Transcripciones
1. Introducción: [ MÚSICA] Cuando
empecé a
aprender fotografía, recuerdo sentirme
tan abrumado por solo la gran cantidad de
información que estaba en línea. Desde entonces, he tomado cientos de miles de
imágenes en todo el mundo, y hacerlo realmente me ha
ayudado a entender que la única forma en que realmente
puedes crecer
como fotógrafo es
agarrar tu cámara, cabeza afuera, y solo toma tantas fotos como
sea posible. Oigan, chicos, qué pasa. Mi
nombre es Sean Dalton y soy Fotógrafo
de Viajes con
sede en Bali, Indonesia. Llevo unos ocho años filmando
profesionalmente . También he ayudado a más de
200 mil fotógrafos mejorar sus habilidades fotográficas a través de mis talleres en línea. En este curso,
vamos a estar cubriendo lo que yo creía que eran los 10 mejores ejercicios que
podrías hacer para tomar mejores fotos. Estas son cosas que puedes
hacer en casa por tu cuenta con poca o ninguna experiencia
y cada una te hará
involucrarte con un aspecto diferente del proceso de toma de fotos. Vamos a estar
cubriendo temas como composición,
iluminación, color, y también algunas cosas más
técnicas,
como cómo capturar o congelar el
movimiento usando velocidad de obturación, y cómo lograr profundidad en
tu escena usando apertura. También realizaremos algunas actividades más
fundamentadas que realmente nos
permitan pensar críticamente y dibujar
conexiones creativas entre diferentes aspectos del proceso de
toma de fotografías. Por último, vamos a
terminar con una de mis actividades favoritas y eso es rodar tu
propio autorretrato. Este curso se hizo
para ser práctico. Realmente no es más teórico y tampoco
excesivamente técnico tampoco, más bien, se hizo con
un simple objetivo de simplemente sacarte afuera
y tomar fotos. Es mi esperanza que
por lo menos, este curso te
ayude a hacer eso. Ya sea que seas
alguien que acaba de comenzar su
viaje fotográfico o tal vez no haya recogido su
cámara en un tiempo, y que esté buscando un
poco de inspiración, esta clase
ayudará solidificas los fundamentos de la
fotografía y sentas las bases para que puedas crear bellas
imágenes en el futuro. Con eso dijeron chicos,
si están listos
para empezar, ciertamente lo soy, vamos a empezar la primera lección
con el proyecto de clase, y luego nos sumergiremos en la
primera de nuestras 10 actividades.
2. Proyecto de clase y ritmo: Porque esta es una clase
basada en actividades, por
supuesto, hay
un proyecto involucrado, y el proyecto de clase para
esta clase es salir y completar una de las actividades de una de las lecciones
aquí en el curso. Simplemente elige una de
las 10 actividades que cubriremos, completarla, vuelve aquí al
curso y luego publica tus resultados en la sección de
proyectos de clase a continuación. Cuando estés compartiendo
tus resultados, adelante y solo cuéntanos un poco sobre
tu experiencia. ¿ Cómo te fue? ¿ Cuáles eran algunas de las
cosas que estabas haciendo? ¿ Qué buscabas? Simplemente escribe un poco sobre tu experiencia
y luego también comparte algunas de las
imágenes que
capturaste sobre la actividad. No puedo esperar a ver el Número 1, qué actividad eliges, y también los resultados
que te vienen. Si quisieras hacer
más de una actividad, eso está totalmente bien. Creo que hay mucho
solapamiento entre algunas
de las actividades y puedes salir y completar múltiples en
tan solo unas horas. Por supuesto, esa es
la mejor manera de
convertirte en un mejor
fotógrafo de todos modos, así que definitivamente te recomiendo hacer eso si crees que puedes. Pero con el proyecto de clase
fuera del camino, chicos, solo
quiero hacer
una nota más rápida sobre el momento de la clase. Por supuesto,
hay 10 actividades en esta clase que
puedes salir y completar. Pero de manera realista, no
sé si
vas a poder
hacerlo todo en un día, tal
vez, pero creo que
algo bueno que hacer es dedicar un
día por ejercicio. El día 1, haces un
ejercicio de composición, luego el Día 2, haces el ejercicio de iluminación, Día 3, etc., y así sucesivamente. O podrías
dividirlo en semanas. Puedes tener un
enfoque de una semana en la composición, un foco de una semana en la iluminación, un foco de una semana en el color, etcétera Realmente
es sólo una preferencia
personal. Puedes pegar este curso, sin embargo, crees que
es lo mejor para
ti, puedes verlo todo
directo, tomar notas sobre las actividades, e ir a hacerlas más tarde. O puedes ver una lección, completar la actividad, y luego pasar a la
segunda lección, etcétera Realmente
es lo que sea mejor para ti, solo
quería hacer
una nota al respecto porque
no hay bien ni
mal en cuanto a cómo hacer esto. Es con lo que te sientas
más cómodo. Pero con ese
negocio de limpieza fuera del camino, chicos, pasemos
a la siguiente lección.
3. Equipo y enfoque general de la clase: Hey chicos, solo quería
agregar una lección rápida para tocar
un poco el equipo. El equipo es
por supuesto importante, somos fotógrafos y
estamos usando cámaras. Pero la mayor parte de esta
clase honestamente se puede completar con algo
tan simple como un iPhone. Ahora hay algunas
lecciones que requerirán una cámara más robusta
con ajustes manuales, y te
avisaré cuando ese sea el caso antes de que me vaya. Pero en su mayor parte, mucho
de este curso está enfocado en el lado estilístico
de la fotografía y un iPhone está
totalmente bien para eso. Ahora, personalmente tengo mucho
equipo de fotografía
profesional porque soy fotógrafo profesional, pero voy a
estar filmando con muchas cámaras diferentes
a
lo largo de este curso. De hecho, para
la mayor parte de este curso, voy a estar rodando
con mi Fuji X100V. Esta es una
cámara increíble y alcanza un gran equilibrio
entre algo así como un iPhone que es muy
simple de usar y una cámara
DSLR más profesional como esta. Cada una de estas cámaras sirven a un propósito diferente en mi vida. Tengo un montón de cámaras
que uso probablemente por igual. Pero realmente me gusta este
Fuji porque es simple, pero todavía tiene ajustes manuales y toma fotos increíbles. También quiero tocar
brevemente en la configuración de la cámara. Ahora, los ajustes de la cámara realmente no son el foco de esta clase. En la mayoría de las lecciones
de esta clase, puedes disparar honestamente
en modos auto completos o en modos medio auto como apertura o prioridad de
obturación. Hablaré de aquellas en cada una de las lecciones donde
sean aplicables. Ahora, eres más que
bienvenido a rodar en modo
manual si tienes
las habilidades para hacerlo, o si solo estás
buscando mejorar tus habilidades técnicas de
fotografía. Pero en general, la configuración de la cámara no es el foco principal
de este curso. Permítanme explicar brevemente por qué. Siempre he desglosado fotografía en dos esferas
diferentes. Ahí está el lado técnico de la fotografía y el
lado estilístico de la fotografía. Hay un montón de
solapamiento entre estas dos esferas de la fotografía pero para los efectos
de este curso, solo
veamos por separado. El lado técnico de la
fotografía básicamente tiene todo que ver con los
ajustes y números de la cámara, y la velocidad de apertura y
obturación e ISO, y todo lo
relacionado con matemáticas o números. Ese es el
aspecto técnico de la fotografía. Básicamente, cualquier cosa
que tenga que ver con tu cámara o con cualquiera de los
equipos que puedas tener. El conjunto estilístico de la
fotografía, por otro lado, es mucho más subjetivo
y tiene mucho que ver con el
lado artístico de la fotografía. Cosas como composición e iluminación y elección de
materia, color, cosas así. Como dije antes, sí, estas cosas
ciertamente pueden ser técnicas, pero también son altamente subjetivas y estas
cosas deben
perfeccionarse con el tiempo a través de la
acción y la reflexión, y no sólo sentado
en un aula. En este curso, realmente
quiero que este lado de la fotografía sea
el foco principal, el lado estilístico
de la fotografía. El lado técnico de la
fotografía es importante, por
supuesto, no me malinterpretes, pero lo más importante es tu comprensión de la
luz y la materia, y la composición y el color, y todo de los componentes
estilísticos subjetivos
de la fotografía. Estas son las cosas que hacen grandes fotógrafos y estos deben ser tus principios
rectores al aprender fotografía. Algunas personas dirán que
el lado técnico de fotografía es
igual de importante y tal vez eso es cierto pero creo
que el lado técnico de fotografía simplemente
se desarrolla naturalmente con el tiempo. Te lo prometo, un día sólo
va a hacer click y lo
vas a conseguir. Vamos a tocar
en el lado técnico
de la fotografía en
este curso pero mi
clase de elementos esenciales de fotografía aquí en Skillshare va mucho más
en profundidad en el lado técnico. Definitivamente recomiendo revisar eso si aún no lo has hecho. En realidad es una de las clases de
fotografía más valoradas aquí en Skillshare. Pero con ese descargo de responsabilidad
fuera del camino, chicos, saltemos al
primer ejercicio de esta clase y hablemos de uno de mis temas favoritos
de la fotografía, y eso es la composición.
