Transcripciones
1. ¡Hola!: Bienvenidos a mi clase de Skillshare. En este tutorial, exploraremos
el intrincado proceso de crear una impresionante
pintura floral paso a paso Soy Chris, un artista de acuarela, y profesor en línea aquí para
guiarte a través del tutorial de
Skillshare Hoy en día, nuestro enfoque es pintar hermosos esturios capturando
sus formas únicas, formas
simples de hojas, vetas
intrincadas
y composición de color serena y Tanto si eres principiante
como un artista experimentado, este tutorial te
equipará con las técnicas necesarias para dar vida
a estas flores en papel. A lo largo de la clase, te
guiaré a través de
cada paso de pintar
estas hermosas flores, brindando recursos útiles
y orientación en el camino. El tutorial está cuidadosamente dividido en segmentos
manejables Cada parte se acercará a un aspecto específico
de la pintura, uniéndola
gradualmente
como un rompecabezas Únete a mí en este
viaje creativo, y vamos a sumergirnos en.
2. Proyecto y recursos: Gracias por elegir ser parte
de este
viaje artístico conmigo. He preparado algunos
recursos útiles para tu proyecto, que puedes acceder en la sección de proyectos y
recursos. Allí encontrará
algunos archivos PDF útiles. Uno de ellos contiene una lista de los suministros que utilicé para
esta pintura en particular, y también encontrarás allí mi
pintura terminada para guiarte. Los dibujos lineales están disponibles
en diferentes tamaños que puedes imprimir y transferir en tu papel de
acuarela, lo que te permite elegir el tamaño que se adapte a
tus preferencias. Pinté esto en
un tamaño de 12 por nueve. Siéntase libre de explorar
estos recursos y utilizarlos para crear su propia pintura única y
hermosa. Sería genial
ver tus resultados. Por favor, no dudes en
compartir tus tomas de progreso y la pintura final
con la clase en la sección de proyectos y
recursos. También te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos del
alumno. Siempre es inspirador ver
a otros trabajar y extremadamente reconfortante
obtener el apoyo de
tus compañeros de No olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro. Por último,
recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de
comenzar a pintar. Esto te
ayudará a entender mejor qué esperar en cada
parte del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho te
agradecería mucho
que dejaras
una crítica honesta. Sus comentarios me
ayudarán a crear mejor contenido y ayudar a otros estudiantes a
decidir si tomar esta clase.
Gracias de antemano.
3. Mis suministros de arte: En este video, me
gustaría compartir con ustedes una visión general de mis suministros de arte que
uso regularmente. Creo que debo mencionar primero que no soy el
tipo de persona que constantemente compra nuevos suministros de arte y experimenta con ellos. Yo uso los mismos
suministros todo el tiempo. Funcionan bien para mí y he aprendido a sacarles
el máximo provecho, lo que también me ayuda a ahorrar
dinero en lugar de comprar cinco colores nuevos
que podría
usar solo uno para crear
una muestra de color, prefiero invertir en
libros, por ejemplo No me malinterpretes.
Experimentar con nuevos suministros de arte y comprar
regularmente nuevos materiales puede ofrecer muchos
beneficios a los artistas Echemos un
vistazo a algunos pros y contras de probar
nuevos materiales artísticos. Puede generar
ideas e inspiración frescas. Los colores
y texturas de diferentes medios pueden conducir a expresiones artísticas
únicas y ayudar a romper bloques
creativos Explorar nuevos suministros de arte a menudo implica aprender nuevas
técnicas y enfoques. Este
proceso de aprendizaje continuo contribuye al desarrollo
de habilidades
artísticas y amplía el conjunto de herramientas de artistas Tener una amplia gama
de suministros de arte permite una mayor versatilidad
en la expresión artística. Un artista puede cambiar entre
diferentes medios y herramientas en función de los
requisitos específicos de un proyecto,
lo que lleva a una obra de arte más dinámica
y variada Experimentar con nuevos materiales puede sacar a un artista
de su zona de confort, la voluntad de
explorar y tomar riesgos,
fomentar el crecimiento personal y fomentar el desarrollo
artístico El mundo del arte
evoluciona continuamente con nuevas tecnologías
y nuevos materiales, mantenerse al día con los
últimos suministros de arte asegura que un artista siga siendo relevante en la escena del arte
contemporáneo. Probar nuevos suministros de arte a menudo implica la resolución de problemas. Un rtists puede necesitar
averiguar cómo manipular un nuevo medio o
adaptar sus técnicas,
potenciando sus habilidades de resolución de problemas y pensamiento creativo La emoción de usar una nueva oferta de
arte o descubrir una nueva técnica puede reavivar la motivación y la
pasión por crear Este entusiasmo es esencial para mantener una práctica
artística consistente y satisfactoria. A medida que avanza la tecnología, también lo hacen la calidad y capacidades
de los suministros de arte. Probar nuevos productos
permite a los artistas explorar formulaciones
mejoradas que conducen a resultados
potencialmente mejores en su trabajo. Diferentes suministros de arte ofrecen formas
únicas de transmitir
emociones y mensajes, y Experimentar
con una variedad de materiales permite a los artistas encontrar los que mejor se adapten su estilo personal y
permitirles expresarse de manera
más auténtica Lo menos continúa.
Por otro lado, aquí hay algunas
posibles razones por las algunos pueden argumentar
que no siempre es bueno. Los suministros de arte pueden ser costosos
y comprar constantemente nuevos materiales sin un plan o propósito puede
agotar tu presupuesto. Es bueno estar atento
a tus gastos, especialmente si no estás usando todos los suministros
que has acumulado Confiar en nuevos y variados suministros
artísticos podría distraer el desarrollo de habilidades artísticas fundamentales Un artista competente puede crear obras
impresionantes
con herramientas básicas El énfasis debe
estar en dominar las técnicas en lugar de
depender de suministros específicos acumulación de una amplia
gama de suministros de arte puede llevar a desafíos de almacenamiento y
ruidos Demasiados suministros pueden
dificultar la
búsqueda de lo que necesitas. La compra constante de nuevos
suministros de arte contribuye al desperdicio, especialmente si los materiales
no se utilizan completamente. Es fundamental considerar
el impacto ambiental de tus prácticas artísticas y tratar de minimizar el consumo
innecesario. Algunos artistas argumentan que
trabajar con limitaciones
como un conjunto restringido de materiales en realidad puede
mejorar la creatividad. Las restricciones pueden
obligarlo a pensar fuera la caja y encontrar soluciones
innovadoras dentro de
su kit de herramientas existente. Hacer mucho énfasis en probar nuevos suministros puede distraer del núcleo de
la expresión artística El concepto o mensaje que quieres transmitir a través de tu arte. Enfocarse en el significado
detrás de su trabajo es crucial independientemente de
los materiales utilizados. Constantemente buscar y comprar
nuevos suministros puede fomentar una mentalidad consumista
donde la alegría proviene adquirir nuevos artículos en
lugar del proceso de creación Esto puede llevar a un
ciclo de perseguir el siguiente material de moda en lugar de perfeccionar
tu voz artística También puede crear expectativas
poco realistas sobre el
poder transformador de Si bien los suministros de calidad
pueden mejorar su trabajo, la clave del éxito artístico
radica en sus habilidades, técnicas y visión creativa. Confiar demasiado en la
creencia de que los nuevos suministros mejorarán drásticamente su arte puede llevar a la decepción
y Explorar
y adaptar constantemente nuevos suministros de arte puede llevar a un cambio involuntaria hacia las tendencias
populares en lugar de desarrollar un estilo
personal único Como pueden ver, hay muchos elementos que creo
que vale la pena considerar, y en última instancia, es
una elección personal. Solía querer comprar todos los suministros de
arte que pudiera pagar. Sin embargo, al darme cuenta de que
no los necesitaba todos, y habiendo encontrado suministros con los que
estoy realmente contento, dejé de comprar artículos
innecesarios. En cambio, me enfoqué en los que
tengo y en realidad uso. Entonces ahora echemos un
vistazo a lo que tengo. Empecemos por el papel. Entre pinceles, pinturas y papel, considero que el papel es el suministro de arte
más crucial. La calidad del
