Fundamentos de la fotografía: comprender los conceptos básicos

1. Introducción al curso: Cuando se trata de aprender fotografía, honestamente, hay tanta información por ahí que puede ser abrumadora. Siempre he sentido que solo hay unas pocas cosas que realmente necesitas saber para tomar buenas fotos cuando comienzas por primera vez como fotógrafo. Una vez que entiendas esas cosas más fundamentales de la fotografía, depende de ti tomar esas cosas y salir a disparar, y practicar, y crecer como fotógrafo. Mi nombre es Sean Dalton y soy de San Francisco, California. Durante los últimos años he estado trabajando como fotógrafo de viajes y estilo de vida en toda Asia, persiguiendo proyectos que me interesan, proyectos que me inspiran y simplemente seguir creciendo como fotógrafo. Cuando empecé por primera vez como fotógrafo, creo que me sentía como mucha gente, tal vez como te sientes, me sentí realmente creativa. Sentí que podía captar muchas cosas diferentes. Pero para ser honesto, ni siquiera sabía cómo configurar correctamente mi abertura, y en lugar de ser una herramienta, la cámara era en realidad una barrera para mí porque no sabía cómo usarla correctamente. Una vez que aprendí el lado técnico de la fotografía, realmente me abrió puertas de forma creativa y realmente pude liberarme, y realmente pude captar cualquier visión artística que tuviera en mi mente, podía capturar en una fotografía. En resumen, vamos a estar cubriendo básicamente todo lo que necesitas saber sobre cómo tomar buenas fotos. Eso incluye cosas como cómo elegir los mejores ajustes de cámara para capturar la foto que desea, y cómo usar el enfoque manual y el enfoque automático de manera efectiva. Cómo clavar la composición perfecta. Cómo encontrar la luz perfecta para cualquier escena, así como cómo encontrar tus propios estilos fotográficos únicos o el proceso que puedes llevar para desarrollar tu propio estilo único y destacarte de la competencia. Cómo establecer una fuerte red social siguiendo como fotógrafo, lo cual es realmente importante en este día y edad. Entonces te voy a dar algunos consejos cruciales de edición de fotos paseándote por dos ediciones diferentes, mostrándote cómo editar esas fotos de principio a fin. En resumen, vamos a estar cubriendo todas las cosas más cruciales que debes saber para tomar mejores fotos. Creo que estas son cosas que todo fotógrafo realmente necesita saber. Además estaré brindando un montón de ejemplos, animaciones para ayudarte a entender realmente los temas de los que vamos a estar hablando o para facilitarte la comprensión, creo que esos realmente ayudarán. Este curso fue diseñado para cualquiera que sólo quiera tomar mejores fotos, o para cualquiera que quiera convertirse en un mejor fotógrafo en general. A lo mejor eres alguien que sólo quiere entender cómo usar mejor la cámara, o tal vez eres alguien que aspira a ser un fotógrafo profesional algún día. En resumen, si lo que buscas es mejorar tus habilidades fotográficas, este curso te tiene cubierto. Si no tienes una cámara DSLR o sin espejo y todo lo que tienes es tu smartphone, eso está totalmente bien. Muchos de estos temas que vamos a estar discutiendo en este curso son realmente relevantes para cualquier cámara que puedas tener. Con ese dicho chicos, empecemos. 2. Proyecto del curso: Por fin hemos llegado a los proyectos del curso y este es un proyecto que hice cuando tomé un curso de fotografía en la escuela y este es el proyecto que boca abajo, me hizo un mejor fotógrafo. Esta es la actividad única que recuerdo de tomar esa clase en la universidad y esto me ha ayudado tanto a convertirme en un mejor fotógrafo. El proyecto es salir afuera, encontrar algo que sea interesante, o tal vez ni siquiera sea interesante tal vez sea algo normal y disparar a esa cosa 50 veces, tal vez sea tu auto o una hidrante de incendios o un árbol o un basquetbol, sea lo que sea. Toma tu cámara y toma 50 fotos diferentes de ese objeto con 50 composiciones diferentes. Para poder hacer este proyecto, realmente, realmente tienes que pensar fuera de la caja y realmente empujar tu creatividad. Por lo general, cuando veamos algo solo pensaremos tal vez una o dos formas de rodarlo pero si realmente estás tratando de conseguir composiciones diferentes y conseguir unas tomas realmente interesantes, esta actividad te será increíble. Algunos consejos son para moverse tanto verticalmente así, dispararlo desde arriba, dispararlo desde abajo y luego también horizontalmente. Así que dispáralo desde el lado derecho, dispáralo desde el lado izquierdo y luego también profundidad sabia así que retrocede y dispáralo, ponte de verdad, muy cerca y dispárale algunos de los diferentes detalles en él, y simplemente realmente piensa fuera la caja y tratar de llegar a algo único. Después de que hayas hecho eso, después de haber capturado esas 50 fotos, vuelve al curso y publica tus fotos favoritas de esa sesión aquí en el proyecto del curso. Se quiere publicar todo 50, publicar todo 50 pero una foto está honestamente bien. A lo mejor solo tu foto favorita de esa actividad. Confía en mí, este no es un ejercicio fácil recuerdo totalmente luchando con él cuando estaba en la universidad, tenía que disparar una hidrante de fuego y simplemente no pude encontrar diferentes formas de dispararlo. Pero realmente sí conseguí algunas tomas realmente únicas de esas tomas de actividad que realmente nunca hubiera tomado antes de hacer eso. Entonces realmente creo que esta es una lección increíble y realmente útil para ti y no solo mejorar tu composición sino aprender a trabajar mejor y solo pensar fuera de la caja en general. De verdad espero que te tomes el tiempo para hacer esto. Me encanta echarte un vistazo como proyecto, sobre todo este. Este es mi proyecto favorito, así que por favor tómate el tiempo para hacer eso. Voy a revisar esos. Otros alumnos del curso los revisaremos también y no puedo esperar a ver qué se te ocurre. 3. Ajustes de la cámara: Lo primero que necesitamos discutir es cómo funciona tu cámara. Se trata de manos abajo la pieza más fundamental de la fotografía. Estamos usando cámaras como nuestra herramienta. Como fotógrafos, esa es nuestra herramienta. Si no sabemos cómo usar correctamente la cámara, entonces realmente no podemos capturar lo que realmente queremos capturar. No podemos liberarnos creativamente. Por lo que en resumen, las cámaras funcionan capturando la luz. Cada vez que escuchas ese clic, ese es básicamente el obturador que se abre y la luz entra en la cámara. ¿Qué significa eso? Bueno, dentro de cada cámara está lo que se llama una caja negra. Está desprovista de toda luz. Está completamente oscuro y dentro de esa caja negra hay un sensor. Ese sensor es lo que registra toda la información que entra en la cámara, graba toda la luz que entra en la cámara. Debido a que las cámaras capturan luz, necesitamos decirle a la cámara cuánta luz necesita realmente capturar. El motivo de eso es porque afecta el brillo de nuestra imagen. Si tenemos demasiada luz entrando a la cámara, nuestras fotos van a ser lo que se llama sobreexpuesta, que es demasiado brillante. Si no tenemos suficiente luz entrando a la cámara entonces nuestra foto va a estar demasiado oscura. Por lo tanto, es realmente importante para nosotros regular cuánta luz está entrando a la cámara para que podamos tener una foto que esté adecuadamente expuesta y que simplemente se vea realmente bien. Eso es exactamente lo que estamos haciendo cuando estamos disparando en modo manual. En lugar de permitir que la cámara elija cuánta luz está entrando a nuestra cámara, estamos eligiendo, estamos diciendo a la cámara cuánta luz queremos entrar a la cámara. El motivo por el que queremos disparar manualmente en lugar de permitir que la cámara elija cuánta luz entra, es porque todas las cosas que afectan a cantidad de luz entra a la cámara también tienen otro efecto, un creativo efecto en la imagen. Existen tres ajustes diferentes que necesitamos ajustar para controlar la cantidad de luz que entra a nuestra cámara. Sólo tres. Necesitamos crear un equilibrio entre estas tres cosas para conseguir la exposición adecuada. Esas tres cosas son velocidad de obturación, apertura, e ISO. Esas tres cosas comprenden lo que llamamos el triángulo de exposición, que es un bonito diagrama pequeño que nos ayuda a entender cómo afectan todas la exposición de nuestra imagen. Todas estas tres cosas afectan la exposición de nuestra imagen, que ya dijimos, pero también tienen su propio efecto único. Una vez que entiendas qué efecto tiene cada una de estas cosas en tu imagen, vas a poder capturar cualquier imagen que quieras capturar y también puedes usar cualquier cámara del mundo porque todas funcionan exactamente de la misma manera. El primero de los tres ajustes de los que quiero hablar es la velocidad de obturación. Ahora, la velocidad del obturador se denota por un número, por lo que un segundo, 1/100 de segundo, 1/4000 de segundo, etc. Recuerda cómo te dije cómo hay un pequeño espejo que se voltea hacia arriba y luego vuelve hacia abajo para permitir que la luz entrar a la cámara, bueno, la velocidad de ese flick, ese espejo es la velocidad del obturador. velocidad del obturador regula la cantidad de luz que entra a tu cámara simplemente por cuánto tiempo está abierto ese obturador. Cuanto más tiempo esté abierto el obturador, más luz entra a la cámara. Cuanto más corto esté abierto el obturador, menos luz entra a la cámara. Es bastante fácil de entender y en realidad lo puedes ver y oírlo cuando estás mirando una cámara. Tomemos dos fotos aquí y quiero que mires dentro de la cámara, y también quiero que escuches. Cada vez que tomas una foto, en realidad escuchas dos clics. El primer clic es la abertura del obturador, y el segundo clic es el cierre del obturador. Para este primer disparo, la voy a tomar a una velocidad de obturación realmente rápida, lo que significa que no va a entrar mucha luz a la cámara. Escucha lo rápido que es esto. Es muy rápido. Eso es básicamente no permitir que una gran cantidad de luz entre en nuestra cámara, lo que resultará en una imagen más oscura. Ahora déjame mostrarte el otro lado, una exposición realmente lenta, lo que significa que estamos dejando el obturador abierto por un largo periodo de tiempo, permitiendo que mucha luz entre a la cámara. Voy a hacer una exposición de un segundo aquí. Una vez más, escucha y mira. Mucho más largo que el 1/4000th de un segundo que hicimos en el último. Déjame hacer eso otra vez. Ustedes lo escuchan hacer clic arriba y luego dar clic hacia abajo. Esa es la velocidad del obturador de acuerdo a la luz y cuánta luz está entrando a la cámara. Pero, recuerda dije que los tres de estos ajustes de velocidad de obturación, apertura, e ISO también tienen su propio efecto creativo en la foto. Ahora el efecto creativo para la velocidad de obturación es la capacidad congelar el movimiento y, o desenfocar el movimiento. Cuanto más rápida sea tu velocidad de obturación, más movimiento vas a poder congelar. Selectos fotógrafos deportivos, disparan con unas velocidades de obturación realmente rápidas, por lo que todo es nítido y desenfoque de movimiento cero. Si disparas con una velocidad de obturación lenta donde vas a tener más desenfoque de movimiento en tu foto, si hay cosas en tu foto que se están moviendo. Este diagrama realmente nos ayuda a entender el efecto creativo de la velocidad de obturación y cómo nos permite congelar el movimiento. Este diagrama toma en cuenta no sólo la cantidad de luz que entra a la cámara, sino también el efectivo creativo de la velocidad del obturador, que es la capacidad de congelar el movimiento. A la izquierda tenemos menos luz con una velocidad de obturación más rápida. Entonces 1/2500, que es una velocidad de obturación bastante rápida, vas a poder congelar mucho movimiento con eso. Por eso vemos a ese hombrecito completamente crujiente, agradable