Fotografía de bellas artes: cómo crear un autorretrato único

1. Introducción: Hola, me llamo Maureen Eggleton. Soy fotógrafo de retratos aquí en Los Ángeles. Ayudo a trabajar con modelos y agencias en ciudades como Tokio, LA, Shanghái, y Ciudad de México. A lo largo de mi carrera, he sido muy apasionado por la fotografía de retrato de bellas artes ya que me permite expresar mi punto de vista sobre una idea sin ninguna restricción. En esta clase, les voy a mostrar todo mi proceso creativo para que puedan tomar sus propias bellas artes y retratos en la comodidad de su hogar. Te enseñaré las mismas técnicas que uso para inspirarme y llegar a ideas geniales para tus retratos. También te compartiré algunos consejos y trucos para saber cuál es el mejor lugar para disparar dependiendo si tienes luz natural disponible o tal vez tienes una lámpara. No necesitas ningún equipo de fantasía para lograr grandes imágenes, así que no te preocupes por ello. También te llevaré detrás de mi cámara para que veas cómo me tomo retratos en un espacio diminuto, así como cómo los edito en Lightroom y Photoshop. Esto va a ser emocionante porque es la forma que estarás dando tu estilo artístico a tu fotografía. Algo que es muy cool de esta clase es que está enfocado en el desarrollo tu creatividad y fomentar la experimentación en lugar de seguir reglas. Al final de esta clase, estarás listo para aplicar estas habilidades creativas, no sólo para tomar algunos retratos sino también para tomar unos retratos de bellas artes para otras personas. Esta clase está dirigida a cualquier persona que ame dar rienda suelta a su creatividad para crear algo personal con lo que tenga disponible, o una introducción para los interesados en el mundo del retrato de las bellas artes. No puedo esperar a ver qué crea, y si tiene alguna pregunta o tiene algún comentario, por favor hágamelo saber en la sección de discusión a continuación. Yo estoy aquí para ayudar. Muchas gracias y nos vemos pronto. Adiós. [MÚSICA] 2. Introducción al proyecto: cómo se prepara: Nuestro objetivo para esta clase es crear un autorretrato de bellas artes que cuente una historia o que comunique una idea o sentimiento. Podría ser una experiencia que tengas en tu vida, algo que te apasione, o lo que quieras decir que represente tu mundo interior. Por ejemplo, de mi última serie, Agnostic Getting, la idea que se me ocurrió desarrollar con lo mismo que les voy a mostrar en esta clase es cómo reconocerme como soy a través de la vulnerabilidad. Lo que me encanta de la fotografía de bellas artes es la libertad de crear algo personal que muestre nuestra perspectiva única sin ninguna restricción. Lo mantendremos simple, creando con lo que está disponible. Conocimientos básicos de tu cámara y software 18 serían útiles. Yo personalmente uso una cámara DSLR, trípode y mando a distancia, y una ventana o lámpara como fuente de luz. No se necesita ningún equipo de lujo. Si no tienes un trípode, siempre puedes usar una mesa o una pila de libros para colocar tu cámara. Si no tienes un control remoto, puedes usar una configuración de temporizador para lograr el mismo resultado. Para edición, utilizo un Lightroom y Photoshop. Pero si no tienes el Lightroom, eso está totalmente bien. Puedes lograr resultados similares en cámara con Photoshop. Esta es la oportunidad perfecta para construir tus habilidades de resolución de problemas, las cuales te serán muy útiles a la hora de desarrollar otros proyectos. Antes de saltar a la acción, tengo algunos consejos para ti. Comience con la mentalidad correcta. Elegí este descanso porque trae libertad de expresión tanto a los principiantes como a los profesionales por igual. No se trata de perfección ni de seguir las reglas de la fotografía. Todo esto se trata de expresión, experimentación y creatividad. hora de crear flits de autoestima, es útil entender que sentirse incómodo o vulnerable delante de la cámara, está absolutamente bien. Si te sientes incómodo, siempre puedes empezar eligiendo otras partes de tu cuerpo y tomarlas fotos. Por ejemplo, tus manos, también pueden contar la historia. Te sentirás frustrado y atascado a veces a lo largo del proceso, y eso está absolutamente bien. Todos los artistas pasan por eso. Simplemente sigue adelante, abraza, y disfruta el viaje. Con eso dicho, abramos las puertas a nuestro mundo interior. No olvides compartirte retrato en la sección de puentes, para que podamos disfrutar de tu perspectiva, y también para darte retroalimentación constructiva. No puedo esperar a ver lo que crea tu. Nos vemos en la siguiente lección. 