papel
influye significativamente en su
experiencia y resultados de pintura. Usa papel de arcos, el cual
está hecho de algodón 100%. El papel de algodón a menudo se considera la mejor
opción entre los artistas. Tiene una excelente
absorbencia, resistencia
y durabilidad, lo que lo hace adecuado para diversas técnicas de
acuarela Proporciona los mejores
resultados porque la pintura se comporta mucho mejor sobre
ella que en papeles de
celulosa más baratos El papel de alta calidad también
es más indulgente, lo
que facilita la
corrección de errores Pasando a las pinturas, utilizo pinturas Windsor y Newton
Professional Grade. Las pinturas de grado profesional, sin
importar la marca que uses ofrecen
una excelente calidad. Tienen más pigmentos, colores más
ricos y
una vida útil
más larga que las pinturas de grado estudiantil Si bien las pinturas de
grado profesional son más caras que las de grado
estudiantil, realmente valen
la pena la inversión. Me tomó algún tiempo recoger
todos los colores que necesitaba. Poco a poco compré
uno o dos tubos
a la vez hasta que tuve
un juego completo. Ahora rara vez necesito
comprar tubos nuevos. Duran mucho tiempo. Compro uno o dos colores
tal vez una o dos veces al año. Actualmente, tengo 17
colores en mi paleta, aunque algunos son para fines
de prueba. En los materiales de la clase, encontrarás archivos PDF con información
adicional
sobre mis colores, por qué los seleccioné y cómo
los arreglé en mi paleta. También hay una tabla
de conversión útil si desea colores similares
de diferentes marcas. Permítanme explicar muy brevemente cómo elijo los colores
a mi paleta. Esto lo hago en cuatro pasos principales. Mi punto de partida para elegir colores es siempre una paleta primaria
dividida, un gusano y un amarillo frío, un rojo cálido y otro frío, y un azul cálido y otro frío. Y aquí, creo que es
un buen momento para mencionar que el azul ultramarino
que uso es el tono verde No es el ultramarino francés. Hay cuatro diferencias principales
entre el azul ultramarino, el tono verde y el ultramarino
francés Sin embargo, son realmente pequeños. Azul ultramarino, el tono verde tiene
un matiz más Es más fresco en apariencia. Crea tonos más fríos
de púrpura y gris, y es menos granulante. Ambos paneles comparten la misma capa de
pigmento, P B 29. Usa el azul ultramarino, el tono verde
principalmente por costumbre, ya que es a lo que siempre me he acostumbrado
y acostumbrado Adicionalmente, me parece menos granulante que el ultramarino
francés, una cualidad que Sin embargo, de nuevo, las diferencias entre ambos
son realmente sutiles. En el segundo paso,
busco colores de
la misma familia de colores con propiedades específicas, como estar hecho
con un solo pigmento, tener buena solidez a la luz,
no granularse, con
algunas excepciones, prefiero usar pinturas no
granulantes Y siendo transparentes
o semitransparentes. Principalmente utilizo pinturas pigmentadas
individuales
con una excepción, que son las pinturas grises Los colores en este grupo deben diferir
notablemente
del primer grupo Si son demasiado similares, los
elimino. No veo una buena
razón para mantener, digamos siete
amarillos muy similares en la paleta Yo elijo los que son los más singulares y puedo
mezclar otros tonos. El tercer paso, agrego
colores que simplemente me gustan, o sé que voy a usar frecuentemente. Sienna Burnt es un must have en mi paleta porque es
un marrón básico versátil Crea hermosos
neutros con azules,
silencia algunos verdes,
crea varios
tonos de amarillos crea varios
tonos de Es un color muy versátil. Adicionalmente, como el verde
es mi color favorito, me gusta tener dos
listos para usar que sirvan como una buena base
para mezclar otros tonos. El paso cuatro es opcional. Quedan tres
manchas en mi paleta, que están reservadas para nuevos colores o colores que
estoy probando actualmente, que pueden cambiar con el tiempo. Además de la pintura acuarela, también
tengo un tubo
de guash blanco A menudo lo uso para pequeños
detalles o reflejos. Guardo mis pinturas en una paleta de
porcelana con 17 pozos y dos
grandes áreas de mezcla. Las paletas de porcelana son
excelentes porque son fáciles limpiar y no manchan
como las de plástico. Antes de usar esta paleta, usé una de plástico con
33 pozos durante mucho tiempo, cambié cuando
me di cuenta de que no usaba la mitad
de esos colores. Siempre lleno
todo el pozo de pintura, y lo vuelvo a llenar cuando me
quedo sin el color específico. Normalmente compro cinco tubos
milllire porque puedo meter
todo el tubo en el pozo Pasemos a los pinceles. Mis pinceles primarios son redondos de
terciopelo negro plateado en varios tamaños. Me pareció que funcionan
excepcionalmente bien para la técnica húmeda sobre húmeda
que uso a menudo. También llegan a
un punto perfecto. Un pincel que siempre tengo a mano, que con cariño llamo
mi arma secreta es el pincel Windsor y Newton
Galleria talla cuatro Es mi cepillo de fregado, y lo uso en casi
todos los cuadros También tengo un
snapshaderh Princeton más pequeño tamaño cuatro, que utilizo para levantar detalles
muy pequeños
como venas diminutas También tengo pinceles spotter
de Rosemary and Co específicamente de la
serie 307. Son pequeños. No contienen mucha agua, por lo que no son buenos para la pintura
húmeda sobre húmeda, pero son excelentes
para pintar áreas pequeñas, mojadas sobre secas y para
agregar pequeños detalles. Siempre los uso para crear textura
visual con la técnica de
punteado Ocasionalmente, utilizo pinceles de
diseñadores, pinceles rigger o pinceles para
guiones Van por diferentes nombres
y son muy similares. Estos pinceles tienen cerdas finas y
largas y son
útiles para pintar largas y delgadas o líneas más naturales
como ramas de árboles Por último, tengo un
pincel plano grande para aplicar agua a grandes áreas o a veces
incluso para pintar grandes áreas. También tengo que mencionar sobre
dos pinceles adicionales. Uno de ellos es un cepillo viejo barato que
utilizo solo para aplicar líquido
enmascarador. Aplicar líquido de enmascaramiento
con un cepillo puede dañar tus pinceles así que evita usar tus buenos pinceles
para ese propósito. El otro es un pincel plano
barato que utilizo para preparar
colores en mi paleta. Si tengo que preparar
mayores cantidades de pintura, este pincel es genial para
eso porque permite transferir mayores cantidades de pintura del pozo
al área de mezcla. El inconveniente de
este en particular
es que está perdiendo cerdas, así que tendré que comprar
algo un poco mejor Tablero Gator, siempre pego mi papel de acuarela a un tablero de cocodrilo usando
grapas y cinta adhesiva. Esta tabla es
ligera
e impermeable y me permite mover e
inclinar mi pintura según sea necesario, crucial para mí,
especialmente al pintar fondos
lisos con
la técnica wet on wet. Siempre uso una grapadora de
oficina para adjuntar mi papel a
la tabla de cocodrilo Después de grapar, aseguré
el papel en los cuatro lados con cinta adhesiva para crear un borde limpio alrededor de
la pintura terminada Prefiero usar cinta adhesiva
lavanda diseñada para superficies delicadas He notado que se adhiere
bien durante la pintura, y si alguna vez se desprende, es probable
que sea por mi uso
excesivo de un secador de pelo Esta cinta no ha causado
ningún daño a mi papel. A mí me gusta su superficie. Es un poco elegante,
lo cual es muy conveniente para
limpiar fácilmente las gotas de pintura. Mi único deseo es que
viniera en blanco. Aquí hay otros suministros que
uso con más o menos frecuencia. Almohadilla ligera, la uso en realidad
para cada pintura. Este es el más barato
que he encontrado en Amazon. Lo uso para transferir una imagen
a mi papel de acuarela. Fluido de enmascaramiento de
Windsor Newton. Este es un medio esencial
para muchos de mis cuadros, Herramientas para aplicar
líquido de enmascarar como un pincel viejo, rotulador,
herramientas de gofrado y una pluma profunda. Esas herramientas pueden estar aparte de
ese pincel viejo también se puede usar para aplicar pintura y
crear efectos específicos. Un trozo de jabón y una gorra vieja
de un viejo líquido enmascarante. Al usar líquido de enmascaramiento, sumerjo el agua de cepillado, froto sobre una barra de jabón, creando una
capa protectora en las cerdas, y luego la sumerjo en
el líquido de enmascaramiento Esto evita que el enmascaramiento pegue las
cerdas juntas. Siempre vierta un poco de enmascaramiento
en una taza vieja y
cierre rápidamente la botella para evitar grumos
