Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: El secreto para dibujar tu propio personaje de dibujos animados
es que no hay secretos. Sólo hay proceso
y práctica. Pero para construir las habilidades
que necesitarás para darle vida a un personaje requiere
una mirada detrás de la cortina, y ahí es donde
encontramos las formas, formas y conceptos que
nos
dirigirán e inspirarán todo el camino hacia un diseño de personaje
terminado. Oye, yo soy mis observaciones. Diseño de personajes, es
una parte esencial de cómo hago mi trabajo, pero también es una forma muy divertida pasar una tarde dibujando. Entonces voy a compartir
una serie de pasos fáciles de seguir para diseñar
tu propio personaje. Entonces te unirás a mí
mientras vamos línea por
línea a través de todo un proyecto de
clase juntos. Ya sea que estés
probando caricaturas por primera vez o seas
un entusiasta de toda la vida, vas a salir de esta clase con
un sentido más fuerte
de los fundamentos del arte de los Si eres nuevo en mi canal de compartir
habilidades, bienvenido. Gracias por venir. A lo largo de los años, he
enseñado muchos temas relacionados con
dibujos
animados y dibujos animados adyacentes. Pero si estoy siendo honesto,
al final del día, todo lo que un caricaturista realmente necesita saber en
la vida es cómo hacer las formas de cara adecuadas.
Te veré en clase.
2. Preparación de la clase: Oye, gracias por
acompañarme hoy aquí. Preparémonos para
hacer algunas caricaturas. Ahora bien, este curso se realizó utilizando exclusivamente herramientas digitales porque así es como trabajo. Dicho esto, los conceptos en casi todas
las técnicas que hoy
cubrimos aquí van a ser
accesibles a través de los suministros
tradicionales de dibujo. Hablemos de tus opciones
digitales. La mayoría de las personas están familiarizadas con software de tableta
digital
como Procreate Puedes trabajar con cualquier
software que necesites. De lo que necesita ser capaz son herramientas de dibujo sensibles a la presión, efectos de
estratificación
y capacidades, esos son conceptos básicos
que son comunes
incluso con las aplicaciones de
dibujo más libres Podría sugerir Procreate si
estás trabajando en una tableta. Es una pieza de software
de compra única, la pieza de software de
dibujo más popular y
universalmente querida que existe Para mí, sin embargo, trabajo con un programa llamado
Clip Studio Paint. Se trata de un
programa basado en suscripción en la tableta, que no es ideal para todos. Si buscas
algo en el escritorio, lo que Procreate no hace, es una opción de compra única Además de eso, Clip Studio
Paint es una gran herramienta para el artista cómico
porque puede hacer burbujas de
discurso y
hacer diseños de página. Por eso me encanta de verdad. Aparte de esos dos,
digamos que eres totalmente nuevo en el dibujo
digital y solo
quieres probar lo que es sin
invertir en nada, podrías probar una
aplicación de dibujo gratuita como sketch dot IO, que se abre justo
en el navegador. Tiene herramientas de dibujo
sensibles a la presión y capacidades de estratificación, cosas que necesitamos para lograr los efectos visuales que vamos
a crear en esta clase Ahora bien, si estás trabajando
tradicionalmente, puedes mantenerlo bastante simple. Necesitas un poco de papel de
dibujo básico, un lápiz azul grafito o no
fotográfico, algunas herramientas de entintado
como un Sharpie, micras, o si eres elegante y quieres
jugar con el peso de la línea, puedes usar una punta de caligrafía sumergida en tinta o un pincel
humedecido en En cuanto al color, el lápiz de color es probablemente tu mejor apuesta si estás trabajando en papel para dibujar. Digamos que estás trabajando en papel de
acuarela, sin embargo. Acuarela y guash
podrían ser tus amigos. Está abierto a todas las opciones allí. Ahora que ya tenemos
todos nuestros suministros preparados, pongamos manos a la obra.
3. Inspiración para el proyecto de clase: Voy a empezar compartiendo mi inspiración específica para
esta clase porque creo que
entender eso te va
a ayudar realmente a
enfocarte en tus metas para
el proyecto de clase. Comenzó con una tarde en la
que solo tenía Pixars adentro hacia afuera para tocar de fondo
mientras hacía algunas cosas
por la casa El sonido estaba apagado tal
como es ahora mismo. Esto siempre sucede cuando tengo una caricatura encendida
con el sonido apagado. Simplemente me cautivó la
narración visual de la película La
narrativa emocional que llega sin
influencia de banda sonora, folyart, diálogo, cualquiera de esos otros
aspectos del medio,
las formas de cara llevan tan bien
esta historia Eso es cierto para muchos dibujos animados, claro, esa es la
naturaleza del arte de dibujos animados. Pero con esta
película en particular y solo la naturaleza de la serie cinematográfica de adentro hacia afuera es que ofrece un
reto realmente específico a un artista. La idea de tratar de representar una gama de expresiones dinámicas en el rostro de un
personaje que se define por una emoción singular, eso es un pequeño
arenero fantástico para trabajar Es el tipo correcto de
estrechamiento de un conjunto de reglas para desafiarte a
desarrollar aún más tu conjunto de habilidades Para mí, eso siempre es una gran señal que esto podría ser un
tema para una clase. Mi primer paso para desarrollar este curso fue desenterrar el arte
conceptual de adentro hacia afuera para echar un vistazo
a cómo
estos artistas se pusieron a encontrar a sus
personajes principales para su historia. Lo bueno del arte
conceptual es que es un buen momento para la experimentación
salvaje. Cuando finalmente te
decides por un personaje, hay compromisos
hechos para que
funcione por el bien de la historia de
la trama, aspectos
técnicos
del proyecto Hay todas estas cosas
que tienen en cuenta que no están ahí cuando se te ocurre una idea genial. La experimentación
siempre es una parte importante de profundizar en un proyecto, pero creo que es
importante notar los objetivos de la
experimentación. Para este proyecto en particular, las formas de cara las que evocan una emoción específica pero son
adaptables para la expresión Observe, si bien
hay abstracción la
forma general de la cabeza, los
rasgos narrativos, los ojos, las cejas, la boca, todos
son capaces de una
amplia gama de emociones. Es como un rango emocional anidado dentro de un concepto
emocional Entonces nuestra tarea aquí hoy
es la misma tarea que los
artistas conceptuales de Pixar se propusieron hacer
cuando se acercaron a Inside Out dos para explorar la forma en que el
lenguaje de formas puede representar una emoción y luego
diseñar características que sean adaptables dentro de ese
conjunto de pautas Y ese es nuestro enfoque
para la clase de hoy. Empecemos con
un ejercicio de calentamiento para agilizar nuestro
proceso creativo.
