Flores orgánicas expresivas con acuarela y tinta

1. Introducción: Llevo años usando Acuarela y tintas en muchas de mis piezas de cuaderno de bocetos. Hola, soy [inaudible], y este cuaderno de bocetos es mi 21º cuaderno de bocetos, que he dedicado especialmente a las flores silvestres, lo que me ha permitido explorar formas de agregar más profundidades e interés textural en mis botánicos. Mis florales han aparecido en tarjetas, papel de envolver, bolsas de regalo, y tela. Esta clase tiene una exploración relajada de florales expresivos establecidos en Acuarela con detalles entintados esenciales en la parte superior. Como maestro superior aquí, en Skillshare, muchos estudiantes se han preguntado cómo aparentemente logro florales Acuarela sin esfuerzo que se mantienen vibrantes y frescas, en lugar de atar al exceso de trabajo. Pero, ¿cómo vamos a hacer esto? En esta clase, compartiré insights y mejores prácticas para producir acuarelas expresivas, incluyendo despejar el espacio de cabeza para nuestras florales en floración. Al usar ejercicios lúdicos, podemos desplazar nuestra atención de la necesidad de retratar representaciones precisas y en su lugar simplificarla para capturar la esencia de tu flor. Como perfeccionista recuperador, crear obras de arte en Acuarela y tinta apela a mi gusto personal y capacidades ya que me permite tener el equilibrio entre el lado despreocupado de mí y la necesidad de unos detalles. Los principios rectores que presento, como las puntas de mezcla de forma, valor y color se pueden aplicar fácilmente a cualquier tema que decidas pintar y aún así lograr los mismos resultados espontáneos. pinceles grandes y colores vibrantes pueden tomar el centro de la escena en este enfoque, junto con el contraste de pedrería y las inclinaciones descriptivas. Son tres manifestaciones de larga duración en las que te llevo a través de todo mi proceso. Ya sea que estés empezando con Acuarelas o estés bien versado en este medio, presentaré una forma de trabajar realmente única e intuitiva que producirá en encantadoras representaciones de flores silvestres. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por acompañarme. Realmente he tratado de descomponer este curso en segmentos fáciles de manejar. Como siento, si te pidiera que te sumergieras directamente en la pintura, un estilo floral más flojo , habría demasiada frustración y ansiedad, y realmente no disfrutarías tanto de la práctica, y realmente quiero que disfrutes esto plenamente. Como tal, quiero introducir algunos ejercicios de calentamiento relacionados para facilitar suavemente y guiarte en esta técnica. Esto debería mejorar tu práctica de acuarela para cualquier tema, no solo florales. Tenga en cuenta que aunque en esta clase se utiliza la técnica húmeda sobre húmeda, no se trata específicamente de mezclar acuarelas, ni de teoría del color. Parte de la luz puntual estará en lograr, una mirada expresiva relajada, desplazando nuestras actitudes hacia cómo debe verse un floral. El resto será una visión general de cómo comportan tus acuarelas bajo condiciones ligeramente diferentes, como variaciones en el pigmento, más para cargar en el pincel, incluso hasta el papel que usas. Tu proyecto es usar técnicas de acuarela y tinta, delineadas en esta clase, para representar una flor silvestres, o flor de tu elección, idealmente, una que tú mismo escogiste. Utilizas la pestaña de proyectos y recursos, para subir tu proyecto. Me encantaría ver tus ejercicios de calentamiento, la forma, el valor, y los estudios de tinta, tu floral principal, y un breve resumen de tus pensamientos sobre el proceso, con reflejos, y algunas lecciones aprendidas. Está bien ser honesto, no estoy aquí para juzgar, verdad quiero apoyarte. Puedes publicar tu progreso por etapas si quieres, y voy a tratar de mi mejor manera, para dar retroalimentación antes de embarcarte en la versión en color, o versiones. Por favor, publique, tantas florales como quiera. A la derecha justo aquí, están los recursos del proyecto. Tengo PDF descargables, incluyendo las formas de hoja a probar para el ejercicio de calentamiento de mezcla de color, una lista de pigmentos de color agua que uso en esta clase, mi lista de materiales, incluyendo todos los plumines y papeles de acuarela. Estos documentos estarán en la sección de recursos aquí, junto con enlaces a otras clases de SkillShare que mencioné a lo largo de esta clase. Si deseas compartir los bocetos que creas, entonces por favor usa #ohnmarskillshare, para que pueda ver tu progreso en Instagram. No obstante, sí les exhorto a publicar dentro de este aula para una retroalimentación completa de mi parte. 3. Materiales necesarios: Los cepillos redondos son bastante versátiles y los son probablemente el cepillo más utilizado. Siempre he pintado con estos, pero mientras pasaba por este cuaderno de bocetos en particular, sí empecé a usar algunos pinceles diferentes. Absolutamente no necesitas tener ninguno de los pinceles que te voy a mostrar a continuación. Este era un pincel de estilo chino que he tenido en mi colección desde hace varios años y nunca lo había usado y realmente quería simplemente dar a las cosas un go realmente. Si lo mojo, verás que entra en un punto encantador. Empecé a investigar un poco más y como estaba después de mucha carga de agua, descubrí que estos cepillos de pluma podrían ser muy valiosos para mí. Nuevamente, vienen en una variedad de tamaños y yo diría que este número cero como tienen en la serie de Jackson, es equivalente al pincel chino, que yo diría que equivale aproximadamente a un número 12. Estos están hechos con una mezcla de fibras y por ser tan gruesa, puede contener mucha agua. Les explicaré mucho más estos en un video posterior. Un último punto es por favor no pienses que tienes que salir a comprar pinceles de pluma. Esto era sólo algo con lo que quería jugar y me pareció que me gustaban. Si no las tienes un cepillo redondo está perfectamente bien. También necesitarás al menos un conjunto de acuarelas de calidad estudiantil. Se ve muy básico pero tiene dos amarillos, dos rojos, dos azules y dos verdes, dos marrones, y esto es perfectamente adecuado para lo que vamos a estar haciendo hoy. Yo uso el set de pan Winsor y Newton , claro, si estás usando tubos de acuarela, eso está absolutamente bien. Lo mantengo bastante desordenado y este año no pude evitarlo y compré unas sartenes extra. Me emocionan cosas como esa. Lo que más necesitaremos es papel de impresora estándar bog, que usaremos para los calentamientos. No quiero que seas preciosa con los calentamientos, solo quiero que produzcas el mayor número posible y si crees que has cometido un error, solo agarra otra hoja de papel. Para algunas de las prácticas de acuarela, puedes usar papel de cartucho pesado si no quieres papel de acuarela más caro. Tengo una variedad de papeles de acuarela que estaré usando, Winsor y Newton, el Hahnemuhle y verás que la mayoría de estos son 300 GSM o 140 libras. Para una de las demos, estaré usando mi Moleskine, que es un papel de 200 GSM, pero me parece bastante adecuado para mis necesidades. Puedes usar una variedad de papeles, solo puedes usar tu cuaderno de bocetos depende de ti. Si tienes soportes para bolígrafos, eso será genial. Tengo una variedad aquí y por supuesto, necesitarás plumines. Yo guardo el mío en este pequeño contenedor de metal. Tengo toda una variedad de plumines porque estoy un poco obsesionada con ellos. Este es el titular de Kuretake, y este es el plumín Brause. Encontrarás que la mayoría de los titulares se llevarán la mayoría de los plumines. Ese va ahí y esto en realidad es un bolígrafo de mapeo. Voy a pegarme en este portador de Curtisward. Ahí vamos. Prometí cuando lleguemos a la sección de entintado de la clase, voy a explicar cómo usar estos con mucho más detalle. En realidad se pueden comprar estos como niños así. Compré esto para mi hija porque siempre está usando mis cosas y creo que debería conseguir las suyas propias. Necesitarás un poco de tinta. Tengo una variedad, tengo tinta acrílica de dólar redondeada. Mi favorita es este pico marrón de Winsor y Newton. Si no tienes pluma y tinta, puedes usar una pluma estilográfica o forros finos. Esto es sólo una pluma estilográfica estándar de libro que utilizo para bocetos urbanos. No te dará toda una variedad de línea, pero es una buena alternativa y esto es solo el uniball. Este es el micron pigma. Estos estarán en la sección de recursos de clase. Algunos artículos finales que vale la pena tener es solo algún rollo de cocina para dabbing tu cepillo limpio o seco y también un temporizador que necesitaremos para algunos de los calentamientos. 4. ¿Por qué elegir flores SILVESTRES?: Algunos de ustedes tal vez recuerden mi clase crear libremente con acuarela de ingresos la cual tuvo proyectos divertidos basados en frutas y verduras simples. He explorado esta técnica con frecuencia en los años intermedios, por lo que ahora soy capaz de presentar una mirada mucho más profunda a los fundamentos y la mentalidad de este enfoque. Es un estilo evolutivo para mí y uno que he estado practicando a lo largo de varios años. En la primavera de 2020, descubrí que fácilmente podía adaptar este método para representar las flores silvestres, el tipo de flores que más adoro. Mi relación con las flores silvestres se remonta a un largo camino, muchas veces verlas cuando estaría caminando hacia y desde la escuela de niña. Estarían saliendo de viejos puentes ferroviarios con amapolas y pastos creciendo a lo largo la carretera o en las zonas boscosas sombrías que eran atajos a mi escuela. No sabía sus nombres en ese momento, sólo sabía que me encantaban los extraños ángulos en los que crecían, sobre todo porque en ese momento no teníamos un jardín propio. Esta clase fue filmada durante el bloqueo del COVID de la primavera de 2020. Yo tomaría largos paseos socialmente distantes con mi hija en el sol primaveral y notaríamos todas las flores, y las flores, y las cáscaras de huevo, y las abejas que todos formaban parte de esa temporada. Fue parte de su aprendizaje en casa también. Estas salidas diarias despertaron mi curiosidad y este avivamiento me obligaron a empezar a cronicar las flores silvestres que vimos. De alguna manera, creo que fue una reacción a la cerradura bajo la que estábamos. Usando esa libertad de movimiento que se nos permitió explorar. También sabiendo que siempre era seguro explorar dentro de mi cuaderno de bocetos. Como muchas veces en el pasado, me retiraba a la seguridad de mi cuaderno de bocetos por circunstancias personales. Este fue en gran medida un maravilloso forro plateado ya que desató encanto latente que me instó a que algún día me disparara en una tangente. Una mañana, decidí sacar raíces de diente de león y todo, y decidí pintar todo el asunto. Nunca había pintado un diente de león que estaba en la etapa de floración. Desde luego nunca había prestado mucha atención a las hojas distintivas ni a la raíz, nunca pinté ninguna raíz en ningún bocetos. Pensé que esta es una forma realmente interesante de llenar un nuevo cuaderno de bocetos. Podría documentar las flores silvestres o las malas hierbas que manché en mis paseos diarios. Hay algunos otros factores que realmente me han ayudado a disfrutar llenando mi cuaderno de bocetos. Pude girar los retratos del cuaderno de bocetos para que ambas páginas dieran un área muy alargada con la que jugar y presentaran una oportunidad diferente para llenar este espacio y esto era algo que nunca había hecho antes. A pesar de que a menudo pintaba varias veces más, encontré que pintar estas flores me daba una apreciación mucho más profunda y única de cada flor. Esto a su vez realmente ayudó a mis habilidades observacionales. Otro activo para producir bocetos como este fue explorar las texturas o florecimiento que ocurren bajo ciertas condiciones con acuarelas, que es una de las muchas alegrías para mí al trabajar con este medio. Por último, quería seguir jugando con líneas de tinta y entendiendo específicamente el nivel mínimo de detalle que se puede agregar con el fin de proporcionar suficiente información, y también para contrastar contra la holgura del color del agua. Al momento de esta grabación, tengo casi 30 spreads de doble página de flores silvestres que me traen mucha felicidad cuando las miro. Siempre he creído que el disfrute es un aspecto muy importante y factor motivador para mí. Ya que no dedicaría todo un cuaderno de bocetos a las flores silvestres de otra manera. 5. Mi versión de flores expresivas: Muchas personas se sienten atraídas por la noción de acuarelas sueltas que aparentemente puedo lograr con facilidad. Quiero explorar varias facetas de este look. Mi método ha sido establecer la acuarela primero basada en una forma refinada antes de agregar suficientes detalles de tinta para que los dos medios puedan comunicar, las características de cada flor. Creo que sería realmente útil explorar esta relación un poco más antes de ir más allá. Se trata de un proceso de dos partes, pero donde ambas llevan la responsabilidad de proporcionar información. Deponer la acuarela, y ver todas esas interacciones espontáneas del pigmento llena varias cajas para mí es enérgico, impresionista, y expresivo. Esta capa de acuarela es como establecer lo esencial, los cimientos sobre los que se sentará la tinta. Después agregando los detalles de tinta, marca las cajas de específico y detallado. Creo que estos dos aspectos atraen a mi personalidad porque una gran parte de mí sí quiere ser libre y expresivo, pero una pequeña parte de mí todavía quiere ese poco de control, y detalle que la tinta proporciona. Es importante señalar en esta etapa que no existe una relación fija de líneas de acuarela a tinta. Antes de fruncir el ceño, quiero que sepas que todos los ejercicios de calentamiento te ayudarán a evaluar en una escala deslizante de lo que es apropiado de un boceto a otro. Del mismo modo que cada uno de nosotros es único, cada flor es única, así que tenemos que calibrar nuestras respuestas a esa flor en particular en consecuencia. A pesar de que no es una talla única para todos, sí creo que lo que presento te ayudará a abordar cualquier flor o incluso cualquier tema de tu elección, después de que hayas completado esta clase. Por ejemplo, se puede ver aquí que a menudo añado sólo un poco de línea de tinta aquí y allá para llenar el espacio negativo, y no tiene color de agua en el fondo. En algunas flores, hay muy poca línea de tinta. En otros la línea de tinta es bastante dominante. Me gustaría que estuvieras abierto al proceso colaborativo. A pesar de que la acuarela ocupa la gran mayoría de la página, se basa en la entrada de la tinta. Imagina que si te quitaras toda la capa de acuarela, lo que te queda no tendría mucho sentido ya que la tinta no puede contar la historia por sí sola. Si no rellenaste la tinta, hay un sentido que no es del todo completo. En ese sentido, la capa de acuarela puede estar mucho más subtrabajada, de lo que puede estar acostumbrada. Esta acuarela y en combinación es una sociedad. De hecho, me pareció que es un enfoque de dos pasos, alivia parte del exceso de trabajo que a veces nos encontramos. Es como si te dieran una segunda oportunidad para hacer las cosas bien. La tinta no siempre tiene que seguir los contornos de la acuarela que has puesto. Puede funcionar de forma independiente si crees que necesita ajustarse para comunicar algo mejor en los tallos o las hojas, eres libre de enmendar y ajustar tantas veces a lo largo del proceso, ya que estaremos tomando tiempo para retroceder antes tomando la mejor decisión. Aunque sean solo unos segundos, marcarás toda la diferencia. Yo solo quiero repasar rápidamente lo que entiendo que sean acuarelas sueltas. Diferentes artistas tendrán diferentes definiciones y diferentes enfoques. Gran parte de la fluidez se logra utilizando esta técnica de acuarela en particular. Húmedo sobre húmedo es agregando pintura húmeda, a lavados húmedos y permitiendo que el pigmento se extienda sin trabas flores y follaje o para una buena plataforma para practicar mojado sobre húmedo, pues las formas orgánicas y los colores ricos se prestan a un más aplicación relajada. enfoque de Elise tendrá bordes variados de duros a blandos e incluso podrían perder imágenes. Por lo que no necesariamente lograrás líneas limpias y nítidas. Tenemos bordes definidos todo el tiempo. Una pintura puede describirse como libre ya que solo se incluyen los elementos esenciales para comunicarse visualmente, y proporcionar suficiente información para una creencia de pintura. No estamos tratando de captar cada detalle o retratar algo que es exactamente fiel a la vida. No es lo que dejas en, es lo que dejas fuera. A lo que me refiero con colores expresivos, realistas es que los colores tenderán a estar bastante cerca del tema. No obstante, suele ser la respuesta creativa personal del artista al sujeto o las flores, en este caso, la que les permitirá interpretar los colores como deseen. Los golpes fluidos freestyle se crean cuando las líneas y los colores, mezclan en el propio papel. El cepillo mojado a menudo chicos un lavado en una nueva dirección que el movimiento del agua actuará como corriente para que fluya la pintura. Cambios de valor distintivo. Con esto me refiero a contrastes fuertes, claros y oscuros. Las variaciones en el tono y el valor ayudarán con la percepción del tono, y al agregar puntos focales. Por último, los detalles mínimos de tinta equilibran el enfoque suelto que acabo de discutir. A medida que continuemos con esta clase, hablaré más de cómo se incorporará este aspecto. No se debe confundir un enfoque de acuarela suelto con solo jugar una pintura desordenada que es perezosa o descuidada. Traté de acercarme a cada floral muy reflexivamente y extremadamente intencionalmente. Por lo que no me empantanan con demasiados detalles innecesarios. También significa operar por intuición más que intelecto. Para mí mi trabajo se volvió un poco más suelto de mi confianza se acumuló, y me volví libre con mis huelgas, dejándoles hacer el trabajo en lugar de sobrepintar áreas. No obstante, vale la pena mencionar que encontrar este equilibrio llevará algún tiempo. No obstante, vendrá con el tiempo y la práctica. Analistas rápidos pueden no ser para todo el mundo. Sólo puedo enseñarte mi acercamiento, y mis preferencias y perspectivas hacia el estilo de la pintura. De verdad quería compartir esto contigo porque me excita, y me inspira y me hace sentir estúpidamente feliz. 