Guía completa para aprender a escribir cómics

1. WComics L1 Introducción: conferencia, uno por qué y por dónde, en la que básicamente me presenté en el curso y ofrezco un resumen de lo que se cubrirá . Oye, soy el autor Stefan para Trickett. He escrito más de 20 libros de grandes editores y cientos de historias para cómics y novelas gráficas. Algo de lo que habrás oído, algunos de los cuales quizá no, pero realmente me gustaría que lo hicieras. hace varios años, he estado impartiendo cursos en línea a través de la Universidad de Massachusetts, incluido éste, que es, se podría adivinar de. El título está orientado específicamente a aprender a escribir cómics. ¿ Por qué querría enseñar a escribir cómics? En parte porque, bueno, dados mis antecedentes, puedo, pero también porque hay dos conceptos erróneos populares sobre los cómics y la escritura mismos que me gustaría hacer mi pequeña parte para corregir. Para explicar. Hace los primeros años, estuve en un panel de convenciones con varios grandes escritores de cómics famosos donde mansamente dije: No sería genial que los cómics fueran aceptados por la corriente principal justo al lado de la televisión, películas y libros? Un escritor de cómics particularmente famoso corrigió inmediatamente mayo. No se puede decir que los cómics no son películas de superhéroes que ganan miles de millones. Todo el debido respeto a quienes tienen muchos más fans de los que sí conozco. Sólo sé. Lo único que demuestra el éxito de las películas de superhéroes mainstream es que superhéroes o mainstream el superhéroe es un género, una plantilla para contar historias. Cómics, novelas gráficas, arte secuencial Cualquiera que sea el término que quieras usar es un medio como el cine televisivo fueron pros mientras que los superhéroes históricamente se desarrollaron en el medio cómico. No necesitas cómics para contar historias de superhéroes más de lo que necesitas superhéroes para crear cómics como un cómic medio comptel cualquier tipo de historia de cualquier género. Romance. Har narrativas dudosas posmodernas. Corriente de odas conscientes a tu gato calico, lo que sea. Al ser una combinación de palabras e imágenes, los cómics podían hacer cualquier cosa. Palabras e imágenes canoa por su cuenta y posiblemente más. El segundo concepto erróneo es más específico al lado de la escritura de los cómics. Mucha gente tanto dentro como fuera de la industria piensa que los escritores de cómics en el fondo son simplemente gente de artistas frustrados que aman tanto los cómics que se conforman con el papel menor de escritor sólo para estar cerca de ellos. No todo el mundo piensa así, pero el hecho es, mientras nadie asume nunca que pinto las portadas para mis novelas. Si alguien descubre que soy escritor de cómics, su pregunta más común es: ¿ Puedes hacerme un boceto? Y el segundo? ¿ A qué te refieres con que no dibujas? Entiendo la confusión. El arte es una parte enorme de la experiencia cómica. Los artistas del cómic tienden a ganar más reconocimientos y tener la habilidad más extraña en realidad tienen un momento más fácil encontrar trabajo. ¿ Por qué esa habilidad es más extraña, en parte porque la mayoría de las escuelas dejaron de enseñar comunicación visual justo después de pintar los dedos del jardín de infantes . Pero también es porque los escritores no son verbales. La narración está profundamente incrustada en cómo pensamos enviar mensajes de texto, charlar, lo que sea que pensemos, respirar cada historia. Algunos escritores profesionales se ofenden mucho cuando sólo cualquiera se sienta y piensa que puede escribir una historia. Pero lástima, es verdad. Cualquiera puede, uh, no me malinterprete. Crear una historia no es lo mismo, es conseguir que alguien lo pague. Ni siquiera es lo mismo es conseguir que alguien lo escuche de forma gratuita. La escritura profesional implica una riqueza de práctica, habilidad y talento que es muy capaz de la práctica, habilidad y talento que implica convertirnos en artista por nuestra predisposición verbal básica , aunque un cómic artista del libro sin escritor puede fácilmente tomar una puñalada en hacer sus propias historias. Escritor sin artista, aunque está atascado. También hay un argumento común de que el gran arte en un cómic puede salvar la escritura pésimo. Pero la gran escritura nunca puede salvar el pésimo arte. En primer lugar, no sé que eso sea cierto. Me podría imaginar fácilmente unas líneas de Emily Dickinson guardando completamente página tras página de Crayon Scroll. El otro problema con ese argumento es que se trata de salvar lo peor en lugar de crear lo mejor. Como sabes, combinar a un gran artista fue un gran escritor. Por supuesto, no todos los escritores se convierten en Dickinson. No todos los arte Divinci o elige tu propio favorito, sino solo sus palabras e imágenes tienen el potencial de hacer más juntos que separados. Cuando escritores y artistas juegan a sus fortalezas, el todo siempre es mayor que la suma de las partes. Al final, el escritor y artista son socios iguales y lo que realmente es la única parte importante del proceso la creación del mundo fictivo al que entra el lector de todos modos como resultado de estos sesgos, reales o imaginados, prácticos o impulsados por el ego mientras hay toneladas, por supuesto, es libros y videos sobre dibujar cómics. Muy pocos se centran exclusivamente en la escritura. A diferencia de ésta, que consiste en 11 emocionantes videoconferencias que proporcionan tanto la cautivadora teoría de la escritura cómica como una plétora de nueces y pernos, consejos pragmáticos y reglas, esas lecciones son por qué y por dónde se encuentra. De lo que estás viendo ahora en el que hablo de todo lo que he hablado hasta ahora, incluyendo este cómic Basics, en el que estaré discutiendo formatos de cómic, términos de cómic como paneles y chapoteo donde las palabras ir de, cómo leer un cómic sobre leer cómics y que se pondrá bajo el capó un poco para hablar lo que hace que los cómics funcionen ahí mismo. Inherentemente diferente a los pros de Fillmore y al mismo tiempo igualmente válida como forma de entretenimiento, educación y autoexpresión. El rol de los escritores, que cubre el flujo de trabajo de los comics mainstream y cómo influye tanto en la forma en que se pagan a los escritores como en la forma en que crean historias También discutí las dos formas más comunes que solían los escritores, artistas y editores para colaborar de la manera maravilla, y el guión completo lanza trampolín en los resúmenes, que cubre los conceptos básicos de la historia. Cómo los escritores lanzan historias fuera de forma contenido en ese corto espacio y cómo el proceso de resumir refleja dos métodos de escritura distintos pero compatibles. Palabra y Arte, que cubre la forma en que las palabras y las imágenes se cambian entre sí. Qué constituye exactamente cómic de las siete categorías de relaciones de palabra imagen descritas por Scott McCloud en su libro haciendo panel de cómics Descripciones Primera parte, que cubre descripciones dramáticas versus físicas. Visible e invisible y diseño de historias. Cómo usar términos de película en guiones cómicos. Y cómo implicar la composición del panel sin deletrearla. Descripciones del panel Segunda parte, en la que abarcamos qué orden presentar mejor todos los elementos de una descripción de panel. Motivando el movimiento entre paneles y páginas. Cuánto se adapta al desgaste y cómo elegir el tamaño del panel y el tema adecuados. Theo Words the reader See, que cubre cómo escribir en el espacio limitado de un panel. Hacer frente a la exposición romper Diálogo por Impacto por Tres Vías El diálogo define el carácter y, por último, los límites del diálogo. Redundancia, redundancia, redundancia. Si ves una conferencia este año, debería ser ésta, sobre todo si quieres escribir cómics para tres categorías de redundancia que aquí describo. Ayudará a afinar tu escritura para que sea a la vez efectiva y quepa en un panel. También discuto bajo qué circunstancias la redundancia puede realmente ser útil. Y, último, escribir cómics para un Living, que cubre especificaciones de formato, mi propia experiencia con la industria desde los tres caminos básicos entre tu trabajo y el lector, comics mainstream, editores de libros y autoedición. Y eso, como dicen, hace un conjunto completo. Gracias por escuchar. En lo que va de momento. Cualquier pregunta Siéntase libre de ponerse en contacto a través del tablero de instrumentos. En tanto, esperaré con ansias fingir verte en la siguiente forma de conferencia. 2. Conceptos básicos de WComics L2 Comic: conferencia a conceptos básicos de cómic, en la que estaré discutiendo formatos de cómic, términos de cómic como paneles y chapoteo de donde van las palabras, cómo leer un cómic. Hola, sigo siendo Stefan Patrica. Si eres un lector regular de cómics, mucho de esto serán viejas noticias. Pero no sólo he tenido muchas veces estudiantes viniendo a los cómics por primera vez a través de este curso, que es fantástico, por cierto, algunos de los términos aquí muy y se superponen en formas que pueden ser confusas. Como verás ahora mismo con los formatos de publicación y la primera conferencia, señalé que el superhéroe relata un género mientras que el cómic es un medio y que uno a menudo se confunde con el otro, pasa el mismo tipo de cosas con el medio y el formato. Lo aparece empezando por el término cómic en sí cuando se trata del medio, algunos prefieren el término arte secuencial. Pero cada vez que lo uso, todavía me encuentro sumando, ya sabes, cómics, otros como novela gráfica, pero eso puede referirse no sólo a un formato de impresión sino a la longitud del contenido. Aquí. Me voy a apegar a cómics y cómics porque, francamente, es lo más fácil. En cualquier caso, la superposición en términos es algo así como un lío, que no estoy en posición de arreglar, pero al menos puedo tratar de describir. Por lo que el formato más asociado con el cómic y las revistas se llama Stitch Saddle, que consiste en cubiertas lisas y páginas interiores dobladas en establos en el centro. A modo de nota histórica, generalmente se acreditan los famosos funnies de tres de 1930. No sólo es el primer cómic de Saddle Stitch, sino como el primer cómic que nos lleva a nuestra primera colisión de forma y contenido. Ver Famous Funnies fue una colección de tiras cómicas que originalmente aparecieron en periódicos . Las tiras cómicas se llamaban así porque solían ser divertidas, cómicas y aparecían en una sola fila de 1 a 4 compañeros, una tira. Y si seguro que los oídos, aunque los cómics se especializaban en historias más largas, de varias páginas, esa diferencia de longitud se convirtió en la distinción popular entre ellos y las tiras cómicas problema ser. los 19 años cuarenta, cosas como se da cuenta el espíritu apareció en los periódicos, retomando más que una tira. Ocuparon varias páginas de la sección de color dominical, que se conocía como los funnies Don't get Me started. Entonces, para recapitular, una reimpresión de tiras cómicas se considera el primer cómic, pesar de que no llamarías a una tira cómica un cómic un cómic, a pesar de que las tiras cómicas pueden contener el mismo tipo de contenido de forma larga que un cómic. Lo tengo de todos modos. Los libros de Stitch por lo general se imprimen en color, aunque los editores de independencia y Self a veces para el arte interior en blanco y negro por razones financieras y o estéticas. A continuación en el formato encuadernado cuadrado, las páginas al aire pegadas a la columna vertebral, dándole una forma cuadrada, podrían ser de cubierta blanda, también conocida como tapa blanda o tapa dura. En ocasiones un cómic encuadernado cuadrado que contiene material original se llama novela gráfica, a diferencia de una colección de temas de punto de sillín, que podría llamarse libro de tapa blanda comercial, o TP Be al mismo tiempo. Otros definen la novela gráfica sobre la base del contenido como una sola novela larga historia que podría haber aparecido originalmente en el formato de punto de sillín. Allan Morin Dave Gibbons Watchman, por ejemplo, fue originalmente punto de montura antes de ser recogido en un solo volumen en otra nota histórica, el primer cómic de tapa dura, o al menos proto cómics es No tenía Word Globos se llamaba Las aventuras del señor Obadiah Antiguo libro que fue publicado en Europa en 18 37 en la U. S. En 18 42. Otro ejemplo interesante de una novela gráfica temprana son las de 1970, Black Mark de Gil Kane, que se imprimió en un formato de libro de tapa blanda más estándar y de menor tamaño. A continuación, está el Manga, que tiene su propiahistoria rica y complicada, historia rica y complicada, básicamente refiriéndose a un cómic japonés. El manga también lo asocia con un estilo de arte particular que se remonta al siglo XIX. La versión más moderna se originó a finales de los 19 cuarenta con y Perdone My Pronunciation macho, Hasegawa's dice I Asan y Suzuko, brillo de Osama Tucker Rahima En Japón, manga engloba decenas de géneros, y representa algo así como el 40% del mercado editorial. En lugar de completar una historia en un solo libro, las colas manga tienden a cubrir múltiples volúmenes. Mónica también se refiere al formato de publicación común utilizado para el material a k un ribete pop de Tokio , su encuadernado cuadrado unas cinco pulgadas por 7.5 pulgadas, generalmente con cubiertas de color e interiores en blanco y negro. Por último, tenemos cómics digitales, que por suerte compran cómics digitales sin importar su longitud o contenido, aunque supongo que podrías llamarlos arte arte secuencial digital si realmente quisieras. Están disponibles ya sea su contenido Web o archivos descargables. cómic digital podría presentarse una imagen a la vez, una página a la vez. Estamos en lo que Scott McCloud llamó un lienzo infinito que trata la pantalla como más ventana que una página. Las tiras cómicas, los cómics, las novelas gráficas y el manga pueden todos, por supuesto, ser digitalizados. Si bien la terminología del formato tiene sus temas. Ja ja! Cuando llegas a las partes reales de un tema cómico, terminología se calma considerablemente. Y con menores excepciones, todo el mundo está hablando más o menos de lo mismo. Por ejemplo, la caja que suele rodear cada imagen, casi siempre se llama panel, y el panel es la unidad básica de composición. Tanto para el escritor como para el artista, el panel puede ser de cualquier forma, incluso invisible. Se pueden romper los límites o bordes del panel para diversos efectos, como en este ejemplo de 1904 de Winsor McCay. Cómo se colocan los paneles en la página es crucial para que el lector pueda seguir adelante . También puede ser una parte clave de la composición estética de las páginas. Hablaremos de cuántos paneles se pararon en la página más tarde, pero cuando tienes solo uno, se llama chapoteo. El cebo allí solía abrumar al lector con la importancia de la imagen, como en estos ejemplos. Después está el splash de doble página o doble página spread para el tipo de cosas que ni siquiera una página splash puede esperar contener. Cuando su scripting. Es importante recordar que dado que la Página uno generalmente aparece en el lado derecho de un cómic impreso, cualquier propagación de doble página tiene que comenzar en una página par numerada que se ocupe de las imágenes. Ahora veamos las palabras En los cómics. Las palabras aparecen en cinco formas básicas. Globos de palabra, globos de pensamiento, ráfagas, subtítulos y efectos de sonido. Algunas personas usan burbuja en lugar de globo. Supongo que depende de lo que te enseñaron, pero para justificar mi propio sesgo, señalaré que para cuando llegues a la forma burbujeante de una burbuja de pensamiento, se vuelve confusa. Entonces globos, todos modos, un globo de palabras es un óvalo que rodea el diálogo hablado, con una cola apuntando al altavoz. Cualquier cosa en un globo de palabras se supone que se establece permitido por el personaje. Esto es en contraposición a, Ah, globo de pensamiento. Ah, forma burbujeante o nube que rodea palabras tácitas, con un rastro de pequeñas burbujas de nube que indican la fuente. Se utilizan para una voz interna, cualquier cosa que un personaje no quiera, escuchado por casualidad o incluso algo más invasivo, como la voz de un demonio poseedor. Cuando sólo hay que gritar, está la ráfaga, un globo de palabras grande y dentada que indica volumen al lado de gritar. También se puede utilizar para un efecto de sonido fuerte. El título más sedado. Un rectángulo tradicionalmente con un fondo amarillo como unos pocos usos puede rodear a la narrativa en tercera persona o indicado por comillas la voz de un personaje o personajes que se desplazan de la corriente. Visto ya sea físicamente está en este ejemplo o emocionalmente, como en este ejemplo. Por último, pero no menos importante, tenemos efectos de sonido. Los efectos de sonido pueden ser palabras como bang o smash o una colección de letras que indican sonidos no verbales como o, más famoso, snick o el látigo. Se pueden incorporar a la imagen misma, como en este ejemplo por el legendario Jack Kirby, presentado en una ráfaga o para un efecto más sutil en una leyenda. Ya he cubierto las cinco formas en que aparecen las palabras, pero más allá de eso, los paneles de cada página son de color rojo de izquierda a derecha, y entonces ahora, dentro del panel, funciona de la misma manera que se leen las palabras, izquierda a derecha y de arriba a abajo, al menos de su lugar adecuadamente. Si no lo son, las cosas se vuelven más difíciles, y los pobres lectores se fueron tratando de unir las cosas desde el contacto. Por supuesto, no todos los idiomas leen de izquierda a derecha, y así tampoco sus cómics. Mucho manga, incluso cuando se traduce al inglés, mantiene el flujo del original, en cuyo caso los paneles fluyen de derecha a izquierda, luego hacia abajo. Si bien los globos dentro de los paneles también siguen el patrón de derecha izquierda abajo, los fans consideran trabajar en contra de su hábito de lectura para ser parte de la diversión que otros no tanto . En cualquier caso, si esperas introducir a alguien a los cómics usando este tipo de manga, adviértala sobre cómo leerlo a menos que no te guste o no te importe difundir el medio, y eso es todo por lo básico. Como dije al principio, mucho de esto es de segunda naturaleza para los lectores de cómics regulares. En cuanto a mí, los cómics es como me enseñaron a leer. Por lo que siempre me sorprende un poco cuando me encuentro con alguien que tiene problemas para darle sentido . Pero en última instancia no hay más razón para esperar que alguien sea alfabetizado en cómic. Entonces hay que esperar que entiendan una lengua extranjera. Y como veremos en la próxima conferencia, el lenguaje de los cómics tiene varios aspectos que lo hacen particularmente único. Veré su mismo tiempo de murciélago, mismo murciélago, canal, camino, camino. 3. WComic L3 sobre los cómics de lectura: conferencia tres sobre leer cómics y que se pondrá bajo el capó un poco para hablar de lo que hace que los cómics funcionen ahí mismo, inherentemente diferente a los pros de Fillmore y al mismo tiempo igualmente válido como forma de entretenimiento, educación y autoexpresión. Oye, sigo siendo Stefan Petricka, y comenzaré esta conferencia con otra anécdota porque, bueno, bueno, a veces a la gente les gusta. Por lo que ahí estaba, promocionando las novelas gráficas de Nancy Drew en la Expo anual del Libro de Nueva York, cuando un asistente se acercó, miró nuestro arduo trabajo en la icónica chica detective y lo dijo con un encogimiento de hombros de glicina. Ahora los niños no tienen que leerlos. Después de todo, era un cómic, no un libro. Para mí. Ese comentario fuera de mano capturó perfectamente tres creencias de larga data y completamente incorrectas sobre los cómics. En primer lugar, que el contenido sea mejor superficial y en el peor de los casos, emocionalmente, intelectualmente o moralmente dañino. Segundo, que la forma en sí es de alguna manera inherentemente inferior a, digamos, libros de libros. Y tercero, quizás lo más interesante, que los cómics de alguna manera no se leen. Este primer trozo de tonterías no sólo ha existido mucho tiempo a lo largo de siglos, se ha aplicado a todo tipo de cosas desde 18 novelas de diez centavos de los noventa hasta 19 cómics de terror de los cincuenta , que, por cierto, trajo consigo una audiencia del Congreso sobre cómo provocan la delincuencia juvenil. Incluso le toca a la televisión de caja idiota favorita de todos y más recientemente, a los terribles videojuegos de hoy, que están, mientras hablamos, convirtiendo a los miles de millones de personas que los juegan en descerebrados, asesinos desensibilizados. Ya sé, sí, celulares. , cosa graciosa Sin embargo, cosa graciosa. Incluso va todo el camino de regreso a las primeras novelas producidas en masa. Ya sabes, libros que tengo viendo para verter, acabo de consultar a los padres, caer en fosas prematuras, víctimas miserables a sus hijas, deshonra y fue lectura novedosa. A la causa de esto respondo. Sí, eso es de la lectura novedosa y causa de la depravación femenina, publicado 17 97 Y si ya suena familiar, debería. El segundo tema se relaciona directamente con el propio medio, como si hubiera algún componente central de un modo de comunicación dado que le impide producir otra cosa que no sea drivel. Es por eso que a la televisión se le llamó una vez el tubo de las tetas. A pesar de estos impresionantes dramas que se transmitieron en él desde los 19 años cincuenta, y muchos todavía no tienen idea de que los videojuegos podrían usarse para contar historias con novela como profundidad. Siempre que esto no lo sé, miedo irracional se pone aplicando a algo nuevo. Es proponentes siempre insiste No. Esta vez es diferente cuando demostrablemente no lo es. En otros países, como Francia o Japón, cómics son aceptados como forma de arte válida, justo a lo largo del cine y, sí, libros de libros en la U. S. Sin embargo, este peculiar sesgo queda por ser completamente justo. Cada vez más educadores de Estados Unidos miran a los cómics para lectores reacios, pero siguen siendo utilizados principalmente para dibujar a los estudiantes en libros lo real más que como un fin para ellos mismos. A pesar de muchas incursiones en alta literatura por artistas autores como Art Spiegelman with Mouse o Marjan Satrapi con perceptividad, nombrar sólo dos, la combinación de palabras e imágenes sigue siendo considerada a menudo, de alguna manera menos. ¿ Por qué? Sin duda muchos factores moldean esta actitud, pero el argumento en sí parece basado en esa tercera creencia de que los cómics no son rojos ahí, no sé, mirado de alguna manera extraña que