Fundamentos de la cinematografía: crea historias cinematográficas con un presupuesto

1. Introducción: Películas, cine, narración visual. Es un arte. Pero, ¿cómo puedes hacer que tus propias cosas se vean tan bien? ¿ Qué lo hace cinematográfico? Hola y bienvenidos. En primer lugar, quiero agradecerles que se interesen en este curso. Mi nombre es Fynn Badgley, y además de ser fotógrafo de retratos de moda comercial, también he tenido el placer de trabajar en algunas de las producciones más grandes por salir de Norteamérica. Ahora bien, si bien no estaba operando en el más alto de roles, aún pude asumir y absorber lo que se necesita para hacer un proyecto de esta escala. Yo estoy tomando esas herramientas y técnicas, y trayéndote esas hoy para que así puedas empezar a afinar tu cinematografía y crear algunas historias increíbles. Este es el tipo de curso al que desearía tener acceso cuando iba a la escuela de cine, ya que agilizaría enormemente el proceso y poder permitirme tomar todas las herramientas y técnicas que hay ahí afuera y empezar a crear algunas historias cinematográficas increíbles, sin importar el presupuesto. Ya sea que estés usando un iPhone, una cámara de cine, una DSLR, o cualquier cosa intermedia, puedes usar los fundamentos desagregados a través de este curso para crear algunas historias cinematográficas y visualmente convincentes. la duración de este curso, para que sea fácil y accesible, estaremos filmando en una cámara sin espejo, y eso es justo para que pueda ser aplicable a una gama más amplia de espectadores y está menos constreñida en lo que cámara que tengas. Vamos a cubrir un montón de temas diferentes, incluyendo cómo usar el movimiento de la cámara y las técnicas de iluminación para realmente elaborar tu marco y crear una historia visualmente atractiva. Te voy a mostrar técnicas utilizadas en conjuntos de la industria, así como opciones amigables al presupuesto que son alternativas si no tienes un presupuesto multimillonario. No importa si estás creando para YouTube o para la pantalla grande. Ahora, con todo lo dicho, vamos a rodar. 2. Resumen del proyecto: Ahora, justo al bate, sí quiero descomponer con lo que te saldrás al final de esto, esto no sólo va a ser aprendiendo técnicas y consejos. Esto va a ser ponerlos en práctica en la creación de tu propia vista. No hay límites a lo que se puede crear usando las herramientas y técnicas que hoy voy a compartir con ustedes. Pero para demostrarlo todo plenamente, esto se está registrando durante la pandemia del COVID-19. Con ese espíritu, vamos a filmar un cortometraje inspirado en el Covid. Esto va a estar en algún lugar desdibujando las líneas entre el cortometraje y documental para que pueda ser aplicable con lo que está pasando hoy. Pero habrá alguna dramatización añadida y las técnicas que estaremos seguros darle sabor y darle más de un sentimiento narrativo. Ahora, dicho eso, no necesitas usar el mismo tema para tu película que estoy usando. Puedes hacer lo que tu corazón desee e ir con tu instinto y disparar lo que te haga sentir excitado. No hay idea demasiado pequeña ni demasiado grande. Un buen recordatorio es a veces simple siempre es mejor. Ahora, con eso dicho, seguiremos al resto del curso. 3. Qué es la cinematografía: Se ve a mucha gente en estos días hablando de ciertas cosas luciendo cinematográficas. Pero, ¿qué significa eso exactamente? Simplemente explicado, la cinematografía está utilizando técnicas de cámara e iluminación para comunicar visualmente una historia. Ahora, hacer que algo parezca cinematográfico tiene muchos usos diferentes en estos días, sobre todo si estás viendo B-roll cinematográfico en YouTube versus una película de éxito de taquilla de Hollywood. Claro, ambos pueden parecer cinematográficos, pero ¿qué significa eso en realidad? Esencialmente, se está utilizando técnicas de cinematografía, cámara, e iluminación para atraer al espectador a lo que está sucediendo. Ahora bien, esto puede ser metraje de cámara lento del café que se está haciendo, o puede ser película, muy fiel a la vida en un ambiente de corte tranquilo y de ritmo rápido , y cualquier cosa intermedia. Las posibilidades son infinitas y con las habilidades con las que te irás al final de este curso, podrás hacer que casi cualquier cosa se vea cinematográfica. 4. Reglas y buenas prácticas: Ahora si eres bastante nuevo en el videocine y la cinematografía, quizá no conozcas todas las reglas y ajustes que debes aplicar a tu trabajo y por eso voy a descomponerlos ahora mismo. A diferencia de la fotografía donde quieres que tu velocidad de obturación sea igual a cualquiera que sea tu distancia focal, video y el cine son un poco diferentes. Básicamente la regla del pulgar es que quieres tu velocidad de obturación o ángulo de obturación si estás en una cámara de cine, básicamente son lo mismo, solo una es una fracción y otra es un ángulo con un número de grado. Básicamente quieres que tu velocidad de obturación sea el doble sea cual sea tu velocidad de fotogramas. En Norteamérica, la mayoría de las películas se filman a 24 fotogramas por segundo o a 23.98 fotogramas por segundo, incluyendo el fotograma de caída ahí si quieres ser específico. Ahora esto se debe a que se supone que es natural para lo que ven nuestros ojos y ese poco de borroso que te metes ahí se ve muy natural. Porque se ha usado durante tanto tiempo, es el estándar dorado y es lo que se ve muy cinematográfico. Ahora si estás en el Reino Unido, se trata de 25 fotogramas por segundo. Ahora con la regla de velocidad de obturación, luego en Norteamérica, tu velocidad de obturación querría ser 148 de segundo si puedes. Si estás en una cámara que no permite eso, a 150th le va a ir bien. Si estás haciendo la velocidad de fotogramas estándar de video o broadcast de 30 fotogramas por segundo, tendrías una velocidad de obturación de 160th, ya que eso es el doble de tu velocidad de fotogramas. Entonces cuando entras en velocidades de cuadro más altas, como 60p, 120, 240p, etc. Necesitas seguir elevando tu velocidad de obturación para ser el doble sea cual sea esa velocidad de cuadro. Debido a esto, cuanto mayor velocidad de fotogramas vayas, más luz necesitas porque cada vez más tu velocidad de obturación se está incrementando y por lo tanto se está dejando que entre menos luz en tu sensor. Ahora para ustedes los usuarios de cámaras de cine, quieren que su ángulo de obturación esté a 180 grados, y esto es lo mismo que tener el doble de su idea de velocidad de fotogramas. Ahora bien, si bien este es el estándar dorado y la forma de hacer que todo se vea lo más natural y orgánico posible, hay situaciones en las que quizá quieras ajustarlo por diferentes razones. Si estás en un entorno que tiene tubos fluorescentes o tiene alguna iluminación LED menos costosa, podrías encontrar algunos problemas de parpadeo, y aquí es donde te gustaría ajustar tu velocidad de obturación para que así te puede deshacerse de ese parpadeo. Si estás ajustando tu ángulo de obturación, es posible que quieras probar 144 grados o ir más alto a algo así como 200 grados, 196 grados, cualquier cosa por el estilo. Puedes ajustar tu velocidad de obturación o ángulo de obturación hasta que te deshagas de ese parpadeo. Puedes monitorizar eso a medida que vas para asegurarte de que no entra en absoluto. Otra razón por la que tal vez quieras cambiar tu velocidad de obturación o ángulo es como una elección estilística si estás tratando de que se sienta más soñador. O incluso si intentas filmar como una vibra embriagada, bajarías tu velocidad de obturación para estar más cerca de tu velocidad de fotogramas y luego conseguirías este efecto realmente distorsionado, wappy y todo estaría muy borroso. Si bien en la mayoría de los casos esto no es lo que quieres. Si vas a vender ese efecto intoxicado, esta es una forma de hacerlo. Por el contrario, las escenas de lucha de corte rápido y realmente a menudo se disparan con un ángulo de obturación mayor o mayor velocidad de obturación. Esto es para que todo eso se encuentre un poco más agudo y un poco más rígido de esa manera realmente puedes sentir esa acción. Ahora esto obviamente no es lo que quieres para la mayoría del cine ya que puede sentirse un poco nerviosa. Pero si estás haciendo una secuencia de lucha de ritmo rápido, a veces esa es la mirada que vas por ella. Entonces apertura, es más o menos lo mismo. Estás lidiando con f-stops en una lente de fotografía y T-stop en una lente de cine. Básicamente, para todos los efectos y propósitos, son lo mismo. Son solo la cantidad de luz que se deja entrar a la cámara a través del agujero en la lente. Ahora ISO, ASA, EI, sea que lo llames, todos estos funcionan principalmente de la misma manera. No obstante, algunas cámaras de cine sí tienen un ISO nativo o un ISO nativo dual en el que es mejor disparar, por lo que de esa manera tienes menos grano en tu producto final. Por eso siempre vale la pena investigar tus cámaras, ver cuál es la ISO nativa y tratar de apegarte a eso lo mejor que puedas porque normalmente te va a dar los mejores resultados. Ahora otra regla por la que vivir es la regla de 180 grados. A esto también se le llama el eje. Básicamente lo que esto significa es si estás teniendo dos personas hablando entre sí, di que estoy hablando con esta cámara aquí mientras esta cámara está en mi lado izquierdo, pero esta cámara es la otra persona con la que estoy hablando. Puedo tener la cámara en cualquier lugar entre yo y donde se coloca esto, excepto actuar como si esta cámara fuera el personaje con el que estoy hablando. Esta cámara de aquí se puede colocar en cualquier lugar desde aquí todo el camino hasta mi hombro aquí. Ahora si va de este lado, hace lo que llamamos romper el eje. Básicamente dibujas una línea entre tus personajes y te quedas en un lado de eso. Esto está utilizando principalmente dos caracteres o un carácter y un objeto importante. Pero cuando te metes en usar muchos personajes en una escena, empieza a disminuir bastante esa dinámica. Lo es más para las conversaciones uno-a-uno y ese tipo de cosas. Te quieres quedar de ese lado del eje porque cuando lo rompes, repente todo se voltea, y cuando se edita, si estoy aquí hablando de esta manera y entonces la cámara está del otro lado del eje, repente yo voy a parecer que estoy aquí hablando así, pesar de que estoy en la misma dirección. Ahora hay momentos en que puedes