necesarias múltiples
capas, piensa en el orden de esas capas y ¿qué logrará
cada una? Por ejemplo, si
sé que las hojas tienen detalles de
venas con bordes duros, planearé
agregarlos en la última capa ¿Por qué? Porque comenzar por
las venas desdibujaría sus bordes
en capas posteriores, que no es el efecto que quiero. Adicionalmente, esas capas
podrían cubrir las venas, haciéndolas menos visibles. Por eso tengo que pintar
las venas al final. Es por eso que poco a poco estamos construyendo los colores
y valores tonales, comenzando con formas más grandes y aplicando los colores básicos A partir de ahí, potenciaremos los valores tonales e introduciremos
lentamente texturas Y finalmente, agregaremos los
últimos detalles como las venas, asegurando que permanezcan visibles y no afectadas por capas posteriores También quiero tocar un concepto de pintar
lo que ves. No es esencial entender exactamente qué representa cada forma
de la foto, ya sea una parte de una hoja
o un árbol o cualquier otra cosa. Lo que importa es que
quede bien en la foto. En lugar de fijarte en
lo que es, solo pintarlo. Si te dices a ti mismo que
pintar hojas es difícil, entonces créeme, de
hecho se volverán difíciles para ti. No te detengas en el hecho de que
estás pintando una hoja. Sí, sabes que es una hoja, pero trata de no pensarlo
de esa manera. Sé que esto puede sonar
poco convencional. No tiene sentido, sino que trata cada forma simplemente como una forma que necesita ser
llenada de color y textura. No hay distinción
entre una hoja, un pétalo, un hongo, un trozo de corteza,
Todas son solo formas
esperando ser coloreadas. Si sigues repitiendo, no
puedo pintar hojas. Son demasiado desafiantes. Te encontrarás atascado. Si puedes pintar un pétalo de flor, puedes pintar una hoja, puedes pintar corteza, puedes pintar montañas. Se pueden pintar árboles, todo. Todas son solo formas, y tu tarea es encontrar las técnicas que
faciliten pintar cada forma. No se trata de la
dificultad del tema, se trata de dominar
las diversas técnicas que te permitirán
pintar todos estos temas En lugar de pensar que
tienes miedo de pintar hojas porque
son tan difíciles, solo piensa en ello como una forma que tiene bonitos colores,
hermosas texturas. A lo mejor hay algunos reflejos, a lo mejor hay algunas sombras, como en cualquier otra forma
y solo pintarlo. Espero que eso tenga sentido. Espero que mientras
hablaba, también
estuvieras
enfocado en lo que hacía
con nuestra pintura. Como has visto, he estado agregando más y más
colores a cada hoja. Después de aplicar la pintura, también
salpicé algunas
gotas de agua en la mayoría de las hojas En este caso, agregué
manchas más oscuras usando nuestra oscuridad. Es una buena idea proteger
otras partes de la pintura, especialmente el fondo
y las setas para que las salpicaduras
no aterricen ahí también En esta etapa, las
hojas se ven bastante bonitas con colores ricos
y hermosas texturas. Podemos usar un secador de pelo para secarlos antes de agregar detalles. Después de secarse con un secador de pelo, resista el impulso de comenzar
a pintar inmediato ya que el papel
seguirá caliente. Espere hasta que se enfríe de nuevo
a temperatura ambiente. Mientras tanto, he tomado
una goma de borrar regular para quitar las líneas de lápiz
de las hojas de
la derecha donde la
luz es más fuerte Me parece que las líneas de lápiz
aquí son demasiado prominentes. Facilitar las líneas de lápiz puede ser desafiante, si no imposible, una vez que se ha
aplicado agua o pintura , ya que a menudo
se vuelven permanentes No obstante, aquí solo usé
un poco más de presión para cavar debajo del agua y pintar capa para
quitar esas líneas. Ahora que el papel tiene
temperatura ambiente, me he dado cuenta de que la diferencia de
valor de tonnel entre la hoja clara al frente y las hojas en la
parte posterior no es tan grande Tienen valores tonales bastante
similares, lo que dificulta la
distinción entre ellos. Para arreglar eso, voy a aplicar más marrón rojizo a
la hoja en el dorso. Observe cómo esta capa adicional que
hojea más en el fondo, permitiendo que la hoja de
enfrente se destaque. Si bien esta capa cubre la textura anterior,
está bien. Siempre puedo salpicar más gotas de agua y pintar sobre
esta capa también Recuerda, las acuarelas
son transparentes, por lo que parte de la textura
seguirá siendo visible. Para la hoja de la izquierda, no
quiero cubrir toda
la superficie de esa
hoja con un tono más oscuro. En cambio, aplicaré un
marrón más oscuro cerca de la hoja
más clara de enfrente. Esto creará suficiente
contraste de túnel entre los dos. Después de aplicar la pintura, mezclaré
con un pincel limpio y tonto. Observe lo lento que la pintura, construcción de formas con
múltiples capas transparentes hace que los objetos sean
más interesantes. No son planos,
tienen sustancia, en lugar de ser pintados
con un solo lavado plano, logran una hermosa construcción
de muchas capas transparentes. Ahora, aquí hay una zona oscura
entre las hojas. Comenzaré por aplicar
una mezcla marrón rojiza de Ciena
quemada y rojo
windsor como mi base Si bien esto todavía está húmedo, voy a caer en nuestra mezcla negra de Burnt Sienna
azul ultramarino y Mientras estoy en esta zona, también
oscureceré la
hoja en el fondo Con esto, creo que
podemos terminar esta parte. Hemos agregado más colores,
oscurecido los tonos, hecho claras distinciones entre
las hojas y creado En la siguiente parte,
completaremos las hojas
agregando las venas.