no involucra profundamente a la mente. Pero esta objeción implica un argumento corolario aún más ridículo de que la información comunicada visualmente es inferior a la comunicación escrita. Eso mucho es fácilmente desmentido, mientras que las imágenes y las palabras tienen sus propias fortalezas y limitaciones. Cualquier persona conmovida por una gran pintura o fotografía conoce el increíble poder de las imágenes. El otro concepto erróneo es, creo, el gran punto pegajoso. Claro, todos se dan cuenta de que hay que leer lo que hay en los globos y los subtítulos. Pero para algunos, tener las fotos ahí hace que un cómic parezca demasiado fácil de seguir más como una imprimación de lectura que el verdadero trato. Casi como si fuera engaño, como en ¿Qué tengo que dibujar un cuadro para ti? Pero un cómic no es una imprimación de lectura, a menos que sepas que está diseñado es lo mismo que un libro o un video podría ser. El caso es que, en los cómics, la secuencia de imágenes y su relación con las palabras tienen una gramática toda propia. Una gramática que es capaz de comunicarse de maneras es simple y tan compleja como cualquier otro lenguaje. Hay investigaciones reales para respaldar eso, incluyendo un estudio de 2012 que mostró que las mismas partes del cerebro utilizadas en la lectura también se utilizan para dar sentido a las imágenes secuenciales. Pero una de esas partes del cerebro haciendo y lo que lo hace es bueno o incluso mejor que leer un libro o mirar una pintura. En el caso de cualquier medio, el cerebro está usando alguna forma de instrucciones codificadas para crear un mundo ficticio. ¿ Significado sencillamente fictivo? En realidad no. Si estás leyendo sobre algo que realmente sucedió, esos eventos no están ocurriendo. Si bien los estás leyendo bien, tu cerebro está proporcionando una representación de esos eventos. Al leer pros, el cerebro hace eso mirando un montón de líneas que ha sido entrenado para interpretar sus palabras. Escribo perro. Te imaginas un perro, yo escribo ladrido. Se oye esto. De igual manera, con un dibujo, el cerebro interpreta un montón de líneas planas, tiene algo que ocupa espacio tridimensional. Te muestro esto. Ves tu cara. Por supuesto, aparte del mundo físico efectivo, las palabras y las imágenes también pueden expresar las cosas no físicas como las interestados y las ideas abstractas . Pero yo argumentaría que esto sólo es posible es una variación en la capacidad del cerebro para representar internamente lo físico. Ahí es donde es esmofón. Teníamos que vivir en el mundo antes de vivir en nuestras cabezas, pero esto es bastante complicado, y no quiero salir demasiado lejos en las malas hierbas. Entonces los cómics, al encontrarse con la imagen en un panel de cómics, lo mismo que lo hace con cualquier imagen. El cerebro crea un mundo ficticio, tridimensional. Ahora, sin embargo, también crea uno cualquier movimiento que implica la imagen. Dos detalles adicionales basados en las palabras tres. Una relación entre las imágenes y las palabras, y cuatro cualquier evento que tenga lugar entre los paneles. Por lo que hay algunos pasos extra. Sí. Aparte de eso, sin embargo, ¿hay algo diferente en el mundo fictivo que obtenemos de los cómics? Entonces lo que podríamos obtener de otros medios. ¿ Quieres leer? ¿ Por qué no leer un libro? Si quieres ver su historia en imágenes, ¿por qué no conseguir tu película? ¿ Cuál es la diferencia? En parte, se trata de control, en parte de su implicación en el proceso. En un libro, no sólo proporcionas todos los sonidos e imágenes, puedes optar por leer el mismo pasaje una y otra vez, o despreciar adelante, decidiendo qué es lo que se queda y cuándo avanzar o retroceder. Tu compromiso con el mundo fictivo se desvanece en el momento en que dejas de pensar en ello, y se proporcionan imágenes y sonidos de Thean para ti, lo que no te puedes imaginar. Y mientras que sin duda se puede pausar video o salir del teatro. La experiencia misma juega en tiempo real más allá del control del espectador. cómic existe entre los dos visuales proporcionados, pero también más implicación y control del lector. Eso es parte de ello, pero también hay una diferencia más sutil. Para tratar de conseguirlo. Eso veamos cómo tres medios diferentes, profesionales del cine y cómics expresan el mismo evento. Una explosión aquí película tiene una ventaja única. Vemos y escuchamos la explosión en tiempo real con un buen sistema de sonido. Sentimos que sonroja nuestros huesos. Ninguna descripción puede hacer eso y cualquier ilustración y mejor presenta un solo momento congelado en el tiempo. Ahora considera los pensamientos de un personaje atrapado en esa explosión. No sé si mis ojos estaban abiertos o cerrados, pero todo lo que vi fue un resplandor rojo naranja brillante, como si corriera los insectos. De pie sobre la punta de una vela de cumpleaños, una cantidad sensación casi pacífica me vigilaba. Asumí que significaba que ya estaba muerta, y luego la onda de choque golpeó. Por supuesto, un actor puede decir todo eso, sin duda mejor de lo que acabo de hacer, pero sus voces intrínsecamente externas, haciéndolo, por definición, menos íntimo y menos parecido a pensar sí mismo. Y prosa. La voz del lector aquí es siempre su propia fiesta generada por tu mente y en ese sentido, tuya. Y se genera como pensamiento por y en tu cerebro. En un cómic, las palabras serían divididas por globos y subtítulos. Prosa los presenta es una corriente ininterrumpida otra vez, más cercana al sentimiento de conciencia misma. Por eso, yo argumentaría que los pros se acercan a reproducir los pensamientos de un personaje y en una explosión, luego película o película de cómics. El aspecto visceral. Prosa a los personajes en perspectiva. Pero, ¿qué medio transmite mejor los pensamientos del personaje y la explosión al mismo tiempo? En caso de que no hayas adivinado por la forma única en que combina los dos modos, son los cómics los que pueden explicar un poco sobre la fuerza media, pero no necesariamente por qué la forma puede ser tan convincente con todo tipo de concepto. Ten una respuesta final para eso, pero creo que al menos parte de la razón se remonta a la forma en que el cerebro construye cualquier mundo ficticio, que a su vez se basa en el peso, percibe e interpreta la realidad. Específicamente la inevitable diferencia en la forma en que vemos y la forma en que escuchamos las cosas también conocidas como thean modalidad electable de lo visual y la en modalidad electable de auditivo. En pocas palabras, siempre escuchamos las cosas a tiempo. Un sonido tras otro, pero siempre vemos las cosas en el espacio una cosa junto a otra. Es cierto que el alfabeto sí aparece en el espacio, y las letras están una al lado de la otra. Pero más que imágenes representan sonidos adoctrinados desde su nacimiento, cuando leemos aquellas áreas del cerebro asociadas a la luz auditiva. Entonces cuando se trata de un cómic, el cerebro hace doble deber. Y sí, dije deber. Es interpretar un montón de líneas de sonidos que tienen lugar en el tiempo mientras interpretan otro montón de líneas como objetos que ocupan espacio. Eso puede parecer una larga caminata para una conclusión relativamente simple, pero creo que el cruce de funciones cerebrales crea un fondo agradable natural alto. Entonces para volver a esa anécdota original sobre los niños ya no tienen que leer a Nancy Drew, ahora que son novelas gráficas, yo diría que no sólo lees cuando miras un cómic, te metes y potencialmente volver mucho más. A continuación, es hora de meterse en las tuercas y pernos con el papel de los escritores. Por ahora. Adiós, mis valientes hobbits camino, camino. 4. WComics L4 Escritores: conferencia para el rol de escritores, que cubre el flujo de trabajo de los cómics mainstream y cómo influye tanto en la forma en que se pagan a los escritores como en la forma en que crean historias. También discutí las dos formas más comunes que solían los escritores, artistas y editores para colaborar a la manera Marvel y el guión completo. Soy Stefan Petricka, a quien podrán recordar de mis anteriores conferencias sabio y dónde y por debajo de la dignidad de los simios , sea cual sea el medio, toda escritura implica contar cuentos estos días. Hacer una venta también significa saber cómo hacer cruzar esa historia en orden muy corto. Eso es resultado de tres factores básicos. El número de escritores que significan muchos, la forma en que se emplea a la gran mayoría, es decir freelance y la forma en que la mayoría de los editores requieren significado de contenido de forma regular. No siempre fue exactamente así durante el error de estudio de Hollywood. En realidad podrías conseguir un salario como escritor junior con prestaciones y tiempo de vacaciones. actualidad, personal asalariado que escribe puestos apenas existen en Hollywood, y nunca existieron en cómics que no sean autoeditores y obras históricas menores. Los creadores de cómics, escritores y artistas siempre han sido freelance, lo que significa que se les paga por el trabajo típicamente por página, con posibles pagos adicionales basados en las ventas. Los editores y el personal de producción, por otro lado, suelen estar en sueldo. Bueno, puedes preguntarte, ¿Por qué es eso? ¿ No tiene más sentido tener a los creadores, la gente en el centro de producir tu producto como los de sueldo? Bueno, en parte para las editoriales, es una forma de mantener el contenido fresco y flexible para satisfacer gustos de audiencia siempre cambiantes. Los editores siempre necesitan personal de apoyo, pero quién sabe cuándo un determinado trabajo de creadores dejará de vender, puso Grassley. ¿ Por qué comprar la vaca cuando sólo puedes pagar la leche? Ah, es más complicado que eso. Para ambas partes, el trato freelance también hace que sea más fácil para el raro creador que es grande hacer más basado en las ventas de su trabajo. En esos días de estudio, esos escritores asalariados trabajaban juntos en guiones, pero no compartieron en las películas. Ganar en aquel entonces, Una vez que dominas tu oficio, podrías dejar atrás ese salario confiable y negociar un mejor trato más directamente relacionado con el profeta que tu trabajo produce. actualidad, solo son tortugas freelance todo el camino hacia abajo. freelancers aceptan el trato, pensando que serán los que le peguen a lo grande también lo aceptan porque si quieres trabajar en la corriente principal, no hay opción. Ahora que Internet proporciona un terreno de prueba gratuito para los creadores en su trabajo, hay poco motivo para que un editor invierta en talento naciente en lugar de contratar una cantidad conocida. Para ser claros, no es como si los freelancers no tuvieran trayectoria profesional. Cuanto más popular se vuelve su trabajo, más opciones tienen sobre por quién trabajar, qué cobrar, sobre qué tipo de trabajo dieron. Eso es su verdad para los carpinteros, como lo es para los escritores de cómics. Pero seguridad laboral para citar al león cobarde. No, cómo, De ninguna manera, Thea. El motivo por el que el sistema desarrolló de esta manera es que la necesidad de contenidos regulares para poder existir . Las editoriales de cómic mainstream no sólo tienen que proporcionar producto a tiempo, tienen que hacerlo de una manera que genere ventas consistentes. Los periódicos diarios necesitan contenido diario. cómics mensuales necesitan contenido mensual desde el inicio. Esa estricta dependencia del horario requirió un enfoque de línea de montaje más confiable para la producción. Ante una brecha ocasional en la línea, en lugar de hacer que alguien cobre un salario por si lo necesitas, tenía más sentido llamar a un freelancer. Es importante destacar que es parte de esa mentalidad. Crear contenido se ve como un proceso mecánico más fragmentario. Suena como una mentalidad de fábrica. Lo es, pero no digo absolutamente que eso sea creativamente inferior. Claro, algún genio solitario que pasa años en un solo proyecto puede producir resultados increíbles. Pero a pesar de los que afirman que ningún gran arte podría ser creado por comité, no hay escasez de brillantez saliendo de las salas de escritura que producen cosas como romper mal. De hecho, producir de manera regular perfeccionará las habilidades creativas de la misma manera que Ejercicio construye músculos durante unos 10 años, es un freelancer para la publicación eggman. Lanzaba seis o siete historias de cómics al mes, protagonizada por Mickey Mouse y Friends. Ese trabajo resultó en más de 500 historias publicadas en 34 idiomas diferentes. En ocasiones en el Dead of Night, me despierto gritando, ideas de trama impulsadas por personajes y 100 palabras o menos. Pero esa práctica y rápida y constantemente venir con historias interesantes, entretenidas fue invaluable. De igual forma, el flujo de trabajo de la línea de montaje sí impacta la forma en que un freelance tus derechos, y lo hace de más de una manera. Me meto en más detalles próxima conferencia. Pero solo de corazón, novelista generalmente vende su trabajo después de que se completa sus lugares de partida arbitrarios, una victoria, una inspiración repentina o una llamada de la Musa. Escritores cómicos independientes, por otro lado, presentan o lanzan varias ideas antes de comenzar en el guión. Cualquiera que sea la idea que atraiga, la mayor parte del editor se convierte en el que se tiene que completar a tiempo en lugar de una inspiración de peso . El freelancer tiene que llamarlos usar y esperar que la respuesta, una vez que la idea de la historia haya sido vendida a métodos básicos desarrollados para que el escritor artista en editor trabaje en conjunto dentro del flujo de producción. Generalmente, se les llama el Camino Marvel y el guión completo. Al menos así es como los estoy llamando. Escuché que Marvel trabaja prácticamente con guiones completos en estos días, Pero ya que hasta donde sé encabezaron este método de seis etapas, sigo llamándolo el camino Marvel por el bien de la brevedad. Este diagrama excluye al editor apresurado y trabajador que proporciona notas y aprobaciones a cada paso en el camino. Ahora echemos un vistazo más de cerca a cada fase con acento en los dos pasos que involucran directamente al escritor, la trama y el guión y la trama. El escritor describe la historia vista al ver Broken Down by comic page para una típica página mensual de 22 páginas. Ah trama correrá alrededor de 3 a 5 páginas. Las parcelas pueden pero por lo general no incluyen fragmentos de diálogo. My Nancy Drew novelas gráficas para cortes de papel en realidad se escribieron sus guiones completos, pero a modo de ejemplo, es como pudo haber parecido la trama para el 1er 1 El demonio de River Heights Página uno. Abrimos con una percha de acantilado literalmente. Nancy cuelga de tus dedos de un acantilado sobre la página de Rushing River a su novio. Ned intenta frenéticamente llegar a ella, pero falla y se desplome. Página tres. En realidad, Nancy y Co. Están viendo los diarios de una película indie que están haciendo dos estudiantes de cine en disputa. Se trata de una criatura inventada llamada el Demonio de River Heights y así sucesivamente. Siéntase libre de hacer una pausa y leer el resto. Observe que no describo la apariencia de los personajes, ya que ya se establecieron en este caso por show Marassi. Si estás escribiendo, di Spiderman, realmente no tienes que describir su disfraz. Todo el mundo ya lo sabe. Una vez aprobada, la trama va para un artista que lápices o áspero cada página, creando paneles, figuras y fondo. Si bien algunos todavía usan papel real, muchos trabajan enteramente en computadora. A partir de ahí, una huella de fotocopiadora fuera del Ruff se remonta al escritor que los utiliza para componer el guión. Este guión incluye todas las palabras que el lector verá subtítulos, diálogo en cualquier efecto de sonido que los más difíciles no hayan incluido ya como elemento de diseño . En lugar de poner las palabras en el arte que están salvando. En un documento separado, el escritor utiliza entonces un marcador mágico o es equivalente digital en las cubiertas, indicando su colocación con formas apropiadas que están numeradas para corresponder con el guión. Para mostrarte cómo luce eso. Aquí está el guión de nuestro ejemplo de Nancy Drew. Al lado del áspera numerada en editoriales más grandes con múltiples plazos, el escritor de trama podría ser diferente al escritor de guiones en ese caso, para volver a nuestro viejo pal Fund con terminología, los escritores de trama a veces acreditado con la historia para distinguirlos del escritor de guiones. Si bien en muy raras ocasiones he podido pedir cambios más adelante en el proceso , mucho más a menudo con el guión, el trabajo del escritor está hecho y pasan al siguiente proyecto. En tanto, el guión y los techos se envían a una carta en realidad combina las palabras con el arte, asegurándose de no encubrir ninguna historia crucial o aspectos estéticos. Lettering es mucho más fácil por computadora, pero algunos todavía letra a mano. Al igual que mi amigo Rick Parker, letras a mano se han hecho correctamente, igual que Rick produce resultados más personales y atractivos. A continuación se envían los techos con letras al artista para Acabados o ANC's, donde los negros textura y detallista al artista que hizo las cubiertas usualmente maneja el acabado. Pero de nuevo, ese no siempre es el caso. Y ha habido muchas asociaciones de ira lápices er famosos a lo largo de los años. Por último, pero definitivamente no menos importante los anuncios coloristas. Como se podría adivinar, los colores. Esa es la forma de Marvel liberó lo que he llamado la manera Marvel, la otra opción, que ha existido casi el mismo tiempo. Pero es mucho más común en estos días, es el guión completo. El guión completo altera el flujo al eliminar la etapa de trama, poniendo las cosas al menos inicialmente, mucho más en el control del escritor. Cada panel se describe de antemano, y se detallan todos los subtítulos, diálogos y efectos de sonido, dedico no una sino dos conferencias a crear estas descripciones. Pero se podrían incluir brevemente ángulos, tamaño de panel y, a veces, incluso diseños de página, dependiendo de la relación de trabajo del escritor artista en particular. Una vez que se completa un guión completo, aprobaron los escritores prácticamente terminados, y el resto del flujo procede de la misma manera que un ejemplo. Aquí está el guión completo real de la primera página de esa misma novela gráfica de Nancy Drew, y así es como se veía la página final como renderizada por el talentoso show Morass E. Para tener una idea de cómo difieren creativamente estos métodos. Observe cómo la cara de Ned Nickerson no es visible. Eso está bien visualmente, pero no es como originalmente imaginé la escena. Si esto se hubiera hecho a la manera Marvel, habría visto el arte y pudo haber utilizado la narración de Nancy para referir el hecho de que el lector está mirando la parte posterior de la cabeza de Ned. Lo que nos lleva a nuestro último breve tema. ¿ Es un formato mejor que el otro? La respuesta, que probablemente no te sorprenderá, es que depende. Cada método tiene claras ventajas y desventajas en el corazón. El guión completo es mucho más parecido a un guión cinematográfico o televisivo, con la notable excepción de que las imágenes no se mueven, le da al escritor mucho mayor control sobre el ritmo y el acceso a la historia a la manera Marvel . Si bien ver el arte áspero permite al escritor adaptar sus palabras con mayor eficacia a las imágenes, es más fácil imaginar lo que podría decir una cara cuando se puede ver. También hace que sea más fácil asegurar que las palabras encajen, creando potencialmente un resultado más orgánico. Pero los grandes cómics han resultado de ambos métodos. Por un lado, Stanley podría simplemente pedirle a Jack Kirby que dibuje una batalla increíble por tres páginas, y lo haría. otro lado, Alan Moore es bien conocido por sus largos, divagantes, informales y brillantes guiones, como lo demuestra aquí su descripción del primer panel de la primera página de su legendaria Guión Watchman En conclusión. Si bien probablemente te encuentres trabajando con estas formas en algún momento, ten en cuenta que al final, lo que sea que funcione, estés viendo camino 5. WComics L5: conferencia cinco lanzamientos. Springboards and Resúmenes, que cubre los conceptos básicos de la historia, cómo los escritores lanzan historias, cómo encajar el contenido en ese espacio corto y cómo el proceso de resumir refleja dos métodos de escritura distintos pero compatibles. Sorpresa. Soy yo Otra vez, Stefan Petricka. Es un planeta grande, y los escritores que viven sobre o debajo de su superficie trabajan todo tipo de formas. Algunos comienzan con una palabra aleatoria, averiguando cómo terminarán las cosas una vez que lleguen allí. Otros delinearon cada escena con detalle insoportable, independientemente del camino. A menos que estemos hablando de poesía abstracta o de alguna otra forma no narrativa, el producto final es una historia. ¿ Cuál es la historia? Ese es un curso muy grande en sí mismo, pero es una vasta simplificación excesiva. Es crear una tensión ficticia que resolverla, utilizando los componentes básicos de conflicto de carácter, recinto, alguien o algo tiene un deseo. Algo o alguien se interpone en el camino de cumplir ese deseo. Y al final averiguamos si lo consiguen. Las complicaciones del cuarto componente, que son esencialmente muchos conflictos en el camino hacia la resolución del conflicto mayor, refieren a que las simples tres notas sintonizan una sinfonía. En cuanto al proceso creativo, muchos caminos pueden llevarte allí. Lo único que importa es el resultado final. En cuanto a vender una historia o convencer en órdenes para trabajar contigo, las cosas se vuelven diferentes rápidamente. Un editor ocupado con plazos no tiene tiempo para leer un guión largo y completo justo fuera del bate, incluso de Pro. De igual manera, es probable que un artista con el que te gustaría asociarte quiera al menos una idea general de en qué se están metiendo antes de comprometerte con un proyecto. Por lo que en algún momento, un escritor tiene que reducir sin piedad su brillante épica en unas cuantas frases concisas, coherentes y cautivadoras en toda la industria mediática. Para estos resúmenes piadosos se utilizaron tres términos. Pitch Logline y Springboard. Bueno, estos términos a menudo se usan indistintamente. Como hemos visto con otra jerga tan deliciosa. Hay algunas diferencias. Un pitch es un término de venta utilizado para cualquier producto. Es una frase breve, pegadiza o dos comunicando la idea básica. Mucha línea se refiere más específicamente al cine y la televisión, donde los lectores de guiones