romper esto, pero hazlo con moderación y hazlo como una elección estilística para transmitir algo en tu historia. Aquí es cuando queremos asegurarnos de que esté motivado por lo que está pasando en la historia. Formas de hacer esto son que en realidad puedes mostrar el crossover, que he hecho en algunos de mis proyectos que has visto hecho en el pasado, y eso es para mostrar un cambio en la dinámica. Digamos que si hay un jefe hablando con uno de sus empleados y repente su empleado tiene el poder en esa situación, se puede cruzar el acceso para ejemplificar ese cambio de poder. Pero si no muestras la jugada, la única manera en la que quieres hacer esto es cuando lo estás usando para elección estilística, como lo hicieron en la película Psycho. Esta es una forma de mostrar locura hablando contigo mismo y ese tipo de cosas. Esto también se está haciendo en El Señor de los Anillos cuando ves a Gollum hablando con Smeagol. En realidad es solo él hablando consigo mismo, pero actúan como si ese eje estuviera roto para demostrarlo. Estas son formas en las que puedes ejemplificar esa locura si eso es algo que vas a buscar. Pero como una buena regla de oro, siempre es sabio mantenerse en un lado de la regla de 180 grados ya que de esa manera no frasará a tu audiencia porque cuando ese eje se rompe, tu público podría no darse cuenta, pero algo se sentirá muy apagado y se les sacará de la historia y luego todos se preguntarán qué está pasando y luego simplemente se confunden y eso no es lo que queremos. Estas son muchas de las reglas que quieres seguir, así como algunas instancias en las que puedes romperlas, pero hazlo con cautela. 5. Tipos de tomas y movimiento de cámara: Ahora, adelante, ya que estás planeando tu escena, vas a querer planear las diferentes tomas que vas a usar ya que te ahorrará tiempo y muchos dolores de cabeza cuando realmente estás fuera de rodaje de plató. Con eso, primero, desglosaremos en realidad cuáles son los tipos de tomas, y luego a partir de ahí realmente podemos construir una lista de tomas, para que así podamos haber averiguado qué queremos ahí dentro. En cuanto a explicar el movimiento de la cámara y los tipos de disparo, se puede desglosar en dos categorías, y eso es lo que es el encuadre real, y luego lo que está haciendo la cámara real. En cuanto a lo que está haciendo la cámara real, muchas veces se escuchará acerca de los disparos panorámicos, pero la gente a veces lo usará para una variedad de términos, y no se preocupe, vamos a descomponer cada uno de forma individual. De esa manera, ya sabes cuál es cada disparo, y puedes tener la mejor imagen de ello entrando en tu sesión. Un disparo panoramico, explicado de manera muy sencilla, es una rotación horizontal. Ahí es cuando solo pasas por ahí y muestras la escena tal como está. Este es un tiro muy sencillo pero efectivo. Si tuvieras a alguien paseando, puedes estar en un trípode o palos, como en algún momento los llamamos, significan lo mismo, solo en una bonita panning de cabeza fluida para que así los guardes en el marco. Tendré un gráfico aquí y también lo tendré abajo en los materiales del curso abajo para que así así puedan descargar todo esto y tenerlo para su referencia. Yo no hice estos. Estos se compilan juntos para su educación, y también enumeraré las fuentes de las que provienen. Con eso dicho, si estás pintando horizontalmente, también puedes inclinarte verticalmente, que es ese mismo movimiento, donde estás bloqueado y es solo una cámara girando alrededor de un punto central, excepto en cambio, ahora va arriba y abajo versus de lado a lado. A partir de ahí, tenemos lo que llamamos un movimiento de muñecas, y aquí es donde la propia cámara está empujando o sacando. Si vas hacia escena de escena o lejos de ella, lo llamaríamos un dolly forward o dolly back. Esto podría resultar confuso cuando también consideras un Zoom. El Zoom sigue moviéndose hacia adelante o hacia atrás, pero es el propio lente acercando o alejando, lo que cambia el campo de visión, dependiendo de las longitudes focales entre las que se vaya. tanto que un tiro de dolly, estás en una distancia focal fija todo el tiempo, y la mayoría de los casos, a menos que también incorpores un zoom ahí, lo cual es un movimiento más complicado que la gente hace para dar esa distorsión o repentino realización, si estás dollying hacia adelante y alejando al mismo tiempo, da un efecto de paralaje, es lo que lo llamamos, por lo que de esa manera da esa sensación de distorsión y ese verdadero sentido pesado que puedes sentir a través la pantalla. Esa es una jugada más complicada ya que está combinando un par de tipos diferentes ahí dentro, y con eso, nos quedaremos principalmente a solo usar un movimiento de cámara a la vez en que podamos. Tenemos un dolly delantero y el dolly back. ¿ Y si nos estamos moviendo de lado a lado en un muñeco, o en un deslizador, o algo así, donde la cámara se mueve en lugar de frente a atrás pero horizontalmente? Esto podría ser si alguien está corriendo y estás corriendo a su lado, digamos en un gimbal o leva estable, manteniéndolos en el marco. Eso es lo que llamaríamos un tiro de camión, ya que los estás siguiendo horizontalmente. Si la cámara se está moviendo hacia arriba con el sujeto, entonces eso es lo que llamamos un tiro de pedestal, ya que van subiendo. Una versión más complicada de esto es si te estás moviendo arriba y abajo, pero también agrega algún movimiento de lado a lado ahí dentro, y ahí es donde te metes en algo como un movimiento de plumín o un movimiento de grúa. Estos son acuñados por el equipo real que utilizas para utilizarlos. Si estás en un brazo de pluma o si estás en una grúa, tendrías este gran movimiento de barrido, y ahí es donde obtienes ese tipo de disparos. No tienes que tener un jib o una grúa para hacer movimientos como este. En realidad puedes salirte con la suya en algo así como un gimbal, que yo personalmente estaré haciendo para este cortometraje. Entonces eso es algo que puedes ver mientras descompuso cómo hago eso. Pero avanzando, ahora hablaremos del encuadre real y del tipo de disparo. Probablemente todos han visto el disparo, es el establecidor, es un tiro muy amplio metiendo en todo el entorno y dándote contexto en cuanto a: esta es la ubicación, este es el entorno, esta es la hora del día, este es el escenario y todo lo que está pasando. En ocasiones tendrás un personaje que entre en el marco, pero no siempre. También, el rodaje establecedor suele utilizarse como tiro de apertura para una película o una escena, pero no siempre tiene que ser así. Podrás ser más creativo con él si así lo eliges. Ahora, avanzando, hablamos del tiro largo. Este es un tiro de cuerpo completo, enmarcando completamente a tu sujeto ya que están haciendo cualquier acción que sean. Esto es bueno para armar una escena saliendo del establecidor, cualquier cosa por el estilo. También es bueno para lo que llamamos un tiro maestro. Tu tiro maestro es básicamente lo que te ahorrará en caso algún archivo se corrompa o pase algo. Donde ciertas tomas son inutilizables, te apoyarás principalmente en el maestro, y aunque no te dará tanto para cortar en la edición, todavía te permite tener el contexto de la historia ahí dentro, que es siempre la parte más importante, es mostrar la historia. Si no tienes eso, entonces todo lo demás se desmorona. La historia siempre es lo primero. Después de que tenemos el tiro largo, entonces empezamos a entrar para unos tiros más cercanos. Esto es cuando obtenemos lo que podemos llamar un tiro medio largo, que es más de un cuerpo de tres cuartos. También hay un término conocido como el vaquero, y aquí es donde vas apenas de la cintura para arriba, y luego de ahí vas al tiro medio, que es un poco más arriba sobre tu personaje. Esto casi podría ser catalogado como un tiro medio, lo que tengo en este momento. A partir de ahí, puedes entrar en un primer plano medio, que pondré un puñetazo en mí mismo y este ángulo para mostrarte cómo luce eso. Entonces a partir de ahí, entramos en un cierre regular, que es lo que tengo aquí en mi cámara B. Si miro por aquí, esto es lo que llamaríamos un acercamiento. Puedo ir un poco más allá si quiero, para que eso sea más dramático, pero está en cualquier lugar desde aquí hasta la cabeza completa en el marco. A partir de ahí, entramos aún más, y eso es lo que llamamos el primer plano extremo. Esto si sólo tuviera la cámara justo en mis ojos, o cualquier cosa que se supone que acentúe alguna característica. Esto es realmente bueno para mostrar emociones intensas y realmente dibujarte en lo que están sintiendo tus personajes. A partir de ahí, también depende de dónde tengas apuntada tu cámara. Puedes estar sobre el hombro de un personaje, mirando a otro personaje ya que están teniendo una conversación. Eso es lo que llamamos el disparo por encima del hombro o OTS, si estamos tratando de descomponerlo en una hoja de llamadas o algo así. A partir de ahí, tienes un disparo de dos, que es donde tienes dos personajes en el marco, y luego también tendrás un ángulo bajo y un ángulo alto, y estos básicamente se refieren a mirar hacia abajo o mirar hacia arriba desde un o perspectiva más baja, ya sea para darle más poder a tu personaje o quitarte algunos. Si tu personaje se siente impotente, pasarías de un tiro hacia abajo. Un tiro hacia abajo es donde estás arriba más alto mirando hacia abajo, y eso es para disminuirlos y comunicar visualmente que se están sintiendo pequeños. Es como si los estuviéramos mirando hacia abajo como el público. Un up-shot, por otro lado, aquí es donde realmente quieres comunicar esa sensación de poder, por lo que tienes la cámara más baja y miras hacia arriba a tu sujeto, realmente consigue ese sentido de autoridad. Entonces a partir de ahí, otro tipo de toma es el buen viejo punto de vista o una toma POV, y ahí es donde el personaje cuyo punto de vista es en realidad no está en el marco mismo, y la cámara está actuando como sus ojos. Esta es otra toma con la que vamos a jugar en la película que voy a estar creando, así que definitivamente mantente atentos para eso. Por lo que estos son los diferentes tipos de tomas y movimientos de cámara que puedes usar a tu favor. Puedes combinar algunos de ellos o puedes pegarte con los fundamentos especialmente. Como mencioné antes, simple siempre es mejor. 