y afilado y eso es porque estamos usando esa velocidad de obturación rápida. Del otro lado, tenemos una exposición de un segundo, lo que significa que estamos dejando entrar mucha luz a nuestra cámara, pero también tenemos esta mirada borrosa. Ahora una cosa a tener en cuenta es que, no hay bien ni mal. Esta es una característica creativa. Muchos fotógrafos utilizarán una gama de velocidades de obturación para capturar cualquier look que quieran. Por ejemplo, si estás disparando deportes, vas a querer disparar a una velocidad de obturación realmente rápida como 1/2500 o 1/1500, o a veces incluso van más arriba que eso, 1/4000. Si estás disparando a tu amigo caminando por la calle, normalmente puedes disparar a 1/500 de segundo o 1/250 de segundo. Esos suelen ser bastante buenos y nota mis cámaras mucho del tiempo colgando a esas velocidades de obturación. Entonces si eres fotógrafo de paisajismo y quieres capturar un océano borroso con las olas azules, o tal vez estás disparando en una ciudad y quieres atrapar como muchas corrientes de luz de los autos. Se puede disparar a una exposición de un segundo. Incluso se puede disparar a una exposición de 30 segundos. He visto a un tipo disparar a una exposición de 200 segundos, solo le dio a las fotos un aspecto tan cool porque permitía tanto desenfoque de movimiento en la imagen que estaba completamente borroso en algunas áreas, pero increíblemente nítido en las zonas que no estaban moviéndose por lo que es un efecto creativo. Cuando ves esas fotos de las estrellas en el cielo con unos senderos estelares, esas son locas como 5-30 minutos de exposición donde apenas están dejando la cámara abierta por tanto tiempo que la rotación de la Tierra está cambiando realmente la posición de las estrellas en la cámara permitiéndoles capturar esos senderos estelares realmente geniales. Otra cosa a tener en cuenta sobre la velocidad del obturador es que la velocidad del obturador niega la cantidad de sacudida de la cámara en tu foto. Si estás disparando a una velocidad de obturación realmente lenta como esta, no puedes sujetar esa cámara porque, incluso un poco de sacudida va a resultar en una foto borrosa. La regla que siempre tengo es, si estoy sosteniendo la cámara en la mano, trato de no ir por debajo de 1/100 de segundo para velocidad de obturación porque eso nos permitirá asegurarnos de que nuestra mano en movimiento no va a hacer borrosa la imagen, a menos que quieras ese look, pero normalmente no se ve muy bien. Si sí tienes unas cámaras más modernas, algunas de las cámaras más modernas tienen como estabilización encarna o las lentes tienen estabilización, lo que significa que puedes caer por debajo de ese 1/100 de segundo porque la cámara tiene un estabilizador en el interior permitiendo que la imagen sea más nítida. A continuación quiero hablar de apertura. una abertura también se le conoce como el f-stop. Una abertura también se denota por un número, y generalmente se indica como una marca en la lente. Este objetivo es 1.8, lo que significa que la apertura máxima de este objetivo es 1.8. Ahora las aperturas típicamente van desde 1.2 hasta F 22, y eso solo depende de tu lente. Apertura es bastante fácil de entender. apertura es básicamente del tamaño del agujero en tu lente que está permitiendo que la luz entre a la cámara. Básicamente, cuanto más ancha esa apertura, más luz va a entrar a la cámara, y cuanto más pequeña sea la abertura, menos luz va a entrar a la cámara. Lo que se complica cuando empezamos a hablar de los números, la apertura es rara. No tiene mucho sentido porque cuanto menor es el número, ancha es la apertura. Una abertura de F 1.8 o F 1.4 es una abertura realmente amplia, lo que significa que mucha luz está entrando en la cámara. tanto que una abertura de F 10 o F 14 o F 22, esas son realmente pequeñas aperturas, que no permite que entre mucha luz a la cámara. Esta es otra cosa que en realidad puedes ver en la cámara cuando lo miras, es bastante guay. Si miras en la lente de esta cámara, realidad puedes ver un pequeño agujero con lo que parecen cuchillas alrededor del agujero. Ese agujero es esencialmente nuestra abertura. Ahora si ajuste la abertura, realidad se puede ver ese agujero cada vez más grande, permitiendo más luz en la foto. Eso es genial. Entendemos cómo la apertura controla cuánta luz entra a la cámara, pero ¿cuál es el efecto creativo de la apertura? El efecto creativo de la apertura es la capacidad de controlar la profundidad de campo. Una profundidad de campo es esencialmente la cantidad de desenfoque en una imagen más allá del sujeto que está enfocado. También llamamos a esto, este borrón Bokeh. Bokeh ha convertido término y fotografía realmente sexy en este momento porque bokeh se ve realmente genial y realmente puede hacer que tu imagen se vea súper artística. Cuando se trata de profundidad de campo, esencialmente, cuanto mayor sea nuestra apertura, que es un número menor en este caso, menor será nuestra profundidad de campo. Cuanto menor sea nuestra apertura, lo que significa un número más grande como F 8 o F 22, más enfoque tendrás en tu escena. Puedes tener foco todo el camino desde el primer plano, hasta el fondo. Ahora, tanto las aperturas pequeñas como las grandes son súper importantes para la fotografía y utilizamos todas las aperturas de la cámara dependiendo del tipo de cosa que estemos filmando. Entonces, por ejemplo, si quieres tomar un retrato y quieres tener cara y el enfoque de esa persona y luego tener todo detrás de ellos sea realmente agradable y fuera de foco, para que realmente podamos enfocarnos en la persona, en el tema. O para eso vamos a querer usar una abertura amplia. Una abertura de F 2.8 o F 2 o F 1.8 o F 1.4, eso es una apertura súper amplia, que realmente nos dará ese look fresco, único, artístico. Pero si quieres capturar algo así como un paisaje súper nítido y tener todo lo bonito en foco, incluyendo tal vez haya un arbusto frente a ti, y luego lejos en la distancia está una hermosa montaña y tú quieren tener tanto el arbusto como la montaña en foco. Bueno para eso, vas a querer usar una abertura realmente pequeña, como F 18 o F 22. Aperture es realmente importante para capturar ese aprendizaje realmente creativo. Creo que tiene uno de los impactos más grandes en tu foto. Una vez que puedas entender esto, realmente puedes empezar a tomar algunas fotos artísticas realmente geniales. Para mí, cuando entendí la apertura, realmente ayudó a hacer clic en las otras cosas en su lugar. La última parte del triángulo de exposición, el último ajuste que necesitamos entender es ISO. ISO también se denota por un número, generalmente comenzando en 100, que es un ISO bajo hasta 12,500, o incluso números locos como 56,000 ISO. Ahora, en resumen, la forma más fácil de entenderlo es ISO es la sensibilidad del sensor. Podemos ponernos más técnicos que eso, pero creo que eso es lo más importante que debes saber. Es la cantidad de sensibilidad que tiene tu sensor. Cuanto más alto sea el ISO, más sensible va a ser tu sensor, lo que significa que va a poder grabar más luz. Cuanto menor sea su ISO, menos sensible será su sensor, lo que significa menos luz en su imagen. Cuando se trata de regular la cantidad de luz en la imagen, ISO es bastante fácil de entender. Pero el efecto único de ISO realmente puede tener un fuerte efecto en tu imagen y no realmente una buena. Por eso me gusta llamar a ISO nuestro último recurso. Permítanme explicar por qué. Cuando aumentamos nuestro ISO en nuestra cámara, estamos aumentando la sensibilidad de ese sensor. No obstante, con mayor sensibilidad, viene mayor inestabilidad. Cuando digo mayor inestabilidad, quiero decir que la cámara empieza a adivinar las ondas de luz que están entrando a la cámara. Realmente no tiene la estabilidad para entender todas las diferentes ondas de luz que están entrando a la cámara y grabarlas adecuadamente. Lo que significa que cuanto más alto sea nuestro ISO, más ruido digital o grano digital va a estar en nuestra imagen, que honestamente simplemente se ve realmente mal. No se ve bien. Realmente no es como el viejo grano de película que solíamos ver. Cuando miras una vieja imagen desde una cámara de cine, había esa mirada granulada y realmente artística. Da a la foto una textura. Bueno, eso se ve muy bien en las cámaras de cine, pero con las cámaras digitales, no se ve nada bien. Está todo descolorido y simplemente realmente no se ve bien. Queremos evitar esto tanto como sea posible. Hacemos eso básicamente manteniendo nuestro ISO lo más bajo posible. La única vez que aumentamos nuestro ISO es cuando hemos ajustado nuestra apertura, hemos ajustado nuestra velocidad de obturación y aún no tenemos suficiente luz entrando a la foto. A lo mejor estamos filmando en un ambiente oscuro o tal vez en interiores donde simplemente no hay suficiente luz. Sólo entonces, sólo como último recurso, aumentamos nuestra ISO. Como dije, ISO realmente puede afectar negativamente la calidad de tu imagen. Yo quiero que experimentes con esto. Toma una imagen a 100 ISO y luego ajusta la cámara y luego toma otra imagen al ISO máximo que tu cámara pueda sacarla. Ya sea que sean 6,400 o todo el camino hasta 32 mil, sea cual sea ese número, toma una imagen de eso, acércate y mira la imagen. Se va a ver dramáticamente diferente. Ahora que hemos hablado de las tres piezas del triángulo de exposición, y hemos hablado de las cosas creativas que también hacen. Tenemos que hablar de ellos juntos. En esta siguiente lección, vamos a hablar de cómo puedes equilibrar los tres para capturar la imagen que quieres capturar. 4. Balancear la exposición: Equilibrar nuestra exposición en realidad se vuelve bastante fácil una vez que entendemos la apertura, la velocidad de obturación, y la ISO, las tres cosas que controlan la cantidad de luz que entra a nuestra cámara. ¿ Cómo sabemos si tenemos una exposición equilibrada? ¿ Cómo sabemos que va a haber la cantidad perfecta de luz entrando a la cámara y no demasiado o demasiado poco? Bueno, la cámara en realidad nos dice cuánta luz está entrando a la cámara. Nos dice que con una pequeña característica fresca llamada el medidor de luz. Ahora, todas las cámaras tienen un medidor de luz. Algunos de ellos lo tienen encima como este, y luego también lo tendrán en el visor. Cuando miró al visor y has presionado el botón del obturador para enfocar, el medidor de luz aparecerá en la parte inferior. Si tienes una cámara sin espejo, eso será lo mismo, una vez que mires al visor electrónico, verás el medidor de luz en la parte inferior ahí. ¿ Cuál es el medidor de luz? Bueno, esencialmente el medidor de luz es solo una pequeña línea que tiene algunos números en él y te dice lo expuesta que está tu imagen. Hay un pequeño indicador que se mueve de izquierda a derecha que te muestra dónde está tu exposición de acuerdo con esa línea. Si tu indicador está a la derecha de ese punto central en la línea, eso significa que tu imagen está sobreexpuesta, y si está a la izquierda del centro, eso significa que tu imagen está subexpuesta. Una buena regla de pulgar es simplemente tratar de mantener ese indicador justo en el centro. Es así como sabes que prácticamente tienes una exposición equilibrada. El medidor de luz es esencialmente cómo sabes si tu imagen está balanceada, pero ¿cómo sabemos qué ajustes elegir? ¿ Cómo sabemos si queremos tener una velocidad de obturación rápida o una velocidad de obturación lenta, o una abertura amplia o poca profundidad? ¿ Cómo equilibramos esas cosas y obtenemos el look creativo que queremos? Creo que la mejor manera de entender esto es con algunos ejemplos del mundo real. Digamos, por ejemplo, que estoy filmando un retrato de mi amigo. Recuerda que dijimos que ISO es el último recurso, por lo que queremos mantener ISO lo más bajo posible. Voy a poner eso en 100. Lo siguiente que voy a hacer es ajustar mi apertura a 1.4. El motivo por el que estoy