4. Dominio de la composición: Bueno, como se puede decir con
el nombre de esta lección, creo que ya
saben de qué
vamos a estar hablando, y eso es composición. Pero antes de hacerlo, solo
quiero desglosar brevemente cómo
se van a estructurar estas lecciones de actividad. En la primera parte
de estos videos, voy a introducir
el tema en el que nos vamos a
centrar en la actividad, y luego lo voy a
explicar un poco y darte una base
sólida de comprensión antes de
saltar realmente a la actividad en cuestión. Una vez que lleguemos a la actividad, te
voy a guiar por ese ejercicio y explicarte
algunas cosas diferentes al respecto y además compartir mi
experiencia con cada uno de estos ejercicios para darte un sólido ejemplo de
cómo puedes hacer el tuyo. He hecho que cada una de estas lecciones fácil
posible de seguir, pero siéntase libre de pausar
el video y agregar una nota rápida en la línea de tiempo
abajo si es necesario. Pero ahora
volvamos a la composición. La composición es manos abajo una de las piezas más fundamentales de la fotografía o cualquier
forma de arte para ese asunto. En términos fotográficos, la composición
es esencialmente la forma en que arreglas el tema en tu escena dentro de tu marco, así donde orientas las cosas en tu marco y
cómo lo captas. Hay tantos tipos
diferentes de composiciones y es
posible que hayas oído hablar de conceptos como regla de tercios,
encuadre, profundidad, etcétera Todas estas cosas son geniales, pero creo que el factor más
importante de la composición es la
idea de perspectiva. Ahora, esto es algo
que en realidad mencioné en casi todos mis cursos de
fotografía porque sí creo que es una de las piezas más fundacionales
de la fotografía en su conjunto. Ahora la perspectiva es esencialmente
cómo te orientas a tu sujeto o dónde estás pie de acuerdo
a tu sujeto. Cambiar tu perspectiva
va a
cambiar en gran medida el resultado
de tu imagen. Ahora puedes cambiar
tu perspectiva moviéndote
físicamente
alrededor de tu sujeto, así que acercándote a tu
sujeto, alejándote más, moviéndote a la izquierda, a
la derecha, arriba y abajo, y también acercándote y fuera con tu lente en realidad puede cambiar
tu perspectiva también. Ahora, una de las
mejores maneras de dominar esta idea de perspectiva es forzarte a adoptar nuevas perspectivas mientras estás
fotografiando un tema. Para este ejercicio,
quiero que cojan su cámara
y la cabeza afuera, o en realidad también pueden
hacerlo en casa y encontrar un objeto
para fotografiar. Entonces quiero que captes 50 fotos únicas de
ese único objeto. Puedes elegir cualquier
objeto para esto. Podría ser un zapato, podría ser un buzón, un auto, o una botella de agua, o incluso una cámara funcionaría. Cuanto más pequeño sea
el objeto, más difícil será
este, y también cuanto más
simple sea
el objeto, más difícil será
este. Entonces si eliges un basquetbol, va a ser bastante
difícil mientras que si eliges algo
un poco más complejo y un poco más grande, va a ser más fácil
hacer este ejercicio. Ahora para mi proyecto, en realidad
terminé eligiendo una tabla de surf que
tenemos aquí en nuestra villa. Es simple,
no es demasiado glamoroso. Es la tabla de surf de mi compañero de cuarto, y creo que sólo
se ve realmente genial, me gustan los colores también. Pensé que sería bueno
para este ejercicio. El punto de este
ejercicio realmente no es necesariamente capturar un
montón de bellas fotos, sino que es más bien simplemente estirar nuestras mentes y obtener una mejor
comprensión de cómo cambia la
perspectiva en última instancia
el resultado de cada imagen. Fui arriba,
agarré la tabla de surf estante
de surf afuera de la habitación de
mi compañera de cuarto. Lo puse en nuestro jardín y
procedí a tomar 50 fotos
diferentes de él, así que lo disparé de ancho, lo
disparé de cerca, lo
disparé desde cualquiera de los lados, desde arriba, desde abajo. Como pueden ver aquí, esto soy sólo yo solo trabajando
alrededor de la tabla de surf y solo tratando de ser creativo y tratando de llegar a
nuevas perspectivas. Constantemente estoy
cambiando donde estoy pie de acuerdo
a la tabla de surf. Incluso me estoy levantando muy de
cerca y centrándome en algunos de los detalles también. En general, creo que las fotos
salieron muy bien. En realidad me sorprendió. Creo que parte de la
razón por la que es porque el color solo se veía realmente
bonito contra el verde. Esos son en realidad colores
complementarios. Vamos a tocar
eso un poco en la sección
de color de este curso. Pero en general, creo que aquí tengo una gama muy amplia de
composiciones y
realmente me gusta repetir
este ejercicio una vez cada 3-4 meses más o menos porque sí me obliga a tener constantemente
esa mentalidad de como, vale, necesito encontrar una perspectiva
diferente. Necesito cambiar mi perspectiva porque cuando no estoy filmando, estoy en un proyecto, estoy filmando por una marca. Esto viene en embrague
cada vez porque casi siempre me quedo sin
ideas creativas. Estoy como, oh, no estoy exactamente seguro de cómo debería acercarme a
rodar la escena. Acabo de volver a caer en este ejercicio inicial
y acabo de empezar deconstruir mi
escena y capturar tantas perspectivas diferentes
como sea posible. Casi siempre me alejo
con fotos que
no habría capturado si
no lo hubiera pensado de esta manera. Ahora filmé este ejercicio
con el Fuji X100V, como dije antes, me encanta esta cámara y acabo de
dispararla en prioridad de apertura. su mayoría acabo de poner mi
apertura en fl5.6 y luego la dejé
ahí y dejaré que la cámara haga todo lo demás. Ahora, una vez más, puedes
disparar esto como quieras. Un iPhone está totalmente
bien para esta lección. Justo con lo que te sientas
más cómodo. Pero en general, realmente me
encanta este ejercicio. Ahora, este es en realidad
el mismo ejercicio
del proyecto de clase en mi clase de elementos esenciales de
fotografía. En esa clase, sí
toco algunos de los
principios más concretos de composición. No es de eso de lo que
se trata esta clase como dije, no
estamos hablando
del lado técnico, estamos hablando
del lado estilístico. Sólo quiero que
salgan ahí fuera y disparen. Pero si quieres
aprender más sobre el lado técnico y entonces
definitivamente recomendaría revisar esa clase. Pero ese es nuestro primer ejercicio, chicos, me encanta este. No puedo esperar a ver
tu proyecto de clase si eliges este para
ser tu proyecto de clase. Pero con eso dicho,
pasemos a
otro fundamento central
de la fotografía. Hablamos de composición. Ahora pasemos a la iluminación, que es posiblemente incluso más
importante que la composición, que ya es tan increíblemente fundamental para
hacer grandes fotos.
5. La clave para entender la luz: iluminación es uno de los conceptos más importantes
para la fotografía, simplemente porque las cámaras
capturan la luz. Así es como funcionan. La luz entra
por la lente, entra en la cámara
y está grabada en un pequeño sensor
dentro de esa cámara. Pero la luz también tiene tantos
otros impactos en una imagen. Cambia la composición, cambia la
emoción, el color, y solo en general
da forma al estado de ánimo y la emoción de
tu fotografía. Ahora siempre he sentido
que una de las cosas que separa a un gran
fotógrafo de un
fotógrafo intermedio es solo tener una intrincada comprensión
de la luz y cómo afecta a todos los
aspectos de su imagen. Creo que cualquier fotógrafo con un grado de talento
te dirá exactamente lo mismo. Ahora hablando de
grandes fotógrafos, este próximo ejercicio me
fue enseñado
en realidad por
alguien que consideroun gran fotógrafo y
alguien que ha fotografiadoa un gran fotógrafo y
alguien que ha fotografiado algunas personas bastante increíbles
alrededor del mundo y me ha
influido de
muchas maneras diferentes. Ahora me dijo que
una de las mejores maneras entender
cómo funciona la
luz y cómo las cámaras capturan la luz es eliminar por completo el color
mientras estamos filmando. En otras palabras, esto
significa básicamente disparar en blanco y
negro. En los viejos tiempos, esto significaba básicamente rodar en película en blanco y
negro. Pero hoy en día, podemos cambiar nuestras cámaras para rodar
en blanco y negro. rodaje en
blanco y negro es una técnica que muchos otros fotógrafos
juran también. He oído esto de
tantas personas diferentes. Personalmente conozco a varios fotógrafos
muy talentosos que se acreditan su profundo
entendimiento de la luz y el tono a
disparar en
blanco y negro cuando
empezaron por primera vez en su viaje
fotográfico . Eso es exactamente lo
que vamos a estar haciendo en este ejercicio. Vamos a estar rodando
en blanco y negro, que en mi opinión es
atemporal y hermoso. Quiero decir, realmente nos
va a ayudar a entender la luz en mejor grado. Ahora, no me malinterpretes, el
color es increíble. Si has visto mi Instagram, sabes que la mayor parte
de mi trabajo actual está fuertemente enfocado en torno al color, en las emociones relacionadas con la armonía del color y el color y
cosas así. Vamos a
hablar de todas esas cosas en otra
lección aquí en esta clase. Pero realmente queremos enfocarnos
también en la luz porque la luz, como dije, realmente es lo que va a diferenciar
tu foto. tiroteo en blanco y negro nos
obliga a enfocarnos en la luz, así que eso es lo que
vamos a estar haciendo hoy. Para este ejercicio,
lo primero que vamos a hacer es tomar nuestras cámaras y ponerlo para
disparar en blanco y negro. Esto es realmente fácil de hacer
en el iPhone, por ejemplo, simplemente
deslizas hacia arriba y
vas a Filtros y luego puedes elegir el blanco y
negro. Puedes hacerlo en la
mayoría de las otras cámaras también, incluso DSLR. Quiero decir, si no estás
seguro de cómo hacer esto, puedes fácilmente simplemente Google tu modelo de cámara específico con las palabras blanco y negro
en los términos de búsqueda, y deberías poder
resolverlo con bastante facilidad. Una vez que hayas puesto tu
cámara en blanco y negro, dirígete afuera y toma un corto photowalk a
un parque local o al final de
la calle o en cualquier lugar que
creas que solo luce interesante o podría tener
algunos luz interesante. Una vez que estés ahí, busca escenas que tengan simplemente luz
realmente interesante o dinámica y toma
algunas fotos de esas escenas. El tema real realmente no