11. Hojas-venas: O En esta parte, agregaremos las
venas a nuestras hojas. Si bien nuestro enfoque principal
estará en las vetas, también
podemos hacer los ajustes
necesarios a las áreas que aún
necesitan refinamiento. Prepararé más
de nuestra mezcla oscura, combinando quemar Siena,
azul ultramarino, y pinturas grises No obstante, también voy a necesitar alguna quemadura pura Siena ya que no
todas las venas son oscuras o negras. Para pintar las venas, usa un pincel pequeño
con punta afilada. Estoy usando una talla para brocha. Comienza recogiendo un tono
más claro y luego comienza a pintar las venas usando
la técnica de mojado sobre seco. Comience con la
vena principal en el centro, y luego agregue las
venas secundarias que se ramifican de ella. Un punto importante
a destacar es la necesidad de usar un pincel de punta
muy fina. Las venas deben ser delgadas. Un error común es
usar un cepillo que es demasiado grande o
carece de una punta afilada, lo que resulta en venas gruesas de aspecto
antinatural La vena principal debe
ser ligeramente más ancha cerca del tallo de la hoja
y estrecharse hacia la punta. Las venas secundarias
deben ser aún más delgadas. Apenas estoy tocando la punta
de mi pincel al papel ya que quiero pintar con solo la
punta misma de las cerdas También notarás que
las venas no son perfectamente rectas y que
hay huecos en las líneas. Esta imperfección realza
su aspecto natural. Evite pintarlos como
una línea recta y gruesa. En cambio, sé suave y preciso, asegurando que tus líneas
sean muy delgadas. De hecho, mi cepillo
está un poco desgastado. La punta se ha vuelto
ligeramente curvada. Lo sostengo en
un ligero ángulo, permitiendo que solo la punta misma de las cerdas rizadas toque
el papel Si tienes un cepillo spotter muy
pequeño como un triple cero, eso también puede funcionar muy bien. Observe que no estoy apurando
por este proceso. No hay necesidad de darse prisa. Es una actividad relajante, y quiero pintar
sin sentirme presionada Entonces, no estoy siguiendo la foto de
referencia muy estrictamente. Si bien puede que no vea todas
las vetas claramente en la foto, siempre
puedo usar mi
creatividad para agregar algunas que creo que mejorarán
la apariencia de las hojas. Otra nota importante es
cambiar los colores a medida que avanzas. Para las hojas más claras, estoy usando tonos marrones más
amarillentos Mientras que para las hojas más oscuras, me inclino hacia mis marrones más oscuros Aquí hay una forma abstracta. Hay hojas, pero las
formas no están claramente definidas, y eso está perfectamente bien. Simplemente estoy recreando
lo que veo, y confío en que
quede bien al final Quiero agregar más
tonos oscuros y rojos en esta zona. Esta hoja en particular
es bastante interesante. Aquí no hay venas
distintas, pero esta hoja está muy
texturizada. He aplicado aquí. No sé quizá cuatro
capas o incluso más. Cada vez agrego trazos de
pincel que siguen
la curvatura de eso, contribuyendo a su apariencia
arrugada Para la hoja en la esquina
inferior derecha, además de las vetas oscuras, estoy aplicando otra
capa de pintura en las zonas más oscuras porque
creo que debería ser pareja Estoy usando una mezcla de
rojo windsor y amarillo indio, que generalmente es naranja, pero combinado con
los colores más oscuros produce un n marrón profundo. Algunas líneas adicionales y marcas de
pincel con Burn Ciena, y esta está terminada Ahora pasemos a
las dos últimas hojas. Aquí quiero pintar las venas, pero también necesito
