Fotos de modelos

1. CAPÍTULO 1 Introducción: Oigan, chicos, mi nombre es Frank Dorov y bienvenidos a este video Ahora bien, este video es ligeramente diferente a lo que estás acostumbrado, probablemente. En este video, te voy a mostrar algunas de mis imágenes y cómo las creamos. Tomamos algún video durante las sesiones fotográficas. Entonces, en otras palabras, estas son fotos que literalmente filmamos durante talleres o durante sesiones fotográficas. Y, por supuesto, también tenemos algunos videos para explicar las configuraciones de iluminación Pero sobre todo, este va a ser un video sobre el flujo de trabajo y sobre cómo puedes tener éxito en conseguir grandes imágenes sin poner demasiado esfuerzo o presupuesto en él. ¿No es eso lo que todos queremos? Así que disfruta el video. Y si tienes alguna duda, siempre puedes contactar con nosotros y hacer tus preguntas. Empecemos. 2. CAPÍTULO 2 Equipo: Ahora, antes de entrar en las sesiones de fotos, hay una cosa que tengo que dejar clara, y esta es una de las cosas que siempre vuelve cuando imparto talleres o cuando publico imágenes en línea. Y eso es sobre el equipo. Ahora bien, todos sabemos que el equipo es increíble, ¿verdad? Existe una expresión llamada conjetura, síndrome de adquisición de engranajes. Pero eso no es realmente un problema a menos que estés casado y tu esposa se entere de lo que cuesta todo, claro. El síndrome del gas no es un problema real, siempre y cuando sepas por qué compras equipo nuevo. Si compras equipo nuevo para inspirarte, eso es increíble. Lo tengo con guitarras Vintage y BAMs de tubo. Pero si compras equipo porque estás encubriendo cosas que no puedes hacer o piensas que no puedes hacer, ahí es donde tienes un problema. Por eso antes de entrar al estudio, quiero dejar una cosa muy clara. Por supuesto, estoy filmando con la Sony A seven R five y una gran lente G master. Entonces sí, mi equipo es genial. Pero también puedo tomar exactamente las mismas fotos con mi iPhone. Y trazo sabio, claro, se puede utilizar el color bronce. Puedes usar Pro Photo. Puedes usar Ellen grom o Hansel. A grandes marcas. Pero los dos últimos años, he estado filmando con Gekoto y eso es en realidad son marca mucho más asequible Y con toda honestidad, mis imágenes no empeoraron. La razón por la que en realidad cambié a un strop híbrido es por la razón muy simple Estamos haciendo mucha fotografía en el lugar, y me acabo de cansar, bueno, llevar equipo muy pesado y equipo muy caro cuando también puedo usar stropes que solo puedo caber en mi bolsa y disparar 400, 450 imágenes a plena potencia con una batería Entonces se trata de caballos para cursos, pero también la calidad de tu equipo es, por supuesto, realmente importante para la durabilidad. Es importante para tu modelación de la luz. Pero no dejes que nadie te diga eso porque no usas una cámara muy cara, no puedes tomar grandes fotos. Puedes hacerlo literalmente con todo. Una bombilla, mira estas imágenes o un candelabro. Mira estas imágenes. Literalmente puedes usar todo lo que quieras para tu fotografía. Así que no dejes que el equipo te detenga. Pero si te encanta comprar equipo nuevo, sé mi invitado. Bien, entremos al estudio. 3. CAPÍTULO 3 Tethering: Bien, ahora, claro, vamos a hablar de iluminación. Vamos a hablar de cómo te acercas a tu modelo y un poco sobre el estilo, claro, porque esa es una de las cosas más importantes. En una sesión de fotos, tienes que asegurarte de tener algo genial que mirar. Pero hay algunas cosas que son realmente importantes en tu flujo de trabajo. Ahora, en este próximo capítulo, vamos a hablar de atadura. Ahora, tal vez te preguntes, qué se tambalea bien, ya sabes que cuando cambiamos a lo digital, una de las mayores mejoras fue que ahora ya no necesitamos poloides Ahora bien, no soy de la edad en la que usábamos poloides. Y eso significaba que cuando filmabas una película, no tenías ningún comentario. Entonces filmaste película. Necesitabas un medidor de luz, claro. Y lo primero que disparaste fue un poloide para comprobar si tus imágenes estaban bien. Ahora, con toda honestidad, un poloide no es lo mismo que una película. Entonces fue más como bien, se acercó. Por supuesto, el cambio a digital fue increíble porque ahora puedes tomar una foto. Y en la parte posterior de tu cámara, puedes ver literalmente lo que estás haciendo si tu composición es la correcta, si tu iluminación es la correcta. Y esa es en realidad casi la imagen que obtendrás al final, claro, sin tu retoque Entonces, ahora que vemos todas nuestras imágenes en la parte posterior de nuestra cámara, ¿terminamos? No realmente, porque cuando haces una sesión de fotos, no es realmente irritante cuando gente constantemente mira por encima de tu hombro, te pregunta como, Oye, ¿cómo se ve esta imagen y yo la veo Sí, eso realmente no funciona. Así que necesitamos una manera de sacar esas imágenes directamente de la cámara a una pantalla grande. Y eso puede ser un televisor, un portátil o un iPad. Y eso es en realidad lo que llamamos tethering, conectando nuestra cámara a una pantalla o a un dispositivo que mostrará tus imágenes Ahora lo genial es que en cuanto tomes esa imagen, la imagen aparecerá en esa gran pantalla. Ahora bien, esta es una gran mejora en tu flujo de trabajo. No solo te muestra si cierras tus imágenes de la manera correcta, sino que también muestra a tu cliente cómo se verán las imágenes al final. Déjame rebobinarlo. Acabas de decir que las imágenes estaban crudas cuando entraron. Sí. Pero en algunas instancias, como por ejemplo, con Lightroom o Capture One, en realidad puedes decirle a la computadora que cada vez que entra una imagen, quieres que funcione un cierto pozo, preset Y ahora cuando tu cliente quiere ver una imagen en blanco y negro, literalmente puedes filmarla en blanco y negro. Para que tu cliente pueda ver las imágenes directamente cuando entren. Y también pueden, claro, decir, como, Oye, me gusta mucho esta imagen. Vamos a darle cinco estrellas. Por lo que es una gran mejora en tu flujo de trabajo. Pero, ¿qué necesitas? Bueno, en el estudio, es bastante