Fotografía de arte fino: expresa tu visión con efectos integrados en la cámara

1. Introducción: Mucha fotografía en estos días me aburrió. Parece que algunos fotógrafos olvidaron que ellos también son artistas. Tienen miedo de arriesgarse y licencia artística con su trabajo. Una cámara es una herramienta como cualquier otra y cuando entiendes su configuración eres capaz de tomar tu visión y disparar intencionalmente. Hola, me llamo Maureen, soy fotógrafa de retratos y bellas artes. Con mi trabajo, quiero darle a la gente un espacio seguro para la introspección y la vulnerabilidad, para repuntar el coraje de dibujar su voz interior. Una de las inspiraciones para esta clase es yo mismo retrato, Cololina. Esta foto fue publicada en foto Vogue Italia y la creé en el baño de mi mamá con lo que tenga disponible. El éxito de esta foto no se basó completamente en qué equipo tenía que crear sino más bien en mi conocimiento de los efectos in-camera, mi visión, y mi receta para construir la historia que quería contar. En esta clase comenzaremos por tener una breve conversación sobre cómo inspirarse, cómo la curiosidad y la voluntad de ser vulnerable pueden ayudarte a llegar a una visión única de la historia. Entonces en cada lección aprenderás a experimentar y doblar la realidad con efectos in-camera. Para ello, he seleccionado cinco de mis favoritos para que pruebes. Son, movimiento congelado, desenfoque, zoom, fuera de foco, e ICM. Para tu proyecto de clase elegirás un efecto in-camera que creas que se adapte a tu visión y experimentarás con él. Tu objetivo no es tomar una “foto hermosa o técnicamente perfecta”. A veces una foto convincente es simplemente fea o incluso oscura pero significativa para ti y ojalá para los demás. Esta clase es para cualquier persona que se sienta un stock o aburrido con la fotografía. Si eres alguien que puede tomar buenas fotos que simplemente no te mueven, esta clase te ayudará a reconectarte con tu voz interior a la vez que añade dinamismo a tus imágenes. Hasta el principiante es bienvenido aquí. Esta clase te proporcionará inspiración sobre cómo puedes lograr un trabajo significativo mientras aprendes sobre los fundamentos de la cámara para que puedas empezar a crear de inmediato. Al final de la misma tendrás una idea integral de cómo fusionar la inspiración, una narración de historias, y cómo aprovechar la configuración de tu cámara y la lente como si estuvieras usando diferentes pinceles para crear trabajo artístico sin necesidad de depender de Photoshop. Sepa que tienes la responsabilidad como artista de llevar lo que hay dentro de ti. Esto es parte de tu legado así que vamos a ser vulnerables. 2. Orientación De Proyectos Y Clase: [ MÚSICA] Bienvenido a la clase. Nuestro objetivo para tu proyecto de clase es elegir un efecto in-camera que creas que pueda ayudar a comunicar tu visión de historia o emoción y experimentar con ella. Entonces te invito a compartir tu resultado o resultados en la sección galería del proyecto. Estaré más que feliz de brindarle retroalimentación constructiva. Pero antes de saltar para empezar a calificar, me gustaría darles algunas recomendaciones. Empieza con la mentalidad correcta. hay absolutamente ninguna necesidad de tomar una foto hermosa o técnicamente perfecta. Se trata de experimentar, practicar y descubrir una nueva forma de expresarse. Cuando intentes lograr un efecto en la cámara, concéntrate en jugar y experimentarlo con la configuración de la cámara y la lente. Cuanto más practiques, fácil será para ti crear estos efectos sobre la marcha. Esta habilidad se convertirá en parte de tu kit de herramientas de fotografía que te permitirá crear fotos creativas únicas para ti y por qué no para futuros clientes. Para las secciones donde trabajas en construir una visión de historia significativa, piense en esta parte del proceso como una práctica creativa de autocuidado en la que compartirás lo que hay dentro de ti, lo que te importa. Este ritual me ayuda a relajarme y me mete en el estado de flujo para conectarme profundamente con mi voz interior para crear imágenes significativas. Lo recomiendo encarecidamente para ti. Para apoyarte en la creación de tu proyecto, he desglosado esta clase de una manera que te guía a través de todo mi flujo que puedas emular o inspirarte para construir tu propio sistema creativo. La primera lección cubre paso a paso cómo inspirarse y construir una visión de la historia hasta cómo fusionarla con efectos in-camera. El resto de las lecciones se centran en dos enseñanzas centrales : cómo lograr un efecto específico en la cámara y proporcionar ejemplos de cómo fusiono este efecto con mi visión para ayudar a contar la historia o la emoción. Esta clase está repleta de toneladas de información procesable. Para ayudarte a apuntar ganancia abrumado, llegué a cubierto. Te recomiendo primero descargar el libro de trabajo y el manual de recursos que he creado para ti ya que contiene un resumen de todos los conceptos fundamentales de cada lección. Esto te permitirá sumergirte en los videos y luego tener el libro de trabajo a mano como guía cuando estés trabajando en tu proyecto. Otros recursos que he incluido son una lista de todos los equipos que utilizo para cada efecto in-camera, recursos y alternativas en caso de que no tengas el equipo que utilicé, un ISO, apertura, y tabla de velocidad de obturación, y una sección para escribir la configuración de su cámara mientras experimenta o cualquier nota sobre su proceso. El equipo básico que necesitarás es una cámara DSLR, un trípode o un jarrón para sostener tu cámara, y cualquier software de edición para mejorar tus fotos. Para efectos in-camera más avanzados, necesitarás una lente de zoom para el efecto zoom y un teléfono móvil para el efecto fuera de foco en caso de que puedas hacerlo con tu cámara DSLR o tus lentes. Si no tienes alguno de estos, he incluido un PDF con opciones en la sección de recursos. Por último, será bueno tener un fondo negro o una sábana o tela oscura para el efecto de desenfoque de movimiento, un brillante el objeto y una luz constante. Puede ser una lámpara de casa también para el efecto de desenfoque de movimiento. No te preocupes si no tienes todo el equipo que estoy publicando. Te animo a que veas las lecciones, te inspiras para experimentar, y por qué no encontrar formas de lograr efectos in-camera con lo que tengas disponible. Siempre hay opciones para crear tal como lo hice al crearme retrato Elena que fue publicado en PhotoVogue, Italia. Está todo listo. Te veré en la próxima lección. [ MÚSICA] 3. Proceso Creativo: Construyendo su Visión: Si bien esta clase trata de cómo expresarse con efectos in-camera, sería útil enfocarse primero en aprender a integrarlos en el concepto de tus imágenes. El objetivo es que estos efectos ayuden a comunicar tu historia o emoción. Pero