Escribe tu guion: prepara la historia, la estructura y el texto

1. Introducción: Soy Joshua Dickinson y soy guionista. Empecé como actor y ahora también escribo y dirijo. Llevo cinco años enseñando cine y consultando sobre los guiones. Realmente me he dado cuenta de cómo descomponer el proceso en pasos realmente simples ayuda a la gente a aclarar sus ideas y pasar de, tuve esta idea y estoy pensando quizá en escribir también. Aquí vamos, tengo un guión terminado no tripulado. He escrito esta clase como guía de ese proceso. Volvemos atrás y miramos el diseño del guión, pero como que vamos más atrás y pensamos en las historias y lo que son, cómo funcionan, cómo tomas una idea y la conviertes en una historia realmente efectiva. Cómo proporcionas una línea de registro realmente buena para esa historia para que puedas lanzarla de una manera muy corta y sucinta, luego rompiendo esa historia en estructura. Se puede obtener estructura de tres actos y estructura de cinco actos. Cómo te llevas todas esas ideas y haces un beat board fuera de ella. Estás anotando todos los eventos de tu historia. Después descomponiendo eso en escenas. Pensando en cómo estructuramos una escena realmente buena, cómo escribimos acción y diálogo efectivos, y luego consejos sobre cómo conseguir que tu primer borrador escriba antes de mirar reescribir segundos borradores, terceros borradores y obteniendo retroalimentación. Cuando estoy aprendiendo, me gustaría que las cosas fueran realmente claras. He hecho todo lo posible para asegurarme de que cada clase sea el siguiente paso en el proceso. Si tienes un guión que te gustaría escribir, puedes seguir las clases a lo largo, y ojalá al final, tendrás tu guión terminado. Puedo ser igual de malo como cualquier otro hablando de escribir y de hecho hacerlo. Mi esperanza es que alguien vea esta clase y en lugar de pensar, oh sí, como que me mudo a escribir eso algún día. Simplemente se pone el café, se pone un bolígrafo y papel y empieza a escribir. 2. Guiones: Después de semanas de esclavizarse en un teclado, es increíblemente emocionante tener en la mano tu guión terminado. Después de todo, esto es lo que estás tratando de hacer. Este es el producto final. Poder abrirla y ver todas las escenas y los personajes, la acción, y el diálogo y saber que tu historia está aquí dentro es un momento increíblemente satisfactorio. Por supuesto, se necesita mucho trabajo para llegar aquí, y estamos saltando un poco por delante de nosotros mismos, pero creo que es útil en esta etapa echar un vistazo dentro de un guión. Los guiones tienen un formato realmente particular, y cualquier escritor, director o productor experimentado podrá decir si el escritor sabe lo que está haciendo con sólo mirarlo. Para desmitificar este misterioso proceso, voy a batir estas seis reglas para formatear guiones, lo primero que hay que salir del camino, las fuentes. Todo el mundo usa Courier. Quizás eso se debe a que en el día, cada guión estaba escrito en una máquina de escribir, y desde entonces, gente realmente no quiere ver esa mirada de un guión cambiar. No intentes soplar la mente de la gente usando Arial o Comic Sans. Apegarse a Mensajero y lucir más profesional. Regla número dos, encabezamientos de escena. Estos siempre están en mayúsculas y alineados a la izquierda. Vienen en tres partes. En primer lugar, escribirás ya sea INT o EXT. Ahí se destaca por interior o exterior y nos dice si la escena está dentro o fuera. Esto es realmente útil para la tripulación que tiene que armar un horario y llevar diferentes tipos de equipos a diferentes ubicaciones. La segunda parte del encabezado de tu escena es la ubicación, y esto nos dice dónde está ocurriendo la escena. Podría ser un auto o un camping o castillo o mina canaria o algo así. La tercera parte del encabezado de tu escena es si es de día o de noche. Simplemente deja un guión y escribe de día o de noche, dependiendo de si es de día o de noche. Regla número tres, acción, que está alineada a la izquierda, y aquí encontramos una descripción de todo lo que vamos a ver en pantalla. Cómo se ven los personajes. Cómo se ve la ubicación. Cualquier movimiento en la escena. El utilería, el maquillaje, y todo lo demás. Todo se encuentra en la acción. Escribir acción es una habilidad realmente particular, y vamos a estar viendo eso más adelante. Regla número cuatro, carácter. Alineado al centro y en gorras, esto nos dice quién está hablando. La regla número cinco, diálogo, está en una columna central debajo del personaje. Esto nos dice lo que dice el personaje. Regla número seis, paréntesis. Aquí es donde puedes poner entre paréntesis cómo un personaje está diciendo algo si no crees que sea realmente claro en el diálogo. Puedes ponerlo justo debajo del personaje o en medio de un monólogo. Regla número siete, transiciones. Esto está alineado a la derecha y en mayúsculas, y te dirá cómo pasas de una escena a otra. Este es tu desvanecimiento o tu corte a. lo personal, utilizaría estos con bastante moderación. transiciones son más que ver con la edición, así que solo las añadiría si crees que es fundamental para cómo experimentamos la historia en la página. Hay un montón de sitios web gratuitos que formatearán tu guión para ti, lo que te ahorra mucho tiempo y te permite enfocarte en la creatividad. Hay, por supuesto, aplicaciones profesionales de escritura de guiones, pero pueden ser bastante costosas, y recuerda, es el contenido lo que es importante, no el programa en el que lo escribiste. Eso es formato de guion. Ya sabes cómo debe verse tu guión cuando esté terminado. Pero como dije, estamos un poco saltando por delante de nosotros mismos porque hay mucho trabajo por hacer antes de que lleguemos a ese producto terminado. Vamos a saltar un poco atrás, y vamos a pensar en la historia. Porque tu historia y tu guión no son lo mismo. Nos vemos en la siguiente clase. 3. Historias: El cine es un medio visual para contar historias y los humanos aman historias, ya sea que estemos viendo cine y televisión, leyendo un libro, escuchando un podcast. Veré a tus amigos lo que hicieron el fin de semana, averiguando por un par de cómo se comprometieron o preguntando a alguien que se fue de viaje, si eventualmente se encontraron. Nos encanta que nos cuenten una historia. Queremos saber qué pasó, cómo sucedió, y lo más importante, ¿qué pasó después? Historias, cómo un increíble efecto casi hipnótico sobre nosotros. Vale la pena hacer una pausa para reflexionar sobre ellos. La historia está en nuestro ADN, es algo que hacemos que ningún otro animal hace. Las abejas hacen colmenas, los castores construyen presas, los humanos cuentan historias. Desde los primeros días del primitivo Homo Sapiens, las historias nos han permitido colaborar, compartir nuestras ideas y sobrevivir, ya sea historias sobre la caza o defendiendo a nuestras familias, o cruzar paisajes épicos en busca de comida y cobijo. Las historias eran una forma de comunicar ideas para ayudarnos a navegar por el mundo exterior. Pero los humanos también tienen un mundo interior complejo. Cómo pensamos y sentimos acerca de nuestras vidas, juega un papel enorme en las decisiones que tomamos y en la forma en que nos comportamos. Si te cuento una historia sobre algo que pasó conmigo y cómo estaba pensando y sintiendo en su momento. Vas a tener una mayor visión de las razones por las que tomé las decisiones que tomé y cómo me sentí al respecto después. A lo mejor esas son cosas que te pueden ayudar, cosas en las que puedes reflexionar en el futuro. O tal vez acabas de tener ese sentimiento tú mismo. Compartir esa idea es una forma de construir empatía. Es una forma de entenderse unos a otros. Nos ayuda a pensar amablemente en nosotros mismos así como en todos