Campamento de entrenamiento de la escuela de arte: ampliando tu estilo con la historia del arte

1. ¿Por qué aprender sobre historia del arte?: Bienvenidos a la próxima sesión de Art School Boot Camp. Soy Christine Fleming, Ilustradora de Might Could Studios. En esta entrega de boot camp, nos estamos centrando en todos los artistas que vinieron antes que nosotros y buceando en el mundo de la historia del arte. La historia del arte es súper importante como artista porque te permite ver y entender lo que hace un gran arte. Cuanto más conozcas sobre movimientos artísticos, leyendas del arte y sus estilos y técnicas, más podrás analizar y mejorar tu propio trabajo. Todos los artistas están influenciados por otros artistas y eso te incluye. Entonces, ¿por qué no aprender de los maestros? historia del arte también cimentará Lahistoria del arte también cimentarálos principios de diseño de los que ya hemos aprendido en esta serie, incluyendo la composición, el color y el gesto. Del impresionismo al surrealismo, cubriremos el quién, qué, cuándo, dónde, por qué y cómo de siete de los movimientos del arte moderno. Te mostraré el ahora con técnicas específicas de cada movimiento que puedes probar y aplicar a tu propio trabajo ahora mismo. Para nuestro proyecto de clase, estaremos creando una nueva pieza de arte inspirada en un movimiento artístico y utilizando una de las técnicas que se muestran en la clase. Al final de esta clase, tendrás una mejor comprensión de la historia del arte, técnicas específicas que puedes aplicar a tu propio trabajo, y un rayo de inspiración para emocionarte por hacer nuevo arte. Entonces, saltemos y rompamos todas las reglas. 2. Impresionismo: El impresionismo comenzó en Francia y abarca desde la década de 1860 hasta la de 1920. Los principales jugadores del impresionismo donde Monet, Degas, Renoir, y Sisley. El objetivo del impresionismo, era capturar momentos fugaces y luz en la naturaleza. Los impresionistas se rebelaron contra el realismo. También se rebelaron contra el arte académico, arte sancionado por el gobierno, y el nivel de acabado y detalle que exigía el realismo en su momento. ¿ Cómo se rebeló el impresionista? En primer lugar se rebelaron eligiendo diferentes temas para pintar. academias de arte, entonces el poder reinante y el arte, declararon que sólo valía la pena crear y apreciar el arte histórico. Los impresionistas se fueron en contra de esto, creyendo que los paisajes y la vida contemporánea también eran dignos de pintar. Los impresionistas llevaron esta idea más allá al enfocarse en momentos particulares de días en su pintura y mostrar el paso del tiempo por detalles en la naturaleza como nubes inundando o ondulaciones en el agua. El objetivo de captar un momento en la vida contemporánea y la fugacidad de ese momento. El impresionista también cambió la forma en que se usaba el color en las obras de arte. Empujaron los límites del color, centrándose en la luz y el color en la naturaleza. Los impresionistas fueron de los primeros en pintar paisajes al aire libre, en parte por la invención de tubos de pintura y se enfocaron en pintar momentos particulares del día. Esto los obligó a trabajar rápidamente para capturar la luz antes de que se desvaneciera y les llevó a aplicar pintura y pequeños trazos de colores, sin preocuparse por el contorno o el detalle. Eso nos lleva a los pequeños trazos de pincel, el aspecto más reconocible del impresionismo. Impresionista pintado con pequeños trazos de pincel de color puro que se fusionaron a medida que el espectador retrocedió del cuadro. Entonces en lugar de ver los trazos individuales, los colores se mezclan y se ve la composición general. Esto creó colores más brillantes y un aspecto suave sin terminar. Los pequeños trazos de pincel pintados rápidamente de color puro crearon una mirada de bosquejo o trabajo preliminar que inicialmente fue visto por críticos como inacabado y no digno de un museo o galería. Aquí es de