para lograrlo, primero te mostraré mi proceso creativo para desarrollar una historia o una escena. Un proceso de tres pasos que encontré es bastante relajante, divertido y perspicaz. Incluso podría convertirse en una práctica creativa de auto-creación. En pocas palabras, hablaremos sobre cómo crear tu bóveda de inspiración para que te inspires, determines qué temas o temas te interesan expresar con tu fotografía, y el proceso para construye tu historia en base a tus temas favoritos y fusiona con un efecto en la cámara. Este proceso es útil, sobre todo si tienes el bloque del creador. Te sientes abrumado y desanimado porque no tienes idea de qué crear. Tu mente se queda en blanco. Pero eso está bien, le pasa a todos los creadores. Solo necesitamos inspirarnos y aplicar algunas técnicas para encender el motor creativo. Empecemos. Un hábito que he desarrollado para nutrir mi creatividad es recolectar cualquier cosa que traiga alegría e [inaudible] mis intereses. Mantengo estos recursos en lo que llamo mi bóveda o hub de inspiración. Por ejemplo, mis fuentes de inspiración son pintores del Renacimiento, música, letras, películas, libros, y mis experiencias de vida. Mutualmente, todo puede ser una fuente de inspiración. Puedes empezar a crear tu bóveda de inspiración de inmediato. Tener una carpeta en tu computadora o en la Nube en la que puedas guardar referencias de las cosas que te interesan, que te mueven, haría el truco. Te animo a crear tu hub de inspiración lo antes posible porque en lugar de salir con tu cámara sin idea de qué historia contar, que puede ser muy desalentador, tener referencias de las cosas que te gustan relajaría tu mente y estimularía tu creatividad y chispearía ideas para tus proyectos. Exponernos a diferentes artistas, técnicas y experiencias de vida es valioso. Tendrás un universo de opciones para sacar de tu bóveda de inspiración y mezclarlas para que puedas desarrollar una perspectiva única. Me gusta pensar que los creadores de esos recursos son mis mentores y su influencia en mi creatividad informará mi trabajo. El siguiente paso es conocer los temas generales o temas que te interesan explorar y desarrollar en tu fotografía. Por ejemplo, mis temas son el silencio, melancolía, la naturaleza, la vulnerabilidad, la intimidad y la feminidad. Clavar esto es importante porque como el mensaje central en tu imagen, podrían convertirse en tu voz y comunicar lo que defiendas a tu audiencia. ¿ Cómo puedes encontrar la tuya? Podemos descubrirlos cavando en nuestros intereses y entrevistándonos. Esto es lo que me encantaría que lo intentaras. Si es posible, encuentra un lugar donde pueda estar solo. Mira tu bóveda de inspiración y también mira tus fotos y recuerda historias con tus amigos y familiares que fueron únicos. Ten curiosidad sobre lo que has recopilado. Trata de no juzgarte a ti mismo. Enfoque en observar y absorber. Sumérgete en la contemplación. Entonces toma un papel y un bolígrafo y empieza por entrevistarte. Puedes usar las siguientes indicaciones como guía o crear la tuya. Los agregaré a su sección de recursos si los necesita. Si muriera mañana, ¿de qué podría ser apasionado hablar? ¿ Qué actividades me han traído más alegría o me han hecho sentir vivo a lo largo de mi vida? ¿ Qué siento cuando veo las obras de los artistas que admiro? ¿ Qué palabras de canciones que me encantan resuenan mucho conmigo? ¿ Cuáles son los pasatiempos o hábitos que me hacen sentir vivo? Sé minucioso y subraya las palabras que te mueven, las que más resuenan y despiertan una pasión por la creación. Para mí, las obras de Sandro Botticelli desencadenan las palabras feminidad. Ese se ha convertido en uno de mis temas favoritos y temas de interés. Este ejercicio es para que usted explore su cosmos interior. Es tan ilimitada como quieres que sea. Si te sientes incómodo por ser vulnerable, eso es genial. Tendrás que conocerte aún mejor. Por ejemplo, cuando estaba trabajando en mi padre de descanso, exploré sus últimos días antes de morir. Estaba nerviosa porque mirar el pasado y exponerlo puede ser muy doloroso. No obstante, sabía que [inaudible] y dejarme vulnerable me ayudará a entenderlo mejor y tener una conexión más profunda. Esa apertura me permitió crear algo bello y espiritual que salió directamente de mi verdadero yo. No hay que temer la vulnerabilidad. Podemos abrazarlo para crear un trabajo más significativo y conectarnos profundamente con nosotros mismos y con los demás. Hemos creado la bóveda de inspiración y hemos descubierto los temas a desarrollar en tu fotografía. ¿Ahora qué? Bueno, el siguiente paso es construir tu visión de la historia basada en uno o dos temas y agregar efectos en la cámara para ayudar a contar tu historia. Ahora, elige uno de tus temas y temas favoritos y pregúntate, ¿qué historia veo? Tómate tu tiempo e imagina una escena luego describirla. Ser muy detallado. Piensa en este objeto, ubicación, vestuario, accesorios, todo para traer viva tu historia de visión. Aquí hay un ejemplo. Tema, Feminidad y Movimiento. Una narración o una visión de historia, una mujer está sentada tranquilamente. Está en un lugar oscuro pero rodeada de luz cálida. Hay un sentido de paz, serenidad y feminidad. Puedo ver su pelo. Es desordenado, salvaje y libre. Tiene hermosas flores colgando de espaldas. Parece confiada en su piel desnuda, bailando despreocupada, disfrutando de su tiempo. Como pueden ver, describo una escena como si se lo estuviera contando a un amigo. No estoy tratando de escribir un libro, sólo imaginando lo que está sucediendo allí. Estoy siendo muy detallado. El objetivo es tener una idea clara de lo que queremos expresar. Si te cuesta contar historias, sigue estas preguntas de elementos de narración como tu guía para desarrollarla. Tres elementos serán suficientes para construir la historia. Simplemente empezaré describiendo primero el tema. Por ejemplo, ¿Quién? Una mujer está sentada tranquilamente. ¿ Qué? Está en la oscuridad, pero también hay una luz cálida que la rodea. Parece como si su cuerpo se estuviera moviendo. Ella lleva flores, están colgando de su espalda. ¿ Dónde? Podría ser su recámara o baño. Recuerda, el público no necesita saber por qué este objeto se encuentra en esa situación o el final de la historia. Que se pregunten y adivinen cómo terminó. Eso creará compromiso. Para terminar de construir la historia, hay que pensar en qué elementos nos ayudarán a contarla. En otras palabras, qué efectos y símbolos dentro de la cámara se aplicarán para dar a mi audiencia pistas sobre qué se trata una historia o escena. Es posible que ya los hayas escrito intuitivamente en tu visión de la historia, eso es perfecto. Pero vamos a asegurarnos de que esos elementos comuniquen algo. Hablemos de estos elementos. Un símbolo puede ser un objeto que sirve de apoyo o elemento en la imagen, pero también