Transcripciones
1. ¿De qué se trata esta clase?: Hola a todos.
Yo soy Bianca Rayala Soy artista de acuarela, educadora y maestra de Skillshare
. A lo largo de los años, he tenido la
alegría de enseñar a miles de estudiantes de todo el
mundo aquí en Skillshare Mis clases se tratan de hacer que la
Acuarela sea accesible,
alegre y significativa. Trabajo con marcas
como Schminka, Silverbush Limited
y Arkon Mounts En esta clase, vamos a estar haciendo algo un
poco diferente, pero algo
que creo que es realmente valioso si
quieres crecer como artista. Estar haciendo un estudio maestro, una
forma intencional enfocada de aprender
observando y pintando la
obra de un gran artista. Estaremos estudiando las bellas
y atmosféricas pinturas de Joseph Zuck Big, uno de los artistas de acuarela
que me ha inspirado profundamente He aprendido mucho con solo mirar
de cerca
cómo pinta, su uso del tono, la
composición y el tiempo, y quiero
guiarte a través de cómo puedes aprender de
su trabajo, también. Esta clase está diseñada para ayudarte
a generar confianza en la pintura de paisajes
atmosféricos, aprender a crear
profundidad y perspectiva en acuarela o explorar pinceladas sueltas
y expresivas Tanto si eres principiante como
si tienes alguna experiencia, te
compartiré técnicas
que puedes
aplicar fácilmente a tus propios cuadros. Comenzaremos hablando sobre
lo que es un estudio maestro, por qué es útil y cómo abordarlo con
la mentalidad correcta Entonces nos tomaremos un tiempo para mirar partes de las pinturas de José, cómo pinta cielos, figuras
distantes, reflexiones, y haremos
algunos estudios basados en esos Después de eso, pintaremos un paisaje completo
inspirado en su estilo, reuniendo todo lo que
hemos practicado en una sola pieza. Las técnicas que aprendas
en esta clase también se pueden aplicar al estudio de la obra
de otros artistas que admiras. Mi esperanza es que
esta clase no sólo te
ayude a entender más profundamente el trabajo de
José, sino que además te equipa de
herramientas para seguir aprendiendo y creciendo observando y
practicando con intención Al final de esta
clase, tendrás una pintura terminada
inspirada en la obra de José y una
comprensión más profunda de cómo aplicar estas técnicas
a tu propia obra de arte. Ya sea que seas nuevo
en los estudios de maestría o hayas sentido curiosidad por
pintar en este estilo, espero que esta clase te ayude a construir el ritmo de la práctica
creativa, redescubrir la alegría de pintar, y tal vez incluso a
sorprenderte en el camino Así que agarra tus materiales y comencemos.
2. Materiales: Para esta clase, comencemos con los materiales
que voy a usar. Primero, para el papel, estaré pintando sobre papel med
en acuarela. Este se llama
prensado, 100% algodón, 300 GSM, y es un tamaño de diez
por siete pulgadas. Me gusta mucho este papel
porque tiene una textura agradable. Absorbe el agua y la
pintura muy bien, y es lo
suficientemente turbio para capas Lo estaré usando tanto para el proyecto principal como para
practicar ejercicios de pintura. Lo que también me encanta de
este papel es que es bastante asequible en comparación con otras marcas de papel de
acuarela, pero aún así tiene una buena calidad. Para los pinceles,
estaré usando algunos de mis favoritos de
Silver Brush Limited. Se trata de los
pinceles renacentistas en talla diez y ocho. Estos son mis ir a para lavados, y también los uso para
agregar algunos detalles El pincel ultra
redondo de seda plateada 88 en tamaño seis, este es un gran pincel para detalles
más precisos y el
pincel de escritura de terciopelo negro en talla uno, que es perfecto para líneas
realmente finas como ramas de árboles
o tallos de flores. Ahora, para pinturas, estaré usando acuarelas
SchmiKahadu. Encontrarás una lista completa de
los colores de mi paleta
en la sección de recursos. A pesar de que Joseph tiene su
propio conjunto de colores característico, estaré trabajando con mi paleta de acuarela
habitual. Me encanta porque refleja mi personalidad y preferencias. En lugar de copiar
sus colores exactamente, nos centraremos en recrear
la atmósfera de su pintura mezclando
con lo que ya tenemos Y para lo demás esencial, voy a tener papel de seda, una botella de spray para
empañar el papel, lápiz y goma de borrar y
dos tazas de También encontrarás
la foto
de referencia de la pintura de José que usaremos para este
estudio maestro en la sección de recursos.