importa aquí creo que el foco está puramente en la luz y el contraste o la diferencia entre la luz en las áreas oscuras de una imagen. Observa cómo la luz
golpea los objetos y cambia la forma en que se ven en su forma, en
su apariencia. Observe también cómo
la luz cambia también la composición de
una imagen. Esto es especialmente cierto en la visión
de alto contraste donde las sombras pueden crear
líneas fuertes a través de una imagen. Un fotógrafo que
creo que hizo esto increíblemente bien fue un
fotógrafo
de nombre Paul Strand que disparó en blanco
y negro y estaba puramente enfocado en las luces y cómo se forma y forma diferentes
objetos o escenas. Es una leyenda absoluta de
la fotografía. Le enseñan en muchas clases
de fotografía en la universidad y cosas así. Quiero decir, su trabajo
definitivamente inspiró mi proyecto para esta lección. Ahora puedes hacer este ejercicio en cualquier momento durante todo
el día o la noche, siempre y cuando haya
fuentes de luz disponibles para ti. Si quieres dar este
ejercicio un paso más allá, en realidad
puedes disparar
la misma ubicación en diferentes momentos a
lo largo del día. Si es posible, dispara
el mismo lugar al mediodía y al atardecer, o incluso al atardecer y a la noche. Esto realmente te ayudará
a entender cómo cambia la luz a
lo largo del día y también cómo cambia
la apariencia
general de tu imagen. Ahora como fotógrafa paisajista, por lo general
estoy fuera rodando
durante el amanecer y la puesta de sol porque en ese momento
la luz es muy suave y muchas veces muy dorada. Pero cuando disparo en blanco y
negro, realidad
me encanta
disparar en medio del día cuando
el sol está
un poco más alto en el cielo. Eso es porque la
luz es mucho más difícil y obtenemos
sombras mucho más interesantes en nuestras escenas, y en general la luz es simplemente
más compleja y contrastante que creo que se ve realmente genial en negro y fotos blancas. Eso es exactamente lo que
hice para esta lección. Fui a la playa en
un día soleado y luminoso, realidad
hacía increíblemente
calor aquí en Bali. Pero quería conseguir ese
fuerte contraste y también me gusta
porque no había mucha
gente en la playa. Pero en general, me encanta cómo salieron
las fotos. Capturé tantas imágenes
en ese corto photowalk. Mis favoritas fueron las
capas de playa donde se podía
ver que había una persona y parecían muy oscuras
al lado de la playa que les rodeaba, que era mucho más brillante. Algunos de los disparos también
fueron brumosos. También me gustaron las
fotos del cielo. El cielo se veía tan
fresco en estas fotos. Esta foto particular con la palmera y
el cielo detrás de ella, y en realidad hay una
pequeña cometa allá atrás también parecía
realmente interesante. Es tan interesante
ver cómo la cámara representa los niveles de
brillo en los
diferentes colores también. También me encanta esta foto tanto de estos agricultores secando
su arroz en la playa. Creo que salió tan bien. Realmente me gustaron estas fotos. Creo que voy a estar
publicando esto en línea. También esta foto de
la playa donde se
puede ver el agua había
retrocedido y
había una línea de luz reflejándose desde el sol que
estaba dividiendo la playa mitad y creando una realmente
interesante inclinándose alinear la playa a esta roca realmente
oscura de fondo. Pero sí, este es un ejercicio realmente
genial y si ustedes deciden hacer
esto para su proyecto de clase, estoy súper bombeado para ver algunas de sus fotos en blanco
y negro.
6. Los 3 aspectos del color: En la última lección,
eliminamos el color para enfocarnos realmente en la luz, pero ahora es el momento de
voltear eso en su cabeza y enfocarse en el color. Ahora, en la fotografía, realidad
descomponemos el color en tres factores diferentes, matiz, la saturación y la luminancia. matiz es el
color real en sí, por lo que azul ,
rojo, verde, naranja,
morado, amarillo, etc. saturación es la
pureza de ese color. Un color más saturado es una forma
más pura de ese color. Otra forma de describirlo es básicamente un color más vívido. Un color desaturado
está empezando a perder esa pureza y se está
acercando al gris. Ahora, por último es luminancia. luminancia es esencialmente
el brillo de un color, espeso azul oscuro versus azul
claro, por ejemplo. Son del mismo tono, ambos
son azules, pero tienen diferentes niveles de
brillo, última instancia haciéndolos
diferentes colores. Ahora, ¿qué
significa esto para la fotografía? Bueno, en realidad tiene un mayor impacto en la edición
porque cuando estamos editando, en realidad
podemos controlar los
tres de estos factores. Pero entender
estos tres aspectos del color también nos ayuda a
entender mejor el color mientras estamos
fuera tomando fotos también. Para esta actividad, quiero que
ustedes se aventuren de nuevo afuera y elijan un
color en el que centrarse. Esto puede ser de cualquier color en absoluto, siempre y cuando esté presente
en su entorno. Cuanto más abundante sea
el color, mejor y más fácil será
esta actividad. Entonces quiero que
intentes fotografiar ese color de diferentes maneras. Preste atención a los
diferentes aspectos del color que discutimos, matiz, saturación y luminancia, y
toma nota de
cómo se renderizan los colores
dentro de su cámara. Además, intenta ver
cuántos tonos diferentes de color que puedes capturar
de ese tono específico. Entonces si estás disparando azul, mira cuántos colores diferentes
de azul puedes fotografiar, ya sea azul oscuro, o azul claro, azul
verdoso, etcétera estoy en Bali, Indonesia
así que por supuesto, el color que elegí era verde. Tal vez puedas decir
que es mi color favorito, mi pared es en realidad verde y
pinté esa pared de verde. Pero en realidad estamos rodeados de verde
por aquí, casi en todas partes donde mires, puedes ver verde y si
vas a una azotea, verás bastante
inmediatamente que en realidad
estamos
rodeados de verde. Elegí el color verde
para este ejercicio. Ahora mi plan original para este
ejercicio era realmente ir a un pueblo cercano y fotografías de la
vegetación allí. Pero mientras estamos filmando
la lección de composición aquí en casa, me acabo de dar cuenta de
cuánta vegetación existe en
realidad en nuestra casa. Realmente nunca me tomé
el tiempo para
mirar cada planta y evaluar todos los diferentes tonos de verde que tenemos aquí en casa. Pero realmente
hay tanto aquí, así que decidí simplemente pasar tiempo rodando en
el jardín aquí. En realidad pasé alrededor de
una hora fotografiando todas las plantas y los árboles
que tenemos en nuestro jardín. No me di cuenta de que tenemos tantos tonos diferentes de
verde justo aquí en casa,
hay verde oscuro, verde claro,
amarillo-verde, azul-verde, incluso verdes que se desplazan ligeramente
hacia el púrpura. Todos estos colores
se pueden categorizar como verde, pero todos siguen siendo muy
diferentes el uno del otro. No me di cuenta de eso
hasta que realmente pasé el tiempo mirándolo y
evaluando estos colores. Ahora, si quieres dar este
ejercicio un paso más allá, y te
recomendaría totalmente hacerlo, intenta encontrar un color que sea complementario al color que elijas
para esta actividad, y tratar de fotografiar
esos dos colores juntos. Los colores complementarios son colores que se sientan uno
frente al otro
en la rueda de color, que es solo un pequeño
diagrama agradable que nos ayuda a
mirar diferentes colores y las relaciones
entre sí. Cuando se emparejan juntos, los colores
complementarios crean lo que llamamos una relación de
color armoniosa. En otras palabras, simplemente se
ven muy bien juntos. Combinaciones de colores complementarias comunes que podrías ver bien, eso es un bocado [Risas]
que podrías ver en naturaleza son azules y anaranjados, rojos y verdes como la tabla de surf y la
vegetación que mostramos antes. Amarillo y morado. Estoy seguro que los puedes
encontrar por toda la naturaleza si sabes
dónde buscar. Incluso esta planta que
fotografié tiene colores
complementarios,
los tonos rojos, morados, y el verde se ven muy
bien uno al lado del otro. Reconocer colores
complementarios es una gran habilidad para los fotógrafos, no solo para encontrar colores
complementarios en un entorno natural
sino también poder elegir los
atuendos o accesorios adecuados para un rodaje para crear
armonía de color en esa foto. Mencionaré esto más adelante en el curso
porque vamos
a estar ejecutando un breve
fotográfico más adelante. Pero solo debes saber que tener una conciencia de los colores
complementarios es una gran habilidad para
tener como fotógrafo. Ahora, una gran manera de
experimentar con diferentes
colores complementarios es usar esta impresionante herramienta
en color.adobe.com. Se pueden ver todas las diferentes combinaciones
de colores así
como varios otros tipos
de relaciones de color. Definitivamente recomiendo simplemente ir ahí y jugar
con él,
haciendo clic
en las diferentes
combinaciones, y solo conseguir una idea por ello, porque esto ayudará a su
comprensión del color. Pero en general, como dije, tener una buena comprensión del color es importante
como fotógrafo porque a menudo necesitamos
asegurarnos de que estamos
contabilizando todos los diferentes
colores en nuestra escena, no importa cuán silenciados o vibrantes puedan ser
esos colores. Una foto se puede arruinar al
poner
color de una sola vez en nuestra foto,por poner
color de una sola vez en nuestra foto, lo que es importante realmente prestar atención a todos los colores
que tenemos en nuestra escena. Pero sólo para
recapitular rápidamente este ejercicio, quiero que ustedes se dirijan afuera
a un pequeño paseo fotográfico, y fotografien un color. El énfasis está en un color,
así que ya sea azul,
verde, amarillo, o lo que sea, sea cual sea tu color favorito. Si lo desea, y
sin duda recomendaría hacerlo, busque colores complementarios
a ese color que seleccionaste y mira si los puedes encontrar
juntos y fotografiar
esos dos juntos. Puede que no puedas
hacerlo y eso está bien, pero solo estar al
pendiente de ello. Pero con nuestra
actividad de color fuera del camino, chicos, en la siguiente lección, vamos a pasar
a una lección un poco más técnica, pero prometo que
no es tan difícil de conseguir. Vamos a estar
charlando sobre apertura, así que si ustedes están
listos para empezar, pasemos a
esa lección ahora.