significa algo más allá de su significado de palabra, lo que añade una capa a la comunicación a tu historia. Para Alina, uso las flores como signo de feminidad y pureza. Los efectos en la cámara son distorsiones de la realidad creadas al jugar con combinaciones de ajustes de tu cámara y lente. La comida para llevar es tener en cuenta por qué estarán en tu imagen. Asegúrate de que el efecto que elijas comunique algo en la historia en lugar seleccionarlo solo porque se ve genial. Piensa siempre en cómo quieres que tú y tu audiencia se sientan. ¿ Quieres que tu espectador sienta movimiento aplicando desenfoque de movimiento por ejemplo? Para Alina, utilicé el desenfoque de movimiento con una técnica de larga exposición para representar un movimiento suave del cuerpo de Alina. Con este efecto, espero que el espectador experimente un sentido de movimiento en el cuerpo de Alina en lugar de mirar una imagen fija. Quiero transportar a mi público a una escena dinámica en vivo. A lo largo de esta clase te mostraré más ejemplos de mi trabajo y otros artistas que expresan su visión con efectos in-camera para ayudarte a inspirarte. Una visión completa de la historia que incluye símbolos y efectos en la cámara se ve así. Ahora tienes una visión clara, el único paso que queda es completar un boceto en tu visión de historia para tener un mapa visual de tu escena. Tenga en cuenta que existen otros tipos de fotografía, como abstracta. En estos, puedes integrar efectos in-camera sin contar una historia. En este caso, la idea es expresar una emoción por lo que su proceso de creación es diferente de crear una historia. Wow, esta fue una larga unidad creativa. Espero que hayas disfrutado tanto como yo. Recuerda, así es solo como fusiono una visión de la historia con efectos in-camera. Te invito a tomar esto como guía para crear tu propio sistema para crear imágenes que te gustan. Gracias. Nos vemos en la siguiente lección. [ MÚSICA] 4. Movimiento congelado: [ MÚSICA] El movimiento congelado es el hecho que nos permiten ver algo que se está moviendo completamente congelado en el tiempo. Lo que me gusta de este efecto es que nos ayuda a ver todos los detalles de la acción que se está desplegando. Echemos un vistazo a cómo se puede aplicar este efecto para transmitir una historia o para expresar una emoción. El relato de esta foto se inspiró en la canción Cry Me A River. A pesar de que esa frase es un título de una canción pop, me pareció bastante interesante explorar y crear una imagen que representará un desamor y todos los sentimientos que viene con ella. Por ejemplo, tristeza, frustración, arrepentimiento, etcétera. Esta es una escena en la que no sabemos quién es el tema, por qué lleva puesto un lujoso jumper durante el día y cuando terminó en ducha al aire libre, no tenemos ni idea. No obstante, si miramos el lenguaje corporal, podemos decir que tal vez está triste, enojada. Podemos decir algo definitivamente no está bien, y eso es intrigante. No saber lo que está sucediendo en la escena está absolutamente bien. Hará que tu público se pregunte y adivinen cómo va o termina la historia. Lo que recomiendo es cuando dispares, disparar con la intención de expresar una emoción específica. Por ejemplo, si miras esta foto, aunque sea de la misma sesión de fotos, su expresión y lenguaje corporal son completamente diferentes, y por lo tanto, la historia cambia. Esto podría representar una historia sobre algo bueno, por ejemplo, celebración a veces o incluso euforia. Para ayudar a transmitir esta triste historia, aplico el efecto de movimiento congelado para hacer que las gotas de agua se vean nítidas y nítidas como metáfora para representar algo que puede ser doloroso. Por ejemplo, pequeñas rocas o balas golpeando tu cuerpo. Lo contrario de éstos habrá sido aplicar desenfoque de movimiento para hacer que el agua se vea más suave y más suave, transmitiendo una emoción completamente diferente. Por ejemplo, la melancolía. Elementos o símbolos. Otros elementos o símbolos utilizados para comunicar la historia son el lujoso jumper que lleva puesto y el anillo de bodas, ya que proporcionan pistas sobre lo que está pasando en la historia. En este caso, seleccioné una fiesta o un armario de cócteles que está diseñado para ser usado durante la noche en una fiesta o un cóctel para que el público pueda especular los posibles escenarios. Por ejemplo, quizás estaba en cena o fiesta y no regresó a casa. Por último, el agua misma representa emociones que fluyen. Aquí hay otros ejemplos maravillosos de diferentes fotógrafos. Fotógrafo, Neal Grundy, y espero que lo esté pronunciando bien, creó estas impresionantes series de imágenes llamadas esculturas transitorias. Estas series idealistas fueron hechas congelando piezas de tela a medio vuelo, haciendo que esto parezca, como su nombre indica, como esculturas. Si bien estas fotografías no cuentan una historia en sí misma, seguramente transmiten emociones. Para mí, es tranquilo y un sentido de gravedad. Otros ejemplos muy buenos son de la fotógrafa, Natsumi Hayashi. Ella fotografía autorretratos de levitación, y transforma generalmente escenarios en historias muy interesantes. Este es un aviso creativo para ti. ¿ Qué escenario y sujeto les aplicarías técnica de movimiento congelado para transmitir locura? Piénsalo. Ahora, hablemos de los aspectos técnicos. ¿ Cómo se puede lograr este efecto? Lo primero que hago cuando estoy listo para disparar es detenerme un momento y preguntarme, ¿por qué tengo que ver con mis ajustes de exposición para lograr cierto efecto? En este caso, sé que quiero congelar el movimiento. Para eso, necesito enfocarme en la velocidad de obturación. La velocidad del obturador nos permite hacer dos cosas. En primer lugar, elegir por cuánto tiempo estará expuesto el sensor de la cámara a la luz. Segundo, también nos ayuda a congelar el movimiento, que es lo que estamos buscando en esta lección. O también puede ayudarnos a crear desenfoque de movimiento. Para congelar el movimiento, es necesario elegir un valor de velocidad de obturación al menos 1/250 de segundo y superior. El valor exacto de velocidad de obturación dependerá de qué tan rápido se esté moviendo su sujeto. Por ejemplo, si se trata de una persona caminando normalmente frente a las gotas de agua congeladas. Ahora vamos a disparar. Una vez que tengas lista tu cámara, comienza probando velocidad de obturación rápida en comparación con el sujeto en movimiento. En este caso, empecé a probar mis velocidades de obturación contra las caídas de agua. Entonces ve la diferencia en cada una de tus tomas de prueba y elige la que congela al sujeto con éxito. Honestamente no soy una persona técnica, por lo que siempre traigo una hoja de tramposo conmigo para revisar mis opciones y mi triángulo de exposición si lo necesito. Ten en cuenta que disparé en un día muy