3. Qué es un estudio principal: Antes de comenzar a pintar, quiero tomarme unos
minutos para hablar sobre qué es
un estudio maestro y por qué es una manera
tan útil de
crecer como artista. Un estudio maestro es
cuando te tomas el tiempo para observar y recrear la obra de un artista más experimentado, no para copiar
por el bien de copiar, sino para entender realmente
sus decisiones, cómo usan la piedra,
cómo simplifican, dónde colocan
sus pinceladas Es una forma de
aprender mirando cerca y pintando
con intención. Uno de los artistas
que me ha
influido profundamente es
Joseph Book Big. Su obra es atmosférica, expresiva y llena de emoción, incluso cuando el tema es sencillo. Para esta clase, estaremos estudiando su paisaje de
campo de amapola, y te guiaré a través de
cómo podemos descomponerlo, estudiarlo y pintarlo juntos Hacer un estudio maestro ayuda a entrenar tus ojos para notar
esas cosas sutiles. También ayuda a generar
confianza a medida que comienzas a entender cómo y
por qué funcionan ciertas cosas. Con el tiempo, comienzas a traer esa sensibilidad
en tu propio trabajo sin siquiera darte cuenta pero también
quiero recordarte
gentilmente, no se trata de
hacer una copia perfecta. Este es un proceso de aprendizaje. Si compartes tu
pintura en línea, solo asegúrate de
mencionar que es un estudio y acredita
al artista original. Por ejemplo,
escribirás en el pie Estudio de
maestría después de
José Z para la práctica. Por último, si bien nos centramos en una de las piezas de Joseph
en esta clase, el enfoque que aprendes
aquí se puede aplicar al estudio de otros artistas
que admiras, también. Esta es solo una de las muchas formas seguir aprendiendo y creciendo. En la siguiente lección, te
mostraré cómo empezar a observar
como un artista,
desglosando la pintura de
campo de cachorros en valor, composición y estado de ánimo.
Entonces, continuemos.
4. Observar como artista: Ahora tomemos el tiempo para
observar realmente la pintura de campo
Poppy de Joseph Z, y te mostraré
cómo descomponer una pintura visualmente antes comenzar cualquier tipo
de estudio maestro Nos centraremos en las tres cosas. El número uno es el valor siguiente es
la composición y por último, el estado de ánimo. Para nuestro primer paso, que es ver valores
con una impresión en escala de grises, comenzaremos preparando una versión en escala de grises
de esta pintura para que podamos observar mejor la estructura de valores
sin distraernos por Puedes hacerlo
ajustando la configuración a escala de grises en
tu teléfono o iPad, o simplemente puedes imprimir
una copia de la referencia. Al mirar la imagen en
escala de grises, esto es lo que noté Primero, el cielo es el
valor más ligero de toda la pieza. También noté que la estructura
media y el campo de cachorros caen en
el rango de valor medio, creando los cálidos suaves
en toda la escena. Los pastos de primer plano y las áreas de árboles sombríos los lados son
los puntos más oscuros,
dando a la pintura Los contras son sutiles
pero muy efectivos. Por ejemplo, el techo ligero del edificio aún se destaca
por el muro de valor medio debajo de él y los árboles
más oscuros al lado de él. Joseph está usando el valor
cuidadosamente para sugerir luz, profundidad y estructura sin
sobrerepresentar nada. Ahora, veamos
entender la composición
con una cuadrícula árbol por árbol. Ahora coloco una cuadrícula de tres
por tres sobre la pintura para
analizar la composición. Puede dibujar manualmente la
cuadrícula en su impresión o usar una aplicación de edición
para copia digital El edificio principal se encuentra justo al
otro lado del tercio superior, creando un fuerte anclaje
horizontal. La densa
línea de amapola naranja cruza por
el tercio medio, tirando de tu ojo
a través del paisaje Los dos pintores se sientan fuera
del centro en el tercio izquierdo, lo que agrega interés humano
y equilibrio asimétrico También hay un
suave flujo en forma de Z que conduce el ojo desde el borde izquierdo de
los árboles hacia las dos figuras y
a través de los cachorros rojos. Es una composición tranquila pero
dinámica, pero aún muy intencional. Ahora veamos el
estado de ánimo y la sensación. Mirando el estado de ánimo
y cómo José creó esta sensación pacífica cálida y
nostálgica, podemos ver que el campo de foregu tiene una textura sutil
en Probablemente empañó agua sobre el papel mientras la
capa inferior aún estaba húmeda, creando una granulación suave y
una textura rellena natural También notó que las amapolas de color rojo
anaranjado cerca del horizonte probablemente se hicieron con una técnica de pincel seco La textura rota da
solo el detalle suficiente para sugerir flores sin
ser pesado. Las figuras de la
izquierda dos pintores sentados en el campo
parecen
haberse dejado sin pintar inicialmente, conservando el blanco
natural del papel Esta elección inteligente
hace que brillen suavemente y se
destaquen sin esfuerzo del fondo de valor
medio Es un hermoso ejemplo
de cómo José usa la luz, no los contornos para definir la forma. También sienten que
están bañados por luz del sol y el aire
forzado y luminoso De igual manera, el techo
del edificio tiene una
transición suave hacia el cielo. No hay línea dura. En cambio, el aire y la luz parecen envolverse
alrededor de la estructura, y utiliza cambios tonales y sombras
sutiles para sugerir la forma del techo en
lugar de confiar en un contraste duro Esa suave conexión entre
el cielo y la estructura hace que toda la pintura
respire por último, los árboles a lo largo de la
izquierda y la derecha están pintados con pinceladas audaces pero
orgánicas, confiadas, no demasiado detalladas. Estas marcas expresivas
aportan energía al marco al tiempo que mantienen la armonía
con el campo más suelto de abajo Ahora, al estudiar
una obra de maestría, aprendemos no sólo cómo pintaron algo,
sino por qué funciona. Intente comenzar con el número uno, una imagen en escala de grises para
ver los valores con claridad, superposición
acordada para desglosar la composición y
observaciones sobre el estado de ánimo, pinceladas, bordes y textura De esta manera, estás
entrenando tus ojos para ver como un artista, no solo copiando, sino
verdaderamente comprensivo. En la siguiente lección, haremos un pequeño estudio de pincel
para explorar cómo José pinta cielos,
follaje y figuras Pasemos al siguiente paso.
