El taller de preproducción de tu animación | David Miller | Skillshare
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El taller de preproducción de tu animación

teacher avatar David Miller, Multimedia Artist For Primordial Creative studio

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:45

    • 2.

      Por qué empezas con el guion

      4:23

    • 3.

      Software de guiada Pt 1

      2:53

    • 4.

      Escritura de guiones Pt 2

      3:03

    • 5.

      Diálogo de los personajes Pt 3

      2:47

    • 6.

      Guionista Pt 4 Esbozar el trazo

      4:57

    • 7.

      Escritura de guiones de Pt 5 y beats de la historia

      4:03

    • 8.

      Scriptwriting Pt 6 reescribe y punch Ups

      1:15

    • 9.

      Por qué nos trazado

      2:02

    • 10.

      Métodos de la historia Pt 1 + software

      5:11

    • 11.

      El trazado de trazado Pt 2

      2:05

    • 12.

      Storyboard Pt 3 lo que se pasa en tus trazos

      4:34

    • 13.

      Voz sobre Pt 1 con un sitio de pago de voz

      5:06

    • 14.

      Voz sobre la grabación del voz Pt 2

      5:38

    • 15.

      Reflexos finales de la producción de la animación

      1:49

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

569

Estudiantes

1

Proyecto

Acerca de esta clase

La animación es más que el diseño de personajes y hacer que las cosas se mueven en nuestro software favorito; consiste en crear una historia sólida con fotos y voces interesantes para apoyar. En "En la preproducción de la animación", cubrimos la escritura de la guiado, la tracción y la grabación de la voz para nuestros proyectos animados. No es necesario en ningún momento, aunque recomiendo un cuantas piezas de software gratuito durante el curso, entre las en CeltX y Storyboarder.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

David Miller

Multimedia Artist For Primordial Creative studio

Profesor(a)

I'm David, a multimedia artist in Phoenix, and my studio is Primordial Creative.  I have always been interested in the visual arts from an early age- drawing, painting, and clay- but around my high school years I became interested in photography for the social aspect of involving other people, the adventure inherent in seeking out pictures, and the presentation of reality that wasn't limited by my drawing skills.

 

One thing in my work that has stayed consistent over the decades since then is I have an equal interest in the reality of the lens next to the fictions we can create in drawing, painting, animation, graphic design, and sound design.  As cameras have incorporated video and audio features, and as Adobe's Creative Cloud allows for use of a ... Ver perfil completo