soleado, lo que me permitió disparar a una velocidad de obturación muy alta de 1/1600 de segundo, y con una gran profundidad de campo sin necesitar ningún flash o estroboscópico para compensar la luz. Si estás disparando en interiores, probablemente necesites un flash o estroboscópico que te dé el estallido de luz necesario para disparar rápido y congelar el movimiento. Después de revisar todos mis disparos, me doy cuenta de que voy a haber probado una velocidad de obturación más rápida porque a pesar de que realmente me encantaron los resultados, noto que algunas de las gotas no eran tan nítidas y afiladas como yo quiero que sea. Definitivamente no es un gran problema, pero estas son cosas a considerar justo ahí mientras estás disparando. Los impulsos creativos son para que empieces a usar tu imaginación y hacer una lluvia de ideas en casa. Recuerda también que puedes compartir tu proyecto en la sección del proyecto y obtener retroalimentación constructiva de mí y de tus compañeros alumnos. Esto es todo por esta lección. Te veré en la siguiente. Adiós. [ MÚSICA] 5. Desenfoque de movimiento: Técnica de exposición larga: Desenfoque de movimiento es el efecto llamativo registrado cuando tu sujeto o tu cámara se mueve durante una exposición. Como breve recordatorio, exposición es la cantidad de luz que llega al sensor o película de tu cámara. Está determinado por cómo establece su velocidad de obturación, la apertura y los números ISO. De todos los tipos de efectos de desenfoque de movimiento, este es de lejos mi favorita porque esta técnica me ha permitido crear hermoso trabajo editorial simplemente usando lámparas que encontré en mi casa o una pequeña luces constantes. Verás lo fácil que es crear desenfoque de movimiento con esta técnica en casa. Hablemos primero de la parte creativa de la sesión de fotos para que puedas empezar a pensar en ideas para comparar una emoción o una historia con este efecto. El desenfoque de movimiento creado con la técnica de larga exposición me da la sensación de algo etéreo. Me recuerda el paso del tiempo. También podría ser energía la que está dejando nuestros cuerpos, susurros o ¿por qué no las ondas sonoras fluyen a nuestro alrededor? Para darte más contexto, vamos a explorar los detalles creativos detrás de esta imagen. Inspiración, esta es una de las imágenes inspiradas en las enseñanzas del filósofo británico Allan Watts. El relato, el [inaudible] una historia sobre dejar ir en muchos niveles: dejar ir el pasado, dejar ir las viejas creencias, y observarlas a medida que van. El sujeto está en soledad; su mente está en un lugar tranquilo. Ella absorbe su pasado y lo deja ir para que pueda vivir aquí en el momento presente. El efecto es el desenfoque de movimiento realizado con una técnica de larga exposición para crear un rastro ligero. El rastro de luz representa la energía de las viejas creencias, vidas pasadas, y dolor dejando el cuerpo, la mente y el alma. Los símbolos utilizados son el lugar oscuro para representar la mente tranquila y la soledad. He compartido con ustedes algunas de las representaciones que un desenfoque de movimiento puede transmitir en una imagen pero esto de ninguna manera es una lista extensa. Tengo otro aviso creativo para ti. Tengo mucha curiosidad por saber qué emoción o historia transmitirías aplicando el desenfoque de movimiento con la técnica de larga exposición. Al igual que en nuestras lecciones anteriores, hablemos ahora de cómo crear este efecto. Lo primero, lo más importante es seleccionar un lugar donde se pueda disparar en la oscuridad. O bien es una habitación oscura donde puedes cerrar todas las sombras, o tal vez puedas disparar por la noche. Necesitamos este tipo de conjunto controlado de luz para que el efecto de rastro de luz se pueda ver a la perfección, lo contrario si tienes más luz alrededor, más luz ambiental no podrás ver el efecto de desenfoque de movimiento en el sendero de la manera que queremos verlo. Recuerda una habitación oscura o disparando por la noche. También para los ejemplos que te voy a mostrar, utilicé el siguiente equipo. Un trípode o algo que sostenga tu cámara, podría ser una pila de libros o una mesa, un telón de fondo oscuro; para este efecto, cuanto más oscuro sea el telón de fondo, mejor. He usado tela negra y marrón que funciona. Sábanas o incluso una pared oscura funciona perfectamente bien. Mientras esté oscuro, estás listo para irte. También utilicé una luz constante, lo que significa una fuente de luz que está constantemente aportando luz, podría ser, por ejemplo una lámpara LED o lámpara que puedes encontrar en tu hogar. Utilicé esta pequeña lámpara LED. Nada de fantasía que funcione totalmente. Por supuesto, necesitarás una persona para disparar. Yo en su mayoría hago autorretratos, para que esa persona pueda ser totalmente tú. Si ese es el caso, recomiendo conseguir control remoto. Los tengo, esto me ayuda a trabajar más fácil. No tengo que configurar mi temporizador y correr a la escena y ir de ida y vuelta. También necesitarás un objeto brillante para reflejar la luz y crear el sendero de luz. Por ejemplo, uso este zapato. Literalmente esto es lo que necesitas, algo que refleje la luz. Una vez que tengas todo el equipo y el cuarto o el set listos, entonces es hora de definir dónde vas a colocar tu luz constante. Coloqué mi luz constante alrededor de 45 grados frente a mí. La luz me estaba mirando desde arriba. Me estaba asegurando de que la luz me estaba golpeando la cara y el zapato brillante para crear realmente ese rastro de luz. Hablemos un poco de tu configuración. En la lección anterior, hablamos de movimiento congelado, que se puede lograr seleccionando una velocidad de obturación de 1 sobre 250 y más. Para esta lección, vamos a hacer lo contrario. Volveremos a leer primero y ante todo sobre los ajustes de velocidad de obturación. Pero esta vez, la clave es elegir una velocidad de obturación muy lenta y luego equilibrar la apertura y la ISO en consecuencia. Es decir, trabajaremos con una técnica de larga exposición. Recuerda que al seleccionar una velocidad de obturación lenta, más luz golpeará el sensor, lo que significa que podrías obtener una imagen sobreexpuesta. Para solucionarlo, compense seleccionando un número de apertura más grande, y seleccione un ISO bajo, por ejemplo, 100. Ahora para crear desenfoque de movimiento, algo tiene que moverse. Podría ser la cámara o el objeto que estás disparando. Cuando estaba creando este concepto, la idea era crear un rastro de luz, y también senderos de luz que reflejaran mi rostro y cuerpo en diferentes ángulos, lo que significa que necesitaré experimentar moviéndome a diferentes pasos y posando de diferentes maneras donde yo estaba sosteniendo los zapatos brillantes. Tendré que hacer esto una y otra vez hasta que me dé el tiro que realmente transmitirá la idea