Fotografía de belleza en casa con bajo presupuesto

1. Introducción: Hola amigos míos. Soy Devon Lennox. Soy una fotógrafa de moda y belleza radicada en Las Vegas, Nevada, y he sido fotógrafa profesional desde 2018 yendo a tiempo completo, el otoño de 2020. En pantalla ahora mismo te voy a mostrar una muestra y colección de mis imágenes más recientes que decían, quiero profundizar en la partida para más fotografía editorial de moda, a la fotografía de belleza. Con este curso de Skillshare, te voy a mostrar el detrás de escena completo de cómo capturar estas imágenes en casa con presupuesto muy cómodamente. Con este curso de Skillshare, vamos a ir detrás de escena. Te voy a mostrar el flujo de trabajo completo que necesitarás. Eso incluye las herramientas, las técnicas, tu espacio y también el equipo que necesitarás. Entonces vamos a capturar nuestras imágenes. A partir de ahí vamos a llevar esa imagen a la posproducción para retocarla, finalizarla y perfeccionarla a nivel comercial. He apuntado este curso a fotógrafos intermedios que ya tienen un conocimiento básico del funcionamiento de su cámara y distancia focal. Dicho esto, si eres principiante, estaré explicando todo en gran profundidad con términos fáciles de entender para que no te pierdas y aún así podrás obtener valiosos conocimientos y conocimientos a valiosos conocimientos y conocimientos lo largo de la duración de este curso. El objetivo final de este curso de Skillshare es darte las herramientas y técnicas necesarias para que puedas lograr estos resultados por ti mismo en casa y replicar tus propias imágenes de fotografía y belleza de editoriales populares como Vogue, L y N style, por nombrar algunas. También he incluido un proyecto de clase para que acompañe a este curso, que será para que subas entre una y tres de tus propias imágenes de fotografía de belleza en casa. A partir de ahí, quiero que incluyas una breve descripción explicando tu pensamiento y lo que has aprendido de la sesión para luego subir esas imágenes y la descripción a la galería clásica. A partir de ahí, podemos darte comentarios constructivos y todos podemos crecer juntos. Dicho esto, me emociona ser tu instructor durante la duración de este curso y te veré por dentro. 2. Espacio de estudio: Hola mis amigos, aquí Davon Lenix, y bienvenidos. Emocionado de tenerte aquí. Empecemos. En esta lección, me encantaría discutir posiblemente el aspecto más importante de replicar estas imágenes en casa, que va a ser tu entorno de rodaje y las consideraciones que quieres hacer sobre tu improvisado espacio de estudio. Disparar un editorial de belleza en casa no requiere mucho espacio ya que estas imágenes suelen ser tomadas a nivel del pecho o superior. Pero a pesar de tener un recorte tan ajustado en temas, este tipo de fotografía aún requiere algo de espacio y distancia de trabajo entre tú y el modelo. Es importante asegurarse de que su espacio de rodaje o estudio sea lo suficientemente grande como para acomodarlo. Agradecidamente, para la mayoría de nosotros, incluso aquellos en apartamentos de una habitación o incluso estudio, todavía tenemos un amplio espacio para replicar estas imágenes en casa, especialmente si tiene una configuración de sala combinada en un comedor, pero incluso las salas de estar más dedicadas y los comedores separados por sí mismos funcionarán. De hecho, en los últimos cuatro años, he filmado varias docenas de editoriales de fotografía de belleza en mi sala de estar de esta misma manera. No puedo confirmar que la configuración de iluminación cubrirá más adelante en este curso funciona y es sólida como una roca. Pero es principalmente porque todos los apartamentos, incluso los estudios reales en los que he vivido, ofrecían dimensiones muy similares, y las dimensiones que estoy a punto de enumerar aquí son lo que siento son los mínimos para lograr este tipo de fotografía en casa. Te animo a que te tomes un tiempo ahora mismo para medir tu espacio con una cinta métrica para confirmar que será suficiente. De lo contrario, busca en otro lugar tu hogar para encontrar el espacio necesario para configurar todo. Esas dimensiones son las siguientes, un ancho de 6 pies, una longitud o profundidad de 10 pies y una altura de techo de aproximadamente 8 pies. Ahora, si tu espacio cumple con estas dimensiones mínimas, tienes claro que puedes capturar imágenes de fotografía de belleza en casa, y podrás hacerlo cómodamente sin ningún problema. Sin embargo, si estás filmando una habitación más pequeña de lo descrito, te resultará complicado capturar estas imágenes cómodamente. No será imposible de ninguna manera, pero maniobrar el equipo de la cámara y la configuración de iluminación será complicado, y es posible que esto se vuelva insuficiente a largo plazo. Sin embargo, al mismo tiempo, si tienes un espacio mayor al descrito, tendrás más flexibilidad para elegir una lente focal más larga o variar tu selección de lentes, y en ese caso, tienes bastante ventaja. Dicho esto, hay otras cosas a considerar fuera del espacio o solo de tus dimensiones. También vas a necesitar considerar el color de las paredes de tu casa ya que afectará tu imagen final. Idealmente, quieres que las paredes estén pintadas con un gris neutro plano, por lo que está completamente libre de tintes de color y no afecta el balance de blancos de tu cámara. Pero para la mayoría de nosotros, especialmente aquellos de nosotros que vivimos en departamentos, no es posible tener ese color. En cambio, la mayoría de las casas y departamentos tendrán paredes blancas. Agradecidamente, esto también funciona muy bien. El único inconveniente es que las paredes blancas actuarán como reflector en este caso, rellenando en ambos lados de tu sujeto si estás en un espacio verdaderamente pequeño. En esta instancia, te resultará difícil controlar la iluminación para crear una imagen de fotografía de belleza más malhumorada, ya que la luz se derramará sobre ambos lados del sujeto y llenará las sombras, reduciendo el contraste. Para eso, querrás agregar una bandera o una cuadrícula a tu luz principal. Pero esto complica las cosas que el alcance de este curso particular de Skillshare. Dicho esto, sin embargo, para mayoría de los casos de fotografía de belleza, tener paredes blancas en ambos lados podría ser una ventaja y crear una foto más luminosa y aireada, que se ve refrescante y limpia y generalmente se suma a estas imágenes. No obstante, quiero señalar una cosa importante aquí, y es que tu casa no tiene paredes blancas en absoluto, cambio, son de color, ahí es donde nos encontraremos con un problema. Si tienes paredes coloreadas o una pared envuelta con vinilo o papel tapiz, el color de la pared cambiará el color de tu foto. En este caso, afectará directamente el balance de blancos de tu cámara, el modelo, la tez, el color de tu fondo y la apariencia de la ropa que lleva tu modelo de manera negativa. Querrás quitar ese rapeo de vinilo o papel tapiz o pintar la pared en un color más neutro a largo plazo si eso es posible. Sin embargo, si eso no es posible o eso es simplemente demasiado poco práctico, puedes boxear en tu modelo usando un tablero de póster de doble cara. En este caso, puede servir efectivamente como su propia pared y abanderar cualquier pared de color que tenga en su hogar, eliminando así todos esos problemas de fundición de color. Pero perfecto, ahora estás al tanto de las principales consideraciones sobre tu espacio de rodaje. Hablemos ahora de la cámara y el equipo de iluminación que necesitaremos para comenzar. 3. Equipo de iluminación y cámara: Entonces hola mis amigos, Devaun Lennox aquí y bienvenidos de nuevo. En este video, hablaremos sobre el equipo de iluminación y cámara que necesitarás para lograr este tipo de imágenes en casa. Pero primero, comencemos las cosas hablando del equipo de iluminación. Como mínimo, querrás un trazo, también conocido como Monolight, con una potencia de salida de flash de 150 vatios o superior. Con 150 vatios, podrás disparar a aperturas más altas como F8 o 11, lo que te permite capturar excelentes detalles en tu modelo con un enfoque nítido. Algunos de estos detalles podrían incluir los matices y su pintalabios o brillo, finas gradaciones de color en su maquillaje o sombra de ojos, o incluso la marmosidad de su piel. La unidad particular que utilizo para la imagen titular este curso fue la pausa Buff Einstein stroke, un estroboscópico balanceado con luz diurna 8641. También querrás un disparador para esta luz o la lámpara que planeas usar para tu sesión. Para activar este tipo de luces, puedes usar un sistema cableado, que utiliza un cable de flash cableado que se conecta directamente al terminal PC Sync de tu cámara. O puedes usar un sistema inalámbrico que transmita conectándote directamente a la zapata de tu cámara. O bien funcionará perfectamente bien, pero para mi sesión, utilizo los disparadores de flash de estudio inalámbricos cyber sink, que es el sistema de transmisión inalámbrica que el búfer de políticas recomienda para este producto. A continuación, querrás un soporte ligero resistente, pero lo que es más importante, querrás uno que ofrezca un brazo de pluma. Con un brazo de pluma, puede compensar la luz de las patas del soporte de luz, lo que le permite estar directamente debajo de la luz sin ningún tipo de molestia. Por supuesto, puedes usar un soporte de luz tradicional y