4. Calentamiento del lenguaje de las formas: Bien, todo el mundo,
vamos a calentarnos, empezar a mover ese
lápiz por la página, aflojando el brazo, practicando la presión de la
mano y todo eso Vamos a empezar
explorando en pequeños estallidos
las técnicas en las que
vamos a profundizar a
lo largo de este curso Una gran parte de ser
bueno en el arte es aprender a entender exactamente
lo que estás viendo. Mira este dibujo mientras lo
construyo con solo un resumen aleatorio. Formas y líneas. La imagen cambia cada vez
que agrego un elemento visual. Yo creo espacio positivo
y negativo. Las formas evocan un sentimiento sin ningún sentido más allá de su
simple huella Una vez que tienes una idea de solo la sensación emotiva
que representa una marca, comienzas a entender el concepto general del lenguaje
de formas, el hecho de que tenemos nociones
preconcebidas lo que una forma
se siente como un círculo, un triángulo, un cuadrado Empieza a poner algunas
formas en tu página. Podrías hacer exactamente lo
que estoy haciendo aquí si quieres. Esboza seis formas
básicas de forma. Comienza con algunos
clásicos como círculos, cuadrados, tal vez un triángulo, luego entra en un par de formas orgánicas extrañas más únicas Ahora, sin
demasiada previsión,
conviértalos en rostros con algunos elementos
visuales narrativos básicos, ojos y boca, posiblemente algunas cejas en el
camino Piense en sus opciones
para la toma de decisiones aquí mientras
dibuja estas caras. Estás jugando con
tus principios de arte, por ejemplo, escala,
énfasis, variedad. Para cada cara que diseñes, haz que la siguiente se sienta
totalmente diferente. Cambia esas características
alrededor de esa cara. ¿Qué pasa cuando aplasta tu expresión en
el fondo de un cuadrado ¿Qué sucede
cuando apuntas los ojos hacia
abajo hacia la barbilla en
forma de triángulo? Toda forma implica alguna dirección
narrativa, el tamaño de una ceja, la dirección de una pupila, el ángulo de la boca Una de las cosas
mágicas del arte de dibujos animados es que con solo un par de elementos
visuales simples, puedes aplicar todo un mundo
interior a un dibujo. Entonces tenemos línea y forma. Vamos a tirar algo de color. Vamos a profundizar más en el color
en un capítulo posterior, pero basta con ver cómo la
variedad de colores empuja esta idea de quién
es este personaje más adelante en el futuro. Cada forma específica
que hago
define aún más su naturaleza específica. Estas no son solo emociones amplias al estilo
emoji. Hay personajes que existen en
un momento y lugar en particular. ¿Y qué se necesita
para lograrlo? Comienza con la simple creencia que el lenguaje de forma
cuenta una historia. Ahora que nos hemos calentado con
algunas de estas ideas, profundicemos en nuestro proyecto de
clase.