6. Cámara motivada: Ahora que sabemos qué tipos de tomas hay y movimientos de cámara podemos usar, vamos a hablar de cuándo y por qué querrías usar ciertos para que así sepamos usarlos. Entonces a partir de ahí, comenzaremos a elaborar y crear lista de tomas para rodar nuestra película. Ahora este es uno del que queremos empezar a hablar, movimiento de cámara motivado. ¿ Qué significa eso exactamente? Básicamente, significa que el movimiento de tu cámara está motivado, está relacionado con lo que está pasando en pantalla. Si alguien está paseando y tú estás haciendo paneo con ellos, estás haciendo paneo para mostrarles caminar por ahí. Entonces si les dejas salir un marco, eso transmite que se van a otro lugar. Otro buen ejemplo de esto es si es una escena muy emotiva y hay mucha más tensión y drama recogiendo a medida que se construye la escena, podrías tener un dolly lento o un empuje lento para así, lentamente trae más atención a tu personaje por lo tanto enfatiza el drama, que estaría en un factor motivador para ese movimiento de cámara. Otro buen ejemplo de esto es usar algo así como un tiro de revelación. Aquí es donde tendrías la cámara enfocada en algo. Podría estar fuera de foco o podría enfocarse en algo muy claro. Entonces ese movimiento de cámara se mueve para revelar al personaje. En realidad, tuvimos un ejemplo de esto en el set aquí, donde se puede ver para la toma de apertura de mi película, quería revelar al personaje que salía. Empiezo con un fondo neutro y esto es sólo parte de un edificio. Esta técnica es algo que he visto usado en algunos de los sets más grandes en los que he trabajado y funciona muy bien tener un personaje enter. Para esto, usamos un tiro de jib y esto se acaba de hacer en un gimbal. Empezamos y poco a poco bajamos. Al bajar, le di una cola al actor. De esa manera entonces quieres saber venir y entrar a la escena en el momento perfecto. Entonces la escena continuó desde ahí, donde ese disparo luego se convirtió en lo que llamamos un disparo rastreador y ahí es donde los sigo en el gimbal. Ahora una época en la que esto no funcionaría tanto como si estuviéramos en medio de la escena y ellos caminaran por la calle y fuimos a revelarlos, pero ya sabemos que ya están caminando por la calle. Esto los introduce entrando. Es un buen factor para eso si hay un cambio de ubicación o si hay un movimiento o cambio de ritmo, algo así. Esto puede funcionar bien para revelar eso. He usado este rodaje un par de veces en la película, como verán, pero elegí cuándo usarlo con mucho cuidado ya que el escenario empieza a cambiar y el estado de ánimo también lo hace. Te da ese descanso para comunicarte visualmente eso. Ahora esto es algo también a tener en cuenta, es como estás filmando, desarrollarás un lenguaje cinematográfico. Ese es el tipo de tomas y los movimientos que naturalmente tiene la película. Para esto, quería que tuviera una naturaleza bastante frenética y muy ansiosa induciendo al principio. Entonces al final, quería que tuviera más de una sensación suave, segura y cálida. Utilizo mis movimientos de cámara para aludir a eso. Cuando estamos filmando en la calle donde queríamos esa naturaleza frenética, usé mucho gimbal y movimientos de mano y tenía un poco de sacudida de cámara ahí dentro. Ahora el temblor de cámara no siempre es algo que queremos. Pero si está motivado por la escena, si se utiliza para provocar esa naturaleza frenética, entonces tiene sentido. Ahora bien, esto no es decir ir y disparar todo de mano. De hecho, yo aconsejaría en contra de ello a menos que sea con un propósito estilístico agregar a esa escena. En este caso, todos estos movimientos son muy calculados y utilizados para atraer al espectador y realmente dar esa sensación de ansiedad y angustia. Ahora bien, hay momentos en los que esto se puede exagerar. Si tienes la cámara temblando por todas partes y no puedes decir lo que está pasando en el cuadro. Entonces puede volverse abrumador para el espectador y casi se siente un poco de C6. Definitivamente usa una técnica como esta con mucho cuidado y moderación. Ahora dicho eso, cuando quería dar más de ese sentimiento fundamentado estaba en un trípode o en un deslizador para la mayoría de todos esos disparos y eso es sólo para dar ese sentimiento estable como motivado por la historia. Nuestra historia en este caso es que nuestro personaje está fuera en las calles y se está poniendo muy nervioso y abrumado por la cantidad de gente fuera, algunos de ellos no usan máscaras y ese tipo de cosas, y se ponen demasiado cierran y están muy abrumados por ello. Conozco a mucha gente que está luchando con temas similares a esto por lo que es algo que es muy relable y pude transmitirlo mediante el uso de estas técnicas frenéticas, de mano y de gimbal. Ahora, con eso dicho, cuando ese personaje llega a casa desde afuera, respiran hondo y son capaces de empezar a relajarse. Es entonces cuando la cámara se vuelve más estable ya que comunica visualmente esa sensación más estable. Ahora, si hubiera mantenido ese mismo movimiento de mano en marcha cuando nuestro personaje entra a su casa, no tendríamos la sensación de que ahora es relajante para ese personaje. Todavía obtendríamos esa misma tensión y entonces el público no tendría alivio y luego se quedarían sosteniendo toda esta tensión al final de la película sin adónde ir. Eso no es realmente lo que quería comunicar con este disparo, razón por la cual pude elaborar mis técnicas de cámara para permitir ese lanzamiento de la tensión que previamente he construido en el inicio de la película. Ahora bien, si bien me gusta mucho movimiento en mis películas, ese es mi estilo personal. Si te gusta que las cosas estén más bloqueadas en un trípode y más tomas estáticas, eso está totalmente bien. El arte es subjetivo y mi manera de hacer las cosas no es ninguna manera tu manera de hacer las cosas ni la única manera de hacer las cosas. Con eso, puedes usar diferentes técnicas, como conseguir muchos ángulos diferentes y poco a poco entrar más en el personaje para aumentar el drama. Este aumento del drama a través de las emociones del personaje motiva a que esa cámara se acerque. Adicionalmente, algo que quieres evitar y es fácil caer en una trampa de cuando estás usando un gimbal es simplemente moverte alrededor de tu personaje sin sentido real de la dirección. Lo que quieres hacer es dejar que tu personaje dirija el movimiento de tu cámara. No nos confundamos, todavía tienes el control de la cámara. No obstante, los movimientos de ese personaje, están bloqueando, como lo llamamos, que se está moviendo por la escena. Permita que eso dicte a dónde se va a apuntar tu cámara. Los movimientos de leva muy simples, estables son solo siguiendo alguien donde entran a su casa, van a la cocina y vienen al sofá. Estos movimientos son muy sencillos. Pero como son simples, son muy efectivos y no sacan al espectador de la experiencia. Lo que queremos hacer es traer al espectador y que no se den cuenta tanto de los movimientos. Esto es algo que sólo queremos que fluya de forma natural y se sienta orgánico. Sé que los gimbales pueden ser muy emocionantes si estás usando uno, solo me gustaría ofrecer una palabra de precaución para asegurarme de que tus movimientos de cámara estén motivados por lo que está sucediendo en tu escena. Por todos los medios, si se trata de una escena de lucha intensa, puedes volverte un poco más loco con tus movimientos. De esa manera enfatiza la energía y el drama que está pasando en esa secuencia. Pero si estuvieras teniendo sólo un más relajado, alguien entra y está pasando conversación con su amigo, no necesitas estar girando alrededor de ellos o entrando y saliendo todo el tiempo si el contenido de la escena no llama para eso. Mira tu historia, mira cómo se van a mover tus personajes, y luego construye tu movimiento de cámara fuera de eso para que se sienta natural, orgánico, y funciona dentro de la escena. Podemos ver cómo realmente podemos comunicar visualmente cómo se mueve la historia, solo con nuestros movimientos de cámara solos. Pero hay más cosas que puedes hacer para comunicar estas cosas en tu historia. Una de esas es la iluminación, que ahora es a lo que pasaremos. 7. Iluminación motivada: Hablamos de movimiento motivado de cámara y ahora vamos a hablar de iluminación motivada. Sí, al igual que cómo los movimientos de la cámara pueden estar motivados por lo que está sucediendo en tu escena, tu iluminación también está motivada por lo que está pasando y tiene que tener sentido de la misma manera. Ahora, eso no quiere decir que no te pongas creativo con tu iluminación, definitivamente hay formas de jugar con ella. Pero esto te da un buen punto de partida para luego construir fuera en cualquier escena en la que estés. Ejemplo de ello es cuando estábamos fuera de inicio disparando el punto de entrada de nuestro personaje entrando en su departamento. El modo en que la luz estaba naturalmente en el espacio, no tenía sentido que tuvieran una luz encendida ya como era de luz del día afuera para que así entraran al departamento y está oscuro. Ahora eso dijo que entra una cantidad decente de luz de ventana, pero sólo es retroiluminarlos. Si bien personalmente, me encanta retroiluminación a un sujeto, deja la cara bastante oscura. Una forma que solíamos arreglar esto era poner un pequeño tubo de luz justo en la esquina para agregar un poco de relleno al lado de la cara de nuestro personaje y de esa manera no están completamente a la sombra. Ahora eso dijo que todavía estamos disparando en el lado de la sombra de su cara para crear ese drama que queremos para la escena. Ahora su rostro está un poco más iluminado, pero aún no rompe el hecho de que están siendo iluminados por una ventana. Simplemente parece que está envolviendo. tanto que si tuviéramos la luz en el lado de la cámara y estamos iluminando por completo ese lado de su cara, entonces parecería que hay otra luz encendida en el departamento. Entonces saca un poco al espectador pensando, bien, ya hay una luz encendida, ¿ya está alguien en casa? ¿ Viven con alguien? Si viven con alguien, entonces eso podría ser algo bueno que hacer pero en este caso, los estamos haciendo vivir solos y estamos teniendo las luces apagadas cuando entran. Entonces, no tendría sentido tener eso encendido de otra manera, porque sacará al espectador de esa situación. Al ser un tema bastante dramático y no el más ligero aquí, queremos mantener un poco de una