ajustando mi apertura a 1.4 es porque quiero tener una profundidad de campo realmente superficial. Quiero usar la abertura de forma creativa y desenfocar el fondo detrás ella y hacer que todo se vea realmente genial. Ese es mi primer pensamiento. Mi primer pensamiento es creativo. Es para capturar ese fondo borroso y aislar a mi sujeto. Ahora tenemos una ISO de 100 y una abertura de 1.4, que es realmente amplia, lo que significa que hay mucha luz entrando a nuestra cámara. Ahora, para que yo pueda equilibrar mi exposición y asegurarme de que no estamos recibiendo demasiada luz en nuestra imagen, necesito que mi velocidad de obturación sea más rápida y voy a ajustar mi exposición con velocidad de obturación. En esta situación, porque no estoy disparando a un sujeto en movimiento, realmente no me importa lo rápido o lo lento que sea mi velocidad de obturación. Por lo que sólo lo estoy usando para equilibrar mi exposición. En este caso, debido a que tenemos mucha luz entrando a la cámara, voy a hacer que esa velocidad de obturación sea realmente rápida todo el camino a uno-cuatro milésimas de segundo, y eso equilibrará perfectamente la exposición. Ahora, pasemos a otro ejemplo. Digamos que quiero rodar un paisaje. No quiero tener todo en la imagen en foco, y quiero que sea realmente nítido. Una vez más, voy a ajustar mi ISO y voy a dejarlo lo más bajo posible en 100. Lo siguiente que voy a hacer es fijar mi apertura. Voy a poner mi apertura a un número que va a asegurar que tengo nitidez agradable en toda la foto todo el camino desde el primer plano hasta el fondo. En este caso, voy a probar f /16. Esa es una abertura bastante pequeña, y eso realmente asegurará que todo esté enfocado y nos dará una profundidad de campo realmente, realmente profunda. Ahora, porque mi abertura es tan pequeña y la ISO es tan baja, realmente no tenemos tanta luz entrando a la cámara. Para equilibrar mi velocidad de obturación, en lugar de hacer que mi velocidad de obturación sea más rápida como lo hice cuando estaba disparando el retrato, necesito bajar mi velocidad de obturación para asegurarme de que tengamos suficiente luz entrando a la cámara. Pero ahora recuerda, si bajas tu velocidad de obturación por debajo de una centésima de segundo, entonces vas a tener sacudida de cámara en tu imagen y luego tus imágenes van a estar borrosas. Es por eso que los fotógrafos de paisaje usan un trípode, es porque siempre están disparando aperturas realmente altas y quieren asegurarse de que tengan fotos nítidas, por lo que ponen su cámara en un trípode, no se mueve en todo y pueden usar cualquier velocidad de obturación que quieran, no importa lo lento que sea, van a poder conseguir todo en un bonito enfoque agudo. Para el último ejemplo, hablemos de rodar un retrato por la noche. No tenemos mucha luz y estamos trabajando en un ambiente de luz realmente baja. Son estas situaciones en las que realmente necesitas entender cómo usar correctamente tu cámara para poder salir con una imagen hermosa. Digamos que está realmente oscuro afuera y mi lente está ajustada a f/4. Muchas lentes que vas a comprar al principio, la apertura máxima va a ser un cuatro, que no es súper ancha, pero tampoco está mal. Eso aún deja entrar una cantidad decente de luz. He bajado mi velocidad de obturación a una más de una centésima de segundo. Una vez más, realmente no puedo ir más bajo que eso porque si voy más bajo que eso, entonces voy a conseguir sacudida de cámara en mi foto. No tengo trípode para estabilizar la cámara. Esa es la velocidad de obturación más lenta que puedo ir sin dejar de mantener la nitidez en todo el marco. He puesto mi apertura, he establecido mi velocidad de obturación, pero todavía no hay suficiente luz entrando la cámara y realmente necesito conseguir el disparo. Entonces, ¿qué haces? Bueno, recurres a ISO, que es el último recurso, y nosotros incrementamos nuestro ISO para equilibrar nuestra exposición. Un ISO de 100, podría no ser suficiente, así que voy a subir hasta 400. Si aún no tenemos suficiente luz entrando a la cámara, sube hasta 800. Una vez más, solo sigues adelante hasta que estés seguro de que tienes suficiente luz entrando a la cámara. En resumen, asegurar la exposición adecuada es solo tú creando un equilibrio entre estas tres cosas. Una vez que entiendas cómo crear ese equilibrio, vas a poder capturar cualquier imagen que quieras capturar. Sea lo que sea que tengas para disparar, necesitas determinar cuál es lo más importante. ¿ Estás tratando de congelar el movimiento? ¿ Eres fotógrafo deportivo y no importa qué, necesitas congelar el movimiento? O simplemente estás tratando de conseguir una toma artística con una profundidad de campo poco profunda? Identifique eso primero, identifique cuál es más importante para usted y luego ajuste los ajustes en función de eso. Para mí, típicamente me gusta disparar a una abertura amplia, ya sea que esté filmando comida, o retratos, o calle. A mí me gusta disparar con una amplia apertura de f/1.4 o f/1.8. Eso es sólo porque me gusta esa profundidad de campo poco profunda. Porque siempre tengo mi apertura puesta a eso, bueno, entonces solo ajuste la velocidad del obturador para equilibrar mi exposición. Realmente no estoy pensando tanto en la configuración de la cámara. Pongo mi abertura y luego solo ajustaré mis velocidades de obturación y me aseguraré de que la exposición sea buena. Entonces una vez más, si estoy filmando en un ambiente realmente oscuro, entonces solo aumentaré mi ISO si es necesario. Pero honestamente, rara vez ajuste mi ISO porque simplemente no necesito hacerlo. Fotógrafos deportivos, no están preocupados por la apertura tanto como están preocupados por la velocidad de obturación. los fotógrafos de alimentos les podría importar menos la velocidad de obturación, pero realmente les importa la apertura porque eso realmente va a determinar la nitidez de la comida y dónde tienen su enfoque y cosas así. 5. ¿Realmente necesitas usar el modo manual?: En qué modo de cámara debes disparar? Bueno, siempre oímos hablar del modo manual. Yo he estado hablando de eso en este curso. Como dije antes, modo manual, todo lo que está haciendo es básicamente darte un control creativo sobre estas tres cosas, velocidad de obturación, apertura, e ISO, podemos controlarlas completamente todas. Pero, ¿realmente necesitas controlarlos a todos en cada situación? En la respuesta a eso es no, realmente no lo haces. Eso es porque como dije antes, por lo general sólo una de estas configuraciones, va a ser súper importante para ti. Como dije antes, si eres fotógrafo de comida, la apertura es súper importante, si eres fotógrafo de retratos, una vez más, la apertura es importante. Si eres fotógrafo deportivo o estás disparando NASCAR o algo así, entonces realmente necesitas enfocarte en la velocidad de obturación. Realmente solo necesitas ser manual de disparo si estás en un entorno de poca luz y tu cámara solo sigue chocando tu ISO y realmente no quieres tener un ISO alto, entonces deberías estar disparando en manual. Pero sobre todo la otra vez, me gusta disparar en prioridad de apertura. El modo de prioridad de apertura es básicamente establecer la apertura de la cámara, y la cámara seleccionará la velocidad de obturación y la ISO por sí sola. Las cámaras son inteligentes, así que no solo subirán la ISO. Se va a empezar con velocidad de obturación. Se va a ajustar tu velocidad de obturación en función de la cantidad de luz que está entrando a la cámara, y luego si no hay suficiente y va por debajo de una 100 de segundo, entonces tu cámara impulsará ISO, por lo que las cámaras son realmente inteligentes. Por eso me gusta disparar una prioridad de apertura, Es más fácil sobre todo si estoy tratando de conseguir un montón de tomas diferentes. Algunos como en un evento o algo así, o fotografía callejera, la prioridad Aperture es genial. Especialmente si estás filmando durante el día, realmente no necesitas preocuparte por ISO. La prioridad de apertura es impresionante. Si eres fotógrafo deportivo, bueno, muchos fotógrafos deportivos, usaremos la prioridad del obturador porque como, como dije antes, necesitan asegurarse de que estén consiguiendo todo en enfoque agudo y sin desenfoque de movimiento, así que pueden disparar en prioridad del obturador. Modo Auto, ¿recomiendo disparar en modo auto? No recomiendo disparar en modo auto. Al menos dispara en prioridad de apertura si necesitas disparar en modo manual. Pero realmente no deberías estar filmando en Auto porque entonces realmente te estás quitando mucho de tu control creativo, que tienes sobre la cámara. Recomiendo disparar en prioridad de apertura o en modo manual. Hay algunas otras configuraciones útiles que creo que deberías conocer, y la primera es el balance de blancos. Estamos hablando de fotografía digital, balance de blancos es básicamente ajustar los colores en tu imagen para que luzcan más naturales. Las cámaras tienen un montón de ajustes de balance de blancos diferentes como luz diurna, nublado , tungsteno, que es como la iluminación interior o la mala iluminación, fluorescente, algunas otras diferentes también. Entonces suelen tener en la pared automotriz donde tomará todo en cuenta y elegirá un balance de blancos para ti. Cuando se trata de balance de blancos, siempre te recomiendo que no dispares un balance de blancos automático. El motivo de eso es porque podemos ajustar muy fácilmente el balance de blancos de nuestra imagen en la edición. Pero si tenemos un montón de tomas de imágenes diferentes en un lugar, y usamos el modo auto, así que todas las diferentes temperaturas de color son muy diferentes, bueno, entonces va a ser difícil hacer edición a granel. No vamos a poder simplemente ajustar el balance de blancos de una imagen y aplicarlo a todas ellas. Vamos a tener que hacer cada uno de forma independiente. Lo que me gusta hacer es ajustar mi cámara a luz del día, balance de blancos. Eso suele funcionar para la mayoría de las situaciones, y luego cuando estoy en edición, todo solo afina un poco ese balance de blancos. El balance de blancos es muy importante. Pero te recomiendo solo seleccionar uno de los presets en tu cámara y simplemente dejarlo en eso para la mayoría de las situaciones. De lo siguiente de lo que quiero hablar es de RAW vs JPEG. Podría haber escuchado esto antes. Cuando hablamos de RAW y JPEG, nos referimos al archivo que está capturando tu cámara. Cada vez que tomas una foto, la cámara en realidad está informando, está guardando esa información en un archivo. JPEG es un archivo más pequeño, pero ¿es un archivo que tu cámara realmente está comprimiendo y en realidad editando en la cámara para solo darte una imagen que se ve bastante bien fuera de la cámara y un tamaño de archivo más pequeño. Una foto RAW básicamente significa que tu cámara no está haciendo ningún procesamiento sobre ella, no la está comprimiendo, y te está dando tanta información como sea posible. ¿ Qué significa eso? Bueno, eso significa que podemos editar mejor nuestra foto y post porque tenemos más información en nuestra foto, tenemos más información en las áreas oscuras y más información en las áreas claras. Siempre digo disparar RAW porque, editar es una pieza muy importante del rompecabezas y es importante que aprendamos a entrar correctamente. Edición es mucho más fácil cuando tenemos fotos RAW. Cuando se trata del debate RAW vs JPEG, voy a mantenerlo sencillo y decir, disparar RAW para los fines de este curso.Esa es la mejor recomendación que puedo darte. Además de enfoque, al que vamos a meternos aquí ahora, autofocus y enfoque manual. Esas son prácticamente todas las cosas que necesitas saber sobre tu cámara. Esos son el escenario más importante. Estableciendo tu tipo de archivo RAW y JPEG, y luego también estableciendo tu balance de blancos si pudieras entender esas cosas, y entonces también puedes entender el triángulo de exposición, vas a estar