3. Inspírate: alimenta tu imaginación: Hay muchas maneras de inspirarse. En esta lección, te voy a guiar por una de mis técnicas favoritas para que tu cerebro se alimente con elementos creativos. Esto te ayudará en el proceso de cristalizar la idea o historia principal para tu autorretrato. Antes de sumergirte en nuestro mundo interior, te animo a que encuentres lo que llamo mi lugar feliz. Mi lugar feliz significa sentarme en mi sofá hinchado, me pongo los auriculares, no hay nadie alrededor para que realmente pueda estar en mi mundo interior inspirándome sin ninguna distracción. Pero para ti, tu lugar feliz podría significar algo diferente, como la playa o un parque. ¿ Estás listo? Vamos a sumergirnos. Elige una o dos actividades que te traigan alegría. Puedes ver videos musicales, escuchar música, ver películas, leer poemas, revisitar fotos y puede ser alguna hasta tu último viaje de viaje, eso es algo que realmente me da inspiración. Ver un documental o, por ejemplo, obras de fotógrafos y pintores, que realmente ayuda también. Dé un paseo. Para aquellos de ustedes que puedan tener muchas ideas ya escritas, léalas de nuevo, porque eso también puede ser fuente de inspiración.Recomiendo encarecidamente que pasen 30 minutos de lo menos de esta actividad y que observen y escuchen los detalles profundamente. Por ejemplo, si estás viendo una película, asegúrate de prestar atención a los colores, sonidos, vestuario, o si vas a dar un paseo, también puedes traer tu celular y tomar instantáneas de las cosas que dibujan tu atención o incluso grabar el sonido del pájaro. Recuerda, inspirarte significa dejar que tu mente absorba información de otros lugares, para que puedas llegar a tu propia idea. Copiar no es una opción. Como referencia, las fotos de mi serie [inaudible] nacieron de una inspiración que obtuve después de ver muchos videos musicales que tienen danza contemporánea, buscar en los videos de Sigur Ros. También me inspira usar videos que son música triste, melancólica que tiene ritmos bajos, letras, pintores renacentistas como Botticelli. Me encanta su trabajo y otros fotógrafos como el amargo Lindbergh. Pero puede que te guste el heavy metal, los unicornios. Haz que estos procesos sean tuyos. Siéntete libre de tomar algunas notas sobre lo que ves o escuchas. En realidad tengo un cuaderno especialmente para eso, pero no te preocupes tanto porque en la siguiente lección, usaremos todos esos elementos que te inspiraron para acotar la idea por ti mismo retrato. Esto es todo por ahora. Disfruta de inspirarte, dete algo de tiempo para observar la información en tu mente subconsciente, y te veo en la siguiente lección. 4. Acotando la idea: 6 sencillos pasos: Ahora, que hemos infundido nuestro cerebro con elementos del grial, les voy a mostrar uno de los mismos procesos que se utilizan para crear mi trabajo personal. Yo elijo este proceso ya que tiene impulsos que te ayudarán a destilar toda la información que tienes en tu mente subconsciente, hasta que la estrechemos la idea principal para tu autorretrato. Esta lección funciona en conjunto con la lección anterior. Te animo a verlo primero si no lo has hecho y luego continuar con esta lección. posible que sientas que este proceso es un poco la estructura porque requiere que respondas preguntas, pero si pasas por el mismo proceso una y otra vez, el proceso se volverá automático ya que tu cerebro ya sabe cuáles son los preguntas. Ahora, cuando hago este proceso por ejemplo, ya no pienso en las preguntas, mi escritura simplemente fluye. Aquí te damos una mirada rápida y los pasos que