estética más moodista a esto y esta es una forma en que lo hicimos. Si estuviéramos filmando algo así como una comedia, por ejemplo, los niveles generales de luz serían mucho más ligeros y el departamento en sí sería más brillante. Esto sería algo donde encenderíamos muy fuertemente la escena pero esta película en particular no la llamó así que por eso no hicimos eso. Esto es importante tener en cuenta con saber cuál es tu género y luego a la inversa, qué quieres que sienta el público. Ahora conforme empezamos a entrar al departamento, todas mis luces se están calentando y calentando poco a poco y eso es para suscitar una sensación cálida y acogedora al espectador. Todo fuera rodamos por lo que sería un poco fresco en cuanto a temperatura de color, y eso es para provocar una sensación de frío e incómoda dentro de nuestro espectador. Entonces cuando entramos, esa calidez es entonces para permitir que ese espectador se sienta más en casa al igual que nuestro personaje se está sintiendo más en casa. Pero, todavía necesita tener sentido con cómo se dispara la escena, por lo que usando nuestro conocimiento de la iluminación, el sol es aproximadamente unos 55 mil Kelvin en la escala de temperatura de color. Ahora, para que las cosas se sientan más calientes, si tuviera ese tubo de luz en la cara a algo así como 3.000 Kelvin, como una bombilla de tungsteno. Bueno, eso realmente no daría la sensación que vamos por y le sacará al espectador porque entonces ya no está imitando la luz de la ventana. Ahora está dando este extraño relleno de tungsteno en su cara, que luego puede sacar a nuestro espectador de eso por un momento. Es posible que pienses, vale, el espectador no va a retomar eso y puede que tengas razón, pero se sentirá apagado. Nuestros ojos están entrenados para saber lo que se siente bien y si tenemos ese set para que no tenga sentido con la escena, nuestro espectador lo interpretará como sentirse apagado y luego no venderá la sensación que vamos a buscar. Entonces puede dejar a nuestro espectador sintiéndose un poco insatisfecho y no realmente seguro de lo que estaba pasando. Son estos pequeños retoques sutiles los que realmente pueden hacer o romper tu película y es por eso que siempre quieres trabajar fuera de la luz que hay en el espacio. De esa forma podrás elaborar una película que tenga sentido y sea efectiva, sobre todo para tu espectador. Ahora, otra técnica que utilizamos, cuando entran al departamento, les tenemos encienden una vela. Al encender la vela hay un par de maneras en que podemos tener que esa luz se les encienda porque la vela misma para nuestra escena está encendida, no les va a dar suficiente luz en el frente de ellos que necesitamos. Entonces para esta película en realidad usamos ese mismo tubo de luz en la secuencia de entrada. Utilizamos eso justo fuera a un lado, llenando su rostro muy bien con una luz práctica en el fondo. Una luz práctica es cualquier luz que esté en set que esté en tu marco. Es parte del vendaje conjunto, si se quiere. Esta es una lámpara. Si tuvieras un montón de tubos de luz en un video musical, esos serían considerados prácticos donde los ves brillando en cosas diferentes, encendiéndose y apagándose en el disparo. Si está en el tiro, se considera un práctico. A menos que por supuesto atrapes accidentalmente una luz en el disparo, en cuyo caso eso no debería estar ahí. Ahora, dicho eso, nuestro tubo de luz en realidad tiene un ajuste en él para dar un parpadeo de vela, que es lo que ponemos ahí. Ahora, sí tenía esto marcado abajo todo el camino hasta el uno por ciento. Al ser nuestra escena general, estaba bastante oscura y estamos apagando la luz que teníamos ahí dentro. Nuestra configuración de iluminación para esto fue R1 práctica, dando un poco de luz de fondo sobre nuestro tema. Entonces sí tuve un panel de luz rebotando en la esquina de la pared y el techo actuando como lo que llamamos una coluz, casi como un paraguas grande para rebotar hacia afuera. Ahora bien, esto no era brillante ni lo suficientemente duro para parecer que la luz venía realmente de cualquier lugar específicamente. Simplemente funcionó para traer el ambiente general para que de esa manera nada caiga en completa oscuridad. Es así como podemos construir un esquema de iluminación para agregar más profundidad a un marco, que es de lo que también hablaremos un poco más tarde. Con ese parpadeo, si lo tuviéramos demasiado brillante, se vería antinatural por la forma en que se enciende nuestra escena. No parecería que fuera una vela, parecería que es un fuego rugiente justo frente a su cara. bien eso podría ser lo que quieres, si tienes a alguien mirando a un fuego, esto es sólo una pequeña luz de velas, así que sí lo teníamos a un menor poder. Ahora, hay una manera de que en realidad puedas recrear este parpadeo sin usar algo como este tubo de luz. Esta es una forma muy económica y fácil de hacer esto con un presupuesto. Todo lo que tienes que hacer es simplemente tomar una lámpara doméstica. Ahora, recomendaría algo con un balance de color de tungsteno, por lo que es más cálido como su bombilla de luz doméstica normal promedio. Ahora, con eso, quieres tomar un reflector 5 en 1 y luego ponerlo al lado dorado. Adicionalmente, podrías conseguir algo de papel de aluminio de oro, algo así, funcionaría bien. Pero, cuanto mayor sea la superficie a veces puede ser mejor, sobre todo si estás disparando algo con más de una persona. Si bien es una pequeña fuente de luz que estamos imitando, podemos hacerla un poco más halagadora al aumentar el tamaño de esa fuente de luz. Siempre y cuando lo coloquemos contextualmente con dónde está esa vela o esa llama, tendrá sentido para esta escena y no sacará del todo al espectador. Con eso dicho, apuntarás tu lámpara hacia el reflector y luego romperías ese reflector de ida y vuelta para luego crear esa luz en tu sujeto. Este es un muy buen truco de bricolaje que he visto usado en diferentes sets, sobre todo antes de la edad de estos tubos de luz y esta es una manera muy amigable con el presupuesto. Puedes salirte con la tuya justo eso. Todas las técnicas que estoy compartiendo con ustedes aquí, pueden utilizar con sus propias luces domésticas. El tubo de luz que solía llenar en el frente de la cara de Abby, si solo tuvieras un trozo de papel blanco y una linterna, podrías brillar eso a través y dar un poco de relleno ahí. Ahora digo pedazo de papel blanco porque las linternas podrían ser un poco demasiado brillantes para la escena que estamos creando dependiendo de lo poderosa que sea tu linterna. mí mismo, me gusta usar unos con un poco de umph para ellos así que es por eso que ese pedazo de papel cortaría esa luz lo suficiente y haría esa fuente más grande así haciéndola más halagadora y suavizaría esa luz que ponemos en su cara. Otra forma de hacerlo si ese pedazo de papel es demasiado fuerte, es tomar algo así como una cortina de ducha o algún papel de seda y poner eso más lejos de esa linterna, esa lámpara que estás usando, y luego crear una buena fuente de luz suave a partir de esto. Es así como haces algo así como un difusor DIY para tu luz. También hay gel de difusión que puedes conseguir, pero esta es una forma barata y amigable para hacer eso. No creas que necesitas luces caras para tener un esquema de iluminación motivado que tenga sentido para tu configuración, usa lo que tienes y obtén cosas creativas DIY si tienes que hacerlo. Definitivamente puedes hacer esto en cualquier presupuesto. Para darte una idea de esta iluminación motivada y cómo hacerlo con un presupuesto. En realidad pude encender una escena de conducción nocturna donde teníamos el auto estacionado pero hacía que pareciera que se movía por la noche. Eso lo hicimos con un par de herramientas sencillas. Teníamos un par de lámparas brillantes, algunas que rebotábamos de fuentes y otras que solíamos tener como farolas pasando. Después teníamos una linterna en un giratorio para trabajar como un auto que pasaba más allá para imitar esos faros. Entonces para nuestra luz clave, tuvimos una de esas lámparas recién rebotada en una superficie reflectante. Entonces a partir de ahí solo para crear un poco de ambiente, sí tuvimos una pequeña luz en el propio auto solo para darle ese ambiente general ahí dentro. Después para que pasaran las luces, utilizamos un proyector proyectado a través de una cortina de ducha para obtener el efecto que verán aquí en la pantalla para mostrarles cómo lo hicimos. Tuvimos un poco de nuestro equipo para eso ya que todos estaban moviendo luces individualmente pero este ejemplo es para mostrarte cómo realmente puedes crear un esquema de iluminación motivado, sin importar tu presupuesto. 8. Añadir profundidad al encuadre: Ahora, vamos a hablar de agregar profundidad a tu marco y cuándo hacerlo así como cómo hacerlo. Hay un par de formas en las que puedes agregar profundidad a un marco. Hay un par de instancias en las que te gustaría, si estás disparando en un ambiente oscuro y tienes una pared negra, podría simplemente aparecer como un agujero negro que ahí no hay información. Una forma de agregar profundidad es agregar algún conjunto de aderezo ahí. Si añades una lámpara o si añades algunas plantas o algo por el estilo. Otra forma de hacerlo es agregando una pequeña luz. Es por eso que me gusta tener esos pequeños paneles de luz de aperturas alrededor. De esa manera los puedo llevar en diferentes puntos para agregar un poco de interés visual. Si tengo un gran agujero negro en mi marco, esto sacará eso. Entonces no es sólo un gran punto de la nada, que es típicamente lo que no queremos en un marco. Ahora, dicho eso, hay algo usado en muchas producciones de gran presupuesto que agrega mucha profundidad y estado de ánimo a tu toma. Eleva el ambiente general y solo ayuda a crear el sentimiento y la vibra en general. Ahora bien, esto en realidad es un básico y hecho en muchas producciones diferentes, sobre todo en las que he trabajado. Ese es el uso de neblina o una máquina de humo. Ahora, hay diferentes formas en que puedes hacer esto. Cuando lo haces en interiores, siempre es mejor ser cauteloso y tener algo de ventilación alrededor ya que puede ser fácil exagerar. Si bien usamos humo seguro y neblina, también puede ser dañino para los pulmones si tienes demasiado en él porque no estás respirando suficiente oxígeno, así que definitivamente ten cuidado cuando lo uses. Otra opción es algo llamado aerosol atmosférica. Es solo una pequeña lata de esa neblina que es muy segura de usar y simplemente la rocía en el aire y crea este agradable ambiente nebuloso. En realidad, en esta película, cuando estamos interiores, cuando estamos haciendo los bits interiores, estoy usando este aerosol atmosférica para agregar al look general. Estos son solo algunos consejos de cómo realmente puedes elaborar tu marco y construirlo para que sea lo mejor posible. 