Historia del arte para diseñadores: aprende a hacer un collage

1. Introducción: Hola a todos, me llamo Valerie Mercier. Soy artista y educadora de Ottawa, Canadá. Mi camino me había llevado a estudiar artes visuales, diseño gráfico, y fotografía. Por un lado, había estado enseñando artes durante los últimos siete años en aulas, galerías de arte y museos, incluida la Galería Nacional de Canadá. Por otro lado, mis collages han servido de ilustración para medios web y papel. El arte y el diseño han estado en diálogo a través de la historia y encontramos inspiración de tantas fuentes diferentes. Creo que debes pensar en las artes visuales como una de ellas, ya sea que trabajes en el campo del diseño gráfico, ilustración, o el arte conceptual, creo que hay algo para ti en esta clase. En esta clase, te enseñaré sobre movimiento artístico que debes conocer. Aprenderás sobre las técnicas, las ideas, y los artistas involucrados en estos movimientos artísticos. El mejor parte es que la práctica se unirá a la teoría, ya que te enseñaré a hacer tu propio collage de papel basado en estos momentos clave de la Historia del Arte. Personalmente me parece que el collage es una manera increíble de estimular la creatividad. Es divertido, es rápido, es simple, es económico, y te permite experimentar con colores, composiciones, y dar forma súper fácilmente. Con todo eso dicho, me encantaría que descubrieras algunos nuevos artistas y técnicas y no puedo esperar a compartir con ustedes mi pasión por las artes. Vamos a sumergirnos justo en. 2. Prepárate para hacer un collage.: Bienvenidos a la clase. Hoy vas a aprender sobre una mujer importante de la historia del arte. En tu trabajo, probablemente utilices formas visuales para comunicarte, como el nombre de la marca, la ilustración, el diseño gráfico. Por eso esta clase se va a centrar en momentos de la historia del arte en los que los fundamentos como los colores, las formas, la representación y la composición habían sido cuestionados o cambiados radicalmente. Te voy a contar sobre el impacto en la influencia de estos momentos. Ahí hay característica visual y artista asociado a estos momentos. Para el final de esta clase, espero que puedan identificar más rápidamente el movimiento artístico. Aprenderás sobre artistas clave de la historia moderna. Sabrás hacer un collage de papel, y espero que te traiga nuevas ideas e inspiración en tu propio proceso creativo. Esta clase se dividirá en cuatro capítulos. El primero es el color. El segundo será el cubismo, seguido de la abstracción, y el último es el surrealismo. Creo que una de las mejores formas de aprender es probarlo. Por cada capítulo de esta clase, te mostraré cómo hacer un collage de papel. Esto significa que podrás experimentar con diferentes elementos y principios de diseño. Elegí este proyecto porque el collage ha sido parte de mi propia práctica como artista durante muchos años. Al final de mis estudios en fotografía, buscaba un proceso más táctil, y el collage era exactamente lo que buscaba. Hacer collage está en el núcleo de mi proceso artístico, pero me encanta cómo también puedes usarlo ocasionalmente para estimular tu propia creatividad. Antes de sumergirnos más profundamente tanto en teoría como en práctica, vas a necesitar reunir algunos suministros. Vas a necesitar revistas viejas. A mí me gusta llevar lo que hay en mi casa. Si eres alguien que no tiene mucha revista en casa quizá pregunte a un amigo o consulta tu tienda de segunda mano local y busca una revista con muchas imágenes y fotografía en ella. Otra cosa que necesitarás es algo para cortar, por lo que un par de tijeras funciona muy bien. O también me gusta usar un cuchillo artesanal con una estera de corte baja. A algunas personas les gustan los cuchillos de precisión, mí me gusta el tipo de hoja de broche. Vas a necesitar algún papel para pegar tu collage. Podría ser un poco de cartón o simplemente un bonito papel grueso. Lo último que vas a necesitar son unos palos de pegamento. Si tienes estos suministros contigo, estás listo para crear. Lo que me encanta del collage es que, te da tantas posibilidades. Probablemente todos vamos a terminar con diferentes imágenes al final, así que por favor asegúrate de compartirlo en la Galería de Proyectos. De verdad quiero ver tus resultados finales. Empecemos. Nos vemos en el siguiente capítulo. 