5. Diseño de características de los personajes: Nos propusimos diseñar las
características de nuestro personaje. Decodificemos esto de adentro
hacia afuera al arte conceptual. Voy a tomar cada una de
estas caras y realmente rápidamente traducirlas en un diseño centrado en el
frente plano. La conclusión aquí es
comprender los elementos visuales
necesarios para diseñar un rostro. Primero, necesitamos un
par de formas básicas que se unan para
representar la cabeza. Siempre es alguna variación
de un rectángulo ovalado, circular, de bordes
suaves que se combina para formar el cráneo y la mandíbula. cabello agrega algo de iconografía
a la silueta y esta sencilla guía de
cabello cruzado
nos ayuda a posicionar los rasgos
narrativos, las cejas, los ojos y la boca Observe mientras el artista explora un personaje
llamado sospecha. Tenemos algunos elementos
conductuales como
los ojos lanzados, los párpados
entrecerrados
y algunos elementos físicos
como el sombrero, y algunos elementos físicos el collar elevado,
luego más allá de eso, variaciones en la colocación de
las características
que se desplazan hacia arriba y hacia abajo de la se desplazan hacia arriba y Estos son los
conceptos básicos que vamos a explorar en el primer paso
de nuestro proceso de diseño. Ahora aquí está el truco
para empezar. Las
películas de adentro hacia afuera han cubierto muchos territorios emocionales. Quiero seleccionar una emoción que no he
visto abordada en las películas. Estoy usando un stopfiers.com slash eMotins para ayudarme a hacer una lluvia de ideas Ahora, por supuesto,
simplemente podrías elegir una emoción utilizada en la película y simplemente crear tu propia variación
de un personaje. Pero solo por diversión y
viniendo con algunas nuevas indicaciones,
estoy usando este sitio Lo bueno de
esto es que no
solo te da una
definición del término, también te da una lista de señales
físicas y comportamientos para usar como indicaciones e
inspirar tu lenguaje de formas Seleccioné la paranoia, que se define como una sospecha
excesiva, una desconfianza hacia los demás La lista de
señales físicas y comportamientos, seleccioné mis favoritos. La mayoría de ellos, te darás cuenta, tienen que ver con los ojos, una narrativa clave y rasgo
emocional, algún detalle en solo la
boca para que la mandíbula apretada Eso me gusta mucho. A veces las ideas
no se renderizan realmente, sino que se pueden sumar a la
dirección de su toma de decisiones. Otro ejemplo
sería el insomnio, que es un estado de ser, y puedo usar eso para inspirar algunos de los
elementos visuales del personaje. Ahora el concepto de la expresión facial de
dibujos animados es un tema profundo. Yo hice toda una clase al respecto, pero vamos a
dejar eso a un lado. Si tuviera que darte una
sola recomendación fuera de mis propias
clases, diría, echa un vistazo al libro de Preston Blair originalmente llamado Animación
Avanzada Esto es algo de lo que puedes encontrar partes y pedazos
en Internet. Es extremadamente popular. Ha inspirado a algunas
generaciones de caricaturistas. Una de las páginas clave
que recuerdo mirando
con nostalgia cuando era niño es
la página de expresión facial La principal comida para llevar aquí es la
naturaleza de squash y estiramiento de las expresiones. Observe grandes expresiones fuertes estiran la cara como
gritar y susto Entonces expresiones
frustradas más intensas
aplauden la cara de la
manera que lo hacen los locos y se burlan. Algunas expresiones anchas
en la cara como sonrisa. Todo lo que quiere decir
es que el lenguaje del arte de dibujos animados tiene un vocabulario
rico y cuanto más lo hayas estudiado, más ricas pueden ser tus
descripciones visuales. La primera ronda de conceptos
es muy abstracta, manteniendo las formas
extremadamente simples. Observe de nuevo, estoy apuntando
la cara directamente hacia adelante. Es la forma más fácil de
colocar características sin tener que lidiar con la perspectiva
o tres formas D. Bonito proceso de
diseño plano dos D aquí. Algunas cosas que he intentado de
inmediato son romper simetría porque la paranoia
es un sentimiento desequilibrado No puedes sentarte en estado
de paranoia por mucho tiempo. Es muy angustiante
y agotador. No es un estado cómodo. Romper la simetría parece una gran manera de representar eso. También he decidido jugar con características
específicas
una a la vez antes
de pasar a la siguiente. Estoy tratando solo con la
forma de los ojos, la colocación de los ojos, escala
ocular y el
tamaño y la ubicación de las personas. Aquí tienes un consejo para
diseñar la boca. Este viene con otra referencia del libro de
Preston Blair. Esta idea de diálogo, la boca suena
inspirando la forma. Por ejemplo, me voy con paranoia y tenemos esta
idea de la mandíbula apretada, viene a la mente
el sonido, como el estiramiento
de la boca, el apretamiento de Este primer boceto se siente demasiado viejo. Quiero que mi personaje sea
un poco más juvenil y eso requiere de mandíbula
más suave, más pequeña Por lo general, cuanto más grande es
la mandíbula, más definida es la mandíbula, viejo
se ve y se siente el personaje porque el rostro crece en
sí mismo con el tiempo. Mandíbula más pequeña, pero aún así
esa boca ancha e sonora. Tengo algunas
ideas graciosas que van por aquí. Paranoia, esta sensación agudizada que alguien
te está siguiendo o viendo Voy a usar los personajes órganos
sensoriales como
el oído y los ojos para tratar de sobredetectar lo que
podría estar pasando a su alrededor. La oreja extendida aquí. Algunas evidencias de este elemento descriptivo del
insomnio podrían ser bolsas debajo de los ojos. Entonces, tomemos la conclusión de esta primera ronda de conceptos y pasemos a solo un segundo set. Ahora, puedes jugar a este juego
todo el día si quieres. Encuentro que cuanto más trabajo, más surge lo que
quiero decir Dicho esto, a menudo hay un punto en el que se alcanzan rendimientos
decrecientes, sobre todo si se trata de un proyecto vespertino sencillo y
divertido como este Tú decides cuántos conceptos
quieres construir. Voy a seguir aquí. Empiezo a preguntarme si este personaje es incluso
humano en primer lugar. Creo que la idea
es que no lo son. Ese no es realmente el punto
de las películas de adentro hacia afuera. Estos personajes no son humanos. Son abstracciones. Tengo que abrazar eso mientras sigo exagerando
las formas aquí Si bien puede que no sean humanos, sí
quiero que evoquen
una presencia similar a la humana De hecho voy a
bajar las orejas,
hacer que la boca sea más pequeña, a
ver qué pasa. Este personaje se siente
muy joven ahora. Observe lo grandes que son los ojos, esta ingenua
energía de ojo abierto, muy útil Ahora veamos cómo podemos realzar la silueta
con algo de pelo. ¿Cómo puede el cabello evocar la
energía de este personaje? Voy con agotados
como adjetivo. Una última ronda de
iteración sobre este diseño. Quiero responder un par de preguntas
importantes que voy a
necesitar a medida que me muevo en la ilustración
final. Por ejemplo, no solo la
silueta de estas características, sino ¿cuáles son algunas de las líneas
descriptivas clave que necesitamos? Por ejemplo, el pelo, tiene esta onda que sale
por la frente. Quiero que las bolsas debajo de los ojos tengan
cierta profundidad, la nariz tiene cierta colocación
y forma alrededor de un pequeño anillo de nariz ahí y algo más que estoy
descubriendo aquí al final
es la idea de que un personaje
está despierto toda la noche, esta sensación de insomnio, puedo agregar este sabor extra de una naturaleza vampiro esque
a este personaje, que eso es una
pareja divertida, vampiro paranoico Eso me gusta. Ahora, he respondido todas las preguntas
que necesito respondidas para el lenguaje
de forma de este personaje. Hemos completado esta etapa
conceptual. Ahora usando esto como referencia, vamos a comenzar a trabajar en la ilustración final
del personaje.