bien para ir. 6. Enfocar: Quiero tomar un breve segundo para hablar de enfoque, específicamente autofocus y enfoque manual. Creo que muchos de nosotros cuando escuchamos el modo manual, también pensamos en el enfoque manual y pensamos que puede ser enfoque manual podría ser mejor que el autoenfoque o algo así. Pero la verdad es que el autofoco es impresionante. Estoy usando autofocus 99 por ciento del tiempo en mis fotos, sobre todo con cámaras en este día y edad, el autofocus es increíblemente inteligente, increíblemente rápido, y muy útil. La única vez que realmente vas a estar queriendo disparar con un enfoque manual es el video. Video muchas veces estamos filmando con enfoque manual, pero también si estás usando una abertura realmente, muy amplia, tienes una profundidad de campo realmente superficial que necesitas para asegurarte de que te estás enfocando en algo muy específico. Al igual que con la fotografía macro, muchas veces podrías usar modo manual o si estás disparando comida y quieres asegurarte de que algo esté realmente enfocado, entonces tal vez estés usando el modo manual, pero muchas veces solo estás usando el modo manual cuando tienes un trípode. autofoco es simplemente la mejor opción para la mayoría de las situaciones. Cuando se trata de autofoco, hay algunos modos diferentes. Por lo general hay tres modos encendidos, pero en realidad sólo dos de ellos son los que realmente necesitas saber. Esas dos cosas son autofocus de solo disparo, así lo llama Sony, o autofocus de Single Servo para Canon. Nikon también tendrá un nombre similar. Entonces el segundo es autofocus continuo, autofocus continuo también se conoce como Autofocus Servo continuo para Canon. Una vez más, diferentes compañías de cámaras se llamaban a estas cosas diferentes, pero esencialmente están haciendo lo mismo. Autofocus de un solo disparo, es esencialmente enfocas la cámara una vez y luego la cámara deja de enfocar, no se enfocará de nuevo hasta que te quites el dedo y luego te vuelvas a enfocar. autoenfoque continuo es un poco diferente. Una vez que hayas presionado el obturador y enganches tu enfoque, va a seguir enfocándose en lo que apuntes tu cámara. Si me estoy enfocando primero en mi micrófono frente a mí y estoy en autofocus continuo, y sigo manteniendo presionado ese botón de enfoque y me paso y disparo a mi laptop o algo así, tiene que ajustar el enfoque. Pero con autofocus de solo disparo, una vez que me enfoco aquí un pitido y luego puedo moverme a cualquier parte y ese enfoque no se va a mover mientras siga sosteniendo ese botón de enfoque. ¿ Qué enfoque debes usar? ¿ Continuo o un solo disparo? Un solo tiro va a ser mejor para ti en la mayoría de las situaciones. El motivo de eso, es porque con autofocus de solo disparo, puedes enfocarte en algo, tal vez tu punto de enfoque esté justo en medio de tu visor. Te enfocas en algo que está justo en medio de tu cuadro, y luego puedes recomponer tu toma y puedes ajustar tu composición. Pero si estás filmando un autofoco continuo y te enfocas la cosa en el medio y luego tratas de ajustar tu competencia, bueno entonces tu punto de enfoque va a estar disparando alrededor y enfocándose en cosas diferentes alrededor de tu marco y muchas veces realmente no quieres eso. Pero sí quieres autoenfoque continuo si estás filmando en video o si estás filmando movimiento. Porque si algo se está moviendo a través de tu marco, no quieres tener que ser como reenfocar cada segundo para asegurarte de que tu sujeto esté enfocado, muchas veces no estarán enfocados. Si estás disparando a alguien en movimiento, bueno, vas a querer disparar en autofocus continuo, puedes seguirlo y se van a quedar enfocados siempre y cuando se queden en medio de tu cuadro o donde sea que tu punto de enfoque esté en su visor. Ambos son realmente útiles la mayor parte del tiempo, a menos que esté disparando movimiento, estoy disparando en autofocus de solo tiro ese es el mejor consejo que puedo darte para capturar buenas fotos y asegurarme de que todo esté bien y nítido en foco. Yo sí tengo un pro tip para ti y eso es usar el autofocus botón Atrás. autoenfoque del botón Atrás significa que en lugar de tener presionado el botón del obturador para enfocar la cámara, en realidad estás usando el botón de la parte posterior de la cámara para enfocar la cámara. ¿ Por qué eso es bueno? Porque te permite separar tu botón del obturador o lo que usas para tomar tu foto y un botón para capturar tu enfoque. Me encanta esto porque si estoy filmando algo y voy a estar moviéndome mucho dentro esta área puedo enfocarme con la parte trasera de mi cámara y luego puedo mover lo que sea y se va a quedar enfocado. Pero si eres autofocus está configurado en tu botón del obturador, cada vez que presionas una toma una foto, se va a reenfocar y va a estar enfocando demasiado. A mí me gusta mantenerlos separados y creo que muchos fotógrafos profesionales en realidad separan a los dos. Puedes hacer eso yendo a la configuración de tu cámara y luego simplemente apagando la función de autoenfoque del obturador a media presión, y luego solo usas tu pulgar para enfocar en lugar de tu dedo principal aquí. Característica bastante cool, y eso definitivamente es algo que te recomiendo que hagas si estás filmando con una DSLR o una cámara sin espejo. A estas alturas la vieja pregunta, ¿dónde debes enfocar tu cámara? Después de haber seleccionado ya sea autofocus de un solo disparo o autofocus continuo, ¿dónde se supone que apuntes la cámara para asegurarte de que todo esté enfocado? Eso realmente depende de lo que estés disparando. Si estás disparando a una persona como un retrato, quieres enfocarte en tal vez en su ojo o tal vez solo en su cabeza y eso suele ser lo suficientemente bueno como para conseguir un buen enfoque en su cara y luego tener todo lo demás desenfocado detrás de ellos. Si estás disparando a un grupo de personas y todas están a diferentes profundidades, digamos que hay una persona aquí y hay una persona aquí, y luego hay alguien en el medio, bueno, si estás disparando con una abertura realmente amplia y tienes una profundidad de campo realmente superficial. Si te enfocas en la persona del frente, entonces la persona de atrás va a estar fuera de foco. Pero si te enfocas en la persona en el medio, entonces vas a tener un enfoque más uniforme en todo el marco. Bueno, como hacer cuando estoy disparando a grupos de personas es solo hacer mi apertura un poco más pequeña, solo para asegurarme de que tengo una actualización del campo para poner la cara de todos en foco. Si estás filmando un paisaje, puedes enfocarte en algo tal vez en medio de tu escena como si hubiera un árbol o un río donde puedes enfocarte ahí, o puedes enfocarte en algo de fondo, tal vez una montaña o algo así. Con la fotografía de paisaje, tu punto de enfoque es mucho menos importante que tu punto de enfoque con cosas como retrato o fotografía de comida. Eso es sutil porque estás usando una abertura tan pequeña, todo está enfocado y tu profundidad de campo es tan profunda tu punto de enfoque que no importa tanto, solo concéntrate en algo a distancia y generalmente todo estará en bastante buen enfoque. 7. Composición: Para esta siguiente lección, quiero hablar de composición. Una de las primeras cosas que debes hacer cuando estás estudiando composición es hacerte una bonita taza de café caliente. Bromas a un lado. La composición es increíblemente importante cuando se trata de fotografía, y la composición es lo que a menudo se refiere la gente cuando dice: “Ese fotógrafo tiene el ojo ”, o lo que sea que eso signifique. Por lo general están hablando de composición. En resumen, la composición es básicamente cómo arreglas los objetos en tu marco. La buena composición es muy importante porque como seres humanos, nuestros cerebros trabajan de una manera muy específica. Nuestros cerebros quieren ver algo que sea fácil de ver. A lo que me refiero con eso es que nuestros cerebros quieren poder mirar una imagen y procesar todo lo que está pasando de una manera fácil de entender. Cuando una imagen no tiene una buena composición entonces nuestros cerebros no pueden navegar adecuadamente por la foto, y debido a que nuestros cerebros no pueden navegar adecuadamente por la foto, nuestros cerebros piensan inconscientemente que esa foto no es hermosa. Es por eso que la composición es tan importante en su nivel más básico, una buena composición permite que los ojos de tus espectadores naveguen por la foto, encuentren los temas principales, y luego tomen toda la escena de una manera que sea fácil para el cerebro comprender. Cuando se trata de composición, hay muchos, muchos, muchos tipos diferentes de composiciones que se aceptan en la fotografía. Honestamente, creo que cuando se trata de enseñar composición, no se puede más enseñarla porque va a venir mucho cuando estés fuera disparando. Si te limitas a una lista muy específica de composiciones, entonces realmente vas a estar reteniendo creativamente. Creo que es importante entender algunos de los conceptos de composición, pero no tanto como esta es una buena composición y debes probar esto, y esta es una buena composición y debes probar esto. El motivo por el que tengo el proyecto del curso como disparar un objeto 50 tiempos diferentes es porque eso realmente te va a ayudar a mejorar tu composición. Pero con eso dicho, hay algunas cosas de las que realmente quiero hablar. El primero es la perspectiva. Perspectiva es esencialmente cómo te orientas de acuerdo a tu tema, cualquiera que sea ese sujeto. Esto es de manos abajo la más importante, la pieza de composición más fundamental que debes entender porque donde te encuentras de acuerdo a tu tema cambia mucho el resultado de la foto. En este concepto de perspectiva también es relevante para todas las diferentes cosas de las que vamos a hablar aquí en este video de composición. Puedes ajustar tu perspectiva ya sea moviéndote hacia adelante y hacia atrás, horizontalmente, de manera izquierda o derecha, así como verticalmente, arriba y abajo. No importa de qué manera te muevas, estás ajustando tu perspectiva sobre ese tema principal. Hay algunas perspectivas diferentes que puedes probar donde estás disparando. El primero es ojo de gusano o básicamente donde estás abajo y estás mirando hacia arriba. Esto a menudo le da a tu sujeto una apariencia más grande, les da más autoridad en tu foto, y también se puede usar para aislarlos de cualquier otra cosa detrás de ellos, si encuentras el fondo molesto, puedes disparar arriba a ellos y tal vez usar el cielo como fondo. Lo opuesto al ojo de gusanos es ojo de pájaro. mirar hacia abajo sobre el tema, esto a menudo hace que los objetos parezcan más pequeños, y es bueno para mostrar un paisaje urbano. Se pueden mostrar muchas cosas diferentes con una vista de pájaro. Otro es justo recto, así que solo dispararlo recto y justo en el medio. Esa es una buena perspectiva, y luego también dispararla desde cualquier lado. A veces si estoy de viaje y quiero rodar un camino, estás en medio del desierto y hay un camino realmente fresco y tienes esas líneas lineales. Se quiere disparar el camino donde se puede disparar desde el medio y luego se puede disparar desde ambos lados. Es difícil saber cuál va a ser mejor hasta que le dispares. Lo que siempre me gusta hacer es encontrar mi sujeto y luego simplemente dispararlo con un montón de perspectivas diferentes. Muévete por ahí de tantas maneras diferentes, como dije, para el proyecto de clase, intenta ajustar tu perspectiva e intenta conseguir algunas composiciones únicas. Una vez más, la perspectiva es la pieza más fundamental de la composición y comprensión de la perspectiva y cómo afecta a tu foto va realmente ayudarte a entender la composición más adelante. El siguiente pedazo de composición de la que quiero hablar es el concepto de líneas de liderazgo o líneas diagonales de intereses. Como seres humanos, nos