Habilidades relacionadas

Animación y 3D Movimiento y animación
Level: Intermediate

Valoración de la clase

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Transcripciones

1. Introducción: Hola por ahí. Yo soy David Miller. Soy educadora de artistas multimedia Phoenix Arizona, y quiero darte la bienvenida a este curso sobre preproducción de tu cortometraje animado. Ahora estoy asumiendo que eres un animador independiente o solo eres un par de amigos que están tratando de juntarse y crear tu propia película animada. Porque si eres un gran estudio, uh, tienes recursos más allá de lo que voy a hablar en este curso. Por lo que esto está destinado para el animador individual o el pequeño grupo de animadores recién estaban empezando. Vamos a portada de Teoh, creando un guión que vamos a cubrir creando un guión gráfico, y vamos a cubrir grabación de audio para tu película animada. Lo que no vamos a cubrir en este curso es la animación real de esa película. Tengo otros cursos relacionados con Adobe Character Animator, que es un software de animación de captura de movimiento. Es mi forma preferida de hacer las cosas. También tengo un poco de animación de photoshop y animación after effects y otros cursos. Y si te interesan esos, adelante y mándame un mensaje y te enviaré enlaces a esos. Pero sentí que era realmente importante. Teoh cubre la preproducción en animación porque hay muchas cosas que he aprendido sobre hacer mis propias animaciones que sentí que son útiles. Y siento que esto es una cosa que ah, muchos artistas se pasan por alto porque cuando somos cajones e ilustradores y animadores, estamos muy interesados en hacer que las cosas se muevan en la pantalla o crear personajes en un poco menos así interesado en escribir guiones y llegar con historias. Pero si no haces estos pasos de preproducción, tus animaciones nunca se bajarán realmente del suelo, o simplemente serán limitadas. Teoh 10 15 2do gags on Duh Es importante que demos pasos para crear cosas que no sólo se vean geniales sino que tengan propósito y comuniquen una historia y lleguen a otras personas y tengan un buen sonido y un buen diálogo. Entonces en eso nos vamos a centrar en esta clase. Voy a nombrar algunos softwares de escritura de guiones, y les voy a mostrar una herramienta de storyboard gratuita. Pero si tienes tus propios métodos que te interesen o tienes acceso a otra cosa, por todos los medios, realmente no importa qué software estés usando, siempre y cuando puedas lograr el objetivo de crear scripts, storyboards y grabación de audio 2. Por qué empezas con el guion: si fueras artista, probablemente tengas cuadernos de bocetos o ideas para personajes que has creado. Siento que si estás planeando contar una historia, lo primero que debes hacer es escribir un párrafo. ¿ Cuál es esa historia? No tengo que contarme el final de tu historia. Y una vez que tengas esta guía de un párrafo de lo que quieres hacer, siéntate y crea el guión que corresponda a ese párrafo. Y la razón por la que vamos a empezar con el resumen y el guión en lugar dibujos es porque terminarás perdiendo mucho tiempo si creas dibujos para cosas que no están en un guión. Entonces les voy a contar dos ejemplos de películas que son muy conocidas. Uno no tenía un guión finalizado, pero el rodaje estaba rodando, y el otro, habían finalizado el guión. Habían grabado las cosas de acción en vivo en. Cuando se trataba de la animación, animaron sólo lo que necesitaban y pudieron ahorrar mucho dinero y tiempo. Mi primer ejemplo es la tercera película de Hobbit, que es una guerra de cinco ejércitos allí algunas imágenes bastante increíbles en YouTube donde se ve Peter Jackson sentado confundido, sin rumbo contra una pantalla verde porque no tenían un acabado guión, pero estaban filmando la película. Lo que terminó pasando fue que tuvo que tomarse unos meses libres para trabajar en el guión. Mientras tanto, tuvo a Andy Circus, el actor que interpreta la película de columna, un montón de escenas de lucha donde la gente simplemente corre de ida y vuelta, yendo y golpeando clases. Pero no fue para ningún propósito porque no sabían lo que estaban filmando. Y se puede imaginar cuánto dinero en una película de gran presupuesto como esa se desperdició. Y, por supuesto, con presión, y el hecho de que ya estuvieran filmando el guión es más débil para ello. Y esas películas Air no muy finalmente recordaba esas tres películas de Hobbit contra Las películas de El Señor de los Anillos, que tenían un guión de finalización y todo estaba totalmente encerrado, y tenían un post guía que seguir. ¿ Por qué los guiones del Señor de los Anillos fueron más fáciles de completar que el guión del Hobbit? Porque el libro de Hobbit era muy corto, y cuando tratas de difundir un cuento corto a través de tres películas. Te encuentras con que no tienes suficiente material para llenar esas películas, y tienes que maquillar un montón de cosas que terminan siendo muy débiles. En contraste con esto, la primera película de Deadpool fue creada por Efectos especiales Guy llamado Tim Miller, y Tim Miller sabía que podrías ahorrar mucho tiempo y mucho dinero si solo animabas lo que necesitabas. Y así filmaron toda la película, y cuando llegó el momento de insertar al personaje de Coloso en ella, sabía que las necesitaba sólo para unas pocas escenas limitadas. Y así fue como esa película se mantuvo bajo presupuesto y posteriormente hizo una increíble cantidad de dinero frente a lo que su presupuesto waas. Si hubieran creado todo un montón de cosas para Coloso y se dieran cuenta que no lo necesitaban para esa