fácil. Puedes usar tu laptop, puedes usar una máquina Windows o una Macbook. Pero en el lugar, bueno, eso se vuelve un poco más complicado porque una computadora portátil, por supuesto, siempre está bien, vulnerable. Solo miremos mi laptop. Tenemos una gran pantalla. Tenemos un teclado. Tenemos todos estos puertos. Tenemos un track pad, y tenemos que asegurarnos de que se mantenga muy agradable y limpio, ¿verdad? Porque si hay un poco de polvo en tu teclado y cierras la cubierta, sí, mi propia pantalla es testigo de eso. Literalmente puedes simplemente dañar tu pantalla si hay mucho polvo o arena en tu teclado. Ahora bien, esto es algo que no quieres en locación. Además, quieres moverte muy rápido. Entonces, una solución más moderna es en realidad usar un iPad. Ahora, en mi caso, estoy usando el iPad Pro 12.9. Y en el pasado, con el iPad, tuviste muchos problemas. Solo fue posible disparar de forma inalámbrica, y no soy un gran fan de disparar de forma inalámbrica. La mayoría de las veces funciona, y luego llegas al lugar, y de alguna manera simplemente no funciona o estás en una feria comercial, y está muy ocupado con Wi Fi, y la imagen no entra. Entonces no lo quieres. Hoy en día en el iPad, tenemos varias soluciones. Yo mismo uso el cable Cas, que es una compra única. Creo que son 65 euros en la tienda de aplicaciones, o puedes hacer una suscripción. Pero también tienes captura uno, que es una suscripción, que no es mi cosa favorita personal para hacer. Entonces mi consejo personal es usar cable Cas. Ahora, el mayor cambio para mí es cuando el iPad comenzó a admitir la conexión por cable. Ahora, de nuevo, no soy fanático de la conexión inalámbrica. Quiero que esté cableado. Pero, ¿cómo lo conectas a tu cámara? Bueno, lo primero que tengo que explicarles es que hay una gran diferencia entre cables USB normales y los cables dedicados a anclar. Ahora, mi elección personal son los cables IQ, y lo tengo aquí en mi cámara. Ahora, lo más importante es que protejas tu cámara. Ahora, siempre hay gente caminando por el set, así que quieres asegurarte de que no pueda golpear el costado de tu cámara porque eso te romperá el puerto. Ahora, en este caso, estamos usando un conector aquí. Estamos usando la solapa del puerto por aquí, y tenemos un conector más pequeño que en realidad va directamente al puerto aquí y está muy bien protegido. Ahora en la parte inferior, también tenemos que asegurarnos de que esté apretada y conectada. Entonces, en este caso, estamos usando un sistema de control deslizante. Simplemente conectas esto y solo sacas el deslizador, lo cual es muy, muy fácil. Y simplemente lo vuelves a hacer clic así. Entonces esta es una solución muy agradable para en el lugar o en el estudio. Pero, ¿y si alguien se para en tu cable? Bueno, por eso usamos un desenganche de cable. Entonces, en otras palabras, no dañas tu cable. cuanto a longitud, en nuestro estudio, estoy usando 15 metros en una sola pieza. No quiero ninguna conexión en el medio. Y lo genial de los cables IQ, entregan cinco, diez y 15 metros. Así que siempre es algo bien, que puedas encajar en tu flujo de trabajo. Pero, ¿cómo consigues tus imágenes en tu iPad? Bueno, con un iPad más nuevo, tú, por supuesto, ya tienes una conexión USBC, y aquí es donde conectas los cables directamente al iPad cuando estás en el lugar Pero en el estudio o en una feria comercial, también quieres conectar un monitor externo, y tal vez quieras cargar tu iPad mientras estás filmando o dando tus demos. Y es por eso que estamos usando los llamados perros. Ahora bien, este es un perro muy simple de Anchor, y solo usa un conector USBC, y ahora tengo dos puertos USBC, un puerto HDMI Tengo un puerto de red y un lector de tarjetas, por supuesto, y algunos puertos USB A. Ahora, con esos perros y dongles, hay que tener un poco de cuidado cuando te conectas en línea en Amazon o AliExpress o donde quieras comprarlo o en tu tienda de cámaras, asegúrate de comprar un dongo que tenga la opción cargar tu iPad y además tenga un Entonces, en otras palabras, dos conectores USBC, uno para datos y otro para cargar tu iPad Y en mi opinión, HDMI también es muy importante. Ahora algunos de esos perros trabajarán a la perfección. Algunos de esos perros no lo harán. Esto es algo que hay que hacer por ensayo y error. Paso alrededor de tres o cuatro perros antes encontrar uno que realmente funciona todo el tiempo, y ese es el ancla. Y bueno, tu kilometraje puede variar. También depende un poco tu iPad y de la cámara que estés usando, pero solo pruébalo y asegúrate de que puedes devolverlo dentro de los 30 días. En el portátil, por cierto, todo no es problema en absoluto porque ya tienes los puertos en ese portátil. Ahora que configuramos el anclaje, hablemos un poco sobre la administración del color y la calibración 4. CAPÍTULO 4 Calibraciones: Bien, la parte final de las cosas aburridas. Ahora, ya discutimos el tethering. Hablemos un poco sobre acertar tus colores. Y de inmediato tengo que decir una cosa sobre esto. Esto es justo entre tú y yo. Esto no quita tu creatividad. Esto no mata tu creatividad. Y ciertamente, no ralentiza tu flujo de trabajo. Lo que voy a decirte ahora, si no lo haces ya, cambiará tu flujo de trabajo para siempre, y será mucho mejor. Así que vamos a apartarnos un poco. Hablemos de color. Ahora, no voy a sumergirme muy profundamente en el color, sino que vamos a darte el triángulo de color, como puedes ver aquí. Ahora, tenemos rojo, verde y azul, y en el medio, tenemos la llamada curva de cuerpo negro. Ahora bien, tal vez reconozcas este rojo, verde y azul. Esos son de hecho los colores primarios. Ahora, cuando calibres tu monitor, y esta es la parte que realmente tienes que hacer Hablemos de eso un poco más tarde. Estás eligiendo un punto blanco, y eso significa que bueno, hay cierto punto en esa curva de cuerpo negro. En realidad es un poco de la curva del cuerpo negro que acordamos que sea un blanco neutro. Y con toda honestidad, no es blanco neutro. Es sólo un poco blanco rojizo. Ahora que conocemos esa coordenada, esto significa que ahora