Transcripciones
1. Introducción: Como fotógrafo de zona de conflicto, definitivamente
he sido lesionado antes, he
estado en número de bombardeos, me han disparado, me han golpeado, me han volado, me han apuñalado. He sido atropellado por un auto, definitivamente he tenido el gambito de las lesiones y he estado en alguna situación bastante peluda. llamo Benjamin Lowy, soy fotógrafo con sede en Nueva York,
fotografío una variedad de cosas ya sea desde zonas de conflicto, características, deportes, hasta mí todo se trata de hacer imágenes y contar historias porque siempre hay un nueva forma de ver el mundo. Siempre hay algo que no has visto esto también es sólo en tu propia vida, en mi propia casa, siempre hay alguna manera en que no fotografié algo, algo que no vi hasta ese punto. Eso es lo que es la vida, es experimentar cosas. La fotografía es sólo grabar esas experiencias, cada día es algo nuevo. Entonces, hoy hablaremos de algunos de los equipos que puedes usar, algunas de las opciones sobre por qué usarías parte del equipo sobre otros equipos, pero en última instancia estamos hablando de compensación y hablando enfoque cuando empiezas a tomar una imagen y empiezas a bosquejar y empiezas tipo de construirla para que no estés tomando la imagen, estás haciendo la imagen. Me metí en la fotografía en realidad porque era una muy mala ilustradora, fui a la escuela para ser ilustradora y en realidad me lo
chupé y empecé a hacer fotografía para poder trazar lo que fotografié en mis dibujos y yo solo quería ser mejor fotógrafo por eso y descubrí el fotoperiodismo. A través de eso y una librería arco y tipo de cambio mi vida y me tomé un tiempo libre para enseñarme fotoperiodismo y eso es todo en pocas palabras. Esta clase está dirigida a ser una experiencia de aprendizaje, no
quiero que pienses que tienes que crear un show de galería, tu próximo proyecto de libro, o esto es lo que vas a entrar en un editor de fotos para aterrizar tu gran trabajo provocado. Esta es una experiencia de aprendizaje donde empujas el sobre de lo que has hecho antes y haces algo nuevo y aprendes un poco eso por ti mismo sobre tu acercamiento a la fotografía y tu acercamiento a las personas con las que te sientes cómodo. Sabes que todos los días veo la luz de una manera diferente, porque todavía me siento fresca. Todavía se siente como si estuviera descubriendo algo y haciendo algo y eso es en última instancia lo más importante.
2. Tu proyecto: La mayoría de la fotografía funciona realmente bien en el cliché. Quieres mostrarle a la gente algo que han visto antes, y luego quieres presentarle algo nuevo. Es así como comienzas a desarrollar tus estilos, es introduciéndote en él, pero en última instancia la fotografía
funciona, es superficial en general. Porque eso es lo que hay frente a ti, es lo que es. No te estás volviendo más profundo que eso. Entonces, ¿cómo le muestras a la gente lo que esperan ver? Algo que pueden digerir fácilmente, eso no es súper complejo, pero que les muestra de una manera nueva. A veces es un ángulo, a veces es una composición, a veces es una ilusión óptica, reflexiones lo que sea. Todas son formas diferentes de fotografiar. En lugar de fotografiar un edificio, fotografias el reflejo del edificio. Es igual que ¿cómo puedes presentar al mundo de una manera que la gente lo pueda entender, pero también que exhiba tu propio corazón? Porque esa es la parte más importante, y esa es prácticamente la diferencia entre tomar una foto y hacer una foto, porque cuando tomas una foto, solo la estás tomando. Está justo ahí frente a ti. Cuando haces una foto la estás construyendo y
te estás poniendo un poco de ti mismo en la forma de arte. Poner un poco de tu alma y eso es una gran diferencia entre los dos, entre lo que realmente estás pensando cuando comienzas a hacer fotografía. Cuando intentas llevarlo a otro nivel de esto, “Oh, sólo estoy fotografiando a mis hijos”. Porque incluso fotografio a mis hijos o es así, “estoy tratando de fotografiar a mis hijos de una manera que nadie los había visto antes”. Creo que cuando sí tienes control creativo puedes conseguir el desenfoque de la gente que entra y sale de un tren, hay un montón de cosas diferentes. Creo que no es que vayas a crear un magnum del sol en la ciudad de Nueva York o algo así. Ya lo ha hecho antes mucha gente como, Bruce Davidson, Christo Claude, han hecho realmente un gran trabajo en el metro. Quienes han pasado años haciéndolo y que aún digo es idealmente, quiere bajar a la nitty gritty como idea entre un ensayo, un ensayo fotográfico y una historia fotográfica. Un cuento fotográfico, es punto A a B. Bob va a trabajar, tiene almuerzo, va a casa, va al gimnasio, se va a la cama. Un día en la vida de Bob. Eso es historia fotográfica, es muy lineal, y ensayo fotográfico ser un poco más esotérico. Un poco más viajando, es todo que usando una flecha para crear movimiento, no necesita ser clavado abajo por el punto A al punto B o por el tiempo. Entonces, si vas a hacer un día en la vida del metro