película, habrían sido millones de dólares en la basura, estos ejemplos de películas de gran presupuesto aire. Pero mi punto es, ya sabes cuál es tu guión. ¿ Sabes lo que necesitas para animar? ¿ Tu guión necesita estar bloqueado en un 100% perfecto de inmediato? No en absoluto. Una anécdota de Patton Oswalt hablando de gratitud. Detalló que pasó tres años trabajando en esa película. Grabó su diálogo y luego tuvo que regresar unos años después para volver a grabar nuevo diálogo porque la historia había cambiado. Ese es uno de los lujos de la animación versus la acción en vivo es que si necesitas crear nuevas escenas, puedes dibujar, animar esas nuevas escenas y cercar versus un proyecto de acción en vivo donde tal vez el set ya estaba derribado. Los actores han pasado a otros proyectos. Se cortaron el pelo, se tiñaron el pelo así sucesivamente y así sucesivamente en un proyecto de acción en vivo. Si olvidaste filmar algo, nos dimos cuenta de meteo Makesem tejido conectivo o decides cambiar historia a mitad de camino. Es mucho más difícil que un proyecto animado hacer algo así. 3. Software de guiada Pt 1: Hablemos de lo que entra en el guión. Este guión tendrá el diálogo entre tus personajes. Incluirá ver cambios. Se incluirá algún asunto descriptivo de lo que es la escena. No incluye ángulos de cámara, tomas de cámara para que no te acerques bien de cerca. Ese no es el trabajo de los guiones, el diálogo que dicen tus personajes debe informar la historia y no explicar algo que ya se está mostrando en pantalla. Entonces el guión no contiene líneas como levanto mis manos y digo las palabras mágicas el guión simplemente, dice Abacha Dobra. Y entonces es el trabajo del animador interpretar que, sin embargo, sin embargo, mejor se ajusta a la escena. Si eres el guionista y el animador, va a ser muy fácil para ti interpretar. Si eres escritor de guiones y estás pasando a un animador, entonces vas a tener que soltar algún control y confianza en el juicio de un artista profesional. Si eres animador y no eres escritor de guiones, pero estás encargando un guión de otra persona, entonces vas a tener que llegar a algún compromiso. En cierto punto donde el guión está mostrando algo y no crees que funciona es una animación, o crees que hay una mejor manera de interpretarlo visualmente. En última instancia, cine y la animación es un medio visual de narración, y necesita haber algún consenso entre el guión y los visuales sobre cuál es la mejor manera de contar la historia, escribir un guión puede sentirse muy desalentador si nunca lo habías hecho antes, así que te voy a mostrar camino fácil desde principiantes para conseguir escritura. Y, por supuesto, una de las cosas más desalentadoras es la página completamente en blanco. Es lo mismo para cualquier artista. Cuando obtienes un nuevo cuaderno de bocetos o algún campus nuevo y lo pones frente a ti y te preocupa que tu primera marca sea la marca equivocada. Es importante que nos demos cuenta de que somos nuestros peores críticos, y no hay marca equivocada de lo importante es bajar algo porque siempre se puede volver y alterarlo. Arreglarlo. Nada es permanente, por lo que este software de escritura de guiones en particular se llama slugline, y hay muchos, muchos, muchos software de escritura de guiones está por ahí. Pueden pasar de extraordinariamente caros a algo realmente barato o algo que ya tengas integrado en tu computadora. Hay personas que escriben scripts en, digamos, Microsoft Word, que viene con Windows, computadoras o incluso la app de notas en el sistema operativo Mac. Um, utilizar slugline porque hay algunas opciones de automatización y formato que sufren me hace que sea realmente sencillo usar un script. Si apenas estás empezando, sin embargo, te animo a usar algo que sea gratis, ver cómo te sientes al respecto, y luego puedes actualizar a algo que realmente pagas. 4. Escritura de guiones Pt 2: parte de mi guión es donde está el ajuste, y es o un interior y exterior. Generalmente empiezo afuera porque aunque vayas a hacer una animación que implique estar dentro de una casa, piensa en cosas como Los Simpsons, donde inician la cámara fuera de la casa para que veas qué hora del día es. Y luego entran a la casa. Eso es exactamente lo que vamos a hacer aquí. Vamos a escribir texto para exterior, y se puede ver que este software de escritura de guiones automáticamente olvida e x T. Porque ya sabe lo que significa exterior. A domicilio suburbano periodo matutino. Y tenemos algo en la página, algo con lo que puedo estar contento. Qué pasa por la mañana. A paperboy hace bicis y lanza periódico en tercer alimentador. Otras cosas que quizá quieras tener como pistas visuales para madrugada involucradas. A lo mejor sistema de aspersión. Si vives en algún lugar que tenga pasto, podrías acertarte. El sol sale sobre el horizonte. Las pistas visuales están bien. Es cuando te vuelves salvaje con cada detalle que le quita a lo que eres animador, tu ilustrador. Va a hacer también presumiendo que aquí todos somos artistas indie. No quieres estar demasiado ocupado y excesivamente detallado con tus antecedentes, porque eso va a hacer que tu proyecto sea muy, muy difícil de lograr. Y si tienes una configuración que tiene un conjunto de escenas excesivamente ocupado, excesivamente complicado, entonces si no llevas esa estética ocupada, complicada por el resto de tu animación, se va a sentir fuera de lugar. Si estás trabajando con un equipo de personas y son buenos montando estéticamente Izzy y fondos complejos, ilustraciones, animaciones, animaciones entonces por todos los medios, lleva eso a