podemos usar un llamado calibrador para que usted monitoree para crear un blanco neutro Ahora, normalmente, cuando calibres tu monitor, pasará de negro a blanco en varios pasos eso se le llama la escala de grises, pero eso es sólo para los blancos. Ahora bien, ¿qué tal el color? Probablemente ya sepas en Photoshop o Lightroom o lo que sea raw convertir a tu trabajo que veas ciertos espacios de color como por ejemplo, SRGB Adobe RGB, y pro photo Bueno, la escala de grises o blanco neutro en la mayoría de esos espacios de color se verán igual, y eso se supone que es, correcto, porque queremos tener blanco neutro. Donde sí difiere y difiere mucho son las coordenadas para tus colores, tu rojo, verde y azul. En tu espacio de color SRGB, tienes un espacio de color pequeño Eso significa que todos tus colores encajarán muy bien en ese espacio de color. Se puede utilizar JPEC ocho bits, no hay problema en absoluto. Ahora en cuanto vayas a Adobe RGB, ese es un espacio de color más grande. Y ahora con JPEC ocho bits, se vuelve un poco más difícil, pero sigue siendo bastante factible Ahora, cuando vas a Photo RGB, ese es un espacio de color realmente grande. Y este también es un espacio de color que ya no puedes almacenar en JPEG. Necesitas TIV 16 bits. Ahora, voy a anidar, mi flujo es principalmente editar en TIF 16 bits y luego almacenar en JPEG Adobe RGB para los resultados finales por la razón muy simple, espacio en disco duro es limitado, y los TIF son muy, muy grandes y los JPEG son un poco más pequeños Y cuando tengo mi resultado final, no tengo que volver atrás. Entonces platicamos un poco sobre esos colores y los diferentes espacios de color. Ahora, por cada espacio de color, las coordenadas para cada color son fijas, y esas son tres coordenadas. Tenemos una X, una Y, y una Y U grande, saturación y luminancia. Ahora, probablemente note desde su impresora CMIK. Oye, espera un minuto, ¿CMIK? Sí. Al lado de nuestros colores primarios, rojo, verde y azul, también tenemos colores secundarios, Sion magenta y amarillo. Ahora bien, cuando imprimes, probablemente ya viste que no imprimes con RGB sino con CMIK. Ahora, ¿qué es esa K? Mucha gente piensa que la K en realidad es negra, y eso es porque en la impresora, realidad se usa como negro. Pero no es realmente negro. El K significa K, y eso significa el brillo. Ahora, recuerden, X, Y, y la Y grande, saturación y luminancia. Ahora, esto significa que cuando tomas tus imágenes y quieres colores 100% precisos, necesitas, por supuesto, algo así como una referencia para hacer una calibración. Así que calibramos nuestro monitor con un analizador de color, pero también necesitamos asegurarnos de que calibramos nuestra cámara porque cada sensor, bueno, obtiene las imágenes ligeramente diferentes Entonces tenemos que asegurarnos de que eso también encaje en ese perfil. Ahora bien, aquí es donde usamos una herramienta muy, muy práctica llamada verificador de color. Ahora bien, se trata de un llamado corrector de color dúo. Esto es para video. Entonces esta parte es para video, configurando tus negros, ajustando tu medio, y fijando tus blancos, y por supuesto, tus colores Y cuando lo abres del otro lado, ahora tienes uno para fotografía con tu balance de blancos, y por supuesto, tus cuadrados para tus colores. Pero si no haces ningún video, por supuesto, también puedes salirte con la tuya con la fotografía completa normal donde tienes esta, donde solo uso realmente la parte inferior, y hago balance blanco en los cuadrados grises. Nunca uso esa parte. Si quieres un poco más bien, verdes tus paisajes o un poco más rojo en tus retratos, ellos tienen esa opción. Pero para mí, lo quiero neutral, así que siempre uso esa. Y lo abrimos del otro lado. Tienes dos formas de hacer tu balance de blancos. Ahora, con toda honestidad, uso mayormente el dúo porque, claro, también hacemos video, y el dúo es muy útil para eso. Ahora, con un corrector de color, podrías preguntarte como, Oye, si tengo el corrector de color, todo está configurado correctamente, ¿ verdad? Sí y no. Ahora, recuerdas que te dije que hay tres coordenadas, la X, la Y, y la Y grande, o en otras palabras, las luminanas Y por eso siempre me ves usando esta herramienta cuando estoy tomando una foto. Y a esto se le llama un medidor de luz. Ahora el medidor de luz es increíblemente importante. Podría ser lo más importante porque el medidor de luz determina tu exposición. Ahora bien, el medidor de luz no está ahí para asegurarse que no exponga en exceso sus imágenes. El medidor de luz, también lo hacen, claro. El medidor de luz está mayormente ahí también para asegurarse de que exponga correctamente. Y cuando expongas correctamente y uses el corrector de color, todas tus imágenes quedarán perfectas. Y ahí también es donde viene el problema. ¿Quieres que tus imágenes se vean perfectas? En la mayoría de los casos, no quiero que mis imágenes se vean perfectas. Quiero que mis imágenes le den cierto estado de ánimo, cierto aspecto a mis fotos. Y eso significa que siempre cambio mis imágenes. Siempre uso preset. Entonces, ¿por qué debería usar un verificador de color? ¿Por qué debería usar un medidor de luz? Cuando más tarde en Photoshop o Lightroom, lo cambio todo y uso presets, y los colores se ven totalmente diferentes Bueno, ese es el truco. Cuando creas un preset, estás creando muchas acciones diferentes que son, bueno, literalmente ejecutadas en una imagen. Si esa imagen no es 100% correcta, digamos que tu color está ligeramente apagado, tu temperatura de color está ligeramente apagada, tu exposición está ligeramente apagada, entonces ese preset te dará un resultado totalmente diferente una imagen donde todo esté expuesto correctamente. Y es por eso que cuando quieres usar presets, es vital usar un medidor de luz y un verificador de color Las imágenes que entren se verán muy aburridas. Se verán todos exactamente iguales, muy estériles. Pero también significa que si tu cliente quiere colores perfectos, solo puedes hacer tus ajustes con tu contraste. Puedes hacer tu afilar. Puedes crear una viñeta o recortar o hacer