vamos a trabajar en estas lecciones. Puede parecer mucho, pero este proceso me lleva no más de 25 minutos más lo disfrutarás mucho. Evaluación de introspección y claridad. Aquí usarás tu introspección y habilidades para responder cuatro preguntas relacionadas con lo que te inspiró. Contesta a fondo las siguientes preguntas. ¿ Por qué amaste o disfrutaste de lo que viste o escuchaste? ¿ Había algo en particular que atrajo su atención? Si es así, ¿qué fue y por qué te atraía? ¿ Qué sentimiento tenías sobre lo que veías o escuchabas? ¿ Se puede relacionar con lo que vio o escuchó de alguna manera? Escribe todo lo que te venga a la mente. Simplemente escribe, escribe hasta que pierdas los dedos. Esta es una actividad íntima donde nadie está juzgando, y la oportunidad perfecta para que seas solo tú. Por ejemplo, en el momento en que estaba trabajando en este proceso para el que más tarde ser Agnoscere, mis respuestas a las preguntas fueron las siguientes. Definir los elementos que conectan con tu corazón. Estas son ideas que surgirán de tus respuestas en la evaluación de la claridad, y pueden ser utilizadas como los bloques de construcción para tu autorretrato. Ahora, que tengamos nuestras respuestas, lo que hago es subrayar las palabras que más se conectan y resuenan con mi corazón. De los que sientes, sí, esto es todo, tengo que trabajar en esto. El objetivo es filtrar tanta información como podamos para que podamos llegar al elemento principal. Echemos un vistazo a mi proceso. Estas son mis palabras o elementos elegidos, y siento una conexión muy fuerte con ellos. Ahora, que tenemos subyacentes a los elementos, es hora de definir o elegir el elemento principal. El elemento sería el valor central, la idea principal sobre tu autorretrato. En mi caso, se reconoció mi idea principal detrás de cada foto de mi serie Agnoscere. Ahora, es el momento de escribir un comunicado sobre la idea principal. El comunicado significa una declaración sobre cuál es el mensaje principal en tu autorretrato? En otras palabras, sería, ¿de qué se trata tu autorretrato? De esto se trata mi retrato y como pueden ver, se incluye la palabra reconocer que son mis elementos principales. También, he incluido otras palabras o elementos que elegí. Por ejemplo, las palabras imperfección y vulnerabilidad como todos estos son elementos que ayudan a transmitir la historia de mi retrato. No te preocupes si la gente recibe tu mensaje o no porque el arte es subjetivo. Cuando alguien vea tu trabajo, significará algo diferente para ellos. Por ejemplo, la primera vez que una de mis amigas así mi erosión laboral, ella pensó que era algo que ver con la película de terror en Japón, El rencor o algo así. Pero para mí se trata de la soledad y de cómo nuestros cuerpos volverán a ser suciedad algún día. Ella es japonesa así que cuando me dijo eso, tenía todo sentido para mí. Una vez que le explico sobre mi declaración, ella entendía totalmente de dónde venía. Creo que la conclusión aquí es no puedes controlar lo que piensan los demás sobre tu trabajo, eso está absolutamente bien. Crea porque amas el arte, crea para ti mismo y no te preocupes por nada más. Si la gente tiene curiosidad, siempre leerán o una declaración o buscarán tu declaración en tu post de Instagram, en tu sitio web o lo que sea que publiques, y ellos aprenderán más sobre ti, quién eres, y dónde estás proveniente de. Ahora nos acercamos a la última parte del estrechamiento del proceso de idea, y estoy muy emocionado porque esta es la parte que más disfruto, y espero que la disfruten también conmigo. Vamos a sumergirnos. Escribe un párrafo que describa tu visión. ¿ Cómo te gustaría usar algunos o todos los elementos que subrayaste para informar o inspirar tu autorretrato de bellas artes? Aquí la idea es imaginar ¿qué te encantaría ver reflejado en tu autorretrato? Escribe un párrafo describiendo todo lo que ves en tu imaginación. Al igual que otros elementos tus subrayados anteriormente incluyen acciones que quizá quieras ver en tu retrato. Podría ser poses potenciales, también puedes incluir otros detalles