literalmente introducen descripciones cortas en un registro para rastrear lo que se ha revisado trampolín o sólo un poco más que contiene historia completa pero desnuda. A diferencia de la trama del cómic, hablamos de la última vez. springboards no son instrucciones para un artista, y por eso no están desglosados por página ni necesariamente orientados visualmente. Hay dos variaciones bien conocidas en el terreno de juego, el pitch del elevador lo suficientemente corto como para atravesar durante un corto viaje en ascensor. Y quizá el más breves de todos. El alto concepto pitch, que generalmente se refiere a un simple mashup de conceptos existentes como Volver al futuro, cumple con The Sopranos, una apta descripción de la película Looper con una línea de logline. Algunos de esos componentes básicos de la historia se vuelven más reconocibles para ver qué tan rápido este tipo de verano se puede hacer llegar la historia a través. Echemos un vistazo a algunas largas filas de películas populares y veamos si podemos conseguir el título, ¿sí? Un granjero ingenuo pero ambicioso se une a una princesa luchadora, un piloto mercenario y un viejo dedo del pie guerrero lideran una rebelión contra un siniestro imperio, que es, por supuesto, Star Wars. Una joven persigue su pasión por el fútbol contra los deseos de sus padres sijes tradicionales . De acuerdo, eso es doblarlo con el transporte de Beckham hacia un paisaje surrealista. Una joven mata a la primera persona que conoce, luego se hace equipo con tres extraños para volver a hacerlo. El Mago de Oz Sí, es una vieja broma y disculpas si la has escuchado. Pero señala que un buen resumen no puede simplemente recitar eventos de trama que tiene que hacerlo de una manera que también capte las historias sabor así. Varada en una tierra mágica, Ah, Ah, chica solitaria de Kansas se embarca en un peligroso viaje para encontrar a un mago que pueda enviarla a casa para volver a la historia. Basics notó que estas líneas de troncos nos darán el 1er 2 componentes de historia personaje y conflicto ambicioso granjero rebelándose contra el siniestro imperio. Una joven rebelándose contra los padres tradicionales por el bien de su pasión. Una chica varada en un peligroso viaje a casa. Pero no incluyen el cierre en una larga fila. No te das cuenta de lo que pasa. En parte eso se debe a que el cierre de historias está implícito por el conflicto. Una vez establecido ese conflicto, realmente sólo hay tres posibilidades para el resultado. Los deseos de conducción alcanzados, no alcanzados ni cambiados. También es porque el concepto del logline se originó con la industria del cine de gran presupuesto , donde, al menos inicialmente, la idea básica es la parte más importante, y los detalles se pueden ordenar fuera más tarde. Muchos escritores y una gran vida son los médicos de guiones de Hollywood. Esto es menos cierto en la televisión, y no en absoluto cierto. Y los editores de cómics que se ocupan de un flujo de trabajo que involucra decenas de historias necesitan el panorama completo no sólo para tomar una decisión sobre qué comprar, sino para sentirse seguros de que un recién llegado sabe crear una conclusión satisfactoria. Entonces, si bien tener un tono al frente de una presentación más larga puede ser útil, nunca realmente quieres presentar una historia sin un final. Lo que nos lleva al trampolín. trampolín son muy similares a las líneas de troncos, pero sí incluyen cierre. Como tal, muchas líneas de troncos se pueden convertir fácilmente en trampolín. Al igual que con este logline, para Es una Vida Maravillosa. Un hombre de familia lucha por escapar de este pequeño pueblo para una vida de gran ciudad más exitosa. Cuando es constante, los esfuerzos fallan. Contempla el suicidio, pero su ángel guardián le muestra cómo sería el mundo si nunca hubiera nacido. Agregar una sola oración que describa el cierre cambia el logline en una sinopsis simple . Reconociendo su impacto en los que ama, abraza su vida con gratitud Ante las ligeras diferencias, espero que se pueda ver por qué estos términos a veces se utilizan indistintamente. Más importante aún, sin embargo, ¿qué tienen que ver con escribir cómics en cómics? Si te acercas un editor para obtener ideas, típicamente envías 45 springboard cada uno un solo párrafo corriendo alrededor de 3 a 5 oraciones. Observe que dije, Si te acercan, cuando se trata de las armas grandes como Marvel en D C estos días, contactan a escritores establecidos en lugar de lidiar con material no solicitado. Por otro lado, si esperas vender una novela gráfica específica a un editor de libros o a un editor de cómics más pequeño que revise material no solicitado, enviarías una consulta, una descripción de una página que sería enfocado en un solo trampolín preguntando si quieren ver más. Se pueden encontrar mucho más sobre cómo construir estas consultas en mi curso escribiendo para ganarse la vida . En cualquier caso, siempre haga alguna investigación sobre unos procedimientos de editores dados antes de presentar algo. En la última conferencia, mi descripción del flujo de trabajo asumió que ya se había vendido alguna forma de pitch. Existen, sin embargo, situaciones en las que puede entrar en juego un paso adicional, particularmente cuando se trata de escribir para material con licencia que significa personajes o mundos que son propiedad de alguien que no sea el editor. Batman, ejemplo, por ejemplo, es propiedad de Warner D. C. Comics, dándoles la aprobación final sobre todas las cosas Batman. Lo mismo vale para Captain America y Disney maravilla en ambos casos, el freelancer trabaja directamente con el propietario. Nancy Drew, por otro lado, es propiedad de Simon y Schuster. El editor de cómics Paper Cuts licenció los derechos de ellos para hacer su novela gráfica, la de Siri con propietarios legítimamente protectores de su propiedad intelectual. También se requiere su aprobación. Trámites, muy. Pero para el escritor, mayoría de las veces significa producir una sinopsis narrativa específicamente para la aprobación de la licenciatura a la manera Marvel, la trama puede utilizarse prácticamente como sinopsis, pero en el guión completo, ese escenario se agrega esencialmente de nuevo sin la ventaja de que un escritor vea arte áspero antes de ir a guiarlo. Para entender la diferencia. Volvamos a nuestro básico. Es una maravillosa sinopsis de la vida. Una trama cómica para un artista lo deletrearía todos los eventos de la historia y podría incluir algunos pedacitos de diálogo como este. Página uno. Bedford Falls Nochebuena. George Bailey está profundamente conmocionado durante años, de sus amigos y familiares. Levántate al cielo página a esto hace que a los ángeles asignen un ángel de segunda clase, Clarence, para salvarlo. Clarence. De verdad él. Es su turno. Aquí estoy, Página tres. Se revisan la vida de George, comenzando a los 12 años cuando el hermano menor de Georgia, cómo cayó a través del hielo en un vínculo congelado. Te atraparé, Harry. Debido a esta acción, George perdió una audiencia en su oído izquierdo. Pero, ¿qué es eso? ¿ Usted dice? muy similar una sinopsis para un licenciante. Incluiría a Lee algunos eventos de historia específicos, pero no necesariamente el desglose de páginas. Este tipo de sinopsis también puede ser útil para alguien que intenta entrar. Si un editor de clases springboards pero no ha trabajado con usted antes, pueden pedir una sinopsis como paso intermedio antes de comprometerse con un guión completo. De igual manera, si un editor de libros expresa interés en tu consulta de novela gráfica, el siguiente paso podría ser enviar Este tipo de sinopsis forma parte de una propuesta más grande, una que debería, ser posible, incluir algunas obras de arte en términos de longitud. Una sinopsis para un cómic mensual de 22 páginas sería de 1/2 página o página de largo para una novela gráfica completa . Podría ser de 4 a 5 páginas. Para comparar, Una típica sinopsis novela corre de 10 a 15 páginas, lo que hay muchas razones para condensar tu trabajo en muchos formatos en los que hacerlo. Lo que nos lleva a la gran pregunta. Cómo, para muchos, empezar a resumir parece francamente antítico al proceso creativo. Enemigo mortal de lo que nos hace apasionar a muchos de nosotros escribir en primer lugar esa exploración imaginativa impulsada por la intuición como otra vasta simplificación excesiva, el proceso de escritura intuitivo podría verse así. El escritor abraza primero a la musa, arrojando palabras y un ajuste febril. Después regresan y dan forma a esos resultados ásperos en una historia. Resumir es en el mejor de los casos una tediosa reflexión una vez que se hace el trabajo real después de invertir toda esa sangre, sudor y lágrimas condensando ese trabajo no sólo es un dolor de cabeza de ingeniería inversa, puede sentir como si estuvieras matando algo te gusta como un cachorro. ¿ Y quién quiere matar a una cosa de cachorro? ¿ De verdad no está matando nada? Ve bien a los cachorros, incluso al resumir y el trabajo existente realmente estás creando algo más. No un alma dura es una bestia cuya existencia misma es una burla de todo lo que tienes querido, sino algo que va a atravesar la idea del cachorro justo lo suficiente para que la gente quiera acariciarlo . Sólo se puede pensar en un resumen za es distinto de la obra en sí. Resumir se puede pensar como una habilidad distinta, más como la resolución abstracta de rompecabezas. Ha estado entregándose a la musa como una habilidad que se puede aprender y perfeccionar a través la práctica. Con el tiempo, podría volverse interesante por derecho propio, como hacer un crucigrama. Al ser un bono agregado , mejorará tu escritura. Muchos principiantes cometen el error de tratar de exprimir tantos detalles de su historia como puedan hasta el verano. Dos Key Pa es gran parte del cachorro es que no pueden. El truco, sin embargo, es comenzar olvidando esos detalles y volverse más conscientemente analítico. Pensar en cuanto a los componentes de cuatro pisos, carácter, conflicto, complicaciones y cierre y esencialmente llenar los espacios en blanco. En otras palabras, acumular no hacia abajo. El peligro se convierte entonces en ir demasiado lejos con un limitado unas pocas frases. Es fácil tirar la gran agua de baño, perdiendo el núcleo emocional a cambio de una recitación seca de eventos. Entonces, ¿dónde está el saldo? ¿ Qué cuenta? En el caso del cachorro, mucho es realmente sobre los ojos. Sí, en el caso de la historia, veamos un famoso ejemplo parafraseado de E. M. Forster. Murió la Reina y luego murió el Rey es una recitación seca de hechos. La Reina murió y luego el rey murió de un corazón roto es una historia. La diferencia son sólo cuatro palabras, pero no sólo proporcionan un personaje para el Rey como alguien que ama profundamente, proporcionan un conflicto que resuena con ese personaje. Eso no es solo cuerpo MK Boat face combate mal Mr Submarine. ¿ Quién ganará? Contestar. Cuerpo MK Boat face. Es ¿Cómo puede vivir un rey amoroso sin su amada respuesta? No puede. Por otro ejemplo, veamos a Hamlet, un príncipe danés cuyo tío asesinó a su padre, se casó con su madre y usurpó su trono. El conflicto básico aquí siendo lo que vas a hacer al respecto ahora eso es un gran conflicto, posiblemente convincente por sí mismo. Pero lo que hace que la historia de Hamlet sea más viva es una sola palabra usada con frecuencia para describirlo. No es cualquier príncipe danés. Es el danés melancólico. Esa palabra no sólo pinta un cuadro más vívido de cómo tratamos cualquier conflicto, se relaciona de nuevo directamente con su particular conflicto, potenciándolo haciéndolo eco. No es solo, Oh, voy a hacer esto. Es Oh, hombre, hombre, ¿qué voy a dar por tres horas la forma en que el personaje se relaciona con su situación? Cómo la historia realmente se levanta de esa relación hace toda la diferencia que tuvo. personalidad central de un personaje es lo único que la mayoría de mis alumnos dejan fuera en su primer verano. Y una vez que te enfocas en ello, como hemos visto, es el tipo de cosas que se pueden corregir con sólo unas pocas palabras. Es una diferencia entre Joe tiene que salir al banco y hacer un pago por tres para quedarse con su casa. Y Joe y Ágora fóbico tiene que salir al banco y hacer un pago a las tres en punto para mantener su casa una resumiendo obra existente. Ese es el núcleo que quieres capturar. Si la historia no lo hace en algún nivel, tenga ese núcleo, tal vez desee repensar la historia. Lo que me lleva a otro punto resumiendo y la forma en que encaja en el flujo de trabajo. Proporcionar un conjunto de herramientas que crearon diferentes posibilidades, una que se vuelve cada vez más atractiva una vez que comienzas a conseguir asignaciones regulares y tienes que producir historias bajo demanda. En pocas palabras, puedes aprender a trabajar al revés en lugar de buscar la esencia de una pieza terminada. Se pueden crear historias noticiosas empezando por los huesos, voltea una pirámide y comenzar el proceso de escritura rellenando los espacios en blanco para el carácter y conflicto. Decide sobre capa de cierre en algunas complicaciones y luego, cuando tu scripting el producto final trate de abrazar la musa para dar vida a las cosas de esta manera sin dejar de respetar cualquier destello de inspiración que pueda aparecer cerdo entero, tú están creando el trampolín y resumen a medida que avanza. Y si un editor sugiere cambiar, alterar la historia en el escenario de trampolín pitcher es relativamente fácil en comparación con algo que ya se ha ido perfeccionando. Con esto en mente, el movimiento de tono a guión puede verse como un proceso de estratificación. El tono proporciona un conflicto y carácter bastante abstractos. El trampolín agrega cierre en forma básica. En la sinopsis se crean las complicaciones de los acontecimientos de la historia, y en el guión se proporcionan los detalles. Cuadro grande. Este enfoque de escritura por partes podría llamarse reduccionista, entendiendo algo desmontándolo y estudiando las piezas. El cuento mágico resultante podría llamarse una propiedad emergente, un todo mayor, producido por la suma de sus partes. De igual forma, el enfoque impulsado por la musa podría llamarse holístico, mirando todo el sistema, desarrollando tu talento como intuiciones más que habilidades. Por ejemplo, escribir sin saber cómo termina la historia y sentir tu camino a través de cualquier proceso que utilices no tiene por qué ser rígido, como dirán una y otra vez. Lo que sea que funcione funciona al escribir una novela. Yo siempre uso esquema, pero también me siento libre de revisar ese esquema cada vez que aparece una mejor idea para ser clara en el nivel profesional, hacer que ese tipo de revisiones sí se pone más complicado, digamos una vez una licencia o aprueba sinopsis o tramas ya han sido lapicadas más allá de cierto punto, hay que trabajar con lo que tienes. A pesar de su utilidad, algunos escritores, particularmente principiantes, encuentran el enfoque reduccionista contrario a la verdadera creatividad. Trabajar de manera tan consciente las cajas para obstaculizar cualquier magia que haga que el mundo ficticio respire matando o al menos abusando del cachorro. Yo simpatizo, Pero en mi experiencia, el método reduccionista ofrece un reto diferente pero igualmente satisfactorio. Encontrar la vida en un momento predefinido. Se trata más de tratar de dirigir en lugar de eliminar, divertir. Todos, por supuesto, tienen sus propias fortalezas y debilidades. Una persona. Enhorabuena, ITAR juguetea con él por unos meses y produce música encantadora. Otro podría prosperar aprendiendo a leer música, estudiando estructura de acordes y teoría de la música. De nuevo, lo que funcione funciona. Me gustaría sugerir que en lugar de pensar en todo el ismo y el reduccionismo es contrario , más útil verlos es herramientas diferentes. La intuición puede proporcionar un destello de brillantez, pero rara vez es confiable. Las herramientas reduccionistas siempre están ahí, listas y esperando esas noches solitarias cuando te sientas esperando el musical. Más allá de eso, si la práctica diligentemente las habilidades se vuelven intuitivas con el tiempo. Practicar escalas, por ejemplo, se convierte en memoria corporal y eventualmente se siente instintivo. Podría decirse que ese proceso tiene una mejor oportunidad de ayudar a alguien a llevar su arte más allá que jugar solo por las preferencias del oído y las proclividades a un lado y elegir cómo trabajar. Quizás también quieras considerar tus metas si escribes por puro placer y no quieres llevar esa experiencia a través del comercio tener en ello y más poder para ti. Es una gran manera de pasar tu tiempo, y lo recomiendo encarecidamente. Pero si se quiere escribir profesionalmente de manera regular, la productividad se vuelve esencial. Para parafrasear a Bruce Springsteen, puedes tardar 20 años en escribir tu primer número de un cómic mensual, pero solo tienes un mes para calificar al segundo. En ocasiones mantener saludable al cachorro implica voltear piedra hacia fuera. Yo quiero concluir con una salvedad. En esta conferencia presenté el pitch in. El trampolín es la forma primaria de hacer una venta. Pero la historia de todos es diferente, y no es como entré. Yo producí trampolín. Sí, y editores de cómics como ellos todavía, pero me colocaron en algo así como un Catch 22. De acuerdo con la retroalimentación, los trampolín que envié no demostraron que podía escribir diálogo o guión completo. Y para citar uno de los rechazos más bonitos, nadie tiene tiempo para entrenar a un principiante. Por lo que atrás a finales de los 19 ochenta, contra todo consejo al contrario, tomé una de mis propuestas originales, que un editor llamó El beso de la muerte, escribió un guión completo para ello y lo envié a un puñado de editores. Eso fue lo que finalmente llamó la atención, resultando en una miniserie de cuatro números desde la primera edición, con portadas de JK Potter y Art del fallecido Tom Sutton. Se llamaba Squalor. Una vez que Siria demostró que podía escribir, era más fácil para mí vender historias basadas en trampolín, para ser claros, ese guión completo se basaba en un trampolín. Por lo que nunca he sentido que mis esfuerzos resumidos fueran desperdiciados. La práctica mejoró mi escritura, y la habilidad se volvió crucial abajo del punto de línea siendo. Si bien creo que estos conceptos básicos son un gran lugar para empezar, hay tantas formas de escribir cómics es hay escritores cómicos. Prueba algo, ve cómo funciona. Y no tengas miedo de ajustar rumbo e intentar otra cosa. Nada tiene éxito como el éxito encerrado. ¿ Te acuerdas de esto? No estaba los aviones a su belleza mataron a la bestia camino. De ninguna manera 6. WComics L6 L6 L6 Word y arte: Conferencia seis Palabra y Arte, que cubre la forma en que las palabras y las imágenes se cambian entre sí. ¿ Qué constituye exactamente cómic de las siete categorías de relaciones de palabra imagen descritas por Scott McCloud en su libro haciendo cómics? Sí, soy Stephan Petricka. A menos que me esté vigilando. Por alguna razón, no estás bien, casi todo lo que involucra la palabra escrita requiere algún tipo de visualización de la escritura . cómic requiere no sólo una comprensión de panel la gramática del panel, sino también cómo las palabras e imágenes y cada panel pueden influir y en realidad cambiarse unos otros. Es bastante fácil ver cómo una imagen puede cambiar el significado de las palabras. Una vez añadidos los rostros, se altera el tono de las palabras y su significado. Pero, ¿qué pasa al revés? En su libro y televisión de 1972, las formas de ver a John Berger de Siri hace un excelente punto al usar este cuadro Wheatfield con cuervos de Vincent Van Gogh o, si eres británico, Ben Golf, toma un mira. Deja que eso se hunda un poco, Nosotros sembramos cuervos. Ahora mira otra vez. Una vez que lees el título, la imagen, o al menos cómo la ves. Ya no hay lo mismo para citar Burger las palabras inmutables e alterar la imagen. ¿ Eso hace es un cómic? A lo mejor, pero definitivamente es más complicado que simplemente agregar palabras a cualquier imagen. En su primer libro, Comprender cómics. El Go to Guy. Cuando se trata de educarte sobre el medio, Scott McCloud distingue entre un cómic y una ilustración. Una ilustración como esta. El arte ilumina el texto pero no proporciona ninguna información nueva. Estos ejemplos, sin embargo, no proporcionan información por la forma en que las palabras una imagen cambian entre sí. Se está comunicando un todo a través de la suma de las partes. Yo argumentaría que mientras no se conviertan entre sí, las palabras e incluso una sola imagen crean la experiencia cómica única que discutí en conferencia. Tres. Scott y muchos otros estarían en desacuerdo, creyendo que un cómic apropiado requiere una secuencia de imágenes como en el término arte secuencial y que por lo tanto, estos ejemplos son un solo panel. Tiras cómicas como el Circo Familiar no encajan en la cuenta. No es un tema sencillo, y parte del razonamiento, que señala Scott, es que no se necesita ninguna palabra para crear aquí un cómic. Tan solo las imágenes produjeron la información completa, el movimiento de la figura. Si no necesitas palabras para un cómic, ¿cómo pueden las palabras ser parte de la definición de un cómic? La cosa es, incluso esta secuencia a panel tiene una gramática, y la forma en que interpretamos esa gramática es muy similar a la forma en que interpretamos las palabras. Como mencioné al discutir si los cómics leen o no, utilizan las mismas partes del cerebro involucradas en la lectura para darle sentido a las imágenes secuenciales . Soy escritora, así que estoy sesgada. Pero en mi opinión, hay algo inherente a la experiencia cómica que descansa directamente en esa combinación de palabras arte . Ya sea a través de un equipo real de los dos o por cierto, el arte solo puede pedir prestado aspectos de palabras más allá de definiciones precisas, mientras que un cómic puede guardar silencio. Agregar palabras amplía exponencialmente las posibilidades con el fin de utilizar el medio a su mejor ventaja. Escritores y artistas necesitan una comprensión trabajadora de esas posibilidades. Afortunadamente, Scott McCloud proporciona la base perfecta para entender los cómics y el seguimiento haciendo cómics organizando esas posibilidades en siete prácticas categorías dandy. Estaré revisando estas categorías aquí y agregando mis propios pensamientos, pero quiero tener claro que se originan con Scott, y te recomiendo encarecidamente que veas consiguió sus libros. En mi experiencia, las categorías dan problemas a los estudiantes. Por lo que antes de sumergirse en la lista, algunas adversidades. Primero, Si