los demás. Las buenas historias aumentan la empatía. Las historias realmente hacen del mundo un lugar mejor. Como medio de narración de cuentos. El cine tiene muchas herramientas a su disposición. Los primeros narradores tuvieron que hablar sus historias alrededor de un incendio de campamento. Pero con la tecnología moderna, somos capaces de tomar una historia y hacerla jugar frente al público como si en el tiempo presente. Esto significa que el público es capaz de presenciar la acción en lugar de que se le diga de segunda mano. Somos mucho más capaces de suspender nuestra incredulidad y de involucrarnos completamente en lo que está sucediendo en la pantalla. Con el uso de la tecnología moderna, somos capaces de editar, agregar efectos de sonido, música y efectos especiales cada vez más alucinantes. Esto significa que somos capaces de pasar por alto el cerebro izquierdo lógico y atacar al cerebro emocional derecho. cine realmente es el medio de narración más poderoso. ¿ Qué es exactamente una historia? ¿ Cómo lo definimos? ¿De qué está hecho? ¿ Por qué es una buena historia que vale la pena contar y no sólo algo que pasó? Echaremos un vistazo a esto en la siguiente clase. 4. Protagonista, objetivo y obstáculo: ¿ Qué hace una historia? Cuando pregunto esto en mis clases, por lo general la gente dice un principio, un medio, y un final, o un antagonista, o un giro sorprendente. Esas son respuestas realmente buenas, cosas que definitivamente puedes incluir. Pero cuando lo despojamos de vuelta, hay tres cosas que fundamentalmente necesitamos para hacer una historia, una protagonista, una meta, y un obstáculo [RUIDO]. El primero que necesitamos para que una historia sea historia es un protagonista. Este es tu personaje principal, tu personaje central. Tienen una cosa muy importante que deben hacer y es cambiar [RUIDO]. Esto es lo que llamamos el arco del personaje o el desarrollo del personaje. Esto no es sólo un cambio superficial como hacerse un corte de pelo. Esto significa que tienen que cambiar por dentro. Tienen que cambiar su comportamiento, tienen que cambiar sus creencias sobre el mundo. El protagonista inicia la historia con un defecto, una creencia sobre el mundo que los hace comportarse de cierta manera. A medida que se despliega la historia, su comprensión sobre el mundo cambia y este cambio es quiénes son por dentro, afectando las decisiones que toman y la forma en que se comportan. Esencialmente al final, han superado su defecto. Por ejemplo, digamos que tenemos un personaje cuyo defecto es que son increíblemente egocéntricos. A lo mejor eso se debe a que su creencia sobre el mundo es que cada uno solo está fuera por sí mismos. Entonces, ¿por qué deberían actuar de manera diferente? Durante el transcurso de la historia, podríamos verlos conocer a algunas personas más generosas, en cuyo caso ven la alegría que traen y deciden cambiar de manera. Han llegado a un nuevo entendimiento sobre el mundo y así han cambiado su comportamiento. Por otro lado, podrían conocer personas que son aún más egoístas de lo que son. Ellos son testigos del dolor que eso puede causar, por lo tanto decidieron convertirse en una mejor persona porque han llegado a otro entendimiento del mundo y por lo tanto cambiar su comportamiento de manera similar. De cualquier manera, hemos visto que el protagonista tiene esa creencia probada, cambiada, y como resultado, han cambiado su comportamiento. También hay historias en las que los protagonistas no cambian. Se les llama tragedias y los personajes suelen terminar muertos. Estas historias son recordatorios de que nuestra capacidad de cambiar es lo que nos mantiene vivos. Apegarse a creencias que sabes que son falsas puede ser peligroso. Ningún cambio equivale a la muerte. Recuerda eso. Es importante que los protagonistas no cambien con demasiada facilidad. En la vida real, no cambiamos nuestras creencias a la gota de un sombrero. En realidad es increíblemente difícil conseguir que alguien cambie sus creencias. Significa admitir que estás equivocado, lo cual es psicológicamente muy doloroso. Para que nuestras historias sean creíbles, tenemos que forzar a nuestros personajes a cambiar. Hacemos eso usando los otros dos elementos esenciales de historia, meta y obstáculo. El objetivo es lo que intenta lograr el protagonista. función es impulsar al protagonista y el poder de la historia. El público quiere saber si vamos a lograr o no el objetivo y así seguirá viendo hasta el final para ver si termina en éxito o fracaso. Por lo que Frodo tiene que destruir el anillo. Katniss debe derribar a la Capital y Marlin debe encontrar a Nemo. El objetivo tiene un poderoso efecto sobre nosotros. Cuántas veces has seguido viendo una película sólo para enterarte de lo que pasó al final. Podemos ver el efecto de tener un gol. Si ves videos musicales, los que siempre son realmente efectivos son los que tienen una poderosa historia y narrativa que lo impulsan. Pero quítate un gol, ¿ y con qué te queda? Un montaje de una estrella pop luciendo triste en cámara lenta. Estos videos musicales no logran mantener nuestra atención. Pero los que tienen historia, esos son los que seguimos observando hasta el final. Pero si un objetivo es demasiado fácil de lograr, se vuelve bastante aburrido. Por ejemplo, hoy necesitaba leche, así que fui a la tienda, pude encontrarla en el pasillo. Pude pagarlo y luego me fui a casa. Esa no fue una historia que valga la pena contar. Le faltan las partes emocionantes de la historia, que son los obstáculos. Los obstáculos son todo lo que se interpone en el camino de que el protagonista logre su objetivo y su función en la historia es crear conflicto. El conflicto es lo que potencia el drama. Si alguna vez estás luchando con una escena, entonces es probable que no haya suficiente conflicto en ella. En cuanto introduzcas conflicto donde alguien quiere algo y algo los está deteniendo, tienes una escena mucho más interesante. Los obstáculos aparecen en tres formas. El mundo físico de la historia, los personajes de apoyo, y los protagonistas fallan. El mundo físico de la historia contiene todos los obstáculos que se interpondrán en el camino de que el protagonista logre ese objetivo, por lo que en una película de terror, podría ser una casa embrujada que contenga todas las trampas colocadas por un loco. En una película de ciencia ficción, podría ser la atmósfera venenosa y los planes alienígenas de un nuevo planeta. En una película de fantasía, podrían ser los objetos mágicos y extraño castillo el protagonista está explorando. En un Rom-com, podría ser un pozo que está lleno de café solo esperando que te derramen antes de entrar a la siguiente reunión o un taxi te está bloqueando llegar al aeropuerto. En una película de atraco, esas películas se basan literalmente en un conjunto cada vez más difícil de obstáculos en los que necesitas desbloquear o saltar o irrumpir. Ni siquiera llegamos a la cuarta dimensión todavía, el tiempo. Si alguna vez estás luchando para que el conflicto entre en una escena, ponle un límite de tiempo. ¡ Hurra! Los personajes de apoyo también son obstáculos para que el protagonista supere. Este podría ser el antagonista que suele ser el villano principal o el principal oponente del protagonista. En una película de superhéroes o una película de espías, suele ser fácil averiguar quién es el villano, y por lo tanto serán los antagonista. En un Rom-com o una comedia de amigos, en realidad suele ser el interés romántico o el amigo del protagonista que es el principal oponente, obligándolos a cambiar su comportamiento al ser una persona difícil de estar cerca. Los personajes de apoyo también vienen en forma de aliados y enemigos. Enemigos están tratando de impedir que el protagonista logre su objetivo mientras que los aliados podrían estar alentando a sus protagonistas a hacer cosas que no harían dentro de su zona de confort habitual. El importante a recordar, es si son enemigos o aliados, los otros personajes de apoyo están ahí como obstáculos para presionar al protagonista para que cambie. El cambio del protagonista debe ser lo más importante para ti como escritor porque escondido dentro de ese cambio es lo que estás diciendo al mundo. Es el argumento que estás haciendo, la idea que estás tratando de comunicar. El cambio del protagonista es el tema de tu historia, por lo que el tema es lo que necesitamos mirara mirar continuación [MÚSICA]. 