compensarlo cambiando ligeramente el ángulo y aún puedes disparar directamente sobre tu modelo. Pero tener un brazo boom para este tipo de fotografía resultará invaluable a largo plazo ya que te ofrecerá el mayor espacio de rodaje en todo tu entorno y la flexibilidad a la hora de moverte por tu modelo. De cualquier manera, recomiendo optar por un soporte ligero de aluminio más resistente aquí, como los fabricados por photo deoxy o impact. Estos soportes ligeros ofrecen perillas más resistentes que no se romperán después solo seis meses de uso y también admiten una clasificación de carga útil más alta, lo que sería útil ya que también puede usarlos con un brazo de pluma para compensar su luz. Además, estos productos solo son marginalmente más caros que sus alternativas más baratas, por lo que definitivamente valen la pena la inversión. A partir de ahí, también querrás una caja suave para modificar y suavizar la luz de tu luz estroboscópica. En este aspecto, tienes muchas opciones que solo van a ser limitadas en función de tu espacio de disparo. Puedes usar cajas compactas blandas, o sombrillas de hasta ocho pies aquí. Pero para mantener las cosas simples y rentables, la mejor opción es optar por una Okta Box de 48 pulgadas o un plato de belleza para la imagen principal, utilicé la política Buff white beauty dish. Pero puedes replicar fácilmente esta configuración de iluminación idéntica con una Okta Box mucho más barata y nueva de 48 pulgadas, que también es plegable, que también es plegable, ofrece difusión tanto interior como exterior para suavizar la luz y difundirla más. Por el precio, la calidad de construcción, y la funcionalidad general de ese producto para este medio es absolutamente invaluable. En total, puedes replicar la configuración idéntica que uso, aunque con una calidad de construcción un poco menos por solo $200 USD. Pero puedo garantizarles que los resultados entre ambas configuraciones son idénticos. Así que absolutamente no hay necesidad del precio del equipo, sobre todo si eres un principiante. Ahora con la iluminación cubierta, hablemos de su equipo de cámara. No puedo estresarme lo suficiente, usa la configuración de cámara y lente que ya tienes, pero si realmente estás buscando perfeccionar tus habilidades y hacer este medio exclusivamente, obtener una lente F1.8 de 85 milímetros eventualmente se convertirá en una necesidad mientras que la lente F1.8 de 50 milímetros suele ser la actualización para la mayoría de los fotógrafos que desean perfeccionar sus habilidades. Para este medio, la distancia focal de 85 milímetros es el estándar de la industria. No solo notarás una mejor calidad de imagen, particularmente en nitidez central y bajo rendimiento de luz con una lente F1.8 de 85 milímetros, también obtendrás imágenes más favorecedoras ya que las características de esta lente tienden a estrechar los rasgos faciales de los modelos, y eso casi siempre hace que los modelos se vean más atractivos. Para la mayoría de los fabricantes, la lente de punto F1 de 85 milímetros o su equivalente suele ser bastante rentable también y menos de $300 USD. Pero comprensiblemente, si quieres saltarte este gasto en particular y ya tienes un kit de lentes, puedes usarlo en su lugar, especialmente si tienes una lente de kit de 28-70 milímetros o equivalente. La lente focal de la lente del kit varía bastante. Pero hay algunos modelos que son más largos de 50 milímetros y lo suficientemente cercanos a 85 o 90 milímetros, así que si tu lente ya se ajusta a la factura, no es necesario comprar otra lente. Funcionará perfectamente bien, como lo es para este tipo de fotografía. A continuación, es posible que también desee considerar un telón de fondo o un sistema de soporte de fondo y también puede considerar un papel transparente de color para agregar un poco más de interés y tema a sus imágenes. No obstante, si disparas en una pared blanca y está lo suficientemente lejos, digamos, cinco o seis pies, puedes saltarte este gasto en particular también puedes saltarte este gasto en particular si solo quieres un fondo blanco. Alternativamente, puede montar una sábana bien planchada o tela similar, sujetada o drapeada sobre el alféizar de una ventana. Eso también funcionaría, concedido, ambos métodos requerirán algún post-procesamiento para eliminar cualquier distracción o desnivel en el fondo. Pero sigue siendo un buen punto de partida. Dicho esto, si quieres más flexibilidad y control sobre los colores y el tipo de fondo, un sistema de soporte de telón de fondo dedicado solo aumentará tu total en $100 USD. Es justo decir que un papel blanco sin costuras o papel sin costura de grado de moda ofrece un resultado verdaderamente profesional que hará que tus imágenes estén a la par con cualquier otra persona en la industria, por lo que es un gasto que definitivamente vale la pena. Sin embargo, en última instancia, el kit de iluminación es el aspecto más importante del equipo que necesitas para este tipo de fotografía. Y considerando que este tipo de fotografía solo requiere un equipo mínimo, es decir, una sola luz, estamos viendo un punto de entrada muy asequible fotografía de belleza que incluso los fotógrafos más nuevos pueden lograr. Pero genial, ahora que hemos cubierto la iluminación y el equipo de cámara necesarios, hablemos de la posición de tu iluminación. 4. Ajustes de luz: Hola mis amigos, Devaun Lennox aquí y bienvenidos de nuevo. En esta lección, hablaremos sobre la configuración de la iluminación y cómo colocarás tu luz. Primero, déjame mostrarte una representación en pantalla de la configuración de iluminación este momento para que puedas hacerte una idea de cómo se verán las cosas. Pero vamos a cubrir la configuración con más detalle, comenzando por las distancias en general el posicionamiento de tu luz en tu espacio. Idealmente, quieres que tu modelo esté entre 3-5 pies de distancia de tu fondo. Hacerlo significará que menos luz golpea el fondo, dejando que el fondo caiga a un gris medio, en lugar de quedarse como un blanco desigual. Te voy a mostrar la diferencia entre un posicionamiento del modelo a 5 pies de distancia del fondo y directamente frente al fondo en pantalla en este momento. Como puede ver, hay una diferencia notable entre lo brillante que es el fondo en estas dos renderizaciones. Sin embargo, no es una diferencia dramática, pero definitivamente es algo a tener en cuenta. Pero generalmente tener el fondo directamente detrás del modelo acentúa sus texturas, ya que normalmente estamos filmando a valores de apertura más altos de f8 o superiores y esto suele convertirse una distracción en este tipo de fotos. sugeriría experimentar con Sin embargo, sugeriría experimentar con este aspecto para usted mismo para ver si es un factor decisivo, ya que puede ser o no dependiendo de su estilo de fotografía. Con la distancia general y posicionamiento del espacio cubierto, hablemos ahora de los detalles más específicos sobre dónde colocarás tu luz en relación con tu modelo. Para la fotografía de belleza, queremos una iluminación que sea pareja, favorecedora y proporcionada como podamos conseguir. Eso significa inevitablemente que vamos a querer posicionar la luz directamente frente a nuestro modelo, por lo que todos los aspectos de su cara, cuello y hombros se encienden igual. También querremos acercar nuestra luz lo más posible a la cara y los hombros de nuestro modelo para poder crear la luz más suave y favorecedora posible. Encuentro que poner la luz a 2-3 pies distancia es la distancia perfecta para este medio, ya que está lo suficientemente cerca como para crear una luz suave y uniforme en nuestro modelo, pero no tan cerca del modelo que la luz misma invade su espacio personal y se vuelve algo incómoda para nuestro modelo. Ahora, en cuanto a la altura de nuestra luz, querrás colocar la luz de manera que el fondo de tu softbox o el plato de belleza, si estás usando uno, esté justo por encima del ojo de tu modelo. En la mayoría de los casos, eso será en algún lugar alrededor de 5-6 pies, dependiendo de si están de pie o sentados. Ponerlo a esta altura significará dos cosas. Una, será lo suficientemente alta como para dispares directamente debajo de ella y directamente sobre tu modelo y eso significa que capturarás la cara de la modelo sin agregar ninguna distorsión que provenga de inclinar tu cámara, que puede agregar escorzo y generalmente no ayuda a que la gente se vea atractiva y segundo, también significa que la luz estará enfocada en la cara y los hombros de tu sujeto, que es exactamente donde queremos que esté, lugar de estar demasiado alto y luego enfocarse en su cabello, o demasiado bajo y golpearle el pecho, ninguno de los cuales es donde queremos nuestros espectadores vean primero. Desde aquí, podrás experimentar con el ángulo o inclinación de tu softbox y la luz. Al inclinar la luz hacia abajo, digamos 45 grados, estás creando un poco más de sombras y contorneando en el rostro de tu modelo, particularmente debajo de su nariz y alrededor de sus pómulos y debajo del cuello. En este posicionamiento con la luz, crearás lo que se conoce como iluminación de mariposas, que funciona bien para la fotografía de belleza si quieres algo un poco más angular y audaz. Pero si quieres algo más suave, uniforme y favorecedor, entonces dejar tu luz a 90 grados o apuntando directamente en ángulo recto aplanará la imagen y