oscurecer la hoja de enfrente para crear una clara distinción
entre las formas Mientras miro todas las
hojas juntas, estoy considerando áreas que
pueden necesitar ajustes. Por ejemplo,
creo que podría agregar un poco de sombra cerca de las
venas sobre esto. El tono ligeramente más oscuro así que realza la apariencia natural de
tres D. También siento que esta hoja
es un poco demasiado lisa y carece de textura en
comparación con las otras hojas, así que estoy salpicando
algunas manchas marrones de pintura para agregar más Por último, quiero ajustar
las hojas a la derecha. Estoy aplicando un
amarillo windsor muy pálido a algunas de las áreas
resaltadas. También estoy oscureciendo aún más las áreas
sombreadas. Con eso, se acaban
las hojas. Ahora podemos retirar
el líquido enmascarante de los hongos
y en la siguiente parte, les
aplicaremos la capa
inicial.
12. Hongos: primera capa: En esta parte, comenzaremos a
pintar los hongos. Al igual que con las hojas, comenzaremos aplicando
una capa inicial a todos los hongos para
establecer una base sólida. Primero, preparemos nuestros colores. Estoy limpiando el
lado izquierdo de mi paleta para asegurar que tengo
colores más limpios para esta etapa. Comienza mezclando la siena
quemada con rojo
windsor para crear un color marrón
rojizo granate, que usaremos para la parte superior de las copas de hongos Después agrega amarillo indio para la parte media y prepara los vientos son
amarillos para el fondo. En un área de mezcla separada, prepare una mezcla marrón
de siena quemada, pinta gris y un poco de amarillo indio para darle calidez. Ahora, usando un tono claro
de nuestro marrón granate, comienza a aplicar el coolor a la copa del
primer hongo,
haciendo la transición a
amarillo a medida que avanza El objetivo en esta
etapa es aplicar una versión ligera de los
colores principales a todos los hongos. Dondequiera que vea el color granate, usaré un tono claro de
la mezcla de rojo y marrón Para las zonas que son de color marrón
más amarillento, aplicaré más
amarillo indio y quemaré Siena Mientras pintas, presta mucha
atención a los aspectos más destacados. Si hay un fuerte resaltado, asegúrese de pintar
alrededor de esa área. Si bien podríamos enmascarar
estos reflejos, pintar a su alrededor, creo, se verá mucho más natural. Estamos aplicando la
capa base a todos los hongos, así que no te preocupes si los colores fluyen de un
hongo a otro. Eso está perfectamente
bien en esta etapa. Es similar a cuando
pintamos las hojas. La primera capa se
aplicó a todas las hojas, permitiendo que los colores se
mezclaran sobre el papel. En la segunda capa,
creamos claras distinciones
entre ellas. Aquí estamos haciendo exactamente
lo mismo. Colocando la capa base dejando las
altas luces blancas. Podrías notar que el color marrón granate
aparece bastante oscuro en estos momentos Esto es porque sé que
se secará más pálido. Si aplicara ahora un valor muy
ligero, tendría que agregar
más capas después para lograr la
oscuridad deseada para las copas. Entonces estoy comenzando con
un valor medio, que requerirá menos capas
adicionales para llegar a lo profundo. Las branquias y tallos
generalmente se inclinan hacia el beige. Para ello, voy a
añadir un poco más de azul
ultramarino
junto con el marrón, que como saben, neutraliza el marrón y
lo hace menos saturado M. Así es como se ven nuestros hongos ahora. Es importante preservar esas áreas blancas ya que
crearán un efecto de luz encantador y
mágico. Ahora ojo y una vez que sea, pasaremos a
pintar las agallas. Oh.