5. Tema: cambio de tu protagonista es el tema de tu historia y todo en tu historia debe estar basado en ese tema. Las ubicaciones, los personajes, los objetos, todos deben tener una relación con ese tema. ¿Qué es? El tema es la moral de la historia. Es un juicio sobre cómo debemos vivir nuestras vidas. Las películas tratan temas con los que se relacionará su público objetivo; familia, hogar, amigos, llegada de la mayoría de edad, duelo, cosas que tenemos todo, o todos experimentaremos. El tema es lo que el escritor quiere decir sobre ese tema. Es la opinión del escritor y está plasmada en el desarrollo del protagonista, en su arco de carácter a medida que cambian de la visión opuesta a la visión del escritor sobre el tema. Tomemos como ejemplo El Rey León. El tema en El Rey León es que nuestras responsabilidades son más importantes que nuestros deseos individuales. Al inicio de la película, Simba desea ir al cementerio de elefantes, pesar de que se le dijo que no lo hiciera. Esto lleva a una serie de eventos donde Mufasa tiene que salvarlo de las hienas. Las hienas se unen con Scar para matar a Mufasa en una estampida. Simba cree que esto es su culpa por Scar y se escapa. Se reúne con Timón y Pumbaa quienes le enseñan que en la vida, no debes asumir ninguna responsabilidad. Caminan por un tronco cantando “hakuna matata”. Significa que no se preocupe por el resto de tus días. Simba está bastante feliz de vivir así hasta que Nala aparezca. Ella le dice que el orgullo se va a morir de hambre si no regresa y desafía a Scar y salva a su familia y al orgullo y al círculo de la vida de una muerte segura. Otra vez es la muerte. Siempre es muerte. No es raro que el tema sea declarado temprano por un arquetipo o guía que está ahí para cuidar al protagonista. Toma un punto si reconoces estas citas que nos dicen exactamente cuál es el tema de la película. Con gran poder viene una gran responsabilidad. ¿Por qué caemos? Para que podamos aprender a recogernos. Usa la fuerza Luke. Ese último quizá un poco críptico, pero sí funciona. entrenamiento Jedi de Luke se trata de dejar ir y confiar en sus instintos. Pasando adelante. Es realmente importante conocer tu tema porque te ayuda a desarrollar un conflicto en tu guión. Si tu tema es sobre responsabilidad, no tiene sentido tener obstáculos que no se relacionen con ese tema. Digamos que tienes un tema, fama no te trae felicidad. ¿ Qué tipo de obstáculos van a ser útiles? Lugares como estudios de televisión, escenarios con público, vestidores, restaurantes de lujo, personajes de apoyo como agentes, fans, otras celebridades y tienen lo contrario. Si tu personaje busca fama, ¿cómo reaccionarían en un lugar aislado sin recepción donde nadie los reconoce? viaje de tu personaje encarna el tema por lo que tienes que asegurarte de que los obstáculos con los que entran en contacto los están obligando a tener diferentes puntos de vista sobre ese tema. Los escritores también usaron el simbolismo para comprometerse con el tema. Un símbolo es una metáfora que expresa algo sobre el tema. En Titanic, la joya que se da Rose se llama el corazón del océano. Se quedó en el barco cuando se hundió y su verdadero amor, Jack, se ahoga. Años después cuando es anciana, es recuperada por buzos, pero ella lo toma y lo lanza de nuevo al océano. Su corazón sigue con Jack. No es muy sutil, pero es muy efectivo y lloré. El tema siempre toma algún pensamiento serio. A menudo es la parte más difícil de llegar a tu historia. goles y los obstáculos son fáciles de llegar. Pero trabajando tu tema, lo que quieres decir sobre un tema en particular que puede ser un poco más difícil. Pero trabajar temprano es realmente importante porque va a afectar cada aspecto de tu historia. De acuerdo, ahora entendemos cómo funcionan las historias. Ahora necesitamos pensar específicamente en cómo funcionan las historias en pantalla. 6. Narración visual: El cine es un medio visual. No quiero subrayar la importancia del sonido en el cine pero sí ponemos más atención a lo que estamos viendo que a lo que estamos escuchando. Para el guionista, esto significa que sus palabras deben describir imágenes en movimiento. Por ahora, hemos hablado de historias y cómo funcionan. Ahora, necesitamos pensar en particular, en cómo funcionan las historias en la pantalla. Debido a que el cine es un medio visual de la narración, el público está recibiendo la narrativa a través de las imágenes que están viendo. Por eso la regla de oro para los guionistas es: “Mostrar, no lo cuentes”. Si abro un guión y solo veo página tras página de diálogo, ya sé que algo no está bien. largas escenas de diálogo funcionan realmente bien en el escenario porque el público ahí está recibiendo la narrativa a través de las palabras que están escuchando. Pero en el cine, prestamos más atención a las imágenes que al diálogo. Cuando abrimos un guión, deberíamos ver mucha acción. Esto tiene un enorme efecto en cómo entendemos a nuestra protagonista. En lugar de tener un largo monólogo que describa exactamente lo que está pasando dentro de la cabeza del personaje, necesitamos entender cómo están pensando y sintiendo a través de sus acciones, en particular, las decisiones que toman al reaccionar a los obstáculos. Digamos que una persona de la tercera edad cae al otro lado de la calle. ¿ Qué hace tu protagonista? ¿ Se apresuran y ayudan de inmediato? ¿ O intentan irse? ¿ Se ríen cruelmente? ¿ O caminar y fingir ayudar mientras le roban en secreto su bolso? Todas estas acciones nos dicen algo sobre tu personaje y quiénes son. Aprendemos si son amables, o indiferentes, o crueles, o manipuladores. Toda acción nos revela algo sobre quién es ese personaje. Es por ello que las películas mudas pudieron viajar por todo el mundo. Todas las complejidades de carácter y tramas fueron capaces de comunicarse a través de la acción, a través del comportamiento en pantalla. No fue retenido por diferentes idiomas. Por eso es tan importante crear obstáculos verdaderamente desafiantes para tus personajes. Descubrimos quiénes son realmente las personas cuando están bajo presión. Cuando las cosas van por tu camino, es muy fácil ser agradable y agradable. Pero cuando las cosas se ponen duras, ahí es cuando averiguas quién es realmente alguien. Al pensar en crear obstáculos para tus personajes, elige obstáculos que sean verdaderamente desafiantes, que realmente los pondrían a prueba y revelarían quiénes son realmente debajo de la máscara. Una nota sobre la creación de personajes interesantes, suele ser mucho más interesante crear un personaje que se comporte de manera anormal, alguien que grite en una biblioteca, o salte una cola, o aparque un automóvil en medio de una autopista. Todas estas cosas son más interesantes porque son anormales. Es la anormalidad la que crea carácter, y nadie es normal. Todos podemos relacionarnos con ese sentimiento de ser un poco extraños. No soy normal. Yo no lo soy. “ Mostrar, no digas” también es una buena regla para revelar historias de personajes o información que necesitamos conocer en la trama. Lo que queremos