como el tipo de iluminación, si vas a usar maquillaje o no, o si vas a usar utilería. Por ejemplo, puedes usar espejos, flores, frascos, como símbolos para ayudarte a contar tu historia. Por ejemplo, en mis fotos, uso muchas flores porque representan mi infancia. Es mi visión para tu referencia. El paso final es crear un boceto de ensayo. Muy fácil como puedes dibujar como un niño, eso servirá como una instantánea de cómo te gustaría que se viera tu autorretrato. En este ejercicio, utilizaremos nuestro párrafo de visión así como palabras subrayadas y la declaración para ajustarse a ese boceto. Vale chicos, como pueden ver, no sé dibujar y eso está absolutamente bien. Lo que busco es tener una instantánea o hoja de ruta de cómo va a quedar mi retrato. A mí me gusta tenerlo a mano porque siempre es fácil volver atrás y ver lo que me falta. Me gustan estos porque siempre veo cuáles son mis elementos y mi elemento central, así como los apoyos, tipo de iluminación, y todos los detalles. Obviamente, esto va a cambiar porque voy a estar experimentando, pero me da una idea general. Por lo que te recomiendo tenerlo a mano también. A veces elegí palabras. Por ejemplo, uno de mis elementos fue la fusión. Puede parecer que la palabra no es fácil de representar con un prop, sin embargo, sé que puedo usar la palabra fusión representada por mí, abrazándome. Solo para darte un poco de idea de cómo puedes usar tu creatividad para implementar tus elementos sin usar utilería. El boceto es una instantánea de cómo te gustaría que fuera tu retrato pero no es la ley. Puedes ser flexible y cambiar las cosas mientras estás disparando. Para recapitular, así es como se ve el proceso después de seguir todas las indicaciones. Esta clase es todo acerca de la expresión, la flexibilidad y la creatividad. Si no sientes que quieres usar un elemento o mostrarlo, o no sabes aplicarlo, siéntete libre de descartarlo o cambiarlo por otro elemento. Este es tu mundo y puedes cambiarlo en cualquier momento. Cuando estaba creando Agnoscere, pensé que quiero que sea en color. Probé muchas adiciones, sin embargo, sentí que faltaba algo. Sentí que la imagen no tenía una cualidad o elemento de melancolía o intimidad que buscaba. Entonces elegí cambiarlo a blanco y negro y me encanta absolutamente. Espero que hayan disfrutado tanto de esta lección como yo. Muchas gracias por ver y nos vemos en la siguiente lección. Adiós adiós. 5. Es hora de tomar: mira cómo se hace: Ahora que has reducido tu idea, es hora de disparar y dar vida a esa idea o historia. Originalmente pensé que estaría rehaciendo uno de mis autorretratos en mi serie y Nosgere, pero pensé que sería muy divertido darle un giro y crear un nuevo retrato de bellas artes usando la misma idea, pero esta vez estoy haciendo apoyos para que puedas ver cómo se puede representar una idea de muchas maneras. A lo largo de esta lección, voy a compartir con ustedes mi flujo de trabajo de rodaje, así como cuáles son las decisiones creativas que tomo a lo largo del proceso y por qué lo hago, empecemos. Lo primero que hago es asegurarme de tener a mano mi boceto que pueda recordarme qué idea quería transmitir, así como si los elementos que voy a estar incorporando, tener esta hoja de tramposos me ha ayudado gran medida porque no tengo que retener todo en mi mente y luego puedo enfocarme en otras cosas como cómo estoy posando. Después me pongo cómodo y empiezo a tomar tomas de prueba para ver cómo se ve la configuración, por ejemplo, muestra el aspecto de la iluminación. Por cierto, hablando de iluminación, animo a echar un vistazo alrededor de su casa y ver qué tipo de luz está disponible. Por ejemplo, me puse en medio de una habitación y tomo tomas con las sombras abiertas y cerradas, y encendiendo y apagando mi lámpara de techo para ver qué configuración podría caber potencialmente la sensación que quiero transmitir mejor. Juega con tus luces y mira lo que descubres. Volviendo a ponerme cómodo, comencé a tomar tomas de prueba con mi mando a distancia para ver si mis pantallas triples están en buena posición o si