13. Setas: branquias: Oh. I Ahora que la primera
capa está completamente seca, podemos pasar a
pintar las branquias Voy a estar usando un tamaño
para cepillo para esta parte. Usaremos los mismos colores con los que hemos
estado trabajando hasta ahora. Comienza con un
tono claro de nuestra mezcla oscura. Pintar las branquias
es bastante sencillo. Todo lo que necesitamos hacer es crear muchas líneas en la dirección
correcta. Esencialmente, estas líneas se encuentran en el medio donde se encuentra el
tallo. Comienza con un tono claro
y a medida que avanzas, siéntete libre de cambiar a tonos más
marrones amarillos o rojos. Una vez que estés satisfecho con
la colocación de tus líneas, puedes caer en un
tono más oscuro donde sea necesario. También estoy agregando más
colores a dos primeros tallos, pero nos centraremos en los tallos
en un segmento posterior, en otro video, así que no
te preocupes por ellos hace un momento. En el lado derecho de las agallas, generalmente
estoy usando tonos más
amarillentos porque
captan más luz solar
y parecen más cálidos, especialmente para los hongos del
lado derecho Tenga cuidado de no pintar
sobre las áreas blancas. Queremos que esos permanezcan blancos
para transmitir al efecto de luz. Una cosa para notar
que en algunas áreas, estoy pintando una forma de Y en lugar
de solo líneas paralelas. Esto se debe a que
en la referencia, no todas las branquias son
perfectamente paralelas Entonces superponer, usar una forma y
ayuda a crear ese efecto. Este es un proceso
sencillo. Sigue pintando esas líneas
hasta que estés totalmente cansado. Y cuando termines, pasaremos a la siguiente parte donde
trabajaremos un poco más en las copas.
14. Champiñones: gorras: M. En este paso, vamos a repetir lo que
hicimos en la primera capa, pero esta vez nos
centraremos sólo en las copas. Estaré usando un pincel
talla ocho. El objetivo aquí es profundizar
los colores de las copas. Como mencioné anteriormente, una capa a menudo no es suficiente para lograr esos ricos colores
en la acuarela. A veces una sola capa es suficiente dependiendo
del efecto deseado, pero en este caso, queremos
esos colores vibrantes y jugosos. Para lograrlo,
aplicaremos otra capa de pintura. Utilizaremos los mismos
colores que antes, pero con la
acumulación de dos capas, los colores
se volverán más saturados y más vibrantes cuando se sequen, simplemente porque estamos
agregando más pigmento. En esta etapa, también
crearemos claras distinciones
entre cada hongo, similar a lo que hicimos con las hojas en
la segunda capa No sólo estamos
profundizando los colores, sino que también estamos usando valores tonales
más oscuros para separar los hongos
entre sí Por ejemplo, estoy usando el color granate más oscuro para pintar la tapa del
hongo en la parte posterior Después aplico el color granate
al hongo de enfrente. Pero fíjense que no voy hasta el
borde de la derecha. Ese borde permanece un poco más
claro y más amarillento, lo que ayuda a distinguir
el hongo del que está detrás de él. También estoy cayendo en algunos tonos
más oscuros donde sea necesario. Esta etapa es bastante
sencilla, y no tengo mucho
más que añadir aquí. Simplemente continúe aplicando la pintura para que los colores de
las copas estén más saturados. También puedes crear un poco más de textura
o una impresión de una superficie arrugada aplicando pintura a las partes
medias del extremo superior de la copa, y luego tirando de esa
pintura hacia el borde, creando franjas claras
de varios anchos Una vez que termines, deja que
todo se seque completamente, o puedes usar una secadora para
un proceso de secado más rápido. Solo recuerda
esperar hasta que el papel se
enfríe antes
de pasar al siguiente paso Oh.
15. Setas: tallos: En este paso corto y fácil, nos centraremos únicamente en los tallos. Son bastante simples de pintar, así que no deberías tener
ningún problema con ellos. Estoy mezclando Burnt Sienna
con pinos grises, y también estoy preparando un
poco de amarillo indio Al otro lado
de mi espacio de mezcla,
estoy mezclando Burnt Sienna
con azul ultramarino La segunda mezcla es
similar a la primera, pero es más ligera y menos intensa que la de color gris pinos. Ahora para pintar los tallos, dividiremos este
proceso en dos etapas. Primero, debemos asegurarnos de
que el color general, el color base de cada tallo
sea correcto y lo suficientemente oscuro. Si un tallo parece demasiado claro, o quieres que los
colores estén más saturados, empieza por aplicar
una segunda capa para oscurecerlo Algunos tallos pueden
tener ya dos capas y
ser lo suficientemente oscuros, mientras que otros podrían
necesitar este ajuste. Una vez que estés satisfecho
con los valores tonales, usa un tono de para agregar algunas líneas
alargadas para la textura Estos no deberían ser demasiado, solo líneas aleatorias
que corren a lo largo del tallo, ya sea de arriba a
abajo o de abajo hacia arriba. El objetivo aquí es crear algo de textura y evitar
un lavado plano de pintura. Oscureciendo los tallos, puedes secar todo
rápidamente
con un secador de pelo Una vez que el papel se enfríe, agregue esas líneas simples, esto potenciará
el interés visual sin complicar Eso es. Nada difícil. Una vez que termines,
pasaremos a la siguiente parte.