evitar es el diálogo exposicional. diálogo exposicional es donde los personajes explican algo que realmente es para el beneficio del público y no realmente para los personajes de la película. Evitar el diálogo exposicional mostrándonos información es más desafiante pero es mucho más agradable para el público. Sentimos que llegamos a armar la pieza del rompecabezas nosotros mismos en lugar de solo que nos digan cosas. Muéstranos. ¿Cómo se ve el interior de tus personajes en casa? ¿ Qué hay dentro de su nevera? ¿ Qué fotografía tienen en su pared? ¿ Hay algún objeto inusual que lleven por ahí que tengan un significado particular para ellos? El público disfruta de esto. Nos gusta sentirnos como un detective juntando pruebas. Danos esa evidencia en imágenes y no declaraciones de testigos, para estirar un poco la analogía. Todas estas son formas en las que podemos comunicar la información visualmente a un público. Seguro que tendrás un montón de ideas tú mismo. Está bien. Hemos mirado todos los componentes que necesitamos para que una historia funcione en la pantalla. Ahora, pensemos en cómo tomamos una idea y la elaboramos para estar listos para una historia en pantalla. En la industria cinematográfica, llamamos a este proceso, desarrollo. 7. Desarrollo y resumen (proyecto de clase 1): Cuando empecé a hacer películas, el mayor problema que tenía era no saber tomar mis ideas francamente asombrosas y convertirlas en un guión exitoso. Empezaría a escribir en una página en blanco y encontraría que sería [inaudible] fuera probablemente porque la idea no estaba completamente fundida. Ahora siempre que tengo una idea, llevo a través de un proceso llamado desarrollo. Nos puede llegar una idea en muchas formas. Algunas personas ven imágenes, otras piensan en personajes o situaciones. Para algunas personas, es imaginar un periodo de tiempo o una secuencia de acción. A lo mejor lees un artículo o una historia autobiográfica. El listado de lo que puede inspirar una idea es interminable. En la industria cinematográfica, la fase de desarrollo es donde tomas una idea y planchas todos los doblamientos, haciendo que la historia sea lo más fuerte posible antes de escribir una sola palabra de un guión. ¿ Cómo tomamos una idea y la elaboramos en una historia? En primer lugar, necesitas averiguar qué parte de la historia tienes, y luego averiguar qué partes necesitas. Porque como hemos visto, diferentes partes de la historia sirven diferentes funciones. Al ejercitar lo que tienes, puedes resolver las otras partes de la historia que necesitas en base a su relación entre sí. ¿ Qué parte de la historia tienes? ¿ Es un protagonista, un gol, un obstáculo, o un tema? Esto no siempre es tan sencillo como suena. Ser realmente claro contigo mismo sobre qué parte de la historia tienes es realmente importante. Una vez que sepas qué parte de la historia tienes, puedes hacerte algunas preguntas clave para resolver cuáles deberían ser las otras partes de la historia. Si tienes un protagonista, ¿cuál es su piso y cómo van a cambiar? Si te das cuenta, puedes pensar en una combinación de un gol y obstáculos que los va a obligar a cambiar. Pregúntate: “¿Para qué trabajo estarían menos calificados?” Preguntar esto puede ayudarte a pensar en un objetivo que los obligue a cambiar. Si has empezado con un gol, ¿quién sería el peor protagonista para ese gol? ¿ A quién lo encontraría el más difícil y más desafiante? ¿ Cuál sería, pues,? ¿ Cómo tendrían que cambiar? Entonces elige obstáculos a lo largo de su camino que obliguen a ese cambio. Si tienes un obstáculo, ¿de qué meta se interpondría en el camino? ¿ Quién es el protagonista que encontraría ese obstáculo el más difícil de manejar? ¿ Cómo tendrían que cambiar para tener éxito? Si has empezado con el tema. Piensa en un protagonista que tendría más que aprender de ese tema. Piensa en un objetivo que los enviaría a entrar en conflicto con obstáculos que los obligarían a elegir entre diferentes puntos de vista sobre ese tema. Recuerda que el personaje nos lleva hacia lo que quieres ser tu argumento final sobre ese tema. Es bueno empezar con alguien que tiene básicamente el punto de vista opuesto. Puedes empezar a ver emergentes preguntas familiares sin importar por dónde empezaste. Una vez que tengas una idea, necesitas deconstruirla para que sepas qué partes de la historia tienes y qué partes necesitas entonces rellenar. Se busca crear un protagonista defectuoso que tenga un objetivo, que va a enfrentar obstáculos que los obligaron a cambiar. Este cambio va a ser el tema de tu historia. Hacer esto bien en esta etapa es tan importante porque va a afectar cada palabra que escribas. Para aclarar tu idea y hacer que tu historia sea lo más fuerte posible, escribamos algo que la industria esperará que tengas para cada proyecto. Una línea de logline. [ MÚSICA] La industria cinematográfica está llena de gente ocupada y gente a la que le gusta lucir ocupada. Un logline es una manera realmente buena de comunicar tu idea de historia de la manera más corta posible. Apenas en la oportunidad de conocer al productor o director en una fiesta o en un ascensor. Tu logline necesita comunicar todo lo que está por saber sobre tu historia de una manera corta y muy atractiva. cuando lo he escuchado, debería entender quién es el protagonista, qué objetivo será, qué obstáculos van a estar enfrentando, y una idea aproximada sobre el tema que vas a estar explorando. Estos son algunos ejemplos [MÚSICA]. Se puede ver por esos ejemplos que un logline te cuenta tres de los principales elementos de la historia muy claramente, el protagonista, el gol y los obstáculos. Si lo piensas un poco, resolverás cuál es el tema. Ahora es tu turno. Estamos en la fase de desarrollo. Yo quiero que tomes tu idea, que resuelvas qué parte de la historia tienes y qué partes de la historia necesitas. Empieza a generar muchas ideas, escríbalas todas, resuelve lo que te ofrecen en cuanto a ubicaciones, personajes de apoyo, obstáculos. Asegúrate de haber tomado una decisión sobre tu género. Asegúrate de que estás eligiendo obstáculos que crearán conflictos que sean adecuados para una película de terror y no para una comedia. Si eso es lo que te hará. Una vez que has llegado con todas estas ideas, tienes que empezar a tomar decisiones sobre la historia que vas a contar. En última instancia eso se reduce a tu instinto creativo. Escribir un guión lleva mucho tiempo. ¿ Qué versión de tu historia quieres pasar el tiempo escribiendo? ¿ Cuál funciona mejor? ¿ A cuál te atraen naturalmente? Una vez que has elegido todos los elementos de la historia? Ahora es el momento de escribir tu logline. Hazlo sencillo, claro y atractivo, y luego ve a decírselo a la gente, a ver si les interesa. Los guionistas profesionales pasaban mucho tiempo solo llegando con líneas de loglines y después probándolas. Escribir un guión lleva mucho tiempo. Elaborar tu idea de historia y luego medir para ver si la gente está interesada es una idea realmente buena antes de que empieces a pasar semanas, quizás meses, o incluso años trabajando en tu guión [MUSIC]. Es tiempo de proyectos de clase, y lo primero que quiero ver es tu logline. Puedes descargar una práctica hoja de trabajo de logline desde la sección Proyecto y Recursos a continuación. Una vez que lo hayas hecho no te olvides de subirlo para comentarios. [ MÚSICA] Digamos que tenemos la historia toda resuelta y nuestro logline está listo para salir. Estaré listo para empezar a escribir. Todavía no. Entre la historia y el guión, tenemos que trabajar la estructura. [ MÚSICA] 8. Estructura: De acuerdo, entonces tenemos nuestra historia y nuestra línea de registro. Ya estamos listos para abrir una página en blanco y empezar a escribir? No