5. Práctica de técnica y estudio de la mezcla de colores: En esta lección, vamos a
acercar algunas partes de la pintura de Joseph Z y hacer
algunos estudios de enfoque técnico. Esta es una de mis
partes favoritas de hacer un estudio maestro, solo observar de cerca y luego experimentar
con lo que veo Estos son como ejercicios del tamaño de un bocado que nos ayudan a comprender
cómo
construye diferentes partes de la escena con
pinceladas intencionales, sincronización y uso sutil del color Empecemos con los árboles. La pincelada de Joseph
aquí es segura de orgánica. No son demasiado detallados, pero sigues sintiendo la
forma y el movimiento Los árboles no tienen contornos. Están formados por formas audaces y
expresivas. Como ejemplo personal, solía
hacer que mis árboles se vieran simétricos, iguales en ambos lados, espaciados
uniformemente. Pero observar la
pintura de José me ayudó a darme cuenta de
la belleza del contraste en
forma, tamaño y dirección. Intentemos pintar
algunas formas de árbol usando solo marcas rápidas y
decisivas. No pelusas sobre cada hoja. Enfócate en el ritmo de tu
pincel y cómo
sangran los bordes o permanecen crujientes
dependiendo del momento Ahora para agregar profundidad a
un racimo de árboles, carga tu pincel
con tonos más oscuros, pero mantén el mismo
tipo de movimiento. Piense en ello como frotar
el pincel mientras balancea su brazo para
crear un ritmo fluido Esto funciona aún mejor
si pintas de pie, por lo que todo tu brazo
se mueve más libremente. A continuación, toma un pincel de guión y pinta en las copas
de los árboles. Estos trazos más finos sugieren esas ramas superiores ligeras y aireadas También puedes intentar faltar
los árboles para crear ese suave efecto de desvanecimiento como si las formas estuvieran desapareciendo
en la atmósfera Para un ciprés, me gusta cambiarme a una brocha
ligeramente seca. Seco el exceso de agua y luego uso golpes rápidos hacia abajo. Después de algunos golpes, me lo volví a perder para
darle un acabado suave y brumoso Astly, vamos a recrear las ramitas. Usa tu pincel de escritura, sosteniéndolo casi en un ángulo de 90
grados con respecto al papel. Asegúrate de que tu pintura sea un poco más gruesa que la que
usaste para el verde, que las líneas finas
destaquen contra el follaje. Esta ramita de trazos ligeros aportan un toque final de
detalle y contraste A Ahora, estudiemos las flores de
amapola a continuación Cerca del primer plano, algunos de los cachorros aparecen
afilados y distintos, probablemente hechos con pincel seco, por lo que la pintura salta sobre Cerca del horizonte, los cachorros se sienten más descoloridos y suavizados, probablemente hechos con una técnica húmeda
o húmeda cuando el papel ya no está mojado
brillante sino húmedo. Ahora practiquemos ambos métodos. Sobre papel seco, arrastre
suavemente
un pincel rojo cargado para que la pintura cree bordes rotos
texturizados. En papel húmedo, frota el rojo
y observa cómo florece suavemente. Esto te dará un
mejor control al recrear este efecto en
tu pintura final Para el primer ejercicio, que son los cachorros de cepillo seco, cargue su pincel con pintura gruesa y
cremosa de color rojo, elimine primero
el exceso de agua. El objetivo es tener tu pincel rico en pigmento, pero no mojado. Arrastre suavemente sobre
el papel seco y vea esas hermosas texturas
rotas. Si tus marcas se ven demasiado sólidas, eso significa que tu cepillo
sigue siendo demasiado acuoso Ahora para el segundo ejercicio, que es pintar
sobre papel húmedo, quiero que mojes tu
papel ligeramente y dejes que se seque un poco hasta que
esté húmedo, no mojado brillante. Esta etapa te dará bordes
suaves pero controlados. Si pintas demasiado pronto, el color se extiende
incontrolablemente Pero en papel húmedo, tus marcas rojas se
extenderán suavemente, creando ese
efecto de enfoque suave que buscamos. Ahora, vamos a pintar
el campo de cachorros. Comience mojando el papel con un lavado verde claro para
representar el campo. Si bien aún está húmedo,
baja en más tonos verdes. Y luego empañarlo con agua
para crear texturas sutiles. Agregue pequeños puntos de
verde oscuro aquí y allá, luego vuelva a perderse para obtener profundidad adicional. Deja que el campo se seque un
poco antes de agregar