16. Uso de una brocha para depurar: Ya casi estamos ahí. Sé
que puede que te sientas cansado, pero si has llegado hasta aquí, tómate un momento para mirar tu pintura y estar orgulloso
de lo que has logrado. Seguro que estarás de acuerdo en que vale la
pena perseverar. En esta parte del proceso, agregaremos un toque de
magia a tu pintura. Este paso es
completamente opcional, pero personalmente no podía
esperar para llegar a él porque crea este efecto encantador que
he estado imaginando y que
he estado Voy a estar usando mi
cepillo de fregado. Es un pincel Windsor y Newton
Galeria tamaño f. lo tengo desde hace
varios años y es mi opción
para esta técnica El objetivo aquí es mejorar
el efecto de luz brillante. Si eres nuevo en mis tutoriales, puede
que no estés familiarizado
con esta técnica, pero es una que realmente me gusta incorporar
siempre
que sea posible. La idea es que cuando la
luz del sol golpea un objeto, crea un fuerte resalte, que muchas veces aparece
como blanco puro. En estas zonas, dejo intacto
el papel blanco
porque no hay nada más luminoso en acuarela que el brillo
del propio papel Incluso la pintura blanca no creará ese mismo efecto de brillo natural. Esta luz blanca normalmente se encuentra con el color de fondo
o la sombra proyectada nítida. La magia ocurre cuando
ablandamos estos bordes duros. Si bien los bordes afilados pueden transmitir la luz de
manera efectiva, suavizarlos agrega
un toque mágico como si hubiéramos encendido
una fuente de luz suave. Espero que puedan ver este efecto y la diferencia que hace. Usando un cepillo de fregado húmedo, suavemente a lo largo de los
bordes donde la pintura se encuentra con la p. Una vez que se activa la
pintura, froto con una
toalla de papel para levantarla, creando un borde más suave que
realza ese brillo mágico Aplicaré esta técnica
sobre los hongos, hojas y musgo para amplificar
el efecto resplandeciente También podemos usar
el cepillo depurador a lo largo del borde donde las branquias se encuentran con
la En la referencia, estos
bordes aparecen más claros. Hay una línea más clara
a lo largo del borde. Pero para un efecto más llamativo, los
vamos a acentuar
con en la parte final Ahora pasemos
al siguiente paso y pintemos las escamas
en las tazas. Ur.
17. Setas: escamas: Antes de empezar a
pintar las escalas, quiero abordar dos
pequeñas secciones que me han estado molestando porque simplemente
son demasiado ligeras. Aplicaré un tono marrón
más oscuro a estas áreas para darme tranquilidad
para el siguiente paso. Ahora pasemos a
pintar las escamas. Este es un proceso rápido y
sencillo que le resultará
fácil de administrar. Estaremos agregando marcas irregulares
en las gorras con un marrón más oscuro. Aquí hay tres
puntos clave a tener en cuenta. Varíe el color y el valor tonal. Los hongos de la izquierda, estando más a la sombra, deberían tener escamas un poco
más oscuras. En contraste, los
hongos de la derecha, especialmente aquellos con hermosos reflejos
pueden tener escamas más ligeras, quizás más amarillentas Evite la uniformidad. Cada escala debe ser única. Observe cómo algunas marcas son más alargadas mientras que otras
son más cortas o más redondeadas No deberían formar
un patrón uniforme. En cambio, apunta a formas orgánicas
naturales que
realcen el aspecto de las copas. Sigue los círculos. Imagina sus
círculos en cada copa. A medida que añades las marcas, oriéntalas para que sigan estas formas circulares
invisibles. Si los pintas
en línea recta, no
aparecerán naturales. Las escalas deben curvarse alrededor cada copa, reflejando su forma. Esas son las tres cosas principales importantes
a tener en cuenta. Bueno, podríamos dedicar más
tiempo perfeccionando las escalas, agregando reflejos y
sombras diminutas debajo de cada una, creo que estas simples marcas serán suficientes para crear
el efecto que queremos Una vez que termines esta parte, pasaremos al paso final, también opcional, donde te
mostraré
qué más podemos hacer.