secos en la botella Herramienta de recolección de enmascaramiento de goma
para eliminar el líquido de enmascaramiento, una herramienta muy práctica, secador de pelo, útil para acelerar el
tiempo de secado botella de spray con agua
limpia para
humedecer el papel suavemente o forzar que
la pintura fluya. También rocío pinturas en mi paleta antes de
empezar a pintar. Borrador de lápiz HB regular
y borrador necesario. Utilizo un lápiz HB normal para
mi boceto y a menudo uso una goma de borrar necesaria para eliminar el exceso de grafito y hacer que
las líneas de lápiz sean más claras Contenedor de agua que debo
tener durante la pintura. A menudo tengo dos,
uno para agua limpia y otro para agua sucia. Toalla de papel, siempre es
bueno tenerla. Por último, una toalla blanca
que ya no es tan blanca. Hablando de toallas,
una grande se extiende por mi escritorio
debajo de mi tabla de cocodrilo. Hago esto para evitar que la tabla
cocodrilo se deslice, se mueva o gire
mientras pinto. Esto no solo asegura la estabilidad, sino que también protege mi escritorio y agrega un bonito campo
a mi espacio de trabajo. La segunda
toalla más pequeña siempre se coloca junto a mi
paleta y contenedor de agua, sirviendo como un espacio dedicado
para limpiar mis cepillos. Dejé que mis pinceles
descansaran sobre esta toalla. En el pasado, cuando colocaba
mis pinceles en mi escritorio, magia parecía suceder. Se transformaron en
seres vivos escondiéndose de mí, saltando del escritorio y moviéndose para que no los
pudiera encontrar. Ahora siempre los pongo sobre la toalla y se quedan en
su lugar, siempre aquí conmigo. Entonces estos son mis suministros artísticos
actuales. Aunque puede haber
cambios en el futuro, esto es lo que estoy usando por ahora.
4. Inspiración: Hola, y bienvenidos a este maravilloso Tutorial de
pintura Nosturtiums Esta pintura se
inspira en dos artistas. Uno de ellos es uno de mis
artistas polacos favoritos, Stansva Vespinki Vespinski nació en
18 69 en raco Polonia. Fue alumno de
un Mateo en la Escuela
de Bellas Artes de raco Su trabajo fue versátil. Como pintor, se
especializó en la creación pinturas
art va utilizando
la técnica pastel. Como arquitecto, también se hizo famoso por crear
entre otras cosas, polys para la iglesia de San
Francisco de ACC en Craco También ganó fama como creador
de dramas sobre la historia y perspectivas de la sociedad polaca
bajo las particiones. Hace muchos años, traté de reproducir su
pintura pastel maternidad. Pinté esto con pinturas al óleo. Entre sus
logros notables se encuentra el diseño
del exquisito
vitral en la Iglesia de San Francisco de
Asís en Craco, un testimonio de su habilidad para
fusionar el arte con el fusionar el arte Esa iglesia particular en
Craco es muy, muy especial. Cada vez que estoy ahí, visitaba. La razón de ello
es porque las paredes dentro de esa iglesia están
pintadas por Vespinski Adornó las paredes con
hermosos policromos o murales,
si lo desea, representando
motivos
florales y geométricos, motivos
florales y geométricos Uno de esos murales representa hermosas flores de sturtiu que sirvieron de
inspiración inicial para nuestra pintura El Art Nouveau es generalmente
uno de mis estilos favoritos. Siempre me fascina cómo formas
simples pintadas
con lo que podríamos llamar lavados
planos en
acuarela pueden
crear patrones tan hermosos
. Me encantan los patrones. Observe que las hojas están pintadas con una
base de color verde, y luego solo las vetas se
pintan con pintura blanca. No hay detalles, luces, sombras, solo
formas simples llenas de color. También, en las flores, podemos ver tonos muy sutiles de naranja y algunas
vetas, nada más. En sus otras flores que
podemos admirar en
las paredes de la iglesia, a veces
usaba un
poco más de sombra Por ejemplo, estas rosas tienen
algo de sombreado en los pétalos, pero las hojas tienen simples capas
planas de pintura Y sin embargo son tan hermosos. La fuerza de estos
diseños radica en la composición y el patrón que
crean todas esas formas. Son increíbles. esturión Vespanski me recordó a un artista japonés Conan Tangami Nació en la prefectura de
Hyogo y es celebrado en Japón
como un destacado pintor Obtuvo reconocimiento
por crear cinco volúmenes de álbumes de imágenes
que representan planos occidentales. Estos discos fueron publicados
notablemente como grabados en madera por la reconocida
editorial on Sodo en Kioto Copias de estos discos se conservan en la
estimada colección de la biblioteca británica Su uso del color es
sutil pero impactante, empleando suaves tonos pastel y tonos vibrantes para crear una cualidad onírica
en De manera similar a la obra de Vespanski. En las pinturas de Tani Game, vemos bordes claros de las formas que se
llenan de color Hay algunas variaciones tonales, pero aún así si miramos estas pinturas a través de la
lente de la acuarela, podríamos decir que
fueron pintadas en una o como máximo dos capas sin entrar
demasiado en detalles Más importante aún, en sus
obras está la composición. Una de las obras de Tan Gami
representa el esturicio. Aunque las plantas son occidentales, el tratamiento artístico es
claramente japonés con un maravilloso sentido de equilibrio
asimétrico
y un fino contraste entre flores y hojas Estas dos obras de spanki y Tani Gami fueron mi
inspiración para mi pintura
5. Preparación de boceto: Primero, empecé por
crear una composición. Apliqué la regla de los tercios dividiendo mi trabajo en
tres partes iguales, tanto horizontal
como verticalmente. Los puntos donde se
cruzan estas líneas sirven como puntos focales, que es donde pretendía
colocar las flores principales Los esturios crecen en
varias direcciones. Yo imaginé la descomposición
como si las flores estuvieran en
cascada en forma de arco desde la parte superior derecha hasta
la parte inferior Dibujé grandes formas para
representar las flores y hojas usando colores naranja
y verde para establecer la composición
principal Esto me permitió probar
diferentes combinaciones de colores. Al estar satisfecho con
el diseño general, me enfoqué en detallar
las flores. Inicialmente, creé
formas ásperas, no demasiado detalladas. Una vez que tuve una base sólida, refiné el dibujo lineal, prestando mucha atención
a las formas. Si bien me referí a
algunas fotos de referencia para entender la estructura
de las flores y las hojas, no
copié directamente ninguna. Estas interpretaciones
son mías. En esta etapa, mi
dibujo lineal estaba completo. Sabiendo de antemano que
estaría trabajando en un papel tamaño 12 por nueve, establecí las dimensiones en
consecuencia en procrear A continuación, transferí el dibujo a una app llamada
Affinity Publisher, que utilizo para diseñar archivos PDF Aquí agregué un marco
negro alrededor del dibujo
creando un rectángulo, quitando la sensación, y
dejando un borde delgado. Una vez terminado,
guardé el archivo. Hay una
razón importante detrás de este proceso. He aquí por qué. Tengo dos
versiones del dibujo, una con el marco
y otra sin. Cuando abro la versión sin el borde en una app
como split print, se hace
evidente
que el dibujo carece de una clara indicación
de sus límites. Esto hace que sea difícil determinar dónde recortar
y los márgenes necesarios. Precisamente por eso
incluí la frontera. Cuando abro el archivo
con el borde, todo queda claro, haciendo que el proceso de recorte sea mucho
más sencillo Ahora dentro de esta app, convierto las
medidas a pulgadas, revelando que mi dibujo mide
precisamente 12 por 9 "encajando
perfectamente en dos páginas. Sin embargo, tengo
la flexibilidad en esta app para ajustar
el tamaño según sea necesario. Por ejemplo, si
decido pintarlo en un papel de tamaño 16 por 12, puedo
hacer este cambio sin esfuerzo Como resultado, el dibujo se divide en
hojas adicionales de papel Los puedo organizar como prefiero, incluso alterando la
orientación de las páginas, lo que podría reducir
el número total requerido para imprimir
en este tamaño. Al acceder a la configuración de la página y cambiar a la
orientación horizontal, ahora
puedo ver que mi
dibujo abarca cuatro páginas No obstante, como
pretendo pintarlo en papel tamaño 12 por nueve, vuelvo a la
orientación retrato porque ahora mi
dibujo está en dos páginas, y ahora mi dibujo está de
vuelta en dos páginas. Normalmente coloco el dibujo manera que cualquier
forma intrincada cerca del centro se
desplace hacia un lado asegurando que no se extienda a
través de dos páginas Ahora puedo imprimir mi
dibujo lineal y en la siguiente parte, verán cómo lo
transferiré a mi papel de acuarela. Bien.