los primeros cachorros. Ahora, para pintar a los cachorros mientras la parte superior del
campo aún está húmeda. Usa el vientre de tu cepillo en el ángulo lateral para aplicar marcas rojas suaves
para cachorros distantes Con un pincel de escritura, agrega pequeños puntos rojos
para crear variedad. Para el primer plano, espere
hasta que el papel esté seco. Luego usa tu
cepillo redondo para untar en ricos y variados puntos rojos como
impresiones de cachorros Varía el tamaño y agruparlos forma natural para que no se
vean espaciados uniformemente. Usa tu pincel de escritura para
agregar más puntos rojos finos y algunos trazos verdes más oscuros para contrastar alrededor de las flores. Ahora que el campo inferior está seco, pinta los
cachorros de primer plano con bordes
duros para lograr un contraste nítido Agrega tallos con un trazo parpadeante muy
ligero, y esto puede tomar algo de práctica A veces las líneas
salen demasiado gruesas o uniformes, pero con un toque ligero
y movimientos rápidos en la muñeca, obtienes tallos de aspecto natural Ahora, para un tercer ejercicio, estaremos mirando los
edificios y ventanas. Pintemos un mini
estudio de la casa. Observe la transición
de color suave del techo al cielo. Los tonos son cercanos, pero las sombras definen el
borde, no una línea dura. Intenta mezclar un tono cálido, tal vez una burcena diluida, deja que fluya suavemente hacia el lavado del
cielo. Después, cuando esté seco, vuelve
a entrar y agrega las
sombras para separar el techo. Para las ventanas,
volveremos a usar la técnica
de mojado sobre húmedo. Vamos a pintar. Comenzaré con el cielo, una mezcla
de té ligero de azul cobalto, violeta
cobalto y
un toque de Brncena Sólo lo estoy lavando
a través del cielo, dejando el área del techo sin pintar A continuación, recogeré algo de
Brncena y pintaré el techo. Observe cómo se conecta
con el lavado del cielo, y está bien si los
colores sangran suavemente, eso lo mantiene natural Voy a seguir terminando el cielo de fondo
alrededor de la casa. Ahora, para la primera
capa de sombra, estoy mezclando un tono ligero, diluido y pintando el lado
sombreado de la casa También voy a añadir un contorno suave
en el techo con burncena. Parece un poco
borrosa, pero está bien. Secemos esta capa
con una pistola de calor, o simplemente puedes dejar
que se seque por sí sola. Una vez que esté seco, volveré a entrar y profundizar en las sombras. No necesito
hacerlos demasiado oscuros. Solo un cambio sutil es suficiente
para que la casa brille. Bueno, esta pared
todavía está un poco húmeda. Oscureceré ligeramente el techo
para definir las formas. Ahora, voy a añadir algunas
pequeñas marcas de chimenea. Estoy manteniendo el tono suave, y voy a caer un poco de
sombra por cada uno. Por último, vamos a
sugerir algunas ventanas. Estoy usando un lavado un poco
más oscuro, solo haciendo pequeñas marcas mientras
la pintura aún está húmeda. Si las marcas se sienten demasiado oscuras, ablandaré con el dedo Observe cómo se
derriten ligeramente, lo que evita que se
sientan demasiado duros. Esto le da al edificio una sensación armoniosa desgastada en lugar de una
caricaturesca La clave aquí es mantener
todo suave y sutil. No se trata de detalles nítidos,
se trata de atmósfera. Para el cuarto ejercicio, pintemos las pequeñas figuras humanas
cercanas a la casa. Lo que es hermoso aquí es
que probablemente se quedaron sin pintar al principio y solo se agregaron una vez que el
fondo estaba seco Esto dejó un papel resplandeciente con reflejos
blancos que los hacen destacar
con muy mínimo detalle. Intentaremos el mismo enfoque. Primero, pinta el lavado de
fondo, pero deja un pequeño hueco
donde estará la figura. Una vez que esté seco,
podemos regresar y sugerir una figura con
solo unos pocos trazos rápidos. Para que destaque
pintaré alrededor de la figura con un tono más oscuro que es pintura
negativa. Ten cuidado de no perder
la forma a medida que avanzas. Ahora, agreguemos solo un toque de sombra en el
sombrero y la camisa. Estoy dejando una pequeña
parte sin pintar, así que parece que la luz
está golpeando la camisa, y ese pequeño resaltado
hace que la figura cobre vida. Recuerda, menos es más aquí. No trabajes demasiado los detalles. La impresión es suficiente. Por último, practiquemos mezclando colores
apagados