través de todo el corto película o película o caricatura lo que sea que estés haciendo. Pero la mayoría de nosotros no tenemos ese tiempo ni ese equipo para crear algo así. Entonces creo que unas cuantas casas suburbanas seguidas ven el horizonte y el papelero moviéndose y lanzando un periódico va a ser suficiente. Teoh, atraviesa lo que queremos atravesar, que es esto lo que pasa por la mañana afuera de esta casa, se abre la puerta principal y un hombre sale con su bata para recuperarla, sacudiendo el agua 5. Diálogo de los personajes Pt 3: Ahora vamos a tener nuestra primera parte de diálogo y vamos a nombrar hombre. Simplemente voy a nombrar al hombre como a mi padre, Paul. Y después de escribir un nombre en mayúscula cuando golpeo, Entrar ese nombre va al centro de la página, y luego puedo iniciar el diálogo de mi personaje y le he dado a la pequeña Rasa fressin causa ese similar Yosemite Sam este trocito de gruñón. No quiero que el actor diga gruñón, así que lo pondré entre paréntesis. Y entonces el actor de voz, mientras lee este diálogo, debería poder llegar a algo equivalente Teoh Lo que tengo y no van a decir gruñar, gruñir en voz alta. Ahí afuera hay un nombre divertido de Anak Ter de Hércules, quien no entendía que esto fuera como una emoción o una sugerencia para un sonido en uno de sus guiones. Y se levanta en medio de un bosque y grita, decepcionado, como si eso fuera decepcionado, algo que se suponía debía decir, más que una emoción que debía transmitir. Espera un minuto. Este no es mi mundo. Sólo apoyar a Rasa Francia, y tal vez eso es algo exactamente. Quiero que el actor vuelva a decir, es similar a algo que hizo tradicionalmente Yosemite Sam. Pero para mí inventar ruidos arbitrarios como Carol y luego tratar de averiguar cómo escribirlos aquí abajo. Es sólo una pérdida de tiempo, retumbar, retumbar, funciona. Y ahora podemos empezar con el interior, y luego miro como sea y esto ten cuidado en la sección deportiva que realmente no tiene sentido. Eso tiene un poco más de sentido. Siempre va a haber algún verbo ege del que nunca estás muy seguro. La mejor manera de comprobar y ver si tiene sentido o si tu broma se traduce cuando la escribes es leerla literalmente en voz alta. Y si tienes a alguien que es un buen oyente, una buena persona rebota ideas de quién te dará retroalimentación honesta, puedes leerla en voz alta a ellos o actuar con ellos antes de enviársela a tu voz Actores. De esa manera, cuando realmente pagas a alguien para que lea estas líneas, no lo recuperas y descubres que tiene poco o nada de sentido o se podría hacer de una mejor manera 6. Guionista Pt 4 Esbozar el trazo: la mayoría de las historias siguen una estructura de tres actos donde se introdujeron a nuestros personajes y nuestro dilema. Tratamos de resolver el dilema sin éxito y luego algún tipo de resolución donde o se el dilema o sucedan otras cosas que resuelvan la historia. Pero la mayoría de las historias, ya sabes, tu protagonista tiene éxito y lo que sea que estén tratando de hacer, así que solo escribo esto muy rápido y verás que faltan muchos detalles . Pero es la estructura general de la historia, y me dice básicamente qué piezas de set necesito, quién está involucrado. Es mucho más fácil, ¿verdad? Diálogo cuando sepas en qué dirección vas. Entonces es un mal día para Paul. Cada cosa menor sale mal por la mañana. Su hijo queda lesionado por un resbalón. Esto es algo que ya hemos cubierto en nuestro guión, y Paul tiene que llevarlo a una atención urgente, haciéndolo tarde al trabajo. Peor aún, lo deja caer accidentalmente, horroriza las pastillas para el dolor en la taza de café de su jefe, y al final del primer acto, ha sido despedido de su trabajo. Por estas y otras infracciones. ¿ Cuáles son esas otras infracciones? Todavía no lo he averiguado, pero en mi cabeza, quiero que este personaje Paul, sea un poco espectador inocente como él no quiere decir hacer todas estas cosas que lo despedir. Es sólo mucha mala suerte en una fila. Entonces ese es el Acto uno y terminas el Acto uno, realmente estableciendo cuál es el problema y cuánto tiempo durará el Acto uno en una película de animación o cortometraje animado. Podrían ser cinco minutos. Podría ser menos de cinco minutos. Si esto es un corto de seis minutos, probablemente los dividiré en generaciones aproximadamente iguales a minutos. El modo en que visualizo esto es más a lo largo de las líneas de La estructura de Los Simpson del Rey de Colina . Por lo que probablemente ocho minutos por cada acto. Esto también establece mucha de la gente que son personas importantes para las que necesitan diseños, y lugares para los que necesito estar activo cubre el transcurso de una semana y el intento de Paul de cubrir el hecho de que ha sido despedido mientras maquinaba para recuperar su trabajo escurridizo pero infructuoso significa. Entonces esto es a menudo lo que llaman diversión y juegos. Y, por supuesto, en una historia esta es la parte donde más estamos invertidos porque nos gusta ver a qué van a llegar nuestros personajes a continuación. Un episodio de las caricaturas Roadrunner Coyote es básicamente enteramente divertido y juegos. Es decir, tienen la introducción en latín de los personajes en el 1er 10 segundos de esos cortos , pero generalmente es Coyote tratando de lograr un gol y fallando cada vez. Eso es lo que cubre activo. Y luego el acto tres nos trae círculo completo cuando más honestos, a menos que los métodos astutos lo lograran, madurando a Paul a un trabajo que encuentra que realmente no quiere. De todos modos, estar desempleado fue mucho más