creará la luz más agradable sobre tu tema. En pantalla, te mostraré una representación de la diferencia entre estos dos tipos de posiciones angulares en este momento. Como puedes ver, hay una diferencia entre ambos, pero los resultados son sutiles y no es dramático. Sin embargo, vas a notar esto se convierte en una gran diferencia una vez que finalice y retoque la imagen más tarde en el posprocesamiento. Aún así, en última instancia, cada una de estas opciones se reduce a las preferencias personales y al estilo de fotografía de belleza que buscas. Dicho esto, es un elemento con el que vale la pena experimentar y para ver cuál va a adaptarse mejor a tu particular estilo de fotografía. La última y última variable será si agregar un reflector debajo del cuello y la barbilla de tu modelo. Este es un paso opcional, pero algo con lo que experimentar también. Si buscas aplanar tu imagen y reducir el contraste y hacerla más agradable en general, esta adición creará una luz aún más favorecedora ya que reducirá el contraste, lo cual es particularmente útil si estás haciendo un estilo de fotografía que sea más suave y no tenga tanto contraste y dureza. En pantalla te mostraré la diferencia entre agregar un reflector versus dejarlo fuera. Para la imagen principal de este curso, sí usé un reflector debajo del modelo para hacer rebotar más iluminación sobre el sujeto. Hacerlo reduce el contraste y rellena las sombras. Pero en retrospectiva, puede haber sido una mejor opción ir sin el reflector para esta toma en particular, ya que la imagen ya tenía un estado de ánimo oscuro y es gráfica tal cual, por lo que este tipo de iluminación habría reunido más el tema. Pero tal como está, sí funciona tal como es. No obstante, enhorabuena, desde aquí tienes la configuración de iluminación completa, así que colócate a unos metros de distancia y empieza a experimentar con tu composición. Ahora que hemos cubierto la configuración completa de la iluminación, analicemos la configuración de la cámara y cómo configuras tu cámara. 5. Configuración de la cámara: Hola, mis amigos, Devaun Lennox aquí, y bienvenidos de nuevo. En esta lección, hablaremos sobre configuración de tu cámara y cómo obtener los mejores resultados. Primero, comencemos con la configuración de la cámara. Dado que estamos filmando en interiores bajo condiciones de iluminación controladas, nuestra exposición estará dictada por nuestra apertura y ajustes ISO. La velocidad de obturación solo entra en juego como una configuración básica para sincronizar con nuestro término llamado sincronización flash, y para asegurarnos de que evitemos que nos difuremos disparando de mano. Pero por lo demás, no juega el mismo papel que otras formas de fotografía, así que no te preocupes demasiado por ese escenario en particular. Ahora, dado que tenemos un control completo sobre cuánta luz hay en nuestro entorno ajustando nuestra potencia de salida de flash para cambiar cuánta luz está golpeando nuestro sujeto, lo mejor es ajustar nuestra cámara a su base, ISO. En la base ISO, nuestras cámaras capturarán el rango más dinámico, menor cantidad de ruido y la mejor calidad de imagen posible. Para la mayoría de las cámaras del mercado, la ISO base es 100, 160 o 200, así que cuando esté listo para comenzar a disparar, primero ajuste su cámara a su ISO base. A continuación, nuestro ajuste de apertura. Esto determinará nuestra profundidad de campo y cuánto de nuestro tema está en foco agudo. Para este tipo de fotografía, tienes muchas opciones, y esta configuración probablemente se reducirá al estilo de imagen que prefieras. Pero generalmente es mejor comenzar con un ajuste de apertura de F/8 o F/11, ya que estos valores proporcionarán suficiente profundidad del campo para capturar todos los detalles en la cara de tu modelo. Pero puedes probar un ajuste de apertura más bajo como F/4 o F/2.8, y estos ajustes de apertura resultarán en una profundidad de campo más baja. Esa podría ser una gran opción si quieres difuminar cualquier mancha en la piel de tu modelo, facilitando el post-procesamiento. O solo puedes enfocarte en algunos aspectos de la modelo, como sus ojos, y que todo lo demás se caiga y enfoque, que crea una foto más impactante en muchos casos. De cualquier manera, cuando esté listo para comenzar a disparar, cambie su configuración de apertura a F/8 y úselo como punto de partida desde allí. Por último, nuestra velocidad de obturación, que en este tipo de fotografía es el aspecto menos importante de la exposición, pero cuando se trata de velocidad de obturación, todavía quedan algunas notas que queremos tener en cuenta. Generalmente, una velocidad de obturación de 1/125. En segundo lugar, es un gran punto de partida para este tipo de fotografía ya que ofrece suficiente velocidad para evitar cualquier desenfoque al disparar de mano, pero también es un valor seguro que se sincroniza con mayoría de las unidades de flash comerciales y los transmisores que están disponibles. A este valor, no tendrás ningún problema al hundirte con tu unidad flash y alcanzar su velocidad máxima de sincronización de flash. Al igual que Aperture, también puedes explorar velocidades de obturación más lentas que 1/1/250 por segundo, y estos valores más lentos podrían ser un medio excelente para agregar más efectos creativos a tus fotos introduciendo intencionadamente desenfoque de movimiento para crear un efecto de imagen. Perfecto. Ahora que hemos cubierto los ajustes básicos de la cámara, vamos a cubrir algunos consejos para obtener los mejores resultados. Si sus cámaras admiten la detección facial y ocular, habilite esta función y establezca el área de enfoque en el tercio superior de la pantalla LCD. Ahora, la razón para configurar el enfoque automático el tercio superior de la pantalla LCD es que a menudo filmamos en orientación vertical en lugar de horizontal para esta forma de fotografía, y establecer su punto de enfoque automático el tercio superior en lugar del centro reducirá la frecuencia con la que tiene que enfocar y recomponer una imagen, ahorrándole tiempo mientras dispara. Pero lo que es más importante, también acelera enfoque de tu cámara en general, reduciendo su tiempo de adquisición de enfoque, y eso disminuirá la frecuencia con la que busca el enfoque, así que al final, en última instancia, significará que creas imágenes enfocadas de manera más consistente. A continuación, si su cámara tiene un auditoría continuo preciso y confiable enfoque de auditoría continuo preciso y confiable llamado CAF o enfoque automático continuo, puede usar esta función. Sin embargo, si descubres que tu sistema de enfoque suele ser acertado o fallido usando AFS o el enfoque automático de un solo disparo con detección de rostro y ojos definitivamente te dará los mejores resultados. A continuación, hablemos del balance de blancos. Nuestro balance de blancos en cámaras de última generación dice que las fabricadas después de 2018 proporcionarán fabricadas después de 2018 proporcionarán un balance de blancos automático lo suficientemente cercano como para ser preciso para este tipo de situación y no deberías encontrar que los colores distraen y apagados tanto que van a requerir enormes ajustes de color para el post-procesamiento, pero si tienes una cámara más antigua que fue fabricada antes de 2018, usar la configuración de balance de blancos flash le dará un color más consistente a su imagen y será más preciso que usar balance de blancos automático. Alternativamente, puede marcar en un ajuste de balance de blancos personalizado usando el modo Kelvin en su cámara, y probablemente tendrá un valor dominante en algún lugar entre 5000 y 5600 Kelvin, dependiendo de cuál sea su salida de flash de color, pero debe conocer temperatura de color de su fabricante. Seguir haciendo esto manualmente te dará colores aún más precisos y balance de blancos más preciso que usar la configuración del flash, por lo que es una mejor opción. Desde aquí quieres tomar una toma de prueba de tu sujeto, ahora evalúa la imagen en la LCD trasera para verificar la exposición. Luego, vuelve a verificar la exposición usando el histograma para asegurarte de que no estás sobreexponiendo o recortando los reflejos, específicamente. En este formato de fotografía, es mejor subexponer tu imagen en un tercio de parada, luego sacar a colación la exposición en post-procesamiento. Ya que estaremos filmando las caras de una modelo principalmente y si su piel está mojada, Dewey, o grasa, reflejará aún más luz de lo normal. Si sobreexpusiste esos reflejos particulares, no podrás recuperar esos detalles y post-procesamiento, y en general, eso puede arruinar las imágenes. Aunque genial, ahora que hemos cubierto configuración de tu cámara y algunos de los consejos para capturar las mejores imágenes posibles, terminemos con algunas consideraciones finales querrás hacer sobre la toma en sí. 6. Otras consideraciones: Hola, amigos míos. Devaun Lennox aquí y bienvenido de nuevo. En esta lección, cubriremos las dos consideraciones finales que quieres hacer en el rodaje. Esos van a ser si debes usar un reflector para reducir los contrastes y para rellenar las sombras o deberías considerar atar mientras tomas para revisar tus imágenes. Para la imagen del curso, sí usé un reflector debajo de la barbilla de la modelo para rellenar las sombras. En este caso, utilizo un reflector plateado de