3. Aprende sobre colores: Nuestro primer capítulo está sobre el color. Creo que una de las mejores maneras de empezar a hablar de color es mencionar a uno de los precursores de algún movimiento artístico que giraba en torno al color. Se llama Vincent Van Gogh. Vincent Van Gogh fue el pintor posimpresionista que agrega una influencia significativa en el arte moderno. Tuvo una carrera de unos 10 años, pero en estos 10 años, produjo cerca de mil pinturas. Abordó una variedad de temas, incluyendo retrato y autorretrato, bodegones , y paisajes. Vincent Van Gogh usó pintura para expresar emociones, lo cual fue una idea bastante nueva en su momento. Desarrolló un estilo absolutamente único al optar por colores brillantes y pinceladas expresivas. Sus exuberantes pinturas combinaban tanto la observación como la subjetividad. decir, estaba pintando lo que veía, pero también estaba agregando su propio toque personal, su propia interpretación personal del mundo en su momento en su arte, lo que me lleva a discutir nuestro primer movimiento artístico oficial de la clase, Fauvismo. El fauvismo fue un movimiento artístico dirigido por Henri Matisse, Andre Derain, y Maurice de Vlaminck. Eran jóvenes artistas franceses que buscaban representar la naturaleza de una manera más enérgica. Fueron inspirados por algunos artistas post-impresionistas, entre ellos Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, y Georges Seurat. Por post-impresionista, nos referimos a artistas que pintaron un poco inspirados en los valores impresionistas, pero siguen su propio camino. En el verano de 1905, Matisse y Derain experimentaron con colores brillantes no naturalistas, los cuales aplicaron en dabs o trazos cortos y dejaron algunas manchas del oso de lona para actuar como un color adicional. Daron a su pintura una mirada enérgica. En el otoño del mismo año, su arte llamó la atención en el Salón de París y dejaron su huella como uno de los primeros movimientos de vanguardia. Fue Louis Vauxcelles, un crítico de arte que vio su arte y acuñó el término Fauve, que significa bestia salvaje, para describir su estilo. Si bien el Fauve no adaptó el estilo para toda su carrera , siguió siendo uno influyente. El fauvismo se caracterizó por combinar todas estas dabs de colores puros y brillantes, lo que creó un poco de perspectiva aplanada. Por color puro, quiero decir, colores que se usaban justo fuera del tubo, no necesariamente mezclados con otro tono. Al mismo tiempo, en Alemania, también sucedía algo interesante con el color. expresionismo alemán es un movimiento artístico que abarca las artes visuales, la arquitectura, las artes escénicas y la literatura. Existen dos grupos principales de expresionistas alemanes. El primero es Die Brucke, que fue dirigido por Ernst Ludwig Kirchner. El segundo fue Der Blaue Reiter, que fue dirigido por Wassily Kandinsky y Franz Mack. El arte de Die Brucke se inspiró en las obras de Vincent Van Gogh, Edvard Munch, y el arte renacentista alemán. Los temas recurrentes incluían retratos, desnudos, y la vida de la Ciudad de Berlín. Lo que lo hace único es su combinación de fuertes pinceladas, contornos, formas distorsionadas, y paladar no natural, muy saturado. Todos estos elementos combinados, dieron al arte edginess y luminoso. Artista del movimiento expresionista alemán, pusieron su respuesta emocional y personal a un sujeto a la vanguardia de su creación. arte ya no pretendía representar a un sujeto de manera realista, se trataba mucho más del sentimiento que proporcionaba al creador. En 1933, la vanguardia alemana lamentablemente vio un final abrupto debido al ascenso del Partido Nazi, quien los etiquetó como artista degenerado. Hagamos un resumen rápido de las cosas importantes que hay que saber sobre este capítulo de color antes de comenzar nuestro collage. Los colores atrevidos y brillantes pueden traer energía o borde caro. Los colores no siempre se usan de manera realista. El fondo crudo se puede utilizar como un color adicional. Centrarse en colores y texturas podría significar que la perspectiva se vea más plana. Algún arte se caracterizó por un énfasis en lo altamente personal, y la respuesta emocional del artista al sujeto, no al sujeto en sí. 4. Haz un collage lleno de color: Una de las primeras cosas que voy a hacer es ir obviamente por las