18. Uso de gouache blanco: Como mencioné, este
paso es opcional, pero me gustaría mostrarles
cómo usar guash blanco para agregar pequeños detalles y
refinar algunas áreas Voy a usar el ga de Windsor
Newton Designer's. Voy a exprimir un poco
en un pedazo de papel, pero siéntete libre de usar
tu paleta también. Si quieres, prefiero el papel porque mantiene el gah
cerca de mi área de pintura, y después, puedo deshacerme
fácilmente de él Por sí solo, la guash blanca puede
parecer demasiado fría o áspera. Voy a mezclar un poco de sienna
quemada y
amarillo indio hasta lograr un color
muy pálido, cremoso Muy parecido al color que
puedo ver en los
bordes de las copas. Una vez que esté contento con ese color, puedo usarlo para
varios propósitos. Puedo pintar los
bordes de las copas. Si bien crear
los bordes con un cepillo de fregado puede ser un
desafío porque el cepillo de fregado no es tan
preciso Pintarlos ahora con pintura
opaca es mucho más fácil. También puedo agregar más
agallas si es necesario. Si hay áreas que podrían beneficiarse
al agregar más branquias, esta pintura opaca es
perfecta para eso También puedo refinar los bordes. Podemos pintar y refinar
los bordes de las copas. Crear los bordes con
un cepillo de fregado puede ser un desafío porque no
es tan preciso Pintar los bordes con la pintura opaca
más clara y definir los bordes
es realmente mucho más fácil y mejora
el aspecto general. Si mezclo la guash blanca con otros colores como el verde
dorado y el amarillo indio, puedo crear una
versión pálida del verde que pueda usar para agregar
textura al musgo Esto es genial para
esas diminutas hojas de musgo que captan la
luz del sol y crean ese
efecto brillante ya que la opacidad nos
permite pintar sobre áreas
más oscuras fácilmente Volviendo a ese cremoso coolor, también
se puede aplicar
a la corteza para agregar pequeños reflejos
que pueden haberse perdido en las capas anteriores Estos pequeños detalles
pueden parecer menores, pero potencian la
sensación general de la pintura. Por último, a menudo mezclo Gach con los colores utilizados en la
pintura para firmar mi obra Una vez firmado mi cuadro, significa que lo
considero completo Aunque note errores
o cosas que podría mejorar, no lo
tocaré después de
firmar. Lo sé. Ahora puedo quitar la cinta y revelar ese
bonito borde limpio. Posteriormente,
quitaré
la pintura de la tabla de cocodrilo y
recortaré los bordes, dejando solo un
borde blanco alrededor. Eso es. Estoy muy contento
con cómo resultó. Disfruté trabajando en todas esas texturas y
hermosos colores
otoñales, y espero que también estés contento
con tu resultado. En la parte final,
resumiremos lo que hemos
aprendido de este tutorial
19. Resumen: Oh. Vamos a resumir lo que hemos
cubierto en el tutorial. Aprendimos a crear un fondo húmedo suave y borroso sobre fondo húmedo Exploramos cómo lograr colores
profundos y ricos usando técnicas de
capas Pintamos corteza, creando hermosas texturas en
el árbol y el musgo. Descubrimos cómo las capas
pueden generar efectivamente un aspecto natural para las hojas
y otros elementos naturales Practicamos pintar hojas de
otoño, construir sus colores,
agregar texturas y detallar las venas. Abordamos los
elementos estructurales de los hongos, incluyendo copas,
branquias y tallos Creamos un efecto de
luz mágico para mejorar nuestra pintura, y efectivamente
usamos un pincel depurador y guh blanco para agregar
reflejos Este fue un gran proyecto, y espero que
lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por acompañarme
en este viaje creativo. Realmente aprecio el
tiempo que has pasado conmigo. Te animo a que pruebes
este cuadro. Es una experiencia realmente
gratificante. Ya terminaste tu
cuadro, enhorabuena. Has hecho un excelente trabajo, y espero que estés
orgulloso de tu resultado. Muchas gracias por
ver y pintar feliz por
Krzysztof Kowalski, Watercolor artist