bien habrá un montón de ejemplos visuales, estaré hablando de ellos con, bueno, palabras. A medida que el cerebro se desplaza entre imagen y palabra, puede ser desorientador. En segundo lugar, mientras que las categorías se airean conceptualmente sólidas en la práctica, hay alguna superposición que puede hacer aplicarlas a un panel dado. Confundida. Discutiré un poco esa superposición al final. tercer lugar, en una imagen de palabra cómica, las relaciones pueden cambiar de escena a escena, incluso de panel a panel. Así que ten en cuenta en cada instancia aquí sólo estamos hablando de un panel, no de una secuencia. Con eso. Aquí están Scott McCloud. Siete relaciones de imagen de Word Hacer un específico donde las palabras y la imagen proporcionan la misma información. Palabras específicas, donde las palabras proporcionan toda la información, mientras que la imagen acentúa aspectos de las palabras imagen específica, en las que la imagen proporciona toda la información en las palabras acento aspectos de la imagen interdependiente, donde las palabras en la imagen se combinaron para transmitir información que Ni lo hacen solo intersecando donde la información transmitida por las palabras y la imagen se superpone paralela , donde la información que el las palabras en la imagen transmiten no parece estar conectadas de manera significativa. Y, por último, montaje en el que las palabras de la imagen se combinaron visualmente, el orden aquí es ligeramente diferente al libro, esperemos hacer un flujo más fácil que enfatice la escritura. También he roto las categorías en secciones. En el primero, nunca necesitas las dos palabras de la imagen para seguir. En el segundo, siempre necesitas tanto las palabras como la imagen para seguir. En cuanto al montaje, bueno, es más un elemento de diseño, y como verás, no estoy convencido de que pertenezca en absoluto. Echemos un vistazo a cada uno empezando por hacer específico donde, como dije, las palabras y la imagen proporcionan la misma información. En otras palabras, son redundantes. Por ejemplo, en este panel de las novelas gráficas de Nancy Drew, la imagen nos dice a todos por sí misma que Nancy se ha dado la vuelta y visto un oso. De igual forma, este epígrafe por sí mismo nos dice lo mismo. Ponlas juntas, y hoy tienes que hacer un panel específico. Dado que las imágenes y las palabras son interpretadas por diferentes partes del cerebro, hacer un específico puede crear un eco interesante, a menudo divertido. En este ejemplo, obtenemos la información de tres maneras en la imagen, en la leyenda y en el globo de pensamiento. Hacer un específico es probablemente el más fácil de entender, y tiene una cualidad llamativa que hace difícil perderse. También es el que el escritor cómico debe evitar. Al igual que la plaga, la repetición de cualquier forma tiende a recordar al lector que están interpretando líneas en una página , sacándolas del mundo ficticio. Dicho esto, hay algunas situaciones en las que hacer un específico podría funcionar. Una es si las palabras de poética o tienen una cadencia que termina un sabor más allá del mero fax, como en mi vago intento aquí. Incluso en este caso, sin embargo, se siente más como una historia ilustrada y no un verdadero cómic. En otras instancias, redundancia puede usarse para agregar énfasis melodramático, como en este panel, porque fue una sorpresa realmente grande que Galactus sintiera que simplemente no era algo los colectivos hacían muy a menudo. A continuación en una palabra relación específica, las palabras proporcionan toda la información. En tanto que la imagen acentúa aspectos de las palabras como dúo específico. El escenario se comunica enteramente por palabras, como en este epígrafe. También, como hacer un específico. En la imagen no se agrega ninguna información nueva. De hecho, nos da menos aquí. No nos dice que este oso había atacado a los amigos de Nancy, pero la imagen no es del todo redundante. En cambio, aporta enfoque, poniendo nuestra atención no en los amigos de Nancy. Pero en el momento en que ve al oso a través de su composición. También acentena a los osos de tamaño inusualmente grande. El oso no sólo domina la página, gracias un tiro largo. Vemos exactamente cuánto más grande es la Nancy con palabras dando a los lectores lo que necesitan saber para seguir esta historia. El cuadro es libre de enfocarse en cualquier aspecto de eso para diferentes efectos. Aquí, la imagen se centra enteramente en el oso. Se pierde el sentido de su tamaño exacto, pero esta elección acerca al lector a la bestia, más como si estuvieran en zapatos de Nancy. Si la imagen se enfoca en Nancy, el lector obtiene una sensación más fuerte de su movimiento físico y una reacción aterrorizada. Si bien el aspecto del oso queda de la imaginación, la inclinación de la cabeza de Nancy aún da una indicación de su altura. Es importante destacar el panel no tiene que tener muchas palabras para ser palabras específicas. En este ejemplo de los Vengadores Número 58 solo hay cinco palabras, y solo había que conseguir lo que está pasando. Es un androide. No pensarías que pudiera llorar, Pero, sí, sí, no puede lo que hace específica a esta palabra y no hacer una específica a mi mente? Una palabra, incluso la cualidad única e inesperada de las lágrimas no es transmitida por la imagen. Nuevamente, el panorama se suma a la experiencia, pero sólo en términos de acento, no información nueva. Podría haberse centrado en la cabeza del androide, su mano, su ceja surcada o en la propia lágrima. Pero al incluir la figura completa, presta una calidad formal a la postura androide mientras las líneas de ráfaga detrás de él nos dicen que lo que estamos viendo es importante. Por otro lado, está esto, que tiene muchas palabras alguien. Te voy a pedir que pausas el video y te los leas a ti mismo. De acuerdo, bienvenido de nuevo. A primera vista, este panel podría parecer dúo específico, pero hay mucha información en el texto que no está en la imagen. Cómo funciona tarde el pecho el hecho de que se está muriendo y no, por ejemplo, proponiendo matrimonio o cantando. Buddy, ¿ puedes sobra un centavo y comprometerte a leer 60 segundos? Sí, técnicamente, esa bonita lámpara azul no está en el texto, pero no falta información pertinente de las palabras más sobre lo que está o no imprimiendo un poco más tarde. Pero por ahora, considere que la imagen aquí podría haberse centrado en una serie de cosas. El resplandor de la mansión, la mano que agarra, su corazón fallido. En cambio, acentúa la lucha física de Iron Man, su media caída informan, aferrándose al lector esa ligera inclinación a las hendiduras de su rostro metálico, incluso en cuanto a la sensación de desesperación. Técnicamente, no se puede tener una relación de palabra imagen sin palabras en una imagen, pero no se puede tener un panel con sólo palabras. Se podría argumentar que esta es palabra específica. Ponga demasiadas palabras. , Onley hace paneles juntos Sin embargo, Onley hace paneles juntos, y si bien conservan un sentido cómico de la secuencia hasta cierto punto, eventualmente ya no estás escribiendo un cómic. Tu escritura pura prosa. Completando la Sección uno, tenemos la imagen flipside específica, donde la imagen proporciona toda la información sobre las palabras acento aspectos de la imagen. Volvamos con la querida vieja Nancy en ese maldito barón aún, asumiendo que no hay nada que necesitemos saber del oso aparte de que es un oso y que Nancy se ha vuelto para verlo. El cuadro lo cuenta todo. Con el peso de la historia que lleva la imagen, las palabras son libres de cambiar. enfocan los lectores, haciéndolos más conscientes de, digamos, la amenaza de la cláusula, lo pequeña que es Nancy o la corta distancia entre. Una vez elegido ese enfoque, el escritor puede ir por una descripción más ornamentada. No tienen que entrar en cero las palabras en un aspecto de la imagen. Siempre y cuando no agreguen información ni nos la den todo. El panel sigue siendo específico de imagen. El enfoque verbal no tiene por qué ser físico. O puede ser emocional o incluso filosófico, como en este panel, de Fantástico. Para el número tres anual de 1965 donde las palabras resaltan su propia inutilidad, las palabras ni siquiera tienen las palabras aquí. Un solo efecto de sonido enfoca al lector no sólo en el fotógrafo sino también en la fugaz naturaleza del momento, enfatizando cuánto tiempo dura el panel en el tiempo, dicen que una imagen pinta 1000 palabras, pero realmente, depende de la imagen de las palabras, mientras que a muchos paneles sin imágenes se convierte en pros. Una secuencia narrativa de Pictures Without Words sigue siendo un cómic y posiblemente siempre imagina específica, como en esta secuencia para la deuda caminante. Pero, ¿y si no hay estructura narrativa a la secuencia como ésta? ¿ Esto sigue siendo un cómic específico de imagen? El deseo de la mente de ver patrones incluso nosotros no estamos necesariamente existir es un socio esencial en cualquier experiencia ficticia. Pero también hace que algo así sea una llamada dura. Me imagino una narrativa donde el reloj está notificando a una serpiente alienígena sobre una cita feliz por lo que necesitarás es platillo volador. Obtener si, como hemos visto, diferentes palabras pueden dar a una imagen diferentes significados. ¿ Qué significa realmente inherente? Ahí hay una línea en alguna parte, pero no estoy exactamente seguro de dónde cae. Hablando de palabras e imágenes cambiándose entre sí, Tier dos comienza con lo que posiblemente es el tipo de relación más común y sin embargo crucial interdependiente fueron las palabras en imagen combinadas para transmitir información que tampoco solo el retroceso un poco en esta palabra amigo específico las palabras transmiten información. El cuadro no hace que el oso ataque los paneles de Nancy. En esta versión específica de imagen, la imagen transmite información. Las palabras no hacen que Nancy esté enfrentando a un oso en una paleta interdependiente. Tampoco nos lo dicen todo. Simplemente lee las palabras, y no tienes idea con quién está hablando Nancy. Basta con mirar la imagen y no tienes ni idea. Nancy pensó que estaba hablando con otra persona antes de volverse. Ponlos juntos y te dan toda la idea. Los resultados pueden variar salvajemente. Escuchar las palabras en la imagen posiblemente jugar a esas fortalezas que discutí en Lecture Threat. El texto transmite una interestatal la imagen del mundo físico, pero puede ser al revés. En las palabras se puede describir una ubicación física, mientras que en la imagen se expresa un estado de ánimo como otro ejemplo. Aquí está esto asumo involuntariamente divertido. Panel de la Liga de la Justicia de los 19 años sesenta. Nuevamente, hay muchas palabras, así que por favor pausa el momento del video y léelo a ti mismo. Confía en mí, es más divertido así. Sin la imagen, no conocemos la identidad significativa de los pensadores, así que yo llamaría a esto interdependiente. La relación interdependiente puede apoyarse más fuertemente en las palabras o en la imagen. Este panel de la tira cómica de Nancy es posiblemente específica de imagen, sin embargo, no tiene mucho sentido sin las palabras. Después de todo, los hombres podrían haber estado llevando un piano invisible en las tres categorías específicas donde la narrativa la lleva el cuadro o el texto. La experiencia tiende a ser más parecida a leerla, pero la relación interdependiente crea algo diferente, algo que puede sentirse más como película o video. Eso puede ser porque requiere que el lector agregue al contenido para darle sentido . De acuerdo, en este caso, escuchamos el diálogo y lo juntamos con el movimiento de la flexión de la pista. Y aún cuando las palabras no están en la escena, digamos es 1/3 persona narrativa objetiva. La experiencia tiene una cualidad de animación única en este caso, para conseguir lo que está pasando, la lectora tiene que imaginar los momentos entre Nancy pensando que está hablando mejor y volteando para ver que no lo está. Por otra parte, este ejemplo específico de imagen anterior hace mucho lo mismo aquí, aunque no se argumentan que debido a que la palabra apunta a una parte de la imagen, el lector podría de otra manera Kloss sobre. Si bien técnicamente el cuadro específico, los resultados fueron más interdependientes. En otras palabras, el texto transmite algo que la imagen puede no transmitir Primera mirada. ¿ Puede una secuencia silenciosa lograr lo mismo? Algo así, pero no del todo a mi mente. Sin palabras, El movimiento de panel a panel aquí todavía se siente más como leer. Hay mucho espacio para el desacuerdo, pero para mí, sólo es en esos paneles que requieren tanto palabras como imagen para tener sentido que la experiencia cómica se vuelve verdaderamente única. Esa calidad se traslada a nuestra siguiente categoría, que también es desmenuzado la intersección más confusa en una relación intersecante. El dato. Las palabras de la imagen transmiten solapamientos, lo que significa que repiten algunos aspectos de la narrativa pero transmiten otros independientes unos de otros. Realmente odio este cruzando es mis circuitos, incluso cuando creo que lo tengo. , sí tiene sentido Sin embargo, sí tiene sentido, aunque los ejemplos claros sean difíciles de encontrar. Empezaremos con Nancy en la imagen, nos dice yada, yada, yada. Se volvió y vio a un oso a la derecha. Tenían una leyenda con la misma información, y tenemos a un puesto específico en una leyenda que nos dice todo lo que hace la imagen, pero añade un nuevo detalle y su palabra específica. Ahora cambia una palabra, y el panel se entrecruza. Las palabras no nos dicen exactamente a qué se enfrenta Nancy, pero sí nos dicen que el ataque convierte a su amiga. La imagen nos dice que Nancy está enfrentando a un oso, pero no que atacara a sus amigas e intersectando tanto palabras como imagen aporta alguna información que es única. Y algunos que no lo son. Si sólo las palabras tienen esa información única. El panel palabra específica. Si sólo la imagen tiene esa información única. El cuadro de paneles específico, consiguió que se intersecara podría ser difícil de detectar. Entonces veamos algunos ejemplos. De acuerdo, aquí tanto la imagen como las palabras nos dicen. Spiderman está conmocionado, pero sólo la imagen dice que un Spiderman está sosteniendo a un hombre inconsciente mientras que sólo las palabras nos dicen que es un ladrón. Espía. Podría haberse detenido aquí. Tanto la imagen en las palabras nos dicen que alguien se está cayendo. Sólo la imagen nos dice que un hombre está cayendo mientras Batman se balancea cerca. Si bien sólo las palabras nos dan detalles sobre la caída y el hecho de que ver el dolor de otras personas ayuda a Batman a dormir. Estos creo que son bastante simples. El problema es que los ejemplos rápidamente se complican más. Aquí hay una que Scott usó para hacer cómics fuera de la mano. Yo quiero llamarlo interdependiente, pero echemos un vistazo de cerca a las piezas. Escucha las palabras decir si alguien tiene ropa nueva, está orgulloso de ellos. Su bebé los puede ver. Quieren saber qué piensa su nena de dicha ropa. Y dado el estereotipo de que nuestro orador probablemente sea masculino, la imagen nos dice que un hombre está orgulloso de algo de sí mismo. Está hablando con alguien sobre ello y usar ropa la mayoría consideraría llamativo. Podría estar orgulloso de su ropa, pero eso no es inherente a la imagen. También podría estar orgulloso de un trabajo. Por lo que puedo decir, la única información que comparten tanto imagen como palabras es el orgullo de los personajes, Así que llamarlo a Second se siente como una larga caminata. Podría ser yo, pero más sobre eso en breve. Por ahora, veamos paralelos, que es bastante simple, pero algo raro. Hemos visto cómo las palabras y la imagen pueden complementarse y potenciarse unos a otros, y cómo juntos producen algo completamente nuevo en las relaciones paralelas, en pocas , no tienen nada que ver unas con otras. De acuerdo, al menos dentro del contexto de un solo panel. Está bien. A lo largo de la secuencia, las palabras y las imágenes se juntaron, revelando una relación más específica. Este ejemplo es un poco de mejilla, ya que las citas en los subtítulos generalmente significan oradores presentes. Pero creo que se traspasa la idea. Echemos un vistazo a otro aquí. Se mantiene la relación paralela en toda la página, sólo volviéndose interdependiente en el panel final. También es posible que las palabras e imágenes nunca se unan. Pero a la mente humana le encanta crear orden, y éste podría asumir que el perro al que se hace referencia en los subtítulos está persiguiendo a las chicas. A pesar de que ese no es necesariamente el caso aquí. Podríamos adivinar que Spider Man tiene resuelve un misterio que involucra al ladrón y el hecho de que sal se disuelva o aquí que está loco o realmente como Shakespeare. Pero dentro del panel, la relación sigue siendo paralela. Carol tiene algunos usos narrativos prácticos que el aire bien delineado al hacer que los cómics corran el diálogo de una escena sobre otra, pueden crear una textura de historia en capas, configurar una transición interesante y o un espacio seguro. El relato paralelo también es único en que permite la posibilidad de más de una relación de imagen de palabra en un solo panel aquí. El título es paralelo, pero la palabra globo es interdependiente. Tener más de una relación en un panel dado sólo funciona si un tipo es paralelo una imagen palabras específicas combinación sería. Hacer un derecho específico, por ejemplo, por ejemplo,. Por último, está el montaje donde las palabras y las imágenes se combinan pictorialmente, lo que significa que las palabras se convierten en parte del arte, como en este ejemplo, donde cuelgan en el aire ya que rompe con nuestras expectativas en términos de cómo las palabras de presentado la relación de montaje es particularmente fácil de percibir el brillante darse cuenta que era famoso, entre otras cosas,por entre otras cosas, su uso del montaje, como en esta nota, el wispy V en la parte superior izquierda, Eisner tenía una forma de trabajar texto en sus páginas de título que realmente borrosa la diferencia entre arte y palabra. A lo largo de los años, muchos cómics han utilizado el montaje con gran efecto, ya que en esto muchas veces copiado cubierto por Jim Memorando Co. Para 1968 Hulk anual número Uno. A un lado, cómo se supone que interpretemos esto que el Hulk realmente está sosteniendo su logotipo. También está esta variación realmente interesante de Frank Miller Sin City, donde el efecto de sonido se convierte en los bordes del panel. Como ya he dicho, no estoy convencido de que Montage pertenezca. Es claramente un concepto útil y uno que define una relación particular de palabra imagen. Al mismo tiempo. Todas las demás categorías definen esa relación en términos de información narrativa, lo que significa que por definición no se puede tener un montaje que tampoco se ajuste a una de la otra categoría. ¿ No es esta imagen también específica? ¿ Este? Hacer una específica, esta palabra específica y esta interdependiente, ya que sin la palabra no sabemos que se haya disparado el arma. Entonces, ¿el montaje con razón puede considerarse una categoría? Bueno, depende de lo que quieras que hagan las categorías. Scott McCloud creó este desglose por lo que la palabra final sobre sus propósitos golpea. Pero si los queremos basados en las formas en que el lector sigue una narrativa cómica, mi respuesta es no. Y eso completa nuestra revisión de las categorías. Si ahora, como se prometió, quiero echar un vistazo a cómo, mientras que las definiciones abstractas tienen sentido en la práctica, el conglomerado Distinciones, por ejemplo, en do un se supone que la información en el texto de la imagen es la misma, ¿ verdad? Bueno, incluso en nuestro sencillo ejemplo, la imagen en realidad nos dice varias cosas que Texas no es del tamaño del oso que Nancy está lejos de él, el tipo de vestido que lleva en eso ahí en un bosque. Ese tipo de lista se puede aumentar ad infinitum. No nos dicen las palabras, los osos que emergen de detrás de un árbol, que está ligeramente encorvado, que Nancy y el oso medio detrás de algún tipo de arbusto y así sucesivamente y así sucesivamente. Entre más detalle profundizamos, más se deforma la categoría. ¿ Esto realmente lo hace específico de la imagen? No en ningún sentido útil, ya que ninguno de esos datos adicionales, como mencioné anteriormente, es pertinente o clave para seguir la historia. Por lo que el efecto general se mantiene. Hacer un específico lo que define la pertinencia, el contexto narrativo. Si, por ejemplo, el Oso se enojara con algunos cazadores que vestían chalecos rojos y el vestido de Nancy fuera rojo, el color sería pertinente. Se produce una superposición práctica más grande entre interdependientes, intersecando haciendo cómics nos da Este es un ejemplo de una relación interdependiente. Pero no las palabras y la imagen transmiten que un personaje se sorprende por el otro. Y eso no hace que este entrecruzamiento, no interdependiente, ¿Dónde está claro el solapamiento? El panel obviamente se cruza. Cuando no esté claro, requiere, requiere, diremos una larga caminata puede ser más útil para considerarla dependiente, ya que la experiencia es más combinación que una superposición. En última instancia, los escritores cómicos no se sientan por ahí diciendo: Oh, Oh, crearé un panel de la Categoría dos y tres de la Categoría siete. Al final, el valor de estas categorías no se trata tanto de cualquier aplicación específica, sino de la forma en que pueden hacerte pensar en la forma más fructífera de usar el medio. Y con eso, hasta nuestra próxima conferencia emocionante, aquí te está mirando chico camino, camino. 