cuatro pies colocado justo debajo del nivel del pecho. En pantalla ahora mismo, te voy a mostrar el efecto de agregar un reflector debajo del mentón de la modelo para este tipo de fotografía versus eliminarlos. Es importante, señalo que no tienes que usar reflector, sobre todo si vas por una imagen que tenga más contraste o quieres algo más atrevido en esas situaciones, agregar un reflector solo servirá para ir en contra de tu idea. Lo mejor es saltarlo. Dicho esto, si quieres una imagen con solo menor contraste y contorneado, usar un reflector es una manera perfecta de lograr ese efecto en particular. A continuación, es posible que desee considerar conectar su cámara a su computadora para que pueda transferir las fotos y revisarlas en tiempo real mientras está filmando. Este proceso se conoce como tethering y es un gran flujo de trabajo para poder evaluar detalles finos que son difíciles de ver en la pantalla LCD de la cámara, como el maquillaje de la modelo, peinado, o incluso los efectos de tu iluminación. También es una excelente manera de poder ver los ajustes que estás haciendo en tiempo real, como cambiar el ángulo de tu luz o simplemente es una gran opción para mostrar el modelo con el que estás trabajando, las increíbles imágenes que estás capturando. Si desea encontrar información detallada sobre cómo configurar esto antes de la configuración de su cámara y software puede hacer una búsqueda rápida en línea y encontrar mucha información, pero configurarlo específicamente está fuera del alcance de este curso. Genial ahora que hemos cubierto las dos consideraciones finales, ahora sabes cómo capturar imágenes de fotografía de belleza en casa. Pasemos al flujo de trabajo de posproducción para refinar y terminar nuestras imágenes para que podamos llevar lo que hemos capturado hasta ahora a un nivel profesional. 7. Fijar la exposición: Entonces hola mis amigos, Devon Lennox aquí y bienvenidos de nuevo. En esta lección, vamos a iniciar el flujo de trabajo de posproducción para llevar las imágenes que has capturado a un nivel verdaderamente profesional. Quiero hacer una nota importante aquí en cuanto al software, no estoy usando Adobe Photoshop o Light room para el flujo de trabajo de postproducción. Ya tengo un curso sobre Compartir habilidades detallando cómo hacer exactamente el mismo flujo de trabajo que estoy a punto de cubrir aquí en Affinity Photo en iOS o iPad. Puedes consultar ese curso de Compartir habilidades si quieres , y detalles específicos sobre cómo hacerlo en Adobe Photoshop. Pero con eso dicho, pasemos al flujo de trabajo de posproducción. Entonces aquí estamos en iOS, esta es la foto DNG que estaré suministrando como parte de los recursos para este curso particular de Skill share, así que eres bienvenido a descargar esta imagen para seguirla de una manera más paso a paso, a menos que solo quieras ver, solo para ver las técnicas en el flujo de trabajo. Ahora, abramos Affinity Photo y abramos nuestra imagen. Así que ahora estamos aquí en Affinity Photo por defecto, Affinity Photo abrirá su persona desarrollada y en la persona desarrollada es donde vamos a poder hacer algunos de los ajustes básicos, que es el primer paso de nuestro flujo de trabajo. Aquí se abrirá el panel básico y se nos pide con varios aspectos importantes de lo que vamos a estar buscando a saber, en la esquina superior derecha aquí va a estar el histograma, seguido de nuestras arañas de exposición, seguido de algunas mejoras, a saber, contraste, vibración de saturación o selección de balance de blancos, y luego nuestras sombras y destaca para esta imagen en particular y para todas las imágenes independientemente de su Adobe Photoshop, Lightroom, o incluso aquí en Affinity Photo. Lo primero es evaluar el histograma, para que podamos ver si podemos maximizar rango dinámico de nuestra cámara empujando las capas más externas de nuestro histograma, tanto las iluminaciones como las sombras a sus valores máximos antes que comiencen a recortar y perder detalle. La forma más fácil de hacerlo es primero ajustando el deslizador de exposición, que va a ajustar la exposición de toda la imagen en su conjunto, encuentro que un valor en algún lugar alrededor 0.15 es suficiente para simplemente sacar a colación la exposición general de la imagen y comenzar a empujar los reflejos en el lado derecho de este canal rojo. Está empezando a recortar aquí, pero en realidad no es un recorte. A partir de ahí, tienes un par de opciones puedes ajustar tu punto negro, que básicamente va a reducir las sombras y los tonos medios. Pero lo que es más importante, una manera más fácil de hacer esto es en realidad simplemente disminuyendo el control deslizante de sombras, que solo va a enfocarse específicamente en las sombras en lugar las sombras y los negros y algunos de los tonos medios. Aquí lo que estoy haciendo es ajustar el deslizador de sombras para empujar el histograma aquí arriba lo más a la izquierda como sea posible antes de perder detalle y encuentro que un valor de 100 negativo es completamente suficiente. Si también quieres agregar más contraste, también puedes aumentar el punto negro a un valor del 5% y eso también aumentará las sombras y los oscuros. Pero eso va un poco demasiado lejos así que el valor del 3% me está consiguiendo el rango dinámico donde estoy empujando a los negros y las sombras hasta la izquierda y estoy empujando los reflejos hasta arriba. También eres bienvenido a aumentar el deslizador de reflejos si quieres aún más puñetazo en contraste, probablemente diría que un máximo de 10% para esta imagen sería lo más lejos yo iría porque después de ese punto estamos empezando a hacer clic en demasiados de los blancos. Y ahora podemos usar el antes y después para ver el contraste agregado. Hemos revuelto un poco a los negros. Agregamos más contraste a la imagen general. La exposición en su rostro es casi la misma que lo que era antes, pero simplemente hemos aumentado fundamentalmente el contraste. El único otro ajuste que haría es simplemente caer potencialmente en el deslizador de corrección de lente aquí y activar la distorsión y luego encender la distorsión para su lente. Como pueden ver eso arregló alguna distorsión de barril ya estaba usando un F2 de 35 milímetros, una lente equivalente a 50 milímetros, y milímetros F50 disparando así de cerca, voy a tener algo de distorsión. Entonces, si estás en esa situación, estás filmando tan cerca de tu sujeto y estás usando una lente de 50 milímetros o más corta, entonces tendrás alguna distorsión de barril y posiblemente incluso yay, que puedes arreglar entrando en la configuración de detalles y Adobe Lightroom o la configuración de detalles y Adobe Photoshop, o aquí en el panel de corrección de lentes para Affinity Photo. También puedes eliminar cualquier viñeta si es aplicable. Para esta imagen, no es aplicable así que no voy a habilitar eso. Pero con eso dicho, podemos darle a la marca de verificación para desarrollar nuestra imagen y podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección, vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos, así que te veré ahí. 8. Recortes y limpieza de fondos: Hola mis amigos Devaun Lennox aquí y bienvenidos de nuevo. En esta lección vamos a recortar la foto y limpiar cualquier mancha en nuestro fondo y eliminar cualquier distracción importante antes de entrar en el proceso de retoque orientado más detallado. Para ello, el primer paso que naturalmente haría es en Affinity Photo usando la herramienta de recorte, hacer un par de opciones cuando se trata del modo, puedes hacer ratio original o ratio personalizado. En su mayor parte, la proporción original será genial. Sin embargo, puede usar una relación personalizada y establecer esto en 8 por 10 alto. Si estás subiendo específicamente a Instagram u otras redes sociales, ya que este es uno de los requisitos de longitud máxima de retrato. Alternativamente, se puede tocar 10 por 10, que va a ser el cuadrado covalente uno por uno. Si también te gustaría hacer un cuadrado uno por uno para esta imagen en particular voy a hacer un 8 por 10 en lugar de dejar la relación de aspecto original y luego solo podemos entrar y podemos hacer nuestro cultivo. Voy a entrar aquí y voy a cambiar el tamaño de esto al nivel apropiado y voy a entrar y poner ese tercero y mover eso por encima y podemos llamar a ese cultivo terminado. Ahora, para la mayoría de tus imágenes, una vez que hayas recortado a la relación de aspecto necesaria, podrías llamarlo bueno aquí y simplemente pasar a los siguientes pasos del flujo de trabajo. No obstante, para esta imagen es específicamente me gustaría mostrarte una técnica adicional y va a ser cómo eliminar rápidamente elementos que distraen como reflectores grandes de tus imágenes para que puedas mantener tu relación de aspecto original sin tener un recorte. Específicamente, de lo que estoy hablando es que aquí abajo tengo un reflector plateado. Te voy a mostrar en una técnica y flujo de trabajo muy cortos aquí cómo puedes eliminar eso sin tener que pasar minuciosamente y hacer separación de frecuencia en pintura o clonar estampado, herramienta de parche, estas cosas hay una manera más fácil de hacerlo. Una Affinity Photo y también puedes hacer esto en Photoshop también. Básicamente vas a hacer una selección del área circundante usando la herramienta de marquesina rectangular. Vas