9. Elaborar una lista de tomas: Ahora, es hora de construir realmente nuestra lista de disparos y planear cómo irá el rodaje cuando estemos en el set. Ahora, hay dos formas en que puedes organizar esto en términos de ya sea cronológicamente por la escena, o entonces también puedes reorganizarlo como de acuerdo a lo que vas a filmar cuando. Si tienes múltiples escenas que tienen lugar en la misma ubicación, a veces es beneficioso filmar todo en esa ubicación antes de trasladarte a otra ubicación y necesitas conseguir cualquier otra cosa en lugar de ir y venir. Para la película que estoy creando, solo planeo tener alrededor de tres localizaciones diferentes ocurriendo a través de 2-3 escenas diferentes, y para eso, voy a planear rodarla cronológicamente, aunque eso es muchas veces lo que no vamos a hacer, sobre todo si se trata de un proyecto más grande. Dispararemos todas las escenas en un solo lugar y luego pasaremos a la siguiente ubicación, rodaremos todo lo que hay, y así sucesivamente, y así sucesivamente. Cuando he estado en grandes producciones, así es como casi siempre lo hacemos. Pero de nuevo, esto es justo en cuanto a construir en la lista de disparos. Cuando realmente vas a dispararlo, vas a hacer lo que tenga sentido para ahí. Ahora, hay un montón de plantillas de shotlist por ahí que puedes encontrar, hay algunos recursos geniales, pero para los efectos de este y contenido original y todo, hice mi propia hoja de cálculo y estaré incluyendo esto en las notas del curso a continuación para que de esa manera si lo deseas, puedes pasar y rellenar esto como lo necesites, y de esa manera ya estás familiarizado con él. Dicho esto, también adjuntaré un par de enlaces para diferentes plantillas de shotlist que también puedes encontrar a través de esas otras fuentes. He usado muchos antes, y solo basé este fuera de lo que necesitaba tener para esta toma, y en base a lo que he aprendido de esas plantillas en el pasado. Se puede ver aquí, fuera del bate, sí tenemos una plantilla de shotlist bastante simple. Esto es sólo algo muy básico que quería lanzar juntos para así poder mostrarles cómo construyo una lista de disparos, y luego de esa manera se puede saber qué busco cuando estoy construyendo esto y para qué planeo. Nosotros sí queremos tener a nuestro miembro del elenco ahí dentro y al personaje para los propósitos de esto, en realidad no tienen nombre, así que sólo los vamos a llamar Sam. Tengo un 1 al lado de Sam, ya que ese es nuestro primer miembro del elenco. Si tuviéramos a alguien que fuera actor de apoyo, los pondríamos como número 2, y básicamente bajaríamos la lista así. Disparando hojas de llamadas suelen numerar elenco dependiendo de quién es el personaje principal, y luego quién es de más importancia más allá de eso. He visto los números subir hasta los cientos, sobre todo cuando estás consiguiendo diferentes miembros del elenco solo por un día o dos a la vez, y luego traerlos de vuelta un par de episodios más tarde sólo por otro día o dos. Ahora, con eso dicho, sólo tenemos nuestro único personaje en esto, manteniéndolo sencillo. Ese es Sam, y sólo podemos dejar el número 1 para el resto de esos. Tenemos nuestra primera escena aquí, y las diferentes tomas que vamos a estar recibiendo. Entonces a partir de aquí, vamos a enumerar una descripción aproximada de lo que esperamos que sea el disparo. Nuestro primer disparo, me gustaría que fuera un tiro de plumín revelador. El accion para esto es nuestro personaje caminando en marco así que diremos, Sam entra en marco revelado por cámara. Encuadre, vamos a ser como un tiro medio largo, así que podemos poner ML para eso. Por lo general, sobre todo en este tipo de cosas, querrás intentar usar tantas siglas como sea posible. Aquí es donde te metes en la ECU, si estás haciendo un cierre extremo. Básicamente, tomas la primera letra de cada disparo diferente, las combinas juntas, y tienes tus siglas. Ahora, el movimiento, vamos a hacer un movimiento de jib por esto así que eso es todo lo que tenemos que decir. Nuestro ángulo es bonito nivel de ojos. Sí arrancamos alto, y luego empezamos a mirar un poco hacia abajo al personaje. Pondré un Slight Down. Ahora, podrías simplemente apuntar, abajo, pero solo estoy escribiendo esto así que lo tengo cuando realmente salimos a disparar. Entonces a partir de ahí, para mantenernos en la emoción muy intensa, básicamente queremos estar atados con la emoción del personaje y en realidad no tener demasiado espacio para ampliar a partir de ahí. Por lo que en realidad me voy a quedar bastante apretado para la mayoría de este tiro. Para esto, en realidad estoy anotando que estamos haciendo un jib en un disparo de rastreo, y eso es sólo para transmitir que el movimiento de la fosa no termina. El disparo no termina cuando el personaje entra en cuadro, y termina el movimiento del plumín. A partir de ahí, seguimos al personaje mientras siguen caminando por la calle. Entonces a partir de ahí, nuestro segundo disparo será un rastreador Sam caminando angustiado por culpa de la gente. Esa es sólo una manera muy sencilla de explicar que Sam está en angustia por tanta gente está fuera así que esto va a ser una toma de seguimiento siguiéndolos mientras están caminando por ahí, mirando a su alrededor, y esa cosa. Esto, voy a querer que sea un primer plano, así que marcaré eso como CU. Esto va a ser un disparo rastreador. Esto probablemente estará en un cardán ya que estamos grabando esto en cámaras sin espejo para darte la mejor idea de una opción amigable con el presupuesto. No se necesita una cámara de cine cara para crear algunos visuales cinematográficos. Puedes ejecutar esto en tu teléfono, DSLR, cualquier cámara que tengas te irá bien ya los fundamentos son los mismos sin importar tu equipo. A partir de eso, más o menos vamos a estar a la altura de los ojos, creo, y de esa manera sólo podemos quedarnos con el personaje y no va a haber demasiados negocios divertidos pasando. Después tendremos un disparo de rastreo inverso. Ahora por esto, Sam va a estar angustiado y mirando por encima de su hombro, y queremos indicarlo aquí. Para esto, vamos a tener un primer plano que también es un sobre el hombro. Lo que esto significa es que voy a estar rastreando detrás de ellos en el cardán, y luego veremos la parte posterior de su cabeza, un tipo de cosa sobre el hombro. Aquí está la cámara, aquí está su cabeza. Estamos siguiendo juntos, y luego cada tanto que a menudo mirarán hacia atrás, y eso lo atraparé en el primer plano. Esto es sólo algo para tener más variedad y nos da más para jugar cuando nos metamos en la edición, y de esa manera tengo diferentes puntos de corte y va a salir muy bien. Esto también va a ser un movimiento de rastreo. Nuevamente, estaremos más o menos a la altura de los ojos para esto. Después vamos a añadir otra toma de nuevo con Sam. Esta vez los vamos a tener sólo parando por un momento luciendo muy angustiados, y luego vamos a pasar de verlos a ver a un montón de personas pasando el rato al otro lado de la calle, luego volver a un primer plano de su cara. Tendremos dos tiros para cubrir todo eso, agregaremos otro aquí. Tendremos que Sam se detiene, angustiado mirando a las multitudes. Entonces esto también va a ser un primer plano. Para esto tendremos una ligera dolly hacia adelante para que así podamos incrementar el drama ahí. Ahora esta es justo la forma en que me gusta hacer esto, de nuevo, no necesitas usar estos términos específicos y todo lo que estoy usando si funciona para ti, funciona para ti, esto es solo un buen punto de partida. Ahora tendremos a Sam mirando a las multitudes, excepto que este disparo va a ser un tiro largo en las multitudes, por lo que haremos tiro largo sobre el hombro mirando desde la perspectiva de ese personaje. Vemos por encima de su hombro a las multitudes de personas, por lo que de esa manera da contexto en cuanto a lo que están mirando. Esto va a, en su mayor parte, sólo ser de mano, vamos a conseguir un poco de temblores ahí para que mantenga ese movimiento frenético en marcha. De nuevo, aquí vamos a estar a la altura de los ojos. Entonces a partir de eso, quiero un tiro de ellos desinfectando sus manos. Sam entra desinfecta y se va. Esto va a ser más de un tiro medio, tal vez de cerca medio, así que voy a poner MCU ahí. A esto lo llamaremos un tiro de Steadicam como estamos en el cardán. Se puede poner gimbal Steadicam, cualquier cosa por el estilo, lo explicará bastante bien. Esto va a tener un ligero descenso ya que los estamos mirando desinfectando las manos y alejándose. Ahora, una toma extra que quiero tener en la escena es lo que llamaremos inserto de gente caminando. Esto es algo que podrías llamar B-roll. b-roll lo es más para cuando estás haciendo un estilo documental y tienes a alguien hablando de algo y luego el metraje tocando. Esto es más bien un inserto donde estamos intencionados en poner esa cosa específica aquí así que sólo estamos insertando esa toma. Muchas veces esto se trata de primeros planos extremos, pero en este caso, solo son pedacitos de los que cortar de ida y vuelta. Para esto, probablemente será un tiro medio ahí. Entonces todo esto será de mano para capturar realmente esa naturaleza. En realidad ni siquiera voy a estar usando el gimbal para esto, quiero que sea una toma estilo POV de ellos mirando alrededor a medida que pasa la gente, así que quiero que sea un poco más tembloroso, el ángulo como un POV. Es justo desde su perspectiva. Eso terminará más o menos esta escena y seguiremos con el resto de la lista de preselección donde continuamos el número de disparo, pero el número de escena apenas se golpea ahí arriba. El siguiente escenario sólo van a ser ellos viniendo y empezando a entrar a su espacio habitable. Sólo tendremos que caminar por el callejón. El caminar por el callejón va a empezar como un tiro largo y luego va a pasar a un tiro medio ahí. Te indicaremos que eso va a ser un tiro