del médico capacitado mientras se levanta y va a lo largo de este día hasta que termine, esa es una historia fotográfica. Si estás hablando de esto es el metro de la ciudad de Nueva York, no importa si la primera foto que tomaste muestra menos o la tomaste durante unos meses y no hay un tema, excepto cuando editas las fotos y las pones juntos se crea una narrativa que es evocadora a través de la composición de las imágenes debido a que estamos teniendo juego entre sí a través de, la
luz, la oscuridad, y la composición, son todo una forma en la que se pueden crear imágenes. Entonces tienes un total y el detalle, tiro medio tierra. Te das cuenta de cómo crean una resonancia emocional que va por toda la narrativa y eso es más ensayístico. Cuando me meto en el metro en hora punta y están como 10 manos en el bar, ya le han disparado antes de un millón de veces, pero para mí es increíblemente evocador. Dice una multitud en un vagón del metro. Algunas cosas son cliché por una razón porque funcionan. [ inaudible] de qué otra manera lo vamos a decir. Sí, es la verdad, pero ¿así? Eso me encantaría. Si tan solo pudiera hacer una serie de fotos de estas manos en agujeros de
metro alrededor del mundo lo haría. Entonces, aquí es chicos para esta asignación en particular, te vas a encerrar en un solo lugar como el metro de la ciudad de Nueva York, o cualquier otro auto o habitación del metro, y tratar de llegar a una variedad de imágenes diferentes que narren una historia de este lugar.
3. Composición: A veces podría ser un espacio. Entonces, soy un gran fan del espacio negativo, así que estoy viendo tal vez sea solo el elevador o una pared. Entonces, como aquí, digamos en el metro, tienes los ejes donde los trabajadores de servicios públicos pueden pararse ahí dentro. ¿ Quiero que su cabeza esté en la mitad o la queremos en todo? Entonces, es más como a veces empezaré con el espacio mismo y luego esperaré a que la gente se mueva al espacio. O a veces veré a una persona después esperaré a ver qué hacen, y cómo se mueven, y dónde están parados. Entonces intentaré hacer esa foto. Entonces, realmente hay dos enfoques para componer con el espacio o esperar a que la gente [inaudible] en el espacio. Creo que mi estilo cambia. Creo que esa es mi tarjeta de presentación es que, al
menos a nivel profesional, adapto mi visión para trabajar con cualquier historia que esté cubriendo, y creo que eso es muy importante. Si solo hago constantemente lo
mismo una y otra vez entonces es repetitivo, la gente se aburre si lo hace. Pero si trato de dejar que cada cosa que estoy cubriendo me hable de
cierta manera y cambie mis visuales por ello y me adapto a ella, creo que es más de donde quiero ir, eso es más apropiado. Entonces, muchas de las cosas que a veces intento y hago son encontrar diferentes formas de componer una imagen. Marcos de ventanas. Una vez que estés listo, estoy en este espacio que quiero fotografiar pero luego puedes estar como, “¿Cómo puedo verlo de manera diferente a la forma en que lo estoy viendo ahora mismo?” Entonces, lo veo ahí dentro y al principio dibujé. Empecé a dispararle, y luego me di cuenta de que también puedo conseguir el reflejo del tren del metro en el cristal y el cielo detrás de mí. Entonces, meto el brazo y estoy usando esta viga cruzada para bloquear el reflejo de mí mismo y estoy cambiando la abertura más alto porque quiero más en foco. Entonces, entonces fui a F5. Yo mantengo el punto de enfoque en él pero ahora sé que voy a estar sacando más del fondo y luego ajuste mi exposición y estoy tratando de hacerme más pequeño y uso esa viga cruzada para bloquear mi reflejo. Entonces puedo conseguir el tren y la gente que pasa y ese tipo ahí. Cuando estaba en la universidad, vivía en un refugio para personas sin hogar y mi tesis de alto nivel era vivir en este refugio para personas sin hogar y fotografiar la vida dentro, y tengo esta única escena de estos tres tipos haciendo su colada. Fue esta trinidad perfecta, para mí, esta composición la que funcionó. Mi editora en ese momento, mi mentora, era esta fotógrafa del periódico Saint Louis y ella dice : “Esta es una maldita foto horrible