6. Soltarse y abrazar la intuición: No quiero hacer este sonido sobre simplista cuando digo pintar vagamente es un estado de ánimo. Esto es a menudo lo que escucho de los estudiantes. Quieren saber sobre dejar ir la necesidad de hacer perfectos sus bocetos o la necesidad de controlar la pintura, tratando de captar cada detalle, y no querer hacer un lío. Además, hay mucho miedo por cometer un error y no poder arreglarlo. Vamos a echar un vistazo a algunos de estos temas. Sé que algunos de ustedes quieren llegar a la parte real de la pintura, pero tanto de nuestra creatividad sucede en nuestra mente que esto absolutamente tiene que ser abordado. Por favor, escúchame. El narrativo podría decir: “Si lo que creamos no se parece al objeto que tenemos delante, entonces hemos hecho una pintura defectuosa”. Podemos sentir que es de menor valor y tal vez, tal vez has perdido el tiempo porque no cumplió con tus expectativas, y eso a su vez trae otros sentimientos incómodos. Tengo toda una clase sobre apoyarme en el malestar en mi clase de perfeccionismo o como parte de mi desafío mental de 14 días. No voy a entrar en demasiada profundidad aquí, pero vale la pena mencionar porque para lograr la flojedad, tenemos que adoptar un enfoque diferente donde no nos preocupe ni obsesione la pieza final pareciendo una representación real. Si puedes ver estos bocetos como estudios lúdicos, tus propias investigaciones sobre la mezcla de colores, tu propia investigación sobre pigmento, formas lúdicas de entender la relación agua, tendrás una relación mucho mejor con tu pincel y papel. Este enfoque relajado al que he llegado vuela contra décadas valen todo condicionamiento y ciertas tendencias perfeccionistas en las que aún caigo. Yo mismo, soy producto de una educación artística formal aquí en el Reino Unido, donde me enseñaron a dibujar y sombrear de manera realista, casi hasta el punto del hiperrealismo. A veces, mis tutores estarían complacidos con el esfuerzo que puse, y sin querer me dio la impresión de que crear arte realista valía más ya que recibía marcas más altas. Me pregunto si una representación suelta va en contra de lo que a muchos de ustedes se les haya enseñado que el arte debería ser al crear o evaluar el arte. Es posible que hayas escuchado esto de un maestro u otras personas significativas en tu vida. Incluso ahora después de muchos años, hay una voz diminuta en mi cabeza agitando, diciendo: “Oye, recuérdame, no olvides esos detalles”. Llegar a la etapa suelta ha tardado años de desentrañarse para deshacer parte de este condicionamiento. Este gráfico demuestra cómo los retrocesos realmente fortalecen y escalan la tasa de aprendizaje. No sé cuánto tiempo lleváis algunos de vosotros usando acuarelas, quizá cinco meses o cinco años en mi caso, así que por favor ten en cuenta entrando en los ejercicios que me he pillado mienten cabeza arranque sobre algunos de vosotros, y no os vayáis con la noción de que hay que hacerlo bien la primera vez, o la tercera vez, o incluso la novena vez. Quiero que nos posicionemos mejor y abracemos la aplicación de acuarela suelta y sin trabas. Para hacer esto, tenemos que arriesgarnos, hacer mucho lío, jugar un poco más, y aprender de estos líos. Aquí es donde ocurrirá la magia entre la confusión y los intentos fallidos. Al salir de esa zona de confort, estás dejando atrás los can'ts, los mostos, no debe, debe y debe tos, y todos los demás pensamientos negativos. Algunas personas llaman a esto la zona cultivada, la zona donde estamos expuestos a un nivel de incertidumbre, y tenemos que lidiar con todos los mensajes insidiosos de la forma correcta y equivocada de pintar. Es la misma economía de la pintura suelta lo que hace tan difícil hacerlo bien. Para lograrlo repasemos algunos de los puntos importantes antes de presentar la parte de la intuición. Éste es uno difícil. Entregar la necesidad de resultados. Este punto va de la mano de ser intrépido. No puedes ser intrépido si siempre estás pintando para obtener resultados cuando estamos orientados al proceso. De ahí que haya varios calentamientos que me gustaría que hicieran, y no orientado a resultados. Eres capaz de dejar de lado la necesidad de resultados sorprendentes cada vez. Los resultados más efectivos provendrán del proceso de pintura, del proceso de aprendizaje. Por último, quiero que abras la experimentación. Cuando estés pintando, no tengas miedo de correr riesgos. Pregúntate, ¿qué pasa si hago esto? ¿ Qué pasa si cambio eso? ¿ Qué pasa si este fuera de un color diferente o si lo pongo en un lugar diferente. No lo pienses demasiado. Tan solo actúa, observa los resultados, y luego avanza. A través de toda esta práctica significativa, estaremos en sorprendente distancia de intuición. Es posible que ya hayas vivido esto, cuando te has perdido tanto en tu cuadro que perdiste la noción del tiempo. esto a veces se le llama el estado de flujo cuando simplemente parece que tú y tu pincel. Creo que esta es nuestra conexión personal con el proceso del arte que permite al arte liderar el camino. Viene después de mucho tiempo en asociación con mi pincel, mis sartenes, mi cuaderno de bocetos, y mis flores silvestres cuando empezamos a confiar. Es algo que sólo puedo describir como una guía desde dentro. Confiar en confiar en el proceso da miedo y tomará tiempo. Del mismo modo que la intuición llevará tiempo acumularse. Steve Jobs llamó a la intuición más poderosa que el intelecto, y Einstein dijo: “Lo único valioso es la intuición. Desafortunadamente, es demasiado fácil estar tan ocupados que ahogamos esa guía intuitiva que todos tenemos naturalmente. Trata de pensar en la pintura intuitiva como la práctica del mindfulness con un pincel en la mano. A medida que sueltes tu apego al juicio de los resultados, la práctica de pintura te permitirá abrirte a estar más presente. Ser intuitivo al pintar le permite a su yo creativo algo de compasión y amabilidad. Tus canales intuitivos se abren mientras estás totalmente comprometido con el momento. Dejar que la intuición te guíe te permite dejar ir las cosas que se interponen en el camino de tu plena expresión creativa, como el perfeccionismo, la comparación, y la necesidad de aprobación externa. Cuando nos comprometemos con la confianza, te apoyará y te ayudará a ganar valor para explorar y experimentar. Yo quiero terminar diciendo, al pintar, a veces hay que estar dispuesto a aceptar lo que te dan la pintura y el papel. Debes ir literalmente con el flujo. En ocasiones la pintura se mezclará de formas que no significaba que ocurriera, o los goteos extra de pintura pueden ser adiciones interesantes a tu trabajo. Trata de ver estas como oportunidades más que como errores. Una de las mayores alegrías para mí de pintar en acuarela es que es espontaneidad. No trates de analizar o controlar lo que sale. Simplemente deja que el pincel se mueva instintivamente en la página. Trata de no pensar en el resultado. Si te encuentras deteniéndote o quedándote atascado, solo repite : “No hay errores, solo hay oportunidades. Estoy aprendiendo tanto de este lío, no hay errores”. 7. Selección de tus flores: Esta es una de las partes más agradables para tu proyecto. Como dije antes, me atraen naturalmente las flores silvestres por sus quarks naturales. Pero puedes recogerlos de tu propio jardín o incluso comprarlos si lo deseabas. Por favor no sientas que tienes que salir y encontrar la floración perfecta para esta clase. Recuerda, este cuaderno de bocetos en particular surgió porque simplemente quería pintar malas hierbas que crecieron en ángulos extraños y tienen torceduras extrañas. Yo sí creo que es esencial tener alguna conexión con las flores que elijas y eventualmente pintar ya que ayudará enormemente a darle sentido a lo que creas. Me atraen ciertas plantas. Por ejemplo, no me gustan los más delicados, y estoy seguro de que tendrán sus preferencias. Esto es parte de lo que hace que tus pinturas sean únicas. Honestamente creo que si no estás particularmente interesado en una flor, entonces lo más probable es que eso pase en la pintura. No te conformes con la primera flor. Camina por ahí, elige unos pocos, tal vez los huelen, ve cómo se sienten en tu mano. A menudo termino con unas pequeñas flores de posie para cuando estoy caminando a casa. Podrás tomar la decisión más adelante. Al caminar por ahí, mantén los ojos abiertos para obtener puntos brillantes dentro de la maleza o setos. Lo maravilloso de las flores silvestres y las malas hierbas son, las puedes encontrar en casi todas partes. Podrían estar creciendo en las grietas de pavimentos o a un costado de la carretera, incluso en aparcamientos. Por supuesto que puedes escoger una flor de tu jardín pero parte de la diversión para mí es buscarlas mientras estoy caminando. Si quieres identificar una flor o maleza, entonces hay una aplicación realmente práctica para tu teléfono que a mi hija y a mí nos encanta usar. Sé que hay muchas versiones diferentes. A menudo usamos esto cuando estamos fuera de casa. Simplemente inicia la aplicación, toma una foto de la flor misteriosa. Se le ocurrirá una lista de los contendientes más probables. En este caso, es la zanahoria salvaje o el nombre bonito porque es el encaje de la reina Ana como también se le conoce. Siempre escojo varias del mismo tipo de flores. Entonces tengo mucha referencia por si acaso decido pintarlas. A veces, muchas veces pongo mis improvisadas posiciones en frascos de agua por un día o dos mientras me decido, y ellos se sientan ahí esperando pacientemente ser pintados. Hablaremos un poco más sobre la intuición, pero aquí es donde comienza. La elección que haces. Una flor puede hablarte más que las otras. Hay algunas preguntas que me hago al considerar una flor para colorear con agua. En primer lugar, estaría realmente emocionada de pintar esto. De lo que quiero pintarlo varias veces por lo que entendí esta maleza o planta más. Además, puede que me haya dado cuenta si las hojas son bastante inusuales o crecen de manera diferente a medida que se mueven hacia abajo hacia las raíces. Básicamente, ¿esta hierba o flor silvestre sostendría mi interés durante 30-40 minutos? Si es un sí, será un buen ajuste para ti. También te puede estar preguntando, por qué no solo tomar una foto de la flor en lugar de recogerla. La respuesta simple sin entrar en una larga discusión es, simplemente no será la misma. Poder ver tu floración en ángulo de 360 grados, mirarla de cerca, mirarla de cerca, sentir los pétalos o oler cualquier fragancia, todo se suma a la experiencia e impacta capas y capas de información que una imagen 2D simplemente no puede transmitir. Por esta razón, me encantaría que salieras y encontraras tu propia flor. Creo que probablemente aprenderás el doble haciendo esto que copiarme. 8. Sobre los ejercicios de calentamiento: Lo que estoy a punto de mostrarles en los siguientes videos puede parecer inconcluso, desordenado, y sin refinar. No obstante, estos calentamientos también pueden verse como borradores ásperos que realizarán trabajos de vital importancia. En realidad creo montones y montones de roughs con el fin entender la forma y también aumentar mis propias habilidades observacionales. Después se quedan por ahí un rato hasta que los tiro. Han servido a su propósito. Cuando estás obsesionado con lograr un buen resultado, veces crea una barrera mental realmente grande para muchos de nosotros, incluyéndome a mí mismo. Como principiante, a menudo tenía miedo de estropear. Creo que esto es una gran frustración para muchos artistas. Espero que producir versiones muy simples de una flor sea un ingrediente valioso para la exitosa pintura floral más abajo de la línea. calentamientos tienen que ser parte del proceso, sobre todo si no estás acostumbrado a trabajar de esta manera. Saber cuánta agua puede contener nuestro pincel, o mirando el valor en la teoría del color en los calentamientos. Antes de pasar a la versión de color principal, aprenderemos el doble. Se incrementarán considerablemente las posibilidades de producir un impresionante floral suelto. Trata cada calentamiento como una obra en progreso y nadie tiene que verlo aparte de ti. Estos calentamientos también te proporcionarán un buen kit básico de herramientas que podrás utilizar y adaptar a cualquier flor y de hecho, cualquier objeto como los principios seguirá siendo el mismo. Trabajar de esta manera puede ayudarte a evitar o estar mentalmente preparado para cualquier dificultad que puedas encontrar en lugar de saltar directamente a una acuarela más grande o más terminada. Usar un pincel más grande de lo que crees te ayudará a evitar enfocarte demasiado en los detalles. Sé que como principiante, usé un pincel pequeño ya que me sentía más cómoda y segura. Puede que no pienses que marca la diferencia al usar un pincel pequeño para llenar una forma en comparación con usar un pincel grande. No obstante, usar menos trazos cuando tengas un pincel grande en la mano ayudará a mantener tu pieza más fresca. Sé que para algunos de ustedes será una gran pregunta. Para esta clase, intenta ir al menos el siguiente tamaño para arriba. Llevo usando el cepillo redondo número nueve o diez los últimos cuatro años. A medida que sigo llenando mi cuaderno de bocetos floral especial, busco pinceles más grandes y más grandes, pasando al número 12 y al número 14. Al estar un día de ánimo experimental, decidí usar el pincel de estilo chino para esta pieza. Me sorprendió lo versátil que era para hacer movimientos de barrido. Después investigué un poco más y decidí pasar a estos pinceles de la plumilla. Tienen una envoltura de plástico transparente que sostiene la base de las cerdas juntas y exactamente atada con unos pequeños alambres rígidos en lugar del tradicional farrell de metal. Son tan versátiles. Pueden hacer todo. Es lo suficientemente grande como para cubrir áreas amplias rápidamente, pero también puede llegar a un punto muy fino para artículos más pequeños como tallos delicados. Tener un cepillo grande te permite cubrir un área más rápido, lo que ayuda con ese bucle espontáneo. Los pinceles de corona que uso pueden contener no sólo una tonelada de agua, sino también cargas de pigmento. Cargar completamente un pincel es esencialmente saturar completamente un pincel. Aplicar un lavado con un cepillo totalmente cargado es un elemento importante que ayudará con la mezcla de los diferentes colores en el papel. En primer lugar, tenemos que cejar el cepillo mojándolo a fondo en nuestra agua. Esto asegurará que podrá recoger la pintura fácilmente. A continuación necesitamos crear la consistencia adecuada y el valor adecuado para nuestras necesidades antes de cargarlo en nuestro pincel completamente. Afloje y diluya la pintura agregándole agua para que sea más transparente. Acaricia tu pincel por la parte superior de tu pigmento. Estoy usando rosa de ópera, pero pruébalo con cualquier color. Trae tu cepillo de vuelta a tu charco de agua y mezcla los dos juntos sin enjuagar tu cepillo. Continúa agregando más pinceladas de tu color elegido hasta obtener el valor correcto del color que estás tratando de lograr. Podemos recoger la máxima cantidad de color girando este pincel unas cuantas veces y cargando cada lado. Ahora está esencialmente cargado con toda la humedad que puede transportar sin gotear. A pesar de que verán en alguna de mi demo es que realidad he sobrecargado mi pincel, lo cual está bien. Al tocar el papel, esa cuenta de agua en el extremo se liberará muy rápidamente. El ratio adecuado de agua y pintura está relacionado con el valor y opacidad y puede ser bastante complicado conseguir este equilibrio justo al principio, pero eventualmente se convertirá en parte de tu instinto. Con suficiente práctica y observación, será de segunda naturaleza. Al saturar tu gran pincel jugoso con pintura, te sorprenderás de cómo libera automáticamente tu mente y afloja tu enfoque. Estaremos mirando límites de tiempo al emprender los calentamientos. Trabajar rápido, pero intencionalmente también ayuda con esa necesidad de agregar demasiados detalles. Si te imaginas que literalmente no tienes tiempo para agregar detalles, te ayudará a enfocarte en los elementos principales. Pintar rápidamente también significa que te detendrás antes. Vale la pena ver tu boceto floral como un ejercicio para empezar, no una obra maestra. Si el exceso de trabajo de la pintura es una de tus luchas, imponer un límite de tiempo te ayudará a hacer lo esencial sin exagerar las cosas. El otro factor involucrado es trabajar mientras el papel está húmedo. La acuarela puede hacer algunas cosas inesperadas. Las flores y los fondos son una frustración común para los artistas de acuarela. Trata de dejar que sucedan estas cosas sin preocuparte demasiado por ellas. Aprendes bajo qué condiciones suceden para que puedas controlar mejor las acuarelas en el futuro. Recuerda usar mucha agua para permitir que fluyan los colores y simplemente esparcirlos alrededor en los ejercicios de calentamiento y ver qué hacen. Veremos cómo las flores pueden incorporarse a tus florales en un video de calentamiento posterior. Una palabra rápida sobre pincelada, es una habilidad manual que se desarrollará con el tiempo. La memoria muscular juega un papel importante. No hay sustituto de la práctica. Si factor en la habilidad en sus sesiones de pintura, pronto verá la diferencia. Mira tu pincel como parte del proceso creativo, ya que te ayudará a traducir tus ideas mentales en forma física. Por último, echaremos un vistazo al papel. He hablado de diferentes tipos de papel en mi clase de fundamentos de acuarela. Lo que voy a decir en esta clase es que cada marca y el peso se comportará de manera diferente, dándote resultados diferentes. Teniendo en cuenta, todos estamos utilizando papel diferente, diferentes marcas de acuarela, y diferentes pinceles. Estaremos logrando diversos resultados. Los papeles que he elegido, elección personal porque sé cómo van a reaccionar bajo ciertas condiciones como he practicado extensamente sobre ellos. Este es un estudio de amapola que hice como parte de una serie cuando los cachorros apenas crecían por todas partes que parecía. El papel que utilicé es papel de cartucho de peso pesado. Hice otro estudio donde usé Winsor y Newton. El motivo por el que te estoy mostrando esto es porque quiero que estés abierto a probar diferentes papeles. A pesar de que sí me encanta mi esquema de boca, esta es la versión de esquema de boca. Simplemente significa que puedo jugar con papel liso, papel muy texturizado, y el esquema de la boca no es del todo tan texturizado. Usar diferentes escalas también es algo con lo que estoy experimentando. Realmente depende de tus preferencias y de lo que en última instancia quieras lograr. Podrás decidir usar una marca de papel para la primera demo y luego un papel diferente para la segunda. Depende de ti divertirte tanto con esto y no preocuparte demasiado. 