largo. Ese disparo será un jib y un dolly al revés. Empezamos a revelarlos saliendo a la vuelta de la esquina y luego volvemos un poco con ellos. Con eso, esto va a ser más así en un ángulo a nivel de ojo todavía. Entonces a partir de ahí tendremos un inserto de ellos que desbloquean la puerta. Eso sólo va a ser más o menos un primer plano medio ahí. Esto va a ser en un Steadicam y esto también va a ser un tiro abajo. Notarás mucho de esto hasta ahora, ha sido a la altura de los ojos o mirando hacia abajo. Es decir, como hablamos con movimiento motivado de cámara, esto es para hacerlos parecer más pequeños y sentirse pequeños ya que actualmente es así como se está sintiendo ese personaje. Esta es una forma que puedes usar para ejemplificar eso. Después pasamos a nuestra última escena aquí, escena número 3. Creo que vamos a tener un par de tomas diferentes aquí, estoy adivinando alrededor de las cinco. Vamos a sumar esos en. Nuestra primera toma de esta escena va a, que entren al departamento y se quiten la máscara. Que vamos a estar en un slider y tener un dolly de vuelta hacia adelante. Vamos a empezar en un primer plano medio y salir a un tiro medio largo. Esto va a ser un muñeco de vuelta. El motivo por el que estamos dollying de vuelta es para disminuir la tensión. Ahora están tomando una gran respiración profunda, dejándolo salir así que estamos retrocediendo para disminuir esa tensión que se ha ido acumulando. Con eso, nuestro ángulo de cámara ahora va a empezar a cambiar un poquito donde realmente tendremos un ligero tiro hacia arriba mirándolos. Ahora están más en control y tienen un poco más de poder, mientras que antes se sentían un poco impotentes. A partir de ahí, entrarán al espacio habitable, caerán abrigo, y recogerán vela. Con eso, vamos a empezar alrededor de un tiro largo, veremos entrar su cuerpo completo. Entonces de ahí mientras se sientan, tiraremos hacia atrás y terminaremos alrededor de un primer plano medio. Esto va a ser una, otra dolly al revés. De nuevo, estamos aliviando mucha tensión aquí. Tendremos otro ligero ángulo ascendente justo para que así, nuevo, son la fuente de poder aquí. Ahora el poder ha pasado de sentirse impotente a que tengan más control. Nuestro próximo tiro va a ser un inserto de ellos bajando su chaqueta. Poner chamarra en silla. Con eso, yo diría alrededor de un tiro de primer plano aquí, y esto en realidad va a ser un disparo de camión siguiéndolos de lado a medida que entran, y esto va a ser bastante nivelado de ojos hacia donde en realidad se está bajando. Ahora tendremos un inserto de ellos, de Sam encendiendo la vela. Este va a ser otro primer plano, y esto también va a ser un disparo de camión, vamos a seguir por ahí a medida que se mueven. A lo mejor tendremos un poco de ajuste que seguir, pero creo que debería ser bastante bueno. Nuevamente, esto va a ser más o menos el nivel de los ojos. Nuestro último disparo aquí va a ser Sam exhalando, sintiéndose aliviado. Esto va a empezar en un primer plano medio y entrar a la derecha en un primer plano, este es un dolly forward. Lo que realmente queremos hacer aquí es empujar y poco a poco empezar a aumentar la importancia en el personaje, estamos empezando a sentir mucho por ellos y esa emoción se está construyendo y luego simplemente toman una gran exhalación, y que concluirá nuestra película. Voy a tener otro ligero arriba, y luego estamos bien para ir, esa es nuestra lista de preselección aquí. Estaré poniendo esta plantilla en las notas del curso para que así tengas acceso a ella. También mostraré lo que escribí para esto, que así puedas referirte a eso. Brevemente hablaremos de storyboarding y cómo se puede hacer eso, y luego a partir de ahí, en realidad iremos a construir la escena misma. 10. Creación de storyboard: Ahora, vamos a hablar de storyboarding. El modo en que voy a storyboard esto es sólo en Procreate aquí en mi iPad y tengo una plantilla de storyboard de storyboard que de nuevo, estos diferentes recursos voy a enumerar abajo en las notas del curso a continuación. Para esto, también te voy a mostrar las diferentes formas que puedes identificar cuál es el movimiento de la cámara. Ahora bien, puede que no sea un ilustrador profesional y tampoco tú tienes que serlo, solo necesitas poder comunicar cómo se verá la toma. Enseguida del bate, vamos a dibujar un par de símbolos para ti para que así, puedas ver cómo decir cuáles son los diferentes tiros. Si queremos inclinarnos hacia arriba, vamos a tener una flecha con un pequeño tipo garabateado saliendo de ella. Si queremos inclinarnos hacia abajo, haremos lo mismo con una flecha ahí y tú las pondrás en cada punto diferente de tu marco. Nuevamente, en realidad estaré incluyendo también todos estos símbolos diferentes solo para que así tengas eso como referencia mientras estás storyboarding, si eliges hacerlo. Ahora bien, sí tuvimos un par de delanteros de dolly y de espaldas de muñecas en nuestro tiro. Con eso. Tendremos una gran flecha mostrando la perspectiva ahí, entrando y si volviéramos a dollying, tendríamos una flecha grande volviendo así. Entonces por lo que si estamos acercando, ahí es cuando ves estas flechas en las esquinas aquí, y así es como sabes que vas a estar acercando. Si estás haciendo un zoom hacia fuera, las flechas apuntan en la otra dirección. Esta es una buena manera de contar entre un dolly forward, dolly back y acercar y alejar mientras uno está apuntando hacia la flecha hacia adelante y los otros son las esquinas entrando. En el esfuerzo de mantener esta concisa, sólo dibujaré una escena para darte una idea. Para esto, vamos a hacer el de cuando nuestro personaje entra al departamento aquí. En base a dónde está esto, ya sabemos cómo se ve. Por lo que nos da un buen punto del que sacarlo. Vamos a estar disparando a un poco de esquina, así que vamos a tener eso en cuenta mientras estamos dibujando. Tendremos todo justo en un poco de ángulo ahí, ya que eso es solo algo importante a tener en cuenta cuando estés construyendo tu marco aquí. Tendremos unos abrigos colgados en un perchero aquí. Eso es lo que ese tipo está ahí y luego aquí, tenemos nuestra ventana y luego tenemos todas estas ranuras desde la ventana de ahí y hay algo de luz que entra. Ahora, tendremos a nuestro personaje principal, Sam, aquí, quien estará usando una máscara facial. Vamos a dibujar en eso y luego simplemente dibujaremos eso alrededor de su cara. Creo que llevan sombrero para esta escena así que dibujaremos ese sombrero ahí. Tener sus ojos mirando hacia fuera y luego aquí están ellos tomando una gran respiración profunda. De nuevo, puedes ver que no necesitas ser el mejor artista para hacer esto, solo necesitas tener una idea de lo que está pasando en tu marco. Entonces a partir de aquí, vamos a dar nuestra flecha apuntando hacia atrás para que así podamos demostrar que es un tiro de espalda de muñecas ahí. Ahora dicho eso, no soy una persona enorme de storyboard, pero si esta herramienta te funciona, entonces por todos los medios, úsalo al mejor de tus capacidades y dejaré estos recursos abajo en las notas del curso abajo y espero que los encuentres para ser muy útil. Ahora, con eso dicho, salgamos realmente a filmar nuestra escena. 11. Exteriores en el set: Ahora que hemos platicado a través de los fundamentos , las reglas, cuándo romperlas, y hemos preparado nuestro rodaje, ahora en realidad es el momento de salir y hacerlo. Cuando estábamos disparando los bits exteriores, verás, porque esto era más una configuración de pistola corriendo, no quería tener que preocuparme por montar múltiples cámaras ya que éramos principalmente yo y el actor, así que tengo un GoPro atado aquí me, para que así puedan ver el proceso de cómo va todo esto. Lo que haré, es hablaré a Avi, el actor para esto a través de la configuración, a través de la escena, y luego lo rodaremos un par de momentos diferentes, tal vez con algunos ajustes a medida que avanzamos. De esa manera tenemos un par de opciones diferentes para la edición. Ya verás en base a la lista de preselección que creé, probamos un par de tomas Gibb diferentes en un par de ubicaciones diferentes. Parece que éste funcionó mejor. Teníamos un par de personas paseando, lo que funcionó bien para el disparo general que íbamos a buscar. Se puede ver dirigiendo Avi, fueron capaces de realmente ejemplificar ese sentimiento de pánico y abrumado muy bien y se traduce muy bien en cámara. Entonces son estas técnicas que nos repasamos las que me permiten traducirlo aún mejor cuando entramos en los primeros planos aquí, esas fueron rastreando disparos y cómo están mirando por encima de su hombro, y cómo eso se traduce muy bien. Ahora tal vez te des cuenta que no hay mucha gente alrededor y eso está bien, podemos hacer algo llamado engaño. Engañar es básicamente cuando usas lo que es configuración y lo modificas un poco por lo que tiene sentido y funciona para la historia, y funciona mejor para cómo realmente se presentará en pantalla. Desde aquí tuve un montón de tomas de mano caminando por la calle. Esto es sólo hacer que la gente pasee. De esa manera, sí se ve muy frenético ya que están girando, le cortaré a alguien paseando. De esa forma se suma a ese sentimiento caótico general de todo. Ahora, para los tiros por encima de los hombros, los tiros de rastreo, los tiros de jib, etc, de esto se hace en un gimbal y eso es tener un poco de movimiento suave, pero lo estoy moviendo un poco más de lo que regularmente lo haría, solo para dar un poco de esa naturaleza frenética y ese estilo de mano ahí dentro. Porque cuando corté a sus POV donde estoy haciendo ese trabajo de mano, va a tener sentido con cómo sigue siendo bastante inestable. Eso es realmente cuando nos metemos dentro de su cabeza y ese es uno que vemos ese punto de vista de ellos mirando a la gente pasando. Entonces les cortamos mirando por ahí y es un poco más estable, pero eso está bien porque su punto de vista a través de sus ojos, todo está muy tembloroso y muy abrumador. Cortar entre todo eso creará una secuencia muy agradable que realmente ejemplifica de qué se trata esta escena. Entonces aquí, tenemos los primeros planos donde solo están mirando hacia fuera y puedes ver que me mudo un poquito y me están dando diferentes emociones. Mirando a su alrededor, está funcionando muy bien. Después vengo a los tiros por encima de los hombros de ellos donde se puede ver que nos