7. Lograr profundidad con apertura: Ahora, quiero pasar a tema
un poco más técnico, pero prometo
que no es tan malo así que ten cuidado conmigo. En esta lección, quiero
hablar de cómo se puede crear profundidad en su escena
usando apertura. Esto es bastante fundamental
para la fotografía. Creo que es realmente importante aprender cómo funciona la apertura y cómo afecta la forma en que sale
tu imagen. Pero antes de sumergirnos en
el ejercicio real, hay algunas cosas
que debes saber sobre la apertura primero, así que vamos a charlar
sobre eso primero. Ahora, la apertura es uno de los
tres ajustes principales de la cámara que compone lo que llamamos triángulo
de exposición. Los otros dos ajustes son
ISO y velocidad de obturación. Ahora, el triángulo de exposición es solo un pequeño
diagrama práctico que nos muestra todos los
ajustes de la cámara que regulan la cantidad de luz que
ingresa a nuestra cámara, lo que en última instancia dicta
la exposición de nuestra imagen o básicamente qué tan brillante o
cuán oscura aparece nuestra foto. Que puede o
no estar bien versado en el triángulo de exposición
todavía, pero eso está bien. No necesitas
estar para esta lección, me enfoqué en el triángulo de
exposición bastante fuertemente en mi clase de
elementos esenciales de fotografía. Te recomiendo encarecidamente chequear eso si quieres
entender mejor esto. Pero en definitiva, la apertura es el pequeño agujero en nuestra lente
que se abre y se cierra para regular la cantidad de luz que
entra en nuestra cámara antes que esa luz sea grabada en un pequeño sensor dentro del cuerpo de
la cámara. Apertura, también conocida como
f-stop de una cámara, se denota por un número que
puedes encontrar en tu lente. Cada lente es diferente, pero las aperturas comunes
varían en cualquier lugar desde f/1.4 hasta f/22. Ahora, una abertura más pequeña, un número mayor, permite que entre menos luz en la
cámara que una apertura más amplia, que es un número menor y esto permite que entre más
luz en la cámara. Ahora, sé que esto puede ser
un poco confuso porque una pequeña abertura es
un número mayor, mientras que una abertura más amplia
es un número menor. Pero te prometo que tendrás
el cuelgue de ella a tiempo, así que no te
colgues demasiado en esto ahora mismo. Desde el punto de vista de la exposición, la apertura es en realidad
bastante fácil de entender. Un pequeño agujero deja entrar menos
luz que un gran agujero. Pero al igual que los tres de nuestros principales ajustes
de cámara del triángulo de exposición, la apertura tiene su propio efecto creativo
único en nuestra imagen más allá de simplemente regular cuánta
luz entra en nuestra cámara. Esta debe ser su
consideración principal con apertura. El efecto creativo de la
apertura es su capacidad para controlar la profundidad de
campo en nuestra escena, o esencialmente el
rango de enfoque entre objetos cercanos a nuestra cámara
y más lejos de nuestra cámara. Una abertura más pequeña, que es un número mayor como f/8, f/11, o incluso f/22, resultará en una profundidad de campo mucho
mayor. Lo que significa que tienes foco
todo el camino desde el primer plano hasta el
fondo de tu imagen. A los fotógrafos paisajistas a menudo les gusta disparar con aperturas
más pequeñas para
asegurar que obtengan todo lo que hay dentro
escena en foco. Ahora, una
abertura ancha o una gran por otro lado, que es un
número menor como f/1.4, f/1.8 o f/2.8
resultará en una profundidad de campo mucho
menor. Esto significa que si quieres
tomar una foto con tu sujeto, como una modelo es agradable y nítida, y quieres que el fondo
sea agradable y borroso, no
querrías usar una abertura
más amplia para hacer esto. los fotógrafos de retratos,
por ejemplo, les gusta disparar con aperturas de
agua para obtener buena separación entre su
modelo y el fondo. Ahora, creo que la mejor manera de
entender cómo
afecta la apertura a la profundidad de campo de tu imagen es capturar fotos en todas las diferentes
aperturas de tu lente. Para este ejercicio, vas a querer encontrar un tema. Puede ser cualquier cosa
en absoluto mientras ese sujeto no tenga
algo directamente detrás de él. Una vez que hayas hecho ese
pie a unos pies de
distancia de tu
sujeto y captura una foto en todas las
diferentes aperturas que tu lente puede hacer. Empezando por la apertura
máxima de tu lente o el número más pequeño. Esto a menudo va a
caer en cualquier lugar entre f/1.8 o f/4
dependiendo de tu lente. Entonces una vez que
tomes una foto ahí, cierra
lentamente tu apertura, tomando fotos después de cada
ajuste que realices. Una vez que llegas a f/16
o f/22, puedes parar. Para este ejercicio,
lo que vas a hacer es establecer tu cámara prioridad de
apertura o el pequeño modo
API o AV en tu cámara, dependiendo de tu fabricante. Lo que
significa este modo de cámara es que elijas la apertura de la cámara
y todo lo demás es auto. La cámara selecciona la velocidad del
obturador y el ISO, por lo que no necesitas
preocuparte por la exposición. Lo único que estás
configurando es la apertura. Ahora, si estás usando un iPhone, en realidad todavía
puedes seguir
a lo largo ya que el iPhone tiene una abertura simulada mientras está en modo retrato.
Eso es bastante guay. Además, intenta hacer
esto durante el día ya que podría
encontrarse con problemas de disparo con una abertura más pequeña
si estás disparando por la
noche o con poca luz. Salí y fotografié un pequeño templo en
los arrozales cerca de mi pueblo y
seleccioné este lugar
porque el fondo, como se puede ver, es
bonito y muy lejos. Al hacer esto,
observe cómo cambia la profundidad de campo en su escena. Mi lente puede ir de f/1.4
todo el camino a f/16. Se puede ver una gran
diferencia en estas fotos. El foto que disparó al f/1.4 es agradable y borrosa
en el fondo. Tenemos agradable
separación de sujetos, aislamiento, y esto es lo que llamamos
una profundidad de campo poco profunda, mientras que la shauna
f/16 es mucho más aguda y en foco a
lo largo de todo el marco. Pero a menudo esto puede ser
un poco distrador, como creo que está aquí. Ahora, la razón por la que creo que esta actividad
es tan buena es porque la apertura es casi siempre el
primer escenario en el que pienso cuando
estoy tomando una foto. Eso es simplemente
porque la profundidad en nuestra escena es muy importante. Hacer este ejercicio
realmente
te ayudará a entender cómo la
apertura afecta la profundidad en tu escena y en
última instancia solo te dará mucho más control creativo
sobre tu fotografía. Prometí que esta
actividad te va a
ayudar a aprender apertura más rápido, pero con nuestra comprensión de apertura y cómo afecta
salir del camino, pasemos a otra lección donde
vamos a hablar velocidad de
obturación y su efecto creativo
único, que tiene que ver con el desenfoque de
movimiento y movimiento.