como lo hace Joseph Rara vez usa usos brillantes y
saturados. Su paleta es suave y tonal. Por ejemplo, mezclar verde oliva y un toque de rojo o gris
para silenciarlo para los árboles. Intenta agregar también ocre amarillo para
lograr un tono más claro
de este verde apagado. También trato de agregar
verde oliva a colores cálidos como la henna quemada para
reducir su intensidad Para sombras o verdes oscuros, tomo verde oliva, índigo, y quemo chenna y
dejo que tus sombras sean frescas y tus reflejos se
mantengan cálidos y suaves Para los cielos atmosféricos de color
azul gris, intenta mezclar azul cobalto, violeta
cobalto y
quemar henna para silenciarla Esto te da un
azul
malhumorado, desaturado con Evito el ultramarino porque es demasiado brillante y granulante Para el gris cálido para las sombras del
edificio, prueba los mismos colores
que usamos para el cielo, pero agregaré más Bncena y azul
cobalto o a veces violeta
cobalto Estas combinaciones
producen ricos grises cálidos que se envían
dependiendo de su proporción, perfectos para
formas de construcción suaves o sombras de árboles Para lavanda apagada
para detalles lejanos, trato de mezclar
azul cobalto y azul hielo Una alternativa que puedes usar para el azul
hielo es el
azul real o la lavanda. Esto crea un tono distante
suave, genial para las figuras humanas. Recuerda, la atmósfera
no se trata solo de tonalidad. También se trata de
saturar los colores fuertes con su complemento,
controlar el tiempo, dejar que su papel esté ligeramente húmedo antes de dejar caer
los detalles para obtener bordes
suaves y
usar más agua para crear transparencia
y ligereza No es necesario que consigas una coincidencia
exacta para cada color. Lo que buscamos es la sensación, la suavidad, la
armonía y el brillo. Tómese su tiempo,
disfrute del proceso y recuerde que hasta
los estudios más pequeños ayudan a sentar las bases
para la pintura final.
6. Boceto a lápiz: Hagamos el boceto a lápiz. Lo primero que
me gusta hacer a la hora dibujar es ubicar la línea
del horizonte Para esta pieza, la estoy colocando
justo por encima de la línea media, casi un tercio del
camino hasta la hoja Esto establece instantáneamente
la perspectiva y me da una sensación de
espacio para el paisaje. A continuación, paso a la gran
forma del edificio. En esta etapa, mantengo las
líneas simples y directas. Aún no hace falta detalles, solo la silueta principal. También sugiero los techos del
lado derecho. No te preocupes por
hacerlos demasiado precisos. Recuerda, esta es
solo nuestra guía, y Acuarela hará
gran parte del trabajo más adelante. Una vez que he
trazado esas formas, empiezo a agregar el
techo principal y las chimeneas Un pequeño consejo que uso
aquí es que comparo los espacios negativos en mi
boceto con la pintura de José. Mirar las formas alrededor de
los objetos me ayuda a verificar si las proporciones
se sienten bien sin atascarme en las medidas
exactas. Ahora, agreguemos los árboles. Mantuvo estas marcas
ligeras y sueltas casi como si estuviera dibujando
el aire a su alrededor. Sin texturas aún lo
guardaremos para la etapa de pintura. Ahora mismo,
solo son formas suaves para recordarnos dónde se sentará el
follaje. En el lado izquierdo
de la pintura, tenemos las figuras humanas. Estos son muy importantes para
obtener en proporción porque incluso una ligera diferencia en escala puede hacerlos
sentir fuera de lugar. Siempre empiezo observando
la forma general, la inclinación del cuerpo, el ángulo de los brazos y la forma del sombrero. Sigo recordándome a mí mismo
que menos es más, solo información suficiente para
que cuando los pintemos después, se vean naturales
y creíbles Ahora, agreguemos algunas flores en primer plano
y término medio Nuevamente, no estoy dibujando cada amapola que
vemos en la pintura En cambio, entrecerré los ojos ante la imagen y escojo
solo las flores que son más visibles o que
realmente ayudan a describir la sensación Esto mantiene el dibujo limpio
pero aún lleno de vida. Por último, vuelvo y
afino el boceto con solo
algunos detalles más. Nada demasiado pesado, se necesitaban
líneas clarificantes, así que tengo una guía clara
cuando empezamos a pintar Y eso es todo. Nuestro
boceto está listo. Está suelto, es simple y deja mucho espacio para que brille
la frescura de la
acuarela.