páginas de las revistas que tengo. Cada vez que veo algo que es convincente, que es visualmente interesante, simplemente elimino la página y hago una pila. Después de eso, paso por lo que tengo, la selección que tengo, y tal vez voy a acostarme a unas cuantas imágenes. No necesitas una tonelada de imágenes para hacer un collage. En ocasiones, se puede hacer una composición realmente efectiva incluso con cuatro o cinco imágenes diferentes. Voy a tener presente los antecedentes que uso. Puedo ir por algo que tenga algún color en él. Tengo este papel artesanal, también tengo un papel gris, pero decidí ir por el blanco sólo porque algunas de las imágenes que uso tienen algo de blanco en él, por lo que se van a elogiar entre sí. Por lo general, realmente nos atraen elementos específicos en una imagen. Sé que mucha gente está como, “Oh, esto es lindo. Tengo este escalador con esta roca. Esto es interesante. Tomaré esta página por un collage que voy a hacer”. Pero también quiero que veas páginas que podrían tener mucho espacio negativo, porque estos grandes trozos de color, pueden convertirse en texturas o bloques de color en tu collage. Adelante rápido un poco, ya he quitado muchas páginas que eran realmente emocionantes, realmente estimulantes de diferentes revistas, y he reducido un poco mi selección para este primer collage. Este collage está sobre un tema de color, por lo que realmente me atraían las imágenes con colores muy saturados y audaces. El primero que realmente me llegó y dictó la selección de las otras imágenes fue este pequeño paisaje aquí. Creo que esta será la pieza principal con la que empezaré en el collage. El modo en que personalmente me gustaría incorporar más colores a un paisaje es recortando el primer plano, el medio suelo, el fondo hacia fuera y expandiéndolo. Esto es lo que vamos a hacer para este capítulo sobre el color. Voy a cortar justo en la línea entre el naranja y el morado, separando los cerros de la montaña. Encuentra la herramienta con la que te sientes más cómodo. Incluso para pequeños detalles, tiendo a ir por tijeras en lugar del cuchillo artesanal. Porque estamos haciendo un colorido collage, nada te detiene de revisar tu círculo cromático para saber si estás construyendo una fuerte armonía de color o si estás haciendo contrastes interesantes entre los colores. Los colores que elijo son en su mayoría fríos con sólo un pequeño toque de naranja aquí para alegrar todo el asunto. De la forma en que pego las cosas juntas cuando hago un collage, va a variar un poco, pero la regla grande es que trato de no pegar una pieza enteramente al pedazo de papel hasta que esté completamente satisfecho con mi composición. A menudo juntaré algunas piezas del collage y luego las combinaré hasta que esté lista para pegarlas en el papel. La mayoría de las veces, dejo la esquina y los bordes de las diferentes piezas de papel que he usado desnudo sin pegamento para que pueda meter en un trozo bajo de color de último minuto. Aquí te dejamos nuestro primer collage terminado. 5. Aprende sobre cubismo: Empecemos este capítulo del cubismo hablando del artista moderno cuyo más frecuentemente citado haber tenido influencia en otros artistas. Ese artista es sin duda, Paul Cezanne. A finales del siglo XIX, Cezanne estaba preocupada por cómo representar el mundo tridimensional sobre una superficie plana del lienzo. Experimentó con la disposición de los elementos en una imagen, pero lo más importante, desarrolló un estilo único en el que la profundidad se creó mediante la aplicación de sutiles variaciones de colores y formas basculantes. Esto era bastante poco convencional en su momento y al hacerlo, allanó el camino para el cubismo y hasta el arte abstracto en Europa. Con todo eso dicho, ¿qué es el cubismo? Bueno, el cubismo es un término usado para describir un tipo específico de arte hecho a principios del siglo XX. Alrededor de esa época, los artistas estaban cada vez más expuestos al arte hecho fuera de Europa y comenzaron a introducir nueva estética, como por ejemplo, el arte de África. Fue el caso de Pablo Picasso y George Braque. Esto combinado con su admiración por la obra de Cezanne los llevó a pintar con un nuevo estilo y a establecer el movimiento artístico cubista. cubismo era todo sobre experimentar con las formas en que se representaban los sujetos en el