encantan las líneas y las fotos, y la razón de eso es porque realmente ayudan a guiar nuestros ojos. Líneas principales se refieren a líneas en la imagen que naturalmente guían nuestros ojos al tema principal en una foto. Piensa en alguien en un túnel, todas esas líneas de ese túnel están convergiendo en nuestro sujeto principal en el medio. Si es hecho por el hombre, a menudo llamamos a esas líneas de liderazgo geométricas. Si es de la naturaleza, los llamamos orgánicos, así que sí lo vemos bastante en la naturaleza, aunque sea solo la separación entre la arena en el agua o los árboles en el suelo. Hay muchas líneas de liderazgo diferentes que se pueden encontrar orgánicamente en la naturaleza. Entonces si estás filmando en una ciudad, a menudo hay muchas líneas geométricas realmente interesantes que puedes usar para llevar a tu tema principal. Ahora muchas veces donde convergen estas líneas, lo llamamos el punto de vista. Ahí es donde estas líneas de liderazgo se unen y finalizan en nuestro tema principal. Las líneas diagonales de interés son muy similares, pero no siempre están llevando necesariamente nuestros ojos a nuestro tema principal. A lo mejor solo están equilibrando la composición o agregando interés, o haciendo que la composición sea un poco más compleja, un poco más interesante. Aquí hay algunos buenos ejemplos de líneas diagonales de interesantes fotos realmente geniales. Se puede ver cómo las líneas diagonales realmente agregan mucho más interés por la complejidad a las imágenes. El siguiente concepto del que quiero hablar es uno del que probablemente hayas oído hablar, y esa es la regla de los tercios. La regla de los tercios se puede entender básicamente desglosando tu marco en nueve partes iguales diferentes. En la regla de los tercios se establece que debes colocar a tu sujeto en un tercio del marco, por lo que ya sea el lado izquierdo o el derecho. El motivo por el que la regla de tercios es tan grande es porque al colocar tu sujeto en uno de los lados de la imagen está justo en el medio, entonces tienes ese otro lado entero para mostrar algo más, tal vez es un fondo de una montaña o tal vez están en un café y quieres mostrar un poco más de ese café donde puedes hacer eso y también puedes crear un marco muy equilibrado. A lo mejor tu tema principal está en el lado izquierdo, pero luego tienes muchas cosas sucediendo en el lado derecho, así que aunque el tema principal está a la izquierda, tenemos mucha información realmente interesante que equilibra el marco un poquito. Creo que la regla de los tercios es simplemente grande porque te permite desviarte de nosotros naturalmente queremos hacer mientras que poner el sujeto justo en medio de la cámara y tomar una foto de esa manera. Esto te ayudará a pensar un poco fuera de la caja y te ayudará a entender que puedes posicionar a tu sujeto en diferentes partes del marco para llegar a otro look fresco. El siguiente concepto del que quiero hablar es encuadrar. Encuadrar esencialmente es usar cosas diferentes en tu entorno para básicamente enmarcar tu tema. Encuadre se ve bien en la razón por la que es porque una vez más, nuestros ojos pueden ver dónde está el tema principal. Nos ayuda a enfocarnos en el tema principal. Con encuadre, tienes encuadre natural. Cosas como árboles, incluso montañas a veces, y luego también tienes encuadres hechos por el hombre como puertas o ventanas o cualquier cosa que vaya a rodear a tu sujeto de contenidos, cualquiera que sea eso. De verdad me gusta enmarcar mis tomas o algo en primer plano. Si estoy grabando un retrato y estoy afuera y hay algunos árboles o algunas plantas. En ocasiones me agacharé detrás de las plantas y trataré conseguir algo de verdor alrededor de los bordes de mi marco, para eliminar algunas áreas distraedoras y asegurarme de que realmente nos estamos centrando en el tema principal en nuestra foto. El siguiente concepto del que quiero hablar es la profundidad. La profundidad es algo realmente importante cuando se trata de fotografía. transmitir profundidad en nuestras imágenes realmente nos permite entender lo que está sucediendo en la escena. Cuando vemos una foto plana, simplemente no nos apela tanto, culo si podemos ver profundidad en la foto, cuenta una historia mucho más convincente. Al hablar de profundidad y fotografía, creo que lo más importante para asegurarte que tengas profundidad es asegurarte de tener un primer plano, un medio suelo, y un fondo. Un primer plano es esencialmente un objeto o algún tipo de materia que está muy cerca de la cámara. Media tierra está en algún lugar en el medio, y luego el fondo está algo lejos de la cámara, tal vez eso son montañas en la distancia, o algo así. Creo que la fotografía paisajística es una manera realmente buena de entender esto. Si tienes una foto de paisaje, es posible que tengas una planta en primer plano y la media tierra quizá tengas un río o un lago, o algunos árboles o algo así, y al fondo tienes algunas montañas lejanas. Esto permite entender realmente el entorno porque podemos ver tres piezas diferentes del entorno que realmente agrega un nivel de profundidad en la foto. Esto también va de la mano con el encuadre. Como dije, a menudo enmarco a mis sujetos con algo en primer plano como el de una planta así que lo guardo muy cerca de mi cámara, y luego dispararé a mi sujeto que está un poco más lejos. No sólo eso es crear profundidad, sino que también está enmarcando mis temas. Estás matando dos pájaros de un tiro, si quieres. El siguiente tema del que quiero hablar es el espacio negativo y el espacio negativo es esencialmente el espacio en blanco en tu foto. A lo mejor es solo blanco puro o negro puro o simplemente, realmente no pasa nada en esa parte de la imagen. espacio negativo se puede utilizar para realmente poner el foco en tu tema principal y deshacerte de cualquier detalle distrayente en tu escena. Puede llevar a una composición más simple me refiero a una composición más minimalista, si se quiere. Realmente se puede usar para realzar la composición de tu foto. El último tema del que quiero hablar es este concepto de equilibrio. Cuando digo equilibrio, me refiero básicamente al equilibrio de tu cuadro. Tenemos composiciones simétricas y composiciones asimétricas. Asimétrica, un buen ejemplo de eso es tal vez tengas a tus sujetos en un tercio del marco, y luego el otro lado está completamente en blanco. Esa es una composición asimétrica, mientras que una composición simétrica es que el sujeto estaría justo en el medio. Es un poco más sencillo. Es minimalista. No hay bien ni mal. No siempre se necesita tener un marco equilibrado. Realmente puedes ir con algunos looks asimétricos realmente geniales y tener incluso un look abstracto. Creo que eso va con todos estos principios en este video de composición. Todas las cosas de las que hemos hablado aquí son buenas pautas para que composición y entiendas lo que a la gente le gusta ver en las fotos. Pero de ninguna manera son estas la única manera de hacer las cosas. La composición es mucho un proceso creativo, y creo que mucha del tiempo que más la enseñamos. La composición viene de ti, el fotógrafo, y la vas a dominar al salir y llegar a composiciones realmente geniales, únicas. Aprender la composición es difícil de categorizar. Incluso sólo mirando nuestra inspiración en Instagram o en Facebook o en cualquier lugar de donde te inspires. Mirando esas imágenes inconscientemente. Miramos esas composiciones y imprimimos lo que nos gusta en nuestras mentes. La próxima vez que veas algunas fotos que te gustan echa un vistazo a la composición y realmente la descompongas. Creo que esa es una gran manera de aprender algunas de las cosas que te gustan, y luego puedes seguir adelante e implementar esas cosas más adelante cuando estés disparando. 8. Iluminación: Para esta lección, quiero tomarme un segundo para hablar de iluminación. La iluminación puede ser algo muy complejo cuando se trata de fotografía, puede ser muy técnico. Pero también es lo más importante porque como dijimos antes, las cámaras captan la luz. Creo que una de las cosas que realmente distingue a los buenos fotógrafos es su comprensión de la luz. Pueden usarlo para capturar realmente el look que quieran. Pueden manipularlo, saben dónde encontrar la mejor luz para capturar la foto que realmente quieren. Ahora bien, la iluminación no es algo que realmente puedas enseñar por completo en nuestro curso. Es bastante complejo. Están pasando muchas cosas diferentes y la luz realmente puede afectar tu foto de diferentes maneras. Pero hay algunos temas que pueden mejorar enormemente tu comprensión de la luz y los efectos que tiene en tu foto. Para este video, hay tres cosas en las que quiero enfocarme. La calidad de la fuente de luz, la fuerza de la fuente de luz, y la dirección de la fuente de luz. Estas son las tres características más cruciales para entender y esencialmente cada luz que usas en tus escenas, ya sea del Sol o en interiores o lo que sea, eso podría ser, las tres de estas cosas, estas tres los temas se van a aplicar a esa fuente de luz. Comenzando las cosas, primero es la calidad de la fuente de luz y esto esencialmente significa lo buena que es esa fuente de luz. realidad hay dos categorías que caen en la calidad de la luz o todas las fuentes de luz para ese caso. Eso es luz natural y luz artificial. La luz natural se refiere a la luz del Sol y la luz artificial se refiere a luces como ésta que estoy usando aquí o un flash o cualquier luz que no sea del Sol. En su mayor parte y creo, para la mayoría de los fotógrafos necesita luz natural es rey. luz natural es la luz más bella, tiene el color más bonito. Se llama luz natural por alguna razón. Se ve tan natural, se ve tan bien. Puede ser muy halagador para tus súbditos. Creo que la única vez que es necesaria la luz artificial es si estás disparando por la noche o si eres fotógrafo profesional y necesitas una configuración de iluminación muy específica que simplemente no puedes obtener del Sol porque, el Sol no siempre es tan confiable. No te preocupes por usar luz artificial. No te preocupes por usar flashes ni nada por el estilo. luz natural es increíble y la mayoría de mis fotógrafos favoritos de todos los tiempos entienden cómo usar la luz natural de una manera realmente hermosa. Calidad sabia, luz natural y eso es en lo que quiero estar enfocándome a medida que continúa este curso. El siguiente tema que quiero discutir es la fuerza de tu fuente de luz. Cuando hablamos de la fuerza de la fuente de luz, muchas veces estamos hablando de luz dura versus luz suave. luz dura siendo la luz que es muy fuerte, muy brillante, resultando en muchas sombras diferentes, tal vez de alto contraste, y la luz suave siendo ligera que es un poco más suave, un poco más relajada, y simplemente más fácil en los ojos en general. La fuerza de una fuente de luz depende de dos cosas. El tamaño de esa fuente de luz. Cuanto más grande es la fuente de luz típicamente, más suave es la luz, y luego así como la distancia de la luz al sujeto. Cuanto más cerca esté esa luz a tu sujeto, en realidad, más grande se vuelve esa fuente de luz, y cuanto más lejos más pequeña se vuelve esa fuente de luz. A menudo podemos usar algo llamado difusor para hacer nuestra fuente de luz más grande. Eso ayuda a extender un poco la luz, suavizó y nos ayuda a obtener mejores resultados con cosas como Portraiture, fotografía de comida, o cualquier fotografía donde simplemente no queremos una luz realmente dura. Por ejemplo, si estás disparando en medio del día, en medio del día, en un caluroso día de verano, esa luz va a ser muy dura. Vas a tener sombras debajo de los ojos si estás tomando un retrato, vas a tener sombras debajo de la nariz, simplemente no se va a quedar tan genial. Pero si agregas un difusor entre tu sujeto y el Sol, bueno, eso hará que eso sea agradable y suave y mucho más fácil de disparar. También se puede