7. Proceso de pintado. Parte 1: Empecemos a pintar.
Primero, preparo mi bloque de acuarela
borrando suavemente algunas de las líneas de lápiz
fuertes No quiero que más adelante dominen
la pintura. Después inclino mi papel
apenas un poco. Este pequeño ángulo realmente ayuda a que la acuarela fluya
hacia abajo de forma natural, creando esas hermosas transiciones
suaves que amamos. Antes de comenzar,
echo de menos un poco de agua, cruzo la lámina para mantener la superficie fresca y lista
para recibir la pintura. Ahora mezclemos el cielo. Noto que la pintura de Joseph
tiene este precioso ky grisáceo, no demasiado azul, no demasiado
aburrido, solo atmosférico Para imitar eso,
mezclo azul cobalto, violeta
cobot, y un
toque de cena quemada Después lo diluyo
con abundante agua hasta conseguir este tono azul gris
transparente. Mientras pinto, dejo que la
cuenta de color ligeramente en el borde. Entonces cuando conecte el siguiente lavado, no
dejaré líneas duras. Hacia la mitad del cielo, agrego un toque de más azul
cobalto para la variación A continuación, me muevo a
las áreas del techo. Estoy usando Bncena
un poco más oscuro que el cielo y prestando atención a la suave
transición entre los dos Este paso se trata de
mantenerlo suave y natural. Sin contornos duros solo
tono contra tono. Observe cómo la calidez
del techo ya crea un suave contraste
contra el cielo más fresco. Ahora, vamos a pintar el
lado sombreado del edificio. Estoy usando la misma mezcla de grises, azul
cobalto,
violeta cobalto y Brncenna Dejé que el burncena
se mezclara con el gris, permitiendo que los colores
jueguen en el papel en lugar de mezclarlos
demasiado en la paleta De esta manera, la pared se siente
viva y no plana. Tiempo para el campo. Empiezo con Perlin
rojo y verde oliva para este lavado base Saltando las
figuras humanas y algunas manchas florales. Comienzo con un lavado
ligero y luego paso
gradualmente
a un tono
más rico y oscuro a medida que llego al
medio y primer plano Aquí es importante mantener
la mezcla cremosa, no acuosa. Entonces, incluso cuando echo de menos
agua sobre la pintura, no solo se lava. Y con la base hacia abajo, tomo mi pulverizador y extraño
ligeramente la superficie, inclinando el tablero así que la gravedad
tira los colores hacia abajo Verás hermosos efectos de
flujo sucediendo casi como
la naturaleza pintando en sí misma. No te apresures esto, mira
el movimiento de la acuarela. Aquí es donde la pintura
se vuelve meditativa. Ahora profundizo el campo
con verdes más oscuros, estratificando en mezclas cremosas de ticker Te recomiendo que me
veas pintar a través esta parte primero antes de
probarla tú mismo. Te ayudará a entender cómo conectan
las arandelas
y dónde hacer una pausa. La acuarela
premia a los pacientes, tómate tu tiempo. No se trata de apresurarse sino de dejar que el
medio te guíe Para sugerir la textura de la hierba, utilizo trazos arriba y abajo
con una pintura verde cremosa. También caigo en toques
de ocre amarillo, lo que resalta
pequeños estallidos de luz Entonces vuelvo a extrañar, así que las flores y las
texturas suaves se forman de forma natural A medida que drena, el campo se
llena de profundidad y luz. Ahora, por contraste,
agrego manchas más oscuras de verde donde
luego colocaré las flores. Esto les ayuda a destacar más. Con mi pincel delineador, húmedo, pero sin pintura,
levanto suavemente algo de color, dejando un tallo delgado como marcas. Es un truco sutil pero
agrega hermosos detalles. Y luego con el mismo
pincel cargado de pintura, agrego trazos finos
de tallos de flores. Y si el cepillo se siente demasiado húmedo, lo coloco sobre el pañuelo para mantener la marca afilada
y controlada Me perdí el campo una vez
más para crear pequeñas flores. Dejemos esto a un lado para que
se seque antes de seguir adelante. Ahora, de vuelta al edificio. Ya que el lavado es seco, preparo una mezcla de sombras más profunda, azul
cobalto, violeta cobalto y erchena con menos
agua para Pinto cuidadosamente
la pared sombreada delineando el borde del techo Consciente de pintar
alrededor de las figuras, manteniendo esos
reflejos blancos de papel reservados En la parte inferior de la pared, empujo el valor más oscuro
agregando un poco
de la mezcla verde. Esta profundidad extra hará que las figuras humanas brillen
contra el fondo. En el techo, utilizo la misma
mezcla para profundizar las áreas sombreadas. Después me cambio a mi pincel sintético redondo
para pintar las ventanas. Debido a que mi mezcla es gruesa, deja marcas crujientes incluso en papel
ligeramente húmedo,
agregando una definición sutil. Noto que el techo se siente