6. Transferencia de la imagen: Después de completar mi
dibujo lineal, lo imprimí. Ahora lo refinaré
recortando cualquier pieza
innecesaria Como la imagen abarca
dos hojas de papel, necesito pegarlas juntas. Bien. Voy a estar pintando sobre papel de arcos a las 12 por 9”. El bloque que estoy usando
mide diez por 14”. Este espacio adicional
alrededor de la pintura permite espacio para grapas
y cinta adhesiva. Para transferir la
imagen a mi papel, usaré una vaina de luz. Primero, adjuntaré la imagen al dorso de mi papel de
acuarela. Después colocando todo
en la almohadilla de luz, la luz de abajo me
permitirá
ver la imagen a través del papel de
acuarela con claridad. Con un lápiz HB normal, comenzaré a trazar comenzando
por marcar las cuatro esquinas. Estos puntos de referencia
son cruciales ya que me
guían en la aplicación de cinta
adhesiva con precisión. Con las esquinas marcadas, voy a transferir lentamente la
imagen al papel. Puedo ver claramente las
líneas desde abajo, así puedo
trazar fácilmente esas líneas. Una vez completado este paso, voy a quitar la imagen impresa
de la parte posterior del papel, y luego puedo adjuntar el
papel a mi tablero de cocodrilo. Estoy posicionando el papel
más o menos en el centro. Vale la pena señalar que estoy optando por no mojar el
papel de antemano. Creo que es
innecesario porque las grapas
sujetarán de forma segura el papel en su lugar. Mientras pinto, el papel
naturalmente se estirará y encogerá. Sin embargo, la clave
aquí son las grapas. La cinta adhesiva por sí sola
podría no proporcionar suficiente resistencia para
mantener el papel en su lugar. Por eso siempre uso grapas. Estoy
grapando cuidadosamente el papel a mi tabla de cocodrilo en
los cuatro lados, asegurándome de que cada grapa esté espaciada no más de 1 "de distancia Bien. Después de
eso, aplico cinta adhesiva
a lo largo de los cuatro lados. Las marcas en las esquinas son útiles para un posicionamiento
preciso, asegurando que la pintura
terminada medirá exactamente 12 por nueve. Adicionalmente, en esta etapa, frecuentemente uso
una goma de borrar necesaria Esta versátil goma de borrar
se puede dar la forma deseada. Prefiero enrollarlo sobre mi boceto para eliminar
cualquier exceso de grafito, haciendo que el boceto sea
un poco más ligero y. Con el boceto preparado, estamos listos para comenzar a
pintar el fondo. Bien.
7. Fondo: Antes de adentrarnos en la pintura, permítanme compartir mi enfoque
y visión para esta pieza Después de pensarlo, he decidido apuntar
a un look parecido a la
acuarela. Después de todo, estamos pintando
con acuarelas. Pero esta vez,
voy a pintar con un estilo más holgado que
mi estilo habitual Abrazando flores
creadas intencionalmente y bordes duros aleatorios, resultantes de una técnica menos
precisa Esta vez, estoy adoptando un enfoque más relajado y
simplificado. Mi objetivo es lograr hermosas texturas de
acuarela en las hojas mientras me enfoco un poco más en pintar las
flores con precisión. Mi objetivo es lograr un
equilibrio entre pintura
suelta y la
precisión cuando sea necesario. En mi proceso, me
inspiro en
la simplicidad de los spanskis
y las obras de Tanigams Comenzaremos nuestro viaje de pintura partiendo del fondo, construyendo
gradualmente las
capas a medida que avanzamos. Inicialmente,
pintaremos el fondo, seguido de hojas tenues
en el fondo, luego agregaremos tallos, hojas
principales y finalmente enfocaremos en las flores
que están más cerca de nosotros. Como toque final, agregaremos delicadamente venas
a las flores y hojas Para pintar el fondo, usaré un pincel tamaño diez. He optado por no
usar líquido de enmascaramiento para preservar los
espacios blancos para las flores En cambio, voy a pintar un fondo de tono muy claro. Incluso si voy por encima
de las líneas de lápiz, no
es un problema ya las flores y las hojas son
más oscuras que el fondo. La pintura más oscura cubrirá
sin problemas cualquier solapamiento, creando una
composición armoniosa Creo que usar una
versión apagada de naranja, eso sería marrón
porque el marrón es en realidad una
versión silenciada del Para el fondo
sería ideal. Esta elección de color debe complementar la composición
general, creando un telón de fondo suave y silenciado que refleje los colores de las flores Agregar toques de verde atará aún más el
fondo a las hojas. Repetir colores desde
el tema principal en el fondo es un
excelente enfoque, fomentando la cohesión. Si bien las coincidencias exactas
no son necesarias, las variaciones en el tono o intensidad pueden mejorar
la unidad de la pieza. El objetivo es que el
fondo haga eco de los matices
del sujeto principal,
asegurando la armonía visual Empecemos por
preparar la sienna quemada con solo un pequeño toque de
vientos amarillos profundos Agrega abundante agua para lograr
una consistencia muy ligera. Casi como un t wash
con un toque de marrón. Esta mezcla diluida
servirá como una excelente base. Empieza a aplicarlo en
la esquina superior izquierda. La inconsistencia del agua
ayudará a crear un lavado suave, pero no te preocupes si
encuentras alguna flor
o bordes duros Podemos abrazarlos como
parte del proceso. Además,
si accidentalmente
pasas por encima de las líneas de lápiz, no
es un problema. Los tonos más oscuros
del sujeto principal cubrirán
fácilmente cualquier solapamiento Después de aplicar este lavado ligero
inicial, estoy agregando un poco más marrón en algunas áreas para introducir
variación en los valores tonales Incluso estoy permitiendo que el color
fluya ligeramente sobre los bordes
de la hoja, creando una conexión perfecta entre la hoja
y el fondo. Moviéndonos a la esquina superior
derecha, pintemos el fondo
en el sentido de las agujas del reloj. Una vez más, comienza con
un tono
marrón muy claro y luego agrega un tono ligeramente más oscuro
en áreas específicas. Cerca de las hojas, estoy considerando incorporar un toque de
verde para reflejar el follaje. Mezclar quemadura con oro verde inicialmente no logró
el tono deseado. Estoy presentando el tono amarillo
verde Windsor para un tono verde más fuerte. El verde mezclado con el marrón crea una piedra natural
armoniosa. Es crucial mantener todos los colores. Quiero que el fondo
sirva como un suave complemento sutil
a las flores. Especialmente cerca de las hojas, estoy agregando
más verde que marrón para mantener una paleta de colores cohesiva y para reflejar algunos
verdes de las hojas En la esquina inferior izquierda, estoy optando por más
marrón para crear un fondo adecuado para la flor que
estará en primer Echando un último
vistazo al fondo. Estoy considerando si
agregar más color en alguna área. Por ejemplo, he
decidido caer un poco más café
en ciertas manchas. Es importante recordar
que a medida que la pintura se seque,
se volverá más ligera. Adicionalmente, estoy agregando aquí
una simple silueta verde con forma
de hoja. Una vez que hayas satisfecho
con tus antecedentes, podemos proceder a secar
todo usando un secador de pelo. Últimamente, me encontré usando un secador de pelo con
más frecuencia, excepto en los casos en los que estoy pintando
fondos más grandes usando la técnica wet on wet. En esos casos en los
que pretendo lograr transiciones de color
suaves
y planos suaves, prefiero dejar que la
pintura se seque de forma natural. La inclinación de la pintura
hasta que la pintura se asiente permite un proceso de