necesito reajustar. Como pueden ver, mi triplicado se colocó demasiado alto, así que tuve que ajustarlo. La mayoría de las veces pretendo que la lente juegue a mi nivel de ojo como si estuviera hablando con un amigo, conozco esta colocación porque un contacto con el público es más personal cuando estás mirando directamente a la lente. También reviso cómo se ve todo en términos de poses potenciales y utilería del usuario antes del lanzamiento o de tomar las tomas. Recuerda, ¿necesitas un mando a distancia? La mayoría de las cámaras cuentan con temporizador de ahorro, por lo que puedes usar totalmente esa función. Una vez que sienten que todo se ve bien, empiezo simple, no tengo apoyos y debería una y otra vez practicar diferentes poses, que por cierto es mucho más fácil cuando estás sentado. Me encanta este proceso porque es como un calentamiento donde mi cuerpo se está poniendo cómodo con la incomodidad de no saber qué hacer sin sostener un prop, me ayuda a estar consciente de mis manos y me ayuda a explorar cómo puedo posarlas. En cuanto a la luz va, opté por empezar con los tonos detrás de mí cerrados y solo tener los tonos de mi ventana izquierda abiertos, para que pueda cubrir sensación más íntima y romántica y siempre traté de dejar algo de distancia entre donde estoy sentado y el telón de fondo para que pueda tener más profundidad de campo y la imagen se vea más dimensional y no plana. A medida que me siento más cómoda, empiezo a agregar utilería y a partir de ahí, lo único que hago es enfocarme en experimentar y revisar constantemente en la parte posterior de mi cámara para ver cómo se ve todo. Estaré cambiando utilería, poses e iluminación hasta que me pegue con una combinación de elementos que me encanta absolutamente y siento que representa de qué se trata mi retrato. En este caso, opté por tener mis ojos cubiertos ya que se asemeja a la vulnerabilidad y la capacidad reconocerme usando otros sentidos y de cerrar todos mis tonos y usar mi plafón ya que me encanta absolutamente lo dramático relleno y movimiento que logré con esta luz. Tip, si optas por usar tu lámpara de techo u otra lámpara sin difusión, tomando en consideración que puede conseguir una luz más dura que suave, lo probablemente hará que todas tus líneas de expresión, bolsas para los ojos y textura de la piel exploten. Lo que hago para minimizar esquema poco favorecedor es lucir un poco extraño para que la luz se caiga, que la piel se vea más suave si se quiere, pero nunca miro directamente a la bombilla ya que puede dañar mi vista. Esto es todo, estás todo listo. Anda y califica tu retrato de bellas artes. Nos vemos en la siguiente lección. Adiós. 6. Edición en Lightroom y Photoshop parte 1: Estoy muy emocionado porque la edición es una de mis partes favoritas. Entonces para esta lección, te mostraré cómo juego con Lightroom para lograr una mirada melancólica e íntima, como lo describo en mi visión, y también jugando con modos de fusión en Photoshop para agregar pequeños detalles como flores de imágenes de stock. Estos darán a la imagen un poco más de singularidad y simbolismo. Entonces esta es la imagen que elegí editar, y lo primero que voy a hacer es recortarla para obtener una composición deseada. A partir de aquí, mi objetivo laboral en Lightroom es crear una imagen que tenga un bello contraste ya que quería reflejar mi visión y también porque estaré jugando con modos de mezcla en Photoshop y normalmente las fotos contrastivas funcionan mejor si estás usando modos de fusión. Entonces lo primero que voy a hacer aquí es traer un poco mi exposición, y voy a estar bajando oscuros y sombras, estoy trayendo destellos y blancos para lograr este look. Sé que se ve naranja y se ve oscuro, pero está totalmente bien. Debería dibujar. Entonces sé que tengo todos los datos en mi imagen para jugar con todos los rangos de colores, luces, y tonos. Entonces voy a mantener la calidad, muy buena calidad de mi imagen. Estaré bajando mi saturación y también otros valores para que se vea más neutro, menos saturado, más natural. Busco más como un tono cremoso, si