disparar en la madrugada o en la tarde, ese es el mejor momento para captar la luz natural. Eso se debe a que es más suave durante ese tiempo. El color es realmente hermoso. A menudo es muy dorada y esa es sólo una luz hermosa en la que puedes disparar. Cuando se trata de luz dura, no quiero que la descartes por completo. Algunas de las mejores fotos callejeras de todos los tiempos fueron tomadas con luz realmente dura. Eso es porque como dije, agrega muchos contrastes, entonces también puedes conseguir estas sombras largas realmente duras en tu imagen que pueden crear áreas que son un poco misteriosas, un poco interesantes, mucho interesante alineado, por lo que la luz dura es muy cool y creo que es igual de interesante como la luz suave. Experimenta con disparos en diferentes momentos del día y eso te dará una mejor comprensión de una luz dura frente a luz suave y cosas así. El último tema que quiero discutir en cuanto a iluminación podría ser el más importante de los tres y esa es la dirección de la fuente de luz. Descompongo la dirección de la fuente de luz en tres formas diferentes. Luz frontal, por lo que eso significa que estás disparando con la luz para que la fuente de luz esté detrás de ti, o tal vez justo enfrente de tu cámara. Luz lateral, por lo que la luz viene de un costado, está golpeando a tu sujeto desde un costado, y luego retroiluminación donde estás disparando a la luz. A lo mejor le estás disparando a alguien en el interior y su ventana está detrás ellos o le estás disparando a alguien afuera y el Sol está detrás de ellos. Los tres van a cambiar drásticamente el resultado de tu foto. Uno de los consejos más grandes que tengo para que captes fotos más dinámicas con luz más interesante, es no disparar con la luz. No disparen con luz delantera. Cuando estás disparando con luz frontal con la fuente de luz detrás de ti, o simplemente directamente frente a la cámara, no vas a conseguir ninguna de estas sombras en la imagen. Se va a encender todo perfectamente. Todo va a estar uniformemente iluminado y simplemente no va a ser dinámico. No va a ser tan guay. Si disparas con luz lateral o luz de fondo, vas a conseguir mucha más luz interesante llegando al marco. Vas a tener sombras por todo el lugar. Simplemente va a parecer mucho más fresco. personal, me encanta disparar la luz lateral. Creo que es lo más fácil de disparar, porque no estás disparando al Sol realmente brillante y solo se ve lo mejor y esto va con todo tipo de fotografía, fotografía de comida, fotografía de retrato, fotografía de paisaje. Siempre trato de disparar con luz lateral o retroiluminación. Creo que esta es una de las cosas, si vas a entender esto, te vas a apartar del 99 por ciento de los fotógrafos de ahí fuera. La iluminación es una de esas cosas que tantos cursos pasan por alto, pero también es la más importante y tiene el mayor efecto en tu imagen. La próxima vez que salgas a disparar, prueba a disparar desde diferentes perspectivas de acuerdo a dónde está tu fuente de luz. Ve afuera con un amigo, en cualquier momento del día, no importa, y dispárales con el Sol detrás de ellos, a un lado de ellos y luego también en el Sol detrás de ti, y solo mira las diferencias entre el fotos. Creo que se te ocurrirá algunas cosas realmente geniales. 9. Manipular tu entorno: Este es un tema que realmente no he visto discutido en muchos cursos de fotografía para principiantes, tal vez a excepción de los cursos de estilismo de alimentos. lo que hablo es de manipular tu entorno para obtener una mejor composición o una mejor imagen en general. A lo que me refiero con esto básicamente es cambiar físicamente tu entorno a tu alrededor para conseguir una foto que se vea mejor para tu cámara. Si estás filmando un modelo, entonces eso sería posicionar tu modelo para que luzca mejor en la imagen. A lo mejor los estás posando de manera diferente. Estás haciendo que se pongan de pie, estás haciendo que se sientan. Creo que ese es el ejemplo más fácil de entender. Entonces, si estás disparando comida, entonces eso significa que podrías estar moviendo cosas sobre la mesa. Sacar un vaso si distrae, o agregar cubiertos para equilibrar la composición o algo así. A veces ajustar tu entorno físico no es posible, así que con cosas como la fotografía callejera donde realmente quieres estar manos fuera, solo quieres dejar que las cosas se desarrollen de forma natural, bueno, entonces no vas a estar a físicamente ajusta tu entorno. Pero se puede en otros escenarios. Creo que esta es una de las cosas que muchos fotógrafos principiantes no hacen. Ven una escena y luego piensan que sólo les toca rodar esa escena. Pero en realidad, tú eres el fotógrafo, tú eres el artista. Puedes ajustar esa escena para que luzca como quieras que se vea. Entonces si vas a un restaurante y te ponen un plato delante de ti, quieres tomar esa foto, no estás confinado a tomar esa foto en ese lugar. Muévelo al otro lado de la mesa. Pregunta si puedes dispararlo en una parte diferente del restaurante. Tienes el control creativo completo como fotógrafo, así que no tengas miedo de tomar el control, y ajusta tu entorno físico. Ajusta las cosas con las manos, mueve las cosas y trata de llegar a una mejor composición de esa manera. Todo lo que está en tu marco está trabajando en conjunto para contar algún tipo de historia. De verdad quiero que pienses en todas las cosas diferentes en tu marco, y por eso hice este video no es para enseñarte una lección concreta, sino más bien para que pienses en cómo todas las cosas en tu marco están diciendo algunas tipo de historia y cómo puedes cambiar las cosas en ese marco para contar mejor esa historia o tal vez contar una historia ligeramente diferente. Entonces piensa en eso la próxima vez que estés disparando algo. Ya sea que estés disparando a tu persona o algo de comida, o incluso un paisaje. Poner algo en primer plano de tu paisaje puede contar una historia completamente diferente. Por ejemplo, si pones un pedazo de basura, una botella de agua vacía en tu primer plano de tu composición, bueno, eso podría ser un comentario sobre el cambio ambiental. tanto que si no hay botella, es sólo una hermosa imagen de un paisaje. Por lo que físicamente, ajustar el entorno de tu foto realmente puede tener un impacto profundo. Entonces solo quiero que pienses en eso de cara al futuro. 10. Consejos para redes sociales: Ahora quiero tomarme un poco para hablar de redes sociales. Como muy bien saben, las redes sociales son masivas en este día y edad. todas partes que miramos en muchas de nuestras vidas son consumidas por las redes sociales, ya sea Instagram, YouTube, Facebook, Twitter. Son tantas formas de redes sociales por ahí. Pero la razón por la que quería agregar esta sección del curso es porque en esta época, es increíblemente importante que los fotógrafos estén en las redes sociales. De hecho, se ha vuelto fácil que muchos fotógrafos disparen casi exclusivamente para redes sociales. Muchas de las fotos que salgo y filmo cuando estoy de viaje son filmadas con el propósito de que se publiquen en Instagram o que se compartan en Facebook o algo así, entonces eso es porque esas plataformas de redes sociales son importantes para mí desde el punto de vista empresarial para la fotografía, y ese es el caso para muchos otros fotógrafos también. Solo quería agregar esta sección para darles algunos consejos de redes sociales específicamente relacionados con la fotografía para ayudarte a hacer crecer tus redes sociales o tener tus redes sociales como un recurso que puedes usar para anotar más clientes o simplemente usar como portafolio en el futuro. Sólo para prefaciar esto, la mayor parte de mi experiencia con las redes sociales en Instagram, ustedes podrían haber visto mis otros cursos aquí en Instagram. Muchas de las cosas de las que voy a estar hablando están relacionadas con Instagram, pero también están relacionadas con otras formas de redes sociales también, ya sea Facebook, Twitter, YouTube etc. El primer consejo de fotografía en redes sociales que tengo para tú es disparar verticalmente. El motivo por el que es importante disparar una relación de aspecto vertical se debe simplemente a que mucha gente está consumiendo contenido en sus teléfonos hoy en día. Mucha gente está consumiendo contenido, están viendo tus imágenes o tus videos desde su celular, no desde su computadora como antes, y porque lo están viendo en un celular, bueno, un celular tiene una relación de aspecto vertical, lo que significa que es más largo de lo que es ancho. Cuando estamos presentando nuestro trabajo en línea, queremos ocupar la mayor cantidad de bienes raíces posible. Cuanto más grande podamos poner nuestra foto en la cara de alguien, más la van a ver, más la van a reconocer. Simplemente les va a afectar más emocionalmente que una foto más pequeña. Por eso realmente queremos disparar verticalmente. Queremos ocupar la mayor cantidad de bienes raíces en esa pantalla de smartphone como sea posible. Cuando digo zapato verticalmente, quiero decir, realidad voltea tu cámara en una relación de aspecto vertical y toma una foto así. En lugar de disparar en modo paisaje, debería en vertical. Pero con eso dicho, no deberíamos limitarnos totalmente a filmar verticalmente porque las fotos horizontales todavía tienen mucho su lugar. Muchos sitios web aún quieren fotos horizontales porque las pantallas de laptops y computadoras, son una relación de aspecto horizontal. No te limites por completo a una relación de aspecto vertical cuando estés disparando pero solo piensa en eso, tal vez toma una foto y una relación de aspecto vertical y luego toma otra foto en una relación de aspecto horizontal. Puedes volver atrás y elegir cuál crees que es mejor, y tal vez tengas uno para redes sociales y luego tienes otro para tu portafolio de sitios web o algo así. El siguiente consejo de redes sociales que tengo es probablemente el más grande y eso es consistencia. Cuando digo consistencia, me refiero a consistencia de dos maneras diferentes. estilística así como consistencia temática o de contenido. Empezar las cosas con consistencia estilística. Cuando digo eso, quiero decir, tener todas tus fotos encajan con un look estilístico similar. A lo mejor esas son todas tus fotos lucen oscuras y malhumoradas o tal vez lo contrario. A lo mejor son brillantes y aireados y a lo mejor son muy coloridos. A lo mejor son todos blancos y negros. Tener cierta consistencia estilística es realmente importante para destacarse en redes sociales en este día y edad, específicamente, si estás filmando para una red social como Instagram donde tienes un formato de cuadrícula y todas tus fotos son presentado en una cuadrícula nueve por nueve. Es muy importante tener todas tus fotos parecidas porque entonces muestra alguien cuando llega a tu perfil que esta persona tiene su estilo marcado. Sé exactamente para qué voy a estar siguiéndolos. Los estoy siguiendo para poder ver más fotos de este estilo. Una de las formas más fáciles de tener un estilo consistente en tu fotografía, es tener un estilo de edición similar con todas tus imágenes. Por ejemplo, vi presets y mucho tiempo, solo estoy usando un preset durante meses a la vez. Ahora mismo es mi preset de Auckland. Me encanta y lo uso en todas mis fotos y luego hago pequeñas adaptaciones. Todas mis fotos tienen un esquema de color similar, esquema iluminación similar, y todo simplemente se ve estilísticamente similar. Si estás usando una app como VSCO o simplemente alguna otra app de filtro o incluso un filtro en Instagram. Elige un filtro y ve con él y úsalo en todas tus fotos y luego simplemente adapta cada foto para que el filtro se ajuste a esa imagen. El segundo trozo de consistencia es, contenido o consistencia temática. Esto es algo de lo que hablo fuertemente en mis cursos de Instagram, y esencialmente, tu página de Instagram debería seguir algún tema. Algunos te identificas como