6. Convertir formas en formas: enfoque de esta lección es aprender a convertir una
forma en una forma. Cada forma en nuestro
boceto conceptual coincide con una forma. Cada círculo se convierte en una esfera. Una manera sencilla de
pensarlo es la forma revela la tercera
dimensión de un objeto. También revela la colocación de la cámara que está
en nuestro cerebro, nuestro punto de vista de un sujeto. punto de vista es una parte
tan crucial del
arte narrativo específicamente. Nos dice cómo estamos
viendo algo. Entonces, si estamos dibujando una cara desde tres
puntos de vista diferentes, podemos elegir el frente, el lateral, y
el clásico turno de
tres cuartos, que es el más difícil de
dibujar pero revela la
mayor cantidad de información. Notarás que la
cara frontal y el lateral aplanan la imagen y
obtienes algo que existe en algún lugar entre una segunda
y tercera dimensión La vista frontal y la vista lateral no son realmente como observamos
el mundo real. Pero mientras he
impartido otras clases y dibujo caras en
un turno de tres cuartos, creo que para esta lección, porque nos estamos enfocando
tanto en los elementos de diseño, nos vamos a quedar
con la vista frontal. Pero claro, todavía podemos
aplicar la forma a este diseño. Volvamos a echar un vistazo rápido al libro de
Preston Blair. Tiene una página completa sobre la simple idea de
construcción de la cabeza. Puedes ver aquí
hay muchas formas de
representar la forma en un diseño de personaje
simple,
un diseño de cabeza simple. Y la clave para eso, no importa
en qué
estilo visual estés trabajando es entender el
concepto de contorno. Si aplicamos
curvas de nivel a este círculo, podemos
transformarlo en una esfera. Piensa en una
línea de contorno como si estuvieras pasando
tu lápiz por la superficie de un objeto y se
doblara con las curvas del objeto. Entonces, cuando observamos
esas líneas, evocan las cualidades generales de tercera dimensión
de esta forma Hay un
personaje frontal establecido con curvas de nivel y aquí hay un personaje de cara lateral
con curvas de nivel. Observe que la densidad de las líneas puede cambiar
la sensación de la forma. Podemos converger las líneas alrededor de
la nariz para profundizar esa Y podemos girar líneas en diferentes direcciones a través de
diferentes formas y formas para establecer un cambio
direccional, crear contraste visual. Como el cuello aquí,
estoy dibujando las líneas perpendiculares a las líneas a
través de la esfera de la cabeza. Veamos cómo las curvas establecen esta
ilusión de profundidad. Tomemos un objeto sencillo. Digamos que este círculo en realidad representa una moneda y
voy a dibujar con este morado un sistema de
cuadrícula rectangular alrededor de esto para establecer el centro real del objeto y
las piezas de pastel
que irradian de eso Mira cómo cada sección de esta
moneda parece ser igual. Ahora vamos a
tomar ese sistema de rejilla y colocarlo plano sobre una mesa basada en un
único punto de fuga Observe cómo la moneda realmente
se deforma por perspectiva. Ahora esos trozos de pastel
todos se sienten diferentes. Observe que el centro real
empuja visualmente hacia el espacio, moviéndose más hacia
el fondo, y todas las piezas de pastel, mientras siguen siendo
del mismo tamaño, visualmente aparecen diferentes. Esa es la ilusión de profundidad. Esto también puede ayudar a establecer nuestro nivel de ojos si estamos
pensando en un personaje. Si los estamos mirando
directamente a los ojos, el personaje se va a sentir perfectamente equilibrado
justo frente a nosotros. Pero si estamos un poco
más bajos
mirándolos o un poco más altos
mirándolos hacia abajo, cambia los ángulos
del contorno y las
diferentes superficies que vemos. Por el bien de lo que puede ser una lección introductoria
para contornear para ti, vamos a mantener
las cosas bastante simples. Así que tomemos nuestro
pequeño
boceto de personaje y solo establezcamos que el nivel de los ojos está perfectamente
parejo con nuestro nivel de ojos. Eso significa que
las líneas de contorno son planas justo donde el centro de la pupila y se
curvan a medida que se mueven a través de
las esferas del ojo La nariz, voy a hacer contornos
verticales y
se curvan alejándose de nosotros. Cuanto más van desde el centro,
lo mismo con la cabeza. La vertical en el centro de esa esfera es
perfectamente recta, pero los contornos se curvan alejándose de nosotros, resolviéndose
eventualmente en el borde
exterior de ese círculo. Ahora podemos complicarnos un poco
más con esto. Digamos que queremos
lidiar con los oídos. Hay que establecer
qué parte de las orejas se curva en
qué dirección. Estoy diciendo que la parte superior se curva
alrededor de la parte posterior en sí misma y la parte plana más amplia de la oreja tiene estos contornos
más largos. Esto se vuelve muy
útil en el cabello, que tiene esta onda agotada establecimos en
el arte conceptual Observe que mis contornos se doblan y arquean alrededor y luego se superponen. Por el flequillo del cabello, y luego podemos
abordar las cejas, aunque sea algo si queremos, podemos llevar esto
un poco más allá Incluso podríamos establecer
los contornos del cráneo mismo y la cuenca del
ojo real donde está sentado
el ojo. Esto nos recuerda que
queremos establecer este oscuro
sentimiento insomniático en nuestro carácter Mi obra puede ser gráfica, pero en realidad implica un
espacio de tercera dimensión en la forma en que uso la luz y la textura. Algunas de estas ideas están más arraigadas en que están inspirando
mi trabajo de última línea, pero no siempre las dibujo. Pero creo que estos
pequeños ejercicios, entender el contorno, estudiar la forma de objetos
simples podrían