9. Calentamiento 1: forma: La naturaleza está llena de una increíble cantidad de detalles en todas las formas y tamaños. Eso es lo que la hace hermosa y una fuente de interminable materia para el arte. No obstante, no es buena idea pintar todos los detalles que ves ya que te puedes abrumar muy rápido. En esta sección, vamos a emprender algunos estudios monocromáticos de nuestra flor en dos etapas con el énfasis en la forma y el valor. Espero que estos ejercicios, aborden algunos de los problemas comunes que surgen al buscar pintar de una manera más suelta, expresiva. Mientras estaba creando esta clase, le pregunté a mis seguidores en Instagram dónde estaban sus mayores retos al intentar acuarelas sueltas. Un tema recurrente era agregar demasiados detalles o obsesionarse con los detalles hasta el punto de frustración. Voy a explicar cómo parte de esta preocupación por los detalles se puede aliviar a través del proceso de simplificación de lo floral que vemos frente a nosotros. El diccionario de Cambridge define la simplificación como el proceso de hacer algo menos complicado y por lo tanto más fácil de hacer o entender o lo que resulta de este proceso. Para retratar nuestra flor y transmitir nuestra visión sin incluir cada pequeño detalle, tenemos que averiguar cuál es la esencia de nuestra flor, qué le da a cada flor su propia personalidad, cuáles son sus distintivos características que podemos grabar en nuestro papel. Espero que reconozcas que como artistas, estás en posición de interpretar el tema para que se adapte a tus necesidades y gustos. Se puede manejar cómo se puede traducir la flor o cualquier otro tema a través de la pintura en el papel. A pesar de que instintivamente podemos querer pintar la flor tal como está, sin cambiarlas, puede llevar a un boceto ocupado y confuso. Es importante poder conceptualizar o al menos visualizar formas planas para tu papel plano de acuarela. Hans Hoffman, figura del movimiento expresionismo abstracto, dijo: “La capacidad de simplificar significa eliminar lo innecesario para que lo necesario pueda hablar. En el momento en que dejas algo fuera que ves, digamos algunas hojas o algunas cabezas de flores, en realidad has simplificado. No obstante, existen diversos grados de simplificación. El primer modo que podemos simplificar es a través de la forma. En el estudio del arte, una forma es un espacio cerrado donde estás creando dos dimensiones, longitud y anchura y puedes agregar valor a la forma, es decir, agregar reflejos y sombras haciéndola lucir más tridimensional. Esto lo explicaré con más detalle más adelante aunque. Como artista, somos traductores, por lo que necesitamos adaptar los detalles que vemos mirando las principales formas y forma. Formas más simples pueden transmitir mejor la esencia de un sujeto que sus detalles. Cuando te enfocas solo en la forma, es menos probable que sientas el tirón de los detalles abrumadores. Cuando pensamos en áreas, se hace más fácil cambiar y editar formas para que se adapten a tu pintura, tal vez moviendo o eliminando el desorden que no agrega más información. Si solo pintas lo que ves sin pensar, evaluar o rediseñar, puedes terminar con una pintura que es simplemente muy confusa. Esto tiene sentido en teoría, pero es hora de poner algo en práctica. También nos ayudará a tomar conciencia de nuestro tema incrementando nuestras habilidades observacionales. Pintar una forma, para que sea más legible, no tiene por qué ser difícil aunque se trate de una planta compleja. Realmente me gustaría que estos fueran estudios rápidos usando papel de impresora, a solo cuatro o cinco minutos cada uno y te sugiero que uses un temporizador. Durante este ejercicio una vez sería genial, pero hacerlo dos o tres veces, editar cada vez será aún mejor. Otra forma que quiero explicar esto es imaginar tu harina en forma de silueta. Entonces imagina que hay una poderosa luz brillando sobre tu flor y arroja una sombra. Aquí tengo delphinium y si le arrojo una luz brillante, podemos ver la sombra, la forma de la misma, la silueta del fondo. Si lo doy la vuelta, se puede ver que se están haciendo todas las diferentes formas y esa es una fuerte característica de cada flor. Si tuviera que sostener una flor diferente junto a ella, esa es la característica de esa flor. Con este delfinio, se puede ver que aún no están completamente abiertos. Entonces forman estos pequeños nódulos digamos y no hay necesidad de incluirlos a todos. Vamos a intentar simplificarlos hacia abajo, pero usando la forma como nuestra guía. Te voy a mostrar algunos ejemplos diferentes. Esta es la milenrama. Se puede ver que es realmente distintivo. Si te muestro esta sección aquí, puedes ver que es solo una masa de agrupamiento aquí arriba donde están las cabezas de flores y solo quiero que lo dibujes, lo pintes así con estos 1, 2, 3 tallos pequeños de un tallo central, mirar cosas así. Este es el arbusto de mariposa o la capa de capullos y si lo sostengo justo contra la pared, si estuviera en flor plena, se vería como una masa de flor. Pero se puede ver que en realidad hay luz brillando a través de ella, así que esas son algunas de las cosas de las que podemos estar atentos. Me encantan estas cositas de ambos lados, eso es realmente lindo. Entonces, empecemos en algunos estudios de forma. Esta es la primera flor que estaré usando para mi estudio de formas. Se llama milenrama y simplemente lo encontré literalmente a un costado de la carretera. No voy a ningún sitio especial a recoger estos. Es una hierba básicamente, no se cultiva. Echemos un vistazo a las características principales. Tenemos un grupo de flores aquí y un grupo de flores aquí, hay una forma de V aquí donde los tallos se encuentran y bajan a este tallo central aquí con hojas apenas irradiando hacia afuera, todo es muy irregular. En primer lugar, no puedo intentar agregar todos los pequeños do papás aquí, los receptáculos. Entonces voy a cerrar ligeramente los ojos, entrecerrar. Con ojos entrecerrados contra este fondo blanco, puedo ver en contraste cómo esto haría una sombra y eso es lo que vamos a intentar recrear. Entonces voy a cargar mi pincel con bastante agua, se puede ver que resplandece. Déjalo caer ahí. Se ha liberado mucho pigmento sobre esta paleta aquí. No quiero que este lavado sea demasiado oscuro porque tengo planes para esto. Queremos un lavado de luz a medio tono, creo que eso probablemente sea suficiente. Recuerda ponerte cinco minutos en tu temporizador. En primer lugar, voy a hacer con los grupos de cabezas de flores aquí y si de verdad entrecerran, sí forman pequeñas secciones V con tops bobbly, esa es la única forma en que puedo describirlo, algo así. El otro grupo es por aquí, sección V por allá y hay dos menores que en realidad van detrás de él. Sé que se ve completamente sin forma pero cuando digo que estamos lidiando con la forma, no necesitamos estar mirando demasiados detalles. Esto es parte de lo abrumado que sé que algunos de ustedes sienten cuando se les presenta toda la trama así. Ahora voy a dibujar en esta sección V. No puedo ver el tallo central al principio porque está cubierto de hojas, pero eso es suficiente por ahora. Hay pequeñas formas de burbuja como esa y debajo de este dosel que se une en similar a éste, sé que hay pequeños tallos ahí dentro, pero crean una sola masa. Entonces no puedo hacerlos salir todos, solo sé que están ahí, pero eso no es lo que me preocupa bastante en este momento. Eso probablemente necesita un poco más allí. Mantenerlo sencillo podría ser un eslogan a lo largo de este ejercicio. No obstante, la sencillez puede parecer un reto, por lo que tenemos que descomponerlo. Al mirarlo igual que forma, podemos liberarnos de las distracciones del color y el valor. Si bien veremos pintar hojas en contexto en una clase posterior, por ahora, intentaremos usar la presión del pincel empujando un poco más duro para crear áreas más grandes de hoja o el costado del pincel para realizar este ejercicio de forma. Preferiría que hicieras esto que usar una punta de un pincel para dibujar un contorno y rellenar las formas. Eso no va a ayudar con la espontaneidad. Sigue entrecerrando los ojos. Voy a pintar en el tallo central aunque no pueda ver, hace algo así y hay una hoja que hace esto. Hay uno detrás haciendo ese tipo de negocios, uno sale en un ángulo como ese. Todo lo que estoy haciendo es usar la presión de mi pincel para crear estas marcas, no estoy tratando de usar los consejos para agregar demasiados detalles porque literalmente estamos trabajando con forma y te revelaré, por favor créeme, por qué vamos a trabajar así primero. Estaremos gastando más y más tiempo agregando detalles, pero no en esta etapa. Necesito que entiendas cómo se crea esta planta. Hace más así. Entonces creo que he pasado menos de cinco minutos, pero voy a hacer otro porque tengo tiempo. Estamos empezando con un simple lavado de un solo color, porque estamos tratando de familiarizarnos con mirar la forma. Esto nos ayudará a enfocarnos, ya que es solo una de las formas en que podemos prepararnos para la tarea más grande más adelante. Si puedes ver, que estoy sosteniendo el pincel hacia el final, porque no quiero poner demasiada presión mientras agrego estos pequeños tallos weeny aquí. A medida que completemos los calentamientos, nos convertiremos en expertos en evaluar y medir el nivel de información, por lo tanto, los detalles que queremos incluir. Sí entro en mucho más detalle sobre el papel de la repetición en mi desafío mental de 14 días. El punto principal que vale la pena repetir aquí es con cada versión o cada repetición de tu floral, tu confianza crecerá, y encontrarás tus propias soluciones únicas y formas de hacer las cosas. Estas son las flechas que hice, y se puede ver a medida que avanzan, hay un poco más de información que estoy agregando, me estoy volviendo un poco más confiado. He añadido más formas. Estas son las dos que me viste pintar y sí, siguen siendo formas. Sigo estudiando la forma. Pero creo que para cuando llego a esta etapa, he hecho un poco más de distinción, y eso sólo viene con el tiempo con confianza. Se trata de cinco minutos de estudio, 10 minutos de estudio, la tercera vez es de 15, y esto es después de 20 minutos. He entendido que SON planeados mucho mejor. Entonces creo que mi calentamiento definitivamente ha valido la pena. Ahora estoy pasando a este Jazmín y he mezclado un poco más de lavado porque estaba corriendo un poco bajo. Exactamente la misma luz a medio lavado de valor. En primer lugar, empecemos por aquí con una de las flores blancas del Jazmín. Hay otra flor que hace esto, pero luego los pétalos se fusionan y no estoy tratando de dibujar pintando los pétalos individuales. Sólo estoy pintando en las formas que hacen los pétalos. Ambos parece que casi se bajaron en un tallo. Ahí hay otra flor. Se ve puntiaguda [inaudible]. Puedes ver que estoy aguantando al final aquí. Pétalo en éste no se superpone, los otros dos. Pero diciendo que acabo de notar que en realidad hay una hoja detrás de ella. La hoja viene redonda así, y dos pedacitos sobresaliendo así, y ahí hay una hoja mayor. Cuando estoy pintando las hojas, estoy empujando hacia abajo mucho más fuerte, y usando también el sitio del pincel. Sus resultados tienen otro tallo. Aquí hay demasiado como mi pincel de pintura. Esa hoja realmente toca ese tallo de la flor, algo así. Entonces tenemos otra flor. Entonces hay un pétalo, empieza pétalo hasta aquí, bordes, bordes. Esa es la parte de la trompeta va hacia abajo, tallo muy esbelto o algo así. Entonces este tallo se une aquí, y luego hay otro conjunto de pétalos que lo unen, justo debajo. Al bosquejar unos florales, aprenderás un conjunto de información. Pero si lo pintas más veces, habrás reunido cuatro veces la cantidad de información. Recuerda estos estudios tempranos de cinco minutos, y con cada estudio, puedes inclinarte en la incomodidad de la imprevisibilidad. Es mejor sentirse cómodo con lo incómodo. En estas etapas de calentamiento formulativo. Cinco pasos abajo, y luego hay otro conjunto de tallos por aquí. En un ángulo como ese. Otra forma de trabajar es mirar el espacio negativo que las hojas o flores superpuestas dejan atrás, es decir, el espacio en blanco. Se puede ver cuánto más se ha mejorado la observación. En realidad me he sorprendido. Por favor, no subestimes cuánto puedes aprender de tus florales con este sencillo ejercicio de forma. Echemos un vistazo. Comparar y contrastar con los estudios de formas que hice. Ahora están secos. Echemos un vistazo más de cerca. Se puede ver que cambié ligeramente el ángulo y hay diferente información que viene a través cada vez que o he decidido no necesito algunas cosas que he dejado fuera o he agregado parece flores extra aquí que no hice incluir en esta primera versión. Por lo que obviamente estaba recogiendo más información a lo largo de los cinco minutos cada vez que lo probaba. En esta versión de aquí, se puede ver realmente he hecho una declaración audaz sobre dónde están las flores blancas, a pesar de que son whit. Todavía agregué la forma ahí. De verdad estoy contento con esa, y en general la progresión es genial. Creo que la comida para mí es lo audaces que se están volviendo las formas aquí comparadas con esta primera versión que te mostré, sigue siendo reconocible como Jasmine, y eso es lo que quiero llevar adelante cuando pase a las versiones de color. Cuando estamos definiendo sólo la forma, en realidad estamos construyendo una mejor base para entender la estructura de los florales. Desde este punto de vista, podemos traer los otros elementos para construirlos uno por uno. forma es la base de este constructo, y este suele ser el caso. Sea lo que sea que estés pintando, desde paisajes hasta edificios, hasta frutas. Esta es la madreselva que pinté. No hay tanta información como cuando empiezo a buscar. Después de 10 minutos, después de 15 minutos, puedo ver que pasa tanto más en estos dos. Si fuera a ir al escenario de color de inmediato, sé que acumulé suficiente información para que me satisfiera que entendía mucho mejor esta planta que si solo entrara enseguida tratando de hacer versión a color. Habría terminado algo como esto. No tiene tanta información en comparación con ésta, sobre todo donde se puede ver mucho más de las declaraciones distintivas que salen de la trompeta como madreselva. 10. Calentamiento 2: valor: El tema de valor puede ser inmensamente detallado porque abarca todo lo relacionado con el renderizado. No obstante, he tratado de simplificarlo hacia abajo para el contexto de esta clase. En su más básico, mirar el valor cuando la pintura es en gran medida un estudio de la luz y la sombra. Esto puede ser transmitido por cuán claro u oscuro es el color. Hacer un estudio de valor es una buena manera de averiguar qué tan intensas o ligeras deben ser las diferentes partes de un sujeto. Además estudiar valor también realmente te ayudará a mejorar tu selección de colores más adelante. valor tonal describe cómo claro u oscuro un color es independiente de su tono. Es decir, ser la apariencia de color del rojo, verde o azul, por ejemplo, porque vemos y entendemos los objetos como resultado de cuán claros u oscuros son. El tono es realmente importante. La pintura en acuarela se trata mucho de equilibrar la ligereza y la oscuridad. Tiendo a usar bastante contraste dentro de mis propias florales. Variaciones en tono y valor, pueden ayudar a tu percepción de la forma, lo cual te vendrá muy útil cuando pintemos nuestras florales. Al entender y usar el tono correctamente dentro de nuestra flor, puede tener un gran impacto en la pieza terminada. Para usar bien el tono, necesitas desarrollar una forma diferente de mirar el color e interpretarlo en tu papel. Como artista, realmente ayudará a reconocer los diferentes valores de la luz y la oscuridad. Esto se puede hacer usando una escala de valor. La escala de valor tradicional utilizada por los artistas normalmente incluye nueve tonos que aumentan gradualmente del negro puro al blanco puro. Poseer tonificar blanco y negro es bastante simple. No obstante, a la hora de juzgar el valor de un tono coloreado, se vuelve mucho más complicado para facilitar la valoración del valor tonal de las diferentes cajas. Aquí tienes una versión en blanco y negro de la misma foto. pesar de que las cajas de abajo estaban pintadas en Rojo Windsor, cuando se convierten a blanco y negro, prácticamente se ven iguales. Al controlar el valor de los colores que aplica, se puede lograr una impresión de forma. Echemos un vistazo a nuestra planta. Las sombras se proyectan en ausencia de luz, por lo que siempre hay una parte de este objeto o nuestra flor recibiendo más luz que otras partes. Observar donde la luz golpea la planta y donde las partes de las hojas están a la sombra requiere una cuidadosa observación. Basta con mirar tu flor. Ignora todos los colores y formas y texturas, finge que no están ahí. El método que uso es cerrar ligeramente los ojos o entrecerrar los ojos ya que esto nos ayuda a ver los valores de una manera simplificada. Verás probablemente