el retoque de la piel y entregar esas imágenes a tu cliente, y tendrás Pero si quieres ejecutar preset, bueno, ese es el truco. Si usas el medidor de luz en el verificador de color, cada vez que ejecutas ese preset, el resultado será exactamente el mismo. Entonces, en esencia, acelerará mucho tu flujo de trabajo, pero también permitirá tomar imágenes del mismo aspecto bajo luz de tungsteno, luz fluorescente y afuera al sol. Pero creo que hablamos mucho teoría y de todas las cosas aburridas. Solo entremos al estudio y veamos qué podemos hacer con algunas configuraciones de iluminación adecuadas y nuestros modelos 5. CAPÍTULO 5 Trabajo con modelos: Bien, chicos, justo en el medio. Y esta es una de las partes con las que muchos fotógrafos luchan. Ahora, imparto muchos talleres. No lo he estado haciendo desde hace mucho tiempo. Y una de las cosas que siempre me llama es cómo los fotógrafos tratan a sus modelos. Muchos fotógrafos ni siquiera hablan con ellos modelos. Se llevan la cámara. Toman algunas imágenes, miran la parte de atrás, y a veces tienen una cara muy desagradable, como, Ooh, no me gusta esta imagen Y luego vuelven a disparar. ¿Qué tipo de idea crees que le da esto a tu modelo? Ahora, para tener una sesión de fotos adecuada y para asegurarte de obtener las imágenes que deseas, tu modelo tiene que estar a gusto. Y recuerda, igual que tú, a tu madre le encantan los cumplidos. Así que no le digas solo a tu modelo, esto parece una porquería. Esto no se ve bien. Oh, mi, esta pose es terrible. No, siempre sé positivo. Si no te gusta un tiro o no te gusta una pose, solo dices, eso es genial. Probemos otra cosa. Y cuando realmente te gusta algo, bueno, probablemente lo oirás en tu voz. Y la cosa es que no canses demasiado tu modelo. Uno de los trucos que siempre uso es tomar algunas imágenes, digamos diez o 20 imágenes solo para aflojar el modelo. Y a partir de ahí, sólo voy a seleccionar mi mejor imagen. Entonces digamos que tomo una imagen y me gusta mucho. Ese es el indicado. Después hago otros cinco disparos. Si en esos cinco tiros, hay uno que es mejor, hago otros cinco tiros. Y si en esas imágenes, hay una que es mejor, hago otras cinco tomas. Entuviste la idea, ¿verdad? Pero en cuanto tomo cinco tomas y no consigo una imagen que sea mejor, ese es el momento en el que me detengo. Y la razón es muy sencilla. Tu modelo no necesita diez tomas de una sola configuración. Por lo que sólo necesita uno o dos. Tres cuartas partes, retrato, cuerpo completo o lo que quieras hacer, claro. Y la forma en que trabajas cuando mantienes alto el nivel de energía es esa, puedes hacer más sets al día, pero dos, mantienes alto el nivel de energía. Entonces tu modelo está totalmente bombeado. Entonces ve las imágenes, y después de 5 minutos, bueno, entra en maquillaje y cámbiate. Guau, ¿ya terminé? Sí, ya terminaste. ¿Te gustan las imágenes? A mí me encantan. Bien, el siguiente set. Y de esa manera, mantienes el nivel de energía muy alto. El mayor problema en una sesión de fotos es cuando el nivel de energía baja, o si no hay una comunicación adecuada entre tú y tu modelo. Y la comunicación empieza ya con el correo electrónico. Asegúrate de que cuando planifiques tu sesión de fotos, tengas un mood board En otras palabras, sabes lo que quiere tu cliente o tú modelas, y sabes exactamente cómo configurar tu iluminación. Esto significa que no hay estrés para ti, y eso también significa que no hay estrés para el modelo. Ahora en cuanto entre el modelo, no empieces a disparar de inmediato. Siéntate, dale algo de beber, asegúrate de que su música favorita esté sonando en el estudio, y simplemente relájate. Una sesión de fotos es 90% relajante, 10% de trabajo. Bueno, así debería ser para la modelo. Para ti como fotógrafo, es 110% trabajando para asegurarte de que parece que estás 90% relajante, porque cuanto más relajado estés, mejor será la sesión de fotos Entonces, eso es un poco intermedio sobre trabajar con tus modelos. Continuemos con nuestras sesiones de fotos. 6. CAPÍTULO 6 Diferentes softboxes Caballos para cursos: Bien, ahora, esta configuración podría ser una de mis configuraciones favoritas. Y, oye, soy holandés, ¿ verdad? Rembrandt Ahora, la iluminación de Rembrandt es realmente interesante. Ahora, cuando empiezas con la fotografía, una de las cosas que pueden o no ser las primeras cosas que intentas es en realidad la iluminación de Rembrandt El motivo es muy sencillo. Obtienes una gran imagen de alto contraste, y simplemente se ve absolutamente hermosa. El truco de la iluminación de Rembrandt es asegurarse de que se obtiene ese triángulo realmente bonito sobre la nariz ¿Y cómo logras eso? Bueno, la luz tiene que venir de atrás. Entonces tiene que simplemente envolver un poco alrededor de tu modelo. Entonces un lado estará muy oscuro y un lado será realmente brillante. Ahora bien, el principal problema con la configuración de la luz como esta es porque estás colocando tu softbox detrás tu modelo apuntando un poco hacia adelante, eso significa que no hay luz que golpee tu telón Ahora, en algunos casos, no quieres que la luz golpee tu telón de fondo. Te gusta ese bonito telón de fondo oscuro. A lo mejor te gusta el negro. Pero en algunos casos, sí quieres luz en el telón de fondo. Una de las muchas soluciones es, por supuesto, usar una fuente de luz separada en su telón de fondo. Por ejemplo, un snoot o un reflector, tal vez agregue algo de color en su telón Pero, ¿y si no tienes suficientes cajas blandas para eso y aún quieres iluminar tu telón de fondo? Es por ello que estamos utilizando para esta configuración, la llamada softbox Lantern Ahora bien, la diferencia entre una softbox normal y una linterna es, bueno, claramente visible Un sof boox normal simplemente emite la luz desde el frente. Puedes usar una cuadrícula, por supuesto, para estrechar ese haz de luz. Pero una linterna no sólo emite la luz desde el frente, sino que también emite la luz desde un lado Se podría decir que es un poco como una fuente de luz omnidireccional, excepto que no emite la luz hacia atrás pero bueno, no necesitamos