ser de gran ayuda. Entonces tal vez hacer un estudio
de una taza de café con la línea de contorno o incluso algo tan simple
como una lata de sopa, solo para entender cómo se
doblan y curvan las líneas a medida que se
alejan de nuestro punto de vista. Así que ahora al entrar en
el boceto final que se convierte en la referencia
para el trabajo de tinta, voy a hacer en
el siguiente capítulo, voy a
inspirarme en
las curvas de nivel en lugares
muy específicos. Por ejemplo, de inmediato, esta idea del alumno y
esta caótica simetría rota, vamos a por
esta idea del alumno y
esta caótica simetría rota, llenado
insomniático Observe cómo uso dos líneas de
contorno simples para doblar la pupila lejos de nuestra línea de ojos Una pupila perfectamente centrada o una pupila
algo centrada y
otra que se curva Observe, cuando pongo ese pequeño sistema de rejilla
alrededor de la pupila, se
puede ver que ha sido deformado
por un cambio Esa es esa lección que
acabamos de pasar
unos minutos
repasando aplicada a un elemento visual muy
sencillo. Aquí está su influencia nuevamente a
lo largo de este diseño. Permítanme en realidad simplemente apagar
la línea y mostrar lo que se ve
mi cerebro cuando pienso específicamente en los contornos De los personajes
y cualidades de esta figura de
vampiro paranoico real esque, llegan a través
del arte del contorno Shape nos lleva bastante
lejos en este viaje, pero si quieres
llevar el diseño al siguiente nivel a la hora
de desarrollar el personaje, entender el contorno y cómo representa la forma
es realmente útil. En este paso, tu objetivo es
crear un boceto final de
la cabeza del personaje, todos los rasgos en su lugar, plantearse como si fuera algo así una foto
de clase,
tal vez agregar un cuello ,
hombros si quieres, y
luego en el siguiente capítulo, vamos a pasar
a tintas finales.
7. Técnicas de entintado: Anoté en la apertura
de este curso, eres bienvenido a trabajar de manera
tradicional o digital Voy a tratar de hablar de
maneras sobre mis técnicas
aquí que puedan aplicarse a ambos. El primer paso es a la
hora de hacer bocetos. Quieres hacer un boceto a
una escala que se adapte a tu sentido del movimiento cuando
dibujas, así como a tu herramienta. Entonces voy a escalar mi
dibujo un poco, pero no lo quiero demasiado
grande porque hay un punto óptimo donde mi
línea se ve mejor Es como
si consideras que tu voz se sienta a un volumen cómodo
cuando estás hablando, gritar es agotador y está enfatizando tus mejores cualidades y susurrar es
lo mismo,
pero por otro lado, el espectro Dibujar es de la
misma manera. el sentido correcto de la escala. Encuentra dibujar un círculo, mira lo que se siente cómodo y natural cuando solo
quieres ejecutar un círculo. Siempre esfuérzate
para ir un poco más grande, pero no demasiado grande donde tus gestos no se sientan cómodos. Dicho esto, cuando se
trata de herramientas de dibujo, trabajando digitalmente, tus opciones
son realmente simplemente infinitas Se puede descargar 1 millón de pinceles
diferentes. Cualquier aplicación de dibujo viene
con una gran variedad de tipos de pinceles que simulan versiones
reales de pincel. Trabajando tradicionalmente,
las cosas se ponen un poco más difíciles
porque para establecer una buena relación con un
pincel o una pluma de caligrafía, algo que a medida que
aplicas peso, cambia el volumen
y la calidad de la línea Esas son herramientas que se ponen complicadas. Eres bienvenido a trabajar
con solo un sharpie
o un micrón o un bolígrafo, si eso es todo lo que
tienes que practicar algunas técnicas de entintado
porque entintar mucho sobre la selección de líneas
ya que es la calidad de la línea Pero voy a estar
usando herramientas que me resulten cómodas
y voy a hacer dos versiones entintadas
de este personaje, una con un pincel suave Tiene una linda línea limpia. Entonces voy a hacer
un pincel texturizado, algo que se siente más como una calidad de tinta seca donde revela la textura
del papel, sin embargo las cualidades de
aplicación de presión son básicamente las mismas. Sea cual sea la herramienta
con la que estés entintando , quieres
estar cómodo. Pequeños ejercicios
como este te ayudan a entender qué presión se adapta también a tu sentido del movimiento. Haz un pequeño ejercicio rápido para entender lo
que pensamos cuando entintamos en un estilo caricaturesco significa que estás representando, en su mayor parte, los bordes exteriores de las superficies, pero sí necesitas
considerar la forma,
es
decir, que la
presión de tu pluma, los ajustes en
la
calidad de la línea de delgada a pesada deberían representar de dónde los ajustes en
la
calidad de la línea de delgada a
pesada deberían representar de dónde viene
la fuente de luz Si voy a entintar un
montón de pequeñas esferas,
fíjate que la línea es mucho
más delgada, casi invisible, apunta donde el
resaltado es más fuerte y la línea es más pesada a medida que nos
movemos hacia las sombras
centrales más oscuras Considera la herramienta de pincel suave, una línea de estilo de una pasada, lo que
significa que se ve mejor si
puedes crear una línea en
un solo gesto Cuantas menos líneas,
más fuerte es la imagen que encuentro. Ahora, cuando nos metemos en
un pincel texturizado, las reglas cambian un poco. De hecho, encuentro que los pinceles de textura ven mejor cuando están
un poco descuidados Considera esto tal vez
una línea de paso suave. De hecho, podrías construir la línea a través de
diferentes pasadas y la textura se revela más a través de una flojedad incompleta Podemos jugar con valor de
una manera que no podemos con
un pincel suave. El pincel suave está encendido o apagado, mientras que el pincel texturizado tiene capacidades de
degradado.