donde vino el nombre Impresionismo, como si se trataran de impresiones y obras de arte no totalmente terminadas. El último modo en que el impresionista se rebeló fue rompiendo las reglas de la composición. En su momento, se les dijo a los artistas que utilizaran todos los principios de diseño para llevar a un punto focal en la obra que casi siempre estaba en el centro de la pieza. Los impresionistas tiraron esto por la ventana y empujaron los límites de la composición, recortando su trabajo asimétricamente y con frecuencia enfocándose en temas en los bordes de la obra. ¿ Cómo podemos utilizar algunas de las técnicas del impresionismo en nuestro propio trabajo? El primer camino es empujar las formas en que usas el color. El modo convencional de pintar sombras es usar negro o marrón pero la forma impresionista de pintar sombras, es usar colores de cortesía. Por ejemplo, la sombra de este pajar amarillo está pintada de morado en lugar de marrón. También puedes cambiar la forma en que usas pinceladas en tu obra de arte. El modo convencional era no dejar que los trazos fueran visibles y mezclar colores suavemente en el lienzo. El modo impresionista es pintar con pequeños trazos individuales de color puro. Si quisieras, incluso podrías intentar pintar al aire libre igual que un impresionista. 3. Post impresionismo: post-impresionismo comenzó en Francia. Ocurrió entre los años 1880 y 1900. Los principales jugadores del post-impresionismo donde Rousseau, Van Gogh, Cézanne, y Gauguin. post-impresionismo tomó los principios del impresionismo y los empujó más allá, agregando más subjetividad. Se rebelaron contra el impresionismo y en particular a la atención de la luz y el color en la naturaleza. Querían empujar aún más algunos de los principios del impresionismo. Entonces, ¿cómo se rebelaron? En primer lugar, agregaron en formas geométricas a su obra de arte. Mantuvieron la cualidad boquisa del impresionismo, pero experimentaron con diferentes tipos de formas y sus pinceladas. También agregaron más distorsión en su obra de arte y no trataron de representar directamente las cosas como estaban en la naturaleza. Pretendieron mostrar un poco más de expresividad y cómo representaban al mundo. Los posimpresionistas también, no tenemos miedo de usar color antinatural. Rechazaron el objetivo del impresionista de capturar el color exactamente como estaba en la naturaleza. En cambio, usaron los colores que sintieran correctos para transmitir la sensación de la obra de arte. Por último, pretenden transmitir su sentido de la mente con su arte. No querían simplemente transmitir la naturaleza como lo hizo el impresionista, sino transmitir su propio sentido de la mente y cómo interpretaron el mundo. Entonces, ¿cómo podemos usar las técnicas del post-impresionismo? En primer lugar, puedes intentar usar colores más brillantes en tu arte. El modo convencional es pintar colores como están viendo en realidad o en la naturaleza. El modo posimpresionista es exagerar los colores para incluir el color brillante y tal vez antinatural. También puedes enfocarte en tu sentido de la mente. Las formas convencionales es pintar el mundo tal como es y la forma posimpresionista es pintar el mundo como lo ves y lo sientes. 4. Fauvismo: El fauvismo también comenzó en Francia. Ocurrió entre 1900 y 1910. Por el momento vamos a saltar sobre el expresionismo y saltar al fauvismo. expresionismo se desarrolló a lo largo de un periodo más largo. Vamos a volver a ello en un par de décadas. Los principales jugadores del fauvismo, fueron Derain y Matisse, los artistas que conformaron el fauvismo, o a menudo llamados Les Fauves, que significa la bestia salvaje. Juntos, empujaron los límites del color, usándolo para definir la forma y crear estados de ánimo. El fauvista se rebeló contra el impresionismo. El fauvista se rebeló contra el impresionismo, y en particular, el enfoque científico en la apariencia de la naturaleza y el uso moderado del color. ¿ Cómo se rebelaron los fauvistas? En primer lugar, usaron el color como forma. Simplificaron formas y usaron colores planos audaces. También usaron el color como estado de ánimo. Utilizaron el color vívido para realzar la emoción y tenían como objetivo proyectar un estado de ánimo con su color, no solo reflejar lo que se veía en la naturaleza. El fauvismo también es reconocible por su audaz pincel. Mantuvieron la visibilidad de la pincelada del impresionismo, pero usaron pinceladas más audaces y más grandes. También agregaron una expresión aún más individual. Ponen más énfasis en la expresión subjetiva que en otros principios como las proporciones correctas o la perspectiva. ¿ Cómo podemos utilizar las técnicas del fauvismo en nuestro trabajo? En primer lugar, podemos bombear el color. El modo convencional era pintar el color de forma natural. El modo fauvistas es pintar color para establecer el estado de ánimo. También podemos usar pinceladas audaces. El modo convencional era pintar detalle con pinceladas pequeñas y lisas. El modo fauvista es pintar formas con grandes pinceladas inclinadas. 5. Cubismo: cubismo comenzó en Francia y España de 1906 a 1919. Los grandes artistas en el cubismo fueron Picasso y Braque. cubismo fue una forma filosófica de pensar profundamente sobre la visión y cómo se representa. Los cubistas se rebelaron contra el impresionismo, el fauvismo, y el renacimiento. Rechazaron la idea del tiempo lineal desde el renacimiento, el enfoque en momentos específicos desde el impresionismo, y la gama de colores desde el fauvismo. Este cuadro de Picasso se argumenta como la primera pieza que inició el cubismo, según algunos historiadores. En su momento, fue el nacimiento de una forma completamente nueva de visualizar y crear arte, y se dice que ha volcado violentamente convenciones establecidas. Son muchos los aspectos de esta pintura que fueron rechazos de toda la obra de arte que vino antes de ella. En primer lugar, el escenario es interior, cerrado, y abarrotado, lo cual es lo contrario del impresionismo y el fauvismo. En la pieza también se tienen agudos foros irregulares, a diferencia de las líneas fluidas y agraciadas centrales y formas del impresionismo y fauvismo. El estado de ánimo o emoción de la pieza es un poco aprehensivo e inseguro, mientras que el estado de ánimo y la emoción de las piezas más impresionistas y fauvistas eran placenteros. También se disuelve la relación figura/suelo en esta pieza y difícil de ver. Picasso estaba mostrando dos momentos diferentes en el tiempo, lo cual fue una idea completamente revolucionaria. Echemos un vistazo a algunas formas específicas que desarrolló el cubismo. En primer lugar, mantuvieron la planitud fuera del fauvismo. No quisieron enmascarar el lienzo, sino que en lugar de hacerlo que el espectador lo reconozca por lo que es, y no intentaron crear una ilusión de profundidad en la obra de arte. Rechazaron los pigmentos claros y brillantes del fauvismo, y en su lugar usaron tonos más profundos y fangosos, más urbanos con colores oscuros, negros y grises. Dividieron las superficies de su pintura en pequeñas áreas dentadas de pintura, y facetaron el tratamiento tanto del sólido como del espacio. cubismo también es conocido por la simultaneidad. Esto es cuando todas las superficies de los sujetos están en un solo plano, como si todas las superficies fueran visibles al mismo tiempo. Esto también fue completamente revolucionario en su momento. Pero los cubistas no solo hicieron esto para ser raro, lo estaban haciendo para pensar y comunicarse sobre una sensación de conciencia fluida, difuminando el pasado, presente y futuro. Eran desafiantes y rebelándose contra la aceptada forma renacentista de mirar el tiempo de manera lineal, que es más o menos como todavía pensamos en el tiempo hoy. Mostraron el tema no sólo desde un momento específico como lo hicieron los impresionistas, sino que mostraron el sujeto desde diferentes puntos de vista