8. Captura el movimiento con la velocidad de obturación: Ahora que hemos cubierto apertura, sigamos adelante y
hablemos de la velocidad del obturador y la velocidad obturación es uno de los otros ajustes principales de la cámara
en el triángulo de exposición. Los otros dos son
apertura e ISO. Ahora, el obturador de una cámara es el pequeño flop
dentro de tu cámara que se abre y se cierra para permitir luz entre en el cuerpo de la cámara. La luz entra por la
lente, a través de la abertura, y luego pasa por
el obturador de apertura, y luego se graba en el pequeño sensor
dentro de la cámara. El clic que escuchas
cuando tomas una foto es en realidad el obturador que se
abre y cierra. El tiempo entre la apertura y el
cierre del
obturador es tu velocidad de obturación. La velocidad de obturación también se
denota por un número, lo que un segundo, dos segundos, un
veinte de segundo, una centésima de segundo, una quincena de segundo, una
cinco milésimas
de segundo, lo cual es bastante rápido, etc. Una velocidad de obturación más rápida permite que entre
menos luz en la cámara, mientras que una mayor velocidad de obturación permite que entre más luz
en la cámara. Una vez más, al igual que la apertura desde el punto de vista de la exposición, velocidad de
obturación es bastante
fácil de entender. Pero al igual que la apertura, la velocidad
del obturador tiene su propio
efecto creativo único en nuestra imagen, y esa es su capacidad para congelar o difuminar el movimiento en nuestra escena. Una velocidad de obturación más rápida como uno-dos milésimas
de segundo, uno-cinco milésimas de
segundo congela el movimiento, mientras que una
velocidad de obturación más lenta desdibuja el movimiento. Un segundo, dos segundos, si algo se está moviendo
en tu escena, podrías tener mucho
desenfoque en esa foto. Por ejemplo, se puede ver esto
en fotógrafos deportivos. A menudo están fotografiando sujetos
en
movimiento rápido, por lo que necesitan disparar a velocidades de obturación como veinticinco
centésimas de segundo, 1/5,000th de segundo, a veces 1/8,000th de segundo, que es muy rápido. Mientras que en el otro
lado de eso, algunos fotógrafos paisajistas que quieren mostrar
agua borrosa en su escena, o quieren conseguir senderos
estelares en el cielo. Dispararán
a
exposiciones de uno o incluso 30 segundos para conseguir esa imagen realmente
agradable de aspecto suave. Pero en
términos generales, si disparas más rápido que 1/500 de segundo, no
deberías conseguir
tanto desenfoque de movimiento en
tu escena a menos que tu
sujeto se esté moviendo rápido. Pero si disparas
más lento que 1/100 de segundo, posible o no obtener
algún desenfoque de movimiento en tu escena si algo
se está moviendo en esa foto. Creo que la mejor
manera de entender esto es solo salir
una vez más afuera y fotografiar a un sujeto en movimiento. Un camino suele ser bueno
para esto o puedes pedirle a un amigo que corra
delante de tu cámara. Básicamente cualquier cosa
que se esté moviendo. Ahora, fotografía a
ese sujeto en movimiento con una amplia gama
de velocidades de obturación. Puedes tomar fotos
a un segundo, 1/50 de segundo,
1/100 de segundo, y luego incluso
1/1,000th de segundo, hasta la velocidad de
obturación más rápida que
tu cámara puede hacer, que debe ser alrededor 1/4.000th de segundo o
1/8 mil de segundo. Observe cómo una velocidad de
obturación más rápida congela ese movimiento por lo que
no hay desenfoque de movimiento en el disparo. Mientras que si usas una velocidad de obturación
más lenta, el sujeto en movimiento podría
parecer un poco borroso. Ahora, podrías estar pensando
para ti mismo, Bueno, ¿por qué no usaría simplemente una velocidad de obturación rápida
todo el tiempo entonces? Porque no quiero que mis
fotos sean borrosas. Bueno, la cosa es
acerca de la velocidad de obturación es que este
desenfoque de movimiento en realidad
se puede usar creativamente para un efecto creativo
realmente genial. Dominar esto te
permitirá obtener algunas tomas
creativas realmente interesantes. El motivo de esto
es porque agregar desenfoque de
movimiento a tus
fotos muestra dinamismo. Muestra movimiento y
pueden hacer que una foto se sienta viva. Experimenté con velocidades de obturación
lentas en otro curso que
posteé aquí en Skillshare, fotografía
creativa de retratos, donde yo y mi amiga Kelsey, salimos a la
playa y rodamos una escena de retrato realmente divertida. Tomé muchas de esas fotos
a velocidades de obturación rápidas, pero también filmé muchas
fotos a velocidades de obturación lentas, como 1/30 de segundo, 1/40 de segundo. Algunas de mis
tomas favoritas de ese curso, donde cuando usamos una velocidad de obturación lenta
que realmente enfatizó los movimientos de ella
corriendo por el agua y solo estar activa
porque estaba activa ella estaba corriendo por ahí
y yo quería plasmarlo en esas fotos. Estos disparos, por ejemplo, estos fueron rodados a
alrededor de 1/30
de segundo y ambos nos estamos moviendo. Esta es una velocidad de obturación bastante
lenta para el movimiento en la escena. Se puede ver mucho
del marco es borroso, pero hay partes
del marco que son agradables y en foco porque se mantuvieron a la misma
distancia lejos de la lente. Creo que estas fotos salieron realmente geniales y hay muchos otros fotógrafos que usan
esto creativamente también. Ahora saliendo de esto, algo que se puede hacer
con una velocidad de obturación lenta. Puedes hacer lo que
se llama disparo de rastreo, donde usas una velocidad de
obturación más lenta y mueves tu cámara junto con el sujeto para que puedas desplazar tu
cámara con un sujeto. El sujeto en realidad no está cambiando su ubicación
en tu cámara, pero el fondo es porque el fondo no se está moviendo. Puedes hacer esto con autos, cualquier cosa que se esté moviendo rápidamente. En esta foto, por ejemplo, se
puede ver nuestro
tema aquí está en foco mientras el fondo
es agradable y borroso. En realidad capturé esta foto
en Bangkok mientras filmaba mi
clase de fotografía nocturna aquí en Skillshare y filmé esto
con una velocidad de obturación de, creo que fue 1/30
de segundo también. El fondo es bonito y
borroso porque se está moviendo. Pero nuestro tema es agradable
y nítido porque
se quedó en el centro
de nuestro marco. Una vez más, el ejercicio para esta lección es salir
afuera y fotografiar a un sujeto en movimiento e
intentar fotografiar ese sujeto a
diferentes distancias focales. Si puedes hacer esto por la noche,
eso será realmente genial porque puedes conseguir algunos senderos ligeros realmente
interesantes, sobre todo si un auto
está conduciendo rápido. Puedes conseguir los faros para
crear largas rayas a través de tu foto, lo que sí se ve
realmente interesante. Pero en general, este ejercicio
realmente te ayudará a entender cómo la velocidad de obturación afecta el movimiento
de tu escena. Al igual que cómo el efecto
creativo de apertura es importante
en nuestra foto, velocidad de
obturación es igual de
importante y entender cómo velocidad de
obturación afecta el
movimiento y
el movimiento en tu foto es clave
para la fotografía. Cuanto antes
lo agarres, mejor. Pero antes de seguir adelante, solo
quiero hacer una
nota rápida sobre ISO porque
no añadí un
ejercicio específico para ISO, pero lo hice por la apertura
y la velocidad de obturación. Lo que pasa con ISO es que su efecto
creativo no es tan impactante como los efectos
creativos de la velocidad
de obturación y la apertura. No pensé que fuera
una lección fundamental incluir en este curso. No me malinterpretes.
El ISO es importante. Pero simplemente no
quería enfocarme en este curso porque como dije antes, nos estamos centrando en más de las cosas
estilísticas en este curso. ISO simplemente realmente no
tiene ese mismo impacto en una foto como lo hace la apertura
o la velocidad de obturación. Pero con estas dos lecciones
técnicas fuera del camino, chicos, sigamos adelante y hablemos algo un
poco menos técnico. Un poco más fácil de
entender, y volver a estas sólidas raíces estilísticas
de la fotografía.
9. Recrea tu foto favorita: Muy bien chicos. Bueno,
para este próximo ejercicio, no
vamos
a estar enfocándonos en nada súper técnico
y nada de lo que realmente necesitábamos ir en profundidad antes de hacer el ejercicio. Eso es porque
sólo vamos a estar recreando una foto
que realmente nos gusta. Recrear una foto es en realidad un
ejercicio realmente fundamental y creo que casi todos los
fotógrafos deberían probar este ejercicio cuando empiezan por
primera vez. El motivo por el que creo que
es tan efectivo para mejorar tu
fotografía es porque te
obliga a dar cuenta de todos
los factores involucrados
en una fotografía. Muchas de esas cosas que hemos discutido en este curso hasta ahora. Composición, iluminación, color, materia,
profundidad, etcétera. Para este ejercicio, creo
que es bastante sencillo. Solo quiero que
salgas y encuentres una foto que te inspira de
alguna manera y una foto
que crees que podrías
recrear de manera realista. Aquí sí tienen que ser
algo realistas. Obviamente, no
puedes simplemente recrear cualquier foto que veas. Algunas fotos, simplemente
no es realista hacer eso. Pero tampoco vamos
a ir para una recreación uno a uno
de esta foto. Simplemente encuentra una foto que creas que
podrías recrear
factiblemente
hasta cierto grado. Una vez que encuentres tu foto, sigue
adelante y
siéntate y escribe unas notas sobre esa imagen. Las cosas principales en las que
quieres enfocarte son, número 1, el estado de ánimo general o la emoción es que la foto está emitiendo. Número 2, por supuesto, el tema o los objetos físicos
reales o personas en esa escena, sus expresiones, cómo
se posicionan, qué llevan puesto, si hay algún utilería usando la escena, etcétera A continuación, por supuesto, queremos prestar mucha atención a la
composición de la foto. ¿ Cuál fue la
perspectiva del fotógrafo con respecto al tema? ¿ Dónde estaban de pie? ¿ Cómo
fotografiaron esa escena? También ¿qué lente usaban? ¿ Está realmente acercado el tiro? ¿ Está comprimido o se
disparó con una lente de ángulo más amplio? Simplemente se puede ver más de
la escena en su conjunto. Esas son cosas en las
que pensar también. Por supuesto, tenemos que prestar mucha atención a la iluminación en esa escena también. Y si esa luz es
dura luz o luz suave, el color de esa luz, ya sea cálida o fría. Por último, y lo más importante, es el posicionamiento
de esa luz. ¿ De dónde se derrama esa luz
en el marco? ¿ Viene desde
arriba, desde el costado? ¿ Viene de abajo? ¿ Ese es el sol? ¿ Es fuente de luz natural o es una fuente de
luz hecha por el hombre? ¿ Cuál es esa fuente de luz principal? A ver si puede identificarlo. Ahora, una vez que
anotes todas estas notas, sigue
adelante y trata de
configurar una escena, recreando la
fotobasada fuera de todas las cosas que
identificaste. Ahora, como dije antes, esto realmente no
necesita ser perfecto. Creo que es imposible hacer una recreación perfecta a menos que
tengas el mismo
tema, y la misma ubicación,
todas esas cosas. Por ejemplo, si
hay una tabla en tu foto de referencia y simplemente no tienes la mesa correcta, tal vez sea un
color diferente, una forma diferente, lo que sea, solo usa cualquier mesa vieja que tú
podría tener en casa. El propósito de este ejercicio
es simplemente ayudarte a deconstruir una fotografía e
identificar cómo fue filmada. Al hacer esto, y luego volver a crear tu
propia foto similar, vas a obtener
tanta visión la mente del artista original y su
proceso artístico también. En realidad tuve mi comienzo en la
fotografía al
recrear básicamente fotos
de un fotógrafo que realmente miraba hacia arriba. Yo estaba viviendo en Tailandia
en ese momento y me inspiró increíblemente este
fotógrafo llamado Tor, su Instagram es torthanit. Voy a enlazar eso abajo. Estaba capturando estas
increíbles fotos de café y comida alrededor de Chiang
Mai en el norte de Tailandia. En realidad empezamos a
disparar juntos bastante poco después de
que me mudé allí. Al principio, mi estilo era básicamente idéntico al suyo. Imicé la forma en
que usaba la luz, la forma en que compuso
sus tomas e incluso elegí el mismo
tema también. Me inspiró masivamente por él. Solo quería tomar fotos que fueran tan hermosas como las suyas. Presté mucha atención
a todos los detalles, todos los pequeños detalles en
su foto y la luz, y básicamente todo lo
que vi en esas imágenes, contabilizé. Simplemente me enseñó tanto sobre su flujo de trabajo y cómo creó
estas hermosas fotos. Todo lo que realmente estaba haciendo
era simplemente
descomponer esas imágenes suyas en partes que
funcionaban y
luego tratar juntar
esas piezas
en mi propio trabajo. Creo que fue bastante
efectivo al hacerlo. Lo genial de esto es que
una vez que te
pongas bien haciendo esto, vas
a poder contar tanto sobre el proceso artístico detrás de
cualquier foto que veas. Realmente es un ejercicio
poderoso. Creo que esto es lo que me ayudó a convertirme en el fotógrafo que
soy hoy, uno de los ejercicios más
importantes que me ha ayudado a convertirme en el
fotógrafo que soy hoy. Realmente estoy emocionado de ver las recreaciones
que ustedes hacen. Ya sabes lo gracioso
es en realidad cuando
estaba escribiendo esta
lección ayer, alguien realmente recreó una de mis imágenes en Instagram. Una de mis viejas fotos de café
que se rodan en Nueva Zelanda, creo que en 2018. Pero en lugar de
recrearlo a través de una foto, lo
recrearon
en una representación 3D. En realidad es una locura
lo cerca que este artista llegó a
mi foto original. Pero con eso dicho
sí hizo algunos cambios. Sólo quiero hacer una nota rápida sobre copiar antes de seguir adelante. Porque creo que este es un
tema delictivo para mucha gente, sobre todo en la comunidad
artística. Creo que copiar o
imitar es realmente una parte central del proceso de aprendizaje de la
fotografía. Pero lo que no creo que sea genial, es copiar la foto de alguien y luego tomar todo el crédito
artístico por ello. Creo que el arte evoluciona a través de artistas imitando el trabajo del
otro. Pero si vas a tomar crédito por una obra de arte, entonces siempre debes estar agregando alguna adaptación creativa a ese trabajo antes de
tomarte el crédito por ello. Cuando eres un principiante completo, realmente no creo que
esto sea mucho,
pero una vez que empieces a
mejorar tus habilidades, creo que es importante poner
tu propio toque artístico en tu trabajo y poco a poco comenzar desarrollando tu
propio estilo único. Esto es lo que pasó
cuando estaba disparando con Tor en Tailandia,
por ejemplo. Ambos estilos evolucionaron con el tiempo y ahora tenemos estilos de fotografía
completamente diferentes. Ambos venimos de ese
mismo lugar de rodar café y comida y ese tipo de ambiente
muy malhumorado. Pero ahora rodamos cosas completamente
diferentes. Pero con eso dicho,
realmente me encantó esta actividad. Como dije,
creo que es tan importante
poder deconstruir una fotografía y habías aprendido tanto durante este proceso. Estoy súper emocionado de veros
chicos esta clase proyectos. Si decides usar este en tu
proyecto de clase, espero que lo hagas. Espero que alguien lo haga porque realmente
me gusta este ejercicio. Pero ahora pasemos
al siguiente ejercicio.