secado sin costuras sin el riesgo de perturbar la pintura húmeda de
acero y crear marcas no deseadas
o irregulares de acabados No obstante, al pintar elementos
más pequeños
con menos pintura, como en este caso, prefiero acelerar el
tiempo de secado usando un secador de pelo. Una vez que el fondo esté seco, podemos pasar al siguiente paso, pintando hojas
tenues al fondo
8. Hojas de fondo: Bien. En esta parte corta, pintaremos solo unas delicadas
hojas al fondo. Encuentro que el contraste en valores
tonales entre
las hojas claras en el fondo y las hojas verdes más oscuras en primer plano crea una
cautivadora ilusión de profundidad, potenciando el
interés visual general de la Para pintar estas hojas, necesitaremos más de
nuestro verde natural. Estoy preparando una mezcla de
verde windsor y siena quemada, creando una mezcla muy diluida que produce un tono verde claro En la parte superior de esta mezcla, estoy agregando un toque de
dolores grises para introducir un tono de
verde ligeramente más oscuro para mayor variación. Ahora, con una mano tranquila
y firme, vamos a pintar lentamente esta hoja usando la técnica de mojado sobre seco. Apuntar a permanecer dentro
de las líneas de lápiz, inspirándose en
Tanigams meticulosa ejecución de
nosturcios donde los colores se mantuvieron precisamente dentro de las líneas. A partir de ahora hasta que
añadimos los detalles finales, piensa en ello como rellenar
formas con color. Nuestro objetivo es simplemente llenar
estas formas de verde. Esta capa verde no
necesita ser perfectamente lisa. De hecho, estamos apuntando a
un look de acuarela, especialmente en las hojas. Abrazar cualquier flor o
irregularidad que se presente. A medida que se suman a la
sensación orgánica de la pintura. La principal preocupación es
permanecer dentro de las líneas de lápiz. Observe cómo el verde interactúa
armoniosamente con el
marrón aplicado durante el proceso de pintura de
fondo Esta interacción agrega una
capa adicional de variedad de color, potenciando el
interés visual de la composición Para mayor intriga, usa un tono ligeramente más oscuro
del verde en áreas seleccionadas Esto sirve como un
punto de interés adicional, agregando profundidad y dimensión
a la pintura. Es importante
señalar que aquí no estoy considerando una fuente de
luz específica. Estos esturios están estilizados
y esto no pretende ser una
representación perfectamente realista de las flores Similar a la policromía de Vespanskis
y la obra de Tani igam, los colores son relativamente planos. No obstante, debido a que estamos
trabajando con acuarelas, tenemos la libertad de
incorporar ese característico toque
acuarela Mi enfoque es introducir
más variaciones de color dentro las hojas e incorporar floraciones que son por excelencia
para la acuarela Esto será
particularmente evidente en las hojas principales más oscuras
porque estas
hojas claras en el fondo son esencialmente siluetas claras A. En la esquina inferior derecha, estoy usando una mezcla de Ciena
quemada con un toque de
alfileres grises para crear textura Usando el lado de mi pincel, estoy aplicando trazos de
pincel aleatorios para introducir variedad en tonos. Además, notarás algunas brechas deliberadas
que crean bordes Me parece que este efecto agrega interés y dimensión
a la esquina. No quería
dejarlo completamente plano. Aquí, estoy agregando un toque más verde para potenciar
la vitalidad. En cuanto a la esquina
inferior izquierda, pensé
en agregar otra silueta de hoja al fondo. Sin embargo, al reflexionar,
decidí que el tat de la hoja detrás de las dos hojas de primer plano es suficiente como nuestra hoja de
fondo Entonces lo estoy pintando usando nuestros tonos claros de
verde y marrón. Sí. Después de pintar estas hojas, podemos secarlas rápidamente con un secador de pelo antes
de pasar a pintar las hojas principales.
9. Hojas principales: Ahora estamos haciendo la transición a otro paso sencillo pero
agradable donde la perfección
no es el foco, pintando las hojas principales Empecemos por preparar
una variedad de colores. la izquierda, he mezclado Ciena
quemada con amarillo
Windsor profundo Voy a usar esta mezcla sólo un poquito
a través de las hojas. la derecha, he
preparado mi verde primario usando
tono amarillo verde windsor mezclado con siena quemada En la parte superior de mi paleta, he agregado pinturas grises
a la mezcla verde, dando como resultado un
tono más oscuro de verde. Usando un pincel tamaño diez, comencemos a pintar desde el lado izquierdo y movamos
gradualmente hacia
el lado derecho. Si eres zurdo, te
será más fácil comenzar por el lado derecho de la pintura
y moverte hacia la izquierda. Ahora con nuestras mezclas de verde
y marrón, nuestra tarea es simplemente sentir las formas de las hojas
con estos colores. Este paso es sencillo. La clave es permanecer dentro las líneas de lápiz dentro de los
límites de la forma de la hoja. Su interpretación
aquí es enteramente suya. Siéntase libre de experimentar
con diferentes colores. Tu capa probablemente se
verá distinta de la mía, y eso está perfectamente bien. Apunta a una consistencia de
pintura muy acuosa y llena lentamente
toda la forma con colores. Podríamos optar por una técnica
húmeda sobre húmeda aquí también. Pintaré la última hoja usando este método solo
para demostrarlo. Sin embargo, con la técnica de mojado sobre seco que
estamos usando ahora, tenemos más control sobre la pintura y los bordes de
la forma que estamos pintando. Adicionalmente, pintar
húmedo y seco da como resultado un tono más oscuro inicialmente, ya que no hay una capa de agua
adicional debajo de la pintura
para dispersarla. Esto nos permite lograr
un tono más oscuro con mayor facilidad. Además, la
variación natural de la humedad a través del papel puede conducir
a la formación de floraciones, el efecto que realmente
queremos lograr
en esta pintura A. Después de aplicar el verde, realicemos el interés al dejar caer algunos de nuestros marrones Estas manchas marrones
agregarán variedad a los colores y
complementarán muy bien las flores anaranjadas. Pasando a la siguiente hoja, voy a repetir el proceso. Aquí he empezado con un tono verde más claro para
introducir algunas variaciones tonales Esta variación también puede sugerir que la fuente de luz
viene de la izquierda, lo que hace que esta hoja sea
ligeramente más clara. A medida que nos acercamos a las flores, estoy incorporando más marrón
para agregar profundidad y dimensión. A medida que la primera licencia
comienza a secarse, noto que la superficie
sigue siendo ligeramente volcada. Quiero aprovechar esta
oportunidad para salpicar algunas gotas de agua
intencionalmente para crear más
textura y Ahora a la hoja
debajo de las flores, aquí estoy apuntando a introducir
más variedad en color. Soy marrón adicional y
un verde ligeramente más oscuro, particularmente debajo de
las flores. A. Para mejorar aún más la textura y crear flores intencionales, puedo cargar mi cepillo con agua y
apretar suavemente las cerdas,
permitiendo que las gotas
de agua caigan sobre la superficie Nuevamente, como pueden
ver, no me estoy esforzando por la perfecta ejecución
de estos lavados Por lo general, apunto a
una pintura cuidadosa para lograr lavados suaves y transiciones de color
impecables No obstante, en esta pintura, abrazo todas esas imperfecciones de
acuarela Este enfoque