7. WComics L7 de 1: conferencia, siete descripciones de paneles, Primera parte, que abarca descripciones dramáticas versus físicas para diseños visibles e invisibles y relatos . Cómo usar términos cinematográficos en guiones cómicos y cómo implicar composición de paneles sin deletrearla . Es mayo cuando se trata de escribir un guión cómico completo. Además de proporcionar todas las palabras que el lector ve, el escritor también tiene que describir la imagen en cada panel, mientras que el producto final ojalá tenga una audiencia de millones. Descripciones del panel tienen una audiencia de al editor y al artista Así Justus, escribirías diálogo y subtítulos con el lector en mente. Se escriben descripciones de paneles para el artista. En parte eso significa averiguar qué mejor se adapta a una sociedad en particular. En todos los casos, sin embargo, significa usar palabras para evocar esa imagen en tu cabeza de una manera que inspire a un artista habilidad y creatividad. Para ello, quiero comenzar con una nota importante. Es tan importante que la voy a poner en una caja para mantenerla a salvo para siempre y para siempre. Hay una diferencia crucial entre un guión de cómic en un guión de cine. Las imágenes no se mueven a trabajar como cómic. Cualquiera que sea la imagen que describas tiene que ser estática inmóvil. ¿ Por qué es tan importante eso? Porque los principiantes suelen crear descripciones de panel como este panel uno. Pete corre hacia una mesa con la letra puesta, se detiene y agarra la letra. ¿ Qué tiene de malo? Pete está haciendo tres cosas corriendo, parando y recogiendo algo y las fotos no se mueven. Sí, correr implica movimiento, pero un artista puede comunicar eso en una sola imagen a través tanto de la postura corporal como de líneas de movimiento como de esta. También es cierto que una figura borrosa acoplada a líneas de movimiento puede indicar múltiples acciones en una sola imagen como aquí, donde Wonder Woman está desviando varias balas. Pero en el lenguaje de los cómics, esto implica o superspeed o un pánico apresurado por el bien del drama narrativo. O si simplemente te quedas sin espacio, puede ser muy tentador meter varias acciones en un solo panel. Pero a menos que haya una razón narrativa específica, no lo hagas. Es la marca de un aficionado Repensar la secuencia. Si Pete no es superrápido, están al borde de una crisis nerviosa, debería haber una acción para panel uno. Pete corre hacia una mesa con una carta sobre ella. Panel dos paradas de melocotón en la mesa Panel tres Pico agarra la letra de la mesa. Hay otras formas, mucho mejores de convencer el número de paneles. Mientras el hilo narrativo sea claro, el lector llenará felizmente los espacios en blanco. Es parte de la experiencia cómica. Por ejemplo, Pal one podría mostrar a una mujer abriendo la puerta a su panel de la Casa a la misma mujer abriendo el closet dentro de su recámara, mostrándola caminando por la casa por las escaleras hasta su recámara no sea necesario a menos que nos dicen lo contrario. Nosotras figura que no fue secuestrada por extraterrestres en el medio. Así que vuelve a orinar su panel a necesario, a menos que tengas una razón para extender el tiempo aquí. En realidad no. De igual manera, algunas acciones podrían estar implícitas en un solo panel en lugar de mostrarse en dos panel uno. Sudando sin aliento, P agarra ansiosamente una carta de la mesa Aquí, por ejemplo, por ejemplo, la corrida está implícita, trayendo la espalda en un sentido donde empezamos con un solo panel. Pero es un panel con una distinción importante. El cuadro no se mueve. Pasando adelante. Probablemente ya has escuchado que los mejores espectáculos de escritura en lugar de contar, mostrar nos pone en el momento de la historia. El contar nos saca de ella. A menos que intentara un efecto tonal específico, un novelista no sería capturado muerto. Escribir algo como Pete es triste. El show no lo dice. Regla sigue siendo absolutamente cierta para todos los subtítulos y el diálogo que estará viendo el lector . Pero cuando se trata de descripciones de paneles para un artista donde la claridad es crucial, dijo Peters, puede ser lo perfecto para decir. Más allá de eso, la descripción correcta depende, entre otras cosas, del artista. Un artista puede preferir tacos mecánicos detallados, otro la libertad de representar la angustia de un personaje a su manera especial. Del mismo modo que el escritor quiere que el artista preste atención a su historia, mueve al escritor a estar al tanto de las fortalezas de un artista a la hora de encontrar el estilo adecuado que se adapte tanto a la suya como a las fortalezas del artista. Existen dos modos básicos a considerar que llamaré lo dramático, y lo físico se refiere a los aspectos tangibles de una imagen unas tablas, grano de madera o las cuentas de humedad sobre unos personajes sudorosos. Cara dramática se refiere a lo intangible e interestatal, como la miseria de alguien que acaba de perder a un amante son un ambiente, como la tensión que parece quedarse en el aire de una escena del crimen. Una descripción de panel físico de la pizza y esta podría ser la piel alrededor. Los ojos de Pete se arrullan como lágrimas. Bueno, lo que vemos nos dice algo que no podemos ver cómo se siente Pete. Dentro del poeta T. S. Eliot llamó a este tipo de descripción física el correlativo objetivo, el conjurar tangible lo intangible. Ah, descripción puramente dramática, por otro lado, evita señales físicas. Dejando esa objetiva Carla tive a la altura del artista, como en Pete contempla la desolación de su existencia. Cualquiera de los motivos válidos y cualquiera puede ser utilizado para invocar al otro. Cualquiera de ellos también puede llevar a los artistas a producir infinitas variaciones, que pueden o no ser deseables para una historia determinada derecha sobre las lágrimas de Pete. Y podrías conseguir cualquiera de estos. Si bien una simple descripción dramática podría inspirar cualquier cosa desde la imagen que dejó hasta la de la derecha con Homero de Los Simpsons. general, las descripciones más efectivas tienden a ser combinaciones que deletrean el drama pero también incluyen suficientes detalles físicos para que los resultados se ajusten mejor. El relato necesita como nieve artificial ser Pete contempla la desolación de su existencia. La piel alrededor de sus ojos se agrieta y se desgarra. Bueno, cualquiera que sea la descripción del panel, los resultados siempre serán visibles porque sabes que es arte al mismo tiempo que ya hemos visto. El visible también puede tener una relación con lo invisible, y no sólo en términos de estados emocionales. No se ven los deseos de un personaje ni el conflicto que surge de eso, sólo su manifestación visible. Cuando se trata de contar historias, esa relación visible e invisible puede tomar una de tres formas. Acuerdo, contrapunto o neutralidad. Cuando un acuerdo lo visible e invisible se espejan entre sí. Al igual que en la cueva, un ermitaño vive en las costosas joyas que lleva una persona rica, un adúltero con un escarlata un cosido en su ropa. En contrapunto. El visible existe en alguna forma de tensión con lo invisible, como en Ah, historia de amor en una cárcel Ah, arma. Propiedad de un pacifista, un alma gentil que parece un asesino en serie y neutralidad, visible no tiene verdadera relación en lo invisible. Un asesino con traje espacial, una pluma propiedad de un activista animal, un abogado corrupto con cabello negro mientras un artista puede intentar visualizar conceptos abstractos como la verdad o el amor. En términos generales en una narrativa, los elementos visibles se pueden dividir en tres categorías. Ubicaciones, objetos y personajes en cuanto a ubicaciones. Y Mansión Abandonada, por ejemplo, podría tener ambiente un pueblo pequeño de ambiente especial. Pero, ¿cómo se le pasa eso al artista? Una forma sencilla es utilizar material de referencia si quieres que el artista dibuje un bosque espeluznante Google Imagen de bosque espeluznante y pegarlo en tu guión. Al igual que este panel uno. Dorothy se encuentra en un bosque que se ve así. Es importante destacar cualquier imagen dada bien puede estar sujeta a derechos de autor, así que o bien asegúrate de que esté en el dominio público o deja claro en tu guión que es para inspirarte en Lee. Si bien todos los escritores y artistas de cómic confían en el material de referencia hasta cierto punto, cuanto más específico se vuelve tu escritura , más podrías querer considerar confiar en tus palabras. En ese caso, concéntrate en los detalles visuales específicos que potencien o actúen como contrapunto a tu panel de historias . Una pérdida de pinos incrustados alrededor de Dorothy tan enferma que apenas podía caminar entre ellos tan altos que bloquean su vista del cielo aquí, el bosque se describe en términos de carácter, cómo dificultan las cosas para Dorothy, creando una sensación de penumbra y claustrofobia. Las descripciones únicas también agregan un nivel de realismo en lugar de un buscado genérico. House describe un decrépito crecimiento de planta georgiana destruyendo un muro en lugar de cualquier oficina vieja construyendo una reluciente torre de acero en la colina más alta de la ciudad, cuya cima parece tocar el sol. Lo mismo puede aplicarse a los objetos. El auto de la familia. Tu laptop puede parecer tener una personalidad propia. Si un objeto es importante para la historia, saca esa importancia a través del detalle. Ah, advierten perro de libro oído por leer una pistola de rayos que parece un juguete de viento, un lápiz que ha sido mal masticado. A diferencia de las ubicaciones u objetos, los personajes también se definen por lo que hacen o dicen. Eso no quiere decir que la forma en que se ven no es importante, como lo indica el alegre frijol azul. Los captores ni siquiera tienen que ser humanos, como lo indica el cristal pensante. Sus cualidades no humanas pueden convertirse en un contrapunto a su vida interior. Aparte de reflejar o contradecir su persona, apariencia de un personaje no sólo ayuda al lector a desarrollar una relación con ellos que los hace reconocibles de escena en escena. Cuando se trata de cómo hacer eso con personajes humanos o antropomórficos, hay muchas posibilidades, pero veamos algunos conceptos básicos. Rasgos faciales, una cicatriz, una nariz rota, la forma del cráneo o el tamaño del color del cabello y los ojos. ¿ Son grandes promedio? Eres corto, Barry, La forma en que se portaban. ¿ Se paran rígidamente o se resbalan? ¿ Cojean de una vieja herida o puntean arrogantemente como un pavo real? Es decir, puede referirse a la expresión facial. Pero aquí, quiero decir, son aura o ambiente personal. ¿ Son de ojos amplios y observantes? Perdidos y pensados siempre están un poco ansiosos. tipo de vestimenta y el estilo pueden apuntar a clase social y o cultura. Dashiki. Perdón. Jeans, chamarra y corbata. vestido descuidado podría significar una actitud relajada o acoplado a una mirada desesperada. Tendencias autodestructivas. ropa limpia y prensada podría indicar una buena imagen de sí mismo. Demasiado preocupado por lo que otro hedor o puro tourney de vanidad arrugada. Su sangre manchada de cerca puede apuntar a las actividades recientes de un personaje. El último movimiento puede ser complicado trabajar dentro de los cómics porque, sabes que las imágenes no se mueven, pero podría significar cualquier cosa desde la forma engreída de los gestos de personajes en un interruptor de luz. Entonces cómo siempre beben con dos manos. Nunca se quiere usar todos estos aspectos todo el tiempo para cada personaje. Pero el correcto uno o dos no sólo puede ayudar a dar vida a un personaje que puede definir. Si vemos una mano sosteniendo un sombrero y un látigo, no tenemos que ver tu cara. Sabemos que es Indiana Jones. De igual forma, si presentamos a un personaje llamado Jasmine, que tiene un ojo verde y un azul más tarde al ver solo sus ojos, su lector mayor necesita identificarla. Si bien una buena descripción sólo puede ser cuestión de incluir los elementos correctos, la forma en que están dispuestos en el panel en el ángulo que, que están viendo, también tiene un gran impacto no sólo emocionalmente sino en enfocar al lector en puntos de historia, por ejemplo, mostrando un cerca del arma en los villanos mano este arreglo de colocación y foco se llama composición cualquier bien. Otros tendrán su propio sentido de la composición desarrollado, pero el escritor también puede tener voz. Cuánto de nosotros decimos que el escritor tiene sobre la composición del panel depende de nuevo de la asociación y del flujo de trabajo. Puede variar desde prácticamente hecho, notablemente en la etapa de trama de la manera Marvel, hasta los detalles ornamentados posibles en el guión completo. En ese guión completo, si bien el artista puede tener una mejor comprensión de la composición, no es mala idea que el escritor proporcione una línea de base con el ojo para que la historia pase como un buen lugar para empezar. cine y la televisión tienen una taquigrafía de larga data para la composición básica, gran parte de la cual se puede llevar a guiones cómicos. Esta lista, junto con abreviaturas, se ha desglosado en distancia y movimiento. La mayoría de los escritores y artistas están familiarizados con al menos algunos de ellos, pero vamos a pasar por cada uno empezando por la distancia. Un tiro establecedor tiene, es su tema. Ah, vista completa de una ubicación de escenas, interiores o exteriores. Punto de vista muestra el tema de ver a través de los ojos de un personaje en particular. Un ángulo bajo mira hacia arriba al sujeto, por lo general haciéndolo parecer más grande, mientras que un disparo de arriba mira hacia abajo al sujeto, por lo general haciéndolo parecer más pequeño. En el cierre hacia arriba, un k Un tiro apretado o a veces apretado sobre el sujeto retoma toda o la mayor parte de la imagen. El tiro medio está un poco más atrás del sujeto, generalmente el pecho hacia arriba y puede mostrar dos personajes, como en un mediano dos disparo en el tiro largo o tiro lejano. El entorno ocupa la mayor parte de la imagen, y el tema es pequeño. Tanto el cierre hacia arriba en el tiro largo se puede modificar añadiendo la palabra extreme. Aquí puedes ver la diferencia entre un cierre arriba en un extremo cerca arriba. Técnicamente, la segunda imagen también puede describirse como un acercamiento de un ojo, pero el uso de extremo se siente más dramático. Eso cuida la distancia. Ahora veamos el movimiento. ¿ De acuerdo? Sí, he estado haciendo una gran cosa por cómo no se mueven las imágenes de cómics. Por lo que con razón se puede preguntar cómo pueden ser útiles las composiciones que involucran el movimiento de la cámara. Bueno, si bien sigue siendo cierto que la imagen en un solo panel no se mueve gracias al lector llenando los huecos entre los paneles, la sensación de una cámara en movimiento se puede aproximar mediante el uso de múltiples paneles. medida que pasamos por cada echa un vistazo a los ejemplos del panel de cómics y vemos cómo consiguen ese movimiento a través, comenzando con una pista o un tiro de dolly. Aquí, el ángulo se mueve por la ubicación, ya sea para seguir el camino de un sujeto en movimiento aquí, un toque iluminado o para revelar más de la escena sin alterar perspectiva. Un zoom se mueve más cerca del sujeto o hacia fuera para mostrar más del entorno en una panorámica. El punto de vista gira horizontalmente desde un solo punto, como si estuviera en un trípode, revelando más de la escena. Y se inclina aunque el pit de la vista es verticalmente, haciendo que la escena se vea askew para imitar estos en un guión de cómic completo, el movimiento de la cámara se puede indicar en una línea separada, junto con el número de paneles involucrados, como en ah, secuencia de tres paneles inclinando el panel de imagen uno, un hombre en el teléfono, su mano izquierda a su panel de oreja a misma imagen, inclinado ligeramente hacia el panel derecho. Tres. Misma imagen inclinada más para que el hombre no sea un ángulo de 45 grados. Otra taquigrafía de guión cinematográfico que podría ser útil y guiones cómicos está denotando una ubicación de escenas usando interior o exterior. A esto le seguiría una descripción de una o dos palabras, una barra y la hora del día. Todo en gorras tiene un panel, una casa suburbana interior tarde. Es importante destacar que, a diferencia de los demás, esto no indica una composición. Tan solo una ubicación. Usar interior o exterior puede implicar un tiro establecedor para algunos, pero técnicamente, el primer disparo en la siguiente escena podría ser cualquier punto de vista de arriba o incluso un cierre con la ubicación completa establecida posteriormente. Por ejemplo, Panel One Interior Suburban House tarde, cerrar la mano sosteniendo un panel de periódico. Dos de tiro largo Pete se encuentra en el centro de la habitación, leyendo el papel a la izquierda de la ventana de imagen sobre, y yo guardo sofá. Vamos al sol y así sucesivamente. Una vez establecida la ubicación y la hora del día o establecida, no hay necesidad de nombrarlos de nuevo hasta que cambien. Panel uno. Interior sin terminar noche sótano. Aparece una sombra en la ventana. Panel a la ventana está roto. vidrio cae al piso de concreto. Panel. Casa suburbana de tres exteriores. Un ladrón mete la mano en la ventana rota. Aquí, Panel a no requiere repetir la ubicación, mientras que el Panel tres nos dice que la ubicación ha cambiado. Dicho esto, los artistas a menudo trabajan fuera de secuencia y sólo mantienen una página a mano a la vez. Para ello, puede ser útil repetir la ubicación en el primer panel de cada página de guión. Además de los ángulos que hemos cubierto, composición del panel tiene 1/3 de profundidad propia, que incluye, por ejemplo, la vista hacia abajo, un conjunto de vías férreas que se dirigen hacia el horizonte, o una vista a través de una ventana sobre un hombro de personaje mostrando una casa distante por el bien de la simplicidad, es fácil es pensar en esta muerte existente hasta en tres niveles. El primer plano está más cercano al lector aquí, mejor en George hacia el panel. Abajo están en primer plano. El suelo medio está un poco más lejos del lector. Escucha la figura completa de Nancy Drew sosteniendo la linterna ocupa el medio suelo último. El fondo está más alejado del lector aquí. Ese es el equipo en el que brilla la linterna y los bosques de antebrazo otra vez. Eso es hasta tres niveles de profundidad. No hace falta usarlos todos. Un acercamiento de un personaje, por ejemplo, implica el primer plano y no requiere necesariamente ningún medio o fondo en absoluto. De igual forma, un personaje de pie antes de construir no requiere necesariamente de medio suelo. Empecé diciendo que la mayoría de los artistas y editores conocen algunos de estos términos, mayoría sabrá lo que es un acercamiento o apretado, pero quizá no conozcan abreviatura como See You RMS When Working with alguien por primera vez. Lo mejor es proporcionar ese significado cuando se utiliza inicialmente el término como en el Panel uno. Cerrar. Nos vemos, Martha. El er obliterado mira con hambre al lector. Ahora que te he arrojado un montón de términos y definiciones, hablemos de si realmente quieres usar alguno de ellos. Como ya he dicho, lo que funcione funciona. Un exitoso guión de cómic consiste en lo que funcione para ti, el artista y el editor. En tanto la descripción del panel evoca la imagen correcta, todo lo demás es final de decoración. Si tienes la suerte de encontrar un buen compañero a lo largo del tiempo, desarrollarás tu propia taquigrafía. Fue una nota final para esta conferencia. Quiero señalar que también es posible implicar muchas de estas composiciones sin nombrarlas. Por ejemplo, panel en Martha, el er obliterante mira hambriento al lector. Técnicamente, un artista podría leer esto y dibujar un tiro largo extremo de Martha de pie en el horizonte. pero dado el contexto, un acercamiento parece la opción más razonable, intuitiva. De igual forma, este fraseo implica algo así como un extremo de remo de cerca. Ah, vaso frío de hielo. Una sola gota de humedad a lo largo del borde claro del vidrio refleja la luz, y ésta implica primer plano y fondo. Panel uno. El viejo tenement se cierne ante Harry, dejando sólo visible una franja de cielo, dependiendo de tus propias Proclividades. Centrar sus descripciones en el tema puede ser más fácil que tratar de dominar la composición. Consigue los conceptos básicos de la historia a través, y un buen artista se dará cuenta de los ángulos implícitos. Mejor aún, un gran artista puede tener una razón interesante para hacer las cosas de alguna otra manera que te sorprenderán y deleitarán a continuación. Arriba en la segunda parte, discutiré mi pedido es mejor presentar todos estos elementos del panel cómo motivar el movimiento entre paneles y páginas, cuánto se ajusta al desgaste y cómo elegir el tamaño y el tema del panel adecuados. Hasta entonces, pregúntense qué simio hacen una muñeca que habla camino 8. WComics L8 de Pt 2: conferencia, ocho descripciones de paneles Segunda parte, en la que abarcamos qué orden presentar mejor todos los elementos de una descripción de panel motivando el movimiento entre paneles y páginas, cuánto se ajusta desgaste y cómo elegir el panel adecuado tamaño y tema. Hola, soy ya sabes, La última vez cubrí una gran cantidad de elementos que se podrían utilizar en la descripción del panel. hora de escribir un guión cómico, sin embargo, no sólo hay que decidir cuál de esos elementos transmitirá mejor su historia, hay que hacerlo de una manera que específica y breve pero específica y breve son metas contradictorias. Cuantos más detalles incluya, más larga será la descripción. Alguien como Alan Moore puede seguir y seguir y seguir alrededor de un solo panel para una página o así. Pero en general, demasiado detalle puede isquiotibiar. En lugar de inspirar demasiado poco a un artista al revés y el escritor podría estar abdicando algunas herramientas importantes de narración. O peor aún, el artista no podrá contar lo que está pasando. Entonces, empecemos echando un vistazo a ambos extremos de la escala a poca descripción y demasiado . Entonces discutiré cómo encontrar el punto dulce en el medio. Ah, muy breve descripción del panel podría parecerse a este panel. Uno. Día interior del automóvil. Dos niños se sientan atrás. Papá conduce enojado sin ningún otro contexto. ¿ Qué podría dibujar un artista? El auto podría ser cualquier cosa, desde un viejo clunker hasta un Rolls Royce. Podría ser en una autopista o en una calzada. Los niños podrían ser pequeños niños o niñas, niños pequeños o Tweens. Papá podría ser más joven o mayor. Ahora aquí te dejamos ese mismo panel básico con una descripción mucho, mucho más larga. Es mucho. Entonces espera aquí mientras posas el video para leerlo. De acuerdo, bienvenido de nuevo. Esta versión sin duda produciría resultados más específicos. Pero no sólo es un slog, cuánto de ese detalle es realmente esencial para la historia. No tiene que ser una camiseta de Bob Esponja. ¿ Es necesaria la ayuda de Banda visible? No importa que falte un arresto de cabeza o cuáles sean los nombres de las calles. La respuesta es que depende Si estos son los personajes principales y esos detalles juegan en su historia, todo podría ser importante. Pero si solo estamos viendo a papá en estos chicos por un panel porque están a punto de detener grúa corta, evita pegarle a nuestro personaje principal riel. La respuesta es no. La descripción más corta bien podría bastar, aunque sean los personajes principales. No querrías incluir tanto detalle en cada descripción del panel en el que aparecen . Largas descripciones aire generalmente sólo útil en tres casos al principio de una historia o visto al introducir a alguien o algo nuevo, o para acciones complejas que involucran múltiples personajes. Si la historia apenas empieza, es importante dedicar tiempo a establecer a los personajes en la escena. Entonces, naturalmente, el primer panel de la primera página, donde todo y todos aparecen por primera vez, tiende a ser más largo. Por otro lado, una vez que conocemos a todos en esta historia, flujo es claro. Las descripciones del panel pueden llegar a ser mucho más cortas. Aquí está el guión completo para el 1er 2 paneles de la secuencia de Nancy Drew. Vimos previo aviso que la primera descripción de la página Splash toma un párrafo. El primer panel en la segunda página sobre Lee una frase tenía ese primer panel incluía descripciones de caracteres. Habría sido mucho más largo, pero en este caso, parte de show morass, ya había diseñado Look of Nancy y Net. De igual manera, después de esta larga descripción del primer panel, el segundo panel podría leer Panel dos. Mientras Mark golpea los frenos, todo el mundo acecha hacia adelante. Las acciones complicadas y las posiciones de los personajes también tienden a alargar la descripción, a veces hasta el punto de volver loco a un escritor y artista. Un hombre comiendo sopa tiene una cuerda adjunta que tira de otra cuchara pero envía una galletita a un pájaro. Y hay un reloj y un cohete y unas pipas y una libra. Ah, por cierto, ¿mencioné que el hombre es bigote? En ese punto? En aras de la claridad, racionalización es crucial. Una forma de agilizar es eliminando cualquier redundancia. En sus descripciones. Hablo de cómo percibir y corregir las diversas formas de redundancia en Conferencia. 