en diferentes momentos, como si todos estuviéramos viendo múltiples dimensiones. ¿ Cómo podemos utilizar las técnicas del cubismo en nuestra propia obra de arte? En primer lugar, podemos romper las formas en facetas. El modo convencional es pintar las formas tal como son. El modo cubistas es romper la forma para disolver la relación figura/tierra. También podemos mostrar diferentes miradores en nuestra obra de arte. El modo convencional es pintar desde un punto de vista. El camino cubistas es pintar desde todos los puntos de vista a la vez. 6. Expresionismo: expresionismo comenzó en Alemania y varió desde la década de 1890 hasta la de 1930. Los principales expresionistas estuvieron en Munch, Kandinsky, y Klee. Los expresionistas pretendían representar al mundo como una experiencia interna, emocional y espiritual. Se rebelaron contra el objetivo impresionista de representar la naturaleza y el mundo exterior tal como se ve, y también contra la alegría fauvista. ¿ Cómo se rebelaron los expresionistas? En primer lugar, se enfocaron en la autoexpresión. Vieron la voz individual como la pieza más importante de la obra de arte. Con ello exploraron el alma y no sólo el mundo exterior. Eran internos y no sólo externos. Creían en total libertad de expresión, libre de convenciones o reglas. También inyectaron mucha emoción en su trabajo. Si bien los fauvistas también usaban el color, pincelada, y las formas para expresar emoción, expresionismo destaca por la intensidad de sus emociones y la diferencia de emociones que expresaron. Algunas de las emociones que exploraron incluyeron inseguridad, hostilidad, ansiedad y alienación. También diferían en qué colores eligieron utilizar en sus obras de arte. Exageraron el color para expresar emoción y crear estado de ánimo. También utilizaron pinceladas audaces como hacían los fauvistas para expresar emoción. También añadieron en distorsión y exageración para acrecentar la voz individual. ¿ Cómo podemos utilizar las técnicas del expresionismo? En primer lugar, podemos aprovechar nuestro lado emocional. El modo convencional era pintar el mundo externo. El modo expresionista es pintar tu mundo interno. También podemos usar el color y la pincelada para crear emoción. El modo convencional era usar colores suaves y pinceladas. El modo expresionista es usar color profundo y pinceladas audaces. 7. Dada: Dada comenzó en Suiza y luego se mudó a Berlín, Colonia, y Nueva York. Dio entre 1916-1922. Los grandes artistas en Dada fueron Duchamp, Ernst, y Ray. Dada era arte hecho en nombre de ideales, protestando por las normas políticas y culturales actuales. Los artistas Dada se rebelaron contra la guerra, establecieron valores y expresionismo. Word War I encendió Dada mientras artistas alemanes huyeron a Suiza. No creían que los expresionistas estuvieran siendo lo suficientemente atrevidos, o estaban reconociendo lo que estaba pasando en el mundo en su momento. Rechazaron todo lo establecido o aceptado en el mundo del arte. Un aspecto de Dada que es único fueron los manifiestos. Los artistas se reunieron y escribieron manifiestos y revistas para protestar por lo que pasaba en el mundo. Dada también es conocida por sus fotomontajes. Se trata de collages hechos de fotos y texto de periódicos utilizando eventos actuales para llevar su obra al momento presente y protestar contra la guerra. Utilizaron los conceptos de perspectiva plana y fragmentación desde el cubismo. A menudo llaman a estos fotomontajes, poesía visual. Dada también trajo el concepto de instalaciones temporales. A menudo realizaban exposiciones con actuaciones en vivo. En una exposición en 1920 en Alemania, el público ingresó a la exposición a través del baño de hombres donde vieron una mujer realizar cruda poesía hablada frente a una fila de urinarios, luego ser dados martillos y alentados a destruir el exhibición. Otro nuevo concepto de Dada fue el uso del azar en la fabricación de arte. Artistas dejaron al azar partes