sombras difusas en lugar de colores ya que hay menos luz entrando en tu ojo. Cuidado con tres valores distintos, luz, medio y oscuro en tu flor. Otro gran consejo que podemos usar como referencia es tomar una foto más cercana de tu flor en tu teléfono y usar una de las configuraciones que la convierten en una versión en blanco y negro. Si eres capaz de usar la función de exposición de tu cámara para contrastar aún más entre la luz y la oscuridad, esto también te puede ayudar, porque funciona casi de la misma manera que entrecerrar los ojos. Básicamente está filtrando las masas de sombra y luz. Por lo que una vez más, anote dónde están los oscuros más oscuros y dónde están las zonas más claras. Para este estudio de valor, vamos a mezclar solo un color. Esto es ultramarino, y de nuevo, quería bastante ligero. Vamos a echar un vistazo rápidamente. Creo que aún más ligero que eso, eso sigue dentro de la sección de tono medio. Un poco mejor. Tengo planes para esto y podré revelar todo un poco mejor. Estamos empezando con este guisante dulce aquí, y más o menos vamos a seguir lo que hicimos en nuestro estudio de formas. Pero cuando lleguemos a cierto punto, podremos dejar caer mucho más pigmento concentrado en las zonas donde creemos que ya está muy oscuro. Puedo ver que está oscuro aquí abajo en esta hoja y en medio de aquí. De nuevo, tenemos que trabajar rápido. Esperemos que podamos hacerlo en menos de cinco minutos. Por lo que partiendo con esa hoja, dije que estaba particularmente oscuro. Se trata de ahí y hay otra hojita que se une a ella así. Nuevamente, estos son sólo estudios donde estamos tratando de observar, pero también estamos tratando de trabajar bastante rápido. Porque a pesar de que sólo es papel impreso, cuando lleguemos al color, estaremos siguiendo los mismos principios. Aquí viene otra sección del tallo, y ahora llegamos al primero de los tallos de guisante dulce que van hasta ahí con dos cogollos justo aquí, y son muy, muy ligeros. Entonces en realidad voy a lavar mi pincel de color agua. No sé si puedes retomar eso. Es la menor cantidad de pigmento en mi pincel. Todavía voy a estar agregando la forma, pero usando básicamente agua. Te mostraré lo que pasa, y podemos usar la misma técnica cuando lleguemos a la etapa de color. Así que regresa y recoge un poco más de mi lavado. Aquí viene una hoja y una pequeña, así. Aquí hay una masa de flores de guisantes dulces. Una de las cosas, si entrecerras, como hicimos con los otros estudios de forma, no intentes escoger pétalos individuales, solo pinta en las formas. Ahí viene un tallo que viene aquí que se une a esas hojas en las que ya había pintado, una bastante gruesa. El guisante dulce es casi como un poco de forma redonda, algo así. Se puede ver el tallo saliendo de ahí yendo hacia abajo. A lo mejor eso es un poco demasiado curva pero no importa. Continuando hacia abajo, tallo más grueso ahí, y luego uno en este ángulo el cual sí se une al anterior. Tan genial para mejorar las habilidades observacionales. Te lo diré otra vez, si eres capaz de hacer esto dos veces, tres veces, va a ayudar de verdad, te va a ayudar de verdad,de verdad más adelante cuando vengamos a hacer nuestro trabajo de color. Hay un tallo que viene aquí. Ahí están los zarcillos pequeñitos, que son encantadores, pero no creo que tenga tiempo para incluirlos por el momento. Ahí hay una hoja más. Olvidé todos los pétalos que están pasando aquí arriba. Los tallos, ya me he dado cuenta no mucho. Sí, están bastante oscuros ya que encuentran el pétalo, pero los pétalos a los que se unen son bastante ligeros. No voy a intentar pintar adentro. Nuevamente, es solo una impresión de pétalos, hay toda una masa de ellos por ahí. Ahora, estamos en una etapa en la que ahora podemos mezclar un poco más de pigmento en nuestro lavado. Hagámoslo en esta sección aquí. Probablemente lo voy a hacer un poco más oscuro de lo necesario porque quiero que veas lo que estoy tratando de hacer aquí cuando hablo de estudio de valor. Al mirar esta parte del guisante dulce, parece una de las hojas que parecen venir en dos, al menos una de ellas es oscura. Empecemos con este. Se puede ver de inmediato cómo eso ha hecho la diferencia. Si entrecerro, la sección media de esa marca la diferencia. Ahí hay un tallo, este tallo subiendo ahí es más ligero que la hoja debajo de él, pero no me voy a molestar con eso. Yo sólo voy a llenar esta hoja, eso es mucho más oscuro y se puede ver el contraste que ya está sucediendo. Esta diminuta astilla de tallo es más oscura, la parte inferior de eso es oscura, y entre todas estas flores, hay mucha luz y oscuridad ocurriendo. Entonces lo mejor es entrecerrar. El receptáculo está oscuro ahí dentro. Hay una especie de dentro y fuera de los pétalos. El tramo medio de cada pétalo parece ser más oscuro, y los tallos son oscuros en ciertos lugares. Más como hacer los receptáculos. Este conjunto de receptáculos de aquí arriba son muy oscuros, y luego detrás de eso hay otro conjunto de pétalos que me perdí por completo. Pintémoslos adentro. Sí, va algo así. Me encanta cuando hacen eso. cogollos weeny Teeny también son oscuros. Vamos a recoger un poco más del pigmento concentrado y esa hoja es mucho más oscura. Me falta una sección aquí. Sí, estos zarcillos son muy oscuros. Si bien estoy aquí, hay mucho contraste ocurriendo dentro de estas dulces flores de guisante aquí arriba. Se pone un poco más sobre mi pincel. Sí, estoy usando los receptáculos como guía. Eso es un receptáculo. Ese es éste detrás también, y un tallo de un lado parece ser más oscuro. Conforme llega hasta aquí, eso está oscuro y eso está oscuro. También esta hoja de aquí abajo es muy oscura. Se puede ver que los colores se están fusionando, y esto es similar a lo que harán cuando lleguemos a la versión de color. Nos ayuda a ver las cosas en términos de luz y oscuridad, y aquí hay un bello contraste. Cuanto más hagas estos estudios de valor, más tus habilidades observacionales mejoran tu coordinación mano-ojo, tu memoria muscular. De verdad te animo a que pases cinco o 10 minutos extra repitiendo algunos de estos estudios. Creo que realmente vale la pena echar un vistazo a estos estudios de valores una vez que están secos, pesar de que sólo están en papel impreso. Por supuesto, no va a reaccionar igual que si estuvieras pintando sobre papel de color agua. Se puede ver cuánto contraste había, y por eso quería empezar con un lavado ligero. Aquí se puede ver la cigüeña casi ha desaparecido. Poder soltar pigmento más oscuro mientras el papel sigue húmedo es una parte muy valiosa de poder pintar florales sueltos. Además, la memoria muscular involucrada te ayudará con seguridad cuando vengamos a hacer los estudios de color, todo esto se está construyendo hasta los estudios de color. Se puede ver que hice tres versiones diferentes. Cada uno de estos es tan poco diferente. Hay tanto valor en mirar y pintar y conectar con tu pincel y tu papel. Te das cuenta de que sigo pidiéndote que trabajes rápido dentro de un periodo muy corto de tiempo para todos estos calentamientos. Porque estás produciendo tanto, ayuda a apagar ese lado analítico de tu mente y empezarás a confiar más en la intuición. Además, agregar pigmento oscuro hacia el color es simple, pero agregar ligereza no se puede hacer. El transparencia de la acuarela significa que se necesita hacer evaluaciones sobre el tono al inicio del proceso de pintura. Con colores de agua, una vez que le das a la forma un cierto valor, es realmente complicado hacerla más ligera, así que por eso hicimos este ejercicio. 11. Calentamiento 3: entintado: Uno de los mayores retos que enfrenta un artista es saber cuándo dejar de pintar. A menudo nos encontramos en un flujo artístico, creación de trabajo es tan divertida que no queremos que termine o pensamos que podemos simplemente agregar un poco más para hacer mejor la pintura. Desafortunadamente, con las pinturas de acuarela, es fácil trabajar en exceso y saber cuándo parar es especialmente importante. Todas estas páginas y páginas de nuestras flores son mis interpretaciones de comunicarse visualmente. Sugerencias de cómo pensé que nos veríamos de acuerdo a mi pincel. No me sentí obligado a llenar cada detalle, sin embargo sigue siendo bastante identificable porque la información esencial está disponible en el papel. Refiriéndose a algunos de los comentarios que recibí sobre el color expresivo del agua y la línea de los estudiantes. Tenían problemas con saber cuándo dejar de agregar detalles o pensar. Necesitaba más detalles ya sea en tinta o acuarela, y puede ser porque no confías en que haya suficiente información para comunicarse eficazmente ya sea desde la acuarela o la tinta. No obstante, nuestros cerebros son realmente bastante maravillosos, porque podrá tomar lo que ve nuestro ojo y compensar cualquier información que falte. Realmente no hay necesidad de apilar en detalles extra. Ni siquiera te das cuenta de que tu cerebro te está compensando. Este órgano dentro de nuestro cráneo interpreta con qué pistas visuales se presenta. Aviso justo, no soy científico. En el contexto de hacer arte, el cerebro puede procesar y filtrar información externa y para darle sentido al mundo externo, combina información de múltiples fuentes, y así entrega su propia percepción a lo largo de su interpretación cuando piensa que falta información, hace una conjetura confiable. Es por eso que probablemente puedas decir en esta pieza aquí, es un olvídeme no, a pesar de no tener ninguna línea descriptiva, he pintado lo suficiente de sus características básicas para describir un olvídeme no flor, más bien que otra flor con pétalos azules.Todos los calentamientos que hemos hecho, solo insinúan un aspecto del todo. Los calentamientos con aire para ayudarnos, para guiarnos a través de la suficiente confianza técnica a través de la práctica. Cuanto más mostrado estés con lo esencial y los productos que estás usando, más fácil será enfocarte en las posibilidades artísticas de nuestra pintura floral de color final. Quería mostrarte mucho más cerca versión de la relación entre la tinta y los florales. En la mayoría de estos ejemplos, hay muy pocas instancias en las que he delineado todo el pétalo. Podríamos tener tiempos en los que siento que el espacio negativo necesita llenarse y voy a dar un contorno de una planta que no está ahí, que no había llenado, en acuarela. Pero si te muestro esta sección aquí, puedes ver que la acuarela ha hecho un maravilloso trabajo de capturar la forma de esos pétalos. Esa mucha más información donde lo he incluido es en los receptáculos y el tallo aquí y algunos de los pétalos donde sentí que sólo necesitaba un poco más de forma para definirlo. En este ejemplo, en realidad he usado tinta carmesí. Si lo acerco un poco más a la cámara, se puede ver que he delineado manos de pequeñas flores individuales. Sé que dije justo antes, no los esbozo. Porque aquí hay toda una masa de cabezas de flores. No voy a estar pintando cada uno individual. En esta instancia, la acuarela ha hecho el trabajo de dar la forma. Después entré con la tinta y he escogido algunas de las flores individuales, no todas, algunas de ellas. Da ese precioso contraste entre la flojedad de acuarela y la calidad de línea más gráfica que ha comprado la tinta carmesí . Finalmente voy a revelar por qué hicimos tantos estudios sobre papel áspero, estudios de valor y las formas estudios. Todos los bocetos que podemos utilizar para acostumbrarnos al manejo de la tinta. Tengo bastante pila aquí, tengo otros de fondo también, y es duro. Si cometes un error no es una molestia. Te voy a mostrar cómo vamos a seguir haciendo esto. Calentadores que hicimos. Daremos una línea muy fina. Voy a entrar en más detalle sobre dónde aplicar la tinta. Pero puedes ver si solo estoy presionando realmente a la ligera y es una hermosa línea fina. Pero usando la calabaza azul, voy a dar una línea ligeramente diferente. Si hago lo mismo del otro lado y ni siquiera estoy aplicando mucha más presión. ¿ Se puede ver la diferencia en la lima? Realmente depende del gusto personal, la dependencia del enfoque, de su propia interpretación. Te puedo dar todas las puntas y todos los soportes de bolígrafo que uso, pero puedes pensar que son bastante horribles. De verdad depende de ti. Esta es una nueva para mí, y sólo voy a dibujar un zarcillo aquí. Ah, tiene mucha primavera en ella. No da una línea fina como el bolígrafo mapeo, varias puntas en estos portalápices, y los voy a usar todos en esta pieza. Recuerda, tenemos estos calentamientos que simplemente no impriman papel. Bueno, aquí no hay bordes, pero voy a explicar esto. Si estás usando tinta, necesitas llenarla o sumergirte tu plumín hasta que lleguemos a esta sección aquí. No mucho más, de lo contrario estarás demasiado bochornoso. Si echan un vistazo aquí, están muy pálidos, esos brotes, y simplemente se desvanecen en el papel. En esta instancia, creo que hay que añadir la información. Nosotros sólo vamos a hacer eso y se desvanece demasiado aquí. Yo sólo voy a añadir un poco ahí, y eso ya ha hecho la diferencia, siento. Otra vez lo mismo, del otro lado porque está tan pálido. El lavaplatos tan pálido, no se puede ver del todo el borde de eso, pero eso lo hace mucho mejor. Vamos a hacer lo mismo otra vez, dar la vuelta y sólo escoger áreas que creemos necesitan ese poquito más información. En realidad, vamos a ocuparnos de estas cabezas de flores aquí, y están desordenados. Tenemos que dar una definición de lo que está pasando aquí, porque también hay plomo en el fondo. Puedo ver que algunos de los pétalos están al frente. Estoy haciendo esta línea aquí para definir la edad de un pétalo y no me estoy pegando al borde. No se verá como un guisante dulce, y hay otro pétalo viniendo aquí, el receptáculo. Se va, así que esta línea va aquí. Sí. Ahí acechan. Eso tiene sentido, y el receptáculo está ahí. Creo que eso tiene sentido. Dentro de esta masa, acabo de definir algunos de estos en unos pétalos, y puedo ver el tallo uniéndose ahí. Eso tiene sentido para mí, éste va así. Esto está demasiado roto. Necesita un poco más de definición, así que solo voy a agregarle eso y eso está bien. En realidad las hojas son, sólo voy a dejar eso tal como está. Recuerda que esto solo es estudio previo al evento principal. Esta hoja no termina de manera abrupta así. Yo sólo voy a seguir con ello. Entonces le da más de un borde pronunciado. El otro cosa que puedo agregar usando mi inclinación son los barrancos. Es mucho más fácil usar un depender para agregar esa información luego para confiar en el color del agua. Sé que he empezado a usarlo. Esto se ve encantador ya. Estoy disfrutando demasiado esta parte. Necesito mostrarte el resto de la misma. Pasando a esta sección aquí, tenemos receptáculo. Tiene que haber un poquito de tallo pasando aquí. El borde de un pétalo, puedo ver lo que está pasando aquí, entra ahí, y otra parte de los tíos de pétalos así. Se puede ver que no tenemos que apegarnos a los contornos de la acuarela. Si sientes que necesita ese poco más definición, entonces por todos los medios, dibuja en el borde del pétalo, en este caso están los guisantes dulces. Ahí está pasando esto. De verdad me gusta tal como es. Aquí hay un pétalo que hace esto. Ahora, esta tienda va al frente, así que podría dar un poco de impulso. No obstante, donde por aquí se puede ver que se está desvaneciendo. Eso no lee. Bueno, entonces le voy a dar una ventaja ahí. Esto en realidad es una hoja y eso tampoco se lee bien. Tengo que ayudar eso un poco. No voy a estar delineando todo el asunto. Creo que eso es casi suficiente. Porque lo disfruto tanto, quiero tener los zarcillos. Sé que solo estamos usando algunas de nuestras piezas de calentamiento. Pero esto, de nuevo, estamos sumando a nuestra memoria muscular, estamos sumando a nuestras habilidades observacionales, y nos estamos familiarizando con el uso de tinta si no estás acostumbrado a ello. Voy a hacer un poco más. De verdad espero que cuanto más practiques, más reacciones intuitivas vengan a ti. Especialmente, digamos cuando finalmente pintamos nuestra flor final, son todos pueden tener elementos tanto de control como de caos. Cuando este equilibrio es justo justo, puede parecer que el trabajo ha tomado una vida propia lo que me sorprende a veces. Recuerda, cada detalle no necesita ser deletreado para el espectador, y la tinta conservada fortalece, asiste y apoya la acuarela. En realidad voy a cambiar ahora, y te mostraré una versión usando el Universal Fineliner. Solo para demostrar que aún puedes usar el mismo principio donde solo estamos dibujando en formas para ayudarnos a explicar lo que está sucediendo en esta capa de brote. Puedes usar prácticamente el Fineliner o la Pluma Estilográfica con el mismo efecto. Eso es encantador, eso es todo. Hagamos un poco de este lado en realidad, no dejes este sitio fuera. Te voy a mostrar rápidamente este lado aquí. Yo sí los amo tal como son. No obstante, creo que ayudaría si solo diera un poco más de definición que el borde de la flor. Estoy feliz de usar ya sea todo el bolígrafo y tinta o un Fineliner, logra los mismos resultados. De verdad me encantaría que subieras cualquier versión con la que te sientas feliz. Si no tienes pluma y tinta, no es gran cosa, solo usa un biro negro si eso es todo lo que tienes. Ahí hay un espacio y siento que tengo que sumarlo. Eso es encantador. Es realmente fácil de limpiar la punta que tiene tinta seca en ella, o incluso después de que termines, si la tinta sigue mojada, puedes simplemente lavarla. De lo contrario, solo toma rollo de cocina estándar y dale un frotamiento, y puedes ver que se ha desprendido con bastante facilidad. 