del todo. Entre la historia y el guión, hay que mirar la estructura. Aristóteles, el antiguo filósofo griego que fue el primero en señalar que una historia necesitaba un principio, un medio, y un fin. Esta observación es verdadera hoy y ha evolucionado con tiempo para formar la estructura estándar para la industria cinematográfica. Se conoce como la estructura de tres actos, y se ve así; una línea horizontal y dos líneas verticales. Esta es la forma en la que puede caer nuestra historia. Tres secciones denominaron tres actos, divididos por dos líneas llamadas puntos de inflexión en la historia. acto uno se le llama la configuración. acto dos es el conflicto y el acto tres es el clímax y la resolución. El primer punto de inflexión se llama el incidente incitante. El segundo se llama la crisis. Tomemos éstos uno por uno. acto uno es la configuración. Es donde nos encontramos con tu protagonista. Nos enteramos de quiénes son al inicio de la historia, y lo más importante, averiguar cuál es su defecto. Estas escenas nos muestran su mundo y cómo se comportan con él. Podría incluir su trabajo, sus amigos, vidas amorosas y familia. Este es tu protagonista en su mundo normal y vemos cómo sus creencias actuales afectan su comportamiento. El primer punto de inflexión es el incidente incitante. Este es el evento que desencadena al protagonista en la búsqueda de su meta. Esto es cuando Frodo recibió el anillo, cuando Katniss se voluntarios para salvar a su hermana y cuando falta lo [inaudible]. No nos debe tomar demasiado tiempo llegar aquí. Configura al protagonista de forma rápida y clara y luego consigue una recta al incidente incitante. En el acto dos, conflicto, el protagonista persigue la meta, encontrando obstáculos en el camino. Estos obstáculos los obligaron a cambiar y hacerlos evaluar su creencia sobre el mundo. El segundo punto de inflexión es la crisis. Aquí es donde el protagonista se encuentra en su punto más bajo la película y creen que todo está perdido. Es en el segundo punto de inflexión donde protagonista es capaz de reflexionar y cambiar sus creencias, encabezándose en el acto tres con una nueva comprensión del mundo. Acto tres, clímax y resolución, donde el protagonista está armado con este nuevo entendimiento, dirige hacia el clímax de la historia y o bien logra o falla en lograr su objetivo. En la resolución, nos enteramos de lo que le pasa al personaje ahora tienen este nuevo entendimiento, y también amarramos cualquier hilo suelto de la historia. Si no queda claro de inmediato cómo encaja tu historia en esta estructura, te sugeriría volver a tu línea de registro y mirar realmente a tu meta protagonista, obstáculo y tema. La estructura de la historia está diseñada para que los fundamentos de la historia puedan caber en ella de manera agradable y ordenada y debería darte una forma de entender lo que debería pasar cuando está en la historia. Si puedes ver claramente dónde encaja tu historia en esta estructura, entonces estás listo para seguir adelante. Cada acto tiene cierta estructura. Entonces echemos un vistazo al acto. 9. Actos (proyecto de clase 2): ¿ Qué es un acto? Un acto es un curso de acción que está persiguiendo protagonista para lograr ese objetivo. Se puede pensar en ello como un subojeto. Por ejemplo, si quieres hacer un atraco, primero, necesitas construir el equipo. Si quieres ser un superhéroe, primero, necesitas entrenar con tus poderes. Si quieres volar la Estrella de la Muerte, primero, necesitas un piloto es sacarte de un Tatooine. Una vez que un protagonista completa un curso de acción o si ese curso de acción ya no es posible, el protagonista golpea un punto de inflexión y luego es girado hacia un nuevo acto. de cada acto se replica la estructura de tres partes de nuestra historia, la puesta en marcha , el conflicto, y la resolución Dentrode cada acto se replica la estructura de tres partes de nuestra historia, la puesta en marcha, el conflicto, y la resolución. Es útil pensarlo como un triángulo. Cada punto representa la configuración, el conflicto, y la resolución, la línea diagonal en el camino hacia arriba representa la acción ascendente, y la línea diagonal en el camino hacia abajo representa la acción descendente. Con un curso de acción en mente, los protagonistas avanzan hacia este subojetivo, encontrando el mayor conflicto en la cima del triángulo, luego reaccionan, respondiendo a su éxito o fracaso en la acción caída. Hemos visto que tenemos un acto o curso de acción donde el protagonista está construyendo un equipo para un atraco. En la acción ascendente que protagonista va por ahí contratando a miembros de su equipo para el atraco, conociendo el mayor conflicto en la cima, tal vez alguien se esté negando a unirse o necesita salir de la cárcel primero. En la acción caída, una vez que el protagonista tiene al equipo, tuvieron que entrenarlos para el trabajo que se avecina. En el clímax y resolución, está claro que el equipo está listo para el atraco y golpean un punto de inflexión donde deben perseguir un nuevo curso de acción, realizando el propio atraco. En cada acto de tu historia, debes conocer la causa de acción que tu protagonista está persiguiendo. ¿ Qué es lo que están tratando de lograr? Incluso en el primer acto previo al incidente incitante, el protagonista debería estar persiguiendo un curso de acción en la vida entonces normal. El tercer acto tiene el clímax en su pico, la acción ascendente es el empuje final hacia la meta, y la acción caída está empatando la historia después. El primero y el tercero actos suelen ser los más fáciles de trabajar. El segundo acto es un poco más difícil, no sólo porque es un poco más largo, sino también porque es aquí donde el protagonista va a enfrentar todos los obstáculos que harán que cambien. El pico del segundo acto se llama el punto medio, y suele ser un momento importante para el personaje. Después de esto, no hay vuelta atrás. Es la combinación de la acción ascendente en el primer tiempo, donde el protagonista está persiguiendo la meta, y posteriormente están respondiendo en su mayoría a eventos. Al igual que con cualquier gran problema, siempre es buena idea descomponerlo, y hay diferentes enfoques para hacerlo con el segundo acto. Algunas personas lo dividen en dos con el punto medio en el medio y trabajan la acción ascendente y caída. otros, a mí incluido, les gusta dividir este segundo acto en tres, dándole una estructura de cinco actos. El beneficio de una estructura de cinco actos, significa que puedes seguir más de cerca el viaje de tu protagonista. En esta nueva estructura de cinco actos, el segundo acto es donde el protagonista es capaz experimentar con este nuevo entendimiento bajo un nuevo comportamiento. Aquí es donde los superhéroes llegan a probar un nuevo poder sin consecuencias. En el tercer acto, el protagonista aprende que este nuevo comportamiento viene con consecuencias, ya sea ellos o alguien cercano a ellos sale herido. Esto significa que retroceden a su viejo comportamiento en el acto cuatro. Pero al hacerlo, esto causa aún más problemas y lleva a la crisis. En el segundo punto de inflexión, se dan cuenta de que deben adoptar esta nueva creencia, este nuevo comportamiento, independientemente de lo doloroso que sea para lograr la meta. Me gusta mucho la estructura de los cinco actos porque te obliga a pensar en cómo se está desarrollando el protagonista ya que persigue diferentes cursos de acción. Eso es un acto y cómo funcionan. Ahora puedes volver a tu historia y resolver lo que pasa en cada acto, qué curso de acción va a seguir tu protagonista para lograr ese objetivo. Es hora de nuestro proyecto de segunda clase, y esta vez quiero ver tu estructura. Puedes descargar una útil hoja de trabajo de estructura desde la sección de proyectos y recursos a continuación, que abarque tanto la estructura de tres como cinco actos, y una vez que hayas terminado, no olvides subirla para recibir comentarios. Una vez que hayas elaborado tus actos en todos tus cursos de acción, estarás listo para mirar los ritmos de la historia. 