se quiere. También voy a estar trabajando en mi curva de tono para realzar este contraste. Nuevamente, busco un contraste con muy bien equilibrio y hermoso. No estoy buscando algo muy blanco y muy oscuro. Siempre es el equilibrio lo que hace que las cosas se vean hermosas y con transición entre las luces y los oscuros. A mí me gusta realmente llevar colores a la imagen. Entonces por ejemplo, sé que mis tonos son verdes, así que voy a llevar un poco más del color a los tonos, y sé que mi piel se está poniendo verde con este encendedor. Pero eso no me preocupa porque mi gradiente es más ligero, diría que dice más ligero. Por lo que el color verde se va a mostrar sólo en los tonos así, y el color en la piel se va a quedar hermoso. Por lo que es de cortesía y se ve muy bonito juntos. Sólo pequeños ajustes otra vez. Ya verás que voy a estar recortando y moviendo las cosas una y otra vez porque siempre afino y afino hasta obtener la imagen que busco, el estado de ánimo. A veces es mucha intuición, y me encantará, por ejemplo, aquí en la tonificación split para traer a mis sombras tonos fríos y traer tonos más cálidos a los reflejos. Entonces creo que esto da una mirada cinematográfica, creo, y solo toco. Yo juego mucho con mi intuición y también, aunque por supuesto tengo una visión, también dejo que mi creatividad y mi intuición me lleven porque siento que la imagen me está diciendo : “Oh, este es el buen camino”. O bien, “Esto no está funcionando”. Por lo que no me siento constreñido. De verdad tocaba y disfruté jugando por ahí. Está bien. Por ahora, vamos ahora a cambiarlo a Blanco y Negro porque es importante para mí ver cómo se ve el contraste. Cuando lo cambias a blanco y negro, realmente puedes ver el contraste y me gusta mucho lo que estoy viendo. Reviso mi antes y después y como pueden ver, ha cambiado mucho y realmente estamos logrando un look hermoso. Siempre ajustando, siempre cambiando pequeños detalles por corridas hacia abajo, situación hacia abajo hasta que obtienes el look que buscas. Esto es íntimo, esto es de mal humor y me encanta. Está bien. Ahora, sé que también puedo realzar mi cabello, los reflejos en mi cabello y para eso elegí el pincel y estaré jugando con la exposición y el deslizador. Sé que puedes hacerlo de varias maneras, pero elegí esto, me gusta mucho este efecto, así que me voy a quedar con él. Si no hago una línea aquí, si he tenido errores, está bien. Con Lightroom siempre se puede borrar y volver, no es un problema, siempre se puede ajustar, y voy a tratar de traer más destacados. A ver. Ahora mismo es demasiado duro. Entonces no es un problema, volveré con cepillo de borrar y borrar lo que es demasiado. Ajusta y haz que vuelva a equilibrar. Limpio, limpio, limpio, como si nada hubiera pasado, luciendo hermoso. Ahora voy a intentarlo de nuevo con un pincel más suave o más pequeño y no va a ser aleatorio. Voy a llevar destacados a lugares donde la luz golpeó mi piel al hacer la sesión de fotos con mi plafón y apenas realzando estos reflejos, y verás que si lo cambias a blanco y negro, puedes ver que luce hermosa. Si es muy duro después, siempre se puede ajustar, no es un problema. Me encanta el look que he logrado hasta ahora. Es película dramática e íntima. Entonces desde aquí, voy a golpear COMMAND+E si estoy trabajando en un Mac o CTRL+E si estoy trabajando en un PC. Esto abrirá mi imagen en Photoshop manteniendo los ajustes que hice en Lightroom. Ahora, voy a seguir adelante con Photoshop ya que quiero ver cómo se ve mi imagen después de colocar las flores u otras imágenes con los modos de fusión. Pero yo podría decidir totalmente mantenerlo como es porque ya es un autorretratos únicos. Me encanta cómo se representa la idea principal por lo que es una opción para mantenerla tal como está. Está bien. Nos vemos en el siguiente video para la segunda parte de edición en Lightroom y Photoshop. 