ese derecho Ahora, la gran ventaja es que aún puedo encender mi modelo con la caja sof Y en este caso, en realidad el lado de la luz porque esa es buena calidad suave. La luz principal simplemente se derrama , así que no necesitamos eso. Y debido a que tenemos un material translúcido, también en el costado de la caja de sof, también iluminará el telón Ahora, con la primera imagen que vamos a tomar, no vamos a usar la tira de luz del lado derecho. Y te vamos a mostrar cómo eso se traduce de nuevo en la sesión de fotos Y como pueden ver, sin esa tira de luz, sí, se ve un poco oscura. Entonces queremos agregar algo extra en ese lado. Ahora, la tira de luz que estamos usando de la parte posterior de nuestro modelo apuntaba hacia adelante. La razón de esto es en realidad bastante simple. No queremos dos fuentes de luz de cada lado porque entonces perdemos ese contraste en nuestra imagen. Lo que queremos es un poco de acento. Siempre lo llamo un beso de luz. Solo queríamos envolver la línea de la mandíbula de la modelo o en este caso, la ropa de la modelo. Entonces vamos a encender la tira de luz, y vamos a hacer algunas imágenes con eso. Ahora como puedes ver con la tira de luz con mucha más definición en ese lado sombrío de nuestro modelo Ahora, la linterna enciende el telón de fondo y enciende el modelo. Lo que no hace la linterna es dar ninguna dirección a la luz de nuestro telón de fondo. En otras palabras, simplemente ilumina el telón de fondo, y por supuesto, tienes tu luz caída en la parte posterior, pero simplemente ilumina el telón de fondo de una manera muy pareja. Entonces es por eso que, por supuesto, para la próxima configuración, vamos a cambiar la linterna por un auto boox normal Se podría decir caja de auto normal. Sí, un saf boox de tamaño mediano con rejilla. Y veamos qué impacto tiene eso en nuestro telón de fondo. Bien, cambiamos la linterna por una soabox de tamaño mediano con rejilla Ahora, la cuadrícula se asegura de que enfoque mi luz solo en mi modelo. Y eso significa que con una configuración como esta, no hay luz que golpee tu telón de fondo. Eso lo vas a ver en un segundo. Así que elegir el modificador adecuado para tu sesión es increíblemente importante. Por ejemplo, si miras la linterna, ya sabes que es genial para, por ejemplo, fotografía de recién nacidos, fotografía de producto o fotografía de moda donde quieres tu luz en tu modelo, pero también quieres llenar las sombras. Como, por ejemplo, si tienes un conjunto grande elaborado, la linterna es genial para usar algunas paradas bajo tu luz principal para simplemente iluminar el conjunto. Habrá un capítulo en el que en realidad vamos a mostrarte esto, también. Pero por ahora, cambiamos el farol por un sof boox de tamaño mediano con una rejilla Ahora, la grilla ya canaliza mucho la luz, pero también con una softbox normal, no tienes ese material translúcido en el lateral Entonces eso significa que con una configuración como esta para Rembrandt, no hay luz que golpee el telón de fondo en absoluto Si eso es lo que te gusta, esta es la configuración perfecta. Para mí, el telón de fondo es un poco demasiado oscuro, pero vamos a resolver eso con nuestra tira de luz en un momento. Entonces primero, tomemos una foto solo con la softbox. Ahora como pueden ver, eso es bastante oscuro en nuestro telón de fondo. Ahora, digamos que queremos abrir las sombras solo un poco del otro lado. Y recuerda, ahí es donde usamos la tira de luz. Entonces, al usar la tira de luz, estamos abriendo ese lado un poco, como puedes ver en estas imágenes. Pero, ¿y si también quieres un poco más de luz en nuestro telón de fondo? Aquí es donde realmente puedes usar la grilla a su máximo potencial. Ahora bien, si miras la tira de luz con la rejilla, en realidad puedes ver que es de forma rectangular. Entonces eso quiere decir que no es muy blanco, pero es muy alto. Para que puedas encender el modelo de arriba a abajo sin tener ningún derrame en el costado Pero, ¿y si, como en este caso, sólo queremos retratos o tres cuartos? No necesitas toda la longitud de esa tira de luz. Entonces eso también significa que si quieres un poco de luz en tu telón de fondo, puedes usar la cuadrícula y la tira de luz para apuntar literalmente tu luz perfectamente. Vamos a cambiar la tira de luz de vertical a ligeramente horizontal, iluminar nuestro modelo y nuestro telón de fondo con una sola fuente de luz. Va a ser totalmente diferente la linterna, pero eso es lo genial. Puedes hacer ambas cosas en tu estudio fotográfico, y tienes muchas opciones diferentes para la iluminación, dependiendo de lo que quiera tu cliente. Ahora como puedes ver la tira de luz es una parte muy importante en esta sesión de fotos La luz principal, por supuesto, puedes usar omnidireccional para iluminar también el telón de fondo, pero esa tira de luz que puedes usar no en tu telón de fondo o inclinándola ligeramente para iluminar también tu Por eso probablemente la tira de luz, incluyendo la rejilla es uno de mis modificadores favoritos para la iluminación de acento, pero también para la iluminación principal, si de verdad quieres llamar la atención sobre tu modelo 7. CAPÍTULO 8 Trabajar con geles y obtener luz blanca: Bien, chicos, ahora, como se menciona en la introducción, color consiste en tres colores para nuestros colores primarios, rojo, verde y azul Ahora, esos son los colores que también encontrarás en Photoshop en tus canales, tus canales rojo, verde y azul. Este es también el color que utilizan, por ejemplo, proyectores y monitores Ahora, los colores mismos interactúan entre sí. Entonces eso significa que si combinas rojo, verde y azul, obtienes blanco. Así es como funciona todo el balance de grises, ¿verdad? Mezclas rojo, verde y azul para crear blanco. Pero, ¿qué pasa si usas color con geles? Ahora, déjame mostrarte una imagen. Como puedes ver aquí, el cielo es magenta, pero el modelo luce natural. ¿Cómo carajo hicimos esto? Bueno, en realidad estamos usando un truco muy, muy simple. Al usar un gel verde en nuestros trazos, realidad estamos filmando a nuestro modelo como