12. Calentamiento 4: mezcla de colores: El verde es definitivamente el color favorito de la madre naturaleza. Cada árbol, arbusto y tallo de flor viene en su propio tono único. Probablemente sepas que mezclar amarillo y azul hacen verde. Es obvio. No obstante, es un poco más complicado si quieres hacer una selección de tonos naturales. El clave es jugar con todos los diferentes tonos de amarillo y azul y diferentes proporciones de cada pigmento a medida que los mezclas entre sí. Después al agregar agua en diferentes cantidades junto con azules, rojos, grises de Payne, incluso morados, y rosas, tienes infinitas variaciones de greens a tu disposición. Uno de los aspectos más desafiantes de la pintura acuarela para muchos es la incertidumbre elemental en relación a cuánta agua usar y también cómo interactuarán los colores en tu papel. Para limitar parte de esta incertidumbre, creo que deberíamos tener un chapuzón realmente rápido en la teoría del color para entender mejor cómo podrían interactuar estos colores. Sin algún conocimiento práctico de la teoría del color es posible que accidentalmente enloquece tu pintura mientras experimentas en el papel. Deja este método lúdico, hay mucha mezcla de colores en el papel. Vamos a crear nuestro propio gráfico para desarrollar algunos de sus tonos que amas. Te estaré mostrando montones de mezclas de colores, pero por favor no creas que tengas que usar los mismos colores que yo. Hay tantas variables junto con diferentes ratios de agua a amarillos y verdes y agregando pedacitos de rojo. Mi enfoque está dirigido a entender los conceptos básicos de la mezcla de colores para que puedas fácilmente hacer ejercicio por ti mismo lo que te gusta usar. Este método no se supone que se trata de reglas duras y rápidas, sino más bien de una orientación. Por supuesto, hay muchas otras formas. Si bien estoy aquí, sólo quiero tener un recorrido muy rápido de todos los diferentes lavados que pueden escuchar a los artistas. El primero probablemente será lavado plano. Es donde es del mismo color e incluso está por todas partes. El siguiente será lavado en gradiente, donde arranca muy oscuro y poco a poco se vuelve más claro y más claro. Esa no es la mejor versión de la misma porque ahí hay demasiada agua, pero deja caer un poco más ahí. Se puede ver es cada vez más ligero. la tercera versión se le llama lavado variegado, donde si aplico, este es el viridiano, y decido que quiero agregar un poco de rosa de ópera, uno de mis colores favoritos, se están mezclando. Si se me cayó la ópera rosa ahí dentro, eso es parte de lo abigarrado que está pasando. Esto sólo es un run-through realmente rápido, pero vamos a estar usando esto en nuestro próximo calentamiento. Yo sólo quiero familiarizarnos con la mezcla en el papel. Vamos a empezar con la mezcla de lavados en nuestro paladar. Este es amarillo limón y voy a añadir un poco de verde savia. Ahí vamos. Se trata de papel rico en contra. Simplemente voy a hacer una forma de hoja y luego caer en colores. Tengo un PDF descargable de formas de hoja con las que puedes jugar. Estos son comunes. No sé cómo pronuncias algunos de estos términos, pero vamos a jugar. Ese primero se llamaba lanceolado. Creo que no dije eso bien. Solo hagamos esa forma de hoja, que era muy puntiaguda en la parte superior. Voy a hacer otra porque quiero comparar ligeramente el tiempo de secado. Creo que en la primera, voy a caer en algún ocre amarillo, voy a meterlo y ver qué pasa. En la segunda, probemos algo de invernal. Ahí vamos. Estamos viendo cómo se va a extender. Hagamos un poco de eso con él. Ya esto se están secando a tasas ligeramente diferentes, se mete un poco más amarillo limón, para que sea un valor ligeramente más ligero. Vea cómo esto afecta la mezcla de colores. Cargando mucho en el pincel porque queremos que los pigmentos se mezclen dentro de la forma. Por eso hicimos los estudios de formas también, había demasiado en ese pincel. Poco goteo ahí. Creo que en este, probaré un poco de turquesa barbecho. Ah, eso va a dejar encantador creo. Hagamos otra versión. No me enjuagé eso, pero todo es parte de la experiencia. El siguiente abajo de eso es el ultramarino. Eso es ligeramente diferente otra vez. No sabremos exactamente cómo va a salir hasta que se seque. Sigamos adelante. Creo que el siguiente conjunto de hojas son largas. Intentemos agregar un ocre amarillo a lo que ya teníamos mezclado. Se ve muy amarillo pero podría ser muy importante averiguar qué va a hacer en esta forma de hoja que estoy haciendo ahora se llama cordate. Probemos el siguiente azul abajo para mí, que es índigo. Creo que podría haber tenido un poco demasiado en ese pincel, un poco demasiado intenso. Añadamos un poco de agua a eso. Oh Dios mío, mira eso. Encantador. Enjuaga mi cepillo porque habría tenido un índigo, y recoge un poco más del lavado ocre amarillo. Hagamos otra forma de hoja cordada. Azul abajo de eso es en realidad gris de payne. Mezcla eso con un poco de la ultramarina, solo para ver qué hace. Yo sólo voy a dejarlo entrar. De nuevo, asegúrate de que tu cepillo esté completamente cargado y sea bonito y húmedo y jugoso porque sí queremos que estos pigmentos fluyan entre sí. Probemos el verde oliva. Encantador. He mantenido estos realmente simples porque cuando más aplicamos pigmento, tiende a ir bastante fangoso y eso no queremos. Por ahora, vamos a mantenerlo simple y vamos a añadir a la mezcla que ya tenemos, algo de amarillo cadmio. Estamos agregando un poco de azul prusiano. Ah, hay un poco de rojo en eso. De todos modos, está bien porque todo es buena información para nosotros. Probemos lo que se llama hoja reniforme. Creo que así se llama. Es bastante redondo. Hacer otro reniforme justo al lado. Dentro de esto, creo que estaré agregando algunos, tal vez algún azul Windsor. Maravilloso. Volviendo a quizá algunos de los grises de Payne, ya que ya tenemos eso mezclado. ¿ Qué tan maravilloso es eso? Vamos a seguir más o menos así, simplemente mezclando diferentes formas, diferentes pigmentos, diferentes ratios de agua. Es mucho mejor probarlo así, practicar en solo papel de cartucho en lugar sobrecargar una pieza cuando lleguemos a nuestro color final floral. Te voy a mostrar cómo dejar algo de lo blanco es pintar sólo la mitad de la hoja. Entonces rellena, aunque como no lo esbozo, con sólo un trazo como ese. Lava tu cepillo y solo debes poder ver con solo el agua corriente que ya se empezó a mezclar. Vuelve a intentarlo con amarillo cadmio y forma de hoja ligeramente diferente, algo así. Perfilamos el otro lado. Entonces empecemos a dejar caer algunos colores aquí, y tal vez a lo largo de esta línea aquí. Se puede ver cómo el pigmento sólo puede viajar en las zonas donde realmente hay agua ahí. El amarillo cadmio vuelve aquí solo para que me haga unos trucos más. Simplemente lavé mi cepillo y usando el agua, es sólo agua llana. No hay nada más en ese pincel y solo está haciendo esto, lo cual es realmente encantador de ver. Sólo dibujemos una línea aquí abajo y veamos lo que sucede. Oh Dios mío, eso se ve encantador. Podría tener que hacer otro rápido porque eso es realmente precioso. Justo donde se está extendiendo ahí, solo voy a usar agua corriente y no hay nada en ese cepillo aparte del agua para simplemente sacarlo, hacia este lado. Simplemente me encanta jugar con cosas así. Puedes introducir gran parte de esto en tu trabajo de color. Ahora estoy volteando de lado a lado. Yo sólo quiero volver atrás y hacer un poco más porque esto se ve un poco medio horneado. Creo que un poquito de oro podría funcionar bien, supongo. Vale una conjetura. Oh encantador. Recuerda dije que la pintura sólo puede extenderse, donde el papel está húmedo o mojado. Voy a crear otro esquema. Oh muy bonito. Sólo tienes que añadir unas rayas más ahí. Tenemos que esperar y ver qué pasa, pero realmente estoy deseando ver los resultados. Me estoy dejando un poco llevar. Empecé a poner un poco de oro y en realidad estoy sosteniendo esto. Dejemos caer un poquito de verde oliva y luego empecemos a hacer esto con él. Lo estoy inclinando. De nuevo, oh Dios mío, mira eso. Está creando todos los efectos maravillados y puedes hacerlo dentro de pieza de color. Intentemos agregar un poco de ultramarina. Simplementete Simplemente mostraré una más. Yo sólo voy a caer un poco de la rosa de ópera. Estoy sosteniendo un mango, así que está viajando hacia abajo. ¿ Qué tal si lo sigo introduciendo desde arriba? Ah, me encanta. Voy a volver a bajar el papel. Será genial para las hojas otoñales. Tan sólo una más. Eso fueron dos. No, tenemos algo de movimiento ahí. Veo que está viajando allá abajo. Eso es encantador de ver. Te mostraré estos cuando se sequen. Probablemente lo más cercano a cómo trabajo, pesar de que esto es sólo un calentamiento. Intento dejar un poco del papel mostrando porque se suma al contraste. Es increíble lo que la ópera rosa le hace a una pieza. Se puede ver como se seca, se tira. Otra razón por la que es buena idea no trabajar demasiado en algo. Deja que la pintura haga su trabajo. Deja que la pintura se seque en este proceso. Con el tiempo, empezarás a confiar. Quiero que veas el trabajo de otra profesora de Skillshare llamada Stephanie Ryan. También tiene una clase de florales multicolores. Esto es lo que dice sobre el color. “ Deja ir el control y acércate a tu arte con un sentido de asombro. Goteando color y agua y confía en que se mezclarán de maneras hermosas. Permita que los materiales reaccionen como necesiten, y recuerde que la belleza se encuentra en las imperfecciones. Deja que los materiales hagan el trabajo por ti. Deja ir el control y confía en el proceso”. Definitivamente vale la pena revisar la clase de Stephanie Ryan para obtener una perspectiva diferente sobre los colores del mundo floral. Como ahora hemos pasado por todo este proceso de calentamiento, estamos listos y estamos preparados para trabajar en nuestro color floral. Al entrar en esta etapa, vas a tener mucha más confianza. Sé mucho mejor consciente de las capacidades de tu pincel y pintas en tu papel. 13. Demostración: Delphinium parte 1: En primer lugar, el pincel que usaré es el Número 2, Quill de Jacksons. Antes de empezar, sí quiero asegurarme de que mis bolígrafos estén mojados. Al mirar los otros colores que voy a necesitar, voy a necesitar un poco de amarillo. Simplemente los estoy mojando para que cuando llegue el momento que sean agradables y pegajosas en lugar de rígidas. Podría necesitar un poco de pinturas grises, que me queda muy poco arriba. Es posible que necesites un bolígrafo nuevo ahí después de esta sesión. Empecemos. En primer lugar, creo que necesitamos mezclar un color base. Recuerda, creamos un lavado de valor medio ligero. Lo que quiero hacer es retomar el valor que estamos viendo aquí. Es verde claro, así que voy a mezclar eso. Creo que voy a añadir un poquito de savia verde a eso. De verdad, creo que necesita un poco de blues, así que sólo voy a recoger algo de ese ultramarino. Creo que eso es acerca de lo correcto. Entonces, hagamos un comienzo. Te voy a mostrar mi pincel. Sí parece que ahí hay bastante agua. Entonces solo lo voy a llevar al borde de mi paleta y quitarme un poco, sólo un poquito. Empiezo con esto, la misma propina. A medida que el tallo se vuelve cada vez más bajo, sí cambia de color. Pero recuerda que vamos a formar la forma primero y voy a poder caer en colores. Entonces esto es sólo los inicios de la misma. Mezclemos un poco de este púrpura azulado. Este es el winsor violeta. Si no tienes un morado, mezcla un rojo fresco con el azul frío. Nuevamente, tenemos que apegarnos a la luz para cumplir con el color de valor justo en esta etapa inicial. Porque recuerda, podemos caer en pigmentos más oscuros. Pero si es demasiado oscuro para empezar, es muy difícil en etapas posteriores. Hay demasiada agua en eso, solo saca un poco del pincel. No quiero que entres en pánico. Trata de recordar lo que hiciste en las sesiones de forma y las sesiones de valor. No voy a hacer un temporizador, pero sí quiero trabajar rápido. Si no tienes papel de acuarela liso, papel cartucho, papel de cartucho pesado es realmente genial. He notado que a medida que los brotes van más abajo, se oscurecen. Por lo que acabo de añadir un poco más de pigmento, y se ve ya está ligeramente mezclado en sí mismo en el tallo. Hagamos rápidamente este lado aquí. Es decir, algunos de estos brotes son más verdes de lo que son morados. Entonces podemos lidiar con ese aspecto en tan solo un momento. Sí, a medida que se mueven más abajo, también estoy notando que se forma como un triángulo muy agudo. Ah, hay algunos más en la parte superior que se han perdido por completo. Hay algo así. Si hubiera una línea imaginaria, un triángulo ahí, y la otra línea estaría ahí aproximadamente. Entonces voy a lavar mi cepillo. Creo que es hora de introducir un poco de verde a algunos de estos. Sólo voy a agregar un poco de amarillo limón y usar lo que tengo en el pincel. Es bastante resplandeciente, así que hay un poco justo ahí dentro. Oh, eso me encanta. Yo sólo lo toqué. Porque ya hay, el pigmento sigue en la superficie, puedo manipularlo. Ah, me encanta. Estoy sosteniendo el pincel hacia el final, usándolo, usando esa punta solo para hacer estas formas de copa que mencioné antes. Oh, eso es encantador. Creo que necesito un poco más de amarillo en mi pincel. Creo que hay demasiado. Es solo un poquito demasiado brillante. Me encanta ver que eso pasa. Tipos de lirio de la suerte púrpura sucediendo ahí dentro. En un poquito voy a entrar. También este verde, necesito oscurecerlo. No sé si hacerlo ahora porque puedo ver bajar se está convirtiendo en un azulado oscuro, verdoso. Sí, creo que está bien. Creo que podemos empezar a agregar ese color porque lo es, puedo ver un morado que trabaja el morado en eso. Ahí viene una hoja que viene hasta aquí, que necesitará más el verde. Así que carga el pincel con verde. Recuerda que no estamos tratando de incluir todo porque tenemos los encantadores detalles de tinta que añadir todavía. Yo sí noté que discutimos esto en el calentamiento que la parte inferior de la hoja es más ligera que la otra. Ya se fusionó con la otra cosa. Probablemente haya suficiente aquí. Voy a volver a entrar con esta hoja. Si bien todavía hay agua estancada ahí, voy a entrar con un poco más morado. Yo sólo voy a ordenar esta paleta porque quiero limpiar un periférico, ese tenía un poco verde mezclado con él. Yo quiero algo que sea de un valor más oscuro y creo que sí necesita un poco de azul. Voy a añadir una gota de este ultra marino. Recuerda que vamos a estar sumando en detalle. Yo sólo voy a añadir. Si le llevo esto a la cámara, la tinta sigue parada sobre el agua. Si puedes ver que cuando me metió, se extendió muy rápido porque no he dejado que la tinta se empape tanto como hubiera esperado. Voy a encontrar otro brote para probarme esto, donde no está tanto parado en la superficie. O esa todavía hizo lo mismo pero puedo agregar un poco más de forma a esa y a ésta también. Creo que esto podría estar bien, en realidad. Voy a añadir el pigmento más oscuro bajando porque parece estar justo en la punta. Creo que si solo lo dejo caso, sólo va a ser suficiente. Están pasando algunas cosas en segundo plano, a las que volveré. Sólo déjame que ordenen estas florales principales en primer plano. Éste se une así, cuando hice el estudio de valor, que el verde se oscureció mucho más a medida que avanzamos hacia abajo. Creo que podría ser el momento de añadir un poco de morado azulado. Eso fue simplemente ultra marino, y eso hace algo así. Yo quiero agregar esos florales, los bichos que están en el fondo. Perdón, debí haber puesto eso ahí. Lo puedo ver justo de fondo ahí. No sobresalen así bastante. t Creo que ayudaría a proporcionar un poco más de información. Entonces hay uno, hay dos por ahí. Hay uno por aquí que necesita un poco de verde ahí de todos modos, me gusta la forma en que lo hizo? Apenas un poquito más amarillo. Creo que éste. Sí me alegro. No lo había dibujado del todo y estaba pensando que necesita un poco de verde y éste que se ha secado. No importa puede agregar un poco de amarillo ahí y allá. Genial. Si bien estoy en ello, agreguemos algunos más de los bichos que estaban en segundo plano en esta sección de la mano derecha por ahí, y había uno aquí. Ah, eso es muy bonito. No te preocupes demasiado cuando eso suceda porque creo que se suma al general, que está ahí. Sé que no hay otro brote aquí en este espacio negativo, pero realmente quiero llenarlo. Entonces yo sólo lo voy a hacer. Creo que eso servirá. Muy bien, entonces ahora pasando a este tallo mucho más oscuro. Vamos a mezclar. Puedo ver casi un poquito de rojo. Entonces sólo voy a añadir como un magenta a eso. Veamos qué pasa. Sí, eso es casi todo. Esto sigue en su almohadilla. Yo soy capaz de recoger la almohadilla. ¿ Puedes ver que ahora lo estoy inclinando? Lo que quería hacer es agregar agua a esta sección aquí y verlo gotear hacia abajo. Si lo acerco un poco más. Me encanta ver que eso suceda. Voy a añadir sólo un poco más magenta porque está mezclado con el verde, el verde claro poco demasiado. Si bien en diminuta, seguimos hablando del valor, esta sección del tallo es muy oscura. Entonces voy a entrar con más del violeta. Creo que eso es realmente, realmente encantador. Realmente no hay mucho más que creo que esto necesita. Lo único que creo que la hoja sí necesita es un poco más de información. He logrado derramar algo morado ahí. Se ha secado un poco pero eso está bien. Eso está bien. Simplemente voy a usar la punta de mi pincel para agregar algunos de estos leve borde serrado y luego se rija así también. Entonces en realidad lo voy a dejar ahora mismo y voy a usar un secador de pelo para secarlo mucho más rápido que secarlo de forma natural. 