de dejar ir. Para este disparo, mi velocidad de obturación fue de cinco segundos, la apertura fue de 22, y la ISO fue de 100. Puedes comenzar con configuraciones similares solo tomando consideración que tu configuración cambiará porque estás disparando en una condición diferente. Una vez que haya definido sus ajustes preliminares, comience a medir la velocidad que se está moviendo contra su velocidad de obturación. Practica, practica, practica hasta obtener la combinación perfecta de ajustes y la forma y la velocidad que debes moverte para obtener el resultado que deseas. Salté que has disfrutado de esta lección tanto como yo. No olvides compartir tu proyecto en la sesión del proyecto. Estaré más que feliz de brindarle retroalimentación constructiva. Muchas gracias y nos vemos en la próxima lección. [ MÚSICA] 6. Fuera de enfoque: [ MÚSICA] ¿Cuántas veces has oído que tus fotos deben estar enfocadas y nítidas? Estoy adivinando casi siempre. Pero para esta lección, quiero invitarlos a pensar de manera diferente. Pensar que lo que puede ser un puntero para muchos fotógrafos también podría ser otra herramienta para expresar tu creatividad. Estoy hablando de grandes imágenes que están completamente fuera de foco, pero intencionalmente, ves que la fotografía es una mediana de expresión, y como tal, hay situaciones la técnica es no está bien ni mal. Es solo otra forma de obtener un resultado específico y mientras obtener imágenes de enfoque nítidas es en general una buena práctica para obtener fotos increíbles. Hay momentos en que lo contrario es cierto. Sólo para el propósito de esta lección, te doy permiso para calificar imágenes fuera de foco, así que vamos a bucear. Estos son algunos ejemplos de cómo he usado esta técnica para crear imágenes que representan recuerdos que tengo con amigos, sueños, e historias ficticias. Cuando cierro los ojos, las imágenes no están enfocadas ni claras. Por eso me encanta esta técnica, para que mi espectador pueda ser transportado a mi propia experiencia. Es como darles acceso a las partes más personales de mi mente. Esta imagen, por ejemplo, está inspirada en la historia de mi padre. De la forma en que lo recuerdo, y lo que creo que estaba imaginando en el momento en que falleció. Cuentacuentos, la escena transmite una historia sobre un hombre solitario que amaba pasar tiempo en el mar. Era su lugar sagrado. El sujeto está en soluto de contemplar la belleza de la naturaleza y prepararse para trascender. Este es su último recuerdo, o tal vez su sueño. Efectos, técnica fuera de foco para que el espectador tenga emociones similares de lo que el sujeto pudo haber experimentado. Podría ser un recuerdo o un sueño. Los símbolos utilizados, agua como símbolo de la provocación de la mente subconsciente antes de morir y transformación. La luz como símbolo de la vida en el más allá y guía. Aquí hay otros ejemplos de imágenes fuera de foco del artista Bill Armstrong. Estas imágenes forman parte de su obra llamada serie The Infinity. Su técnica es hacer collages y sacar fotos de esto. Cuando lo hace es fotocopiar, cortar y pintar sobre imágenes, y luego retoma estas como fotografías fuera de foco. Como puedes ver, puedes crear imágenes fuera de foco tomando fotos de collages o ¿por qué no? Por ejemplo, toma fotos de un diseño que hiciste en Photoshop para crear algo completamente nuevo. Antes de continuar con la parte técnica, echemos un vistazo al siguiente prompt creativo. Después de terminar esta lección, adelante y dar un paseo con tu cámara por tu barrio o un lugar que te guste, observa el entorno. No te apresures, tómate el tiempo para absorber todo lo que ves y luego elige una escena que te gustaría ver como un sueño o como una memoria distante aplicando la técnica fuera de foco. Ahora, es el momento de sumergirse en cómo crear estos efectos. respecta a la ubicación que puedes rodar en cualquier momento del día, al aire libre o en interiores, eso depende de ti, independientemente de dónde elijas disparar, mi sugerencia es que comiences con una historia sencilla, quizás una escena con una persona, para que puedas empezar a sentir cómo funciona el fuera de foco y construye a partir de ella. Para crear este efecto, necesitarás cambiar el enfoque de tu cámara al modo manual. Esto significa usar el anillo de enfoque en tu cámara. De lo contrario, la configuración fuera de foco intentará enfocarse en otro lugar. Si no tienes un anillo de enfoque, tal vez puedas usar tu celular y cambiar tu enfoque al modo manual también. Para este efecto, necesitamos trabajar en los f-stops de la lente. Eso significa preparar tu cámara para disparar con el número dos superior más pequeño que tienes disponible. Esto es para limitar la profundidad de campo y para crear un estilo de cubo. Por ejemplo, mi número de dos superiores más pequeño es 2.8 y como siempre, recuerda configurar tu cámara con la exposición correcta. En este caso, ajustando su ISO y obturador en consecuencia. Por ejemplo, rodé en un día soleado al aire libre con luz natural, así que acabo de llevar mi cámara a ISO de 100. Obturar una velocidad de uno sobre 600 para evitar el desenfoque de movimiento y para reducir la cantidad de luz. Mi lente donde lente de 50 metros. Una vez que estés listo para disparar, si estás trabajando con una cámara DSLR en modo manual, mueve el anillo de enfoque para enfocarte primero en el infinito, y luego muévelo muchas veces hacia adelante y hacia atrás hasta llegar a la derecha cantidad de trabajo. Lo que quiero decir es encontrar una imagen fuera de foco que aún tenga alguna forma, para que tu espectador pueda identificar los elementos. De lo contrario, si exageres el efecto, hará que la imagen sea abstracta, que definitivamente puedes usar para otros descansos fotográficos, tanto para el propósito de esta lección, vamos a enfocarnos, no juego de palabras destinado, en conseguir una bonita imagen fuera de foco. Además, es posible que necesites jugar con la distancia entre el sujeto y el fondo, y si tienes una lente de zoom u otra lente, experimentar con ellos así como todas estas variables pueden cambiar la forma el efecto se ve. último pero no menos importante, si estás usando tu celular, busca una manera de establecer el enfoque en modo manual y moverlo más tarde, también de ida y vuelta muchas veces hasta obtener el mejor resultado. Esta es una imagen que te mostré en el ejemplo creativo, y esto es resultado de algo parecido hecho en el parque. Así es como puedes obtener increíbles imágenes fuera de foco. Esto es todo por esta lección. Si tienes alguna pregunta, siéntete libre de publicarlas en la sección de discusión, estaré más que feliz de contestar. [ MÚSICA] 7. Zoom: [ MÚSICA] En esta lección, te voy a mostrar un efecto que no parece ser muy famoso sin embargo es súper divertido jugar con él. Es el efecto Zoom. Normalmente