demasiado ligero contra el cielo, así que glaseo sobre él con
un delgado lavado de porcelana quemada, suavizando el borde
del contorno También pinto las formas de
techo más pequeñas a la derecha. U Ahora, el edificio empieza a
sentirse vivo y dimensional. Ten en cuenta que no tienes que
hacer este paso por si acaso el techo no se vea demasiado
pálido en tu propia pintura. Ahora preparo una mezcla marrón
más oscura,
nuevamente, con
cena quemada, azul cobot, y violeta cobot para
fortalecer los
contornos del techo e insinuar los detalles de
las ventanas Sólo unas pequeñas
marcas son suficientes. No necesitamos exagerar. Oh Pasando a los árboles, mezclo verde oliva con un poco
de ocre rojo y amarillo Con un pincel completamente cargado, coloco trazos orgánicos amplios. Luego con mi pincel delineador,
coloco trazos únicos para obtener textura. Para crear profundidad, oscurezco
partes de la mezcla con índigo, dando variedad a los verdes El truco es acodar luz y oscuridad para que los árboles
no se vean planos A medida que agrego más trazos de árbol, dejo que mi pincel se vaya
un poco más seco. Esto crea ese defecto de
textura rugosa que se siente natural. Para el ciprés, utilizo algunos trazos verticales
manteniendo la forma distinta En el lado derecho,
ajusto
ligeramente el tono verde y pinto
trazos más amplios para mayor variedad. Entonces acopio en tonos
más oscuros y agrego otro ciprés más corto esta vez para equilibrar
la posición de joroba Por último, oscurecí parte de
la pared del edificio debajo los árboles para
empujarla de
nuevo a la sombra,
haciendo que el techo pareciera más brillante por contraste Con eso hecho, preparo una viva mezcla de naranja roja para comenzar a pintar
el campo de cachorros. Este estallido de color unirá toda
la escena.
8. Proceso de pintado Parte 2: Ahora estoy listo para
darle vida
a este cuadro con un campo de cachorros. Comienzo con un trazo de pincel seco, sosteniendo mi pincel en
un ángulo lateral para que el vientre de la brocha haga
contacto con el papel. He cargado una mezcla espesa
y concentrada de pintura roja. Esto me da esa hermosa textura de pincel seco
roto que inmediatamente sugiere
racimos de flores. Al deslizar el pincel
por el papel, evito cubrirlo todo. Quiero conservar esas
gorritas blancas. Se convierten en reflejos que
brillan a través del color. Tenga especial cuidado al pintar alrededor de
las figuras humanas de la izquierda. Necesitaremos ese
espacio limpio más adelante. Sigo frotando
el pincel suavemente, manteniendo las marcas
texturizadas y frescas, por lo que la ilusión de
las flores empieza a aparecer sin que yo
pinte cada pétalo. Recuerda, menos es más aquí. A continuación, preparo una mezcla
verde intenso de índigo, rojo y verde oliva. Con este color más oscuro, agrego puntos y parches dispersos
entre los trazos rojos. Esto da la impresión de hojas y sombras en el campo y ayuda a romper el rojo para que no se vea demasiado uniforme. Entonces caigo
algunos puntos rojos más, sobre todo en la
porción media del campo. En esta etapa, echo de menos el
campo ligeramente con agua, y esto suaviza algunas de las marcas rojas haciendo que
florezcan en formas suaves El resultado es un bonito
contraste entre las flores
nítidas de bordes duros y
las suaves borrosas más atrás. A pesar de que el papel todavía
está húmedo, la pintura permanece controlada porque mi mezcla es
gruesa y fuerte. Para crear variedad, también
salpicé algo de pintura roja
por todo el campo Estos diminutos puntos dan
la impresión de flores
distantes y agregan
energía a la escena. paso atrás ocasionalmente
y mira tu trabajo un paso atrás ocasionalmente
y mira tu trabajo
desde la distancia
porque te ayuda a ver el panorama más amplio y
decidir dónde
se necesita más color sin
hacinamiento en una zona H. Vuelvo a perder el papel y continúo salpicando, luego agrego
puntos ligeramente más grandes de color rojo en primer plano Estos trazos
más grandes y audaces acercan las flores
al espectador y hacen que el campo
se sienta lleno y abundante Alrededor de las flores más grandes, agrego algunos puntos diminutos, teniendo en cuenta que no
necesitamos
copiar exactamente la
pintura de referencia. Recuerda, el corazón de un estudio maestro
no es replicar la
pintura a la perfección, sino estudiar el proceso de
pensamiento del artista, la forma en que manejan la composición, el equilibrio de bordes duros
y suaves, las técnicas de pincel que crean una impresión
más que el detalle Nuestro trabajo naturalmente se
verá diferente, y esa es la belleza de la misma. Ahora es el momento de
sugerir los tallos. Me cambio a mi pincel 88 de
seda plateada, lo que me permite hacer líneas finas