10. Reflexión de imágenes en 25 palabras: Un tema recurrente
que probablemente me hayan escuchado decir a lo largo de
este curso varias veces ahora es solo esta idea de frenar y
realmente analizar una foto y evaluar todas las diferentes aspectos de la imagen que hemos
discutido hasta ahora, por lo que cosas como iluminación, composición, color,
materia, todas esas cosas. Pero con eso dicho, una foto es también mucho
más que esas cosas. Es mucho más que
la forma en que se ve físicamente. Lo que hace grande a una foto es en última instancia la historia
que cuenta, y las emociones que
suscita entre sus espectadores. En esta lección, quiero que
ustedes echen un vistazo a una o dos fotos que
simplemente aman absolutamente, fotos que te inspiran, piensan que son hermosas, piensan que significan algo
y luego quiero que sólo para mirar esas fotos
de cinco a 10 minutos. Al estar
mirando esas fotos, adelante y anota 20 a 25 palabras que te vienen a la
mente cuando veas esa foto. Estas palabras pueden
ser honestamente cualquier cosa en absoluto. Pueden ser emociones que sientes cuando ves la foto, o simplemente pensamientos aleatorios sobre cosas que
ves en la imagen, o incluso notas sobre
el lado técnico de la foto y la
composición y la iluminación, lo que quieras escribir. Creo que la mejor manera de explicar este ejercicio es sólo
mostrarles chicos. Esta es una foto que
capturé en Vermont en otoño y probablemente
sea una de mis
fotos favoritas que he tomado. Justo la forma en que se ve y
las vibraciones y los colores, todo simplemente lo hace por mí. Los colores, en particular, creo que en la composición
también con la casa
en el medio, sólo se ve realmente bonito. Pero lo más importante,
creo que la
razón por la que esta foto me
destaca tanto es porque tiene la
historia de esta solitaria, pero hermosa casa en este
precioso lago
rodeado de algunos de los más
hermosos colores que he visto en la naturaleza. Podría haber un fuego y la hoguera y
tal vez sea un poco frío afuera y en general es sólo una escena muy acogedora
y eso me encanta. Creo que es realmente
fácil
imaginarte en esa casita en una crujiente mañana de otoño y
creo que por eso esta es en última instancia una de mis fotos favoritas
que he tomado alguna vez. Me senté y escribí 25 palabras para describir esta foto. Aquí están algunas de las
palabras que se me
ocurrió ; cálido, acogedor, reconfortante, pacífico,
acogedor, tranquilo, tranquilo. Todas esas cosas sólo
se
relacionan con las emociones que estoy sintiendo cuando estoy
mirando esa imagen y es como este ambiente pacífico, acogedor y cálido. También escribí, suave, grandioso, crujiente, tan físico
las cosas en
la foto, la suavidad del agua, la grandeza del edificio, y solo la
crujiente del aire tal vez o el humo
saliendo de la chimenea. También escribí,
libro y fuego. Escribí libro porque creo que asocio libros con comodidad, como otoño, frío, clima
lluvioso, así que pensé que encajaba
bastante bien ese tema y también
escribí fuego, fuego por unos pocos razones, el fuego en las hojas, el fuego en la chimenea. Creo que el fuego acaba de aparecer
en mi mente con bastante rapidez. También utilicé algunas
otras palabras como solitaria y aislada y sombría. Porque creo que a pesar de que
esto es cálido y acogedor, hay algo un poco aislante al respecto porque
hay esta casa, está sola,
no hay camino para llegar y qué pasa si hay
tormenta y te quedas atrapado? No lo sé. Se le da un ambiente ominoso
hasta cierto punto, así que creo que esas palabras me vinieron a mente una vez que empecé a
pensar en esa dirección. Entonces escribí
algunas palabras
relacionadas con la composición y justo la forma en que se ve y esas eran simétricas
y equilibradas. Entonces escribí algunas
otras palabras aleatorias también que acababan de
aparecer en mi mente, austeras, vibrantes, silenciadas. Creo que es vibrante
por todos los colores, pero creo que también está silenciado al mismo tiempo
porque es un poco simple y no
pasa mucho, así que está silenciado en ese sentido
y luego yo también escribió ordinario, mágico, de cuento de hadas, poético y confiado y
estas son también solo palabras que aparecieron en mi mente que
pensé encajaban muy bien esta
imagen. Como se puede ver, hay
una amplia gama de palabras y algunas ciertamente se
contradicen entre sí. Pero en general, estas son
sólo cosas que
sentí cuando
miraba esta foto. He hecho esto con muchas
otras de mis imágenes también. Me ayuda a reflexionar sobre mi trabajo y ver algunas de
las cosas que he hecho y a precisar algunas de
las cosas que
no me gustan de las
fotos que he tomado o tal vez cosas que
cambiaría el futuro si tengo
la oportunidad fotografiar esa cosa otra vez. Ahora
lo genial de esta actividad
también es que podrías hacer
esto con cualquier foto. No tienes que
usar tu foto. De hecho, te instaría a
usar la foto de otra persona. Creo que sería una gran
oportunidad para realmente deconstruir el trabajo de
otra persona. Incluso puedes usar una de
mis fotos si quieres. Simplemente puedes ir a mi Instagram, captura de pantalla que y
sentarte y escribir algunas palabras aleatorias
y en realidad me
encantaría que si ustedes hicieran
eso para el proyecto de clase. Simplemente desglose parte de mi trabajo. No tienes que hacerlo, pero
sería genial verlo. Esa es una idea para
tu proyecto de clase. Pero sí, creo que esto
es sólo un gran ejercicio para mirar una foto más allá su valor facial y poder
explicar por qué una foto
es hermosa, en lugar de simplemente
mirarla y decir, sí, esa es una gran foto. Echemos un vistazo a otro. Es pasar más tiempo en él, sumergirse en ella un
poco más profundo, y realmente averiguar qué hace que esa
foto te hable. Sinceramente creo que esto se traduce en tu propio trabajo también y si estás
haciendo esto a menudo, tal vez todas las semanas o todos los días, vas a ver una
mejora masiva en tu
propia fotografía. Pero ahora que hemos
hablado de esta idea de reflexión, sigamos adelante y hablemos ejecutar un breve fotográfico, lo cual es genial si
buscas
convertirte en
fotógrafo profesional o realmente tienes tomas en mente que realmente
quieres capturar. Pasemos a
esa lección ahora.