fotógrafo. Debes identificarte como fotógrafo de viajes o fotógrafo de comida o fotógrafo de moda. Cuanto más específico puedas conseguir con eso, mejor lo vas a estar porque vas a poder apelar a la gente que está buscando algo muy específico. Si solo eres fotógrafo, bueno, hay millones de fotógrafos en Instagram. Pero si eres fotógrafo de perros, bueno, eso es mucho más específico y creo que vas a tener mucho más éxito porque puedes destacar de otras personas, lo cual es muy importante para las redes sociales en este día y edad porque solo hay tanta gente en las redes sociales. Todo el mundo está en las redes sociales. Encuentra algún tema en el que puedas enfocarte. A lo mejor fotografias flores o fotografias gente, fotografía callejera o fotografias comida o café o lo que sea que pudiera ser, encuentras algún tema en el que enfocarte y luego producir contenido alrededor de ese tema. De verdad quiero martillar en este punto de consistencia. Creo que es tan importante y probablemente sea el mayor error que veo a la gente haciendo en las redes sociales es, tienen muchas fotos realmente impresionantes, pero simplemente ahí no hay consistencia. Ya sea estilística, todas las fotos simplemente son estilos muy radicalmente diferentes o el tema está completamente fuera en el campo izquierdo. Ahí hay una foto de un perro, que es una gran foto, y luego hay una foto de un avión y otra gran foto, pero simplemente no coinciden realmente. Ahora quiero advertirte sobre esto también porque esto también te puede limitar creativamente si solo sales y solo lo golpeas de una manera, y solo disparas de una manera, y solo publicas ciertas fotos. Bueno, entonces te vas a estar limitando creativamente. No deberías estar haciendo eso cuando empiezas por primera vez como fotógrafo. Creo que quizá deberías tener dos Instagrams, o dos formas de redes sociales. Uno donde simplemente más lo que demonios quieras, y luego el otro, tal vez experimentas con más de un estilo consistente. Mi siguiente consejo para ti es solo publicar todo lo que puedas. Cuando empecé a enseñar Instagram, siempre dije que solo debes publicar tu mejor contenido. 10 de cada 10 contenido solamente. Pero como socialmente y ha evolucionado y como he aprendido más sobre las redes sociales y más sobre la creación de un general. He cambiado mi mentalidad en esto. Creo que solo debes publicar todo lo que puedas. Publica todas tus fotos porque tal vez hay una foto que sientes que no es tan genial, pero tal vez la publicas y a todos les encanta. No podemos predecir lo que la gente va a pensar. Publica todo lo que tengas, hazlo por ahí para que la gente pueda verlo. Cuanto más visible seas en las redes sociales, mejor. salir de eso y ser lo más visible posible, debes comprometerte con otras cuentas. No importa cuánto publiques, si no sales activamente y te dedicas a comentar fotos y fotos de gusto, o sin embargo ese proceso se vea en la plataforma de redes sociales de tu elección, si no estás haciendo eso, entonces no vas a poder crecer. El alcance es muy importante para todas las industrias de este mundo. Lo mismo funciona con las redes sociales. Vas a estar publicando fotos, pero deberías estar saliendo y gustarte las fotos de otros pueblos y brindando retroalimentación y proporcionando críticas y simplemente saliendo y sacando tu nombre por ahí. Cuanto más puedas sacar tu nombre por ahí, más se va a ver tu cuenta, lo que significa que puedes crecer y puedes seguir estableciéndote en redes sociales. Mi último consejo es, simplemente no disparen exclusivamente para redes sociales. Sí, Instagram es una pieza importante del rompecabezas, y otras formas de redes sociales también son importantes. Pero de verdad te estás confinando si solo estás disparando para redes sociales. Simplemente dispara lo que se ve bien y dispara cómo quieres dispararlo. No te preocupes por disparar de una manera específica. Simplemente sal, sé creativo, y solo toma tantas fotos como puedas porque eso es lo más importante a la hora de aprender fotografía y convertirte en un mejor fotógrafo. Es solo para perseguir tu creatividad y solo ir tras ella y tomar tantas fotos como puedas. 11. Hallar tu estilo de fotografía: Este es uno de esos temas que siempre escucho a la gente decir que no se puede enseñar. Por supuesto, estoy hablando de estilo. A menudo escucho a la gente decir eso, no se puede enseñar estilo , que es orgánico, y necesita crecer, y desarrollarse con el tiempo por su cuenta. Bueno, creo que eso es cierto hasta cierto punto. Existen algunas pautas o un proceso que los fotógrafos o cualquier artista para ese asunto, pueden seguir para entender mejor la dirección que quieren ir. diez cómo crecer en su propio estilo único y tener su propia identidad única. Cuando se trata de un fotógrafo, bueno, su estilo se dicta tanto cuando están fuera disparando. El pensamiento procesos que están pasando por su mente cuando realmente están tomando la foto, entonces también, cómo están procesando esa foto. Cómo están editando esa foto y elaborando la historia y perfeccionando en su historia, en la fase de edición. En realidad tengo un curso muy detallado sobre cómo encontrar tu propio estilo de edición único. Si quieres aprender a encontrar tu propio estilo único y no estás seguro de cómo navegar por ese proceso, puedes comprobarlo. Pero para este curso quiero hablar de encontrar tu propio estilo y general. Tanto la edición como también el proceso de disparo y cómo puedes crear tu propio look único a través de esa vía. El modo en que me gusta explicar esto es un proceso. Se trata de un proceso que puedes seguir para entender algunas de las cosas que te gustaría, implementar esas cosas en tu propio trabajo y luego crecer y adaptarte a tu propio estilo. El primer paso es encontrar tu inspiración. Encuentra a otros fotógrafos, otros artistas lo que les encanta absolutamente, y combina todas esas fotos en un solo lugar, ya sea guardar fotos en Instagram o tener libros físicos reales. Sea lo que sea, encuentra tus formas de inspiración y toma nota de esas cosas y míralas a menudo. Después de encontrar esas formas de inspiración, la siguiente fase es imitar. Creo que mucha gente escucha esto y piensan, no, no quiero copiar a otros fotógrafos, quiero ser mi propio artista único. Mi respuesta a eso es que creo que imitar otros fotógrafos u otros artistas es la mejor manera de aprender. Es decir, realmente nos ayuda a entender algunas de las cosas que están haciendo e implica mucho juicio y fracaso tratar de conseguir esa mirada similar. Realmente empuja tus límites en términos no sólo de tu creatividad, sino también del lado técnico de la fotografía. Vas a encontrar tu inspiración y vas a imitar sus fotos, sea lo que sea. Si se trata de paisajes o retratos, vas a intentar conseguir una iluminación similar. Incluso vas a intentar editar la foto de una manera similar. Después de la fase mímica, vas a entrar en la fase de adaptación, donde vas a tomar ese estilo y lo vas a adaptar. Podrías agregar algo un poco diferente, tu propio estilo. Aquí es donde entra en juego tu propio verdadero estilo único. Después de que adaptes eso, entonces vas a evolucionar y el proceso evolutivo es un poco más largo. No hay un periodo de tiempo específico, pero con el tiempo, tu estilo evolucionará hacia algo que es muy único. Un ejemplo que me gustaría dar es, cuando llegué por primera vez a Tailandia, me enganché con muchos fotógrafos tailandeses impresionantes. Todos tenían un estilo similar, fotografiar el café, la cultura cafetalera, su escena cafetalera, así como comida y cosas así. Cuando llegué aquí por primera vez, estaba tan inspirado por su trabajo y solo quería rodar lo mismo, así que lo hice, y mucho de mi trabajo temprano relacionado con la fotografía de comida y café era muy similar a la suya. Casi lo estaba imitando. Pero con el tiempo, mi estilo evolucionó un poco. te puedo decir un momento específico en el que lo hizo, pero sí. Si miras mi trabajo, ahora, de lo que solía ser, es muy diferente a su trabajo, y es mucho más único también. Creo que con el tiempo, identificas algunas de las cosas estilísticas que te gustan en una foto, aprendes qué tipo de historia quieres contar, qué emociones quieres suscitar. Eso cambiará con el tiempo y realmente te ayudará a desarrollar tu propio estilo único. Este es el proceso que siempre recomiendo seguir, encontrar tu inspiración, imitar la inspiración, adaptar la inspiración, y luego evolucionar eso a tu propio estilo. 12. Consejos para editar fotos: Ahora quiero tomarme un poco para hablar de edición, y la edición es tan importante para los fotógrafos hoy en día. Tienes tanto control creativo sobre tus imágenes, y honestamente mucha de mi firma digital, mi singularidad y mi fotografía, viene de mi estilo de edición. Todo el mundo va a tener diferentes estilos de edición. Algunas personas quieren un look más realista, algunas quieren un look más estilizado con muchos colores realmente locos, y solo un estilo muy diferente, algo muy lejos de la realidad. No importa. Lo que quieras, lo que sea que te atraiga, ve tras él. Edita una foto como quieras editarla, y no dejes que otra persona te diga que tu estilo de edición está mal, porque al final del día, no lo es. Para esta lección, voy a estar usando Adobe Lightroom, y voy a guiarte a través de dos fotos diferentes que fotografié. Este primero fue fotografiado alrededor de las seis de la mañana en un templo de montaña en Tailandia. Lugares hermosos realmente impresionantes llamados Doi Suthep es en Chiang Mai, Tailandia. Fotografié a este monje desde atrás, y está pasando por una de sus oraciones matutinas. Entonces la siguiente imagen, aquí es sólo una taza de café que fotografié en Nueva Zelanda hace aproximadamente un año. Un tiro sencillo, pero te voy a mostrar cómo podemos transformarlo por completo en algo realmente genial. Ahora antes de sumergirme en estas ediciones, sí quiero decir que sí tengo un curso sobre Adobe Lightroom. Ese curso te va a guiar por todas las diferentes funciones de Lightroom. Descompone cada pequeño slider, cada pequeño detalle, y luego también te da más consejos para encontrar tu propio estilo de edición único y cómo puedes realizar ese proceso. Pero con eso dicho, vamos a sumergirnos en estas imágenes, y les voy a mostrar aquí algunos consejos básicos de edición. Empezando las cosas con esta imagen de Doi Suthep aquí, primer lugar, justo un tiro tan fresco aquí, disparó esto a 35 milímetros F1.4, ISO 100, así que es 1.4. Aquí se puede ver todo esto es bonito y borroso y él es agradable y afilado. Pero una de las primeras cosas que veo aquí es que la composición es bastante mala. Este poste de luz aquí, esta puerta no se ve bien. Lo primero que voy a hacer, voy arriba esto aquí, haga clic aquí y que voy a bajar aquí, haga clic cuatro por cinco. Esto se va a publicar en Instagram por eso lo estoy recortando, relación de aspecto de cuatro por cinco, y luego lo voy a arrastrar aquí y simplemente me deshago por completo de esta cosa lateral de aquí. Arrástrelo un poco hacia abajo, y lo quiero simétrico, lo quiero en el medio aquí. Creo que eso se ve bien, y luego me voy a desplazar por aquí. Voy a saltarme todas estas características. Voy a ir a Transform y voy a pegarle a “Auto”. Ahora, Auto va a alinear todo para que sólo se vea más simétrico. Ahora lo tenemos en el centro con este cuadro y estos postes de piscina aquí, y todo simplemente se ve muy bien. Ahora voy a volver a subir y voy a empezar con la edición real. Esta es la sección básica de edición, el balance de blancos, voy a dejar donde está, creo que se ve bastante bien, podría volver a eso. Voy a reducir los reflejos, tal vez 15 e incrementar las sombras tal vez alrededor de los mismos 15. Esto va a aumentar un poco nuestro rango dinámico, obtener más detalles en las sombras, más detalles en los reflejos. Voy a bajar aquí a los blancos. Creo que voy a