14. Demostración: Delphinium parte 2: Ahora, voy a estar usando el portalápices Curtisward con el plumín cartográfico de Brause. Mirando detenidamente a este delfinio, están estos pequeños zarcillos. Yo quiero dar una indicación de que están ahí, así que esa es una de las razones por las que he elegido la pluma de mapeo porque es tan delicada. Siento que he hecho un trabajo bastante bueno de dar los bordes de los brotes. Bueno, como esta sección de aquí, no necesito hacer mucho más. No obstante, este lado, creo que el contorneado, la forma no está del todo bien. Simplemente lo voy a realzar haciéndolo un poco más así. También esta que está debajo. Eso es mucho mejor. Ya la inclinación lo está potenciando y así es como me gusta usar la inclinación. No agregué un tallo a este brote en particular que queda detrás de él, así que solo estoy agregando esa pequeña sección ahora y estos garabatos aquí también. Este es el brote que está frente, así que solo para definirlo y la información que está al frente, solo voy a poner línea definida ahí. Voy a dar justo ese poco de información, pero justo detrás de ella. Yo me he movido un poco. A lo mejor el delfinio se ha movido ligeramente, así que estoy viendo un ángulo ligeramente diferente. Está todo bien, todavía puedo obtener mucha información de ella. El capullo va detrás así. Si bien la información es realmente importante, la mejor manera que puedo explicarla es, ¿hay justo lo suficiente? No siento la necesidad de agregar cargas más como todos los zarcillos pequeños. Aquí están pasando suficientes cosas en donde si añadía cada zarcillo, estaría demasiado ocupado. Creo que solo voy a fingir que hay otro brote ahí, hay en esta versión que estoy viendo ahora. Ahí vamos. Eso es lindo. Este de aquí es un poco tocón, digamos que voy a seguir con una inclinación para darle una forma más completa. Esta zona de aquí es donde se abren los pétalos, y Está haciendo ese tipo de cosas. De esta zona hacia abajo los cogollos parecen estar más formados. Este pequeño V que está pasando aquí, ese es el borde del brote. No necesito poner una inclinación ahí. No hay necesidad de delinear cada flor o cada tallo, solo queremos proporcionar suficiente información. Es casi como si estuvieras dibujando en una capa extra de información suficiente para que el espectador pueda comprender lo que está pasando. Ni siquiera sé lo que he hecho aquí. Parezco estar en el ángulo correcto. Creo que sé lo que hice. Yo lo moví todo para que pudiera encajarlo todo. Eso está bien, sé qué baches corresponden a qué secciones ahora. Entonces éste en realidad se extiende más allá, eso es todo. Cuando se trata de este pequeño punto antes de que forma ese tallo. Esta es la que dije, quiero algo detrás de eso, así que si continúo ese tallo que da la impresión de que este tallo está frente a esta sección amarilla limón detrás de ella. Yo sólo voy a dibujar una indicación de un lado del tallo ahí, eso va a servir. Ahora sé lo que está pasando que necesita un filo ahí y allá. Ahí está esa cosita que va hacia atrás, debo averiguar cómo se llama. Después pasando a esta sección aquí donde apenas insinuan florecer y casi se pueden ver los pétalos individuales aquí. Creo que eso servirá por eso. Eso es sólo la apertura. Pasando a las hojas, encuentro que las hojas jóvenes no tienen mucho detalle. Eso es todo lo que necesita. Simplemente se dobla hacia abajo. No tengo bastante bien el ángulo correcto, es más así. Sí, lo hace y creo que lo voy a parar ahí. Sí vuelve a un punto aquí. Se puede decir que es una hoja, no es necesario delinearla. Recuerda aquí tus cerebros te funcionaron. ¿ Cómo sientes que necesita equilibrarlo aquí fuera podría agregar una hoja que realmente no existe, pero creo que la necesita para el equilibrio. Usando esta hoja como referencia, solo voy a agregar algo similar del otro lado solo para equilibrarlo. Acabo de notar, sé que saqué esa hoja, pero debe haber habido una hoja aquí. Debe haber salido afuera. Simplemente estoy copiando una imagen espejo impresión de la hoja que no puedo ver también la cantidad de papel que me queda compartiendo a través para que se pueda decir que son cogollos bastante delicados. No pesan hasta que llega al fondo, hasta que ese tallo se pone muy oscuro. Si lo pongo de cerca para que veas el resultado final. De verdad estoy contento con eso. Creo que los colores funcionaron muy bien juntos. Mi parte favorita es posiblemente esta sección donde el tallo se vuelve realmente oscuro, y así agregué pigmento extra. Esa es probablemente mi parte favorita, es cuando soy capaz de agregar pigmento extra y luego mirar para ver qué pasa. Creo tonalmente, eso es solo que realmente atrae tu ojo en ello. Además, creo que agregar el trabajo extra de pluma en el costado definitivamente sí lo equilibró. Esto fue un poco desorden. Pero pasó y tuve que trabajar con esto. Todavía tienes la impresión de que esta hoja se está desforrando, general creo que he hecho un trabajo bastante bueno y estoy muy contento con ella. Una última cosa que noté que realmente necesito discutir es el uso del espacio negativo y donde he dejado áreas de blanco. No he tratado de llenar todas las áreas malas. Si echas un vistazo aquí y aquí, el blanco en realidad se suma a la sensación de que este es un delphinium que todavía está en yema, no es pesado y no está abierto a plena floración todavía. 15. Demostración: Buddhleia parte 1: Para esta demostración, estaré usando el Winsor Newton prensado en frío, y si lo sostengo a la cámara, podrás ver que solo es un poco más áspera. Es un poco a [inaudible]. Esto afectará cómo corre la pintura, pero creo que va a ser interesante ver qué pasa en comparación con cuando uso el liso y medular. hoy, estaremos usando el número para bobina sólo porque estaremos pintando estos pinceles de mariposa o buddleia. Como puedes ver, si echamos un vistazo de cerca a estos, puedes ver que están hechos de montones y montones de trompeta diminuta como flores, pero no van a poder pintar todos estos en. Vamos a crear una silueta de esta formación triangular. Te mostraré, como lo hago, lo que quiero decir, y también lo que creo que sería realmente interesante es tratar de captar algunos de los detalles rosados. Otro punto que quisiera mencionar sobre la budleia es cuando crece en la naturaleza, muchas veces se dobla y se puede ver que aquí hay una ligera curva. Sé que lo estoy enfatizando, pero a menudo los ves haciendo esto. Yo quisiera incorporar eso. Serían bastante fáciles de hacerlos crecer rectamente. Pero creo que voy a empezar en esta esquina y hacer un poco de curva así, espero. Empieza mezclando algo de este rosa brillante que puedo ver ahí dentro. Vamos a usar eso como un poco de la base. Creo que también vamos a necesitar un poco de verde pálido allá arriba creo antes que nada, empezar con un verde amarillo pálido. Eso es un poco demasiado verde para mí. Es todo mi verde plateado. Ha tenido cargas y cargas de agua y un poco más. Sí. Eso probablemente sea mejor. Voy a tener eso listo y porque quiero mezclarlo con algo del rosa, quiero tener, creo que necesito tener un poco de rosa listo también. Eso se ve sobre el valor correcto sabio. Empecemos con la punta verde. Voy a deshacerme de éste porque necesito serlo, estoy tratando de usar esta versión en particular, este grano. Whoops, demasiado en mi cepillo ahí. Pero usemos lo que acaba de pasar ahí. Eso está bien. Porque vamos a estar, se va a mezclar de todos modos. Si miras de cerca, sigue este tallo central que corre hacia abajo en esa curva. Viene hacia afuera de ahí. Hagámoslo un poco más definido, formas de pedrería. Recuerda, vamos a estar agregando detalles rosados, así que no hay necesidad en esta etapa de conseguir esa punta exactamente bien. Pasando a las zonas rosadas que puedo ver. Hicieron estas trompetas. Hagamos eso también. Sí, esa mezcla un poco y siguen haciendo ping pasando incluso a alrededor de aquí. Apenas aumentando el pigmento, sí parece ser mucho más fuerte a medida que nos movemos hacia abajo y hay áreas de rosa aquí y aquí. Vamos a entrar con un poco más del morado. Tengo un poco de púrpura mezclado ahí arriba, que voy a añadir a este rosa, la rosa de la ópera. Vamos por el exterior y es un irregular. No lo es, aunque sea un triángulo curvo. No es un triángulo recto como ese. Sí tiene esta curva suave, bonita en ella. Eso ya se ve bien. No puedo ver el tallo debajo, pero sí sé que va así. Diga fingir que hay un tallo central y en el medio, es un morado masivo, pero sólo fuera se puede ver que hay pequeñas trompetas durante esta formación social. Intentemos actualizar los bits, aún usando una mezcla de rosa y el morado. Hacia el fondo puedo ver un poco más del tallo verde también. Eso va a ser una bonita adición. Creo que aquí necesitamos más morado. Una cosa que diré es, no cubras toda esta zona en morado. Deja unos pedacitos del papel mostrando para dar ese contraste. Porque a pesar de que digo que es masa de morado, no es morado sólido. Es muy textural, y esa es la impresión que me gustaría dar. Trabajando muy rápido y mezclando el rosa y el morado dentro, lo siento, incluso en la página. Diga, ya casi estamos ahí. Entonces podemos pasar al tallo y a las hojas. Creo que necesitamos un poco más poderosos aquí para algunos sí, así que de este lado, el valor es mucho más oscuro. Digamos que agreguemos un poco más de pigmento ahí, no a toda esa zona. Dejemos esos huecos porque no puedo ver pedacitos del tallo viniendo aquí o eso se ve bien. Ahora, pasando al tallo, Es una variación de lo que estamos viendo en la parte superior. Creo que ese verde es un poco demasiado brillante. Voy a caer en un poco de agua, sólo agua llana para diluirla hacia abajo. Podría mezclarse con algo de ese rosa. Eso está bien. En realidad, solo lo ayudé un poco. Diluir este particular amarillo hacia abajo porque me di cuenta de que era sólo un poco demasiado brillante para mí y puedo verlo bajando. Puedo ver el tallo desde aquí. Diga, vamos a caer un poco de, Alex, bien. Ahí vamos. Poco verde ahí, puede ser un poco demasiado sobre esto no es una molestia y el tallo comienza a curvarse alrededor. O puedes ver que pasa eso, puedes ver cómo eso siguió a través de los chicos todo el camino? Redondo así. El tallo aquí abajo, hace una luz y una oscuridad también y esto sucede también. O justo debajo de ella, el Tallo se ramifica, hay muy poca sustancia o identidad, como se les llama, algo así y también hay un morado verdoso, que voy a sumar en tan solo un minuto. Vamos a poner estos dentro y también hay una hoja debajo de ella. Esta budleia en particular es muy ondulante. Ahí vamos. Sé que por el momento es realmente verde brillante, pero voy a estar agregando morado a las secciones. Sí, a los consejos. Es un gran verde. Selecciona un poco demasiado en mi pincel. No importa. Puedo incorporar estos. Esta sección aquí definitivamente es verde y esto es verde y empieza a transformarse en un morado. No demasiado, puedo agregar en detalles con seguridad y se pueden ver algunas de las formaciones tipo trompeta más abajo. A mí me gusta que se fusiona en el- Alex bastante agradable. Bien. Probemos por las hojas. Puedo ver que la parte inferior definitivamente es muy pálida y es de un valor mucho más ligero. Creo que mezclemos un poco de morado en este verde que ya tengo. Usa eso como el, demasiado de mi pincel. Podemos agregar algunos otros colores después y hace esta cosa ondulante. Éste apunta a la baja, pero no demasiado. Creo que eso se ha ido un poco demasiado turbio, así que vamos a caer un poco más verde. Justo por aquí creo, ahí vamos. Agrega las otras hojas ahora. Este va de alrededor de aquí. Está muy puntiagudo por ahí. Al mirar esta hoja contra el tallo, el tallo es definitivamente rojo púrpura. Tenemos que hacer algo al respecto en un rato. Vamos a poner esta hoja dentro y hay una hoja que cae frente a ella, pero no creo que eso vaya a ayudar a entenderla. Aguanta, aquí se hace más oscuro, solo estoy agregando un poco de morado. Voy a empezar a caer en colores en poco momento. Aquí hay uno, olvidado por completo. Ves esta hoja toca esa. Debí haber dejado un poco de espacio para eso. Eso estará bien por ahora. De ahí salen pequeños tallos y están muy pálidos, con cogollos y otra vez por aquí. Divirtámonos un poco y empecemos a caer en algunos colores en esas hojas porque ese verde, para mí personalmente, es un poco demasiado brillante. Valor sabio, si entrecerro, las flores definitivamente son más oscuras, pero algunos aspectos de las hojas, sobre todo este de aquí, es muy oscuro y esta parte de aquí. Vamos a jugar con eso. Creo que éste acaba de fusionar demasiado. Voy a secar mi pincel de pintura y sólo recoger algo de ese pigmento porque está demasiado sucio. A mí me gustaría que las hojas tuvieran un toque de morado, pero eso se estaba poniendo demasiado raro. Probemos un poco de gris mezclado de Payne para sumar el ligero cambio en los valores aquí. Sí, eso es mejor. Está basado en el tallo central que se oscurece ahí. Creo que dentro de eso estaría bien caer un poco de morado. Esto es sólo gris de Payne con un poco de ultramarina. Puedo ver el morado funciona bien ahí. El hoja ondula por ahí y así de este lado es mucho más oscuro. Ahí vamos y debajo de aquí está oscuro. En realidad los cogollos morados sí se mezclan con eso. Dejemos caer un poco de morado aquí, necesita un poquito más de agua. Eso se ve realmente bonito y también los cogollos morados. En realidad, aquí abajo hay más morado de lo que pensaba. Voy a añadir eso en. Voy a usar un poco del rosa para ayudar a esta sección lo largo porque el valor es ligeramente diferente aquí. Eso es mucho mejor ya y puedo ver que el rosa está tratando de mezclarse con esa hoja en la parte superior izquierda. Yo lo voy a ayudar. Eso ya está mejor. Me alegra haber hecho un cambio ahí. Iba a añadir la sección pálida de la hoja, pero creo que lo haré con la tinta, un poco de línea de tinta. Me encanta lo que está pasando aquí, pero creo que también necesita armonizar toda la pieza. Creo que sí necesita unas gotas de morado meñky. Añadamos esos. Me encantan todas estas cosas que suceden. Podría simplemente agregar un poco ahí y también si entrecerro, digamos en las secciones aquí, si agrego rosa en las secciones más oscuras. También dije, iba a agregar rosa a los tallos también. Hagámoslo ahora. Un truco que realmente me encanta usar es inclinar el papel. Voy a caer un poco, empieza a ir un poco rosa desde aquí. Pongamos un poco más de pigmento en ese cepillo. Voy a sostener esto en un ángulo de 10 grados, así que bastante superficial. Pero quiero dejar esto dentro y parte de ella ya está reaccionando. Este tallo necesita ser un poco más grueso también. Si puedes ver que está corriendo hacia abajo. Simplemente ayudándolo. Ahí vamos. Necesito esperar a que esto se seque y ojalá el efecto vaya a ser bastante espléndido. Antes de mostrarles el primer plano de esta versión seca de la Buddleia, otra razón por la que es buena idea trabajar rápido es porque las flores se marchitarán muy rápidamente. Esta no está tan mal porque es bastante leñosa, pero algunas de las flores silvestres más delicadas se marchitarán en una hora, así que realmente tienes que trabajar bastante rápido. Echemos un vistazo a esta versión seca. Estoy absolutamente emocionada con lo que estoy viendo aquí. Hay tanta gorgeosidad donde se ha mezclado y se ha creado estas preciosas graduaciones. Esta zona aquí ha hecho lo que esperaba. Este rosa se ha dispersado y las secciones de aquí son absolutamente impresionantes. Voy a estar trabajando con la tinta para simplemente sacar algunos de estos maravillosos aspectos. Porque estoy tan contento con cómo ha resultado esto, recuerda donde dije en la sección de tinta que no hay relación, hay fórmula para cuánta tinta voy a aplicar a esto. Esto es tan hermoso como es. Creo que solo escogeré ciertas áreas. Podemos aprovechar al máximo lo que ha trascendido una vez que se secó. 16. Demostración: Buddleia parte 2: Para esta capa de brote en particular, voy a estar usando el plumín de calabaza azul con el mango [inaudible]. He elegido este porque va a dar algunos bonitos efectos blobby que me gustan bastante. A partir de esta sección aquí. Yo sólo voy a escoger estos pequeños detalles aquí mismo, y estos son literalmente blobs, literalmente. Simplemente pinta algunos de esos y no todos ellos, sólo una indicación y a medida que nos movemos hacia abajo, empiezan a formar estas pequeñas formas de lágrima. Podría agregar algunas formas así a medida que vamos hacia abajo. La acuarela ha hecho un trabajo maravilloso, pero creo que solo necesita un poco más de información para decir que estos son cogollos sin abrir y son muy pequeños y diminutos y la acuarela no ha transmitido del todo eso tal como está. Sólo voy a usar la tinta para realzar. Se puede ver aquí hay formas de luz de brote, pero creo que sólo necesitaba un poco más. De nuevo, no es que bajen en línea recta. Todo es desigual. Hagámoslo. Sí, ahora las formas más largas como trompeta están llegando aquí. No estoy siguiendo nada en particular. Solo estoy escogiendo formas, y siguen haciendo cosas como esta. No quiero hacer demasiado aquí, o esta sección aquí puedo ver que la parte inferior de las trompetas es, y podría trabajar con esas. Apenas empiezan a abrirse y sí tienen estos tres pétalos al final. Sí, por aquí. Empiezan a abrirse mucho más. Estoy mirando a mi alrededor y pensando, ¿ dónde necesita un poco más de información, pero podría volver a ello. Tengo que esperar y evaluar cada pocos minutos. Digamos que hay una linda blob, que simplemente pase ahí. En esta sección central aquí, creo que esto probablemente consiguiendo un poco todos los cogollos se están cerrando, pero ayer, definitivamente estaba lleno soplado. Se podía ver que eran muy abiertos. Voy a poner en lo que recuerdo. Eran cuatro pétalos. Sí, todo el camino por la sección central. Los cogollos estaban fuera. Podría simplemente agregar uno más aquí, y luego voy a cambiar táctica. Diga a ambos lados, aparecen las formas de trompeta. Esto sólo se ve muy encantador. Yo estoy muy contento con esto. Me encantan estos como son. De verdad lo hago. Sé que los pétalos no se distinguen del todo, pero creo que sería una lástima estropearlos. Voy a añadir unas cuantas formas más de trompía de este lado. Me estoy acercando al fondo y me doy cuenta de que no lo estamos llenando. Simplemente parece regular aquí. Estoy haciendo un esfuerzo bastante concertado para que esta ventaja en particular sea irregular. Sé que hay cierta necesidad de regularidad pero no creo en las formas orgánicas, siempre sale así y por este lado también, quiero asegurarme de que el espectador entienda que esta no era una pieza recta. Ahora, pasando a esta sección aquí, estoy en dos mentes si quiero agregar algo aquí porque es tan [inaudible] juntos y creo que lo único que diría es, sólo necesita un poco de filo aquí. Yo sólo creo que eso ayudaría. Sí, creo que aquí también sólo necesita otra