Todo bien. Comenzando con mi técnica de
pincel suave, recuerden, estoy estableciendo una colocación
de la fuente de luz cuando digo que la luz está
arriba de este personaje, solo una idea general, pero sí me ayuda a
dirigir mis líneas. A medida que entintado los globos oculares, las líneas son más pesadas en la parte inferior que
en la parte superior Lo mismo cuando me
vuelvo a las orejas. Observe que el
borde exterior de la parte superior de la oreja tiene un
peso de línea más delgado que el borde inferior. También uso mi entintado para
establecer dónde se
superponen las superficies y oscurecen los espacios en
las profundidades del contorno Por ejemplo, la parte interna
del oído a medida que desaparecemos
en el pasaje del oído, ese es el punto más oscuro
de la boca en realidad se abre solo un poco para mostrar un poco más de
este estrés paranoico Pensé que esa línea imperfecta hace un buen trabajo al
representar eso Eso es como si estuvieras mirando
dentro de la cavidad de la boca. El cabello es un poco diferente. Estoy dibujando contornos,
pero también estoy dejando fuera las líneas donde hay que
destacar. En realidad, el espacio negativo, el resaltado se convierte en
el contorno mismo, y el negro se convierte en las partes
más profundas de la sombra. Notarás que
entintado muy rápido. Esta es más o menos una versión sin cortar de mí
entintando a este personaje Objetivo con entintado es
poder trabajar rápidamente. Has establecido
la imagen a través del boceto y ya has respondido a la
mayoría de tus preguntas. El entintado debe sentirse un proceso
muy seguro y puedes trabajar de una manera
que se sienta natural y
cómoda y de hecho hace que
la imagen
sea más fácil de leer en ese momento porque no
tienes estos espacios que
están sobrecargados de trabajo o que aún se están decodificando Tienes la
solución más rápida y sencilla a la idea
general de tu personaje. Encuentro
que la calidad de
la herramienta de entintado realmente
cambia esa regla por Por ejemplo, el bolígrafo liso, quiero lo más simple y
eficiente posible con solo pequeños
acentos de textura. Por ejemplo, debajo de los ojos, el borde de las cejas, la zona poco afeitada
donde se separa el cabello. Hay pequeños trozos de textura, pero en general es bastante escasa El color va a
recoger la holgura en algunas de las formas
de este personaje. Ahora, cuando trabajo con
este pincel más texturizado, en realidad
estoy un poco más flojo y de hecho voy a permitir líneas más imperfectas de las que lo haría con ese pincel
más suave Nuevamente, esto es solo preferencia
personal. Me parece que el pincel texturizado
es un poco más gratis. Estoy dibujando las
mismas cualidades que con el otro pincel, pero las estoy tratando
un poco diferente. Por ejemplo, observe esa línea
tambaleante en la oreja. Si estaba trabajando con
esa otra herramienta de pincel, podría
haberlo deshecho
y volver a intentar conseguir una línea más limpia porque siento que sería muy distrayente Pero cuando la línea
es un poco más suave, cuando hay un poco
más de carácter y el valor, este tono de gris en el que existe
esta línea, voy a permitir
más imperfecciones Debido a que la pluma es gris, espacios como el pelo en realidad revelan la calidad de las
líneas con más detalle, se
puede ver más de la
pincelada a través de la página en esta versión de la también tienen más variedad
y grosor de línea. Puedo hacer líneas muy finas, lo que agrega un poco
de un bosquejo. Casi se puede ver parte
de la etapa de planeación en esta versión final
del personaje de tinta. Esta herramienta también me permite
empujar las cosas dentro y fuera
de foco un poco más. Por ejemplo, el anillo de nariz
puede ser muy, muy claro, este gris más suave en las
pupilas aún puede ser oscuro, pero no pueden lograr esa sensación de alto contraste de
la técnica del pincel suave. Bien, entonces hay un ejemplo de
dos formas de entintar el
mismo personaje, y realmente te animo a explorar algunas de
tus herramientas de dibujo. Primero, intenta ajustar la
escala de cómo trabajas. ¿Qué tan grande es tu boceto? ¿Cuánto gesto? ¿Cuánto
movimiento se necesita para llegar del punto A al B a través de
su superficie de dibujo? ¿Estás más inclinado
a los dibujos más pequeños o a mayor escala? ¿Cómo
influye tu herramienta de dibujo en tu toma de
decisiones cuando entintas? ¿Qué cualidades si tu trabajo es resaltado por
la herramienta de dibujo? ¿Son tus cualidades más débiles
o tus cualidades más fuertes? A lo mejor eres más adecuado para una herramienta un poco más desordenado porque
así es como dibujas mejor Por otro lado, a
lo mejor eres alguien que aspira a líneas más limpias
y eficientes No hay una respuesta correcta o
incorrecta a esto. Es solo el viaje,
buena suerte y
diviértete experimentando
en el reino de la tinta, y te veré en el reino de los colores
cuando hayas terminado
8. Esquema de colores: Maquetación de colores, título
bastante inteligente. Básicamente, a lo que
me refiero es ¿cuál es tu estrategia para
seleccionar colores? En el mundo del