10. De lo que realmente no quieres perderte. La otra gran causa de las descripciones de los paneles de dinero es la falta de estructura. Ordenar los elementos del panel de una manera consistente puede aportar claridad y brevedad a sus guiones. El mejor orden específico puede variar en función del contacto de la historia, pero como regla general, comienza con la ubicación, luego agrega el ángulo, luego el sujeto y termina con detalles específicos. Si utilizas interior y exterior, aparecen por adelantado aquí como interior pequeño apartamento estudio slash day. A eso le sigue el ángulo, un tiro medio y el sujeto principal, Gerald. A partir de ahí, se agregan detalles adicionales de lo más a lo menos importante. El hecho de que se esté tambaleando al revés es más clave para este momento que lo que lleva puesto, así que eso viene primero. Hay dos cosas importantes a tener en cuenta al usar primero este orden, como mencioné en la última conferencia. Una vez que hayas establecido una ubicación, no tienes que volver a mencionarla a menos que cambie. El segundo es que esos detalles tienen más impacto y ocupan menos espacio cuando se tejen en el sujeto, lugar de usar una frase separada para el largo cabello negro de Jared. Esta descripción lo menciona en el contexto de su movimiento. Tejer detalles de esta manera no sólo hace que la historia se sienta viva, aclara su importancia y toma menos palabras. Una vez que hayas terminado con el primer panel, vuelve a pasar al siguiente. No debes repetir lo que ya has descrito, pero tendrás que decidir cómo se conecta cada nuevo panel al último. Si bien las variaciones son infinitas, cada nuevo panel tiene que proporcionar suficiente información para que el lector dé el salto de la batalla anterior. El hacer cómics de Scott McCloud discute cómo la elección del momento impacta ese flujo de panel a panel. lo voy a dejar a su libro y de nuevo Sugiere es una guía valiosa y hablar del lado escritor de las cosas. Quiero enfatizar cómo el contenido no sólo permite al lector darle sentido al cambio , también motiva el movimiento entre paneles para ver a qué me refiero. Volvamos a nuestro ejemplo anterior sobre Pete la carta y la mesa para que no veamos paso en el camino entendemos lo que pasó en el Panel uno. prisa de Pete hacia la carta motiva el paso a panel hacia donde la agarra. Suficiente simple. Añadamos algunas variables más. Panel tres Cerrar el punto de vista de Pete. Carta escrita a mano. Pete, si no te veo, compra tres. Estoy robando el panel del banco. Cuatro mediano disparo Pete cabeza arriba, los ojos bien abiertos y chocan mientras mira fuera Panel cinco. Cierra el punto de vista de Pete. Ah, reloj de pared. Es cinco de tres Panel seis Día del Banco Exterior. Tiro largo. Una mujer se pone de pie en la puerta impanel tres. El tiempo mencionado en la carta motiva a Pete Toe mirar hacia arriba en el Panel cuatro. Los lectores desean ver lo que está mirando Pete, motiva el movimiento al reloj y el panel cinco a última hora, luego motiva el cambio de ubicación al banco en el Panel seis. Aquí. El impulso narrativo proporciona la motivación que nos lleva de panel a panel. Pero no es la única motivación posible en lo siguiente, donde Justine, quien tiene un miedo irracional a los cuchillos, ingresa a una tienda de cocina. El panel, El movimiento del panel, está motivado por nuestro creciente miedo. De acuerdo, Panel uno. Vemos a Justine en la tienda, lo que motiva el aire mirando hacia arriba en dos, lo que nos lleva a tres, donde nos enteramos que está enfocada en los cuchillos, están queriendo. Su reacción, motiva el movimiento a cuatro, revelando su nerviosismo inicial. Eso nos lleva a un cuchillo particular en cinco, lo que provoca la reacción más temible en el Panel seis, que a su vez invoca una vista aún más aterradora del cuchillo en el Panel siete y el panel de reacción final ocho de Justin . Cerrando los ojos. Es importante destacar ambos ejemplos tratan de eventos que se desarrollan en el tiempo. Aparte de proporcionar un sustento, tiempo mismo puede motivar al panel al movimiento del panel. Anteriormente hemos visto cómo las secuencias de panel pueden condensar el tiempo con el lector llenando los pasos que faltan. Pero la secuencia también se puede usar para extender el tiempo. Alargar o acortar el número de imágenes dedicadas a un gato que cae crea una sensación diferente . Veamos cómo podría resultar eso en un guión escrito. En este primer ejemplo, las cosas se resolvieron muy rápidamente. Panel uno. Habiendo caído de una ventana, Nancy aterriza en el techo de vidrio enmarcado de acero de un panel de invernaderos a las grietas de vidrio, haciendo que Nancy caiga de nuevo. Pero la buena narración no siempre se trata de llegar a una conclusión lo más rápido posible también puede tratarse de demorarse en ciertos momentos para dar a esa conclusión más mes. De acuerdo, Tener las grietas del techo lentamente a través de una serie de paneles proporciona más tensión. Hay un límite en cuanto tiempo los lectores van a querer ver ese vidrio agrietado antes ver caer a Nancy, pero el paciente adecuado realmente puede hacerlos sentir Nancy Plummet. Otras posibles motivaciones incluyen piezas experimentales, sueños donde las conexiones podrían ser metafóricas o poéticas, o incluso en un dato. ¿ La paz es aleatoria? Pero en todos los casos, algo hace que el lector pase de £1 a la siguiente pensando en qué es eso no sólo hará que tu historia sea más poderosa, sino que te facilitará decidir qué detalles deben acentuarse en tu descripciones. Hasta el momento, he discutido todos estos elementos en cuanto a contenido. Pero cuánto se viste de forma natural depende de los aspectos físicos del cómic, específicamente de la relación entre paneles y páginas. The digital Age ha creado algunas posibilidades salvajes, con ejemplos como el número correcto mencionado anteriormente por Scott McCloud, en el que un panel está realmente contenido en otro. En ese caso, la única unidad real es el panel. En términos generales, sin embargo, sean los paneles virtuales o físicos todavía aparecen en alguna forma de página, y la existencia de esa página crea su propio conjunto de oportunidades y restricciones en materia de comunicación y diseño. Pasar de página a página, por ejemplo, podría estar motivado mucho de la misma manera es pasar de batalla en batalla al mismo tiempo, porque estás dejando un conjunto de imágenes. Para otro, tiene una sensación más grande y grandiosa. En parte, es como si viajaras una distancia más larga, lo que lo convierte en una opción útil para realzar y cambiar a una nueva ubicación. Otras opciones para ese gran momento incluirían algo como esto, donde el artista Steve Ditko utiliza el movimiento panel a panel en combinación con el movimiento a un chapoteo de página completa para sacar el sentimiento de Spiderman y luchar en un realmente poderoso manera. Para ser claros. No se trata sólo del tamaño de esa página de chapoteo. Pasar o deslizar físicamente la página es parte de lo que hace que el relieve en la imagen final más palpable. Los propios paneles también adquirieron diferentes aspectos cuando son vistos como parte de una página por un lado. Los límites ardientes, por ejemplo, siempre se pueden usar para indicar un sueño. Pero es sólo en la página que algo así como dejar sangrar los bordes crea un campo más expansivo. De igual forma, tener caracteres o globos de palabras rompen los bordes del panel aumenta la intensidad, como si el panel no pudiera aferrarse a la acción. Pero eso también es mucho más efectivo en el contexto de los paneles circundantes. Eso es menos cierto de las formas de panel, que, igual que esas líneas garabateadas, conservan su impacto en la utilidad. No obstante, se presentan como un panel circular que se pone a cero en un pequeño detalle y ovalado para que un retrato o círculos gemelos representen la vista a través de un par de binoculares. De igual forma, independientemente de si se les presenta un panel o una página a la vez, ciertas otras formas tienden a conservar su utilidad. Los paneles cuadrados, por ejemplo, tienden a ser útiles para una sola acción, conversación o tema. Los paneles horizontales tienden a funcionar para una vista o escena grupal, mientras que los paneles verticales tienden a funcionar para cosas altas. Pero siempre hay excepciones como estas, donde el panel horizontal utiliza el espacio extra para hacer que sus sujetos parezcan aislados. Y una serie de paneles verticales se mueve desde un tiro largo de cielo mayormente vacío dedo del pie un cierre hasta un ojo. Además de cambiar en ocasiones la percepción de los lectores de un panel en el flujo de historias, la página también trae consigo ciertos límites que son importantes para que el escritor sepa. Por ejemplo, el número de paneles que pueden caber en una página. Una típica página de cómics moderna contiene alrededor de 3 a 7 panel 3 a 5 para libros de tamaño manga. Una historia de 22 páginas también suele incluir algunas páginas de presentación y o un pliego de páginas dobles . En la práctica, sin embargo, hay mucha variación. El vigilante clásico fue famoso producido en un estricto grano de nueve paneles. Esto no significa que cada página tuviera nueve paneles, pero los paneles aún más grandes ocupan una proporción establecida de esa cuadrícula. Si bien puede parecer extraño escuchar a Watchman y Mickey Mouse mencionados en la misma frase, los guiones que escribí para Edmunds Disney Comics en Dinamarca fueron producidos de manera similar en una estricta cuadrícula de ocho paneles. Cada historia comenzó con un gran panel que ocupaba la mitad de la página o lo que se llamaba picos, 1 al 4 de la cuadrícula. De igual forma, cada historia terminó con un panel horizontal tomando una pic séptima tasa para los escritores. Esos números formaban parte del guión. Por ejemplo, escoge del 1 al 2, un tiro largo de hamburguesa de pato. En todos los casos. Obviamente, cuanto más panel compartiendo una página, más pequeños tienen hoy. Si tienes 12 paneles en una página, por ejemplo, algunas preocupaciones solo son más grandes que otras. Pero al menos algunos van a ser bastante pequeños. De igual forma, tener un panel particularmente grande deja menos espacio para los demás. Aparte del uso relativamente raro de una cuadrícula estricta, es el artista quien decide al mismo tiempo el tamaño y la forma precisos del panel, el escritor puede llamar por una serie de cosas, además de algo específico de la historia como, digamos, ese panel en forma de binoculares que vimos antes. general, esas opciones incluyen una página de presentación, un splash de doble página, un panel grande, un panel pequeño, una secuencia de paneles de tamaño uniforme, el panel horizontal o una vertical panel. Tenga en cuenta que el panel grande y pequeño tiene un tamaño relativo a los demás paneles de la página. Entonces, por ejemplo, cada panel de una página no puede ser grande. Se podría pensar que el tamaño del sujeto es clave para determinar el tamaño del panel que las cosas grandes necesitan panel grande. Pero si bien eso a veces es cierto, no es necesariamente el caso. Un escapo de ciudad o incluso el propio planeta Tierra puede caber cómodamente en una pequeña remo mientras que la cabeza de un alfiler puede ocupar un chapoteo de doble página. Los factores más importantes para determinar el tamaño del panel son el nivel de detalle que necesitas para atravesar la historia y el impacto dramático que quieres dar una imagen para tener en términos de detalle. Si un panel que muestra un paisaje urbano es pequeño y el artista estaría muy presionado para mostrar edificios individuales o detalles arquitectónicos que pueden estar bien, dependiendo de esta historia necesita. De igual forma, un pequeño panel que mostrara a un grupo de personas haría difícil, si no imposible, el artista sacara todas sus cualidades individuales o estados emocionales. Una gran multitud podría reducirse a una serie de siluetas, dejando incluso personajes importantes indistintos así. En cierto sentido, la elección del escritor del tamaño y la forma del panel debe ser relativa a los elementos de la historia que tiene la imagen para comunicar dramáticamente. Aunque el tamaño del panel también le dice al lector lo importante que es algo, los paneles grandes sienten importantes paneles pequeños, no tanto. Ah, ponche, por ejemplo, se puede hacer en un panel pequeño pero tiene más impacto Forjado grande de igual manera decir un personaje arrastra desde el desierto por unos paneles muriendo de sed y luego finalmente encuentra un vaso de agua helada. Físicamente, la imagen del vidrio se puede renderizar en un panel pequeño, pero un amigo grande o incluso una página de chapoteo tiene un impacto más dramático en el contexto de la escena . De igual forma, una secuencia de acción grande podría tener sólo dos o tres paneles grandes por página. Bueno, es una cita. La conversación puede ir cómodamente a seis o incluso ocho paneles. Cuando se trata de ese impacto dramático, el ritmo de la historia es clave para decidir si se debe usar un acento de dedo en panel más grande y pequeño. Una goleada sobre otra. Pero no siempre es el ponche para el vaso de hielo lo que mejor funciona. Si bien usar una página de presentación para cualquier cosa puede no funcionar en absoluto, la opción más obvia no siempre es la más efectiva. Entonces, ¿cómo exactamente tomas esa decisión? Una manera es por juicio y error, como vimos en la Conferencia seis con palabras. Paneles específicos enfocados en diferentes aspectos de la escena produce diferentes resultados. De igual manera, después de utilizar a veces un ejercicio en el que repiten una sola línea de diálogo, enfatizando una palabra diferente hasta encontrar lo que mejor se adapte al momento como en. Ser o no ser, ser o no ser, ser o no ser, ser o no ser. Esa misma idea puede ser útil para explorar el efecto de un panel más grande o una página de chapoteo en varios ritmos de historia tiene tu escritura. Eso es algo que puedes hacer en tu cabeza. Pero para ver cómo funciona, volvamos a nuestra secuencia de seis paneles con Pete en la nota y pensemos cómo podría reproducirse cada imagen es un panel grande o una página de chapoteo. Empezando por Pete corre a una mesa con una letra sobre ella. Una página de chapoteo aquí sería útil es una toma estableciendo dando al artista espacio para rellenar detalles sobre Pete en la sala. Y sería particularmente apropiado que esta fuera la primera página de un cuento de varias páginas, que también necesitaría espacio para el título. En créditos de cuento, Pete agarra la carta de la mesa. Esto pondría el foco en la mayor acción física en la secuencia. Si Pete tuviera control de impulsos, podría usarse para sacar ese comercio de personajes, pero a expensas del impulso de la historia, ya que en esta etapa, el lector quiere lo que Pete quiere ver. ¿ Qué hay en la carta? Cerrar apaciguar Punto de vista. Carta escrita a mano. Pete, si no te veo a las tres AM robando un banco. Ah, gran imagen de esta nota traería los detalles de la historia en el piso. Si estamos apegados a Pete en las cartas de sorpresa, podría tener un gran impacto. Disparo medio Pete cabeza arriba los ojos de par en par, y Shaq lo es. Se ve fuera del panel. Un panel grande aquí aumentaría la reacción de Pete. El efecto volvería a depender de nuestro apego a Pete, pero probablemente no funcionaría. otra parte, las miradas de terror han llenado la página de muchos cómics. Siguiente arriba es cerrar el punto de vista de Pete. Un reloj de pared. Es cinco de tres. Este es un detalle importante de la historia y, en cierto sentido, el clímax de las escenas. Si los primeros 4 paneles fueran las palabras de la frase, un panel grande o página de chapoteo aquí lo terminaría con un signo de exclamación. Por último, tenemos día de banco exterior, mujer de tiro largo se pone a la puerta. Esta es probablemente la opción más obvia, ya que ambos estamos cambiando de escena y mostrando un momento importante de la historia. Una imagen más grande aquí permitiría detalles en el banco y también en la mujer. A configuró la siguiente escena en cuanto al espacio en la página, tamaños de panel y la consideración de los escritores Onley. También hay cuántas palabras caben en un panel hay en toda la página, que me meteré la próxima vez. En tanto, en estas dos últimas conferencias, he cubierto lo que puede parecer un número desalentador de términos, consejos y herramientas. Nuevamente, todos son en cierto sentido decoración. Pensar en usarlos puede aumentar y mejorar tus guiones. Pero la historia sigue siendo el núcleo. Comunicar eso con claridad. Construye hacia fuera poco a poco, ajusta a tu situación laboral y a tu lenguaje final a ritmo que funcione mejor para ti y tus socios creativos. Por ahora, lo hago ojalá pudiéramos charlar más tiempo, pero estoy teniendo un viejo amigo para la cena manera, camino. 9. WComics L9 L9 Lector de palabras: conferencia nueve. En las palabras que See el Lector, que cubre cómo escribir en el espacio limitado de un panel, tratar la exposición, romper Diálogo para el impacto para el diálogo de Tres Vías define carácter y, último, los límites de diálogo. Sí, soy yo donde estás preocupado como hemos visto Buen trampolín Sinopsis y descripciones de paneles todo requiere excelentes habilidades verbales, pero al final solo tienen una audiencia de al editor en el Artista. Son los subtítulos, palabras y globos de pensamiento que son leídos por el mundo en general, haciendo que el lugar que los escritores realmente pueden golpear sus cosas es palabreros usando todo desde flujo de distrito narrativo consciente haiku en servicio de contenido de la historia. En los cómics, todo es posible. Los escritores están limitados en Lee por las maravillas de la imaginación humana. El espacio disponible hacia adelante en el producto final, sin embargo, es decididamente finito. Para tener una idea de lo finito que el pupilo promedio puede para un cómic estándar páginas generalmente consideradas como alrededor de 200 palabras se multiplican que por un conteo promedio de páginas de novela gráfica de 100 40 y se obtienen 28 mil palabras por novela gráfica. Para la comparación, la típica novela corre alrededor de 80 a 100 mil palabras. Esto no quiere decir que las palabras en el cómic sean menos importantes. Una sola palabra sobre una imagen puede tener un poder excelente. El título correcto podría ser su único y evocador ¿La obra de cualquier autor el diálogo adecuado la conglomeran fuera del agua? No obstante, si bien todos los escritores deben elegir sus palabras cuidadosamente, eso es especialmente cierto para el escritor de cómics, porque simplemente no tienes tantos. La escasez no sólo engendra valor mientras que unas pocas palabras pueden hacer mucho en un panel, muchas palabras son casi siempre demasiado. Y este humor panel de Batman. Por lo que pueden ser las palabras calcinan físicamente la imagen, ocupando la mitad del espacio pero dominando el panel. Esa especie de exceso de verbiaje es más que un tema espacial. Como vimos en la Conferencia seis, un panel de cómic se puede componer enteramente de palabras, pero cuerdas demasiadas juntas y estás a la deriva hacia la prosa pura. Perder lo que es lo que hace único a un cómic que un espacio limitado o verbiaje puede parecer una desventaja, y de alguna manera, por supuesto, está en el lado oscuro. Puede presionar a los escritores hacia un estilo aburrido, seco o la taquigrafía perezosa del cliché. Para nuestros mejores ángeles, aunque proporciona un reto intrigante. La creación de lenguaje concentrado, lenguaje que puede frontera o incluso convertirse en poesía. Personalmente desmontar mi prosa no sólo me obliga a eliminar la redundancia, me ayuda a ver de cerca. Lo que hace funcionar la escritura o no tener que lidiar con ese espacio apretado fue una increíble herramienta de aprendizaje para mis posteriores esfuerzos como novelista. Pero, ¿por dónde empiezas? ¿ Cómo averiguas qué es lo suficiente en lo que es demasiado? En lo que respecta a demasiado poco, la respuesta es simple. Dado que los paneles y secuencias enteras pueden ser silenciosos, no hay un recuento mínimo de palabras en un cómic, ya que no hay conexión entre el conteo de palabras y el éxito estético. Y los escritores cómicos no se pagan por la palabra. No hay motivo fiscal ni artístico para incluir más palabras. Hay un límite, sin embargo, y depende de dos cosas. Los paneles, tamaño físico y su contenido en términos de tamaño físico, una página de bienvenida y obviamente sostienen más globos de palabras y subtítulos que un pequeño panel en una página de 9 libras esterlinas. Eso no significa que debas salir de tu camino para escribir Maurin Splash Page sólo porque puedas. Unas pocas palabras extra sobre una ubicación establecida para crear ambiente o llenar backstory ciertamente no va a doler como veremos en breve al discutir exposición. Pero