estamos centrando en la gente de enfrente abarrotada por ahí, y luego podemos cortar entre eso y esos primeros planos. De esa manera sacas esa emoción de ahí. Entonces también tenemos la toma desinfectante aquí. Lo que hicimos por esto, es que queríamos que se detuvieran a tomar un descanso, pusieran algún desinfectante de manos, se lo pusieran de nuevo en el bolsillo, paseando, frotándose las manos. Entonces como se mencionó anteriormente, tenemos una toma de revelación más que está cortando a cuando están empezando a salir de ese entorno abrumador. Esto es cuando empiezan a hacer la transición a su hogar. Por eso se utilizó esta revisión. De lo contrario, si esto fuera sólo una continuación de lo mismo, no tendría sentido utilizar tal tiro revelador, pero esto está revelando que se alejan de ese entorno, que en mi opinión es muy efectivo. Se puede ver en la forma en que se dirigen en el lenguaje corporal que tienen, están empezando a volverse un poco más tranquilos a medida que salen por el disparo de ahí. Esto es algo que siempre me gusta que hagan es entrar completamente y salir completamente. De esa manera tengo estos puntos de corte que puedo cortar en la acción y luego cortar a mi siguiente pieza. Ahora de ahí tuvimos nuestro tiro abajo mirándolos, desbloqueando la puerta, que era un inserto muy sencillo. De nuevo, sólo estoy en el gimbal arriba en las escaleras. Hay un par de escaleras justo fuera de marco. Entran en marco, desbloquean la puerta, y funciona muy bien. Ahora algo a tener en cuenta para todos estos bits exteriores, estoy usando un filtro de densidad neutra. Debido a que estamos en una cámara sin espejo con algunas lentes de fotografía, estoy usando un hilo en filtro ND variable, para que así pueda mantener ese marco duplicado justo ahí y aún así tener una profundidad de campo bastante superficial. Si tuviera demasiado enfocado, no lo suficiente del enfoque sería sólo en nuestro personaje aquí, lo que rompería ese sentimiento aislado. Porque todo lo demás está muy volado fuera de foco, es como aún consigues que ese personaje se sienta aislado y solo y abrumado. Por eso me pongo esto aquí. De esa manera podría tener mis ajustes donde necesito que estén y la imagen sería más oscura. Si no estás familiarizado con lo que es un filtro de densidad neutra, básicamente es como gafas de sol, pero para tu cámara. Te pones eso y oscurece la imagen por una cantidad de paradas. De esa manera, puedes abrir tu abertura, puedes arreglar tus velocidades de obturación para que esté a la misma velocidad que la que necesitas que sea. De lo contrario, mi apertura habría bajado bastante o habría tenido que aumentar mi velocidad de rotura, que ninguno de esos habría funcionado para esta escena. Es por eso que utilicé esa herramienta a mi favor. 12. Interiores en el set: Aquí estamos en la sección interior de ésta. Básicamente, lo que estamos haciendo es continuar desde sus viajes afuera mientras entran por aquí y va a ser más una sensación de calma. También te darás cuenta a medida que nos movemos por la escena, ya que estamos entrando aquí, nos estamos volviendo cada vez más calurosos para demostrar que se están volviendo más cómodos, bajando un poco también. Ahora, notarás en esta escena que tenemos mucha luz viniendo por aquí atrás, y de aquí será de donde vendrá una fuente principal de luz. Ahora, ya que apenas están llegando a casa en esta escena para que esa luz esté motivada, realmente no queremos tener una gran luz llenando la mayoría de su rostro, ya que eso no va a funcionar realmente con la vibra que estamos buscando. Más o menos vamos a estar disparando en el lado de sombra de su cara, así que tal vez agregue un poco de luz justo en el lado derecho de la cámara o en el lado izquierdo de su cara. Con eso, sólo tenemos una pequeña luz de tubo metida aquí atrás. Estas cosas son muy fáciles de meter en una esquina y añadir ese poco de luz. Ya no estamos en un gimbal, ya no estamos haciendo ningún movimiento de mano ya el personaje se está volviendo más a tierra y más estable, por lo tanto queremos que nuestra configuración de cámara refleje eso. Para la mayoría de todo lo que vamos a estar rodando aquí, o vamos a estar bloqueados en un trípode o en un deslizador. Abby, lo que voy a hacer es que en realidad probablemente empieces afuera y luego solo entrarás, y lo dispararemos un par de veces y veremos cómo podemos ajustar el marco. Encenderé a este tipo solo para agregar ese poquito de relleno: así que chispa. Estas son algunas de las cosas que debes tener en cuenta cuando estás disparando en la ubicación. Si esto fuera una gran producción de presupuesto, en realidad tendríamos un subdirector conmigo y luego un subdirector afuera para decirles cuándo se llama a la acción y de esa manera pueden seguir su cola y entrar. Pero como solo estamos haciendo una configuración muy pequeña aquí, solo voy a llamar a acción para Abby, me escucharán por la ventana y luego entrarán. En conjuntos de presupuestos más grandes, lo que solemos hacer es marcar a los actores durante el bloqueo, pero aquí ya que estamos haciendo una configuración bastante simple, solo marcaré a Abby antes de ir a rodar, y de esa manera saben dónde están va a ser y yo puedo enmarcar para su cara también, para que así podamos darle cada vez. Probablemente incluso voy a cambiar al enfoque manual sólo para conseguir eso encerrado, y de esa manera no va a haber ningún hipo cuando vayamos a disparar. El modo en que marcamos al actor es solo con una pequeña marca de t ahí casi cubriendo sus dos pies, para que así sepan exactamente dónde pararse. Ahora, algo que noté en este marco que tal vez quiera cambiar un poco: hay una cantidad decente de profundidad, pero creo que lo podemos hacer un poco mejor, y es cuando traes algo así como una máquina de humo, neblina, o en este caso algo así. Esto se llama aerosol atmosférico y esto es sólo una versión enlatada de una máquina de humo o algo así. Es una forma muy segura de tener un poco de ambiente en tu marco y luego puedes obtener algunos rayos de luz, y en general, trae un poco el ambiente y hace que las cosas se vean un poco más malhumoradas y dramáticas. Esto es actualmente sin ninguna de la neblina, y entonces simplemente lo haré [inaudible]. Se puede ver la diferencia inmediata que eso hizo. Como que hice una pequeña vuelta cuando entré para cerrar la puerta. ¿Eso estuvo bien? Sí, en realidad eso me gustó, funcionó bien. Te voy a hacer ahora eso una vez más. Yo sólo quería comprobar eso dos veces. Gracias. Siempre es bueno aclarar y mantener una línea abierta de comunicación, para que así todo el mundo sepa lo que está pasando y sepa cómo se va a planear la toma y cómo va a funcionar. Estoy enmarcado, está bien, y acción. Fantástico, deja ahí el corte. En ocasiones, siempre me gusta ofrecer al actor la oportunidad de revisar también la reproducción por si acaso quieren ver cómo les va. Yo estoy bien. Estamos recibiendo esos bonitos pedacitos de rayos de luz. No creo que sea demasiado, y creo que funciona para ello. En ocasiones solo quieres mantener un ojo en tu fondo para ver cómo se ve ahí. Puedo en realidad, sólo por el bien de esto, poner un abrigo por aquí sólo para que así lo haga todo uniforme y se mezclaran en un poco. Entonces creo que nos llevaremos eso una vez más, y creo que esa será la única. Esto es sólo algo que quieres tener en cuenta, sobre todo porque estás elaborando tu marco. Queremos asegurarnos de que no haya nada demasiado distraído en segundo plano, y si ahí pasa algo, que funcione para el disparo y que tenga sentido, y luego puedas ajustarlo para que funcione por lo que estás buscando. Acción. Con el movimiento de la cámara ahí, se puede ver cómo sí disminuye la tensión y permite retroceder, sobre todo porque van a salir del marco. Empiezo realmente cerca de su cara ya que es esa intensa reacción emocional. Hacen un suspiro profundo y luego lo reflexiono tirando hacia atrás con la cámara. Ahora vamos a continuar con la escena hacia la zona principal, y luego te mostraremos las técnicas a partir de ahí. Lo que vamos a hacer aquí, van a entrar, soltar su chaqueta, y luego van a encender una vela y recoger el libro. Ahora, al inicio de esta escena, va a estar bastante oscuro. Aquí la idea es que viven solos, así que están entrando a un departamento y naturalmente, va a estar bastante oscuro cuando entren. Ejemplificamos que con ellos entrando al departamento cuando aún estaba bastante tenue, por lo que de esa manera pudimos exponer por fuera y por dentro también. Pero funciona que lo tengamos un poco más oscuro y luego entran, se ponen cómodos, y todo se levanta un poco, se convierte en un ambiente más cálido y acogedor. Lo tendremos un poco más brillante con un ambiente general mayor. Entonces será un libro agradable, cálido, final y de la escena. Cuando entren, vamos a hacer que enciendan aquí una pequeña lámpara por dos cosas. Uno, sólo para mostrarles iluminando un poco el espacio, pero también, sí ilumina nuestra escena para que podamos ver lo que están haciendo. Estoy pensando en lo que respecta al movimiento motivado de la cámara que vamos a mantener este movimiento pull out a medida que la tensión disminuye continuamente. Eso es lo que estamos tratando de hacer aquí es que el inicio de la película es muy tensa y muy temblorosa, pero ahora es más estable. La tensión está disminuyendo y queremos demostrarlo dentro de nuestro movimiento de cámara. Ahora, más o menos tenemos nuestro marco descubierto aquí, para el ambiente general cuando era sólo la lámpara que se estaba encendiendo, pensé que era sólo un poco tenue, así que sí tenemos un panel de luz rebotando hacia el techo, creando un poco de un bonito rebote suave entrando, y tengo eso rechazado bastante desde cuando realmente disparamos y eso es solo para dar un relleno suave agradable. Sería del mismo tipo de cosas si tuvieras un poco de luz entrando desde afuera y es solo para agregar un poco del nivel de luz. Ahí crean un poco de ambiente general y agregan un poco más de profundidad en el marco, y luego cuando esa práctica se encienda, va a actuar como una bonita retroiluminación. Entonces, bajarán a la mesa aquí, sentarán y encenderán una vela antes de leer su libro. Ahora, aquí tengo un pequeño tubo de luz que solíamos agregarle un poco de relleno a su cara cuando rodamos la escena de la puerta. Esto va a actuar como nuestra