arte de dibujos animados, los colores de alto contraste, los colores
ampliamente emotivos son una excelente manera de comenzar a
desarrollar tu paleta Voy a estar trabajando
con armonía complementaria, que es una técnica probada
y verdadera muy fácil de entender, y voy a
crear dos variaciones de una combinación de colores
para este personaje, igual que hice con la tinta. Exploraremos diferentes
formas de pensar sobre el proceso y lo que
cada esquema de color revela sobre el personaje. Estas son técnicas que
podrías aplicar digitalmente, claro, no
necesitas ser un experto en coloración
digital para hacer
lo que estoy a punto de hacer Si trabajas tradicionalmente, probablemente te
recomendaría un buen juego de
lápices de colores que se pueden alquilar
como el color prismico,
supongo, es uno de los
populares O mezclar marcadores, eso también
podría ser muy agradable. La armonía de cortesía dice que un color cálido y un color fresco en lados
opuestos de
la rueda de colores establecen un aura agradable. Se puede decir, por ejemplo, estoy estableciendo el
verde y el morado como dos colores complementarios
que tienen una agradable armonía. Para desarrollar la armonía, puedes llenar el valor,
es decir, púrpura con más
negro o más blanco. Eso nos va a ayudar a
aplicar la forma a través del color. Desplaza esta línea y toma otro esquema de color
sobre el azul y el naranja. Ahora cuando las aplicamos a las formas, podemos ver que instantáneamente
funcionan para crear algo icónico en que los colores en la naturaleza tienden a tener mezclas
más suaves. Existe el
esquema de color
complementario ocasional de
alto contraste en la naturaleza, pero es exagerado para efecto
dramático, para un atractivo
emocional Y funciona cada vez. Intentemos otra, una versión de rojo y una versión de verde. Me parece que no
quieres apoyarte en colores que son simbólicos de cosas particulares
como las vacaciones. Yo voy a usar
rojo y verde, no
quiero que se
sienta como Navidad. Tengo más de un rosa
y un azul verdoso. Como caricaturista, tengo una forma bastante particular
de aplicar mis colores. Empiezo con lo que
se llama pisos, que es solo una capa sólida
general de un solo color que funciona
como base para construir. Entonces estoy usando la herramienta Lazo o
una herramienta básica de selección a mano alzada dependiendo del software en el
que estés trabajando Estoy poniendo un tono
más claro
del azul verdoso
y luego saltando al otro lado
de
mi esquema de color y agarrando un
rojo más profundo para Ese conjunto de reglas de
ahí constituye
la mayor parte de mi toma de
decisiones creativas desde el principio. Ahora solo necesito jugar con
sutiles variaciones de esto. Mi primer paso es
encontrar mis sombras. Voy a elegir
un valor más oscuro de verde y meterme en las
partes más profundas de los contornos, los ojos y las orejas. Ahora en realidad estoy dibujando mis colores con una técnica parecida a un
lápiz de colores. Esta es la misma herramienta que utilicé para mi proceso de entintado texturizado Pero digitalmente, puedes poner colores
más claros encima de colores
más oscuros y
erradicarlos. Puedo trabajar un poco las sombras que están alrededor de
los contornos de mis oídos. Tengo mis sombras establecidas,
voy a
ponerlas un poco más, así que voy a elegir
otro tono del verde, en
algún lugar entre el valor más
ligero y el valor más oscuro y conectar
el tono de piel a la Ampliar el valor es una
excelente manera de implicar la forma. Tengo algunas
mechas en el cabello. Otra técnica digital aquí
es aplicar una máscara de recorte. Se nota que el color
de mi arte lineal ha cambiado. Lo que he hecho es que he
creado una capa por encima mi arte lineal y la
llené de un color sólido. En este caso, un
color oscuro que no es negro, sino negro adyacente. Es negro con un poco de mi color
complementario en él. Una vez que aplicas la máscara de
recorte, ésta la hace, por lo que el color solo aparece encima de
esos píxeles negros Es una manera muy fácil de
agregar un poco más de carácter a tu arte lineal y reducir
esa calidad de alto contraste
del arte lineal negro. Ahora voy a agregar otra
capa por encima de mi capa de planos, y voy a usar
la herramienta de aerógrafo para crear un poco de
textura encima de eso Y a esto también se le aplicará una máscara de
recorte. Por lo que solo se muestra
encima del color plano. Eso me permite la libertad
de simplemente colorear fuera las líneas sin
preocuparme si
va a aparecer en el blanco
real de la página. Más cerca nos acercamos a
la obra terminada, más importante siento que
se vuelve mirar hacia atrás a las cosas que establecimos en las
primeras etapas conceptuales. Entonces algunas de las
señales físicas, los comportamientos, las cualidades de este personaje
real, ¿cómo las estamos reforzando
a través de la tinta y el color? La idea de que este personaje
tenga insomnio se puede establecer añadiendo
algún efecto de ojo seco. Entonces no exactamente venas en el ojo, sino el tipo de cualidad
rojiza y las áreas oscuras
debajo del Añadiendo algunos
reflejos adicionales en