veo este efecto aplicado en la fotografía nocturna o en una fotografía deportiva. Para la fotografía nocturna, el efecto crea un ambiente increíblemente iluminado, casi como si estuviéramos rodeados de estrellas fugaces o rayos láser, creando un ambiente futurista. Para los deportes, agrega dinamismo y energía a la acción. Por ejemplo, en esta imagen, apliqué el efecto para simbolizar la fuerza y la energía emanan del sujeto mientras estaba boxeando. Pero además, si estás más del lado de las bellas artes, moda, o la fotografía artística, puedes aplicar este efecto absolutamente a cualquiera de tus conceptos como una forma de agregar drama o simbología a tu narrativa, o simplemente como una forma de agregar su propio estilo. Echemos un vistazo a la siguiente imagen. Esta imagen id inspirada en mis observaciones sobre los extraños en la ciudad y nuestra vulnerabilidad cuando caminamos solos. Cuentacuentos. El escenario transmite curiosidad y cuenta una historia sobre una mujer caminando tranquilamente y una observadora preguntándose y especulando sobre ella. Efectos. El efecto Zoom representa dos cosas: la mente del observador que está completamente enfocado en preguntarse sobre la persona que está frente a ella o él y el tiempo que pasa mientras el sujeto camina lejos. El efecto Zoom en sí mismo, representa la distancia, el tiempo, y la energía de las dos personas, una observando, otra caminando. Creo que como artista, es importante escuchar tus ideas y encontrar una forma o técnica que te permita transmitir tu narrativa en la forma en que lo sientes. Ellos pronta creativa para esta lección es, como tú mismo, ¿cuál es una técnica que potencialmente puede igualar lo que quiero expresar? Ahora, echemos un vistazo a lo que necesitarás para crear este efecto. Necesitarás un trípode. Esto es importante porque ya que tenemos que elegir como menor velocidad de obturación o exposición larga, si solo llevas tu cámara en tus manos, no será tan estable y obtendrás desenfoque de movimiento, que se ve muy cool, pero eso será para otra asignación. También necesitarás alguna lente. Estaremos acercando o alejando para lograr este efecto. Mi lente zoom son 24-7 milímetros de longitud de enfoque. Para este efecto, tenemos que trabajar en dos cosas principales. Número 1, seleccionando una velocidad de obturación lenta. No hay regla ni un valor específico de velocidad de obturación. Tu mejor valor de velocidad de obturación dependerá diferentes factores como la cantidad de luz donde estás fotografiando, al aire libre o en interiores, la velocidad en la que acercas o alejas. Segundo y muy importante, qué tan rápido, lento o suave acercas o alejas tu lente. De nuevo, esto requerirá mucha experimentación. Personalmente, he encontrado que asumir relativamente rápido y suave me da generalmente los resultados que más me encantan. Por lo que respecta a la ubicación, se puede disparar en interiores o exteriores. Sugiero encarecidamente que empieces temprano en la noche, en general, en un ambiente con poca luz. Te recomiendo esto porque necesitarás usar una velocidad de obturación más lenta para lograr este efecto, lo que permitirá que entre más luz en el sensor de tu cámara, y por lo tanto, tendrás que compensar con un número de apertura mayor para reducir la cantidad de luz y evitar imágenes sobreexpuestas. Por ejemplo, esta imagen fue tomada al aire libre alrededor de las 5.00 PM y mis ajustes eran velocidad de obturación, cinco segundos, ISO 100, y mi número de apertura es 22, que es mi mayor número de apertura. O en otras palabras, el tamaño de apertura más pequeño de mi lente. Entonces básicamente la abertura más pequeña que mi lente puede lograr, y eso me puede ayudar a cortar la cantidad de luz que entra. Ahora que tienes todo preparado , tu ubicación, sujeto y todo tu equipo, hablemos de estos pasos sí mismo cuando trabajes con tu cámara. Número 1, comienza por enfocarse en el punto de mayor interés. Por ejemplo, el rostro de tu sujeto, una cosa específica, un edificio, algo de tu interés. Si te enfocas en algo aleatorio, corres el riesgo de sacar la atención del tema principal de la narrativa o de toda la historia. Número 2, coloca el dedo en el botón del obturador y la otra mano sobre su lente. Número 3, al presionar el botón del obturador, comienza a girar el zoom de la lente simultáneamente. Número 4, vea el resultado y ajuste su valor de velocidad de obturación y su número de apertura en consecuencia. Inténtalo de nuevo, practica y experimenta hasta que consigas lo que buscas. Esto es todo por esta lección. Si tienes alguna pregunta, siéntete libre de publicarlas en la sección de discusión y no olvides compartir tu trabajo para recibir retroalimentación constructiva. Nos vemos en la siguiente lección. [ MÚSICA] 8. Blur: Técnica de movimiento de cámara intencional: [ MÚSICA] Soy un pintor frustrado que siempre ha admirado pinturas impresionistas abstractas. Me encanta cómo ese estilo puede transmitir emociones y atmósferas fascinantes. La buena noticia para muchos fotógrafos artistas por ahí es que hay una manera genial de crear imágenes abstractas, borrosas y eso es gracias a la técnica intencional de movimiento de cámara. Como el nombre indica, vamos a mover intencionalmente nuestra cámara mientras estamos tomando fotografías. Esto significa que no tenemos que preocuparnos por la nitidez en absoluto. Vamos mientras con una mentalidad de experimento y nos sorprendemos con los resultados. En la mayor parte de esta clase, el foco ha sido contar una historia. Pero para esta lección estaremos trabajando en capturar atmósferas interesadas. Recuerda siempre que tu cámara es una herramienta que capturará cualquier cosa de tus intereses, no solo historias. La fotografía abstracta puede ser totalmente un medio maravilloso para cautivarse a sí mismo y a los demás. Vamos a bucear. Al trabajar para lograr este efecto, siempre me siento en una habitación tranquila y empiezo a pensar y escribir sobre qué lugares me gusta visitar y me encantaría ver transformarse en una fotografía abstracta. Por lo general me interesa la naturaleza como una playa vacía, bosques o quizás con un amigo o familia porque esos lugares me hacen sentir alegre, serina, a veces nostálgica, y en completa sincronía con el belleza de la naturaleza. Esos lugares tienen desajuste en energía que me siento ansioso por capturar de manera abstracta. Pero también me gusta preguntarme a través de algunas gemas escondidas de la ciudad y contemplando la arquitectura y las luces cuando se pone el sol. Te animo a que encuentres tu propia manera de sintonizar la atmósfera que conecta con tus intereses y sentimientos y que te sientas ansioso por captar de la manera abstracta. Me gusta pensar en ello como si el ambiente o la ubicación que elegí fuera una extensión de mi estado mental o emociones actuales. En