a seleccionar tanto el tema como el fondo, cuidado de no seleccionar realmente el objeto que intentas eliminar entonces lo que vas a hacer aquí en Affinity Photo es volver a nuestro modo normal de foto. Vas a usar la herramienta de movimiento, selecciona tu objeto aquí que acabamos de hacer, y lo vamos a arrastrar hacia abajo. Ahora bien esto va a provocar un poco de distorsión, todo quizá ligeramente perceptible en tus modelos de la mano aquí, si tienes eso. Pero esta es una solución fácil a la que podemos volver más tarde si es necesario si te resulta distraer. Pero además de eso, y esa es la forma más fácil de arreglarlo, vas a volver aquí a selecciones persona, subir aquí y deseleccionar. Están en cuestión de básicamente 10 segundos puedes ir y puedes quitar toda esa zona y se cayó de golpe. La única otra cosa a tener en cuenta es que si acercas de cerca, puedes comenzar a ver esta tenue línea gris aquí de donde hicimos nuestra selección usando la herramienta de marquesina rectangular. Esta es una solución muy fácil y algo que quizás ni siquiera necesites arreglar dependiendo del tipo de imagen que vayas tras. Especialmente cuál es la distancia de visión, porque si estás viendo la foto aquí, nadie la va a notar nunca, así que no tienes que arreglarla. Pero si alguien va a estar haciendo zoom en la foto con gran detalle, empezarás a notarlo en algún momento. Arreglo muy fácil a la que podremos volver más tarde si te resulta distraer pero por el momento, solo quiero señalarlo, pero probablemente no tengas que preocuparte por ello. El último paso de este flujo de trabajo va a ser limpiar cualquier distracción en las áreas restantes del fondo es decir, eso va a ser desnivel en cuanto textura y tu fondo o en este caso, tengo algo de polvo sensor aquí mismo que me gustaría eliminar. Voy a volver a la persona de fotos. Esta es una solución muy fácil así que voy a venir aquí al sello clon y salir y usar el pincel inpainting. Escoge un ancho razonable aquí y solo voy a entrar y solo pintarlo. La herramienta de inpainting básicamente funciona la misma manera que el pincel de curación puntual o de curación de un sello clon como híbrido. Solo puedes pintar y muestrea, la textura del color circundante y el tono para básicamente eliminar las imperfecciones. Pero con eso dicho, esas son las únicas distracciones que estoy viendo aquí y podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección, vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos así que te veré ahí. 9. Limpieza de la piel: Hola, mis amigos Devaun Linux aquí y bienvenidos de nuevo. En esta lección en particular vamos a pasar y hacer nuestra limpieza de la piel, que específicamente va a ser la eliminación cualquier mancha y textura desigual en nuestra piel modelo. Hay muchas maneras de hacer esta técnica en particular. Sin embargo, para este curso particular de Skillshare, voy a mantener las cosas muy simples y mostrarte la herramienta más fácil , rápida y efectiva, que en este caso va a estar usando la herramienta inpainting aquí en Affinity Photo, que es un equivalente aproximado al pincel de curación de manchas en Adobe Photoshop, y es una mezcla entre un pincel curativo y un clonar sello. Esencialmente lo que va a hacer esta herramienta, va a muestrear tanto la textura tono del área en la que pintamos. Se va a analizar esa selección y tratar replicar en mezcla en esa zona pintada con los píxeles circundantes para hacer que esa zona se vea un poco más, supongo que la mejor palabra que diría, hacer que se vea un poco más cohesiva e incluso para encontrar realmente el pincel impactante, vamos a ir aquí a nuestro panel de herramientas. Debajo del pincel clon, tenemos el pincel de pintura final aquí mismo. La forma más fácil de aplicar realmente este efecto va a ser simplemente pintar sobre las imperfecciones que quieres eliminar. Sin embargo, te sugiero que hagas un duplicado de tu capa de fondo para que puedas ajustar la opacidad de este efecto, para que no lo estés aplicando directamente a tu capa de fondo. Para hacer eso, podemos simplemente golpear nuestros tres iconos aquí y golpear Duplicar. Ahora que tenemos un duplicado, nuestra capa de fondo, estamos seguros de aplicar este efecto y podemos simplemente pintar sobre las imperfecciones. Ahora para esta sesión en particular, nuestra modelo sí tiene una gran piel y también hizo un trabajo increíble en su maquillaje al agregar mucho corrector y rubor y simplemente simplemente mezclando muy bien su maquillaje general. Realmente no va a haber tanto para nosotros hacer aquí, pero sólo voy a mostrarte el efecto básico. Esencialmente lo que quieres hacer con este pincel, vas a establecer la fuente a la capa actual en lugar de a la capa actual y a continuación. Porque quieres que el efecto solo se aplique a la capa actual y su muestreo solo esté en la capa actual. En cuanto a la configuración, vas a ajustar el ancho del pincel para que sea un poco más grande que la mancha que intentas eliminar por ejemplo, para esta mancha de aquí mismo, que va a ser como una línea de edad, o simplemente hacerla de 20 a 40 píxeles. Opacidad y flujo, puedes dejarlos ambos al 100 por ciento, y la dureza va a ser de 0 por ciento. Porque queremos un borde muy suave y una transición suave. Entonces solo vas a acercar el zoom e intentar quedarte en menos de un zoom uno a uno para que puedas aplicar realmente el efecto en un nivel pequeño muy específico y que no estés alejando todo el camino hasta aquí y luego aplicándolo con pinceladas más grandes, porque desafortunadamente, haciendo esta técnica, tiende a eliminar la textura, y en realidad puedes obtener esto volver a la textura mediante el uso de técnicas como la separación de frecuencias. También puedes agregar ruido más adelante en el flujo de trabajo de postproducción para realmente recuperar esta textura antes este curso en particular de Skillshare, no voy a meterme en algunos de estos retoques de belleza más avanzados. Voy a dejar eso para un curso más avanzado. Pero solo debes saber que al usar esta técnica en particular, igual que usar el Pincel Spot Healing en Adobe Photoshop, absolutamente estarás perdiendo un poco de textura. Hay cosas que podemos hacer para recuperar esa textura, así que no es un factor que rompe el trato, pero solo lo estoy señalando para que estés perdiendo un poco de textura, y va a estar suavizando algunas de estas áreas. A menos que estés haciendo zoom en el mismo nivel de zoom que estoy usando ahora mismo, no vas a notar la suciedad o la falta de textura que estamos haciendo aplicando realmente esta técnica en particular. Pero dicho eso, ahí, si vas a hacerlo, alguien va a estar viendo tu imagen tan cerca, vas a notar que eso es como la suciedad. Pero con eso dicho, todo lo que vamos a hacer es básicamente pintar sobre cualquier cosa que encontremos que es un poco de distracción. En cuanto a texturas se refiere. Hay otras herramientas que puedes usar para hacer esto, pero me parece que el pincel inpainting aquí en Affinity Photo es de lejos la mejor herramienta que podrías usar la herramienta de parche, puedes usar el pincel de clonar. Puedo usar el pincel curativo. Todas estas otras herramientas definitivamente funcionan. Pero en la pintura es, con mucho la técnica de cepillado más superior y flujo de trabajo sin una pregunta sobre es absolutamente el mejor a menos que vayas a usar específicamente la separación de frecuencias y luego pasar por eso. Pero básicamente, me voy a quedar en el nivel de zoom para que pueda simplemente dar la vuelta al lienzo y simplemente arreglar cualquiera de estas áreas creo que potencialmente no son textura permanente en la piel de nuestro modelo. O podría ser algo que solo quieras quitar de fines estéticos, y luego simplemente deshacerte de algunas de estas líneas aquí, aclarar algo de eso. Pero es tan sencillo como simplemente pintar encima. Y como estamos tanto acercados y solo estamos manteniendo nuestro pincel muy pequeño y localizado, los cambios no van a ser súper, súper aviso cuando alejes. Pero si alejas el zoom y luego usas un pincel más grande como estaba mencionando antes, uno el inpainting va a tomar un tiempo, pero luego también suele meterse con la textura, y luego puedes comenzar a notar que hay patrones repetidos en la textura, o la textura simplemente se ve un poco suave, y no se ve bien y en realidad podrás notar esa diferencia. Con solo mantener tu Zoom muy apretado y luego mantener tu pincel en el rango de 20-40 píxeles, puedes rodear fácilmente toda la cara. No debería notarse que estás perdiendo textura. Pero como dije, si lo sabes, eso es un problema, hay formas de obtener esos paquetes de textura, realmente no el fin del mundo. Ahora, he completado la gran mayoría de la cara aquí. También eres bienvenido a hacer la misma técnica en otros aspectos de tu foto, en la piel de tu modelo que incluiría sus manos. También puedes hacerlo en la prenda y la ropa. Pero esa es prácticamente la premisa para esta sección del flujo de trabajo, y esta es la idea general de lo que vas a hacer en este paso particular del flujo de trabajo. Simplemente usando la herramienta inpainting, puedes llegar muy lejos. Vas a eliminar muchas imperfecciones y realmente puedes aclarar la textura. De hecho, déjame mostrarte el antes y el después. No va a ser una diferencia gigantesca porque esta foto, como mencionaba