10. Partes de la historia: Tenemos nuestra historia, que hemos roto en una estructura de tres actos, y cada acto tiene ahora un curso de acción. Ahora, tenemos que llenar esos actos con los acontecimientos de la historia, que llamamos beats de historia. Esta es una etapa realmente divertida y creativa del proceso de escritura. Te aconsejaría conseguir unas notas pegajosas o algunas tarjetas de colores de disco con el fin de trazar tus ritmos de historia. Cada beat representa un evento en la historia y necesita cuatro cosas; un título, el conflicto, el cambio emocional y notas. El título debe ser una breve descripción de lo que sucede en ese ritmo. El conflicto debe delinear el conflicto al interior del ritmo; quién quiere qué y quién está tratando de detenerlos. El cambio emocional nos dice cómo cambia el protagonista dentro de la escena, asegurándonos de que tengamos un cambio emocional. Dentro de las notas, incluyo cualquier idea que he tenido para el ritmo; líneas, acción, cualquier otra cosa. Cuando empieces, baja todos los latidos grandes en los que ya has pensado. El incidente incitante, el punto medio, la crisis, el clímax, estos latidos que ya conoces. Anote esos y luego empiece a colocarlos en filas de acuerdo a los actos en los que se encuentren. A algunas personas les gusta hacerlo horizontalmente, a algunas les gusta hacerlo verticalmente, a mí me gusta hacerlo horizontalmente y también trabajo en cinco actos, así que voy a tener cinco filas horizontales. Sé que mi incidente incitante vendrá al final del primer acto, así que lo voy a colocar por aquí. Sé que mi punto medio vendrá justo en medio de la película, así que la mitad del acto 3 en la tercera fila y mi clímax va a suceder en mi quinto acto así que eso será justo aquí en medio otra vez. Entonces quieres llenar cada otro beat que posiblemente puedas. Esto es de un guión que escribí hace un par de meses, así que los voy a exponer ahora, y la final está ahí. Esto es lo que he hecho antes, así que eso fue un poco engaño. Pero mientras estás llenando tu tabla de beat, tendrás muchos espacios vacíos y te estás convirtiendo en un montón de ritmos diferentes. Cuando miras eso, tienes que mirar en qué acto está, en qué curso de acción está persiguiendo tu personaje y elaborar ritmos en la historia que cumplen ese curso de acción. Por supuesto, con la acción ascendente en el lado izquierdo y la acción caída en el lado derecho, deberías poder crear los tipos correctos de beats que estarán siguiendo tu camino de tu historia. ¿ Cuántas cartas beat necesitas? Depende de la persona y de lo que funcione para ti. personal, encontré que nueve cartas de beat por cada uno de mis cinco actos funcionaban muy bien. Un número impar de cartas significa que tengo una tarjeta media que puede representar el pico, el conflicto mayor en cada acto y sé que por el otro lado, voy a golpear un punto de inflexión que me enviará de vuelta al próximo acto. Por lo general, me parece que tengo un poco menos cartas en el acto final porque para cuando llego a la resolución, sólo me gustaría envolver las cosas bien y rápidamente. Una vez que esté contento con el diseño y piense que cada beat está en el lugar correcto, empezaré a leer y a añadir tantos detalles a cada beat como sea posible, así que metiendo el conflicto ahí dentro, el cambio emocional y agregando notas diálogo o momentos que quiero ver en ese ritmo. Es realmente útil porque entonces puedes leer a través tu beat board como si fuera un primer draft, yendo desde el acto 1 hasta tu acto final y sintiendo el ritmo de tu guión. Poder hacer eso es realmente útil porque a veces sentirás que un ritmo está en un lugar equivocado que puedas cambiarlo por otro ritmo y darte cuenta de que en realidad tu historia va a funcionar mejor en un orden diferente, o podrías darte cuenta de que este ritmo particularmente en realidad no está agregando nada a la historia y puedes tirarla. Otra cosa realmente útil que hacer a medida que estás pasando es mirar hacia fuera cuando estás introduciendo personajes de apoyo. Cuando encuentres uno, escribe una breve biografía sobre ellos, averigua cómo son un obstáculo para tu protagonista. ¿ Cuál es su relación con el tema? Tener toda esta información va a ser realmente útil a la hora de llegar a escribir su borrador. En esta etapa, cuanto más detalle, mejor. ¿ Cuándo se termina una tabla de beat? personal, me gusta trabajar en este escenario todo el tiempo que pueda, agregando cada vez más detalle hasta que se sienta como si fuera a agregar más detalle, bien podría describir el guión. Creo que finalmente es hora de mirar cómo escribimos un guión. 11. Escenas: Las escenas son la unidad más pequeña en tu estructura de cuentos. Cuantos necesites y cuánto tiempo sean depende de tu historia. ¿ Cómo nos aseguramos de que la escena esté funcionando en tu historia? Puedes empezar a escribir tus escenas en función de tus ritmos de historia. En ocasiones tendrás un solo golpe a una escena. A veces tendrás múltiples beats a una escena, y a veces querrás un corte cruzado entre escenas en múltiples beats. Cada escena es una pequeña historia dentro de sí misma. Al igual que nuestros actos, tiene una puesta en marcha, un conflicto, y la resolución. Antes de empezar a escribir tu escena, debes saber lo que quiere un personaje, cuáles van a ser los obstáculos, y cómo eso va a generar conflicto y cómo van a cambiar para el final. Esto no es un gran cambio como se vería al final de la película, sino sólo un pequeño cambio emocional que forma parte del viaje. Una vez anotado esas tres cosas, señalaré cualquier otra idea que haya visto y de esa manera tendré todo el material que necesito para poder empezar a escribir la escena. Un consejo común para escribir escenas está llegando tarde, vete temprano. Esto simplemente significa deshacerse de todas las brocas aburridas. Entonces no necesitamos ver al personaje llegando al café eligiendo su café, pagándolo, esperándolo, consiguiendo su cambio, sentándose, esperando a que lleguen otros personajes o ese tipo de diálogo de apertura, te pones, hola, ¿cómo estás? Yo estoy bien. Gracias. Cómo tú Sí, estoy bien. Gracias. Podemos cubrir eso. Llévenos directamente al medio de la acción. Y lo mismo va para el final. ¿ Siempre necesitamos ver al personaje saliendo, o podemos cortar de la escena en cuanto sepamos de qué se trata esa parte de la historia, hay algunos mejores consejos comunes para escribir escenas que voy a cubrir en nuestra clase el primero borrador. En primer lugar, quiero echar un vistazo más de cerca a la acción de escritura. 