espacio. Una de las características clave de este movimiento artístico, es que muchos puntos de vista y ángulos del mismo sujeto se combinaron en una sola imagen. El cubista preferiría centrarse en las formas y la muerte, lo que significaba que su trabajo tenía a menudo una paleta de colores más restringida. A veces la pintura incluso fue reemplazada por el collage. En el lapso de sólo unos años, cubismo rompió muchas convenciones que dominaron el arte occidental desde el Renacimiento. Un puñado de jóvenes artistas que viven en París proporcionaron la condición adecuada para la innovación y el arte audaz durante las próximas décadas. A medida que pasaba el año, el estilo de estos artistas, seguía evolucionando y algunos se volvían un poco más abstractos, algunos tenían un estilo más expresivo. Antes de probar suerte en un collage cubista, hagamos una recapitulación rápida. cubismo se caracteriza por tener muchos puntos de vista y ángulos del mismo sujeto en una sola imagen. Enfoque en las formas y la profundidad más que en el color. cubismo se preocupa por representar el mundo tridimensional sobre una superficie plana. 6. Haz un collage de estilo cubista: Es posible que una revista de moda pueda ser útil. Lo que decidí hacer personalmente, es buscar muchas imágenes del mismo tema o del mismo modelo. Es fácil en una revista de moda, porque podría tener una sesión de fotos que toma algunas páginas de la revista. Lo que me gusta de eso, es que nos permitirá jugar con esta idea de los múltiples puntos de vista y muchos ángulos del mismo tema en un solo collage. La otra cosa es, quiero que tal vez te permitas tener una paleta de colores más restringida para este collage. Tengo muchos tonos de blues y grises, así que esta vez decidí ir por un cartón como fondo, eso es un poco similar en tono a las imágenes que escogí. Limitarte en tu paleta de colores, no es necesariamente algo malo para un collage, sobre todo si tienes muchas revistas, podrías sentirte sumergido en esta abundancia de imágenes inspiradoras. Entonces cuando eliges algo un poco más monocromo, entonces ya estrechas tu selección. Pude haber puesto uno de esos personajes al revés. Se puede enloquecer un poco con el cubismo. Después de todo, estamos mirando diferentes ángulos, así que ¿por qué no al revés también? Pero por esta vez, decidí mantener las cosas horizontalmente en esta composición. Pero si encuentras muchas imágenes de la misma cara en una revista, sería genial. Podrías hacer esta muy clásica, tipo de composición cubista, por la que Picasso era famoso. Cuando pego cosas en mi collage, me gusta dejar los bordes sin pegamento hasta el final, así puedo meter en una última pieza aquí y allá, para hacer los toques finales. Ahí lo tienes, un collage cubista. 7. Aprende sobre el arte abstracto: El siguiente capítulo es todo acerca de la abstracción. Pero antes de empezar, es importante saber que la abstracción se puede ver y ha existido sobre el arte de todo el mundo durante siglos, si no más. Muchos elementos geométricos se pueden ver en diseños de una variedad de culturas indígenas. Para efectos de esta clase, nos centraremos en el surgimiento de la abstracción en la pintura europea y su desarrollo en América. En el campo de la pintura, unos cuantos artistas, sorprendentemente, estamos al borde de la abstracción incluso antes del siglo XX. Un gran ejemplo es J.M.W. Turner, quien pintó de manera casi abstracta en los años 1830 y 1840. Ofreció paisajes atmosféricos y paisajes con detalles escurridizos. Hasta ahora hemos visto que a principios del siglo XX, los artistas comenzaron a romper convenciones en torno al color y a usarlo subjetivamente. cubistas han desafiado la forma en que representamos el mundo tridimensional sobre la superficie plana del lienzo. Es decir, el mundo del arte estaba rebosando de experimentación e innovaciones. Los artistas visuales comenzaron a abordar el siguiente paso lógico, que era quitar por completo el tema de su arte. Algunos recurrieron a la música como referencia. Después de todo, la música es un arreglo de notas abstractas, y cuando se combina eficazmente genera emociones y sensaciones. Las representaciones [inaudibles] pronto hicieron espacio para lienzo cubierto de líneas, formas, algunos orgánicos, y geométricas. Artistas como Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian encontraron posibilidades creativas ilimitadas en la abstracción. Antes de la Segunda Guerra Mundial Francia y Alemania eran centros culturales, pero después de Nueva York se convirtió en un lugar clave para la innovación artística. El arte descrito como expresionismo abstracto, dominó la escena artística estadounidense en la década de 1950. Se dividió más o menos en dos categorías. El primero fue la pintura de acción, que fue todo sobre el acto de la pintura, el movimiento, y la autoexpresión. El segundo fue la pintura de campo de color, que fueron cuidadosamente construidos con una composición casi mínima. Las pinturas de campo de color como las de Barnett Newman y Mark Rothko, a menudo eran enormes de lado. Compuesto por grandes secciones de colores. Estas pinturas intentaron hacer que el espectador se sintiera inmerso en el color y brindar una oportunidad para una contemplación. Una década después algunos pintores desarrollan nuevas técnicas, como la pintura de borde duro o una inmersión de tu lienzo en color. Estas abstracciones se caracterizaron por una composición sencilla. Vamos a probar nuestro propio collage abstracto, pero antes de hacerlo hagamos un resumen rápido. Uno de los valores centrales del arte abstracto es quitar por completo el tema del arte. Algunos artistas se inspiraron en la música. Se trata de un arte con énfasis en nada más que colores, texturas, líneas, y formas, ya sean orgánicas o geométricas. 8. Haz un collage abstracto: Está bien. Este podría ser más un reto, pero creo que va a ser uno emocionante. personal, me gusta mirar mucho esta vez por las texturas, y esos grandes espacios negativos en las imágenes que se encuentran en la revista porque podrían proporcionarme bloques de color para la abstracción. Tengo un ejemplo realmente bueno aquí. Se trata de una imagen que tiene muchos bloques grandes de colores, pero los detalles son tan pequeños que simplemente se convierten en una textura, y es realmente, realmente difícil reconocer el tema. Para mí, tiene el potencial de ser abstracción para un collage. Espero en esta página aquí, a veces tengas imágenes de sangría completa. Esta es una imagen hermosa y no puedo esperar a usarla para este collage. Cuando se trata de abstracción, te estás centrando en los colores, en las formas, en las líneas, y quieres eliminar el tema. Así que sé consciente de tu selección de imágenes. Ya recorté muchas piezas y las voy a poner en diferentes grupos por color, solo para tener un poco de una mejor idea de las posibilidades que tengo para este collage, y luego veré si necesito cortar algo más. Al elegir empezar ya sea con los colores o las formas, te da una dirección para simplificar el proceso de construcción de una abstracción. En este caso, me atraen especialmente algunas formas rectangulares. Serán mi punto de partida para construir esta abstracción. Esto determinará si necesito cortar más formas. A veces me resulta más fácil basar mi collage en algo que reconozco como la forma de una flor, un paisaje, un animal, lo que sea, por lo que la abstracción puede llenar un poco más intimidante. Pero tal vez podamos hacer exactamente como hicieron los artistas hace unas décadas, y basó la abstracción en la música que estás escuchando. Entonces no seas tímido y ponte algo de música. Cuando piensas que tienes una idea bastante buena del collage que quieres hacer, nada te detiene de tomarlo una foto con tu teléfono como referencia antes de empezar a enloquecerlo. Para solapar las formas más fácilmente, solo pego un lado a la vez. Aquí está el resultado final. 9. Aprende sobre surrealismo: Nuestro último capítulo es sobre el surrealismo. surrealismo fue un movimiento artístico, literario y filosófico. Empezó en París cuando el escritor y poeta, Andre Breton publicó el primer manifiesto surrealista en 1924. El surrealismo ganó un interés internacional muy rápidamente. Una de las razones de eso es porque rechazó muchas convenciones artísticas de la época. Andre Breton y sus compañeros se vieron influenciados por las teorías de la mente inconsciente y querían liberar su imaginación. Algunos artistas produjeron imágenes oníricas celebrando lo irracional y lo inesperado. Fue el caso de Paul Klee, Salvador Dalí, Max Ernst, y Rene Magritte. Otros surrealistas recurrieron al proceso de libre asociación, también