7. Edición en Lightroom y Photoshop parte 2: Bienvenido de nuevo a la edición en Lightroom y Photoshop. Esta es la segunda parte donde estaremos jugando un poco con modos de fusión. Vamos a saltar. Lo primero que hago es hacer doble clic en la capa para desbloquearla, y luego presioné CTR J para duplicarla. Ahora, llevemos la imagen de stock con la que voy a trabajar para esto, obtuve un archivo y seleccionamos Place Embedded. Voy a buscar mi imagen. Elegí esta imagen de una imagen de stock ya que es imagen simple. Creo que la simplicidad funciona mejor, pero esto es sólo una preferencia personal. Puedes elegir otro tipo de imagen. Ahora, voy a presionar Enter para colocarlo y vamos a explorar los modos de fusión. Como puedes ver, hay mucho que explorar. Lo que hago es revisar cada una de ellas para ver cuál se ajustará mejor a mi imagen. Normalmente me gusta usar multiplicar una pantalla, luz suave, y también sobreponer volatilidad. Puedo elegir otra. Estos son divertidos. Este es un efecto muy interesante, no para este proyecto, pero definitivamente me gustará experimentar con esto la próxima vez, tal vez usándolo como si fueran flores cósmicas saliendo de mi cuerpo. No lo sé. Algo divertido. Como mencioné, me gusta mucho cómo se ve multiplicado es hermoso. Muy bonito, pero también quiero experimentar con la superposición, vamos a comprobarlo. Eso me gusta mucho. Voy a moverlo y rotarlo. Para eso, presiono Ctrl T o Comando T para transformarlo y luego hago clic y arrástrelo. Lo que quiero hacer es hacer que las flores parezcan como si salieran de mi mano o como si fueran un tatuaje. Elegí tener flores en mi foto ya que son los elementos que utilizo en mis fotos para representar mi infancia. Es muy importante para mí tenerlos no en todas mis fotos, pero las tengo en abundancia. Al seleccionar un modo de fusión, ves los bordes de la imagen que estás fusionando, no es un problema, haz clic en el icono de Capa de ajuste y selecciona Niveles. Ahora que tengo mi Capa de Ajuste de Niveles, me aseguro de recortarla a la imagen que quiero modificar pulsando este icono o presionando hacia fuera y haciendo clic entre la capa de ajuste y la capa que estoy modificando. En este caso, voy a sujetarlo a las flores. Lo que voy a hacer ahora es deslizar un poco a este tipo hacia la izquierda, lo que ayudará a bajar las luces y hacer desaparecer los bordes. Perfecto. Ahora, lo que quiero hacer es levantar algunas partes del tallo de las flores y para esto, hago clic en este icono para crear una Máscara de Capa junto a la imagen que estoy mezclando. Después presiono B para pincel y D, para poner los colores predeterminados. Entonces cambio entre blanco y negro presionando X y luego selecciono el negro porque pintar negro sobre una máscara de capa blanca borrará u ocultará los tallos y siempre uso mi auto cepillo para este tipo de trabajos. Mi objetivo aquí es esconder parte del tallo para que no parezca que estoy sosteniendo la flor. Me encanta esta parte de lo visual porque sólo tengo que enfocarme en pulir mi imagen limpiando y tomando las partes blancas de los tallos y pétalos. Me encantan las flores, pero también me encanta la simplicidad. Creo que menos es más, así que estaré refinando mi imagen hasta obtener el número correcto de elementos apareciendo. Limpio, haciéndolo parecer bastante simple, no sobrecargado. Siempre estoy buscando los detalles y la aguja en cierta medida hará que esto se vea hermoso. Siento que la imagen es un poco oscura. Demos clic en el icono de Capa de ajuste y seleccionemos un brillo. Yo quiero traer más luz y ver cómo se ve. Después de terminar de refinar esta sección, voy a duplicar las flores para que veas cómo puedes traer más elementos sin hacer toda la limpieza previa. Para duplicar las flores, agrupo los ajustes en las capas de las flores seleccionando ambas y luego seleccionando el icono de carpeta. Después de eso, renombro la carpeta como flores, una, Niveles me refería a una. Dije en español. Ahora mismo, con qué grupo de elementos estoy trabajando y luego presiono Ctrl o Comando J para duplicar mi flor y mi carpeta no mi flor, mi carpeta. Esto es divertido. un nuevo conjunto de flores y desde aquí hago exactamente lo mismo que antes. Yo muevo las flores y las coloco a un lugar merecido. También