11. Planificar y ejecutar una sesión de fotos: Otro ejercicio que
he encontrado que realmente ha mejorado mis
habilidades fotográficas a lo largo del año es esta idea de llevar cabo un concepto
de fotografía de principio a fin, comenzando con el proceso
de realmente sentarse abajo, pensando en una idea y luego
escribiéndola, planeándola, y luego finalmente salir y ejecutarla y
salir con las fotos. Entonces, en lugar de solo tener una idea realmente áspera y
luchar por ir a dispararla, esto es más sobre
tomarse realmente el tiempo para
escribir nuestros pensamientos y escribir un plan y planificar cada aspecto de nuestro rodaje. Muchas de esas increíbles fotos
comerciales que ves en los anuncios en línea o cualquier foto de
tus grandes marcas favoritas. Te garantizo que hay
múltiples personas talentosas, decenas de horas, y miles de
dólares que se
dedican a crear esas fotos
y eso es porque cada pequeño
detalle sobre los brotes están planeadas y
escritas de antemano. En este ejercicio,
vamos a tratar de hacer
algo parecido. Para este ejercicio,
quiero que
piensen en una idea de sesión de fotos. Siempre puedes mirar y encontrar algo de inspiración
antes de hacer esto. Me gusta hacer eso en Instagram. Me gusta encontrar algunas
fotos que
me inspiren y guardarlas un tablero de humor y todas deberían estar girando en torno
al mismo tema. Tal vez sea un cierto
tipo de retrato. Tal vez sea un
retrato nocturno o un retrato al atardecer, o tal vez sea una foto de
naturaleza muerta, o tal vez sea incluso
una foto de paisaje. Poner juntos este tablero de humor
visual es un primer paso realmente bueno
en algo que
siempre hago con mis clientes antes de empezar a planear
el rodaje real. Pero una vez que tenemos
esas cosas abajo, ahora realmente queremos escribir algunas notas detalladas
basadas en algunas de las siguientes cosas. Número 1, el estado de ánimo general o el ambiente general de las fotos. ¿ Qué quieres
retratar en esas imágenes? ¿ Qué emociones
quieres suscitar? Una vez que hayas encerrado en esa idea fundamental
de la vibra general, el movimiento general, entonces
podemos pasar a algunas de las cosas fundamentales de las
que hemos estado hablando a través de
este curso hasta ahora. Cosas como la ubicación, la hora de la barra de iluminación del día, los modelos, el tema de los apoyos, los colores, etc. Esto es muy similar a la lección donde estamos
recreando una foto, pero la diferencia aquí
es que estás usando tus propias ideas creativas y haciendo algo
que sea único tuyo. No estamos recreando
nada aquí. Estamos haciendo algo
verdaderamente único. Un buen ejemplo para este ejercicio es básicamente sólo cualquier rodaje
comercial. Hice este rodaje el año pasado con este
viaje realmente impresionante donde la marca llamó Boesen e hicimos
todo el rodaje aquí en Bali,
por toda la isla. Teníamos modelos, maquilladores, conductores, asistentes, etc. y hubo tanta planeación
que entró en ese rodaje. Pero cuando empezamos a planear, lo primero que preguntamos fue, ¿
cuál es la emoción y cuál es la vibra
que quieren ir con esto? Vamos a compartir algunas imágenes y hablar ampliamente sobre lo que
ustedes están buscando. Una vez que bloqueamos eso en,
seleccionamos la ubicación con
base en eso, seleccionamos la iluminación
para que coincida con ese estado de ánimo, encontramos modelos que se ajustaban al look
que querían, y también elegimos algunos
colores que querían. Por supuesto, querían
verde, tan perfecto, pues aquí en Bali teníamos
mucho verde disponible. También querían blues también. También genial porque
vivimos en la playa. Creamos un plan realmente
detallado basado en todas esas cosas que
seleccionamos la mejor hora
del día para ir a rodar. Organizamos a los pilotos y todas esas cosas y
con ese plan, salimos y
en realidad ejecutamos el rodaje y fue impresionante. Las fotos salieron muy bien. Estoy súper bombeado con ellos. A todos nos pagaron. Todos
estaban contentos y también nos
divertimos mucho porque
teníamos un plan sólido en su lugar y no estábamos peleando para hacer
ciertas cosas. Por supuesto, no
vas a poder
controlar siempre cada factor y
una de las cosas más grandes a las que te vas a encontrar
con el
disparo con luz natural es el clima, el clima es súper
impredecible aquí en Bali, a veces solo comienza a
asaltar de la nada. Afortunadamente, tuvimos mucha suerte
con el clima ese día, así que no tuvimos que
preocuparnos por la lluvia ni nada. Pero en general, el rodaje
acaba de salir realmente, muy bien. Pero en resumen, el propósito
de este ejercicio es conseguir que ustedes se comprometan un poco con el lado de planeación de la
fotografía, luego convertir
ese plan en una foto real. Creo que solo el acto de sentarse y planear
algo antes salir y disparar es una gran
experiencia de aprendizaje en general. Grandes fotógrafos
sí se toman el tiempo para investigar y planificar
sus sesiones fotográficas. Pero luego una vez
que están en el sitio, también
tienen esa capacidad
creativa para encontrar nuevas composiciones y
probar cosas nuevas y pensar fuera de la caja y
crear algo realmente genial. La fotografía se trata lograr un equilibrio
entre esas dos cosas, planear y saber
fue a romper las reglas, y esa es una habilidad que sí requiere
dominar con el tiempo. Ok, chicos, casi
terminamos con esta clase. Sólo nos
quedan dos ejercicios más para repasar y me
gustaron mucho estos ejercicios. Uno de ellos es uno
que hago todo el tiempo casi todos los días y uno de
ellos es uno que creo que cada artista debería hacer sin
importar en qué medio
estén creando y estoy súper emocionado de
hablar ésa. Con eso dicho, chicos,
pasemos a la siguiente lección.
12. Fotocaminata creativa: Chicos, bienvenidos al segundo
al ejercicio en esta clase, y este es uno de mis favoritos. No es mi favorito, pero
es uno de mis favoritos. En realidad es uno que ya
hemos estado haciendo a lo largo de este curso, y que por supuesto
es el paseo fotográfico. Ahora, un paseo fotográfico es esencialmente sólo salir afuera en un paseo algún lugar agradable y tomar fotos de algunas de las
cosas que ves. Ya lo hemos hecho en el ejercicio de iluminación
por ejemplo, en los ejercicios de color también, les
pedí que salieran y fotografiaran un tema específico. Para el color, se encontraba encontrando un color específico y
para la iluminación, era buscar luz
interesante y disparar en blanco y negro. Pero para esta lección, quiero que vayas en tu propio paseo
fotográfico y
fotografies lo que quieras
fotografiar en esa caminata. Si ves algo
que se ve interesante, puedes fotografiar que, si ves algún
color interesante, fotografiar eso, o tal vez simplemente
sientes que quieres tomarte una foto de algo y
puedes realmente no explicar por qué, adelante adelante, toma
tantas fotos como puedas. Mientras
lo haces, debes
pensar en algunos de los
conceptos que hemos discutido en esta clase hasta
ahora y ver si puedes aplicar algunos de los principios
a tu propia fotografía. Te recomiendo hacer esto en algún lugar que
creas que es bonito, en algún lugar que creas que es agradable o en algún lugar
que creas que es interesante. Si viajas,
ese es probablemente el mejor de los casos para
que vayas a dar un paseo fotográfico. Una de las primeras
cosas que
hago cuando viajo es ir a mi hotel, registro, bajar mis cosas, agarrar mi cámara, y
voy a dar un paseo. Creo que en mi primer
día en Japón, caminaba como 45 mil pasos, mis piernas estaban un lío, solo
estaba tan cansada
y agotada, pero estaba tan interesada en todo lo que
estaba viendo y estaba tomando tantas fotos y
en realidad lo hice por como una semana consecutiva
y capturé tantas fotos increíbles y
es un buen momento. Pero si no
viajas, eso está bien, puedes dar un
paseo fotográfico en un pueblo cercano, en una ciudad, en un parque. Voy a fotos paseos aquí
todo el tiempo cerca de mi casa. Sólo me gusta estar
afuera tomando fotos. Creo que es una
gran actividad creativa, y en realidad hice una mini
clase aquí en Skillshare, hablando de algunos de los
beneficios de la fotografía creativa caminando y cómo puedes hacerlo para mejorar
tu fotografía. Definitivamente recomiendo revisar
eso si ustedes están interesados en bucear en la foto caminar un
poco más. Voy a paseos fotográficos todo
el tiempo aquí en Bali, y uno de los lugares a los
que me gusta ir es este pequeño pueblo de playa
en la parte sur de la isla llamada Uluwatu. Tienen estos grandes acantilados que se
derrama hacia el océano, y hay un montón de
pequeñas chozas de surf y villas y cafeterías, y es sólo un gran
ambiente y creo que es un
lugar tan agradable para tomar fotos así que voy allí muchas veces, exploro y fotografio
algunas otras cosas que veo. He capturado algunas fotos realmente
increíbles allí, y también es solo
un buen momento y
fue realmente útil
para mí específicamente durante la pandemia cuando
acabo de tener una enorme falta de creatividad y yo necesitaba hacer algo para
salir de eso, el paseo fotográfico realmente me
ayudó a hacer eso. Pero este fue un ejercicio que definitivamente tuve que
incluir en esta clase y realmente estoy
emocionado de ver lo que hacen ustedes en sus paseos fotográficos. Es uno de los tipos
de
actividades fotográficas para principiantes más
fundamentales que
puedes hacer cuando estás empezando por
primera vez, porque solo te saca afuera tomando imágenes
de cosas que ves. Te ayuda a lucir también, te
ayuda a ser más atento, más presente, observar
algunas de las cosas en tu entorno, y en general, solo te ayuda a afinar ojos de
tu fotógrafo y ayuda te vuelves mejor identificando cosas que
harían una gran foto. Esta imagen
detrás de mí realmente en la pantalla de
mi monitor es una de
mis fotos favoritas que
capturé en un paseo fotográfico en
California en mi viaje más
reciente a casa. En realidad estaba rodando
una película y
paseaba por San
Francisco un día y luego también caminé por
la costa de California en Monterrey y algunos
de los pueblitos allá y capturé
algunas fotos realmente bonitas. Esos estaban todos justo
en un paseo fotográfico a mitad del día, por lo que puedes hacer esto en
cualquier momento del día. Si quieres ir por
la mañana,
por la noche, a mitad
del día,
realmente no importa. Todo el propósito
de esta actividad es sólo para sacarte afuera tomando imágenes en un lugar
que encuentres hermoso. Realmente espero ver
el mundo a través de sus
ojos en sus paseos fotográficos, así que espero que ustedes disfruten esta actividad tanto como
yo, pero con eso dicho, pasemos al
último ejercicio en esta clase que
personalmente, es mi favorita.