si tienes una página de chapoteo preciosa y podría ser mejor dejar que la imagen haga más, si no todos, si no todos, de la conversación con Paige y el tamaño del panel variando salvajemente un sentido de exactamente cuántas palabras caben. ¿ Dónde está algo que los escritores cómicos acumulan con el tiempo? Pero hay que empezar en algún lugar, ya que los principiantes tienden a escribir demasiado en lugar de demasiado poco. Es posible que estos máximos extremadamente ásperos sean útiles, como se mencionó anteriormente, cifra alrededor de 200 palabras por página para la página de cinco paneles. Un solo panel, incluyendo todos los globos y subtítulos, alcanzaría un máximo de 35 palabras. Para una página de nueve paneles, sería más como 25 palabras por panel. En cualquier caso, los globos y subtítulos individuales pueden contener de forma segura unas 20 a 25 palabras. Pero nuevamente, ten en cuenta cuánta variación es posible. Incluso en la página de cuatro o 5 libras, el tamaño del panel puede variar, creando más o menos espacio para las palabras. De igual manera, si hay mucho pasando en un panel dado, sólo unas pocas palabras todavía pueden terminar bloqueando la acción. Los escritores pueden y deben trabajar para evitar problemas de espacio de antemano llamando a un tamaño de panel y contenido en su guión, luego coincide no sólo con la historia sino con la necesidad espacial de que las palabras cuenten esa historia. Todos los escritores de novela la película luchan con la exposición, la presentación de cualquier información de antecedentes. público o los lectores necesitan darle sentido a esta historia, encontrando formas ingeniosas de cubrir lo que es esencialmente un volcado de datos sin obstaculizar la historia actual . Momentum es un rompecabezas creativo en curso, como cómo así y así consiguió la habilidad Disparar fuego de sus oídos? O que tal si haces ambas caras Consiguió su nombre. Interesante historia. Siempre que el escritor de un cómic mensual se sienta a guiar un nuevo número, sin embargo, lo primero que enfrentan es averiguar cómo recapitular el último número para nuevos lectores con imágenes flashback ocupando mucho espacio, las palabras suelen hacer los libros de equipo de levantamiento pesado y superhéroes como los diversos X Hombres Avengers 10 veces o títulos de la Liga de la Justicia o cualquier título con un elenco grande. El derecho son no sólo tiene que decirle al lector lo que llevó a la situación actual, sino también los nombres, poderes, personalidades y motivos de todos los jugadores. Recuerdo toda una edición de X Men que sólo consistió en personajes hablando de historias anteriores . pasó nada nuevo hasta la última página uno. Un invitado sorpresa apareció en la puerta, y no tengo ni idea de quiénes eran. Los editores suelen tratar de resolver el problema con algún texto distinto en la primera página. Pero muchos lectores ansiosos saltan eso, mirando a las palabras globos, subtítulos en contexto para hacer el trabajo. Para hacer espacio para ese verbiaje extra, podría ser útil llamar a un panel que o vaya y cerca para enfocarse en algo pequeño en una escena o respalde para un tiro largo. Al igual que en estos ejemplos, un acercamiento de una mano con una cerilla, un bolígrafo o un cuchillo o una amplia vista del exterior del edificio, una habitación o alguna otra vista pueden proporcionar espacio para respirar las palabras. Estos ejemplos también nos muestran que no todas las palabras aparecen cerdos enteros en un solo título. De igual manera, No cada pedacito del diálogo de alguien tiene que aparecer en un solo globo, llevándonos a nuestro siguiente tema. Dividir parcialmente globos de palabras y subtítulos ha hecho para evitar grandes feas manchas de texto. Pero cuando se hace correctamente, puede proporcionar otra herramienta dramática para el escritor. Justicia. Pasar de panel a panel tiene diferentes Efectos Elegir el momento adecuado para dividir tu texto puede hacer varias cosas. Añada al ambiente de una escena, eco de los reyes del habla o enfatice ritmos dramáticos. Toma nota de la diferencia en este ejemplo de nuestra vieja compañera Nancy Drew. Estaríamos fuera de aquí en poco tiempo. Si pudiera arrancar el auto, saldremos de aquí en poco tiempo. Si pudiera arrancar el auto en el segundo ejemplo, prácticamente puedes sentir a Nancy retorciendo el encendido. Los frenos clave también se pueden usar para apuntar a un aspecto particular de una imagen dentro de un panel dado , o incluso a través de paneles para obtener resultados emocionantes y únicos. Perdóname, pero mi ejemplo favorito de esto es un blooper de una historia del Capitán América de 19 años sesenta Stan Lee y Jack Kirby. En las primeras tapas del panel, el diálogo se divide en dos globos. El segundo globo inicia una frase que no termina hasta el segundo panel. Juntos, las palabras y la imagen empuja al lector a la acción con tanta fuerza que puede que tenga que leer esa frase dos veces para darse cuenta del error cometido. Te lo perdiste. Te daré unos segundos extra antes de pasar al siguiente tema. ¿ Eh? Si bien la apariencia, expresión facial y las gradas corporales pueden recorrer un largo camino para definir un personaje, lo que dice el personaje y las palabras que solían decir, muchas veces marca la diferencia entre la ilusión cautivadora de un mundo vivo en un manojo de líneas. En una página. En las conferencias sobre descripciones de paneles, hice el punto de que agregar detalles puede hacer que las cosas se sientan más vivas, pero también ocupan más espacio. Aquí enfrentamos el mismo dilema. Agregar mucho carácter tiende a ocupar más palabras. Dadas las preocupaciones del espacio, escribir huesos desnudos puede ser más tentador, elevando el viejo peligro de tirar al bebé con el baño. Este intercambio, por ejemplo, proporciona carácter y exposición, pero es 50 palabras, es bastante largo recortando que hasta cuatro palabras podrían darnos detalles de trama necesarios pero los resultados en parte poca o ninguna personalidad en el lado opuesto de un personajes dados bien establecidos y el artista efectivamente comunica su estado emocional. Esta abreviatura extrema puede funcionar. De hecho, tener un personaje en particular usa una sola palabra. sentencias podrían ser un rasgo de personalidad. Pero si todo el diálogo es corto, seco y aburrido, la historia también lo será . En todo caso, no usar el diálogo de un personaje para expresar la personalidad de alguna manera es siempre una oportunidad perdida , como lo es con tantas cosas en la vida, el universo y todo. El truco es encontrar un equilibrio, afinarse en unas pocas palabras que aún importan personaje. Aquí te dejamos ese mismo diálogo en unas 17 palabras más razonables. De acuerdo, hay muchas maneras de expresar personalidad y diálogo, pero la mayoría caen en tres categorías. Catchphrases, discurso, peculiares y elección de palabras. Un eslogan es una frase pithy que con el tiempo se asocia con el personaje. Por ejemplo, sólo leer u escuchar estas frases identificará los personajes para la mayoría. Incluso si las imágenes aire pala como tal, un eslogan en realidad puede anunciar la presencia de alguien antes de que el lector incluso lo vea brindando no sólo un sentido del personaje sino oportunidades potenciales de merchandising. Ya que una frase clave sólo dice una cosa. Son storytelling, uso es limitado, e incluso las mejores frases catch suelen surgir de escritores que usan las otras dos herramientas mucho más flexibles, las peculiaridades del habla y la elección de palabras. El trabajo del discurso es una cuestión de fraseo que destaca de la norma. Un ejemplo, como mencioné antes, podría ser un personaje que utiliza una sola palabra. Sentencias, otra, un personaje obsesivo que sólo utiliza una liberación donde un personaje tímido está constantemente vacilando entre palabras. La última palabra de opción Choice es quizás la más flexible, centrándose en los términos de carácter podría usar en función de su personalidad en lugar contenido particular en trazos amplios. Y el intelectual podría usar palabras largas mientras que alguien que carece de confianza podría tener problemas para llegar al grano para una mejor comprensión de cómo funciona la elección de palabras. Echemos un vistazo a cómo las diferentes personalidades podrían transmitir aquí la misma información básica . El simple pedido. ¿ Puedo tomar un trago de agua? Se puede utilizar para expresar una variedad de rasgos de personalidad. Manipulador. ¿ Te vas a quedar toda esa agua para ti? Al mando del agua ahora, Industrias. ¿ Por qué un vaso de agua así podría gobernar el mundo educado. Lo siento. Es que tengo tanta sed, amenazante. Yo he matado por agua antes introvertido. Si tan sólo pudiera traerme a pedir esa agua. Observe que ninguno de estos usa muchas palabras pero aún así se cruza con algo sobre el personaje. Al igual que con nuestro anterior ejercicio de página splash, practicar el tipo de variación puede ser una buena herramienta de aprendizaje. En cualquier caso, si alguna vez estás atascado tratando de averiguar cómo un personaje en particular diría algo, tratando de imaginar cómo algún otro personaje diría que puede ayudar a un signo desde el espacio de la página , hay algunos límites a lo que el diálogo puede lograr en un cómic a diferencia de otras formas de medios de comunicación. Creo que eso se debe en gran medida a que la voz del lector aquí siempre será su propio significado se genera internamente, no externamente, por un intérprete. Cuando se trata de una actuación, ya no se trata sólo de las palabras. Se ha dicho que un verdadero actor puede leer de una guía telefónica y hacerlo convincente. Si Richard Burton o Ian McKellen está hablando, las palabras no importan tanto en gran medida Eso es cierto. Un africano dice las 1000 formas inesperadas diferentes, su tono en el cambio de volumen, su rostro torciendo y girando con vasta complejidad en un cómic. Perdón, si bien se puede hacer algo así, no, no, realidad no se puede hacer eso para volver a las fortalezas y debilidades de los diversos medios de comunicación . Si bien los cómics proporcionan herramientas que pueden imitar el tono y la cadencia del habla, y los artistas pueden usar la postura, gesto y la expresión, incluso la mejor imagen de un rostro y un cómic es estática. Ni siquiera las mejores palabras se realizan externamente. En consecuencia, es muy difícil mantener algo así como un soliloquio o incluso largos tramos de conversación interesantes en y por sí mismos. Para hacer ese punto, quiero echar un vistazo a lo que podría ser uno de los mejores ejemplos posibles de un largo discurso hecho en forma cómica. Will Eisner, uno de los mejores escritores artistas cómics que jamás haya visto, hizo famosa a Hamlets por ser o no ser soliloquio como cómic en sus excelentes y muy recomendados cómics de libros y arte secuencial, que tú debe leer justo después o durante la elaboración de cómics. Algunos van a discrepar vehementemente conmigo en esto es Will Eisner. No puede hacer nada malo. Pero en mi opinión, los resultados son mixtos en el mejor de los casos. Para ver a qué me refiero, Echa un vistazo de cerca a las dos páginas que siguen, y mientras lees, piensa en cómo funciona la secuencia. De acuerdo, bienvenido de nuevo. Bueno, se obtiene un buen sentido de los extremos emocionales a mi mente. No obtienes las mismas sutilezas y actor podría convencer. Uh, ahí está el frote para en ese sueño de la muerte. Qué sueños puedan venir cuando hayamos barajado esta bobina mortal nos debe dar una pausa. Si bien el discurso de Hamlet está, por supuesto, abierto a la interpretación y una actuación difiere de otra, hay una cualidad correcta a estas palabras que no se encuentran en el cómic en absoluto. Todo es dolorosamente grave, pero creo que la parte más grande de mi tema aquí es que expertamente renderizado y bonito como es , seguimos viendo a un tipo posando y hablando, y creo que eso es inherente a la forma. Cuando escuchas y ves un soliloquio realizado en esos momentos fugaces, las palabras llevan tu mente a diferentes lugares en un cómic. Ya que tu mente ya está ocupada aportando el movimiento entre los paneles y conectándolos a las palabras. Las imágenes aquí, en cierto sentido, te mantienen atascado en esa azotea. Al inicio del curso, dije eso cualquier cosa. Palabras e imágenes conducen por separado, palabras e imágenes conducen juntos y posiblemente más, mientras mis posiciones sobre esta paz y diálogo en general pueden sentirse como una contradicción, no lo es. Sigo creyendo que sigo convencido de que algo que transmita todas las sutilezas del discurso de Hamlet se puede hacer en los cómics. Hacia adelante Mirando Aquí se trata más de tomar algo escrito para otra forma destinada a ser realizada y forzarla textualmente a arte secuencial en lugar de construir algo que aproveche la forma encoge para transmitir las mismas ideas. No me malinterpreten. Estoy todo a favor de la experimentación y licenciaré a un genio. Pero punto de ser, si sólo logra una especie de éxito en renderizar un soliloquio en forma cómica, ¿ dónde nos deja eso al resto de nosotros? Por mi dinero, hay más que ganar centrándose en la fuerza media para los escritores. Eso significa no sólo las palabras sino su interacción con imágenes que, como recordarán, no se mueven a ese fin. Cuando se trata de diálogo hay una regla general no necesariamente mía, que voy a colocar en un óvalo para mantenerlo a salvo para siempre. Nunca. Y lo es, siempre trata de combinar tu diálogo con algo que no sea o además de los personajes . Sólo hablando. No sólo me refiero a que los personajes hablen durante las escenas de batalla, aunque eso a menudo funciona. Me refiero a enfocarse en diferentes aspectos de cualquier ojo evitado visto, dedos temblorosos, ese tipo de cosas, lo sea pero preferiblemente algo que expresa su personalidad alternativamente, no muestren los altavoces del altavoz en absoluto si están hablando de otra persona, pongan su diálogo y subtítulos sobre una imagen de esa persona para más de un punto de trama que los ponentes no están al tanto todavía solo eviten a toda costa. Panel tras panel es cabezas parlantes estáticas a menos , por supuesto, que, por supuesto,ese aspecto intrínsecamente aburrido, droning es parte del punto que estás tratando de hacer. Pero todo eso dicho, quiero reiterar que hay circunstancias en las que ninguna de las reglas es verdad. Eso es parte de la diversión. Entonces si bien las herramientas y reglas son importantes en un gran lugar para empezar una y otra vez y otra vez , lo que funcione funciona al mismo tiempo. Si tuvieras que romper las reglas, saber cuáles son y por qué existen hace que sea mucho más fácil romperlas de una manera fructífera . En tanto, top of the world MMA top of the world way, way. 10. WComics L10 Redundancy: conferencia. 10. Redundancia, Redundancia, Redundancia. Si ves una conferencia este año, debería ser ésta. Y abarca cómo reconocer y eliminar los tres tipos de redundancia. Y bajo qué circunstancias, redundancia puede realmente ser útil. Hola, soy Stefan Petricka, y a menos que no hayas visto las otras conferencias, eso debería ser información redundante hecha aún más redundante por mi poner mi nombre debajo parte de ser pisado en el gatillo significa que he estado escribiendo mis propios guiones exitosos desde hace unas décadas. En los últimos años, también he leído trabajos de cientos de estudiantes. Algo de ello es increíble, algunos más, obviamente de la gente que acaba de empezar. En base a eso, quiero echar un vistazo de cerca a lo que me destaca. Es el mayor tropiezo para principiantes y sombreros viejos por igual, no sólo en escribir cómics sino en escribir cualquier cosa. Como habrás adivinado por el título. Es redundancia. Creo que es tan importante. Si le quita una cosa a este curso, debería ser esta conferencia. Yo hablo en serio sobre esto totalmente serio, absolutamente, totalmente serio. ¿ Ves lo que hice ahí? Dos palabras que voy en serio habrían bastado, para el caso, ¿Por qué decirlo en absoluto? ¿ No asumes que hablo en serio? Entonces, ¿qué es la redundancia? El práctico Diccionario MacMillan en línea lo define como una situación en la que no se necesita algo , sobre todo porque ya existe lo mismo o algo similar. En resumen, es una repetición inútilmente. Pero, ¿qué tiene de malo? Bueno, como dicen las cabezas parlantes en Psycho Killer, di algo una vez. Por qué decir, para conseguir repetición innecesaria no sólo ruinas fluyen. Es una forma rápida de destruir escritos. Gran ilusión, recordando a los lectores que están mirando a meras palabras y no experimentando un mundo en un cómic, que sólo tiene tanto espacio para que empiecen las palabras, ocupa bienes raíces en la página que podría ser poner a un mejor uso. Esto no quiere decir que la repetición no tenga utilidad terceras veces cuando se quiere recordar a sus lectores los detalles de una trama o crear un ritmo estilístico. Más sobre eso después. Lo crucial es que en buena escritura, redundancia se debe usar en la elección consciente de Leah, nunca como una abdicación del esfuerzo, siendo el problema. Para la mayoría de nosotros, la repetición viene de forma natural como tenemos razón, buscamos la palabra o frase correcta en. A menudo viene a la mente más de uno en la prisa creativa de un primer borrador. Tendemos a usarlos todos, incluso en revisiones, dependiendo del tipo de información que se repita y la forma en que se repita. redundancia puede ser difícil de percibir, ya que en la famosa frase acuñada por Firesign Theater allá por 1970 estará garantizada por su departamento de Redundancia y Guardia natural. A menudo se piensa redundancia en su mera repetición de palabras, pero podría ser más que aquella operando en diferentes niveles. Incluso el chiste del Firesign Theater es redundante en más de una manera, refiriéndose no sólo al concepto de la palabra en sí sino a los departamentos redundantes que se encuentran en las burocracias del mundo real. Me pareció útil pensar en los diferentes tipos de redundancia en términos de tres categorías, todas las cuales pueden arruinar por lo demás una buena escritura, usando la alliteración para hacerlos más fáciles de recordar. Las categorías son redundancia básica, redundancia conceptual y redundancia contextual. Otros pueden haber llegado con conceptos similares, pero nunca los he visto plantearse de esta manera. El núcleo redundancia se refiere a esa repetición de palabras básicas, como en la broma de Firesign Theater, siendo el mundo un lugar triste y divertido. Riel vida. Ejemplos de redundancia judicial sobre lo importante, las redundancias básicas pueden confundirse fácilmente con un tema similar pero diferente. Sobreuso. El uso excesivo de la palabra o frase puede tener el mismo efecto y de igual manera debe evitarse. Pero a diferencia de la redundancia, la información en sí no se repite. Prisiones. El gato era pequeño, pequeño, pequeño sería una redundancia de núcleo, ya que sí, ya lo conseguimos. El gato es pequeño. El gato era pequeño, el perro era pequeño y la casa era pequeña. Sería un ejemplo de sobreuso. Diciéndonos que el gato era pequeño proporciona información diferente a decirnos que el perro era pequeño, pero tampoco es muy eficiente, una forma más rápida pero quizás menos rítmica de decir lo mismo sería el perro gato y mundo de la casa. Pequeño en el pequeño espacio de un solo panel de cómic. Tanto el uso excesivo como la redundancia del núcleo son bastante fáciles de identificar, siempre y cuando los esté buscando y funcione más tiempo. El uso excesivo, en particular, puede ser más difícil de desechar, dada palabra o frase que pudo haber sido perfecta. La primera vez puede volverse tediosa rápidamente para el lector. Incluso las frases catchphrases queridas pueden usar delgadas y rastrearlas a través de múltiples páginas no siempre es fácil. En ese caso, mantén una lista de sospechosos. Cuando pruebes introdúzcalos en tu función de búsqueda de procesador de textos que no solo los encontrará, contará cuántas veces has usado esa palabra o frase en particular. Las redundancias básicas y el uso excesivo implican palabras o frases idénticas. repite la información de redundancia conceptual pero usando palabras diferentes. En consecuencia, las redundancias conceptuales podrían ser cortas como dos palabras. Muchas de las dos palabras variedad o comunes algunos ejemplos incluyen cesar y desistir grupos colaborados reunidos y absolutamente esenciales. Curiosamente, en mis clases, los estudiantes a veces argumentarán que el papel veraniego de estas frases no es redundante. Si bien simpatizo en cada caso, una mirada más cercana revela la repetición. Dejar de lado es desistir. No se puede colaborar sin un grupo para reunir es reunir, y o bien es esencial o no es significado. Si es esencial, ya es absolutamente esencial, ¿ esencial? No esencial. Esas son las opciones. Una de las razones por las que las redundancias conceptuales podrían ser más difíciles de identificar es que se usan con tanta frecuencia informalmente que se sienten naturales. Incluso estos ejemplos suenan más como una forma de enfatizar algo, lugar de repetirlo para cesar y desistir suena mucho más importante que simplemente cesar o desistir. Pero no lo es. Es sólo decir lo mismo dos veces. Cuando se trata de redundancias conceptuales, sin embargo, las más difíciles de percibir son las que van más allá de dos palabras. Los ejemplos más complicados pueden incluir múltiples oraciones o incluso párrafos como lágrimas fluían libremente de los ojos de Martin. Estaba llorando. ¿ Por qué es eso redundante? Ya lo sabemos. Martin está llorando por las lágrimas, o el perro empujó las piernas con fuerza, moviéndose tan rápido como pudo. Estaba corriendo. Si el perro está empujando las piernas con fuerza y moviéndose tan rápido como puede, claro que está corriendo. Eso es lo que es correr. Estos ejemplos, espero, son obvios. Pretendido para conseguir la idea. Por supuesto, claramente en la práctica, podría ser mucho más duro. Cuanto más extendida es la información repetida, más difícil es apuntar, las lágrimas fluyeron libremente de los ojos de Martín. Se tropezó por la habitación tratando de reunir sus pensamientos, pero no pudo. Estaba llorando al mismo tiempo, al menos con las redundancias conceptuales del maíz, seguimos tratando exclusivamente con las palabras. Eso no es cierto redundancia contextual donde ocurre la repetición porque la situación o contexto ya deja clara cierta información. Dada la combinación de palabras e imágenes. Los cómics eran particularmente vulnerables a la redundancia contextual. Volvamos a nuestro ejemplo de un panel específico dúo de la conferencia