forma de trompita. Se puede ver que he puesto en la sección inferior de las trompetas que realmente ayuda. No necesito que me llenen un poquito de los cogollos aquí. Voy a añadir un poco más. Son muy delicadas, así que no quiero pesarlas hacia abajo, y en la parte superior no están completamente formadas. Creo que voy a dejar la punta misma así y luego sólo añadir los espejos toques de estos cogollos formando y creo que eso es todo lo que necesita aquí. Estos son dos mini, mini capullos. Empecé a añadir algunos y pensé que todo eso va a servir. Pero no creo que eso lea muy bien. Creo que necesitan un poco más justo en la base para darle un poco más de información porque solo se está desvaneciendo demasiado en el fondo. Ahí vamos y lo mismo otra vez aquí. Empecé a agregarlo medio de corazón, y aquí hay una hoja que creo que hay que mirar. Siento mucho decir que no tenía esta cámara en particular funcionando cuando llené estas hojas. Pensé que había un poco demasiado espacio negativo, así que en realidad los dibujé. Yo sólo quiero demostrarles cómo lo dibujé rápidamente en una hoja de papel separada. Sí me disculpo por no captar el momento en que dibujé estas dos hojas en la demo real. A veces sucede. Voy a demostrar sólo en un pedazo de papel liso porque eso fue lo que era. Acabo de usar tinta para llenar el espacio negativo. Fueron estas dos hojas a las que estaba tratando de dibujar y simplemente básicamente usé la ligera presión en la punta. Estoy presionando un poco más fuerte. Es una hoja relativamente estrecha y sale hacia afuera. Necesito un poco más de tinta en esto. Hacia la base y luego vuelve a entrar, en un ángulo divertido que hace este negocio. Yo sólo voy a fingir que había un tallo que se aferra, tengo una idea. Digamos que mi tallo estaba haciendo y te mostraré la otra hoja. Está ondulado a lo largo. Esta hoja en particular era muy ondulada. Este otro filo no lo era y luego se torció redondo así. Lo que también hice fue dibujar en las venas, que normalmente no hago con las hojas. Pero en esta ocasión sólo me gustó que la formación que estaban creando. Esta es otra área donde no es necesario agregar todas las venas. Puede que te sientas inclinado a querer hacer eso. De nuevo, tu mente puede funcionar. Ah sí, hay venas a cada lado y eran irregulares. Ahí vamos y lo mismo otra vez aquí. Noto que no se fueron directo al filo ni siquiera en esto. Es solo en esta versión me he dado cuenta de que si vuelvo y te muestro mi original, no lo observé correctamente, así que he aprendido algo nuevo ahí. Entonces se ponen un poco más delgadas aquí arriba. Gracias por llevarte conmigo. Voy a volver y mostrarte la capa de brote. Creo que siempre es buena idea hacer una rápida valoración subjetiva de tu pieza terminada. Cualquiera que sea la pieza de arte que sea. En general, adoro la vibrancia que he podido lograr. Sé que esta capa de brote en particular no tiene grandes extensiones de zonas rosadas brillantes, casi luminosas. Pero era algo que recogí dentro de las profundidades del final de las secciones de trompeta y acabo de ir con ello. Esta zona equilibra el morado aquí que es de unos valores mucho más oscuros. Ahí hay un precioso contraste y estoy tan contenta de haber podido dejar algunos espacios blancos ahí. Yo diría que mi sección favorita es este pedacito de aquí. Hay una encantadora armonía al respecto. Pequeñas cosas como esa me da una emoción. En general, me gustan las pequeñas indicaciones de los más jóvenes budly a tallos a ambos lados también. Pasando a las hojas que me encanta ver toda esa graduación y efectos de la manera en que este rosa en particular se ha topado con esta hoja. Yo quería incluir este conjunto de hojas. Podría haberlo dejado como espacio negativo, pero creo que para equilibrar lo que estaba pasando en la parte superior y moviéndose hacia abajo, simplemente continúa con ese tema tipo pirámide. Creo que esta es una pieza realmente exitosa para mí. 17. Demostración: Zanahoria silvestre parte 1: Para esta demo, estaré pintando queen y lays. Por lo general son bastante largos, pero encontré este que era bastante corto en estatura y logré sacarlo con la raíz, que creo que está bastante definido. Creo que este sería un buen reto para mí también volver a llenar mis lunares. Por la delicada naturaleza de los tallos, he decidido usar el cepillo zero g-air. Al mirar la forma rápidamente, tenemos un tallo central que viene por debajo de la cabeza principal de la flor, y se apaga en un poco de ángulo, y luego en la parte inferior tenemos la raíz, que probablemente ocupa alrededor de un tercio de este conjunto plantas, entonces, creo que sabia el valor, los tallos son realmente pálidos y obviamente las flores blancas son las zonas más pálidas, por lo que, necesitamos mezclar un lavado medio ligero. Creo que iré por un amarillo cadmio y un verde de jade, y vamos a darle una oportunidad, tal vez en realidad sólo un poquito diminuto del azul Windsor. Está bien. Vamos a darle una vuelta a eso. El tallo central está un poco fuera de centro. Necesito más agua en eso. Eso es demasiado oscuro en valor. Justo delante de ella, va a alrededor de ahí. Hay otros dos tallos en miniatura y son aún más ligeros, así que, solo voy a añadir una gota de amarillo justo en esta parte de la paleta y esto hace una curva, es como una curva S. Se reduce a donde se pone mucho más oscuro. Pero solo metamos las características principales y también hay un tallo en miniatura justo al lado que se trata de aquí, y el siguiente vástago solo de la izquierda es casi paralelo en realidad, y hay un ligero giro en él. Sí. De eso se trata y luego tenemos algunas hojas pasando, pero las vamos a sumar en un rato, y luego hay un tallo a la derecha. Sí. Tiene una torcedura en ella también. Se fusionan así en el tallo central, y el tallo central está sesgado si hace eso, y entonces empezamos a bajar a las raíces, y es una manera maravillosa de agregar un poco de color a esto también. Pensando en estas pequeñas áreas de aquí, y esta es la parte apacible que probablemente le da ese nombre. Si entrecerro, no puedo verlos, pero tenemos que estar atentos a los pétalos blancos de arriba y estoy tratando de averiguar cómo voy a hacer esto. Tengo presente que algunos de estos tallos están empezando a secarse ya. Basta con poner las partes lacrisas en. Un poco puntiagudas. Estoy un poco nervioso, lo estaba sosteniendo así. No quiero sostenerlo así, quiero sostenerlo hacia el final aquí, me va a dar un poco más de maniobrabilidad y menos presión. Eso es mucho mejor, y los pedacitos que van hacia arriba son aún más pálidos. Podría simplemente ponerle un poco de agua ya que probablemente me queda un poco de pigmento en mi cepillo y eso podría ser suficiente. Hagamos lo mismo otra vez con algunos de los otros y estoy pensando, cómo voy a añadir las semillas, quiero decir, no las semillas, los pétalos reales aunque sean diminutos. Sé que estas cosas están empezando a secarse, así que, voy a trabajar súper rápido. Solo metamos estos tallos de salidas y luego puedo agregar cayendo diferentes pigmentos y jugar con los valores, y también viniendo aquí abajo, hay todas las hojas aquí abajo, que son muy, muy oscuras. Conforme estamos hablando de hojas, el valor aquí abajo es mucho más oscuro, entonces, vamos a introducir un poco de ultramarina ahí, y si cierro los ojos como parejos, sólo un pequeño toque de púrpura meñky, entonces, el hoja de mayor valor está por aquí. Eso servirá por ahora, y luego la siguiente hoja a lo largo de eso es de mayor valor. Ahí hay otra, un poco más de agua, otra hoja tipo fronda que viene por ahí, bajando a la raíz. Se está volviendo un poco más marrón, así que, podría usar un poco de oro en realidad. Creo que eso va a funcionar muy bien. Sí, eso es muy bonito ya que baja a la raíz, eso va a quedar bastante increíble creo. Basta con cargar mi pincel con sólo el oro, sólo algo así y hay una raíz que va aquí también. [ RISAS] Eso es encantador. Entramos nuestros conceptos básicos y es hora de empezar a divertirnos un poco con los valores. Trabajemos rápido porque he esperado probablemente un poco demasiado, pero podemos trabajar con esto. No puedo ver rojo anaranjado si entrecerro, así que, vamos a añadir un poco de granate al verde, sólo un poquito y dejarlo aquí también. Sí, eso es precioso y las otras zonas donde hay alto valor. En realidad hay otro tallo que viene de detrás de esta fronda, casi hace eso. En realidad no es tan rojo. Aquí puedo ver pedacitos de rojo. Creo que necesito añadir un poquito de lo radiante, lo siento, aquí. Creo que voy a empezar a sumar oro. Me gusta mucho cómo resultó eso. Sí. Eso es encantador. Hacia la cima, está este hugh amarillento. Perfecto. Bajando éste también. Intentemos fusionar estos juntos. Voy a tener que inclinar un poco el cuaderno de bocetos. Creo que eso necesita un poco más de agua solo para ayudar a las cosas porque estoy empezando a dibujar en las frondas, y estoy atento que probablemente dejo que se seque demasiado rápido. Yo también he estado hablando con ustedes. Normalmente, me meto en un estado de flujo. Entonces hay otra fronda que se une aquí. Eso se ve encantador. Ahí vamos. Yo sólo estoy usando este oro y qué humedad o pigmento de pie que está en el papel sólo está haciendo lo suyo, lo cual es absolutamente maravilloso. Sí. Tan sólo dos veces comprobando mis datos. Simplemente recogiendo un poquito de verde para sumar a esta fronda en particular aquí. A mí me gusta la forma en que se unieron ahí arriba, eso es encantador. Acabo de volver a hacerlo. Muy bonito. ¿ Se puede decir dónde se agrupa en la canaleta del cuaderno de bocetos? Eso está absolutamente bien. Podemos usar parte del pigmento que se agrupa ahí y esparcirlo un poco. Por lo que hay otras características parecidas a la cara. En realidad, lo que acabo de notar es que probablemente haya un poco demasiado aunado ahí. Sólo voy a ahondar un poco usando mi pañuelo. Sí hacen cuatro. Oh Dios mío, eso se ve muy bonito. Casi se ve marrón, un rojo brownie. Eso es precioso. Ahí hay otro ligeramente más arriba en el lado izquierdo. Nuevamente, en el en la punta sí se ve un poco dorado, y eso baja. Esta zona aquí, esta es perfecta en realidad. Es muy serendipitoso porque ese es el comienzo de la raíz. Se puede ver aquí es muy oscuro. Por lo que esto está trabajando a nuestro favor. Siempre hay una voz pequeña pensando : “Esto no va a funcionar”. Si has visto alguna de mis otras clases, creo que me escucharás discutir eso cuando haya una fase, te pasas. Casi todos los artistas pasarán, y tú crees que esto está buscando un poco patrones, luciendo un poco basura. Sí funciona. Sólo sigue adelante. Tienes que empujar a través de las frondas, haz eso. Sólo se ve la vista lateral en esta en particular. Podría simplemente dejarlo así. Ahí hay otra hoja, pero creo que en realidad no tengo suficiente espacio para una estrella aquí. Yo sólo voy a añadir unas cuantas frondas más aquí sólo para llenar ese espacio negativo ahí. Oh Dios mío. Ahora echemos un ojo a esa raíz. No quiero demasiado. De nuevo, todo está aunando ahí. Creo que voy a tener que tomar el cuaderno de bocetos e inclinarlo. No, creo que necesito un poquito más viridiana porque a sabiendas de valor, no está del todo ahí. Podría tener que mantener ese cuaderno de bocetos ligeramente inclinado. Ahí también la raíz es bastante espesa. No voy a llenarlo todo. Creo que eso es suficiente ahí. Lo que sí veo saliendo de esta raíz en particular son sólo diminutos zarcillos que son tan lindos, y justo aquí también. Ahora necesito hacer algo con las cabezas de flores. valor, es absolutamente las partes más ligeras de esta planta. Entonces no creo que pueda transmitir eso con sólo usar inclinaciones. En algunas zonas hay un verde amarillento turbio. No quiero ese granate y ese oro. Estoy pensando que si me mezcla un oro muy ligero con sólo un poco de ese verde. Vamos a ponerlo en las zonas más oscuras de las cabezas de las flores o justo debajo de donde va la flor, algo así. Es casi como un paraguas boca abajo en forma pero irregular, digamos. Creo que estoy justo por ahí. En el medio, habrá pequeños bolsillos de valor más oscuro. Sí, lo tengo. Paraguas boca abajo y unos puntos. Creo que probablemente pueda agregar el resto de la misma usando tinta. Si no lo intento, no lo sabré. Sí. Esto está oscuro ahí debajo, y es el más oscuro que aún era poco volcado, pero no se preocupe. Esta cabeza de flor es mucho más grande, se extiende más o menos hasta aquí. Ahí está pasando algo más. Mantenga pulsado. Ahí hay otra diminuta cabeza de flor, así que sólo voy a dirigirme a ese paraguas boca abajo como una forma ahí y unas pequeñas dabs. Esperemos a que esto se seque y veamos qué pasa. 18. Demostración: Zanahoria silvestre parte 2: Probablemente sigan en bud, y he presionado un poco fuerte porque eso es en realidad una frond que estoy tratando de representar. Estos suben en un poco de forma de U. Algunos de ellos se les unen ahí, algunos de ellos hacen eso. No quiero delinearlo. Estos son blancos, está sobre una mesa oscura. Lo que podría hacer es literalmente con la punta misma de mi plumín, solo dar una sugerencia de que estos pequeños puntitos es el borde de donde yacen esos diminutos pétalos. Ahora, la siguiente es en realidad, bueno, tengo mis proporciones un poco equivocadas. No importa. Estas partes parecen ser las más oscuras de esta flor en particular. Selecciona algunos de esos y están en un poco de óvalo. Podría necesitar un poco de fila solo para ayudarla. Creo que si defino el borde de éste sólo para diferenciarme del otro tallo, no detrás de él, pero está más cerca de la mesa. Pasando a esto, el más grande. Este es el único que tiene pétalos pequeñitos abiertos, abiertos. En cierta medida, intentemos hacer eso. Nuevamente, solo voy a usar puntitos para darme una indicación áspera y sí va allá arriba, de donde está el borde de esta cabeza de flor. Para poder ayudar a este a lo largo, podría tener que fingir que cambié mi ángulo y agregar solo unos cuantos. Estoy tratando de mantenerlo irregular. Entonces, las flores, tantas hermosas. Yo sólo voy a escoger unas flores aquí y allá. Parecen ser mucho más en este rubro aquí por perspectiva. Aquí hay todo un grupo de ellos. A ver ahora que he cambiado ligeramente el ángulo que estoy viendo esto, las pequeñas flores se extienden más allá, y vienen todo el camino a alrededor de aquí. Se pueden ver pequeños radios con flores al final justo aquí, lo cual creo que voy a añadir, lo cual es muy bonito. Si vuelvo a mirar ahora que he cambiado el ángulo, sucede de este lado también, así que sólo voy a incluir eso sólo para equilibrar los lados. Ahí hay una cabeza callejero de pétalos, creo que vale la pena incluir dentro. Ahora éste, no están abiertos. Si cierro los ojos que estos tallos se encuentran, ahí es donde están las zonas más oscuras. Están más o menos en todos ellos así que podría volver aquí y añadir eso también. Las frondas debajo de esta cabeza de flor principal, que son las partes más oscuras pero me preguntaba si la puedo incluir en tinta. Oh, eso es encantador. Vamos a hacer todo el lote ahora. Las puntas de estos son especialmente oscuras. Oh, no sé qué está pasando ahí. Algo no se sienta bien, ¿verdad? Creo que esto necesita un poco más de puntos y esas cosas. Necesita un poco más de definición. Si los pongo al final, si los dibujo a pesar de que no los veo, pero necesito que lea como florales sobre tallos pequeñitos. Ver, ahora estoy haciendo mi 1, 2, 3, 4, 5, 6ª cabeza de flor. Tengo mucho mejor humor para entender y solo viene con el tiempo. No podría haber sabido esto antes porque nunca he pintado el encaje de la reina Ana. Pintado similar, pero saber exactamente. Ahora tengo un mejor mango en él, lo cual es fantástico. Ya sabré que para la próxima vez, si fuera a pintar más o similar. Todos estos pedacitos de aquí abajo son realmente oscuros. Creo que este papel aún podría estar un poco húmedo. No, creo que estamos bien. Oh, Dios mío, eso es encantador. Creo que sólo necesita algo aquí que decir, esta parte es separada de esta parte de aquí. Sí, está muy oscuro ahí dentro podría solo usar tinta. Ahora, mirando hacia atrás a esta primera, dije: "Oh, creo que es suficiente”, pero creo que necesita un poco más ahora. Ese trabajo de línea es tan expresivo. Me lo estoy bastante asombrando. No he hecho nada tan detallado con pequeños puntitos, pero ha sido muy divertido. Mirando las hojas me estoy preguntando, ¿necesito agregar un poco? No quiero tomar una decisión. Yo lo sé. Ahí está este espacio y acabo de notar que sólo hay una pequeña hoja rizada justo ahí. Voy a incluir eso usando la tinta. Encantador. Este de aquí, nunca se formó completamente usando la acuarela así que, voy a añadir unos pedacitos más de línea, sin delinear. Necesita la parte posterior de la misma aquí, necesita algo de información. Oh, eso es encantador. Este de aquí podría hacer con un poco más de información que, ahí vamos y esa. Muy bonito. Yo sí dije que aquí hay una hoja. Perdón, dije que no tenía espacio para agregarlo pero mirándolo, es muy bonito. Voy a tomar una decisión. Yo lo voy a agregar aquí sólo con tinta. Sí agacharse. Va todo el camino hasta la sección raíz donde se pone muy oscuro. Ahí tengo el trabajo de marco. Sólo estoy haciendo una versión simplificada, y obviamente voy a estar repasando algunas de esas líneas. Se suma al efecto creo. Pocos pedacitos más aquí. Eso es bastante bueno para mí. Echémosle otro vistazo. Si estoy entrecerrando, no puedo distinguir del todo el filo, que está aquí. O puedo volver a entrar con un poquito de acuarela, solo para dar esa impresión o puedo usar tinta. Solo necesita la tinta de la cantidad más pequeña. Igual que eso. Sólo para decir que este es el filo. Este es el borde exterior de esta cabeza de flor en particular. Así. Sí, creo que eso es bastante maravilloso. Siempre he tenido problemas tratando de definir los bordes de las flores pálidas o blancas y creo que en esta versión, he hecho un trabajo bastante bueno usando la tinta para dar una indicación de dónde pueden estar los bordes. En general, estoy muy contento con el desenlace. 