12. Acción: De acuerdo, ahora nos estamos acercando realmente a escribir en esa página en blanco. Cada escena está conformada por acción y diálogo. Tomémoslos de uno a la vez. En la acción se necesita describir todo lo que el público ve suceder. “ Josh abre la puerta, se sienta en su escritorio, abre su laptop y escribe un correo electrónico”. Esta acción es simple y clara, puedo ver lo que está pasando, sé exactamente lo que está haciendo el personaje, pero podemos hacerlo un infierno de mucho mejor. Recuerda, muestra, no digas. El cine es un medio visual y queremos entender lo que este personaje está pensando y sintiendo a través de su comportamiento, a través de su acción. En una novela, se podía escribir lo que pasaba dentro de la cabeza de Josh. Podría estar furioso por ejemplo, “Josh abre la puerta, está extremadamente enojado. Se sienta en su escritorio, abre su laptop y escribe un correo electrónico”. Entonces eso se siente útil. Entendemos que Josh está extremadamente enojado, pero en realidad es del todo inútil en un guión porque no puedo filmar eso. No puedo filmar extremadamente enojado. Alguien podría estar sintiéndose extremadamente enojado por dentro, pero tal vez no lo estén mostrando por fuera. Entonces, ¿a qué te refieres? ¿ Cuál es su comportamiento? ¿ Qué están haciendo con sus acciones? Queremos entender al personaje a través de sus acciones, a través de su comportamiento. Es por eso que es increíblemente importante los verbos, las palabras de acción que usas. Así que Josh acaba de abrir la puerta de manera neutral o la tira abierta, empuja abierta, la fuerza que se abra, la empuja abierta. Hay tantas formas de abrir una puerta y cada forma en que la abres, nos muestra cómo te sientes. Veamos si podemos reescribir la acción y usar verbos para expresar esa ira sin tener que decirlo realmente. “ Josh lanza abrir la puerta, golpeándola contra la pared. Se planta en su silla y martilla las llaves de su laptop”. No he dicho nada sobre cómo se siente Josh, pero está bastante claro que no está de buen humor. Entonces cuando estás escribiendo tu acción, mira si puedes expresar cómo se siente tu personaje con esa acción. También necesitarás describirnos ubicaciones y objetos para que podamos visualizarlos. No escribas párrafos poéticos largos, sino denos breves descripciones que nos den un poco de una sensación de ello. Entonces digamos que estás tratando de describir la oficina de Josh, “Una oficina de plan abierto con alfombras manchadas y archivadores rotos”. Solo te estoy diciendo lo que verá el público, no agregando párrafos largos sobre cómo se siente todo. Es en los detalles que se puede comunicar la sensación de una ubicación. ¿ Y las escenas de acción, las peleas, los bailes, las secuencias de persecución? Depende de ti crear una sensación de emoción en tus palabras. “ Él aguanta la respiración, simplemente no se mueve. Él escucha, sonajeros. Él mira a la puerta medio abierta, sonajeros. Se lanza pasó la serpiente gigante. Se le brota, los colmillos le cortaron la pierna, se derrumba, se vuelve a mirar a la serpiente. Se alza por encima de él”. El lector de guiones quiere ser llevado en un viaje y abuela dicta el ritmo de su experiencia lectora. Una coma mantiene en marcha una frase y ve denotar una pausa, un doble guión la acelerará. La gramática es como un conductor para el ritmo de las frases. Dale una oportunidad. De acuerdo, eso es suficiente en acción. Se podría escribir una película muda con eso, pero estoy seguro de mirar el diálogo y sería de ayuda. 13. diálogo: De acuerdo, dije que ya hemos hablado bastante de acción, pero el diálogo es acción. El diálogo es acción. Hablar es algo que hacemos para conseguir lo que queremos. Entonces cada vez que un personaje tiene una línea de diálogo, eso es algo que estamos haciendo para lograr un objetivo. Si el diálogo es acción y la acción nos habla de su carácter, eso significa que la forma en que los personajes usan el diálogo nos habla de quiénes son. Entonces, siempre que estés escribiendo diálogo, pregúntate, ¿qué hace el personaje con este diálogo? ¿ Qué están haciendo con sus palabras? ¿ Son encantadores, atacando, descartando, criticando, desviando? Podemos hacer todas estas cosas con el lenguaje. Entonces si estás luchando con una línea de diálogo, pregúntate, ¿qué es lo que intenta lograr el personaje y quiénes son? ¿ Cómo están tratando de lograrlo? Para conseguir el diálogo el flujo, lo que necesitas es conflicto. Para echarle un vistazo a eso, escribamos un poco de diálogo realmente malo y veamos cómo podemos mejorarlo. Amy, “Oye Ben, ¿vas a ir a una cita conmigo?” Ben, “Sí”. Amy, “Genial, nos vemos el viernes”. Tan malo, que en realidad dolió escribir. De acuerdo, creo que podemos mejorar esto. En primer lugar, recuerdas nuestra estructura de tres actos. Tenemos nuestra puesta en marcha y conocemos nuestra resolución, pero lo que nos falta es el conflicto. Entonces lo primero que hay que hacer es hacer eso bien. “ Gran presentación hoy”. “ ¿Estuviste ahí dentro?” “No pero todo el mundo está hablando de ello”. “¿Son ellos?” “ ¿Soy solo yo o esta semana realmente arrastrando? Apuesto a que tienes grandes planes de fin de semana. Llevar a la novia a cenar el viernes?” “No tengo uno”. “ ¿En serio? Extraño. Iba a echar un vistazo a este nuevo restaurante arcade si querías venir. Por empresa”. “ Está bien. Seguro. Tengo que correr. Te enviaré por email mi número más tarde”. “ Nos vemos Ben”. Está bien, se está poniendo mejor. Ahora tenemos algún conflicto. Amy es tímida, por lo que le cuesta acercarse a Ben y es resistente. Es monosilábico sin compromiso es un obstáculo más difícil de moverse. Lo que creo que es una gran mejora es que ahora sabemos lo Amy quiere pero en realidad nunca lo dice. Lo que ella quiere está escondido en el subtexto. Utilizamos las palabras, el texto y el subtexto para diferenciar entre lo que la gente dice y lo que realmente significan. Por ejemplo, tengo frío, en realidad podría significar, por favor, ¿ puedes cerrar la ventana? El texto sería, tengo frío y el subtexto sería, por favor, ¿puedes cerrar la ventana? Echemos un vistazo a cuál podría ser el subtexto en esta escena. Gran presentación hoy. Yo te amo. ¿Estuviste ahí dentro? No te vi ahí dentro. Todo el mundo está hablando de ello. No, esto es vergonzoso. ¿ Son ellos? No, no lo son. ¿ Soy solo yo o esta semana realmente arrastrando? Apuesto a que tienes grandes planes de fin de semana. Llevar a la novia a cenar el viernes? Olvida lo que dije. ¿Tienes novia? Yo no tengo uno. No. ¿En serio? Extraño. Iba a echar un vistazo a este nuevo restaurante arcade si querías venir. Para empresa. Brillante, estoy tan contenta. ¿ Vendrán por favor a este nuevo restaurante sería este fin de semana? Yo te amo. Está bien, seguro. Tengo que correr. Te enviaré un correo electrónico podría numerar más tarde. Todo esto es bueno pero no terrible. Está bien, genial. Dejemos de hablar de ello ahora mismo sin embargo. Nos vemos Ben. Está bien extrañamente sigue hablando consigo misma al final ahí. Ella se encuentra como un poco de pycho. Este diálogo no va a ganar ningún premio, pero sí tiene conflicto y el texto está ocultando el subtexto, que lo convierte en una escena razonablemente exitosa. De acuerdo, así que eso fue acción y diálogo. Tenemos nuestra historia, tenemos nuestra estructura y tenemos nuestros actos, tenemos nuestros beats de historia, tenemos nuestras escenas sabemos escribir acción y diálogo por lo que estamos listos para escribir el primer borrador. 