conocido como Automatismo. automatismo es un proceso donde uno escribe o pinta libremente lo que venga a la mente sin contenerlo. Joan Miro o [inaudible] son artistas asociados a esta técnica. Algo que hay que recordar del surrealismo, no es tanto un movimiento artístico con una estética o estilo común, es impulsado en su mayoría por el proceso de liberar la imaginación y crear asociaciones inesperadas. Esto es emocionante, es nuestro último collage, y va a ser todo sobre el surrealismo. Entonces hagamos una recapitulación rápida antes de empezar. surrealismo es un movimiento artístico que nace del deseo de liberar la imaginación y de acceder al inconsciente. A veces se componía de una imaginería onírica. Todo se trata de asociaciones inesperadas. Se trata de un proceso creativo impulsado por la libre asociación, también conocido como Automatismo. 10. Haz un collage de estilo surrealista: Este capítulo sobre el surrealismo es mucho más impulsado por procesos para la selección de imágenes que he escuchado este collage. Fui por cosas que personalmente se sintieron un poco más de ensueño. Tengo, imágenes de estas extrañas islas o rocas en el mar, algunas mariposas y polillas muy interesantes. Cualquier imagen que tenga casi un efecto espejo o asimetría podría ser interesante. Yo quiero que pienses fuera de la caja por el surrealismo. Yo quiero que cuestionen lo que hay en la imagen. Por caso, tengo esta imagen de huevos, pero si los corto y elimino una parte de la imagen fuera de su contexto, podría parecer un planeta, como una luna. Esta es tal vez la forma en que lo voy a usar esta vez. Cuando se trata de surrealismo, permítete simplemente crear sin pensar demasiado y divertirte con las asociaciones que haces. Porque estamos en el equipo del surrealismo, voy a permitirme cuestionar de qué se trata realmente la imagen. Si tienes imágenes animales y humanas, nada te detiene de combinarlas para crear híbridos. El cuchillo artesanal fue útil para algunos detalles en este proyecto donde quería quitar una forma en medio de un trozo de papel. Esta es una especie de collage que me encanta. Simplemente puedo ir a jugar con muchos elementos y porque estamos en este tipo de proceso automatista, decidí no limitarme a los elementos de composición que más me gustaron al principio, como los dos ciervos, terminé haciendo una imagen completamente diferente al final. En lugar de cortar por completo la línea del horizonte aquí, decidí simplemente hacer una hendidura con mi cuchillo artesanal para insertar la roca. Se hace más fácil después cuando quiero pegar todo el asunto juntos, no tengo que ser súper preciso y para pegar a este tipo de nuevo a la tierra, ya están juntos. Cuando se trata de surrealismo, invito a cuestionar el significado de un objeto o de un elemento en su composición. Nada te detiene de hacer una nube de rocas o hacer un planeta con huevos, como lo hago en este caso. 11. Reflexiones finales: Esto concluye ya esta clase, espero que te divirtieras y pudiste crear algo. Hagamos un breve recapitulación de los temas y temas importantes de esta clase antes de irnos. El primero es que hay que recordar que muy raramente en la historia del arte, algo salió de la nada. Por lo general es una sucesión de artistas que experimentaron con su medio e influenciaron a la siguiente generación. Muchos artistas del arte moderno también estaban menos preocupados por esta ilusión de realidad, muerte, y volumen en su obra. Después de todo, ahora la fotografía está ampliamente distribuida y accesible. Artistas usaban la pintura de tantas otras maneras que copiar la realidad de pegar. Otra cosa es que muchos artistas presentados en esta clase no se limitan a un solo estilo o a un movimiento artístico. asociaron con muchos de ellos a lo largo de su carrera, siguieron evolucionando y experimentando. Esto es, esta es la clase. Espero que lo hayas disfrutado y por favor asegúrate de compartir tu proyecto a la galería de proyectos. Me emociona mucho ver qué tipo de collage se te ocurrió. Antes de terminar, asegúrate de seguirme en Skillshare para saber más sobre mi última clase o los próximos recursos que estaré publicando. Si quieres una dosis diaria de inspiración, también puedes seguirme en Instagram. Muchas gracias por seguir esta clase. Espero que te haya hecho, y nos vemos la próxima vez.