resumen, y para ser más claros, cuando digo ambiente, estoy hablando de una ubicación que tiene un significado profundo para ti. Como mencioné anteriormente, en esta lección nos estamos enfocando en capturar atmósferas que ojalá evocen emociones en ti y en tu audiencia en lugar de contar una historia. No obstante, es importante pensar en la inspiración y los elementos o símbolos dentro de la atmósfera que elijas que es importante para ti porque te ayudarán como hoja de ruta para seleccionar la mejor composición para su fotografía. No tiene por qué ser complicado. De hecho, cuanto más simple, mejor. Déjame mostrarte un ejemplo. Conocerlos antes del rodaje fotográfico me permite ambicionar cómo quiero que mis elementos sean capturados en la imagen final. Inspiración. Esta imagen está inspirada en la belleza del mar. Es movimiento interminable y los recuerdos de vivir junto a la playa. Los símbolos utilizados. El agua es paz, serenidad, ciclos constantes de purificación, y vida. Personas indefinidas como símbolo de sombra del pasado. El impulso creativo para esta lección es, si fueras un paisaje o un lugar, ¿dónde estarías y por qué? Para este efecto, necesitamos trabajar en dos cosas principales: la velocidad de obturación para obtener el efecto de desenfoque abstracto, y segundo, qué tan rápido es bajo y en qué dirección mueve su cámara. Mi enfoque es observar primero la atmósfera o una escena y ver cuál es su flujo. Lo que quiero decir es, hay luces horizontales o rectas que me gustaría seguir como si fueran pinceladas. Independientemente del flujo y porque me interesa sorprenderme, experimento con mover la cámara en diferentes direcciones. Incluso puedes mezclar estas técnicas con una técnica más simple que imparto en la misma clase. Puedes acercar con tu lente de zoom si los tienes, y mover tu cámara al mismo tiempo. Echa un vistazo a esa lección si no lo has hecho. A pesar de que ya hablamos de cómo sintonizar y elegir el mejor ambiente, es bastante importante tomar en consideración la hora del día que vas a rodar o la contraste puedes encontrar en el lugar elegido. Déjame explicarte. Intenta buscar contraste de color, reflejos y sombras que puedan ayudar a obtener un buen equilibrio de desenfoque y algunos elementos identificables. Similar a la técnica de zoom, esto también requerirá mucha experimentación ya que no hay regla ni una velocidad de obturación lenta específica. No obstante, un buen punto de partida podría ser uno de un segundo e ir de ahí. Vea cómo abstracta la imagen puede obtener la menor o cuanto más larga se vaya en la velocidad de obturación. Como he mencionado en otras lecciones, bajar tu velocidad de obturación significará que obtendrás más luz en tu cámara, por lo que tendrás que ajustar tu apertura consecuencia para evitar sobreexposición imágenes. A partir de aquí, se trata de practicar toneladas de veces. Quizás puedas empezar a practicar la técnica primero con lugares aleatorios y luego una vez que te sientas más preparado, programar un día especial para disparar en el lugar que es tan importante para ti y tómate el tiempo estar relajado y disfrutar de su proceso. Espero que hayan disfrutado de esta lección tanto como yo. Estoy emocionado de ver lo que creas. Me gustaría invitarte a compartir tu trabajo en la sección de proyectos. [ MÚSICA] 9. Mejora tus fotos: [ MÚSICA] Bueno, todos los ejemplos de efectos que viste en las lecciones anteriores se hicieron justo en cámara, y no hubo necesidad de editarlos en Photoshop. A pesar de todo, siempre me gusta mejorar mis fotos en Camera Raw. Es un proceso muy sencillo donde como artista, tienes la oportunidad de sumar tu estilo. Recuerda, esto no se trata de complicar tu proceso y cambiar muchas cosas, es un proceso suave si quieres, donde solo harás ajustes sencillos, fáciles que hagan tu las imágenes se ven aún más bellas. Tipo de colocar la cereza en el pastel. Ahora, solía mejorar mis fotos en Lightroom, pero luego encontré una mejor manera agilizar mi proceso en Bridge. Dentro de este programa, puedo ordenar mis imágenes fácilmente y también puedo abrir las fotos que quiero mejorar en Camera Raw que es similar a Lightroom. Funciona como un encanto para mí. Pero no te preocupes si no tienes Camera Raw. También puedes usar Lightroom u otros programas de edición como Skylum, Luminar, Capture One o incluso Apple o Google Photos ya que todos ellos tienen lo esencial para que tus fotos se vean aún mejor. Déjame mostrarte un poco de mi proceso. Mientras estoy aquí en mi programa de edición que es Camera Raw y he importado mi archivo raw directamente desde mi cámara. No he hecho ningún cambio en este expediente. Lo primero que hago cuando abro mi imagen es preguntarme, ¿cómo imagino que se vea esta imagen? Nuevamente, este no es un proceso complicado. Es muy breve, es sólo para poner tu estilo en tu imagen. Ya me encanta la foto, pero sé que con algunos ajustes, se verá aún mejor y tendrá mi estilo. Sé que en términos de celda, lo que significa para mí es que aplicaré contraste. Me encantan las fotos dramáticas contrastadas, y también me encanta que este proyecto sea algo etéreo y que parece que se hizo en una película más que en una cámara digital. Para que me meta en esa visión lo primero que haré es recortar mi imagen y encontrar un cultivo que realmente ayude a transmitir la historia. Me gusta el cuadrado cortado para éste así que realmente me encanta y desde aquí, solo voy a ir a mi panel Basic. Encontrarás algo como esto en Google Fotos, Lightroom o algo así. Hay muchas apps donde puedes hacer lo mismo; lo básico. Como mencioné, ya que realmente me encantan las fotos dramáticas contrastantes, lo primero que voy a hacer es ir a mi contraste, es más ligero o niveles y empezar a ajustar un poco. Justo sobre eso, ya está funcionando. Me está dando mucho drama y contraste y me encanta. A partir de aquí, solo voy a jugar un poco por ahí con estos deslizadores y ver si se suman a mi foto. Es un poco de intuición también, es solo estilo. Esta es exactamente la oportunidad para que sintonizes con lo que te gusta. Uno pide tu creatividad, tu estilo. También voy a intentar la claridad y obviamente si vas al lado opuesto, se ve terrible. Nuevamente, menos es más al menos eso es lo que me gusta pensar. Esa es mi opinión personal. A menos que mi cliente pida algo muy dramático, no sé, tal vez lo voy a ajustar, pero tiendo a hacer las cosas más simples. Solo juega, esa es la belleza de esto. Realmente puedes jugar igual que si estuvieras pintando en un lienzo. Eso es todo, ya no voy a usar esto. He transmitido lo que quiero. A partir de aquí, voy a hacer es ahora ir a mi Mezclador de Colores para ver si puedo cambiar el color del vestuario que estoy usando aquí porque a pesar de que me encanta el tono, no es mi preferencia ni mi favorita. Voy a azul azul y buscaré algo