exitoso y lucrativo. Por lo que no me he delineado, mucho menos aquí. Cómo Paul recuperará su trabajo. Algo que siempre me ha gustado en mis historias es una moral. No me gustan las historias donde nadie aprende nada. No se cambió ningún comportamiento. No se aprendió ninguna lección. Siento que si los personajes no lo cambian todo desde el inicio de tu historia hasta el final de tu historia, aunque sea un cortometraje animado que a menos que esa sea la estructura absoluta de la paz , digamos en el caso de los dibujos animados Road Runner y Wile E. Coyote. Entonces ha fallado. La mayoría de películas, la mayoría de programas de televisión. Tienes que mover a los personajes del Lugar A al Lugar B para el final del espectáculo. El filme, el programa. Eso es lo que voy a hacer con este personaje, Paul. Necesita aprender que ser astuto o gruñón no le ayuda a triunfar tanto como ser amable y honesto. Y suena como una clase de Sésamo Street. Yo sí creo que es cierto en la vida real que las personas que son astutas en última instancia se levantan sobre su propia petard. Según dice la frase, Si eres honesto con las cosas, digamos que te detuvieron por exceso de velocidad. Le mintió a un policía. Va a haber consecuencias más grandes, potencialmente entonces, si eres honesto con los policías y con tus disculpas y sinceras sobre las cosas. También quería incluir una realización agridulce de que muchas veces trabajamos muy duro por cosas que no nos importan o no queremos. Nosotros nos esforzamos manejando conductor como tenemos que tener esto. No podemos vivir sin ella, y lo conseguimos y nos damos cuenta de que sabes qué? Probablemente no necesito esto. Fue una pérdida de mi tiempo y energía ir en esta dirección, y así es como me siento de que Paul vuelva a su trabajo. Por fin lo consigue y se da cuenta de lo miserable que es en ese trabajo. Y tal vez se estaba divirtiendo más maquinando para recuperar su trabajo. A lo mejor estaba haciendo cosas mientras escatimaba para recuperar su trabajo, que ganaba más dinero haciendo y la vida era mejor que cuando realmente lo tenía. 7. Escritura de guiones de Pt 5 y beats de la historia: Tengo el cartel firmado, Mi historia, la única cosa que falta además de los detalles de lo que son estas cosas, que por lo general solo beberé mucho café y me sentaré a pensar o mientras estoy caminando el perro. Um, lo único que falta es lo que hace que este merezca ser una caricatura. Porque la forma en que está escrito, realmente se siente como si pudiera ser la acción en vivo. Se podría decir eso de un montón de Rey de la Colina, porque no hay magia. No hay extraterrestres ni elementos de ciencia ficción. Pero lo que sí tiene King of the Hill es una perspectiva única de Mike Judge, el creador del espectáculo. También creó Beavis y Butthead. Creó Silicon Valley y espacio de oficina, y todo lo que hace tiene sienten que es singularmente de Mike. Y lo que hace especial al Rey de la Colina. Además de lo ricos que son todos los personajes, es el estilo de arte que es 100% generado por Mike Judge. También debemos pensar en cosas que conducen las caricaturas que son o bien difíciles o increíblemente costosas y acción en vivo, por ejemplo, tener puntos de vista increíbles. A lo mejor tienes la cámara en un agujero de ratón. A lo mejor tienes la cámara, sal del espacio exterior y entra directamente a la casa de alguien. Algo así como Google Earth. Hay muchas cosas que puedes incluir en el guión que lo hacen visual y vale la pena ver como una caricatura. Entonces estoy pensando que muchos de estos divertidos y juegos van a ser peligrosos en el camino uh, Wiley, Coyote y probablemente para referencia. Iré a ver un montón de dibujos animados de Roadrunner y tomaré un bloc de notas y anotaré cosas que hace Wiley Coyote que creo que puedo adaptarme para este corto en particular. Entonces el jefe tendrá un viaje psicodélico por drogas, y imaginará a Paul como una especie de demonio. A lo mejor cuando despide a Paul, será un malentendido total por lo que le está pasando a la psique de los jefes. A lo mejor una de las razones por las que Paul recupera su trabajo es porque hay algún tipo de pruebas de drogas que se realizan en el jefe, y no estoy seguro, pero estas airean todas las ideas y lluvia de ideas. Y cuando tienes algo así como un personaje en una caricatura yendo de algún tipo de viaje psicodélico , hay muchos puntos de referencia, una animación en la que se me ocurre de inmediato. Uno sería el episodio de Los Simpsons, donde Homero come de locura. Pimienta de Chile. Ahí hay un submarino amarillo, por supuesto, a partir de 1968 se sonó Go, una película animada C G I que implica una especie de búsqueda de visión. Ahí está Bojack Horseman al final de la primera temporada cuando consume cantidades masivas de drogas para escribir una autobiografía y me estoy riendo porque, claro, esa es una manera horrible de escribir una autobiografía, pero sacaron algunos visuales realmente sorprendentes de eso. Entonces algo que puedes hacer en una caricatura que sería muy difícil de replicar en una película sería lo que le pasa al jefe cuando ingiere estas pastillas para el dolor. Toda la caricatura no necesita ser alguna especie de enloquecer de animación, pero queremos establecer un estilo que le dé una razón para ser visual y también resaltar cosas que puedes hacer Onley dentro de este medio con películas menos que tienen increíblemente inflado C g Yo presupuestos estaban trabajando con casi nada, y seguimos siendo capaces de hacer cosas realmente geniales si podemos convencer a la gente de la verosimilitud de nuestras historias, La realidad de las cosas que se venían con Y la única forma en que puedes hacerlo es si tienes una buena estructura de cuentos para empezar. 