porque tienes un árbol que crece por la parte posterior de la cabeza de este tipo y tienes un interruptor de luz siguiente hombro de este tipo, y no sólo está compuesto”. Fue como, “¿Cómo ves todas esas cosas en la cámara cuando estás disparando?” Ella es como, “Ya va a venir. En algún momento vas a ver cada elemento dentro del marco cuando dispares”. Quince años después, le digo : “Eso es lo mío”. Yo analmente compongo. No usaré imágenes si no están compuestas, si alguien no está perfectamente dentro del espacio que necesito que estén. Se puede empezar con líneas y rejillas y mantener a la gente dentro de las líneas y rejillas. Entonces, aquí mismo empecé un poco más alto y corté algunas de las líneas, y luego solo estoy moviendo mi punto de vista un poco más bajo y tratando de mantener las cosas dentro de los marcos. Entonces, podrías hacerlo como una forma de cuadrícula donde guardas las cosas, tienes el rectángulo dorado y la regla de tercios de cómo la gente compone imágenes. Plazas. Entonces, si estás pensando en Instagram. Instagram en realidad ha sido realmente exitoso, y el iPhone en general, pero está cambiando el lenguaje visual de muchas maneras porque estábamos acostumbrados a siempre, antemano, revistas a las que miramos así, la misma proporción de nuestros ojos, un rectángulo. Ahora, tenemos esto y cuando lo estamos sosteniendo cómodamente de esta manera, sólo funciona una plaza. Entonces, ahora, la gente está viendo en más plaza. Fue en el pasado, componiendo para una plaza que no hicimos. No recuerdo qué filósofo lo dijo, pero como Voltaire o alguien dijo, “la simetría es un refugio para la mente simple”, o algo así. Pero ahora eso es mucho de lo que estamos haciendo. La gente está viendo en plaza más que nunca y está haciendo una remontada. Desde hace mucho tiempo la gente no vio eso porque
no se publicó y la gran diferencia es que empecé con la foto, tengo la plaza, tengo al tipo ahí adentro y luego veo el cartel de emergencia detrás de mí y acaba de decir esmer-. Estaba cortando el resto sobre él, así que me muevo ligeramente. Entonces, una de las grandes razones por las que le digo a la gente que no usa cámaras de zoom. Usa una lente y en lugar de hacer zoom a la cámara, tú mismo deberías usar tus propios dos pies y moverte. Entonces, algunas personas tienen una lente de 50 milímetros o una lente de 35 milímetros y la gran diferencia entre ambos es como tres pasos. Obviamente, hay más que eso. Las imágenes se sienten un poco diferentes
cuando se dispara entre las dos y es realmente profundidad de campo pero en su mayor parte, sólo se
necesita una lente. Si estuviera en una isla desierta, tendría una cámara, una lente con lente de 35 milímetros. Eso es todo lo que realmente necesito. Creo que probablemente la mayoría de mis imágenes que he hecho son con una lente de 35 milímetros. Yo lo estoy mirando a través, estoy como, “Está bien. ¿ Funciona esto?” , y yo tomo la foto porque definitivamente soy el marco de la mente de como, “Toma la maldita foto aunque no esté enfocada, solo tómalo porque quizá no vuelva a suceder”. Pero tomaré esa primera foto y estaré como, “Eso no funciona. ¿ Puedo meter su cabeza en la plaza superior y al otro tipo en la plaza inferior?” Entonces lo voy a trabajar. Voy a pasar un poco y luego voy a cambiar un poco mi enfoque. Entonces, ahora, al principio me enfoqué en él atrás y luego cambié el plan de mi enfoque. Entonces, ¿lo conseguí al frente, al de atrás? Todo se trata de cambiar cosas diferentes y ver qué funciona. Soy un gran fan, una de las grandes influencias de mi trabajo es Alex Webb, Jill Pérez, y David Alan Harvey justo en el sentido -y supongo Steve McCurry- en cómo se componen y cómo se capa. El estratificación es muy importante para mí en cuanto a
construir la imagen y tener diferentes perspectivas de las personas. El elemento clave de cómo fotografío es que me gusta tener distintos elementos compositivos. Esas son mis capas. Entonces, en primer plano, medio, fondo, personas siendo elementos compositivos alrededor de otras personas, lo que implica movimiento. El grandioso de la fotografía callejera, fotografía
no configurada yo diría, es que estás tratando de captar la serendipia de la vida que ocurre en un instante y sin detenerla. Si puedes alinear todo perfectamente donde quieras, entonces ahí es donde lo sientes en tu corazón y en tu alma. Es como si hubiera logrado captar la vida de alguna manera, para mí de una manera estructurada composicionalmente, sin hacer nada, sin cambiarla, sin interrumpir su flujo, y me enorgullezco de eso. eso practico.