más turquesa. Espero que esa sea la forma correcta de decirlo, y justo sobre eso. Me encanta absolutamente el contraste. No sólo los contrastes, sino el equilibrio entre este oro y este matiz. Realmente me encanta. De nuevo, tal vez vea si puedo cambiar un poco en las naranjas doradas o doradas. No creo que valga la pena por ahora. Creo que me gusta así. Por cierto, hablando de hacer ajustes y editar tu foto, recomiendo encarecidamente que te recomiendo encarecidamente que cuando termines de editar tu foto, dejes que tus ojos descansen unos días; un par de días . No le eches un vistazo a tu foto. Vuelve a retroceder unos días y compruébalo. Porque lo que pasa es que tendemos a exagerar las cosas. Porque cuando estamos editando, tendemos a exagerar la visión porque estamos emocionados y se puede decir: “Oh, realmente me encanta. Se ve increíble”. Sí, en ese momento te parece increíble. Pero te recomiendo encarecidamente que vuelvas y veas que a veces no es así. Está totalmente bien. No hay nada de malo en eso. Es normal. Todos los artistas hacen eso. Es sólo cuestión de descansar los ojos, volver y decir: “Oh, ¿sabes qué? Creo que fue demasiado contrastante así que iré por ejemplo, a mi panel Básico y ajustaré en consecuencia”. Esa es la belleza de esto. Que puedas volver cuando quieras y cambiar eso. Solo toma eso en consideración. Es una muy buena práctica para tu arte dejarlo descansar y volver a él y pulir, si quieres. Que por lo básico y la gradación de color y mezclador de color. Aquí en la gradación de color lo que acabo de hacer, era sólo ajustar un poco el equilibrio entre todos esos y hacerlo de nuevo contrastante y dramático y lo conseguí. El resultado es exactamente lo que busco. Después de esto, por lo general, me encantan también las fotos en blanco y negro. Siempre voy a mis ajustes en blanco y negro y veo cómo se ve porque me pasa mucho. Me encantan ambas versiones y para hacerme las cosas más fáciles, solo guardo ambas versiones y las tengo en caso de que quiera usar una u otra dependiendo de lo que estoy planeando hacer con ellas. No hay nada malo en tener ambas versiones. En realidad, te animo a tener ambas versiones porque primero, podrás ver el contraste en tus imágenes; si se ve plano o parece que tiene una buena gama de negros y blancos. Por ejemplo, aquí mismo, puedo ver totalmente que está funcionando muy bien. Tengo el drama aquí y trayendo mi atención a las partes donde hay más luz, la atención y eso es exactamente lo que busco porque quiero transmitir una historia que te haga se preguntan sobre todo esto pasando aquí. Quizás aquí también, porque no sabes si está en un cuarto oscuro o qué está pasando. Todo esto se suma a tu composición, a tu historia. Todo tiene un peso en el proyecto final. Eso es lo primero por qué te recomiendo que hagas eso y también porque a veces nuestras fotos se verán mejor de una manera u otra. A veces pensarás, oh, y el color se ve mejor. Nunca cambiaré eso, pero tú lo cambias a blanco y negro y te encanta absolutamente. Siéntase libre de ir por ello y tomar esas decisiones. Ahora, hay algo sobre los efectos. Normalmente no usaré efectos si estoy trabajando con un cliente que necesita retrato de disparos a la cabeza porque realmente quiero que se vean limpios, claros, nítidos y muy bien definidos. Para este tipo de fotos, no lo hago, busco algo que se parezca más a una película así que definitivamente agregaré el grano porque me hace sentir que tiene textura, tiene volumen, tiene algo diferente, así que no me preocupa agregar grano en absoluto. Haré eso por mi bellas artes. A veces dependiendo del proyecto, no tiene que ser cada vez, pero realmente, realmente me gusta agregar esa textura. Por último, pero no menos importante, presets. Aquí está la cosa. No soy un defensor de los presets porque me llaman viejo estilo, siento que es como otro artista está aplicando el estilo a tu foto. No me gusta ese 100 por ciento, pero tengo excepciones. Por ejemplo, si sé cómo crear esto y solo por proceso práctico lo uso, perfecto porque sé cómo hacer que esos funcionen. Si no, no lo haré. Para mí en ese caso, realmente me encantan los presets en blanco y negro. Usualmente aplico alto contraste en blanco y negro a mis fotos porque me encanta la sensación de ello. Realmente me encantan los contrastes. A pesar de que no creé estos presentes yo mismo, se hizo escribiendo el software, sé que puedo hacerlo yo mismo. Sé no sólo que puedo hacerlo, sino que esto va alineado con mi idea de lo que quiero mi de foto. Tengo la habilidad y por razones prácticas elegiré usarla, y eso está totalmente bien. Date permiso si quieres, para usar presets dependiendo cuáles son tus reglas. Para mí, esa es la regla. Pero para ti, podría estar totalmente bien y eso está absolutamente bien. No estoy diciendo que lo hagas de la manera que yo lo hago. Esto es sólo una opinión personal. Eso es todo. Espero que hayan disfrutado de este pequeño proceso. Gracias. Como se puede ver, esta fue una forma muy sencilla pero efectiva hacer que sus imágenes se destaquen. Hemos terminado esta lección. Espero que tengas algo de inspiración para realzar tus fotos y por cierto, me encantaría ver lo que creas. Por favor siéntase libre de compartir su proyecto en la sesión de descanso para que la comunidad estudiantil pueda disfrutar de su trabajo y también para brindarle retroalimentación constructiva. [ MÚSICA] 10. Últimas reflexiones: Muchas gracias por tomar mi clase. Espero que tenga una chispa tu curiosidad por explorar tu voz interior y expresarte creativamente. Cubrimos el proceso creativo para saber qué quieres compartirlo con el mundo y los aspectos técnicos de crear un ingreso o efectos que te ayuden a expresar tu visión. La mayor comida para llevar que me encantaría compartir contigo es que al cultivar tu curiosidad y explorar el mundo dentro y a tu alrededor, nutrirás tu creatividad para crear trabajo significativo, no importa qué herramienta artística uses. Sigue experimentando y practicando para que puedas expresarte intencionalmente. Para seguir apoyándote en tu viaje artístico no importa si eres principiante o avanzado, te invito a compartir tu proyecto en la sección de galería de proyectos. Vamos a nutrir a nuestra comunidad con imágenes artísticas. Recuerda, siempre estoy feliz de brindarte retroalimentación constructiva. Si tienes alguna pregunta. Por favor siéntase libre de comunicarse conmigo a través mi sitio web o usted compone sus preguntas aquí en la sección de discusión. Además, si quieres recibir notificaciones sobre mis nuevas clases, sígueme aquí en Skillshare o Instagram. Por último, si desea recibir contenido perspicaz sobre fotografía artística, prácticas creativas de bienestar y productividad creativa, por favor suscríbase a mi newsletter. Muchas gracias de nuevo, y que tengan un hermoso día creativo.