8. Scriptwriting Pt 6 reescribe y punch Ups: Por muchos borradores que dio de este guión depende de ti. Siento que es bueno hacer múltiples borradores. Sé cosas que se hacen para películas de gran presupuesto. A menudo los tiempos pasan por 30 más borradores del guión, y contratan a otras personas para que entren y lo golpeen. Por lo que mencioné a Patton Oswalt, la voz de latitud muy famoso comediante. Ha trabajado como guionista ponche arriba en su tiempo, y muchos comediantes lo hacen. Si estás tratando de escribir una comedia y no eres un comediante tú mismo, te haces amigo de alguien localmente o haces una búsqueda en Internet de personas que son escritores punteados . Con mucho gusto volverán a hacer eso. Es otra inversión de dinero y tiempo, pero realmente quieres que tu proyecto sea lo mejor que pueda ser. Si no eres una persona divertida, no te animaría a buscar escritura y comedia. Cualquiera que sea el género que tengas la afiliación más fuerte con cualquier historia que creas que puedes contar completamente eso es realmente con lo que deberías estar trabajando. Sería horrible escribiendo misterios porque no sé cómo llegar a un misterio que otras personas no pudieron descifrar en cinco segundos 9. Por qué nos trazado: En este punto, vamos a hablar de story boarding, que es el proceso de colocación de tomas que se relacionan con lo que hay en tu guión. Aquí es donde se puede obtener visual con las palabras que se ponen en la página y muchos de los detalles, como las emociones del personaje o el posicionamiento de los personajes, cómo se relacionan entre sí. se ve realmente el escenario esto puede juntarse en la fase de abordaje de historias . Ah, muchos storyboards son notoriamente solo figuras de palo. A veces no las hacen personas que dibujan, sino personas que son capaces de ver las cosas cinematográficas para que sepan dónde debe colocarse la cámara , y están conscientes de la escala relativa de los personajes entre sí dentro de un tiro particular. El software con el que voy a estar trabajando es lo suficientemente convenientemente llamado story border, y esto es un freeware. Una vez que tienes tus dibujos puestos en el borde de la historia, puedes imprimirlos si necesitas una hoja de storyboard física para hacer un seguimiento de las tomas que estabas haciendo y eres capaz de hacer un y un Matic, que es una especie de demo barata versión de tu película y una Matics no les tienen mucho movimiento , pero sí te muestran cuál es el rodaje, y se pueden emparejar con las grabaciones de actor de voz, que hace que sea realmente fácil para todos los demás involucrados en la película ver lo que se supone que es la película, lo que se supone que se siente y trabajar a partir de eso. En las películas, hay directores que siempre narran sus cosas, lo más notorio, los hermanos Coen. Y hay cineastas que narran nada más notoriamente, Werner Herzog. Es mucho más típico y no un cine animado que haya algún story boarding, alguna pre visualización que se lleva a cabo porque de nuevo, igual que el guión, necesitamos saber exactamente qué estamos animando. No podemos esperar que nuestros actores se presenten y apunten una cámara en la dirección que tenemos que ilustrar o construir un conjunto virtualmente en cualquier dirección que queramos que apunte la cámara 10. Métodos de la historia Pt 1 + software: Ahora, antes de que empecemos con esta historia. Software de frontera Quiero que sepas que hay un montón de gente que a mano alzada sus storyboards y lo han hecho desde hace décadas. Hay muchos documentos de plantilla de storyboard que están disponibles en Internet. A veces la gente simplemente dibuja directamente en su cuaderno de bocetos, por lo que usar un software específico para hacer tus storyboards no es un requisito absoluto. También hay muchos APS por ahí que tienen alguna forma de story boarding que puedes utilizar en tu tablet. Tu iPad. He usado el papel 53 en el pasado. Es una de mis tabletas favoritas de dibujo Softwares. Dicho esto, esta historia de software Border tiene muchas características geniales que hacen que sea sencillo crear la Ana Matic a partir de nuestro guión y la historia de diálogo. Border tiene la opción de dibujar directamente de un guión. Si lo tienes en el formato adecuado, vamos a seguir adelante y hacer eso, y podrás ver esa historia. Frontera lo rompe al ver el exterior y el interior. Por lo que he visto una casa suburbana exterior y luego parece casa interior por lo que tienes tus escenas en el lado izquierdo de la pantalla. Tienes tus marcos en la parte inferior. Puedes agregar marcos muy fácilmente presionando el icono más encendido. Por supuesto, puedes rebotar de ida y vuelta entre esos marcos tocando cada uno de ellos. Estoy trabajando fuera de un dibujo grande en inter que está unido a mi computadora, así que estaré dibujando con un lápiz lápiz lápiz real si estás trabajando en un iPad. He tenido pro Microsoft surface. Por supuesto, puedes dibujar directamente en la pantalla. Actualmente, al momento de esta historia de grabación, border no es una app independiente. Entonces si estuvieras trabajando en el iPad o iPad Pro, no podías dibujar directamente en los marcos de la manera que yo puedo. Usando estas herramientas de dibujo aquí arriba, mi comprensión es historia. Border está trabajando en crear una aplicación independiente para los dispositivos IOS. Yo sí creo que se puede dibujar directamente en estos paneles