abro su carpeta para seleccionar la Máscara de Capa adecuada y empiezo a ocultar o borrar los elementos que no quiero aparecer. Vamos a jugar esta sección con el avance rápido como ya conoces estos pasos. Siéntete libre de hacer una pausa o escapar al minuto 636 para mostrarte cómo doy a esta imagen los últimos toques y para mostrarte otros ejemplos para tu referencia. Esta imagen se ve genial. Ahora, voy a seleccionar la capa de Ajuste Blanco y Negro y luego una capa de Ajuste de Curvas ya que la luz me parece un poco plana. Quiero que la imagen general se vea un poco más dramática, sobre todo si decido dejar mi imagen en blanco y negro. Arrastremos los reflejos hacia arriba y las sombras hacia abajo hasta que obtengamos el look deseado. Se ve muy bien y refiné un poco otra vez con mi pincel porque noto que hay un par de piezas pequeñas con los bordes de la imagen de las flores todavía son visibles. Siempre me aseguro de comprobar cómo está evolucionando esto, limpiando todo, asegurándome de que no tenga más bordes. Es importante ser específico a veces. Algo que estoy notando es que lo primero que me atraen los ojos es mi cabello. Esto está sucediendo porque el nivel de destaque ahí es mayor que el resto de la imagen. Para solucionar esto, voy a crear una capa de ajuste de brillo. Entonces bajaré el brillo. Entonces voy a seleccionar una Máscara de capa de brillo y presionar Ctrl I, convertirla a negro. Tener la máscara de capa negra ocultará o hará invisibles los cambios de brillo que hice y luego con mi pincel, pinto con blanco para hacer visibles solo los cambios que quiero mostrar. Recuerda que siempre puedes ajustar los cambios arrastrando la opacidad y comprobar siempre tu campo antes y después haciendo clic en el icono encendido y apagado. Ya casi estamos ahí. aspecto hermoso. En color y blanco y negro ambos son tan hermosos. Ya casi estamos ahí. Voy a guardar pulsando Ctrl o Comando S. Desde que traje la imagen desde Lightroom, esto aparecerá ahí mismo con los octetos que hice en Photoshop. Para exportar su imagen desde Lightroom, vaya al archivo y luego exporte. Estos son mis ajustes generales. Siempre nombro mis archivos con el año, el mes, y el día, como pueden ver. su mayoría exporto en JPEG, RGB como lo puedes ver aquí. Si voy a publicar en redes sociales, elijo 1,200 píxeles, eso es más que suficiente para publicar en redes sociales en el filo largo. Así. El último paso es elegir un afilado de pantalla estándar. Eso es como el último toque que le doy a mis fotos. Estamos listos para exportar. Aquí está la imagen en la que trabajé más otros ejemplos que hice con el modo de fusión para que puedas ver cómo un retrato puede contar una historia o representa una idea de muchas maneras. Espero que hayas disfrutado de esta lección y me emociona empezar a editar tus imágenes y darles tu toque artístico. Esta es la última lección, pero no vayas a ninguna parte porque todavía tengo algunos pensamientos que compartir contigo. Nos vemos en el siguiente video. 8. Palabras finales: Bueno, esto es todo. Enhorabuena, y muchas gracias por tomar mi clase. Espero que lo hayas encontrado valioso. Además, espero que lo disfruten tanto como yo. Cubrimos muchos grandes temas de lo que puedes hacer para inspirarte a infundir tu autorretrato con tu estilo creativo usando Lightroom y Photoshop. Si hay algo que espero que te quites de esta clase, es nunca dejar de crear y experimentar. Siempre hay una manera de crear con lo que tengamos disponible. Con eso dicho, deseo con todo mi corazón ver lo que creaste, así que no olvides subir tu proyecto a la galería de proyectos en la página de la clase. Si quieres dejar una calificación y reseña, estaré muy agradecida porque me ayudará a hacer crecer una increíble comunidad de creativos y darle más valor a más estudiantes. Si tiene alguna pregunta, comentario, o tiene comentarios para mejorar mi clase, por favor hágamelo saber en la sección de discusión. Estoy aquí para ayudar y siempre comprometido para darte la mejor calidad de clase. Muchas gracias otra vez, y nos vemos pronto.