sobre palabra y arte. En la imagen se muestra a un superhéroe volando por encima de la ciudad. Dice el epígrafe. Nuestro héroe vuela por encima de la ciudad Globo de pensamiento de nuestro héroe lee. Siendo héroe, creo que sobrevolaré la ciudad. El contexto de la escena ya ha establecido todo eso, haciendo superfluas las palabras. En la práctica, sin embargo, hay instancias y cómics donde los artesanos se aclara. Podría ser, y la información que se supone que debe transmitir es crítica para entender la historia, por ejemplo, que un personaje está sosteniendo un arma en ese caso, si no puedes ver claramente el arma o no es aparente que se trata de un arma de fuego, usar las palabras para aclarar la situación es legal. Como otro ejemplo de redundancia contextual común, ¿cuántos de nosotros hemos recibido correos electrónicos o cartas? ¿ Recuerdas aquellas que se abren con frases como hoy te escribo? Si le estás escribiendo a alguien, claro que tienes razón. Y cuando más estarías escribiendo si no el día que estás escribiendo. Incluso si pudieras viajar en el tiempo, seguirías montando en tu hoy. Al escribir algo, desde lanzamientos hasta guiones completos, considere la situación. Por ejemplo, si estás contactando a tu editor sobre una novela gráfica, el contexto ya le dice al menos tres cosas. A que estás escribiendo sea que estés escribiendo sobre algún trabajo creativo y ver que el trabajo creativo es tuyo. No obstante, he visto muchas veces lanzamientos estudiantiles abiertos con frases como que estoy escribiendo para contarte sobre mi historia de ficción, que cuenta la historia ¿Cuánto de eso debes conservar? Ninguno. No sólo es todo evidente desde el contexto, se necesita un valioso espacio que podría ser utilizado para la descripción de su contenido. Por cierto, este ejemplo también contiene dos redundancias conceptuales. ¿ Puedes localizarlos? acabó el tiempo. Una historia es, por definición, ficción. Eso, por supuesto, cuenta una historia. Dado que las redundancias contextuales no consisten en palabras, es tentador no considerarlas redundancias en absoluto. Eso es particularmente si él cuando se trata de cómics, y tú quieres ese argumento absolutamente claro. Pero si necesitas cortar solo una línea más para encajar tus lanzamientos en una sola página donde quieras tu escritura. ¿ Es posible Titus? O incluso si solo quieres claridad y organizar tus pensamientos más íntimos? Confía en mí. Eliminar la redundancia puede ser increíblemente útil. Hablando de utilidad, si bien creo firmemente que se hicieron y veo en todas sus formas es un obstáculo desviado para buena escritura Cuando se usa intencionalmente como el fuego, puede ser una poderosa herramienta. Como dije antes, A veces querrás recordarle al lector o algo así, como lo hice justo ahora, cuando me repitió para hacerle saber que ahora estamos regresando a un tema antes mencionado y ojalá tranquilizándote que hay alguna estructura a estas conferencias. De igual forma, y obras más largas. Podría ser importante retocar una trama importante o detalle de carácter, sobre todo si ese detalle se introdujo por primera vez hace 20 páginas. Qué bueno que saqué las balas de esa pistola de vuelta en Cincinnati. No estamos lo hizo Él también puede ser utilizado para efecto dramático. Está muerto. Jim muerto al mismo tiempo, es un cuento de cautela. Esta línea se utilizó con tanta frecuencia en el Star Trek original, se convirtió en un cliché. Por último, la repetición podría utilizarse para potenciar el flujo estético, los ritmos del diálogo o la poética de un pasaje descriptivo. Echa un vistazo a esta estrofa de las Bells de Edgar Allan Poe. Está bien, fíjate. Repite palabras como campanas, hormigueo y tiempo a gran efecto. Aquí la repetición evoca el sonido en sí. El punto de nuevo es usar la repetición conscientemente. Y la única forma de hacerlo es recorriendo tu escritura por las tres formas. ¿ Has encontrado una redundancia que quieres conservar? Asegúrate de tener una gran razón ironclad. De lo contrario, como dicen ahora en Apocalipsis, eliminarlo con extremo prejuicio. Camino. De ninguna manera. 11. WComics L11 Comics para una vida: Conferencia 11 Writing Comics for a Living, que cubre especificaciones de formato, mi propia experiencia con la industria desde los tres caminos básicos entre su trabajo y el lector. No obstante soy yo, ese tipo hablando con una última vez sobre esto, habiendo señalado las dificultades de la exposición y los problemas con la redundancia. Creo que es justo mencionar que si bien gran parte de esta fina Elektra será es deliciosa e incitando como de costumbre, parte de ella será algo así como un volcado de datos. También estaré repitiendo algunas cosas cubiertas anteriormente. Pero aquí, en el contexto de las elecciones que enfrentan los escritores cómicos principiantes, comenzamos con el tema irremediablemente seco de porque, seamos sinceros, no hay manera emocionante de hablar en denso y márgenes de todos modos. Todos los ejemplos de guión que he usado a lo largo de estas conferencias han sido formateados aproximadamente de la misma manera que entrego mi trabajo a un editor, un artista con una notable excepción. El tipo de letra aquí. He usado Courier nuevo para que destaque más en la vida real, aunque uso 12 puntos veces nuevo romano, en parte ya que lo encuentro particularmente legible en parte en un hábito. Bueno, nunca quieres usar algún fondo extraño que te lastimará los oídos, sensibilidades estéticas y o sus ojos, las elecciones específicas. Más sobre gusto personal. En cuanto a las otras especificaciones de formato como ejemplos, estaré usando extractos de mi guión completo de las rebanadas cortadas en papel parodia Harry Potty y la Deathly Boring con arte del deleitosamente loco Rick Parker. Y aquí vamos. El número de las páginas del cómic opuestas a la página del documento de guión aparece centrado en las descripciones del panel superior o al ras izquierda y numerada por página, lo que significa que el primer panel cada página será panel. un número de panel le sigue una pestaña para activar la descripción, que es un espacio único con una línea entre párrafos, subtítulos, efectos de sonido y nombres de caracteres. Aire sangró 2.5 pulgadas de la izquierda y aparecen en todas las tapas. Si el texto que sigue es otra cosa que un globo de palabras que se indica entre paréntesis como en Pensamiento o SFX para efecto de sonido, cualquier palabra que vea el lector está sangrada 1.5 pulgadas tanto en la izquierda como en la derecha palabras estresadas aire indicado en negrita, de la misma forma que aparecerán en el cómic terminado. Por último, cada nueva página de cómic debe comenzar en una nueva página de documentos. En ocasiones, el guión de una sola página de cómics ocupará más de una página de tu documento. En ese caso, repita el número de página cómica en la parte superior, seguido de continuada en todos los mayúsculas y paréntesis. Y aquí está el guión completo, retomando para documentar páginas lado a lado con los resultados finales. Encontré este formato similar a un guión cinematográfico, útil y fácil de entender, pero no hay una regla rápida dura. Algunos escritores, por ejemplo, no inventan en absoluto el diálogo, mientras que otros no usan saltos de página entre páginas de guiones. Si bien los guiones completos son los más comunes, como recordarán, en la Vía Marvel, el escritor utiliza el arte áspero para crear las palabras que ve el lector e indica su colocación en la página. En ese caso, querrás dar formato a tu script para que coincida con la numeración de los subtítulos y el diálogo a lo largo de toda la página como se ve aquí. Y eso es mejor para Four Matic. Como dije, aburrido pero importante. Ahora quiero hablar de la profesión misma, empezando por, para bien o para mal, yo. Me encontré por primera vez con los cómics en 1967 cuando mi abuelo me sentó de rodillas con este mismo número del amigo de Superman Jimmy Olsen. Fue escrito quizás irónicamente por el primero agregado, Quién me dio la hora del día Jim Shooter. No sólo me engancharon nuevas palabras como fortaleza y soledad a una edad muy joven durante años , junto con el colega de la infancia Jim Sala Krupp, leí coleccionado en cómics saborizados. Eventualmente agregué libros de libros, y en algún lugar a lo largo de la línea decidí que quería ser escritor. Después de conseguir mi B A en literatura, vendí unas cuantas prácticas de sangre para maravillarme. El primero un Dios Horrible doctor. Extraña historia para gimnasio Shooter. Pero no hice ningún avance real hasta finales de los 19 ochenta, cuando creé varios Siris para primera publicación. Al igual que muchos cómics independientes Cos. A finales de los ochenta, el boom cómico primero tristemente, salió del negocio, aunque parte de la obra que había escrito para ellos eventualmente terminó siendo publicada por Dark Horse y maravilla Epic line. Después de eso, alguna manera me gané la vida bastante decente escribiendo guiones cómicos que nunca se publicaron. Estamos hablando de 10 o así proyectos con múltiples temas. En ocasiones el editor salía del negocio. A veces un editor sería despedido. Durante varios años, me sentí como el Barton Fink de la industria de los cómics en términos de popularidad. Mi gran descanso llegó a mediados de los noventa como el escritor del cómic The X Files para Tops. amigo de la infancia Jim Sell a Crop fue editor en Chief Charlie Add Lard, mejor conocido por su trabajo sobre los muertos vivientes, fue el Artista y las Portadas Gorgeous o por Meron Kim. los años se han publicado varias colecciones, y me emociona decir que todavía se están leyendo Post X Files. Escribí más de 350 historias para Mickey Mouse y voy por la empresa danesa Sigma. Estos fueron traducidos a 34 idiomas y vendidos en todo el mundo, Pero durante años nunca los vi en inglés. En estos días, aparte de enseñar en línea, escribo novelas y no ficción en diversos géneros para adultos y adultos jóvenes. Todavía guardo la mano en cómics con proyectos como Bail, the Vantage, una novelas gráficas, Power Rangers, Hotel Transilvania y manejo llagas. En general, sin embargo, sólo han sido algunas raras ocasiones en las que me he ganado la vida exclusivamente es un escritor de cómics que puede ser más específico de mi camino particular, pero mi sentido es que es más la regla que la punto de excepción siendo ese muro, es posible golpearlo. Rich es un escritor de cómics. Es como ganar una lotería, una lotería que requiere cierta cantidad de habilidad, apenas un boleto, apenas un boleto, lo que significa que no es algo que la mayoría de los escritores deban entrar en esperar mucho dinero o cualquiera . Es algo que haces porque te gusta. No hay otra razón convincente que dijera, también es perfectamente razonable querer sacar tu trabajo ahí fuera y en manos de los lectores. Lo que nos lleva a nuestra siguiente sección. Para el escritor de cómics, existen tres caminos básicos hacia la publicación. Editores de cómic tradicionales, grandes y pequeños, editoriales de libros tradicionales y autoedición. Mainstream incluye a Big Fish Marvel, propiedad de Disney DC Comics, propiedad de Warner Dark Horse y un anfitrión de Small Independence. A pesar de que algunas de estas compañías son conocidas por sus libros de superhéroes de acción y sus lazos de Hollywood, los principales jugadores produjeron cómics y novelas gráficas en diversos géneros, estilos y formatos, entre ellos manga, y lo hacen en un horario regular con personajes establecidos y nuevos. Las mayores compañías de cómics también se han vuelto cada vez más difíciles de irrumpir. El sitio web de Marvel Comics, por ejemplo, actualmente lee. Si eres un aspirante a artista o escritor de cómics, te sugerimos publicar o publicar material de póster público que siga creando, y si tienes lo correcto, te encontraremos, como mencioné de nuevo en conferencia para el papel de escritores. producción en la corriente principal es, aunque no necesariamente agitada o como máquina orientada hacia ese flujo constante de material. Esto tiende a hacer que el ambiente sea más parecido a una revista o a una oficina de prensa. Entonces digamos un editor de libros tradicional, se pueden crear storylines en grupos y colaboración en equipo. escritores cómicos alentados y la corriente principal son contratados de manera independiente y generalmente trabajan en personajes existentes que son propiedad del editor o el pago con licencia se determina en función de la tarifa de páginas. Con el edificio del escritor, el editor está llenando un comprobante cuando se aprueba la obra, el checo suele aparecer unas semanas a un mes después, pagos adicionales o posibles en base a las ventas de la obra. Estos aéreos se referían a sus pagos de incentivos en contraposición a las regalías que discutiré en breve. Si el escritor crea un nuevo personaje para un universo existente, pueden recibir pagos adicionales. Uno. Y si ese personaje se usa en otro lugar aquí, se pone un poco complicado porque las empresas más grandes tienen una variedad de impresiones en los términos del contrato Transmitir varían de imprenta. Agregar un nuevo super villano al enorme universo de Marvel proporciona un conjunto de términos bajo otras circunstancias. Para impresiones específicas o editores de cómics más pequeños, se pueden ofrecer a los creadores ofertas más flexibles donde conservaron los derechos de autor. Por ejemplo, para My Work on Lands Barnes para la línea épica de Marvel, he conservado los derechos de autor de mi experiencia. Incluso en esos casos, las compañías de cómics esperan mantener una parte de cualquier derecho auxiliar a los personajes, lo que significa derechos más allá de la publicación, incluyendo cosas como los derechos de cine y televisión. Es importante destacar que este no es generalmente el caso de las editoriales tradicionales de libros. En términos de trabajo estable, un creador de corriente principal particularmente exitoso se le podría ofrecer un contrato exclusivo prometiendo trabajo de estudio por un periodo a cambio de que el creador acepte trabajar en Lee para esa empresa durante la duración de el contrato. Otras editoriales de cómics, como Tokyo pop in visit, especializadas en manga, tanto traducciones del original japonés como nuevo material sus atmósferas, en realidad en algún lugar entre una revista y un libro editor. De hecho, gracias en gran medida al boom del manga, que a mediados de los noventa trajo cómics a las librerías tradicionales de una manera financieramente impresionante, editoriales tradicionales de libros tomaron nota y comenzaron a producir su propias novelas gráficas, ya sea ellas mismas o a través de una subsidiaria y en el proceso, se convirtieron en una opción viable pero muy diferente para los creadores de cómics que iban a su historia. Los editores de libros tratan naturalmente más como a los cómics, sí libros de libros en cuanto al ambiente, los plazos y los términos contractuales que ofrecen. Hay algunas diferencias, aunque Justus, D. C. O Marvel producen en curso los editores de libros de Siri pueden hacer como qué, pero sus esfuerzos generalmente no aparecen con frecuencia o es regularmente, digamos, un cómic mensual, cosido de silla. Pero dicho esto, algunos editores de libros sí operan con una mentalidad similar de línea de montaje y lo han estado haciendo desde hace décadas. Desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, las conchas estaban llenas de novelas de centavo en Pulp Fiction con serias, como Nancy Drew o los Hardy Boys. Los personajes básicos fueron concebidos no por solo escritor, sino por el editor, quien luego asignó parcelas largas de párrafo, freelancers no acreditados para ser presentados bajo los nombres de la Casa Carolyn Keene y Franklin Dixon, quienes Lo siento no existen. Pero después de haber trabajado con Carolyn Keene, quiero decir que es una maravillosa, trabajadora, no persona. De igual forma, un pequeño editor de misterio romance o horror cuyo éxito se basa más en un número de exactamente lo mismo. Sólo títulos diferentes pueden tener un campo similar. Lo mismo vale para las novelas de licencia que utilizan personajes populares del cine y la televisión. No sé si este siempre es el caso, pero en mi experiencia, pero en mi experiencia, los editores de libros manejan la relación entre escritor y artista de manera diferente a los editores de cómics tratando más al artista como un ilustrado interpretando una tarea separada tradicionalmente, y la publicación de libros infantiles. Por ejemplo, una vez que el escritor maneja la historia, el artista se ha ido para producir su obra por su cuenta con poca o ninguna comunicación entre ambos. Al trabajar en Babel para HarperCollins, por ejemplo, me desalentó contactar directamente con el artista Cody Chamberlin sobre el libro. Creo que esto se ve como una forma de respeto a los talentos en el dominio del artista y escritor, y escritor, quizá un temor a que demasiados cocineros echen a perder los resultados. Por supuesto, si un editor se acercara por un equipo de artistas y escritores, no necesariamente interferirían con una asociación que ya está en su lugar. Es una experiencia muy diferente a la de los cómics mainstream, sin embargo, donde la comunicación se fomenta activamente y todos tienen sus pensamientos. Otra distinción particularmente importante de los términos contractuales que ofrecen las editoriales de libros tradicionales , que nuevamente se deben naturalmente a su historia, más bien a los contratos de libros. Si el material es totalmente original, el autor conserva los derechos de autor. Si tienes un agente medio decente, también conservarás la película y los derechos auxiliares en lugar de una pagina calificada bonos de incentivo . Los editores de libros ofrecen de antemano contra regalías de la diferencia vale una mirada más cercana similar a una tasa de página en un sentido y avanza una cantidad fija de dinero que el autor recibe de antemano. Hay alguna variación, pero generalmente, lugar de recibir toda la montura en aprobación, el autor recibe 1/3 del anticipo pactado al firmar el contrato. Ah, tercero por tener una versión final del guión aceptada y el tercero final sobre publicación. El aire de regalías generalmente se calcula cada seis meses y se basan en el precio de la cobertura al por menor . Para tener una idea de cómo funciona eso, usemos algunos números simples. Supongamos que recibió un anticipo de $5000 contra una tasa de regalías del 5% en un libro que se vende por $5 . Eso hace que la parte del autor del precio de portada 25 centavos por libro. Cuando y si el libro vende 20 mil copias, El monto de tu regalía 5% ahora coincide con el anticipo de 5000 dólares que recibiste, y se dice que se ha ganado. Es decir, los editores hicieron retroceder el anticipo, y por cada copia del libro vendió por encima de 20 mil ejemplares, los autores adeudaban 25 centavos. Aunque el libro venda cero copias, el autor llega a quedarse con el anticipo pero de nuevo no gira ningún dinero adicional hasta después se vendieron esos 20 mil ejemplares. En realidad, esa tasa de regalías se basará muy en el descuento a granel del club de libros en las ventas restantes. Pero esa es la idea básica. La opción final, más fácil de lograr y cada vez más popular, es encontrar un artista amenable producido la obra por su cuenta y auto publicado digitalmente. Las ventajas aire un mayor control sobre tu trabajo, y si hay ganancias una parte mucho mayor de ellas. La autopublicación en línea tiene un riesgo financiero tan pequeño. Francamente, no recomendaría gastar dinero en imprimir copias físicas hasta que haya tenido algún éxito en ganar un seguimiento. Ten en cuenta a menos que tengas un recurso sustancial, es el dinero gastado en tu primer proyecto no necesariamente estará ahí para tu segundo. Tirar todo el dinero que tienes a un esfuerzo temprano bien podría cojear tu capacidad para intentarlo nuevo por la línea. Y es un duro acarreo porque la competencia en línea está más allá de la rigidez. Con tanto contenido disponible, es difícil ganar atención. Y con tanta parte del contenido libre, aún es más difícil ganar dinero en todos los reinos del trabajo creativo. La promoción siempre ha sido importante con una estantería tan grande como Internet. Es marketing crítico. Tu trabajo es, por supuesto, todo por su cuenta. Pero incluso los mejores comercializadores admitirán que es más magia que ciencia. La suerte juega un papel enorme. La mejor manera de mejorar las probabilidades es entrar por el largo recorrido, prepárate para empezar poco y construir tu audiencia lentamente con el tiempo. Recuerda, muchos éxitos de la noche a la mañana son décadas en la elaboración, por lo que esos son los tres caminos. 1 puede sonar superior, pero el diablo siempre está en los detalles. tanto que las grandes empresas establecidas ejercen más control y mantienen una mayor parte de las ganancias. También ofrecen supervisión editorial profesional, sistemas de distribución probados y verdaderos y al menos algunos ingresos por adelantado. De igual manera, el hecho de que un editor de libros permita al creador conservar los derechos de la película puede sonar como un mejor trato, pero en la práctica, esos derechos sólo valen con alguien dispuesto a pagarlos. Y el editor de libros no está tratando activamente de vender su enfocado en vender libros. Con la principal editorial de cómics tratando activamente de desarrollar su contenido para películas, televisión y juguetes, podría decirse que tienen una mejor oportunidad de generar ingresos que un editor de libros o creador solitario que trabaja por su cuenta. Simplemente ponga 10% de un $1,000,000. Es mucho mejor que el 100% de nada. Por otro lado, Kevin Eastman y Peter Lad produjeron Teenage Mutant Ninja Turtles todos por su cuenta y se convirtieron en millonarios muchas veces. De hecho, principio de su éxito, se les ofreció un trato de una editorial de la corriente principal y se negaron ya que ya ganaban más de lo que ofrecía la editorial. Obviamente, para ellos, fue la decisión correcta volver a una frase que he usado muchas veces en este curso. Es un acto de equilibrio. La decisión correcta para ti depende de tus metas, tus habilidades, tu recurso es tu circunstancia y mucho pensamiento cuidadoso. Y eso nos lleva al final de esta conferencia y del curso. Gracias por escuchar. Espero que lo hayan disfrutado. Pero más que eso, espero que te resulte útil. De cualquier manera, házmelo saber. De igual manera. Si tiene alguna pregunta, déjenme una línea en los comentarios, y haré todo lo posible para contestar. En tanto, nos volveremos a encontrar, No sé dónde, no sé cuándo, pero sé que nos volveremos a encontrar algún día soleado.