ranas Kermit Es totalmente verde. Pero al seleccionar ese verde como nuevo punto blanco, en realidad estamos bajando todos los demás colores. Entonces, por ejemplo, el blanco en el cielo hacia el magenta. Muy sencillo. Simplemente lo bajas. También puedes hacer esto con azul, por ejemplo, para crear un bonito uso del amarillo, por ejemplo, en un hotel, cuando quieres que entre agradable luz dorada. Pero y si no lo hacemos con un solo color, pero lo hacemos con los tres. Entonces, cuando combinamos rojo, verde y azul, deberías tener blanco. Y de esto se trata esta configuración. Estamos teniendo un trazo a nuestra izquierda con un gel rojo. Tenemos un trazo a nuestra derecha con un gel azul. Ahora bien, esos dos combinados no te dan una imagen de aspecto natural. Simplemente te dan una imagen azul y roja, lo cual está bien. Pero en este estrope estoy usando un snoot y detrás del snoot hay un Entonces eso significa que estoy filmando con los tres colores primarios, rojo, verde y azul. Eso también significa que donde esos colores interactúan, comenzarán a mezclarse entre sí. Y por eso el snoot está en la cara un poco más alto que los otros colores Ahora, el verde ya es un color muy, muy fuerte. Vemos verde 66%, 22% rojo y 11% azul. Entonces hay que tener cuidado a la hora de mezclar esto. No uses un medidor de luz para esto. Sólo hazlo a ojo. Puedes usar un medidor de luz, pero es mucho más fácil crearlo a simple vista porque a veces no quieres la mezcla perfecta. Quieres looks un poco más creativos en tus imágenes. Y en realidad es exactamente lo que estamos haciendo aquí. Entonces no estoy usando un medidor de luz. Primero configuré el rojo, luego configuré el azul, y luego estamos agregando este. Entonces déjame primero mostrarte cómo se ve con solo rojo y azul. Ahora como puedes ver, es interesante, pero es rojo y azul, ¿verdad? No vemos un modelo. Ahora, solo enciende el verde y mira esto. Ahora como se puede ver, ahora la imagen viene mucho más a la vida. Y el verde para mí personalmente, no es un color que usaría como acento o que usaría como color principal por la razón muy sencilla. Tenemos varias conexiones diferentes con los colores. Por ejemplo, si pensamos en rojo y azul, siempre tenemos emociones con rojo y azul. Por ejemplo, el azul es distante llamado la incertidumbre futura. Pero, por ejemplo, el rojo es odio, amor. Oye, esos dos ya son interesantes, ¿verdad? Odio y ama ambos juntos en un solo color, pero también peligro, calidez. Rojo y azul son lo que llamamos los colores emocionales. Verde, no tengo ninguna conexión con el verde, para ser sinceros. Así que el verde es más un color que no me da ninguna emoción. Entonces en mi fotografía, no uso mucho el verde. No obstante, si quiero manipular los colores, entonces el verde se vuelve muy vital porque en el triángulo de color, verde está en realidad encima del triángulo. Entonces eso significa que, en cuanto empiezas a usar el verde, realmente empiezas a notar la atención porque no puedes moverte por el verde. Lo verás. Entonces, al usar verde en esta configuración, estoy, por supuesto, creando luz verde, pero también estoy creando pequeñas chispas de luz blanca. Y eso es con trazos de árbol, At Gelt. ¿No es genial jugar con eso? Piensa en todas las posibilidades que tienes cuando empiezas a mezclar esto en sombras sobre tu tema o como lo hacemos aquí, para crear cierto estado de ánimo en tus imágenes. Entonces comencemos a disparar y vamos crear algunas tomas geniales con tres colores, lo que en realidad crea luz blanca en el medio. 8. CAPÍTULO 7 Softbox mediano con cuadrícula y acento: Oigan, chicos, echemos un vistazo a esta imagen de Kiara. ¿No es hermoso? Ahora bien, ¿no te encanta esa suave luz azul de un lado, solo dándole un poco de acento? Bueno, en realidad, esta configuración de iluminación tiene un truco. Lo que voy a explicarles ahora chicos. Ahora, es mi fuente de luz principal. Estoy usando una softbox de tamaño mediano con una cuadrícula. En este caso, lo estamos usando ligeramente frente a nuestro modelo, así que también estamos golpeando el telón de fondo, así que no necesitamos un letern para esto En este caso, literalmente podemos apuntar esa luz directamente sobre nuestro modelo y también iluminar un poco el telón de fondo. Pero no quería usar una luz blanca normal de lado para darle un acento. Quería darle un poco de tinte extra al color. Ahora, en el pasado, con mi viejo sistema de trazos, podría, por supuesto, usar geles. Pero la mayor parte del tiempo estaba limitado por usar geles en reflectores Y eso significó principalmente que, bueno, obtuve una calidad de luz muy dura. Si quiero usar geles en una soffbox solo había una opción Simplemente gelifica todo el soffbx porque por dentro, no pude colocar ningún gel debido a la luz de modelado, y, por supuesto, el tubo de carne emitiendo demasiado calor Ahora, con nuestro nuevo sistema, los gecotos, ahora estamos usando stropes híbridos y eso tiene una gran ventaja porque cuando miro mi estrope híbrido, ahora tengo vidrio en la parte delantera, y esto significa que ahora puedo usar, por ejemplo, nuestro sistema magnético de Rogue con un gel azul y simplemente colocarlo frente a mi estrope y ahora como pueden ver en esta ahora estamos usando stropes híbridos y eso tiene una gran ventaja porque cuando miro mi estrope híbrido, ahora tengo vidrio en la parte delantera, y esto significa que ahora puedo usar, por ejemplo, nuestro sistema magnético de Rogue con un gel azul y simplemente colocarlo frente a mi estrope y ahora como pueden ver en esta configuración, estoy usando un adaptador. En mi stand, el estropo está montado dentro de ese adaptador, y en el adaptador, ahora puedo usar cualquier softbox o modificador montado en huesos Entonces eso significa que ahora puedo teñir cada modificador que quiera. Así que ya no estoy limitado a esa dura calidad de luz. Ahora puedo usar cajas blandas grandes y teñirlas desde el interior, lo que te da una calidad de luz mucho más hermosa. Y si aún quieres esa dura calidad de luz para, por ejemplo, destellos de lente, eso