con una tableta Microsoft Surface, por lo que mi primer marco casi siempre va a ser un marco de ajuste, muy importante establecer ajuste para que podamos orientarnos como visores exteriores suburbanos casa. Voy a usar la herramienta lápiz porque es más fácil para bosquejar y sólo voy a bosquejar ligeramente calle suburbana. Los detalles no son críticos, y ciertamente no son críticos con esta herramienta de bocetos. Yo solo hago formas básicas con la herramienta de boceto. Este lápiz. Yo cometo un error. No he deshecho herramienta aquí arriba. Y por supuesto, siempre puedes deshacer con tu control clásico. Z Command Z. De verdad depende de ti lo detallado que necesito ser o quiero estar con tus storyboards. En alguna animación indie, podrías estar haciendo el guión gráfico por ti mismo. Y así estaría haciendo este storyboard para que yo lo miro. No necesito impresionarme. Solo necesito saber cuál es el disparo. Y si el tiro es literalmente exteriores de casas, esto podría ser un detalle, como necesito conseguir. Si estás tratando de recaudar fondos de un Kickstarter o de un inversionista, creo que querrías ser mucho más limpio y claro con tu escena general. Si necesita alterar los colores que aparecen en la lista, mantenga presionada la paleta de colores. Selecciona lo que quieras. Si necesitas un pincel más grande que el que se proporciona aquí, utiliza los soportes de tu teclado y verás que la herramienta de lápiz se hace cada vez más grande. Voy a dibujar al más pequeño papelero. Puedo duplicar fotograma golpeando a D. Necesito duplicar mi primer fotograma que no tiene el papelero. Entonces necesito mover este marco por encima porque quiero dibujar al papelero avanzando por la calle. Para hacer eso, empujo aguanta. Y donde está ahora ese icono de triángulo rebotante, he cambiado una secuencia 12 movimientos de papelero. Siempre tienes una pequeña imagen fantasma de tu disparo anterior. Esta es la piel de cebolla. Entonces aquí mismo puedo ver parcialmente donde mi papelero waas, y eso me ayuda a ilustrar dónde va a estar en el siguiente. Frank, no estoy haciendo una animación completa, así que no estoy ilustrando cada pedacito de secuencia entre lo que está tramando. Yo estoy en Lee moviéndolo para que la gente tenga una idea de lo que se supone que es el disparo 11. El trazado de trazado Pt 2: por lo que por defecto, tus fotogramas son de dos segundos cada uno. Si quieres que sea cualquier velocidad diferente, la forma en que puedes cambiar eso es ir directamente a tu duración. 1000 milisegundos es un 2do 2 segundos es 2000 milisegundos. Probemos algo realmente pequeño, como medio segundo cada fotograma. Establezca eso para cada uno. Si quiero resaltar un grupo de estos y cambiar la duración todo a la vez, simplemente selecciona el 1er 1 Turno viejo agarrado. El resto va a duración. Medio segundo serían 500 milisegundos, y ahora están todos cambiados. Analicemos lo que hemos dibujado presionando el botón de reproducción. Otras características y borde de la historia incluyen agregar un archivo de audio. Entonces si ya tienes algunos efectos de sonido o tienes una grabación de voz en off que quieres agregar a tu automática, puedes hacerlo seleccionando aquí el archivo de audio y agregándolo a tu fotograma. Si quieres grabar tu propio diálogo para igualar la acción que está sucediendo en tu story board, digamos que no tienes actor y quieres intentar fijar la duración del disparo al diálogo tal y como está escrito. Puedes utilizar este botón de grabación justo al lado para seleccionar audiófilo, y grabarás directamente en tu computadora a través del micrófono de la computadora cuando hayas dibujado tus tableros para todas tus escenas, y resulta que tengo solo dos escenas aquí, puedes exportar en automático yendo archivo, y luego tienes muchas opciones de cómo quieres exportar. Puedes imprimir un guión gráfico o una hoja de trabajo si simplemente quieres tener versiones impresas de lo que has dibujado digitalmente. Por lo que tienes exportar GIF animado como una opción o una escena que puedes usar ya sea en final cut pro o W premiere. También puedes importar hojas de trabajo o imágenes si eres más ilustrador de papel y bolígrafo que se aleja de la computadora y no tiene monitor de dibujo pero aún así quieres hacer uso de los bordes de la historia y de unas herramientas Matic 12. Storyboard Pt 3 lo que se pasa en tus trazos: En este punto, deberíamos hablar de lo que realmente va en los marcos, y si alguna vez has ilustrado un comentario antes o has sido lector de cómics, no ponen cada detalle en los marcos de un cómic. Ponen el momento o emoción o información más importante dentro de los marcos. Ese es todo el espacio que tienen cuando se ilustra el cómic. Por lo que he desglosado esta información en algunas variedades diferentes. Uno es el momento decisivo, un término acuñado por el fotógrafo Henri Cartier Bresson. En su fotografía, apuntó a captar el momento pico de una escena en esta escena en particular, un hombre saltando a un charco de agua. Pero justo antes de que golpee, Así que tiene esta energía que procede en el pasado y en el futuro. Pero es en este marco en particular el que es el más emocionante. Si en realidad hubiera saltado al agua y tuviera la explosión, sí, sería climática. No obstante, es la anticipación la que más nos emociona como espectadores. Este es el momento decisivo. Esta es la causa de golpe nocaut y efecto se relaciona con una secuencia de eventos donde ocurre una cosa , causando que otra cosa suceda, y Si tu historia abordaje y quieres demostrar que alguien es asesinado por un