14. Primer borrador: Aquí vamos. Los primeros borradores son desordenados, solo tienes que seguir adelante. El objetivo no es tener una versión perfecta de tu guión la primera vez es tener un borrador completo al que puedas volver y editar. Hemos estado hablando mucho de escribir, pero la máxima es cierta. Escribir es re-escribir. Al final de tu primer borrador habrías transformado la mayor parte de tu plan posible en un guión que podrás volver atrás y editar más adelante. Estos son mis mejores consejos para trabajar en tu primer borrador. Número 1, quédate en la historia. Apegarse al plan. Vuelve a referirte a tu historia, personajes y eventos asumen mentiras propias, y querrás disfrutar de algo de esa creatividad intuitiva. De eso saldrá parte de tu mejor trabajo. Pero en última instancia necesitas llegar al final de la historia y a veces si sigues esas líneas de pensamiento demasiado lejos, te llevará tan lejos que no puedes volver al camino. Siempre refiérase de nuevo a su plan y asegúrese de mantenerse en la historia. Dos, conflicto. Toda escena debe tener conflicto. Si una escena no siente que esté funcionando, pregúntate cuál es el conflicto. Agrega más obstáculos, haz las cosas más difíciles para tus personajes. Sin obstáculos, no hay opciones, por lo que no hay carácter. Tres, sigan adelante. No te detengas en cosas que no están funcionando. En algún momento solo puedes dejar un tenedor de lugar. Un tenedor de lugar podría ser una línea de acción que describa lo que debería pasar aquí. Simplemente aún no has traído la forma perfecta de escribirlo. Podrías escribirlo en el diálogo. Simplemente, alguien dice algo aquí por esto, eso significa, ya sabes lo que tiene que pasar ahí, pero tal vez aún no estás listo para escribirlo. Simplemente anota algo y sigue adelante. Ya lo he dicho, pero escribir es re-escribir. Vas a volver a esto. Lo que necesitas es un primer borrador completo que puedas editar. Por último, elabora tu proceso de escritura individual. Las personas tienen diferentes métodos para hacer su escritura. Tendrás que resolver lo que funciona para ti. A algunas personas les gusta escribir desde casa, a otras les gusta trabajar en un café. mayoría de las personas que conozco les gusta levantarse muy temprano y empezar a escribir antes de que las distracciones diarias de desorden se interpongan en el camino. personal, me gusta despertarme bastante temprano, ponerme una olla de café y empezar a trabajar alrededor de las 6:00 AM, escribiré hasta pasado medio día hasta que me canse, así que tal vez las 2:00 o las 3:00 en punto. En ese punto, mi cerebro se quemará y me detendré y lo dejaré para el día siguiente. A la mañana siguiente voy a empezar a llegar a las 6:00 con esa cafetera y voy a leer sobre lo que escribí el día antes de hacer pedacitos de ediciones voy y eso sólo me ayudó a entrar en el ritmo de la historia otra vez, y luego yo solo seguir escribiendo hasta media tarde. Realmente disfruto escribiendo un primer borrador. Realmente eres capaz de entrar en un flujo creativo. También puede ser increíblemente enloquecedor a veces y es increíblemente solitario. También ve a ver amigos por la noche te recomendaré eso. Eso es todo. Hora de ir a escribir tu primer borrador. Diviértete. Yo estaré aquí. Eso es todo lo quería decirte antes de ir y escribir tu primer borrador, así que o puedes irte y hacer eso ahora y volver a la clase o puedes unirte a mí para reescribir segundos borradores y retroalimentación. 15. Reescritura y feedback (proyecto de clase 3): Si estás viendo esto habiendo completado un primer borrador, bien hecho, eso es un logro masivo. El proceso cinematográfico es realmente largo y vale la pena celebrarlo en cada etapa, entonces, ¿qué sigue? El primero que hay que hacer es tomar un descanso. Necesitas un poco de distancia de tu trabajo, y francamente, te lo has ganado. Salir a ver amigos, ir al cine, leer libros, hacer lo que quiera hacer. Necesitas poner un poco de distancia entre tú y tu primer borrador. Es realmente importante porque cuando volvemos a nuestro primer borrador, necesitamos poder analizarlo de manera objetiva y desapasionada. De lo contrario, una de las dos cosas tiende a suceder. Esto es increíble. Esto es horrible. Podemos ser nuestros propios peores críticos y también ajenos a defectos casi obvios. ¿ Cómo avanzamos? Reescritura y retroalimentación. Después de completar un primer borrador? Haría una reescritura antes de enviarla para cualquier comentario, esto me da la oportunidad de aclarar cualquier error ortográfico y gramatical. Pero también me haré algunas preguntas muy importantes. Uno, ¿es clara la historia? Todo se trata de contar historias. Si entregues tu guión a alguien y se toman su tiempo para leerlo y empiezan a sentirse perdido en la historia, lo bajarán. Conforme lees, pregúntate si la historia es clara y empujando, y si no es pregúntate por qué eso es: ¿se siente la escena como si estuviera pasando demasiado tiempo, necesitas cortar algo de ella, o si tal vez has gastado demasiado tiempo lejos de tu protagonista o de su principal objetivo? Pregunta 2, ¿es claro el desarrollo de mi protagonista? Está claro quiénes son al inicio de la película y cómo han cambiado al final? les ha obligado ese cambio al entrar en conflicto con obstáculos, o han cambiado sin razón aparente? Pregunta 3, ¿es clara y concisa la acción? Está describiendo lo que está viendo el público, Estoy diciendo en 20 palabras, lo que podría estar diciendo en cinco? Queremos que el lector vuele por el guión, realmente disfrutando de la historia, así que no los pantanos con detalles innecesarios. Pregunta 4, ¿es necesario el diálogo? Siempre me pregunto, ¿necesito absolutamente esta línea de diálogo y si lo hago, puedo hacerla más corta y más ajustada? Queremos poder volar por el diálogo tanto como la acción, y un buen y rapido one-liner es mejor que un enorme trozo de texto. También miro cada línea para asegurarme de que estoy usando subtexto en lugar de texto. Pregunta 5, ¿puedo cortar esto? Siempre busco cosas para cortar. Si no agrega nada a la historia, entonces se ha ido. En mi último primer borrador, escribí un 113 páginas y mi segundo borrador fue de 90 páginas. Eso son 23 páginas de cosas que no eran necesarias para la historia, y que hizo para una lectura mucho más rebanada y más agradable. Una vez que hayas completado esta primera reescritura, ahora es el momento de que la gente la lea. Pregúntales sus pensamientos, lo que les sobresalía. Esta es una parte realmente vulnerable del proceso, pero es realmente importante. Ahora esto es lo que pasa con la retroalimentación. mucho más probable que la gente marque las cosas que no les gustaron que las cosas que hacen. Cuando vas a dar un paseo en un auto, notas los baches mucho más de lo que haces el viaje suave. Es probable que la gente diga: “Sí, me gustó pero”, y luego te golpearon con una lista de críticas. Serán inespecíficos en los bits que les gustaron, pero serán realmente dolorosamente específicos en las cosas que no les gustaron. Por supuesto, tendrán un montón de ideas sobre lo que debiste haber hecho. Por supuesto, todo eso está bien. Es parte del proceso. Algunas de sus ideas serán geniales y puedes robarlas, o podrían llegar a una crítica que desatara una idea es incluso mejor que la que podrías haber ideado de forma independiente. Pero lo más importante recuerda, no siempre tienen razón. Te puedo garantizar esto con seguridad. Nadie leerá tus guiones tan cuidadosamente como lo has escrito. Hágales las preguntas que te hiciste: ¿es clara la historia, puedes explicármelo, entendiste a mi personaje, puedes decirme cómo cambiaron? Una vez que hayas recogido todos estos comentarios, vuelve atrás y léalo tú mismo. Ve qué partes de la retroalimentación crees que son verdaderas y cuáles crees que puedes hacer caso omiso. Una vez que hayas recogido todos esos comentarios, lo que llamamos notas, puedes irte y escribir un segundo borrador. Entonces puedes tomar ese segundo borrador y ofrecerte a leer de nuevo, y puedes recolectar notas sobre ese borrador y escribir una tercera, y puedes recolectar notas sobre ese borrador y escribir una cuarta y luego quinta, y una sexta, y una séptima, y una octavo, y una novena y una décima. Esto plantea la pregunta, ¿ cuándo se termina un guión? eso hay una respuesta muy sencilla. Nunca lo es. Realmente no terminas un guión, lo abandonas. Es hora de nuestro proyecto de clase final. No te voy a pedir que subas tu guión terminado porque eres dueño de los derechos de eso, y podría ser muy valioso. Pero lo que me encantaría ver es tu escena favorita, una escena vitrina de tu borrador terminado, después de que haya pasado por un primer borrador y una reescritura. Subirlo, obtener algunos comentarios. Me encantaría verlo.