es, por supuesto, cuando usas un reflector abierto O simplemente no hay softbox en absoluto. Entonces echemos un vistazo al resultado final de esta imagen y más adelante en el video. También te voy a mostrar lo que puedes hacer con cajas blandas, color, y como combinarlas todas para algo realmente genial. Pero comencemos simples con solo agregar una calidad de luz muy suave en el lateral en nuestro modelo Kiara 9. CAPÍTULO 9 Armonizando todo: Oigan, chicos, entonces, qué pasa cuando todo se junta y realmente están empezando a pensar no solo en su imagen con una sola luz, sino que en realidad están empezando a pensar en capas. Ahora, pensar en capas puede sonar un poco complicado, pero tengan paciencia conmigo, no lo es. En realidad es bastante simple. Entonces tomemos, por ejemplo, esta imagen de Nadine Sí. Bueno, se ve muy complicado, y en esencia, es bastante complicado, pero déjame guiarte a través de él. Ahora, esto fue filmado durante nuestro evento de moda, y como puedes ver aquí, comenzamos con dos sillas, y a partir de ahí, Nadine en realidad, junto con los asistentes, construimos un conjunto completo con muchos vestidos Ahora, la idea era crear un Fénix saliendo de las cenizas y con mucho fuego. Ahora, claro, no queremos ningún incendio en nuestro estudio, y realmente no quiero usarlo en Photoshop, aunque, Bien, déjame mostrarte muy rápidamente lo que hicimos con una imagen AI. No es algo de lo que esté realmente orgulloso, pero, oye, solo lo hicimos por diversión. Así que sigamos con el resto de nuestro set. Ahora, en cuanto nuestros ANDs construyen el set, hay algunas cosas que hay que tener en cuenta. Lo primero, claro, es ¿desde qué ángulo voy a disparar? Si estoy disparando demasiado bajo, no veo todo el hermoso trabajo que pusieron en este gran vestido y conjunto. Cuando disparo desde muy alto, puede que no consiga esa pose de héroe. Entonces tengo que asegurarme de encontrar una posición para disparar desde un ángulo agradable. Y creo que al final, terminamos ligeramente por debajo de su ángulo de visión normal. Esto también se debe a que Nadine, por supuesto, está bastante arriba en esta configuración Ahora, claro, Phoenix, así que eso significaba fuego. Bueno, de qué color es mejor para conseguir fuego el rojo, claro. Así que inmediatamente supe que esta configuración queríamos hacer algo con luces rojas. Pero cuando hablamos de Phoenix, también queremos fumar, claro. Entonces ya sabíamos que queríamos usar máquinas de humo. Y ¿cuál es la mejor combinación para obtener fuego por humo rojo y destellos de lentes Sí. Así que configura todo así y luego asegúrate de que tu modelo salte. Entonces, ¿cómo se configura la configuración de la luz? Bueno, claro, nuestra primera luz que tenemos que asegurarnos es nuestra principal fuente de luz. Y en este caso, eso es un poco complicado. Porque quiero asegurarme de que todo el conjunto esté encendido y vea todo el detalle en los vestidos, tengo que asegurarme de que uso una fuente de luz que sea un poco omnidireccional, pero que no tenga suficiente potencia para iluminar también nuestro modelo En otras palabras, son los deslizadores de sombra en sala de luz. Y tenemos el soffbx perfecto para esto, y esa es la linterna Ahora la linterna es una especie de fuente de luz omnidireccional Se diferencia de una softbox porque no solo emite la luz directamente desde el frente, sino que también emite luces desde un lado Y en este caso, eso es increíble porque como puedes ver en el video, lo estoy apuntando un poco lejos de Nadine Nadine sigue siendo golpeada, claro, por la fuente de luz omnidireccional, pero la mayor parte de la luz en realidad va dirigida hacia la parte delantera del set con el vestido porque sé que todas las demás fuentes de luz vendrán de atrás porque queremos asegurarnos que nuestro humo aparezca y luego fume, de que nuestro humo aparezca y luego fume, claro, tenemos que iluminar por la causa posterior si la iluminas desde el frente, simplemente te da, bueno, una señorita bancaria, y no queremos eso, claro. Entonces al abrir las sombras, ya obtuve una imagen donde puedo ver todo el detalle. El modelo estaba muy subexpuesto, claro. Ahora, para nuestro rojo, estoy usando un rojo muy, muy brillante en el lado derecho de la imagen sin otras cajas blandas. Entonces eso significa solo el gel recto en nuestro GT 400 de Gigoto Y eso quiere decir que esa me va a dar una dura calidad de luz. No está dirigido directamente a nuestro modelo, sino en realidad directo a mi cámara. El motivo de esto es muy sencillo. Si miras las fuentes de luz, todas se comportan aproximadamente igual. El centro de la luz será muy brillante pero también muy duro. Cuanto más vayas a los lados de la luz, la salida bajará, pero la calidad de la luz será más suave. Entonces es por eso que con fuentes de luz duras y especialmente con geles, apuntamos el punto caliente de la luz exactamente a mi lente para que obtengamos toda esa calidad de luz directamente en la lente, toda esa potencia para crear el brillo de la lente, y los lados de la luz solo darán un beso de luz a mi modelo como luz de acento. Ahora, por otro lado, queríamos algo un poco más suave. Entonces de ese lado, estoy usando un gecotostrope con gel rojo de pícaro y una tira de Así que estamos usando el gel detrás de la tira de luz, creando una hermosa calidad suave de color rojo. Ahora, la linterna, claro, ya me muestra todo el detalle en el vestido. Lo único con lo que estaba luchando es con cómo conseguir que tu modelo salte. Ahora, mucha gente va a ir como, Oye, puedes hacer eso en Photoshop, ¿verdad? Sí, puedes hacer muchas cosas en Photoshop. No me malinterpretes, pero no quieres hacer todo en Photoshop. Es mucho más satisfactorio que hacerlo en el set. Y además, simplemente se ve mucho mejor si lo haces en el set. Entonces, ¿cuál es el truco en esta configuración? Si quieres asegurarte de que tu modelo salte, asegúrate de que haya luz en tu modelo, justo, exactamente en el lugar donde lo quieras. Ahora bien, si filmamos toda esta imagen sin esa fuente de luz extra que te voy a presentar en