la parte superior del ojo le das más forma. Algunos otros pequeños
resaltan a través del cabello solo para
sacar la luz y distinguir
esa mirada agotada Recuerde, observe de cerca
dónde se superponen
superficies particulares. Por ejemplo, el cabello, agregar una sombra debajo del cabello que
baja por la frente es una gran manera de implicar contorno sin dibujar literalmente
ninguna línea de contorno. Lo mismo con la nariz. El
espacio debajo de la nariz podría usar una bonita sombra
donde
están las fosas nasales y el espacio
en la parte superior de la nariz, está captando la luz
podría usar un buen Solo para revisar, tenemos nuestros colores base principalmente
en una sola capa, estableciendo las pautas
generales de
nuestro esquema de colores de
armonía complementario. Encima de eso, tenemos
algunas máscaras de recorte que agregan textura de sombra, y al final de
todo algo resaltado Puedes considerar
tus esquemas de color, ese conjunto básico de reglas Ahora tomemos ese otro conjunto
de armonías complementarias, la verdosa a la púrpura
y sigamos esos mismos Voy a usar para mis pisos un verde vibrante
para el tono de piel. Un morado profundo para el cabello. Ahora paso uno, estableciendo
sombras a través de algún contorno. Estoy usando valores más profundos de verde para encontrar esas áreas oscuras, una capa con una máscara de
recorte aplicada al aerógrafo en algunas sombras
más sutiles Puedo hacer lo mismo
con algunos reflejos para que la cabeza se sienta
un poco más redonda, ¿sabes? Y luego un último paso a través es mi herramienta de
dibujo de texturas usando el blanco. Entonces los pisos establecen
el medio suelo. Las sombras empujan las cosas hacia atrás y los reflejos mueven
las cosas hacia adelante. Ese es un
enfoque sencillo de la forma. Bien, ahora tenemos dos versiones distintas de
nuestro personaje paranoico No puedo decidir entre
los dos, lo que significa que este es un proyecto de clase
exitoso. Amo a mis dos chicos por igual. Ahora, hablemos de revisar nuestro trabajo y
compartirlo con el mundo.
9. Cómo compartir tu trabajo y aprender más: Espero que hoy te hayas divertido aquí. Pero en lo que a mí respecta, la experiencia en el aula aún
no ha terminado del todo solo porque
terminas tu dibujo. Para mí, una gran parte
de la creación de trabajo son las oportunidades que presenta
después de que se realiza el trabajo. Por ejemplo, me encantaría
ver tu trabajo compartido en la
sección de proyectos de clase de este curso. De esa manera, puedo darte un poco de ánimo o algún
comentario si quieres, y aún mejor que eso, la comunidad de habilidades compartidas verá lo que estás creando y eso podría
inspirarlos a hacer trabajo por su cuenta Esa es una sensación bastante genial saber que estás haciendo
eso por alguien. Siéntete libre de participar ese tipo de formas si
estás abierto a eso. Ahora, encima de eso, algo que
realmente podrías hacer por ti mismo. Eso es exclusivamente para
ti es un paso atrás de tu trabajo imagina que eres una persona
diferente por un segundo. Míralo con ojos frescos y piensa en lo que
realmente funciona y cuáles son algunos espacios que tal vez estés un poco debilitados y que realmente
podrías practicar Ya sabes, discutí
los roles de algunos materiales diferentes
y la teoría del color y estas etapas del proceso
creativo. Algunos de esos se convierten en un sentimiento
natural para nosotros y nos
sumergimos justo y algunos de ellos eran conjuntos de habilidades en los que tal vez
desconfiamos de sumerger nuestro dedo del pie porque tenemos expectativas de
nosotros mismos y de todo Es bueno entender dónde te encuentras en tu viaje
creativo. Haz una pequeña
sesión de crítica contigo mismo. Eso puede
ser muy valioso. Aún más valioso que eso es compartir tu experiencia
creativa, las alegrías de en las pruebas y tribulaciones en tu post de proyecto de
clase Eso honestamente
me
va a animar a compartir tal vez una revisión más profunda de
su trabajo y ofrecer algunos consejos sobre dónde podría
ir para un mayor aprendizaje. Esa es una experiencia en el aula. Y ahora porque mencioné
seguir aprendiendo, llegué a hacer un poco de
autopromoción. Tengo todo un canal para
compartir habilidades por ahí, y si no lo has
comprobado, posible
que quieras echarle un vistazo. Si te gusta esta
clase de caricatura, tengo algunas inmersiones más profundas en
las ideas de caricatura
en todo tipo de niveles inmersiones más profundas
que lo que hemos cubierto aquí sobre
el diseño de la cara general de dibujos animados, clases de expresión, clases de lenguaje corporal,
clases sobre las ideas más amplias del arte narrativo
de Si eres artista conceptual, tengo clases
de World Building. Clases técnicas sobre el
uso de herramientas de tinta y búsqueda de inspiración en nuestros ilustradores
favoritos hay, creo, este momento hay, creo,
unos 20 cursos
ahí. probable es, vas a encontrar algo que va a
inspirar algo nuevo en ti, y para eso estoy aquí. Dicho todo eso, espero con ansias
ver su trabajo y
espero que tenga un buen día. Te veo en clase la próxima vez.