de la creación. A esto también se le llamó automatismo, que es evitar la intención consciente en la creación. En este ejemplo de Jean Arp, arrancó pedazos de papel y los dejó caer mientras iban por casualidad sobre el lienzo. Esto es por lo menos lo que dice Jean Arp, pero tengo la sensación de que puede haber arreglado algunos de ellos después. El Dad's también impugnó la definición del arte. Creían que todos podían ser artistas y todo podía ser arte. En este ejemplo, Duchamp sacó un urinario de una fábrica, lo firmó, y lo declaró arte. ¿ Cómo podemos utilizar las técnicas de Dada en nuestro propio trabajo? Una forma es que podemos crear fotomontajes. El modo convencional era pintar tus propias imágenes. El camino de Dada era reformular imágenes de periódicos. También podemos usar el arte como protesta y una forma de comunicación. El modo convencional era crear arte para describir el mundo. El camino Dada era crear arte para proclamar tus creencias. 8. Surrealismo: surrealismo comenzó en Francia y luego se trasladó a Londres y Nueva York. Está prohibido de los 19 años veinte a los 19 sesenta. El surrealista mayor donde Ernst, Miro, Dalí, y Magritte. El surrealista pretendía hacer arte desde el subconsciente y explorar la imaginación de la mente inconsciente. Ahí sobre contra Dada y todo pensamiento racional. En particular, se rebelaron contra la negatividad de Dada y el concepto de que el pensamiento racional era la única forma de pensar. Entonces, ¿cómo se rebelaron? En primer lugar, desarrollaron la técnica llamada automatismo psíquico. Esta es una forma de dejar que el subconsciente tome el poder y negar el control consciente. Un concepto algo es la libre asociación, trabajando a partir de sus propios pensamientos más que de otras sugerencias. automatismo psíquico está vaciando tu mente del pensamiento consciente, unido espontáneamente. Lo que venga a la mente es la expresión de tu mente inconsciente. Esta forma la idea de boceto. Entonces el surrealista lo refinaría. Combinar sueño y realidad para crear surrealidad. La interpretación de los sueños fue otro aspecto del surrealismo. investigación de Sigmund Freud sobre los sueños se convirtió en una base del surrealismo. Creían que se podía desbloquear el inconsciente mediante el análisis de sueños. Estas escenas de imágenes sin sentido fueron pintadas en un estilo realista, que pretendía abrir al espectador a lo irracional. Otro aspecto del surrealismo fue la yuxtaposición. yuxtaposición es la agrupación de objetos no relacionados. Los surrealistas creían que pintar imágenes no relacionadas juntas alentaba el pensamiento subconsciente y alentaba a tu cerebro a hacer nuevas conexiones. Entonces, ¿cómo podemos utilizar las técnicas del surrealismo en nuestro propio trabajo? En primer lugar, podemos participar en el automatismo. El modo convencional es planear a fondo tu obra de arte. El modo surrealista es dibujar lo que te venga a la mente, y luego regresas y lo refinas. También podemos utilizar la interpretación de nuestros sueños y nuestra obra de arte. El pensamiento convencional es que los sueños no son importantes, pero un surrealista te desafiará en eso. Eso envuelve nuestra línea de tiempo de historia del arte. Muchas gracias por tomar esta clase. Espero que te sientas inspirado por todos estos límites empujando movimientos artísticos. Realmente espero que creas tu propia obra de arte con una de estas técnicas. Me encantaría ver lo que se te ocurre. Puedes subir tu obra a la galería de proyectos haciendo clic en el botón “Inicia tu Proyecto” de la página de la comunidad. También puedes revisar el trabajo de tus compañeros estudiantes y ver cuáles son las ilustraciones de caja que crearon. Miro cada proyecto que se publique en todas mis clases y me encanta ver tu trabajo. Diviértete rompiendo todas las reglas. No puedo esperar a ver tus proyectos inspiradores de historia del arte. Te veré en el próximo pariente bota de escuela de arte.