antes, ya tiene una gran piel e hizo un trabajo increíble con su maquillaje, así que en realidad no había mucho que retocar despinar aquí. Pero si estás filmando una modelo y estás haciendo fotografía de belleza, y la modelo realmente no hizo un gran trabajo con el maquillaje o no tenías un maquillador en tu sesión, es cuando realmente vas a poder notar una mayor diferencia en cuanto eliminar manchas y acné y esa cosa. Pero ese es el paso fundamental para esta parte del flujo de trabajo, y podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección, vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos, así que te veré ahí. 10. Dodge y quemar: Hola mis amigos, aquí Davon Linux y bienvenidos de nuevo. En esta lección, quiero cubrirte y mostrarte una técnica en la industria conocida como Dodge and Burn. Si no estás familiarizado con la técnica Dodge and Burn, esencialmente es una técnica que usas para agregar contraste localmente en tu imagen modo que efectivamente significa que estás agregando más brillo a las áreas brillantes y estás oscureciendo las áreas oscuras de la foto, pero puedes pintar en el efecto en lugar de usar un control deslizante de contraste o una exposición o un punto negro y resalte deslizador que puedes encontrar en Photoshop Lightroom o aquí en Affinity Photo en las pestañas básicas de ajuste de exposición, esas afectan a la imagen globalmente. Con Dodge and Burn en realidad estás aplicando un efecto similar pero lo estás haciendo en un área muy localizada y muy específica, lo que te permite agregar más contorneado en contraste con áreas más específicas en las que quieres exagerar tu foto. Efectivamente también te permite quizás agregar reflejos que no existen, agregar sombras que no existen. También puedes contornear diferentes características de la musculatura y la mandíbula facial. Nariz, el puente de la nariz. Puedes hacer que las líneas de sus mandíbulas de las personas sean más angulares o hacerlas un poco más redondas. También podría relacionar temas y agregar una configuración de iluminación de dos o tres puntos con esquivar y quemar. En general, es muy efectivo y también es una excelente manera de que corrijas cualquier error de iluminación que hayas cometido al inicio, que en este caso, apunté mi luz ligeramente hacia la derecha aquí. Las manos de la modelo son tan brillantes como su cara, y eso me parece distrayente. Esa es la premisa básica de lo que es Dodge y Burn si no estás familiarizado con ella. Dicho esto, hay muchas técnicas diferentes sobre cómo puedes aplicar realmente Dodge y Burn localmente. Pero la forma específica que te voy a mostrar ahora mismo es la forma más fácil de hacer esto en photoshop, Lightroom, Capturar uno aquí y en Affinity Photo. Hay formas más avanzadas de hacer esto. También hay otros pinceles dedicados para hacer esto, pero encuentro que esta técnica es la más fácil y funciona en todas estas aplicaciones. Efectivamente lo que vamos a hacer es que vamos a usar una capa de ajuste de curvas. Vamos a establecer uno para iluminar la exposición de la imagen. Vamos a establecer otra para oscurecer la exposición de la imagen y luego vamos a poner ambas capas al modo de luminosidad. Te explicaré por qué lo hacemos más adelante. Entonces vamos a pintar sobre una máscara y vamos a aplicar el efecto en ciertas zonas. Para obtener esa configuración en Affinity Photo aquí vamos a pasar a nuestro control deslizante de ajustes. Vamos a bajar hasta que golpeemos curvas luego bajamos aquí a la spline. Vamos a tocar en el medio y vamos a posponer eso aquí mismo hacia el medio. Esos son los ajustes 0.38, 0.62 si quieres copiarlos, entonces voy a volver a las capas. Voy a agregar una nueva capa, capa de píxeles. Ven aquí a las curvas otra vez y vamos a volver a bajar a spline y vamos a bajar hacia el medio, 0.64, 0.34, lo contrario de lo que teníamos antes. Voy a volver aquí al panel Capas. Sólo voy a eliminar esa capa vacía. Ahora lo que vamos a hacer con estas dos capas que tenemos aquí, vamos a repasar a nuestras opciones de ajuste de curvas de mezcla y cambiar nuestro modo de fusión de normal a luminosidad. La razón por la que vamos a cambiar nuestro modo de fusión de normal a Luminosidad es para asegurarnos que este efecto solo afecte al tono y no afecte también simultáneamente la saturación o el color de tu imagen. A veces, cuando agregas una capa de ajuste de curvas, también puede aumentar la saturación o disminuir la saturación por lo que no queremos que ese efecto se aplique en este momento porque vamos a volver en una sección posterior de este flujo de trabajo para hacer realmente la corrección de color. Si aquí no configuramos este modo de mezcla a luminosidad, básicamente vamos a agregar más trabajo a una etapa posterior de tu flujo de trabajo y te va a ralentizar, en un esfuerzo por no tener que agregar más trabajo más adelante, solo configura el modo blend a luminosidad para que podamos evitar cualquier cambio. Ahora puedes notar que la imagen se ve loca. Lo que vamos a hacer, vamos a agregar una máscara vacía a esta capa y también vamos a agregar una máscara vacía a la capa inferior. También eres bienvenido a agrupar ambas capas si quieres ajustar los efectos de ellas simultáneamente y estoy a punto de seguir adelante y hacerlo. Puedo mostrarles el antes y el después y también podemos hacer que el efecto general sea mucho más sutil. primero es lo primero, vamos a ir a nuestra capa inferior, que va a ser nuestra esquiva. Se va a referir a esquivar básicamente la idea de esquivar es que estás agregando más exposición a los reflejos para acentuar los reflejos en una imagen. En este caso, donde quiero agregar más reflejos o específicamente voy a estar acentuando los ojos de los modelos, estamos moviendo algunas de las bolsas y sombras que están debajo de sus ojos. Añadiendo un poco más de reflejos a su nariz, su frente, agregando un poco de contorno a su mandíbula y mejillas, y luego agregando un poco de brillo a sus labios aquí. Sigamos adelante y seleccionamos la máscara y luego vamos a pasar a nuestra herramienta de pincel o pincel normal. Nuestros ajustes van a ser los siguientes. 100 por ciento de opacidad, 100 por ciento de flujo, 2 por ciento de dureza y vamos a simplemente básicamente establecer el tamaño del pincel en algo grande y luego solo podemos pintar en el efecto. Primero y ante todo, vamos a agregar un poco de resaltado. Esto puede ser muy duro ahora mismo, pero voy a ajustar la opacidad. Más tarde voy a abrir esta sombra debajo de sus ojos, encima de sus ojos para quitarle esas bolsas. Voy a añadir un poco más aquí. Voy a entrar, soltar esto, agregar un poco de resaltado ahí a los ojos. Ojos. Ábrelos, agrega un poco de resaltado debajo las cejas y luego agrega un poco de toque de resaltado solo a la frente aquí, saca la frente, vuelve a bajar, haz que el pincel sea más pequeño, agrega un poco aquí, un poco a los propios labios. Voy a añadir un poquito por debajo de aquí, acentuar eso y luego solo las mejillas aquí mismo. Voy a agregar un poco a las mejillas, obtener un poco de eso. Entonces me voy a subir al cabello agregarle un poquito al cabello. Haz esto mucho más pequeño. entonces vamos a entrar y vamos a añadir algunos trazos al cabello. Dale a eso un poco más de detalle. entonces dejemos caer la opacidad de esto para que esto se vea un poco más realista. Bajemos para alejar el zoom. Ya se puede ver cuánta diferencia está haciendo que se abran los ojos de la modelo. Te está dando que son un poco más de angularidad a su cara. Donde digamos 20%. Y ahora vamos a ir a la quemadura, que va a ser la capa superior opuesta. Asegúrate de que tenemos la máscara seleccionada y usando nuestro pincel sobre blanco, vamos a agregar más contorneado y sombras. Déjame hacer mi pincel un poco más grande. Agrega algunos ahí. Agrega algunos aquí mismo. Voy a agregar algo a las cejas, oscurecer un poco las cejas. Entra aquí y agrega algunos a nuestros párpados aquí debajo también. Tal vez haga que la pupila aquí sea un poco más oscura y luego tal vez esta línea justo por encima de este pliegue en el ojo. Haz eso. Entra agrega algo al cabello, oscurece el cabello y luego oscurece esta zona también. Ahora vamos a hacer la nariz, un poco contorneando hasta la nariz aquí. Debajo un poco hasta el labio aquí. Debajo del labio también y luego golpeamos nuevamente las mejillas. Por supuesto que todavía se ve increíblemente pesado con la mano. Sólo hay que poder ver el efecto. Entonces vamos a simplemente bajar la opacidad. Probablemente va a terminar haciendo 20 por ciento también aquí. ¿Bien? Ahora podemos apagar el efecto encendido y apagado. Ahora otra nota aquí, en realidad voy a usar el quemador para reducir realmente la exposición en las manos de la modelo. Pincel. Seleccione eso solo para reducir esta área también. Sólo porque estaba encontrando este punto culminante un poco brillante y distrayente, así que vamos a hacer eso. Bien, y eso también bajó un poco ese punto culminante así que no está enfocando la mayor parte de la iluminación en que tenemos aquí en el espacio modelo. También eres bienvenido a hacer la misma técnica en la ropa también si encuentras que algunas áreas de la ropa son brillantes y distraen y si quisieras sacar como otra área, o también puedes usar este efecto en el fondo, por ejemplo si quisieras agregar un poco de iluminación al fondo, eres