me otorga más libertad y menos estrés ya que veo estas imperfecciones como
intencionales y deseables Mi enfoque principal sigue siendo
permanecer dentro las líneas de lápiz y asegurar claras distinciones
entre las formas Oh. Volviendo a la hoja anterior, sigo salpicando
más gotas de agua Tengo muchas ganas de evitar lavados planos y
poco interesantes y en su lugar, apuntar a cautivadoras
texturas de Tengo mucha curiosidad si
te gusta este enfoque y este efecto o
no. Házmelo saber. Cambiando a un
pincel más pequeño como tamaño cuatro, pinto las diminutas áreas
entre los pétalos con un verde oscuro que significa la licencia
detrás de las flores Volviendo a
un cepillo de tamaño diez. Luego procedo a pintar la hoja detrás de esta flor
en particular. He añadido un minúsculo malo aquí
frente a la hoja, así que necesito
pintar cuidadosamente alrededor de ella. Hacia el final, estoy cayendo
algunas gotas de agua, esperando que creen
algunas flores o texturas Para la hoja final, he optado por pintar mojado sobre mojado. No hay ninguna
razón particular para esta elección. Simplemente quiero demostrar que también es una técnica
que podemos usar aquí. Después de aplicar una capa de agua, empiezo a dejar caer mis colores. El resultado final será similar
a pintar mojado sobre seco, por lo que realmente no importa
qué técnica elijas. No obstante, encuentro que mojado sobre seco es más fácil y permite
más imperfecciones, lo que queremos
lograr en este caso Adicionalmente, no tienes que manejar
cantidades excesivas de agua. Ahora, deja que todo se seque. Puedes usar una su
secadora si quieres, pero primero deja que se seque de forma natural
durante unos 10 minutos. Una vez que el brillo desaparece
de la pintura húmeda, lo que
indica que se
ha asentado, puede usar una secadora para
completar el proceso de secado
10. Tallos y sépalos: Como todavía tenemos la pintura
verde en la paleta, terminemos todas las partes verdes antes de pasar a
pintar las flores. En este paso, voy a demostrar
cómo pintar los tallos y sépalos de las flores
usando un tamaño para pincel Comenzando por los tallos, empiezo por aplicar un tono verde
extremadamente claro, teniendo mucho cuidado para ser precisos y permanecer dentro
de las líneas de lápiz. Una vez aplicada esta
capa inicial, cambio a un pueblo más oscuro de
color verde y lo
agrego con moderación, enfocándome en áreas cercanas a las
hojas y en las articulaciones Ahora, centrémonos en la esquina
inferior izquierda. Aquí quiero comenzar con
un tono más cálido de verde, así agrego un toque de oro
verde a la mezcla. Empiezo sintiendo las formas de los sépalos y luego paso
a pintar el tallo Para agregar profundidad,
incluyo una sombra debajo la flor y en el tallo
usando un tono más oscuro de verde. Continuando con los
tallos y sépalos, utilizo varios tonos de verde y marrón para
rellenar las formas En esta etapa, me estoy
enfocando en aplicar lavados
planos sin
agregar detalles Más adelante, quizá incorpore
algunos detalles adicionales, pero por ahora, me estoy concentrando en
establecer los colores básicos M. Después de pintar un tallo, noté que parecía
bastante solitaria, así que decidí presentarles a
dos compañeros Usando un lápiz HB, dibujé líneas simples para indicar
los lados de los tallos. Solo dibujé una
línea para representar un lado del tallo ya que
los tallos son bastante delgados. Estas líneas de lápiz sirven como guías para la forma
y Con el pincel, puedo pintar el grosor
deseado de los tallos siguiendo la
forma de las líneas. Por último, procedo a pintar los últimos tallos y sépalos del
lado derecho En esta etapa, así es
como se ve la pintura. En la siguiente parte,
aplicaremos la capa base a los pétalos de las flores. Bien.
11. Flores - capa inicial: Ahora comencemos a pintar esas
impresionantes flores anaranjadas. Como estamos haciendo la transición
a diferentes colores, lo mejor es limpiar la
paleta al menos en un lado Nos quedaremos con el green
para su uso posterior, así que lo dejo intacto No obstante, estoy limpiando
el lado izquierdo de mi área de mezcla donde
amarillaré naranja y rojo. Este también es un buen momento
para cambiar el agua. Primero, prepararé el
encantador naranja transparente, un hermoso color que será perfecto para las flores de
esturión Adicionalmente, mezclaré el amarillo
Windsor profundo, lo que hará más calor
en los pétalos. Por último, necesitaremos
un rojo cálido y yo he elegido el
rojo windsor para este propósito. Usaremos este rojo en los
centros de las flores. Comencemos con
la flor más pequeña en la esquina inferior izquierda, usando un pincel tamaño cuatro. Primero, recoge el amarillo Windsor profundo y rellena los
pétalos con este color. Este amarillo
servirá como nuestra base sobre la cual construiremos
más variaciones de color. Con el
lavado plano amarillo en su lugar, ahora recoge el naranja
transparente y aplícalo a los pétalos, comenzando desde el centro. La idea aquí es hacer que
el centro de la flor naranja o que las otras
partes de la flor. Aplica los mismos
colores a los pétalos que son visibles detrás de
las hojas de arriba. Comienza con la base amarilla, y luego agrega un poco de naranja para
crear profundidad y dimensión. Ahora pasemos a
las flores más grandes. El principio fundamental
sigue siendo el mismo. Aplica primero una capa de amarillo, y luego agrega naranja
a los pétalos, enfocándose principalmente en el
centro de la flor, que eventualmente será más oscura. No te preocupes por
los pétalos individuales en esta etapa. Nuestro objetivo es llenar las flores
de amarillos y naranjas. Nos centraremos en refinar pétalos
individuales
en la siguiente parte. Entonces, por ahora, aplica la pintura
a toda la flor a la vez. Después de pintar esta flor, sigamos a otra parte. Debemos evitar pintar
la flor justo
al lado de ella ya que el
color más claro puede fluir hacia el naranja más oscuro de esta primera flor e
interrumpir nuestro efecto deseado. Volveremos a esta flor
más tarde cuando esté seca. Ahora en las siguientes
dos flores más pequeñas, no
hay nada
particularmente nuevo aquí. Simplemente los estoy pintando con amarillo y agregando más
naranja cerca de los sépalos. Para las flores más grandes, he cambiado a un pincel
más grande tamaño diez. Esto hará que sea más fácil
cubrir áreas más grandes con mayor rapidez. A. Después de aplicar el amarillo
a la flor de la izquierda, voy dejando caer la naranja en el centro y en la parte inferior. Es crucial que el centro
sea para transmitir la
dimensionalidad de la flor Ahora pasemos a
la flor inferior derecha
y repita el proceso. He decidido jugar
con los valores tonales aquí, así que esta flor
tendrá un tono más claro en los pétalos en comparación con
las otras flores ¿Por qué no? Esta es una pintura
estilizada para que pueda cambiar cualquier cosa como nosotros Aplica también el amarillo básico a los
tres murciélagos pequeños. Ahora, dejemos que todo
se seque por completo. Una vez secos, podemos proceder a pintar las dos flores restantes. Empecemos por la
flor de la izquierda. Aquí no hay nada muy
sorprendente. Después de aplicar el amarillo, lo haré en la naranja. Voy a repetir el mismo
proceso para la flor. Aquí está el resultado en esta etapa. Tenemos una base sólida
tanto para los elementos verde como
naranja. Ahora podemos proceder
a agregar algunos detalles.