4. Sesión: Entonces, dos cosas buenas ahí. Una es cuando ves que algo lo toma, y luego, “Oh, ¿puedo acercarme un poco más? ¿ Puedo seguir adelante?” Porque siempre empezamos más atrás. Y dos es, yo siempre estoy así, porque estás en el metro y si simplemente no estás seguro de dónde carajo estás parado, tal vez te maten. Entonces, estoy aquí parado, y veo esto, y estoy como, “¿Dónde está mi cabeza. ¿ Dónde está todo lo demás que está pasando ahí?” Entonces, aquí hay una manera de pensar en la composición, tienes este espacio negativo del cielo. Yo siempre digo: “¿Y qué?” Cuando no tienes nada mejor que hacer. Pero aún dejar es una buena manera de aprender sobre el estratificación. Entonces, tienes todos estos postes, y todos estos travesaños. Todas estas cosas de matemáticas. Entonces se trata más de como, “Está bien, si me quedo aquí-” Obviamente, a ver por ti mismo, ¿verdad? Yo estoy como bien hay alguien por ahí, hay alguien aquí, hay un primer plano y un fondo y puedo empezar a arreglar un tiro, basado en la composición en la estructura misma, ahí es cuando comienzas la diferencia entre tomar un imagen y hacer una foto, mientras que simplemente no la estoy agarrando. No es un accidente automovilístico que acaba de pasar abajo, saco mi teléfono y me lo llevo. No, estoy pensando, estoy tratando de construir pero no lo estoy interrumpiendo. No estoy cambiando la serendipia de la vida, quiero capturarla, pero ahora quiero construir la imagen. Entonces ahí es donde bosquejo, así que empiezo, vale, lo estoy mirando. En lo que va así y lo veo, y estoy enfocado en el fondo. Quiero cambiar un poco mi exposición porque quiero
desdibujar el fondo para esconderme en una silueta. Entonces me voy a mudar porque tal vez no estoy metiendo a la gente en el encuadre correcto. Sí. A lo mejor tengo que dar un paso así, pero luego acabo de cortar a una mujer por la mitad con uno de los travesaños y ahora tengo que volver. Todo se trata de ver el espacio y averiguar cómo hacer una imagen. En ocasiones eso solo requiere estar ahí parado, si te vale la pena, y ahí es donde tienes que definir cuál es tu objetivo al hacer todo esto. ¿ Vale la pena que destaquen en el frío o la lluvia o el calor, y sólo trate de capturar esa imagen que viste en la parte posterior de la cabeza? Entonces es perfecto. Recuerdo que estuve en un rodaje para ESPN cubriendo último juego de
Brett Favre en Lambeau Field, en el Green Bay Packers. Y la mayoría de mis cámaras operan el autofoco presionando un botón en la parte posterior. En algún lugar alrededor del tercer trimestre
, eran 12 grados. En algún lugar alrededor del tercer trimestre, nada estaba enfocado. Yo estaba como, ¿qué carajo está pasando? Miré hacia abajo mi pulgar, en realidad era azul. Porque yo sólo estaba parado en ese lugar tratando de hacer foto, y mi pulgar en realidad se congeló en mi cámara. Yo le estaba diciendo que presionara el botón pero no estaba haciendo nada. Entonces, solo depende, ¿cuál es tu objetivo? ¿ Estás en camino al trabajo? Entonces, solo estás haciendo esto por diversión así que no importa. Para mí es como, vale, quiero asegurarme de que esta imagen funcione. Acabo de pasar suficiente tiempo, configurándolo en mi propia mente, ¿va a ser perfecto? Nunca nada lo es. Equipararía la tecnología de telefonía móvil de muchas maneras es una especie de ser como una holga digital. Holga es esta cámara de plástico de $20 que nunca
realmente obtienes algo totalmente preciso o exacto lo que salió de ella. Te darías una imagen, eso era algo interesante y mucha gente la usaba. Tengo un buen amigo mío, un fotógrafo, David Burnett, que en realidad lo usó en la Casa Blanca. En la Oficina Oval y mostró esa cámara. Entonces, cuando se tiene una cámara más robusta, cualquiera de estas cámaras; estos DSR, lo que sea invertido esto. Tengo mi obturador, tengo mi abertura, tengo mi ISO. Ahora, los tres que puedo combinar y ser como, vale,