bienvenido a hacerlo allí también y eso ayudará a igualar algunas de las sombras del fondo. Puedes hacer tantas capas como quieras entonces puedes usar una goma de borrar o un pincel suave para difuminar en estas dos áreas para que la transición sea mejor. Quiero decir que sólo un poco igualar el fondo un poco. Eres bienvenido a jugar con eso si tú, si no quieres que el fondo sea una cierta exposición, obviamente eso va a hacer que el fondo sea un poco más brillante ahí abajo y llevar la vista de tus espectadores ahí abajo. Puedes o no querer ese efecto, pero no puedes usar Dodge y Burn para acentuar también los detalles en el fondo. No tiene que ser solo para la cara y la ropa que va a estar en tu tienda. Pero fundamentalmente esa es la técnica de esquivar y quemar. Es una excelente manera de agregar contraste local y también fijar la exposición de ciertas áreas en tu foto. Es una gran técnica para que puedas relacionar también tu imagen si cometiste algún error con tu iluminación, o quieres agregar efectos de iluminación adicionales como una luz de llanta o un tipo diferente de iluminación de dos o tres puntos. También puedes colorear esquivar y quemar si quisieras hacer. Esas son técnicas más avanzadas que probablemente voy a mostrar en otro curso de Skillshare, pero solo dame un aviso. Esos también son posibles. Con esta técnica, podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección, vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos Te veré ahí. 11. Corrección de colores: Hola, amigos míos. Devaun Lennox aquí y bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a cubrir la corrección de color y la parte final de gradación de color de nuestro flujo de trabajo. Ahora bien, esto es normalmente donde harías el equivalente a hacer un punto blanco y negro estableciendo aquellos que usan un umbral en Photoshop, pero para este flujo de trabajo en particular en Affinity Photo, eso realmente no funciona tan bien, así que tienes que pasar por un enfoque más DIY de solo hacer corrección de color usando tus ojos en lugar de usar el panel de información y luego estableciendo sus colores por número. Hay muchas formas diferentes de corregir por color tus imágenes y finalizar tu balance de blancos y es posible que hayas notado que no hice el balance de blancos cuando hicimos las exposiciones básicas por primera vez cuando abrí la imagen por primera vez en Affinity Photo. Es en el punto del flujo de trabajo donde hago esas correcciones finales de color para obtener la imagen, el grado de color y el color que estoy buscando, en lugar del comienzo. La forma en que disparé esto, para empezar, lo filmé con un balance de blancos muy plano, así que realmente no necesitaba hacer ese ajuste para calentarlo ni nada por el estilo. Iba a volver a eso más adelante en el flujo de trabajo, pero eres bienvenido a establecer tu balance de blancos antes en el flujo de trabajo, pero creo que ahora mismo cuando estás llegando a finalizar tu imagen y estás haciendo la corrección de color final y tu gradación de color final es un momento perfecto para que realmente hagas el aspecto de color. Ahora, como decía antes, hay muchas maneras de corregir el color, especialmente en Affinity Photo, especialmente en Affinity Photo, pero me parece que la forma más fácil es simplemente usando el balance de color y luego simplemente agregando varios colores cian, magenta o amarillo a tus tonos medios en tus reflejos o tus sombras. Para mí, solo encuentro que los tonos medios que va a componer mayormente de la piel, solo hace un poco de frío, así que voy a agregar un poco más de rojo. No voy a ir demasiado lejos en el rojo, pero me parece que hacía un poco de frío, así que voy a añadir tal vez 15 ahí y luego fue un poco verde también, así que solo voy a agregar tal vez un menos 5 y te voy a mostrar el antes y después. Sólo caliéntelo un poco, que es un poco verde. Yo solo quería darle un poco más de vida a la piel, que es un poco verde y un poco descolorida ahí. Entonces para las sombras, eres bienvenido a agregar una coloración a las sombras. Si quisieras agregar más de un azul y darle a tu imagen más de un efecto de coloración. Voy a hacer un poco de eso, pero voy a añadir sobre todo más de una vibra magenta, violáceo rojizo y luego solo el efecto globalmente después. Voy a darle algo así. Ahora bien, esto es solo hacer gradación de color general y solo voy a dejar caer la opacidad de esta capa hacia abajo. No quiero ser tan obvio, pero quiero que sea un poco de una sutil coloración ahí dentro. añadimos un poco más de Aquí añadimos un poco más de un acabado magenta-rojizo. Ahora bien, en esta sección también, estaría pasando y también haré mis correcciones finales de color de piel. Te voy a mostrar las técnicas sobre cómo colorear la piel correcta si tienes que colorear la piel correcta. La forma en que filmé esta imagen, y el hecho de que uso un plato de belleza, la iluminación era muy pareja y realmente no había la iluminación era muy pareja y realmente no había muchos tonos en los diferentes colores que había en la habitación, así que realmente no necesito arreglar esos muchos colores específicamente, pero la premisa básica es que vas a abrir una nueva capa en tu programa de edición. Vas a cambiar el modo de fusión a color, también eres bienvenido a usar promedio también. Promedio, te lo mostraré aquí en breve, pero el promedio también tomará la exposición del área circundante y luego también lo usará como parte de su ajuste para el color, y luego vas a muestrear un área determinada usando el pincel, asegúrate de que tu pincel esté seleccionado, muestrea un buen valor de tono medio, y luego vas a pintar en las otras áreas que encuentres que distraen desde el punto de vista del color. Entonces lo que vas a hacer es simplemente ajustar la opacidad hasta que encuentres una buena mezcla entre el color de piel original que crees que es el mejor color para la piel modelo y luego el área problemática. Eso es básicamente lo que vas a hacer. La única zona en esta foto que vería que potencialmente sería un problema es solo el área de la boca de la modelo aquí mismo, es solo un poco verde. Voy a seguir con esto y solo te voy a mostrar de lo que estoy hablando aquí. En este caso, quiero algo más saturado y luego pintaría sobre esta zona para calentar toda esta zona y deshacerme de ese tono verdoso de esta zona y efectivamente solo estoy agregando más saturación y ahora, si voy mucho más alto, se puede ver de lo que estoy hablando aquí. Voy a gustar 30% y te voy a mostrar el antes y el después. Simplemente le agregó un poco de calidez y se deshizo de ese tono verde que estaba ahí, pero hay otra técnica que quiero mostrarles. Esto es algo que haría en esta parte del flujo de trabajo, es usar una capa de modo de mezcla promedio para igualar más tonos. Para ello, vas a crear una nueva capa. Vas a subir aquí, cambiar tu modo de mezcla de normal a promedio, que está justo aquí. El promedio también es como la capa de color, pero también toma la exposición del área que has seleccionado y la usa como línea base y es una excelente manera de finalizar la exposición de un área determinada y es un poco más localizada que usar esquivar y quemar. Esa es parte de la razón por la que lo hago aquí. Ya verás de lo que estoy hablando aquí. Básicamente agregará exposición y color a estas áreas de las manos. No sólo iguala esa zona en términos de tono, sino que además agrega el mismo color. Es un atajo realmente interesante para hacer dos cosas en una. Puedes arreglar un área y hacer que se vea mucho más fluida en términos de color y tono. Notarás que ahí estaba más oscuro y luego también rellenó el color. El color de aquí abajo es muy similar al color de aquí arriba. Es arreglar ambos problemas para ti a la vez. Es un pequeño gran hackeo. Esto en realidad es algo que haría para arreglar los antecedentes, que es lo que voy a hacer ahora mismo. Voy a volver aquí, establecer eso de normal a promedio, y en realidad voy a arreglar el fondo para promediar el fondo. Esto es en realidad algo que también haría en esta etapa del flujo y solo pintaría el fondo para igualar todo el fondo. Ahora voy a hacer esto muy rápido, pero sería una buena idea que dediques algún tiempo a esto. Voy a regresar. Solo quiero cambiar la exposición en la parte inferior. Puedes hacer todo el fondo de esta manera si quieres que el fondo en su conjunto sea muy, muy parejo y esto te dará un trasfondo de aspecto muy profesional si vas a hacerlo de esta manera. No tienes que hacer todo el fondo. Yo solo voy a hacer el fondo solo para deshacerme de esta viñeta de aquí abajo y te darás cuenta del antes y el después, solo se deshizo de todo eso y también iguala el color del fondo también y lo hace más parecido al fondo que probé aquí arriba. Ese es un buen hack fácil ahí para que entres y hagas múltiples cosas a la vez. Déjame agrupar los cambios que acabamos hacer para que veas el antes y el después. Eso es antes y eso es después, y luego vamos a entrar en la cara. Acabamos de igualar el tono de las manos ahí y luego igualamos la cara. Pero eso es lo que haría en esta sección del flujo de trabajo cuando se trata su gestión final del color, agregue un poco de grado de color. Entonces también me aseguraría de que la cara de la modelo no tenga colores desiguales. Todo está bien y parejo y entonces me aseguraría