12. Flores: profundización de los colores: Bien, centrémonos
en refinar las flores. Si bien tenemos una base hermosa, actualmente
no
hay distinción entre pétalos individuales. En esta parte, dedicaremos un poco más de tiempo a cada pétalo para profundizar sus colores y crear diferenciación
entre ellos. En esta etapa, podemos usar ya sea el húmedo húmedo
o húmedo sobre seco. Empezaré con mojado sobre mojado
solo para mostrarte y después, cambiaré a mojado sobre seco y discutiré los pros
y los contras de ambos. Empezando por mojado sobre húmedo, aplicar una capa de
agua sobre uno de los pétalos. Después recoge una mezcla de naranja
y aplícala cerca del centro y a lo largo de los bordes de
los pétalos vecinos para crear distinción entre ellos. Adicionalmente, podemos
agregar rojo windsor en el centro de la flor para
crear un tono aún más oscuro. Es importante tener en cuenta que
para crear un tono más oscuro, estoy usando un color análogo. En este caso, como estamos
pintando flores anaranjadas, estoy usando un color análogo con un rango de valor tonal más amplio, que es el rojo Windsor Este enfoque me permite
mantener la vitalidad del color a
la vez que logro
un tono ligeramente más oscuro Si el rojo windsor no es
lo suficientemente oscuro como sucederá más adelante, usaré otro método
para crear un color de sombra, como agregar un
color complementario o usar paneles grises. Agregar rojo windsor
al centro
del pétalo crea vitalidad y el centro más oscuro
proporciona profundidad a la flor Ahora voy a pasar de
un pétalo a otro, dedicando un poco más de
tiempo a
introducir cuidadosamente esos tonos
anaranjados y rojos. Estoy pintando pétalos que
no se tocan entre sí para evitar que la pintura húmeda
fluya hacia pétalos adyacentes. Una vez que haya pintado los
pétalos que podría pintar, usaré un secador de pelo para
secarlos todos y seguir pintando. El propósito de esta etapa es agregar más profundidad a los pétalos, crear distintas
separaciones entre ellos e intensificar los colores La segunda capa debe potenciar la riqueza y
vitalidad de los colores En lugar de aplicar un
tono más oscuro solo cerca del centro, también
podemos aplicarlo en
diversas zonas de los pétalos. Un tono más oscuro indica
una sombra visible entre los pétalos o una sangría en el Por lo tanto, dependiendo de
dónde apliquemos el tono, podemos alterar la
forma del pétalo. Como no estamos usando
ninguna foto de referencia, esto nos da la libertad de
crear la impresión de una flor de la manera que
nos parezca más atractiva. Ahora, voy a cambiar a un pincel
más pequeño ya que es cuatro y pintaré la torre
en la esquina inferior izquierda. También pasaré a usar
la técnica de mojado sobre seco. Carguemos nuestro pincel con un poco de pintura naranja y
apliquemos al pétalo. Bien llueve y sangre el pincel
y con un pincel de do limpio, suavizar
suavemente los bordes
de la pintura aplicada Repita este proceso
en el segundo pétalo. Es importante tener en cuenta
que con esta técnica, primero
creamos bordes duros, y luego tenemos la flexibilidad
para decidir si ablandarlos todos o retener
algunos para mayor efecto En contraste con la técnica húmeda sobre húmeda utilizada
anteriormente donde los bordes
duros son
imposibles de lograr debido a que la pintura se disuelve
en la capa húmeda. Aquí tenemos más
control sobre los bordes. Podemos optar por líneas nítidas o elegir suavizarlas
para crear una variedad de efectos como
distinción adicional entre pétalos o
sombras proyectadas más fuertes con bordes afilados Por ejemplo, en esta maceta, uso de líneas duras nos permite delinear los pliegues de
los pétalos de manera efectiva Alcanzar este nivel de detalle no sería
factible con una técnica
húmeda sobre húmeda donde crear bordes
tan definidos es más desafiante o simplemente imposible. Continuar refinando los pétalos
usando la misma técnica, refiriéndose a mi pintura
terminada como
guía para lograr
un resultado similar. Imagina que
no hay venas en los pétalos. Todo debajo de las venas es el resultado de
esta etapa de pintura. Apégate a los tres colores, amarillo
Windsor profundo, naranja
transparente
y los vientos son rojos. Usa tonos más oscuros, especialmente
más rojos en el centro de las flores para crear
la impresión de profundidad y una
forma de trompeta de la flor Una vez que hayas completado la
segunda capa sobre las flores, considera agregar sombras y detalles a los sépalos
para rematarlos. Como no
queda mucho por hacer en los sépalos, puedes completar el
paso con relativa rapidez Usa un tono verde más oscuro para pintar las sombras en los sépalos, enfocándote en crear una distinción entre sépalos
individuales Imagínese que la fuente de luz
viene de la izquierda, las sombras deben caer en el lado
derecho de cada sépalo, dejando el lado izquierdo más claro Mantenlo simple y efectivo
evitando demasiados detalles y solo sugiriendo sombras
con el tono verde más oscuro. Con eso, esta
etapa está completa. El siguiente paso consistirá pintar las venas en
los pétalos y las hojas. Pasemos al siguiente, donde abordaremos pintar
las venas en los pétalos.
13. Venas - flores: En los dos últimos segmentos
del tutorial, nuestro enfoque estará en pintar las venas de las
flores y las hojas. Esta etapa es particularmente
agradable ya que es relativamente sencilla y
los detalles agregados llenarán nuestra pintura
con más carácter. Para este escritorio, estaré usando un pincel de diseñador de talla cero. Este cepillo es
excepcionalmente delgado. Esta idea para un trabajo preciso. Si bien se asemeja a
un cepillo aparejador, sus cerdas más cortas ofrecen
aún más precisión Sin embargo, si no tienes este bruh, este cepillo
en particular, no te
preocupes, un cepillo redondo
regular con una punta fina
hará el trabajo La clave es tener una herramienta que permita detallar
intrincados. Comencemos con un tono anaranjado y este pequeño pétalo
situado detrás de la hoja. Esta área sirve como un
campo de pruebas perfecto para nuestras líneas. Como puedes ver, las líneas creadas con este
pincel son muy delgadas. La dirección de estas
líneas es súper importante. No sólo hacen que los
pétalos sean más interesantes. También nos muestran la
forma de los pétalos. Dependiendo de cómo los pintemos, podemos hacer que los pétalos
se vean diferentes. Pueden curvarse, doblarse y torcerse. En este punto, necesitamos
usar un poco más de
nuestra imaginación. Me gusta imaginar cómo se curva
el pétalo y pintar las líneas como si estuviera pintando en la
superficie del pétalo. Las líneas rectas no son suficientes. Necesitan curvarse un poco, siguiendo la forma
de los pétalos. Estas líneas o
venas nos ayudan a convertir un pétalo de aspecto plano en
una fresca forma de tres D. Si necesito un tono más oscuro de rojo porque los vientos son
rojos no es lo suficientemente oscuro, entonces voy a añadir un
poco de verde oscuro. El verde cuando se mezcla con el rojo hace un rojo o marrón más apagados Es el color
perfecto perfecto para nosotros. Voy a usar este marrón
rojizo más oscuro para pintar las venas en el
centro de los pétalos Este color más oscuro también hace que
el centro de la flor. No necesitamos
pintar demasiadas venas. Apenas unos pocos dispersos aquí
y allá van a hacer el truco. Pero en este caso,
creo que tener venas
tanto en los pétalos como en las hojas creará un bonito diseño
general. Ahora, tómate tu tiempo
y pinta las venas de todos los pétalos lenta
y cuidadosamente. Demostrará el
paso sobre unos pétalos, pero puedes seguir junto con mi pintura terminada si
quieres replicar
estas líneas con precisión Una cosa importante
a tener en cuenta es que no
debes pintar
las vetas demasiado gruesas. Necesitan ser muy delgadas para mostrar la delicada naturaleza
de estas flores. Usa una brocha con punta
afilada e intenta pintar con solo una punta o usa
una brocha similar a la mía. Este proceso puede requerir
algo de enfoque en el tiempo, pero el resultado será
una hermosa pintura. En esta etapa, también puedes
agregar algunas sombras si es necesario. A lo mejor te gustaría oscurecer
ligeramente los
centros de las flores Este es un buen momento para hacerlo. Es realmente asombroso cómo líneas
tan simples pueden traer
tanta vida a estos pétalos. A. Así se ve mi pintura después de agregar las
venas a los pétalos. Ahora podemos pasar
al último paso, que es pintar las
venas en las hojas.