me gustaría que una persona se quedara quieta, y un borrón de la humanidad pasara. Bueno, entonces tengo que tener una velocidad de obturación lenta. Puedo compensar bajando mi ISO o cambiando mi abertura. No tienes esa opción, en realidad, con esto. Quiero decir que hay algunas cosas que haces en un teléfono más nuevo. Tenemos algunas opciones en algunos de los teléfonos Android, sí
tienes esas opciones en Windows media. Pero es la calidad de imagen. Pero incluso eso, para ser honesto no hay
mucha diferencia entre los dos en este punto en cuanto a la tecnología. Se trata más de la calidad y la imagen real, tengo imágenes impresas desde el iPhone fácilmente de 40 pulgadas por 40 pulgadas. Acabo de imprimir en un papel de acuarela, algo con textura. Para que lo mantenga unido un poco, y a medida que te acercas termina pareciéndose a un Monet o George Seurat, y empieza a volverse inútil. Pero creo que cuando estás usando una cámara que tiene elementos de vidrio y una súper precisa, y luego probada, y tiene altos valores de ISO y alta velocidad de obturación. Si eres consciente de todo lo que puede hacer, y tienes las técnicas empaquetadas abajo, puedes tener un control más creativo porque puedes preplanear con anticipación, como, este es el tipo de imagen que quiero hacer. En lugar de simplemente sorprenderte con lo que obtienes. Eso sólo depende cuál sea tu objetivo final. Entonces, si miras dentro de esta lente muy, muy sucia, verás que hay un iris, si miras dentro de esta lente que se abre y se cierra, y esa es la abertura. Cuanto menor sea el agujero, mayor será el número. No sé por qué se les ocurrió esto- cuanto más eso está en profundidad. Un obturador es lo rápido que se mueve la cortina frente a la película real que se juega. Entonces, ahora mismo estoy a 2,500 de segundo. Ves, las persianas se mueven muy rápido, si lo cambio, entonces eso es un cuarto de segundo. Se trata de la cantidad de luz que la cámara está dejando entrar en el clip. Entonces, cuando combinaste el obturador y una abertura, estás tratando de hacer una exposición correcta para la luz. No hay una cosa correcta, así que si miras aquí y te pones como, oh la exposición aquí dentro. Un ISO es la velocidad de la película, por lo que todos esos son también crean la sensibilidad y similares. Entonces, si estás disparando a 400 ISO en esta sala a la F4 a 60 de segundo. También puedes disparar un bidireccional a la 125 de segundo. Será la misma exposición exacta excepto que tendrías una profundidad de campo diferente porque la abertura está ligeramente abierta. Si disparo a F56 a un 30 de segundo, que es la misma exposición, entonces podría empezar a conseguir desenfoque de movimiento aunque la calidad de la luz sea la misma. Entonces ese pilar va a verse igual, pero no hay manera de que pase un desenfoque de gente, mientras que a la 125 de segundo congelaría el movimiento. O podría simplemente cambiar mi ISO, si empecé con un ISO realmente menor, cámara no es
tan sensible a la luz, por lo que se necesita más luz para hacer una exposición. Por lo que tendría que abrir mi abertura o disminuir mi velocidad de obturación para conseguir una luz más. Donde si voy a 2,000 ISO, bueno ahora probablemente pueda rodar aquí a 500 de segundo en la F4. A 2,000 ISO, que es lo suficientemente rápido como para frenar un partido de basquetbol. Por lo que todos esos elementos juegan en cómo quieres hacer tu exposición. Obviamente, a medida que subes un ISO, la caída es sombría. Empiezas a ponerte cada vez más sombrío en la imagen. Cuando nos conocimos por primera vez bromeo, cuando no tengo mi cámara bromeo y soy bromista. Pero me siento muy visible cuando tengo esta cosa alrededor de mi cuello y a veces