si hay manos o ropa, alguna distracción del color en las manos, puedes seguir adelante y arreglar eso con la técnica de color que te mostré antes. En este punto también, si querías arreglar el telón de fondo o usar la técnica promedio para arreglar tu exposición y tus colores simultáneamente, este también es un excelente momento en el flujo de trabajo para hacer eso antes finalizar y agregamos nuestra nitidez y luego exportamos nuestra imagen para la web o para impresión. Podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección, vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos, así que te veré ahí. 12. Definición: Hola mis amigos y bienvenidos de nuevo. En este video, vamos a afilar nuestra foto para prepararla para exportarla. Ahora, hay muchas maneras de afilar tus imágenes cuando se trata de Adobe Photoshop, Lightroom y aquí en Affinity Photo. Pero me parece que la forma más fácil de lejos va a ser usar la máscara desafilada. Eso te va a permitir tener mucha flexibilidad en cuanto a dónde estás aplicando la nitidez, pero luego también tu umbral y la configuración de la nitidez que estás aplicando a tu imagen. Te voy a mostrar cómo configurar esa función en particular. Pero como dije, hay muchas otras formas en las que puedes afilar tus imágenes. Primero, lo que tienes que hacer es básicamente seleccionar todas tus imágenes y vas a crear una nueva capa. Porque estos filtros que vamos a aplicar sólo pueden funcionar en una capa rasterizada aplanada. No funcionan en múltiples capas, tienen que ser aplanadas y rasterizadas. Además, vas a seleccionar todas las capas aquí en Affinity Photo, sube aquí y luego vamos a golpear “Merge Visible”. Eso va a crear una nueva capa superior de todas las capas que seleccionamos debajo de ella. Entonces vamos a pasar a nuestra pestaña de filtros. Vamos a desplazarnos hacia abajo y darle a “Máscara de desenfoque”. Ahora, lo que vas a hacer es establecer tu factor, que es el equivalente al deslizador de cantidad en Adobe Photoshop. Vas a establecer eso en 50 por ciento y luego usar un radio entre uno y dos píxeles. Sólo voy a configurarlo en dos píxeles, pero puedes configurarlo en uno si quieres un efecto de nitidez más sutil. Entonces lo que vas a hacer es ajustar el umbral, para que solo agregue el afilado solo a los ojos de la modelo, las cejas, y un poquito del cabello. Porque estos van a ser algunos de los elementos que van a estar más alejados, supongo, hacia el plano de la cámara. Ellos van a ser abrochados. Vas a ajustar el afilado hasta que apenas estemos empezando a conseguir la tapa ahí. Puedes usarlo antes y después para que esto sea más fácil para ver lo que está pasando aquí. No quieres estar afilando demasiado el cabello, pero al mismo tiempo quieres asegurarte de que esté afilando los ojos y los labios. Probablemente voy a volver a bajar a cerca de 15, donde está agregando un efecto. A lo mejor pueda bajar un poco más y hacerlo un poco más potente. Tal vez 12, definitivamente está agregando efecto sobre eso. Se puede ver justo por aquí en las pestañas. Entonces vamos a golpear “Aplicar” y eso es fundamentalmente todo lo que tienes que hacer. Ahora lo único que hay que destacar, posible que desee cambiar esto de un modo de mezcla normal a luminosidad. En ocasiones, cuando aplicas estos efectos de nitidez, a veces también pueden agregar coloración, generalmente un fleco púrpura a los halos y provoca decoloración al afilado. Si quieres evitar eso o estás notando que usar la Máscara Unsharp en tu aplicación, debes cambiar el modo de fusión a luminosidad. Sólo se aplica básicamente en cambio de exposición, exposición y un cambio de color. Pero eso es fundamentalmente todo lo que vamos a hacer para agudizar nuestra imagen. Podemos comenzar a pasar a la siguiente parte del flujo de trabajo de postproducción. En la siguiente lección vamos a cubrir el siguiente conjunto de pasos. Te veré ahí. 13. Exportación: Hola mis amigos. Devon Lennox aquí y bienvenido a nuestra lección final en el flujo de trabajo de posproducción. Ahora vamos a exportar nuestra imagen tanto como JPEG de alta resolución para nuestros archivos, como una imagen lista para la web que podríamos publicar en redes sociales. La forma más fácil de exportar una Affinity Photo va a ser subir aquí a nuestro menú principal y golpear “Exportar”. Ahora, tienes mucha configuración y formatos de archivo a los que podrías exportar. Sin embargo, el mejor formato de archivo para exportar fuera de Affinity Photo que va a maximizar tanto la calidad de imagen y luego también reducir el tamaño final del archivo, por lo que obtendrá un archivo de imagen de 25, 30 o 100 megabytes de tamaño o más grande, va a ser un JPEG. Podrías usar un PNG, pero se ponen bastante grandes. Podrías usar un TIFF, pero también se vuelven bastante grandes también, y luego no hay un beneficio realmente gigantesco en esto. Vas a ir a Photoshop o Illustrator para usar cualquiera de estos otros formatos que son muy para exportar a otras aplicaciones. Pero como solo estamos exportando solo para guardar la imagen para nuestros propios archivos, todo lo que tienes que hacer es golpear la opción JPEG aquí mismo. Dejaré las dimensiones como se establece desde su cámara, que debería estar alrededor de 4,000 por 6,000 píxeles. Calidad de imagen, voy a dejar eso maximizado al 100%. Ahora eres bienvenido a jugar con el perfil ICC, que va a ser tu perfil de color. Yo sugeriría simplemente dejarlo como sRGB, que es una de las opciones que podrías seleccionar al configurar tu lienzo al principio. Le invitamos a ponerlo a Adobe RGB si tiene un monitor que esté calibrado para Adobe RGB, o si solo quiere usar DCI-P3 si tiene un dispositivo Apple que admita ese formato. No obstante, para la mayoría de nosotros, sRGB va a ser la mejor opción. Luego, una vez que selecciones que Affinity te proporcionará el tamaño final de tu archivo y todo lo que tienes que hacer es hacer clic en “Bien” y podrás guardarlo en cualquier ubicación de tu iPad. Lo voy a poner aquí, y lo voy a poner en procrear por el momento. Simplemente puedes guardarlo ahí, y reemplazarlo. Entonces boom, ahora tenemos nuestra imagen JPEG exportada que está lista para nuestra copia de seguridad. Ahora bien, ¿cómo se exporta para redes sociales? Los mismos procesos que antes. Ir al menú principal en la exportación, luego vamos a asegurarnos de que JPEG esté seleccionado. La única diferencia aquí es que vas a ajustar este control deslizante de calidad hasta que obtengas el tamaño final del archivo aquí abajo generando una vista previa por debajo de un megabytes de tamaño. Eso va a estar alrededor del 50%. Vamos al 49. Sólo vamos a asegurarnos de que el tamaño del archivo sea inferior a un megabyte, así que 950 kilobytes deberían estar bien. Entonces vamos a golpear “Bien”, y podemos guardar eso en la misma carpeta que antes. Yo sólo voy a venir aquí y escribir uno y golpear “Guardar”. Ahí estás. Ahora ha exportado tanto su JPEG de alta resolución para su copia de seguridad con fines de archivo, pero también ha exportado un JPEG de alta calidad que es más pequeño en tamaño de archivo que es excelente para compartir en la web. Eso concluye ahora nuestro flujo de trabajo completo de posproducción, y ahora tienes todos los pasos sobre cómo finalizar tu imagen y llevarla a un nivel verdaderamente profesional. 14. Reflexiones finales: Ahí lo tienen amigos míos. Hay fotografía de belleza económica en casa desglosada de principio a fin. Quiero darle las gracias por tomarse el tiempo para ver esta clase. Espero que las técnicas y habilidades que muestro lo largo de esta clase te hayan ayudado de manera significativa, y espero que hayan demostrado que cualquiera de nosotros puede capturar imágenes dignas de revistas. Por supuesto, todavía hay mucho valor en alquilar o comprar un espacio de estudio comercial. Pero la realidad es que puedes replicar estos resultados en casa sin bifurcar otra hipoteca en el proceso. Tampoco hay razón por la que tengas que usar equipos o equipo de la más alta calidad para esta forma de fotografía. Cualquiera puede hacer esto. Es solo cuestión de conocer las técnicas básicas y tener un flujo de trabajo seguro. A partir de ahí encontrar un buen modelo y práctica. Pero de cualquier manera, ahora estás totalmente equipado para hacer frente a este medio. Cubrimos las herramientas necesarias como luces, configuración de su cámara, las mejores prácticas con ellas, qué considerar tanto en el set como de antemano, y el flujo de trabajo completo de posprocesamiento. Depende de ti tomar la batuta de aquí y salir y mostrar tu visión al mundo. Hablando de mostrar tu visión al mundo, tu proyecto de clase es subir tu propia sesión editorial de belleza. Te animo a que te pongas creativo y además a no ser perfeccionista, sobre todo si este es tu primer intento en este medio. También les doy la bienvenida a publicar cualquier obra en curso o incluso un proyecto totalmente terminado de años anteriores. De cualquier manera, el objetivo es que aprendamos y crezcamos juntos. Si tiene algún comentario o pregunta de seguimiento para nosotros con respecto a esta clase, háganme saber contactando aquí a través de Skillshare. Espero poder publicar más cursos en esta plataforma y seguir ayudándote a crear tu visión. Sin embargo, con eso dicho, he sido tu anfitrión Devaun Lennox y te veré la próxima vez.