un segundo, se ve muy aburrida. No hay suficiente luz en nuestro modelo. Ahora, no quiero luz sobre todo mi modelo. Yo sólo lo quiero en la cara de la modelo, tal vez un poco en el pecho. Y por eso necesitamos una fuente de luz que pueda enfocarse realmente, realmente precisa. Esa fuente de luz, señoras y señores, es, por supuesto, un fisgón. Ahora bien, el snoot es una fuente de luz que a menudo se ignora ya que es demasiado dura. Es demasiado pequeño, y mucha gente no lo usa excepto tal vez para fotografía de producto. Pero para la fotografía de modelos, crea una manera hermosa de simplemente darle un acento al rostro de tu modelo o a cualquier otra parte del cuerpo que quieras acentuar. Entonces, ¿cómo funciona? Ahora, en este caso, estoy usando un Gekota GT 200. Ahora bien, la razón por la que estoy usando esta es en realidad el doble. Ahora, cuando miras el estropo en el frente, es un estrope rectangular Ahora, cuando miramos al GT 250, eso es un estrope redondo Ahora, tal vez te preguntes como, Oye, ¿por qué hablas de rectangular y redonda? ¿Cuál es la diferencia entre esos dos? La diferencia es muy sencilla. Cuando usamos un snoot en este caso, estoy usando el snoot plegable pícaro la cosa es que si quieres una imagen redonda en tu modelo, entonces quieres luz redonda, entonces quieres luz redonda, usas un panel de difusión en la parte posterior del Y esto también está, claro, incluido en la caja de un fisgón como este Pero si sacas el panel de difusión y lo colocas en un estrope rectangular, realidad estás obteniendo una fuente de luz rectangular Esto es increíble porque ahora cuando tengo una fuente de luz rectangular, no tengo que preocuparme por la redondez de ese trazo decir, no tengo que apuntarlo hacia arriba para asegurarme de que solo se encienda la cara y no demasiado del pecho. Al usarlo como fuente de luz rectangular, ahora puedo literalmente apuntar mi luz perfectamente a mi modelo. Otra gran ventaja de un snoot plegable es que literalmente puedes ir blanco, un poco menos blanco, un poco menos blanco, y, por supuesto, un muy, muy estrecho Y creo en este caso, terminamos configurando dos para asegurarnos de que nuestro modelo estuviera bien iluminado. Ahora, al final, lo único que tienes que hacer es asegurarte de que todo esté bien equilibrado. Ahora, puedes hacer esto con un medidor de luz o simplemente puedes hacerlo a simple vista. Y tengo que ser totalmente honesto con ustedes. Me encanta usar un medidor de luz para conseguir todo perfecto. Pero en este caso, solo es cuestión de asegurarse de que todo quede genial. Entonces eso significa que mi principal fuente de luz, es decir, el snoot que hice medidor con un medidor de luz, pero todo lo demás, estamos filmando tetered Sólo estoy mirando mi pantalla. ¿Me gusta mucho este detalle, sí o no? ¿Me gusta este color ahí? ¿Me gusta el destello de lente? ¿Sí o no? Así es como construyes un set como este. Entonces cuando haces un retrato, claro, todo es el medidor de luz y el corrector de color, y lo mantienes lo más perfecto posible. Pero cuando haces una toma como esta, eso es más creativo. Tienes que asegurarte, claro, de que la cara del modelo esté perfectamente iluminada, y luego simplemente construyes todo la manera que lo veas. A veces llamo a esto cocinar con luz. A veces necesitas un poco más y a veces necesitas un poco menos. Esa es la parte divertida de la fotografía, ¿verdad? Empiezas con un lienzo negro y solo puedes construirlo a todo lo que quieras. Bien, echemos un vistazo a un primer plano de esta toma. Ahí vas. Y, claro, bueno, alejemos un poco. Y luego cuando se agrega un poco de efectos especiales extra en bore como afijo, y lo único que en realidad agregué aquí fue una viñeta y un ligero reflejo Entonces a eso lo llamamos un simulador de partículas, se puede ver en la imagen. No lo cambiamos mucho del original, pero como puedes ver aquí, agregar esos pequeños elementos realmente hará que una imagen salte. Y si ya es genial en cámara, solo necesitas un poco más tarde en Photoshop para que sea realmente de cero a héroe o de o a Wow. A 10. CAPÍTULO 10 Final: Casi termino mi trago, y eso significa que también casi termino este video. Ahora, espero que entiendas que tomar fotos de modelos es mucho más que una chica guapa frente a una cámara o en otras palabras, frente a un gran telón de fondo. Fotografiar modelos se trata de la comunicación con tu modelo Se trata de asegurarse de que el estilo sea correcto, asegurándose de encontrar el telón de fondo adecuado con el estilo que desea. O en otras palabras, qué tipo de ánimo quieres presentar a tu espectador. A veces necesitas imágenes que sean 100% perfectas. Aquí es donde se utiliza, por ejemplo, un corrector de color y un medidor de luz. Por ejemplo, para un CEO o retrato o tal vez alguna ropa que quieras vender en línea, tienes que asegurarte de que los colores sean 100% perfectos. Pero a veces también quieres mucho más. Piensa en filmar una obra de cos. Bueno, no lo necesitas perfecto, ¿verdad? Quieres algún efecto funky. Quieres fuego. Quieres fumar. Quieres colores. Quieres destellos de lentes. Quieres todo lo que no sea realista. Este es el poder de la fotografía. Nosotros como fotógrafos somos narradores. Enmarcamos literalmente piezas de historia que nunca vuelven a volver. Pero también podemos crear diferentes estados de ánimo. Podemos crear diferentes atmósferas, y podemos crear mundos totalmente diferentes, especialmente ahora con inteligencia artificial Así que tú como fotógrafo, puedes jugar junto con tu iluminación, con tus fondos y tus modelos, pero recuerda siempre que no hay limitaciones La única limitación es lo que crees que puedes hacer con el equipo que usas. Y créeme, incluso con tu smartphone y solo una pequeña fuente de luz, puedes crear bellas imágenes. Espero que hayan disfrutado este video y toda la información que compartí. Si tiene alguna pregunta, no dude comunicarse con nosotros a través de las redes sociales. Siempre tratamos de responder dentro de las 24 horas. Gracias, cuánto y seguir filmando y mantente creativo como si.