me gusta simplemente mezclarme y desaparecer, y me gusta capturar una foto sin estar realmente ahí. Porque ¿cómo se puede presenciar la vida? ¿ Cómo puedes grabarlo si lo estás afectando? Se puede hacer todo tipo de argumentos, de la misma manera, como la ley de la observación que, si estás mirando algo como está sucediendo, realmente no está pasando sin que lo mires. Que es como un teorema o hecho científico. Obviamente si estoy aquí parado y la gente anda a mi alrededor, estoy afectando el flujo. Literalmente. Pero no le estoy pidiendo a la gente: “¡Oye! Dime tu secreto más profundo, más oscuro”. No voy a detenerlos para coquetear, básicamente
lo estoy intentando en el mejor de los casos, mi idea es sólo decir que esto es un trozo de vida que está sucediendo en este momento y quiero capturarlo. Entonces, eso es lo que trato de hacer y lo estoy haciendo en el metro o en la calle.
5. Iluminación: Ahora, presta atención a esto. La fotografía es básicamente pintar con luz como si estuvieras entendiendo cómo la luz rebota de las cosas y cómo se graba. Digo que eso entra en juego con la composición y dependiendo de cómo te muevas como luces fluorescentes llamaran en una llamarada verde y tienes esta luz que es azul y su bolsa es roja. Hay tantas maneras diferentes como, “Oh, ya sabes”. Entonces, el tiro de ella por la forma en que está la luz, pesar de
que su chaqueta es beige, va a salir amarilla en el marco, porque estás afuera, tienes una iluminación mixta, tienes una luz normal, fluorescente luz y el rojo. Todos están rebotando luz a su alrededor y podemos corregirlo todo después, pero es sólo entender la luz y cómo recae sobre la gente. Entonces, si estoy filmando aquí, bueno digamos, tus ojos van a equilibrar todo. Tu cerebro ve todo esto y equilibra todo para ti. Pero, hay que ser capaz de entender cómo controlar creativamente la cámara y ser como, acuerdo, y si expongo para esto como. Entonces, si solo voy a marcar y decir: “Oh, sólo voy a exponer para este punto culminante”. Bueno y entonces, se convierte en algo diferente. Entonces solo lo estás usando como luz de captura para resaltar gente que luego solo digamos a este tipo
porque lleva su camisa blanca y ella usa camisas negras. Por lo que sus caras van a salir mucho más claras, sus luces también rebotan de su camisa, verdad. Entonces, va a ser un tipo de disparo muy diferente, si le disparo contra si le disparo. Y es sólo una especie de comprensión pero para eso estoy exponiendo.
6. Reflexiones finales: Entonces, cuando miro las imágenes, busco imágenes de variedad, busco contar historias, busco contenido emocional, busco composición. Cada uno de nosotros traemos nuestras propias pequeñas ideas de qué buena foto como debe ser. Definitivamente voy de más del lado compositivo, algunas personas podrían ir más desde el lado del contenido, pero definitivamente es que quieres tener algo cohesivo y evocador, y eso es lo que estamos buscando, algo interesante. Toda la idea es que cuando miras tu trabajo, quieres decir: “¿Estoy haciendo una imagen que nadie ha visto antes?” “ Estoy tratando de presentar algo que-” todos sabemos cómo es el metro de la ciudad de Nueva York. Entonces, “¿Estoy tratando de mostrar algo que todo el mundo sabe cómo se ve y tratar de mostrarlo de una manera diferente? ¿ Estoy siendo exitoso haciendo eso?” Eso es clave para este proyecto.
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