14. Venas - hojas: Bien, ahora hemos llegado a
la parte emocionante, añadiendo venas a las hojas. Nuestra pintura está casi lista. Para esta parte, estaré
usando tinta acrílica blanca. Esta es solo una opción. Normalmente,
usaría guash blanco, pero sé que muchos
de ustedes tienen problemas para encontrar la consistencia adecuada
con guash blanco Por eso quiero mostrarte esta tinta acrílica porque tiene una consistencia perfecta
directamente de la botella. La tinta acrílica es una pintura acrílica, que se adelgaza hasta obtener una
agradable consistencia fluida Es rápido a la luz, opaco,
se seca muy rápido. No se desvanece y
funcionará muy bien para nuestro propósito. Aquí, he pintado dos hojas
similares para probarlas. Si no estás familiarizado
con la tinta acrílica, sugiero probarla antes de usarla en
tu pintura real. Bien. Déjame
mostrarte cómo funciona. También puedes experimentar
con lápices blancos, pero desde mi experiencia, ninguno de ellos me dio el
resultado que buscaba porque no son lo suficientemente intensos y opacos para mis necesidades. No obstante, puedes usar un lápiz blanco para marcar
algunos lugares si quieres. Por ejemplo,
puedes dibujar ligeramente líneas donde vas
a pintar las venas. Ahora, volvamos
a la tinta acrílica. Aquí tengo un plato pequeño, y lo voy a usar
como mi paleta. La tinta acrílica viene en
un frasco cuentagotas, por lo que es muy fácil
transferir una pequeña
cantidad a la paleta Como puedes ver, la
consistencia ya es fluida y perfecta
para su uso inmediato. A diferencia de guash, no
tienes que
preocuparte por
cuánta agua usar No obstante, ten en cuenta que la tinta
acrílica se seca bastante rápido. En algún momento, es
posible que necesitemos agregar un poco de agua para
que vuelva a ser más fluida. También podemos agregar algo de pintura acuarela
para cambiar su color. Funciona bien con
acuarelas, pero idealmente, sería genial
tener varios colores de tinta
acrílica para que podamos
mezclarlos para crear nuevos colores. Aquí agregué un poco de verde, y como pueden ver, podemos cambiar
ligeramente el
color a verde. Por supuesto, cuando
añadimos pintura acuarela, el color resultante siempre
tendrá un aspecto pastel porque
la tinta es blanca. Si quieres lograr colores
fuertes y vibrantes, solo
tendrías que usar
otros colores de tinta acrílica. No obstante, para nuestros fines, tinta
blanca es suficiente. Como puedes ver, esta
pintura cubre muy bien. Es muy opaco y es muy
agradable trabajar con
su consistencia. Profundo mi pincel en agua con
más frecuencia si
la consistencia se vuelve demasiado espesa o la
tinta comienza a secarse. Ahora, pasaré
a mi pintura. Pensé que agregaría un poco de amarillo
Windsor profundo aquí y algo de verde para hacer un
bonito color verde cálido. Y podemos empezar a
pintar las venas aquí. No estoy mirando
ninguna foto de referencia. No hay necesidad de hacerlo. Sólo tengo que decidir
dónde se encuentran las venas. Partiendo de ese lugar, estoy pintando las líneas
hasta los bordes. Las líneas se ponen y. Creo que el color puramente blanco es demasiado brillante para enfriar para esto. Por eso le agregué un poco de
verde y amarillo y uso el
blanco puro con mucha moderación Después de algún tiempo, es posible que
notes que hay algunos pequeños grupos
en tu paleta, y eso es solo tinta seca Ahora, muy lentamente, construye
la vena en cada hoja. Comienza desde el centro y pinta las venas hacia afuera. No te apresures. Usa un pincel de diseñador o un pincel o cualquier pincel que
tenga una punta muy afilada. Mis venas son muy prominentes, muy visibles, y
llaman la atención. Así es como
quería pintarlo. Quería resaltar
esas venas porque creo que se
ven realmente interesantes. Esa es solo mi idea
para este diseño. Sin embargo, no
tienes que seguirme. Si piensas que esas
venas son demasiado prominentes, posible
que quieras
regar la tinta o guash
dependiendo de lo que uses Mucho más para hacerlo mucho más transparente y pintar las vetas que son mucho menos visibles. Puedes pintarlas
más delgadas si quieres. Siéntete libre de hacer
lo que quieras. Es tu pintura y
sólo te estoy enseñando una idea. Creo que estas venas se ven
particularmente hermosas, y me encanta el fuerte
contraste entre ellas y el
color verde oscuro de las hojas. Debido a que esta tinta
se seca muy rápido, también
podemos volver a algunas zonas y volver a aplicar
la pintura si es necesario Una cosa que me gusta hacer es redondear los ángulos
en los centros. Cuando pintamos algunas venas principales que salen del centro, estas líneas en el centro
crean ángulos agudos. A mí me gusta redondear esos ángulos. Eso es sólo un pequeño detalle. Ahora seguir trabajando
en cada hoja. Y. Puedes decidir si quieres agregar alguna vena a las
hojas más claras del fondo. Decidí añadir ahí venas finas muy
ligeras, pero dejé algunas siluetas
sin las venas Las hojas en la parte posterior
no tienen que tener tantos detalles como
las hojas de enfrente. Con esas vetas, podemos
terminar la pintura. Ahora puedes firmarlo, quitarlo del tablero del cocodrilo y colgarlo con orgullo en tu
pared o compartirlo en línea. Enhorabuena por
terminar este proyecto. En la siguiente parte,
resumiremos lo que hemos aprendido.
15. Resumen: Vamos a resumir lo que hemos
cubierto en este tutorial. Las principales lecciones que
hemos aprendido son
inspirarnos en
Stanisva Vespinskis
y una obra de Tanigams. Equilibrar la pintura suelta con detalles
precisos siguiendo
un enfoque en capas desde el fondo
hasta el primer plano y
abrazando
flores y superposiciones intencionales Preparación de mezclas de colores
para hojas y flores. Rellenar formas con
pintura acuosa e incorporar textura
intencional
y variación para un efecto acuarela Usar técnicas húmedas y secas y húmedas sobre húmedas para
controlar y variar, cambiar los tamaños de pincel para áreas
detalladas y más grandes, y usar un secador de pelo para
secar entre capas, Aplicar capas base a flores con un enfoque
en el oscurecimiento central, separar pétalos
con tonos más oscuros y profundizar los colores con
la segunda capa y usar pinceles
finos para pintar venas precisas experimentar con tinta acrílica
blanca o guash para las venas foliares Muchas gracias por acompañarme en este viaje
creativo. Agradezco el tiempo
que has pasado conmigo. Te animo a que pruebes
este cuadro Fue agradable pintar, y estoy satisfecho con el resultado. Si ya terminaste tu pintura,
enhorabuena, bien hecho. Espero que estés orgulloso
con tu resultado. Muchas gracias por
ver y pintar feliz por