muy finas. Con presión controlada, dibujo trazos delgados para los tallos, luego algunos ligeramente
más gruesos para las hojas. Es un trabajo delicado, pero
es un trabajo delicado, pero ata las flores de
nuevo al campo. Para una textura extra
en primer plano, cambio a mi pincel liner Es punta fina, hace expresivas trazos herbácea que dan vida a esta zona más baja Agrego algunos toques amarillos a sutiles notas de luz que
brillan en primer plano Aquí, froto mi pincel alrededor para sugerir hojas
y pequeños detalles En este punto, me relajo y dejo que mis trazos se sientan
más espontáneos. Esta etapa trata sobre
flojedad y libertad, y notarás que cuanto más
relajada se vuelve tu mano, más natural se siente
tu pintura Para que destaquen las
amapolas rojas, fortalezco algunas de las flores focales con marcas rojas
más ricas Observe que no
pinto cada pétalo. En cambio, pienso en
la forma general y
uso una presión variada en mi pincel para que los trazos se sientan sueltos, naturales
y expresivos. Ahora para el detalle final, los centros oscuros de las amapolas,
mezclo un cremoso, mezclo un cremoso, casi entintado oscuro lo suficientemente
grueso como para que
no se desangrara en el rojo
y cuidadosamente punteado en Instantáneamente, las
flores cobran vida. Volvamos al
edificio por un momento. Añado unas
líneas extra y toques de sombra en el techo para definir más claramente
su forma. Pequeños ajustes como este le dan estructura y equilibrio a toda
la composición. A continuación, mezclo un
verde muy oscuro y empiezo a
pintar negativo alrededor de las figuras. Esto significa que pinto cuidadosamente el fondo más oscuro para que las figuras
destaquen más claramente. Con solo unos pocos trazos cuidadosos, sus siluetas se
agudizan y se vuelven
más definidas . Tómate
tu tiempo aquí. Cualquier marca que se desvíe demasiado puede cambiar fácilmente la
forma de la figura La clave es una
pincelada lenta y constante. Con pinturas grises, pinto
los pantalones de la figura. Para la camisa, creo una mezcla de
lavanda a partir de azul cobalto, blanco, y un toque de violeta. Esto me da una
sombra sutil para la tela blanca. Tengo cuidado de dejar un pequeño resalte
sin pintar
en la camisa, así que brilla como si la luz
cayera directamente sobre En el sombrero, agrego
solo un toque de color, una vez más, preservando las áreas
blancas donde golpea la luz. Para la segunda figura,
empiezo con un sombrero, luego pinto las sombras de la camisa
con la misma mezcla de lavanda. A medida que ajusto los
espacios negativos a su alrededor, su forma se vuelve más clara
y más real Por último, pinto cuidadosamente
alrededor del lienzo que sostiene, dejando que las flores detrás de
él brillen con contraste. En esta etapa, doy un paso atrás y
agrego algunos toques finales
al campo de cachorros
oscurezco áreas seleccionadas
lo suficiente para aumentar
los contras donde sea necesario, pero me recuerdo a mí mismo
no sobretrabajarlo Para juntar el cuadro, volví a la
azotea por última vez. Profundizo ciertas sombras, asegurándome de que la dirección
y el tono de la sombra mantengan consistentes con la luz
en el resto de la escena Y como broche final, pinto unos pajaritos en
el cielo con mi pincel delineador, los
mantengo pequeños y
sutiles, no demasiado oscuros, no demasiado grandes, lo suficiente como para
agregar vida al espacio abierto Ahora tenemos nuestro
acabado pintando un vibrante campo de
cachorros atmosférico inspirado en Joseph
Brukwk lleno de movimiento, luz y H
9. Reflexiones finales: Gracias por acompañarme hoy
para esta clase de acuarela. Espero que esta sesión
te haya ayudado a reconectarte con
tu creatividad y te haya recordado
que pintar puede ser simple, liberadora y divertida Me encantaría ver tus creaciones y escuchar tu experiencia. Comparte tus páginas de cuaderno de bocetos
conmigo en Instagram o
en la
sección de proyectos de clase aquí en Déjame saber qué tema
disfrutas más o cómo esta práctica te ayuda a
estacionar tu flujo creativo. Si disfrutas de la clase, por favor considera
dejar una reseña. Tus comentarios significan mucho para mí. Me ayuda a mejorar
mis clases futuras y realmente me anima a seguir
haciendo más contenido para ti. Si quieres seguir
adelante con tu viaje, te
invito a que revises mis otras clases de
cuaderno de bocetos de acuarela o pruebes mi clase de
viaje de acuarela, donde pintamos escenas
inspiradas en lugares y recuerdos reales Son una excelente manera de mantenerse inspirados y mantener ese impulso
creativo. Hasta entonces, sigue
pintando con libertad, sigue tu curiosidad, y te
veré en la siguiente clase.
Bianca Rayala, Top Teacher | Watercolor Artist