iluminación motivada para la vela aquí. En iluminación motivada con el tubo aquí, lo que vamos a hacer es que actúe como si fuera la propia luz de la vela. Se puede ver cuando se enciende chispas, que sí tiene ese bonito parpadeo ahí. En realidad, lo que podemos hacer ahora ya que hemos ajustado la posición de esta manera, en realidad no necesitamos la luz aquí. Serviría como mejor estar apagado del otro lado, para que así se encienda una bonita luz en el frente de la cara de Abby, y luego de esa manera, no actúa como esta luz frontal que tenemos actualmente. Cambiaré la posición en este alrededor y te mostraré cómo luce eso. Se puede ver en función de dónde está posicionada la luz, en realidad funciona mucho mejor. Todavía logramos disparar un poco en ese lado de sombra del rostro de Abby, que siempre hace que el drama se vea más intenso, y se suma bastante al rodaje. Estamos teniendo la luz similar en posición a donde está esa vela, así que de esa manera, para uno tenemos una posición, por lo que no estás encendiendo completamente la vela misma. Todavía obtenemos la luz de eso, pero todavía estamos arriba iluminando a Abby apenas un poquito ya que esa es la posición en la que realmente está la vela, razón por la que tiene sentido aplicar de esa manera. Por lo general, no queremos aplicar a nadie porque hace que las cosas parezcan un poco espeluznantes y antinaturales. Pero para esto, tiene sentido. Pero también esta es una fuente de luz lo suficientemente grande, que no es completamente up-lighting ellos, por lo que no nos da ese sentido incómodo, que de otra manera tendríamos. De esta manera es una luz agradable, halagadora. Tenemos eso práctico en el fondo y estamos obteniendo justo ambiente de nuestro panel de luz su para elaborar un hermoso tiro. Ahora, creo que lo que haremos aquí es agregar un poco de neblina solo para que todo se vea un poco más agradable y entonces estaremos bien para conseguir el tiro. Ya que estoy enfocando manualmente el tiro, algo que hacen los tiradores de foco con lo que he trabajado es que marcan la distancia de donde va a estar eso. Ahora bien, no estamos tirando de forma inalámbrica del foco. Solo lo estoy haciendo bien en la lente, así que pondré un par de marcas abajo para asegurarme de que soy capaz de mantenerlas enfocadas. Ahora, también sí cambiamos nuestra lente ya que está bastante más oscuro aquí en comparación con el exterior, por lo que de esa manera, esta lente tiene un F-stop más bajo para que podamos abrirlo todo el camino hacia arriba. Entonces de esa manera, somos capaces de captar el agradable ambiente que hemos confeccionado pasando en la escena aquí. Empezaremos con esa luz encendida y la cámara está rodando, y acción. Hermosa, y eso solo nos da un bonito punto de corte ahí, cambia un poco la acción, y el movimiento de la cámara está motivado por que bajen y se sientan, así que no es como si estuviera haciendo ningún movimiento innecesario de cámara que sería muy fácil de hacer. En realidad voy a empezar con la vela misma. Estamos consiguiendo un poco de luz agradable volviendo de nuestra práctica luz ahí, así que hay un poco de ambiente pasando y luego, cuando enciendan la vela, prenderé nuestra luz aquí y luego, estará bien ir . En realidad puedo levantar un poco a este tipo y darle la vuelta, solo para que eso sea rebotando y viniendo a su cara bastante bien. A pesar de que en realidad no estamos consiguiendo su cara en el tiro, sólo va a llegar a través de su cuerpo bastante bien. Voy a estar ajustando un poco mi marco, así que haciendo un movimiento como este para seguir su mano mientras agarran la vela ahí. La cámara está rodando y la acción. Te darás cuenta que en realidad estoy iniciando el movimiento de mi cámara justo antes de decirles acción, así que de esa manera no es acción y hay un salto. Es agradable empezar a mover la acción y entonces todo fluye bien en lugar de tener ese poco de júbilo ahí dentro. Acción. Perfecto, y eso es todo, corte. Nosotros lo hicimos. Con eso, eso concluye nuestro rodaje de la escena, así que ahora la vamos a armar. Vamos a editar todo el asunto, y luego te voy a hablar a través de cómo se juntó la edición y las diferentes cosas de las que hablamos y cómo se traduce en pantalla. Gracias por vigilar hasta este punto. Nos vemos del otro lado de esto. 13. Visualización de nuestra película: Aquí tenemos nuestras piezas finales de escena editadas por completo. Si quieres ver cómo editar algo como esto definitivamente también puedo hacer un curso completo de edición. Pero para mantener esto enfocado en la cinematografía solo quiero mostrarles el producto final y cómo trabajamos ahí con él. Un nuevo estudio del CDC está levantando la alarma sobre las variantes del coronavirus que se propagan por todo el país. No pueden seguir el ritmo. Hay un gran rezago de casos por lo que la gente- Súper difusión de eventos y oleadas epidémicas. Este virus tiene el potencial de enfermar a muchos de nosotros con fiebre, tos, o incluso resultando en la muerte. Ahora está evolucionando de una manera que podría hacer menos efecto a las vacunas existentes. COVID-19. Ya sé- Se puede ver por el lado del audio, sí agregué en algunos reportes noticiosos diferentes hablando del virus y ese tipo de cosas, solo para sumar a esa naturaleza caótica general. Se puede ver que estoy recortando de ida y vuelta bastante rápido aquí, así que de esa manera mantiene ese sentimiento caótico en marcha, consiguiendo ese estado de ánimo realmente caótico. Se puede ver sí sumé en un par de tiros como gente caminando por tos, etc, solo para sumar a esa sensación caótica general de todo. Se puede ver cómo esos disparos de POV y esos primeros planos cortados juntos funcionan muy bien cuando se va entre los dos. Realmente se suman a esa naturaleza frenética. Entonces aquí tenemos que se detengan, desinfecten sus manos. Después cortamos a ellos mirando hacia otro lado. Esto está bien de hacer, porque solo se trata de ese sentimiento que están teniendo. A veces querrías tocar toda esa sombra. Pero aquí cortamos de nuevo a ella. Entonces, ahí tienes. Podría incluso ser algo donde estén mirando hacia fuera como lo están haciendo pero se lleva la foto. Entonces aquí está ese revelador disparo, donde se puede ver que la cámara se mueve y empiezan a entrar. Este es ese tipo de cosas en las que empiezo a moverme y luego les llamo acción, que así ya va el movimiento y luego para cuando entran en cuadro ya me he estado moviendo, pero no atrapé demasiado de un marco vacío antes de que entraran, y así es como funciona un bonito tiro revelador. Después puedes ver que empiezan a acercarse a la cámara y salen completamente del marco. Ahí sí corté la acción para que así salgan del marco y luego caminan derecho a la puerta. Aquí tenemos ese bonito tiro hacia abajo. Entonces otra vez, cortando la acción y tenemos esta linda toma aquí basada en esa iluminación motivada. Sin ese tubo de luz sólo tendríamos este lado del rostro completamente en oscuridad, pero con solo tener ese poco extra da una bonita luz de captura en los ojos ahí lo cual es muy bonito. Ves esa vida en los ojos de una persona. Si no tienes eso, a veces una persona se verá muerta o sin vida y eso no es lo que queremos aquí. Eso sólo funciona, casi sólo se parece a esa luz de ventana misma que es exactamente lo que queremos aquí. Se puede ver cómo se tradujo muy bien de lo que narramos a la toma real aquí. Se puede ver sacando a medida que exhalan, salen un marco, luego los tenemos encendiendo la luz práctica iluminando la escena de ahí. Tenemos un poco de ese ambiente general desde ese panel de luz que ahí cortando a nuestro tiro de camión. Entonces mantenemos ese disparo moviéndose, estancándose hacia atrás. Entonces como están encendiendo la vela, enciendo ese tubo de luz y obtenemos ese bonito, hermoso parpadeo ahí y funciona brillantemente. Aquí viene nuestra última toma. Inhalan, miran hacia arriba, exhalan, y ahí vamos. Es un tiro bellamente adscrito. Se los puede ver simplemente quitando una carga. Simplemente van a entrar en su libro, disfrutar de su vela, y tratar de olvidarse del estrés del día. Ahí lo tenemos. 14. Conclusión: Si has estado siguiendo hasta el final de este curso, ahora tienes los fundamentos de cómo crear una hermosa película cinematográfica. Ya sea un documental, una película de bodas, o incluso un largometraje, ya sea que la estés filmando en un iPhone, una cámara sin espejo o una configuración de una cámara de cine de 100.000 dólares, estos fundamentos funcionan en todas partes sin importar tu presupuesto, no importa tu cámara. Con eso dicho, muchas gracias por ver este curso. Espero que hayas ganado mucho valor de ello. Si lo hiciste, asegúrate de seguir adelante en Skillshare ya que estaré subiendo más cursos que cubren fotografía, videografía, cinematografía, y todo lo creativo. , también tengo un canal de YouTube donde estaré subiendo diferentes proyectos en los que he trabajado, diferentes tutoriales y todo así. Eso es un poco más de tamaño de mordida y más fácil de consumir. Con eso, muchas gracias por mirar hasta el final de este curso y espero ver las películas que usted crea abajo. 15. La película final: Un nuevo estudio del CDC está levantando la alarma sobre las variantes del coronavirus que se propagan por todo el país. No pueden seguir el ritmo. Hay un gran atraso de casos. Súper difusión de eventos y oleadas epidémicas. Este virus tiene el potencial de enfermar a muchos de nosotros con fiebre, tos, o incluso resultando en la muerte. Ahora está evolucionando de una manera que podría hacer que las vacunas existentes sean menos efectivas. COVID-19. Nunca he tenido un paciente tan cercano a la muerte en mi carrera. Lávese las manos con frecuencia durante al menos 20 segundos. De acuerdo con el rastreador de casos COVID-19 del CDC, ahora hay más de un millón de casos confirmados del virus en este país. Porque lleva varios días mostrar síntomas y la mayoría de la gente ni siquiera sabrá que lo tienen todavía. Hay máscaras de mayor grado que pueden filtrarse mejor. Tenemos que probar, tenemos que rastrear, tenemos que aislar; los fundamentos del control epidémico. Crece la ansiedad esta mañana por la tendencia COVID-19. Enfócate en proteger a las personas que se están enfermando de esto. El rápido esparcimiento variante COVID-19. El número de casos per cápita también exige preocupación.