13. Autorretrato: Bienvenidos al último
ejercicio oficial en esta clase chicos,
ustedes lo han hecho hasta aquí y
definitivamente he salvado lo mejor para
el fin. Esta es mi actividad favorita fuera de todas las cosas que
hemos hecho hasta ahora simplemente porque tuve una gran
experiencia filmando mi proyecto para esta
clase y este es en realidad el ejercicio
que estoy seleccionando para mi proyecto de clase aquí en
la clase y por supuesto, estoy hablando
del autorretrato. Disparar un autorretrato es
una actividad realmente íntima. Solo eres tú y una cámara y tu creatividad y un sentido
de vulnerabilidad también, pudiendo
entregarte a la cámara y representarte de una manera que
quieras que te representen. Esto puede ser muy difícil, configurar una cámara
y lidiar con el lado técnico
además de tratar de lucir bien y cumplir toda esta
visión creativa que has hecho para ti pero en última instancia
es una gran experiencia, es muy divertida, y es
tan útil a la hora de dominar todas estas diferentes
facetas de la fotografía de que hemos hablado hasta
ahora en este curso. Para este ejercicio, quiero que ustedes tomen fotografías de
su propio autorretrato. Cuando hagas esto
quiero
que primero pienses en cómo
quieres que te representen en esta fotografía, siéntate, escribas
algunas notas como hicimos en la
lección cuando estábamos planeando nuestra sesión de fotos. Consigue una idea general
de lo que quieres capturar en tu autorretrato y cómo
quieres que te retraten. ¿ Quieres lucir genial? ¿ Quieres lucir sexy? ¿ Quieres lucir interesante? ¿ O simplemente quieres que sea una representación realista de quién
eres en este punto de tu vida? Escribe esas notas luego
toma tu cámara, ponla en un trípode, los iPhones funcionan muy bien
para esto también. De hecho, es mucho más fácil
creo disparar con un iPhone pero agarrar tu cámara, ponerla en un trípode y tomar
algunas fotos de ti mismo. Esta es una actividad que he hecho unas cuantas veces a lo largo de los años
y una que me gustaría hacer más sobre todo después de
completarla para esta clase pero recuerdo una de mis primeras
clases de fotografía en la universidad, una de nuestras tareas para
esa clase era fotografiar un autorretrato de
nosotros mismos y
recuerdo sentarme en mi
dormitorio montando mi trípode y capturándome en un sofá y yo era
grande en ese momento estaba jugando al fútbol americano, así que es muy
pesado y musculoso y acabo de recordar esta foto y no
creo que nunca la olvidaré. Veré si puedo encontrarlo
para ustedes pero
me representé así porque cuando no estaba practicando o estudiando, eso es lo que estaba haciendo,
estaba sentado en el sofá. Fue representación realista de mí y no estaba tratando de
retratar que yo era genial ni nada y no decir que hay
algo malo en eso, puedes retratarte como quieras
para ser retratado, realmente no
hay bien
ni mal aquí pero después de mirar esa
foto y luego darme cuenta, recién
cumplí
30 años y no tengo ningún retratos
realistas realmente bonitos de mí mismo que he tomado
en los últimos años. Para esta tarea, realmente
quería
capturar algo íntimo y solo una representación realista de quién soy en este
punto de mi vida, acabando de cumplir 30
años e incluyendo todos los defectos que podría tener pero algunos de mis
trajes fuertes también. Monté el trípode en mi habitación
y acabo de sentarme en la cama. Realmente me gustó la
iluminación de ahí, esa es una de las razones por las que la
elegí y me gusta el color de la pared en la
parte trasera de la habitación, es este bonito gris oscuro. Acabo de mirar a la cámara y realmente
quería enfocarme en mis ojos. Quería capturar una imagen de cerca de mis ojos
porque siento que tengo estos ojos azules realmente profundos
pero muchas de las veces
no brillan a través a menos que
haya luz solar directa sobre ellos, entonces realmente se puede
ver lo azules que son simplemente porque
son tan oscuros y definitivamente
creo que lo
logré con algunas de estas imágenes y
también solo quería una expresión estoica pero también me dieron algunas También riendo
fotos porque a veces creo que
no me veo muy bien cuando me río o lo que sea pero
creo que eso es ridículo, debería abrazar quién soy y quería hacer eso con
estas fotografías. Estoy muy contento con
cómo salieron, casi
compartí con
algunos de mis amigos, ellos también están bombeados y espero que
ustedes tengan igual
de buena experiencia como yo mientras están haciendo
esta tarea. Solo para tocar un poco en el lado
técnico, esto puede ser bastante complicado sobre todo cuando estás tratando enfocarte con tu cámara
cuando no hay nadie ahí. Es bastante fácil
realmente tomar la foto. Simplemente puedes configurar tu cámara modo autodisparador o por tres, cinco o diez segundos pero la parte de enfoque es lo que me
pareció un poco difícil. Lo que hice fue
en realidad me senté bastante cerca de la cámara y luego me enfoqué manual en mi cara
al principio y me aseguré de que fuera agradable y agudo pero luego
descubrí un ajuste llamado DMF, Enfoque Manual Directo, y básicamente lo que eso hizo fue que me permitió
autoenfocarme primero en mi cara
luego pude golpear el obturador y tomar la foto. Esto es aún más fácil
si tu cámara tiene Wi-Fi y puedes
conectarla a tu teléfono. Desafortunadamente, mi
cámara es completamente nueva y no hay
firmware para que lo haga todavía así que no
pude hacer eso pero para autorretratos
anteriores que
he tomado en el pasado, he usado la app de
iPhone donde acabo de golpear el obturador y
puedo tomar fotos de mí mismo o se puede comprar un obturador remoto separado
donde
en realidad se puede hacer clic con el pulgar
y la foto va a capturar. Este es un tipo muy divertido. Espero que decidas usar
éste para tu proyecto de clase. Si pudiera tener una situación
ideal, ustedes podrían hacer
múltiples de estos para su proyecto de clase
porque creo que todos muestran un aspecto diferente
de la creatividad y algunos de ustedes podrían ser realmente buenos al hacer un autorretrato, algunos de ustedes podrían ser
realmente buenos en capturar diferentes composiciones
son realmente geniales para disparar en blanco y
negro. Creo que todos tenemos nuestros propios trajes
fuertes en fotografía. Creo que eso es
algo natural pero en última instancia, si esta es la actividad
que eliges para tu proyecto de clase
sin duda estoy bombeada para verla.
14. Una nota final y próximos pasos: Muy bien chicos, hemos
llegado hasta el final de la clase y realmente espero que haya sido de ayuda para
ustedes hasta ahora. Antes de irnos, solo quiero
mencionar algunas cosas y dejarte con algunas cosas en
las que pensar también. El primero de ellos es una de las primeras cosas que en realidad
dije en esta clase. De hecho,
lo primero que dije en la introducción de
esta clase, dije, la única forma en que
realmente se puede mejorar como fotógrafo es
sólo salir afuera, tomar fotos, cometer errores,
hacer conexiones, y simplemente comprometerse con el proceso de
fotografía. En definitiva, eso es lo te
va a convertir en un
gran fotógrafo, porque eso es lo que te
va a enseñar todos los diferentes aspectos de la fotografía que
necesitas aprender, todos los cosas
estilísticas diferentes, todas las cosas técnicas, y apenas poco a poco más pocas
en un gran fotógrafo. Este es sin duda
el caso para mí y tantos otros fotógrafos
que conozco también. Son geniales porque
se mantienen fieles
al oficio y
practican y continuamente mejoran y
siempre tienen esa mentalidad de
crecimiento donde están
aprendiendo constantemente y están constantemente tratando de mejorar. Estos 10 ejercicios
que hemos discutido en esta clase
sin duda te llevarán en ese camino y te
sacarán afuera tomando fotos en una gama de escenarios
diferentes, todos los cuales te
enseñarán diferente sobre el proceso
fotográfico. Espero que salgan afuera y completen algunas de
estas actividades. También espero ver algunos de sus resultados en la sección de
proyectos de clase de esta clase. Si ustedes quieren
seguir aprendiendo conmigo, tengo un montón de clases
aquí en Skillshare. Creo que la
progresión natural en la fotografía, una vez que te hayas comprometido con
el proceso de toma de fotos, es sumergirte en el
lado de edición de la fotografía. Esto es casi
tan importante como el proceso fotográfico porque grandes fotógrafos
editan sus imágenes. Siempre tienen hasta los
mejores fotógrafos
de cine de atrás en el día. Si ustedes quieren aprender más sobre cómo editar sus imágenes, recomiendo revisar
mi clase de Adobe Lightroom donde hablamos de cómo encontrar su propio estilo y cómo
usar Adobe Lightroom
de arriba a abajo, todos los diferentes deslizadores y todas las diferentes cosas
que necesitas saber. Voy a hacer que sea fácil para
ustedes entender, pero tengo un montón
de otras clases en Skillshare aquí también, para que ustedes puedan revisar
esas en mi perfil. También hago contenido de
fotografía gratis para YouTube, para que ustedes
puedan comprobar eso. Pondré un enlace en la
descripción de esta clase. Si ustedes sólo
quieren apoyarme, pueden
comprarme un coffee.com. Dejaré un enlace
ahí abajo y sólo podrías dejar un pequeño mensaje.
Me encanta leer esos. Esas son una especie de mis cosas
favoritas para ver. Si decides hacer
eso, muchas gracias. Agradezco todo su
apoyo que ustedes me dan. Con eso dicho, una vez más, muchas
gracias por
quedarse hasta el final de esta clase. Realmente espero que te haya
sido de ayuda. Espero verte en algunas de
mis otras clases también. No seas tímido. Siéntase libre de contactar también en las redes sociales. Espero verte muy pronto.
Sean Dalton, Travel Photographer