19. Reflexiones finales: Pasamos por todo tipo de etapas en nuestro desarrollo artístico y es divertido experimentar y aprender en el camino. Esta acuarela expresiva y tinta es sólo un camino que pasé a explorar en este momento. Al querer renunciar a algunos de los detalles, aún podemos contar la historia de tu silvestres de forma expresiva a través de la forma, valor y el color y la línea. Podrás enfocarte en el aspecto y la sensación general de tu pintura. Una vez que las partes más grandes como las hojas y los tallos estén en su lugar, los detalles se cuidarían ellos mismos. Por favor confíe en este proceso. Haz lo mejor para colocar tu trazo de pincel, todas las líneas de tu tinta con intención y luego dejarlas en paz. Permita que ocurran las ocurrencias orgánicas y piense en cómo puede usar estos efectos a su favor, en lugar de tratar de corregirlos. Piensa en ellos como accidentes muy felices. Trata de detenerte de empujar hacia adelante con acciones que realmente no son necesarias. Sólo para recordártelo, voy a pasar por algunos consejos superiores. La simplificación es la clave. Menos es más. Concentrándose en solo lo esencial que te ayude a no alborotar por detalles sin importancia. Asumir riesgos trabajando mojado sobre húmedo y permitiendo que el color se funda en el papel en lugar de en el palé. Usa el cepillo grande y no te sientas tentado a ir por un pincel más pequeño para agregar más detalles. Mantenga sus opciones de color simples. Elige solo cuatro o cinco colores para que no sobrecargues tu boceto con demasiados colores y los fangores. Intenta sostener tu pincel cerca del medio o del final en lugar de cerca de la cabeza para un enfoque más espontáneo. Apártate de tu trabajo de vez en cuando para evaluar antes de seguir adelante para que tomes decisiones intencionales. Probablemente lo más importante es tu mentalidad. Acércate a tu pintura floral con confianza y trata de mantener ese elemento de diversión, a lo largo del proceso. Si comienzas a dudar o a sentirte ansioso y frustrado, por favor toma un descanso y luego reanuda. Por último, realmente quiero animarte a desarrollar tu propio estilo creativo personal. Usa esta clase y cualquiera de las otras clases por mí o otros artistas aquí en SkillShare como un punto de salto. El arte es todo sobre la experimentación. Todos podemos seguir desarrollando nuestras habilidades y estilos, incluyéndome a mí, probando nuevas técnicas, nuevos materiales y empujando nuestros propios límites creativos. Todo artista o artista en ciernes es un individuo único con talentos y gustos únicos. Cada artista tendrá su propio sentido y visión diferentes del mundo que los rodea. Nuestro papel es comunicarnos a través de la pintura. Realmente creo que podemos ser buenos comunicadores en el arte y en nuestras vidas. Ruby puedes por favor bajarte de eso, necesito eso. Ruby vamos, [inaudible] fuera de eso. Oh mi palabra. Ruby Necesito mi micrófono. Ruby vamos eso es suficiente. 20. Quarto Star GazerLilly DEMO 1: Hola, y bienvenidos a esta lección especial de bonificación. Estaremos pintando lirios Stargazer basados en lo que has aprendido aquí con la expresiva acuarela y tintas. Tuve mucha suerte de que como resultado de esta clase particular de Skillshare, florales expresivas orgánicas, una editorial se puso en contacto, y ahora tengo un libro llamado Go with the Flow Painting. En ese libro, sí tengo una guía paso a paso para los lirios Stargazer y hoy voy a estar compartiendo eso contigo. Son mis flores favoritas absolutas, así que espero que la disfrutes tanto como yo. Aquí están los materiales que voy a usar para la demo de hoy. Tengo mi papel de acuarela de Hahnemuhle, que es de 200 libras. Además, tenemos el dip pen y tiene el navegador plumín de calabaza azul en él. Mi tipo de pincel favorito es el cepillo de canilla. Este es de Jacksons, pero sé que hay muchos, muchos tipos diferentes de cepillos de plumas que ofrecen otros fabricantes de arte. También, la tinta. Puedes usar cualquier tinta marrón que tengas. Tengo Winsor y Newton y también esta tinta acrílica líquida de Liquidtex. Quiero comenzar mostrándote la estructura de este lirio Stargazer, como puedes ver, tiene seis pétalos. Esta versión en particular, sé que hay bastantes variedades, va un poco rizada lanuda en los bordes. Pero si nos fijamos en la estructura básica, hay tres pétalos por delante y tres pétalos detrás de ella. Si quieres que sea fácil, puedes empezar a pintar este pétalo primero. En el medio, tienes los estambres. Es bastante verde brillante ahí dentro. La parte del polen es bastante oscura. Lo que vamos a hacer es recrear una versión de ella en todo nuestro papel de acuarela, no va a ser formal. Será bastante suelto y orgánico. Quiero empezar por contarte un poco sobre los colores que voy a usar. Rosa permanente, que adoro, pero no necesitas mucho de eso y te mezclaste con tal vez un poquito del rojo Winsor y el carmesí aquí para las partes más oscuras de este lirio. Las hojas serán una mezcla del amarillo Winsor y el verde savia. Usas el equivalente. Déjame mostrarte mezclando un poquito de la Opera Rose, puedes ver lo fuerte que es, pero vas a necesitar bastante de este lavado porque tenemos bastantes pétalos para pintar en. Me gusta recoger mucha agua en mi cepillo. Esa es una de las razones por las que uso una canilla. Empecemos. Empezando por el primer pétalo, va a funcionar bastante rápido. Puedes ver cómo acabo de colocar eso usando una sola pincelada y solo queremos crear una forma de lágrima. Sea consciente de dejar un poco de blanco. No quieres rellenar todo el pétalo. Eso probablemente sea suficiente por ahora. Vamos a tener otro aquí abajo. Solo pensando en el espacio que va a agotar por aquí. Quería mostrarte un primer plano de cuánta agua estancada hay en estos pétalos. Se puede ver como el agua ya se ha empapado en el primer juego de pétalos que pinté. Éste, hay muchísimo y hay un propósito para ese, así que empiezo a dejar caer el resto de los pigmentos. Ahora tenemos la inicial, los primeros tres pétalos de cada flor hacia abajo. Vamos a agregar los pétalos que se encuentran detrás de él. Estos son un poco más pequeños, pero pueden extenderse un poco. No dejes que toque el primer juego de pétalos solo para que los pigmentos no se fusionen demasiado. Sobre todo porque voy a empezar a dejar caer mucho más lavado pigmentado en solo un poquito. Ya ves que estoy trabajando bastante rápido. momento solo estamos tratando con la forma. Tengo que esperar a que algo de esto se sumerja en el agua porque solo está pasando un poquito demasiado. Si yo agregara el pigmento ahora, simplemente iría a todas partes. Además, una de las cosas que debo tener en cuenta es que estoy filmando esto en invierno, pesar de que la calefacción central está encendida, hace un poco más frío de lo que estoy acostumbrado. Esto podría tardar un poco más en secarse. Dondequiera que en el mundo estés, qué época del año estés pintando, es algo que recogerás con experiencia. Aprenderás a leer tu trabajo cuanto más practiques. Sabrás cuándo es el momento adecuado para dejar caer el siguiente juego de pigmentos. Voy a hacer otro conjunto de pétalos justo en este espacio de aquí. Personalmente, hay un poco de agua estancada en este caso. Solo voy a usar un rollo de cocina para absorber algo de eso porque de lo contrario estaré esperando para siempre. Ahora recojamos la rosa carmesí o la rosa permanente. Ya se puede ver cuánto más pigmento y vibrante es eso. Vamos a crear la línea que vaya ahí abajo. [inaudible] se ve preciosa, o simplemente puedes ir en línea recta por el medio. Simplemente realmente depende de un lirio a otro. Todos son ligeramente diferentes dependiendo de la tienda en la que los haya comprado. Se puede ver éste donde he dejado el espacio en blanco, voy a tener que pintar sólo un poquito alrededor de él. Se puede ver como el pigmento se ha esparcido dentro de las zonas que están mojadas. Esta, no estaba tan húmeda, probablemente se estaba secando un poco demasiado, así que no se ha extendido tanto en comparación con esta donde se puede ver que todavía hay mucha agua en esa superficie, por lo que se extendió más bien mucho. Esta es una de las cosas que recogerás con experiencia. Sigamos con estos. Aquí me he perdido por completo el pétalo. Pinta rápidamente ese en. Hay demasiado lavado en ese cepillo. Está bien, lo he guardado. Está bien. Ahora, volvamos al pigmento pesado un poco más pigmentado. Aquí vamos. Mira que uno no va a extender porque simplemente se seca demasiado. Si giras la cabeza hacia un lado, podrás ver si está húmeda o las diferentes etapas del dibujo. Realmente es cuestión de que califiques cuándo agregar el siguiente juego de pigmentos, porque después de esto vamos a estar agregando el verde. Ahora, vamos a mezclar el green que va a ir en medio. Además, empieza a hacer algunos, en realidad, tengo este espacio aquí. Lo que voy a hacer, creo que sólo para llenar ese espacio como vista lateral de uno de los lirios porque además es agradable tener un número impar en la página. Creo que se lava un poco más en eso, hacemos una forma así y luego se abaniza hacia afuera así. Volviendo a ese verde antes de que me olvide, así que ese es mi amarillo limón. Voy a añadir una pequeña gota de la savia verde. Se ve genial. Lo vamos a dejar caer en medio de cada uno, o puedes ver cómo eso acaba de entrar en el rosa, lo cual está absolutamente bien. Ese va a quedar delicioso. Oh, eso va a quedar muy bien. Ya lo veo extendiéndose entre los rosados. Va a parecer glorioso. Este de aquí también. Creo que la parte inferior de esto sí va verde. Voy a meter eso por debajo y acabar con éste también. Tenemos que mirar agregar algunos cogollos. Nuevamente, llenando este espacio negativo. Creo que uno probablemente podría ir aquí, y tal vez haya espacio para uno aquí. Vamos a agregar esos ahora. Vamos a crear esos solo por largos trazos hacia abajo sobre, va a haber uno tal vez por aquí. Brillante. Ahora estamos adentro, podemos llenarlo el resto del espacio usando hojas y algunos tallos. Por favor, no te preocupes demasiado por la mezcla de pigmentos. Personalmente me encanta ver todos los pigmentos fusionados así. Es una de las bellezas de trabajar de esta manera. Hay un elemento de lo inesperado porque no es hasta que estén completamente secas que verás cómo se comportaron las acuarelas y hay que dejar de lado poder controlar exactamente lo que va a hacer tu agua y tu lavado. Es muy liberador. Por favor, disfrute de esta parte del proceso. Sin ponerme demasiado técnico porque no pretendo ser un ilustrador botánico. Sí necesitamos unir estas flores para que no sean tan aleatorias. Si pretendo que aquí hay un tallo, y aquí hay un tallo. Esta, [Risas] Me gusta la forma en que se acaba de extender ahí, nos uniremos a esta. Ven aquí y éste se une y surgirá en el fondo, alrededor de ahí. Antes de que me olvide, te unes a este capullo de aquí. Perfecto. Este capullo se unirá a esta flor en particular. Surgirá así. Creo que en realidad tengo espacio para otro brote aquí o una hoja o algo así, pero me gusta bastante poner cogollo ahí porque olvidé que necesito agregar un poco del color rosa. Sólo algunos de los cogollos los tienen, algunos de ellos no. Pero no quiero perderme algunas de las encantadoras esparcidas que también pueden suceder. puede ver que simplemente sucede ahí. Me encanta, y también ahí. No tienes que incluirlo para todos ellos. Pero personalmente me encanta ver un poco de eso. Nuevamente, solo un lavado muy ligero, solo por un lado normalmente. Ahora podemos concentrarnos en algunas hojas. Volviendo a la hoja verde puede salir aquí. También, si fue emerger aquí, fue detrás de este capullo, digamos, y luego emergió por el otro lado. Eso va a ser bueno. Las hojas podrían hacerse un poco más grandes en la parte inferior para que proporcionalmente, se vean un poco más pesadas, y yo llene este espacio aquí también. Sé que se ve muy brillante en este momento, pero estamos a punto de agregar un poco más de la savia verde y dejar caer eso también. Eso probablemente esté un poco demasiado concentrado. Justo en ese tallo ahí del lado de esa hoja es muy ligero. Sólo estoy literalmente tocando la hoja con la punta de mi pincel así. No lo estoy presionando. Ahora, tenemos algunas brechas aquí y aquí, y también probablemente casi aquí. Tenemos la opción de agregar hojas extra o poner más cogollos. Creo que aquí necesita un poco más verde. Voy a fingir que hay una hoja que había entrado de aquí. Está emergiendo de detrás de este pétalo. Eso es bueno. Probablemente lo mismo otra vez aquí. Ahora creo que los cogollos van a ocupar espacio hacia la cima. Me encanta la forma en que se fusionan así, eso es precioso. ¿Qué más dije? ¿Debería hacer una pequeña aquí? Sí, estás bien. Simplemente haz uno realmente desmayado. Puede ser un poco más amarillo en esa. Encantadora. Creo que estamos más o menos ahí. Tengo que dejar que esto se seque. Siempre he usado un secador de pelo ya que solía ser un artista interno para Hallmark y siempre estamos bajo mucha presión [RISA] para que las tarjetas se presenten a Marks and Spencer's. Si usas un secador de pelo, no lo tengas en un ambiente muy fuerte, lo contrario simplemente se extenderá por todas partes, así que un calor bastante suave. 21. Quarto SKILLSHARE StatGazer 2: Ahora que la acuarela se ha secado completamente, podemos apreciar cómo los pigmentos se han mezclado realmente. Mira ese verde contra el rosa y si echamos nuestro ojo alrededor, este es en realidad uno de mis caminos favoritos solo para tomarme un descanso rápido y apreciar realmente lo que ha pasado aquí. Los pigmentos acaban de ir con la corriente, literalmente han ido con la corriente y han hecho lo suyo y no puedo esperar para comenzar a agregar un poco de detalle de tinta. Ahora para la parte de entintado y me gusta describir esto como un ejercicio de confianza loco porque muchas veces la gente quiere delinear todo el asunto y ese no es realmente mi enfoque. Otras personas hacen eso, lo cual está absolutamente bien pero quiero adoptar un enfoque más intuitivo. Si nos fijamos en el ejemplo que teníamos, se puede ver que este pecíolo en particular se extiende así de inmediato. A pesar de que mi acuarela termina ahí, quiero extender mi línea de tinta hasta allí. Si hacemos eso y no va a ser perfecto, eso es suficiente para dar la impresión de que el pétalo está al frente. Tenemos que hacer un poco de mindfulness aquí, dejando saber al espectador cuál de estos pétalos está delante. Éste, puedes fingir que este blanco es parte del borde. Digamos que eso se extiende hasta aquí. Sé que está repasando un poco de esa hoja verde, pero eso no me preocupa demasiado y también tenemos que hacerle saber al espectador que en realidad está frente a este pétalo. Por eso he añadido ahí la línea de tinta. No quiero añadir demasiados detalles a los pétalos que hay en la parte posterior. A pesar de que me gustaría extender esta. Una de las grandes cosas del dip pen es que si varías la presión, solo puedes crear una línea muy delgada como esa y eso es todo lo que quiero de verdad. Con cada uno, sabemos que hay declaraciones, así que voy a agregar eso ahora. No todos, pero probablemente haya alrededor de 10 en mi ejemplo particular, pero no sé cuántos van a caber aquí y ahí está este polen al final. A lo mejor sólo uno aquí abajo. Me gustaría agregar uno aquí porque ahí hay un poco demasiado espacio negativo. Ahora, tengo una cosa real sobre eso. [Risas] Ahora, necesitamos agregar las marcas, las marcas distintivas como los puntos que vemos aquí abajo. Presionar más fuerte significará que obtendrás puntos más grandes así y puedes simplemente presionar hacia abajo así o puedes crear pequeños círculos así. En mi referencia, la mayoría de los puntos están hacia la mitad de la flor y los estoy agregando bastante al azar. Lo siento mucho, esta parte del video está un poco desenfocada, pero estamos prácticamente usando el mismo enfoque que antes, donde la acuarela y la tinta es una asociación. Creo que este enfoque de dos pasos alivia parte del exceso de trabajo que a veces encuentro. La tinta no tiene que seguir los contornos de la acuarela que has puesto para que pueda funcionar de forma independiente si crees que necesita ajustarse o comunicarse mejor. No hay una relación fija de acuarela a tinta. Es un proceso muy orgánico. Yo varío la cantidad de tinta que podría ser necesaria de una pieza a la siguiente. Me gusta mucho usarlo para enfatizar contraste ya que la densidad y peso de la línea realmente ayuda a comunicar áreas de luz y sombra. Cuando comienza el principiante , puede ser un poco incómodo usar tinta. Tenemos que aprender a variar la presión cuando estamos creando trazos para que las líneas se infusionen con más dinamismo y para darles vida. Creo que la tinta te ayudará con confianza y paciencia porque tienes que estar muy atento a cada marca que pones porque a diferencia del grafito, si te equivocaras con la tinta, o tienes que averiguar cómo cubrirlo o aceptarlo. Realmente creo que vale la pena practicar en un trozo de papel separado, un trozo de papel de desecho, y solo averigua cómo funciona tu pluma de inmersión particular. Estoy muy contento con cómo resultó esto. Los colores son hermosos juntos y el trabajo de línea sigue siendo realmente expresivo. Cuenta una historia. No he tenido que delinear demasiado, aunque he hecho algunas manchas aquí, pero eso está bien. Sucede con tinta, vamos a abrazarlo. Se puede ver en esta zona aquí hay muchísima tinta que he colocado ahí y realmente se suma al contraste, la delicadeza de los pétalos, pero también las marcas muy vívidas. Sí, se me cayó un poco de tinta en esa esquina. Pero realmente espero que hayas disfrutado de esta demo y estés pintando tu propia versión de estos lirios. Si lo haces, por favor usa el hashtag, ohnmargowiththeflow y me encantaría ver tu versión. Diviértete con esto y simplemente relájate realmente en él, disfruta de todo este proceso. Esto es para que sepas que hay varios proyectos florales en mi libro go the flow painting, incluyendo uno para douglass asda, peonías, y también flor de cerezo.