dejar blancos, tal vez subir apenas unas cinco, solo un poquito, y luego voy a dejar a los negros donde están. Ahora Claridad es algo que solía aumentar, pero ahora realmente me gusta disminuirla. A lo mejor alrededor de 15 años, y luego te voy a mostrar cómo voy a hacer que se destaque más adelante. Ahora desplazándose aquí hacia abajo hasta la Curva de Tono. Aquí es donde realmente se puede llegar a algunas miradas realmente geniales. Siempre me gusta hacer lo que se llama una curva S básica. S-curve es donde muchos fotógrafos están usando hoy en día, solo le da a tu foto un aspecto suave al tiempo que mantiene un alto contraste en las áreas de tono medio. Voy a dar clic aquí, voy a arrastrar eso hacia abajo, y eso va a hacer nuestra foto más oscura, más moodiosa, volver al medio, llevar eso hasta el medio allá, y luego voy a traer los Destacados aquí arriba, en el tercer punto, y luego voy a seguir adelante y arrastrar las esquinas hacia abajo. Esta esquina la voy a arrastrar hacia arriba, y esto va a suavizar a esos negros. Hazlos agradables y suaves y realmente fáciles en los ojos. A pesar de que las fotos realmente oscuras aquí, tenemos áreas realmente oscuras, es agradable y suave de esa Curva de Tono de ahí. Esa es una curva S básica ahí puedes ver un looks como un S. Ahora vamos a desplazarnos aquí abajo a los deslizadores de color HSL. El matiz se refiere básicamente a qué tonalidad de ese color es, o es el rojo, ¿es más rosa, o es más naranja? ¿ Es el azul, más verde, o más morado? Tal como se puede ver lo que hace sólo a esta bolsa de aquí. Bastante cool. No vamos a hacer nada demasiado importante. Pero una de las primeras cosas que voy a hacer es ir a Saturación. Yo sólo voy a desaturar un poco la naranja. Creo que es bastante fuerte. Entonces también voy a desaturar un poco el rojo. Creo que el rojo es realmente fuerte en esa alfombra. Sólo un poquito. Porque ahora nos estamos volviendo un poco demasiado desaturados de una mirada a nuestra imagen. A lo mejor sólo desaturar el rojo y luego menos de la naranja. Tenemos esto destacando menos pero la naranja realmente está de pie aquí. Creo que el azul, creo que todos los demás colores están bien aquí. Entonces podemos entrar en el Hue y ajustar los colores si queremos. Pero honestamente, creo que la cámara hizo un muy buen trabajo al capturar los colores aquí en esta imagen. Realmente no voy a cambiar mucho en lo que respecta al Hue ahí. Ahora desplaza hacia abajo hasta Corrección de lentes. Me gusta dar click Eliminar aberración cromática. Pero siempre me gusta hacer clic en Activar Correcciones de Perfil. Correcciones de perfil básicamente va a mirar tu lente y luego deshacerse de cualquier distorsión por aquí. Pero a menudo me gusta tener un poco de viñeteado natural. Pero creo que en realidad en este caso sí se ve bien con la Corrección de Perfil en él. Se ilumina todo a su alrededor. Entonces puedo agregar mi propia forma de viñeteado aquí. Cuando me desplace por aquí, puedo traer esta Viñeta abajo y eso sólo va a agregar un poco de oscuridad alrededor de las esquinas, darle más de un look de mal humor. Para aquellos de ustedes que han visto mi Instagram, ustedes saben que me encanta ese look de mal humor, así que llegaron a tener ese look de mal humor. Ahora la calibración aquí, realmente puedes transformar los colores de tu imagen a algo bastante salvaje. Pero como dije antes, me gustan los colores que tenemos. Yo quiero que sea más un look realista, así que no voy a usar estos deslizadores aquí. Pero si quisieras, puedes llegar a algunas combinaciones de colores realmente geniales. Eso es algo que realmente destaque en mi otro curso, donde me enfoco en todo Adobe Lightroom y todos los diferentes sliders. Eso lo puedes comprobar si te interesa. Pero ahora tenemos una edición bastante buena. Ahí está el antes, ahí está el después, antes y el después. Entonces solo podemos entrar y hacer pequeños cambios. Siempre me gusta volver a los deslizadores básicos y hacer pequeños ajustes, y solo asegurarme de que todo se vea bien y se vea donde necesita estar. A lo mejor voy a entrar aquí, ajustar un poco la Temperatura. También voy a reducir un poco la Vibrancia, creo que es un poco vibrante. Lo último que voy a hacer es añadir aquí un Pincel de Ajuste Selectivo. Llevar la Claridad hasta 25 o así. Entonces le voy a pintar la espalda. Eso sólo va a asegurarse de que sea agradable y afilado y en foco y todos los detalles sobre él. Pero el resto de la imagen es un poco borrosa y baja en detalles por lo que realmente podemos enfocarnos en él específicamente. Pero así es como terminé esta foto. Hay antes, después, antes y después. Creo que eso se ve bastante bien. Esa es una foto que definitivamente publicaría en redes sociales. Bonito, oscuro aspecto de mal humor. Ahora pasando a esta imagen, esta es una imagen que fotografié, como dije en Nueva Zelanda, y es una buena foto, se ve bastante cool. Ahora para editar esta foto, voy a hacer lo mismo. Voy a entrar y voy a recortarlo, que sea de cuatro por cinco relación de aspecto. Yo lo voy a recortar aquí. Entonces también lo voy a enderezar para asegurarme de que la taza de café sea bonita y recta. Golpea “Enter” ahí. Tenemos una composición bastante buena ahí. En realidad voy a empezar con la Exposición. Voy a aumentar la Exposición porque está un poco oscuro. Esta imagen es un poco oscura. A lo mejor sólo 0.30. Entonces voy a aumentar un poco la calidez solo porque creo que esta foto se verá bien, un poco más caliente. Voy a bajar aquí y bajar los Destacados, tal vez 15. Igual que la última foto. Lo mismo con las Sombras; saca un poquito esos. Aumenta aquí un poco nuestros Blancos solo porque realmente va a hacer que esta copa destaque y luego también podemos bajar a esos negros. Eso sólo va a agregar mucho contraste y darle sólo un aspecto más audaz. Eso ya se ve mucho mejor. Se ve bastante bien. Voy a dejar Claridad donde está. No creo que tengamos que bajarlo porque esto ya es bastante suave. Esta foto, por cierto, fueron disparados a 85 milímetros F1.4. Es realmente suave porque le dispararon a 1.4. Toda esta zona, bonita y fuera de foco y esta es bonita y crujiente y afilada. Tenemos un enfoque supremo en esta imagen. Esa fue una broma tonta. Ahora entramos aquí a la Curva de Tono y hacemos lo mismo. Voy a arrastrar este punto inferior hacia abajo, hacer un punto en el medio, y luego también hacer un punto arriba arriba. Ahora se puede ver lo que esto le está haciendo a nuestra imagen; se está volviendo realmente audaz ahora, realmente alto en contraste. Voy a suavizarlo aumentando este rincón aquí, y luego lo mismo con los Destacados, bajar un poco eso. Ahí tenemos nuestra curva S. Siempre puedes volver a subir y aumentar nuestra Exposición si es necesario, y afinar las ediciones básicas. Siempre me gusta volver a esos porque la Curva de Tono va a afectar esto. Los colores lo van a afectar, todo se va a afectar entre sí. Bajando al color HSLs. Honestamente, no creo que haya muchos ajustes que le haría a esta imagen. A mí me gustan todos los colores aquí. Creo que todos se veían bastante bien. Podemos tratar de ajustar la Luminancia, tal vez aumentó un poco el rojo solo para que destaque. Pero en su mayor parte, no hay mucho que voy a hacer aquí y eso está bien. Muchas de las cámaras de tiempo hacen un muy buen trabajo de capturar color y no hay mucho que necesites cambiar. Bajando a la Corrección de Lentes. Voy a dejarlo apagado en este caso. Pero voy a alegrar un poco la foto. Un poco más aquí, 45. Trae el estilo Negro, un poco. Tenemos un bonito look de alto contraste. Ahí está el antes, ahí está el después o después. Creo que eso se ve bastante bien y tal vez un poco de viñeteo. Pero ahora lo que quiero hacer es, tenemos esta ventana aquí y podemos ver que entra mucha luz debajo de la copa, pero todavía está realmente oscuro. Ahora podemos agregar un Filtro Graduado aquí y lo voy a arrastrar sobre esta parte. Entonces voy a aumentar la Exposición aquí y voy a traer un poco de luz por esa ventana; y se ve totalmente natural. Parece que hay mucha luz entrando naturalmente por esa ventana. Pero poco sabes, es de un Filtro Graduado. Entonces podemos ir por el otro lado e ir por el otro camino y oscurecerlo. A esto se le llama Quemar y esquivar. Mejora las áreas resaltadas y las áreas oscuras en la imagen para simplemente hacer que la imagen se vea más dinámica. Ahora tenemos una bonita zona oscura aquí, bonita zona luminosa aquí, y la división está justo en el medio y creo que esa es una buena edición. Eso algunos editan que pondría totalmente. Aquí está el antes, aquí está el después, aquí está el antes, aquí está el después. Diferencia dramática, y creo que se ve realmente bien. Estos son solo consejos básicos de edición, chicos. Es decir, hay tanto que se puede hacer con estos programas. Yo solo quería guiarte a través de algunas ediciones diferentes solo para mostrarte cómo editaría una foto y cómo iba a hacer ese proceso. Por lo general, lo hago con presets. Tengo presets que uso. Normalmente uso uno o dos presets, y los uso todos en mis fotos para que pueda tener ese look consistente en mis imágenes. Ustedes quieren echar un vistazo a los que hay disponibles en nuestra página web, seandalt.com/lightroom-presets. Si sí quieres revisar esos, ya sabes dónde encontrarlos. Pero estos son algunos consejos básicos de edición y espero que los hayas encontrado útiles. 13. Conclusión: Muy bien, chicos, por fin lo han logrado hasta el final. Hemos hablado de muchas cosas en este curso, y honestamente, realmente espero que te haya sido de ayuda. Hablamos de composición, hablamos de cómo usar tu cámara, hablamos de iluminación, hablamos de redes sociales, hay muchas cosas en este curso, y espero que haya algunas gemas ahí para ti que puedes tomar, y seguir adelante. Cuando empecé este curso, dije eso, hay tanta información por ahí, pero solo hay tanta que realmente necesitas saber, para convertirte en un buen fotógrafo, y creo que he hecho un buen trabajo cubriendo todo esas cosas que necesitas saber, para convertirte en un buen fotógrafo. Pero ahora en este punto, más importante para ti, es salir y disparar, salir y crear, y solo estar activo, y simplemente ponerte tras él. Yo he dicho que unas cuantas veces a lo largo de estos cursos, tienes que ser enérgico , tienes que quererlo, tienes que ser apasionado por ello, porque la fotografía es un oficio, es un arte, y es tan divertido cuando estás totalmente invertido en ella. Puedes ir en algunas aventuras absolutamente increíbles cuando estás persiguiendo estas increíbles fotos, o tal vez simplemente sales con un amigo y tomas algunos retratos, o vas a un restaurante a tomar algo de comida. Sea como sea ese proceso creativo, puede ser una aventura, y por eso la fotografía es tan divertida. Ahora es momento de salir y hacer ese proyecto de curso, salir y tomar 50 fotos diferentes de un artículo, volver, posts en el curso, lo revisaré, otros lo comprobarán, voy a pensar que eso va a ser el primer paso para que sigas adelante desde un punto de vista creativo. Pero honestamente quiero saber qué piensan ustedes del curso. Si tan solo pudieras tomarte unos segundos para dejar una reseña rápida aquí en la parte inferior del curso, eso sería realmente increíble, muy útil para mí. Me encanta escuchar de ustedes chicos, y si tienen alguna pregunta, siéntanse libres de enviarme un correo electrónico a sean@seandalt.com, o sígueme en Instagram y envíenme un mensaje. Me encanta escuchar de ustedes chicos, me encanta conectar. Con ese dicho chicos, una vez más, espero que les haya sido de ayuda, y honestamente, no puedo esperar a verlos en el siguiente curso. Tengo algunos cursos más saliendo aquí pronto, y espero verte también en esos cursos. Muchas gracias chicos, y espero que tengan un día fantástico, semana fantástica, año fantástico, vida fantástica. Nos vemos luego chicos.