disparo de arma de fuego, realmente necesitas mostrarle al asesino de alguna manera preparándose para ese disparo. O sacan el arma, les muestras disparándolo. Pero tener un marco donde la persona ambos dispara el arma y la persona dice argumentó, me mató y muere no se llega del todo a través de la energía de una escena que necesitamos. Tenemos que ver la causa, el disparo de arma de fuego, y necesitamos ver el efecto, la persona que recibe un disparo para que invirtamos nuestras mentes en la escena al inicio de cada escena, necesitamos establecer ambientación. Si no establecemos el ajuste, tenemos problemas tanto con la creíbilidad de lo que está sucediendo en la pantalla continuidad con escenas anteriores. Una vez que hayas establecido el ajuste, no siempre tienes que mostrar ese escenario detrás de tu persona. Una transición a un nuevo entorno es una forma de refrescar la mente del espectador. Ya hemos pasado. Hemos avanzado esta historia en una dirección u otra en los cómics. Tradicionalmente, establecerán un escenario, y luego se Espolvorearán en algunos detalles de conjunto detrás de los personajes. Pero podrían dejar paneles que son esencialmente el personaje principal emocionándose contra un fondo en blanco . Algo que separa los cómics de la animación además del factor de tiempo y movimiento y animación es que no necesitas dejar espacio para los globos de palabras como lo hacen en los cómics. Entonces si quieres mantener un trasfondo consistente, eso es genial. Tan solo asegúrate de que no abrume lo que hace el aire de tu personaje en pantalla. Lo final que necesitamos preocuparnos dentro de la historia. El abordaje es punto de vista, y lo que realmente es el disparo. Por lo que punto de vista se relaciona con un cierre hasta el punto de vista de un pájaro, que mira hacia abajo un punto de vista ojo de gusanos, que está cerca del suelo y mira hacia arriba. Pero las tomas de cámara se relacionan con el movimiento de la cámara real que podría estar acercando a un personaje donde tus figuras o tu fondo se hacen más grandes. medida que avanza el tiempo, podría estar alejándose donde comienzas de cerca de algo, y con el tiempo se vuelve más pequeño a medida que retrocede en segundo plano. Podría ser una sartén o un dulce, donde la cámara realmente se mueve de lado a lado o gira alrededor de una figura u objeto. Estas son cosas que puedes establecer en el embarque de la tienda. Entonces cuando llega el momento de la animación, ya tienes decisiones tomadas por ti. Siempre habrá un dibujo o tiro específico que mejor sirva a la historia que mejor vende la emoción de lo que se supone que están sintiendo los personajes, lo que se supone que están pensando que le da al público toda la información importante que necesita, mientras se asegura de que todo lo que pones en la pantalla sea visualmente interesante. Si nada más, cuando el storyboarding se mantuvo dedicado a lo que mejor cuenta la historia, y es probable que tengas mucho éxito en tu trabajo, vale, si haces eso, tus story boards deben ser claros para cualquiera, ya sea que sean figuras de palo completamente renderizadas o básicas, si les tienen todo un montón de acción o si son solo los momentos más simples y decisivos de tus escenas. 13. Voz sobre Pt 1 con un sitio de pago de voz: Una vez que tienes el guión y tienes tu story board, este es un buen momento para grabar las voces de tus actores. Un error que muchos animadores cometen es simplemente usar las voces que estén inmediatamente disponibles para ellos, incluyendo su propia voz. Por lo que puede que seas un gran artista de storyboard, pero es poco probable que seas capaz de hacer todas las voces de los personajes jóvenes, viejos, masculinos, masculinos, femeninos de cada andadura de la vida. Y las personas que ven tu película definitivamente notarán si es la misma persona exacta haciendo cada voz encendida. Notarán si es mala actuación y notarán si está mal registrado. Es por eso que los animo a buscar a actores profesionales, artistas de voz. Y no hablo de personas que trabajan en Los Simpsons o Futurama. Pero hay muchas opciones para encontrar voz sobre talento, voz sobre actores. Por lo que tienes sitios web como voices dot com, el reino de la voz, muchos otros. Una de las grandes cosas de thes sitios es que puedes audicionar a personas para voces particulares. Puedes estar seguro de que entregarán porque tienen calificaciones y reseñas, y también puedes estar seguro de que tienen buenos escenarios de grabación. Tienen un estudio en casa o van a un estudio. Tienen acceso a un buen estudio de grabación, y entregarán algo que no está lleno de ruido que no necesita ser limpiado , no tiene mucho eco o río y no tiene una PLO tamiz en el micrófono, que es donde se habla en el micrófono y se usa P, y empuja ahí. Hace que sea muy difícil limpiar cualquiera de ese tipo de errores. Nos meteremos en buenas técnicas de grabación de audio en unos minutos, pero quiero guiarte por algunos de estos sitios y mostrarte cómo puedes buscar talento para tu proyecto. Por lo que aquí tenemos tres sitios donde comúnmente se puede buscar talento de actuación de voz, voces dot com, el conejito de voz y el reino de voz. Entonces, buscar específicamente la animación es realmente fácil? Podemos ir directamente a voces de dibujos animados como palabra clave. Es una palabra clave común en todos estos, así que voy a seguir adelante y navegar por los actores de voz factura conejito, y tienes opciones de qué tipo de idioma, incluyendo variaciones de inglés. Tienes qué tipo de género y grupo de edad. Por lo que tenemos jóvenes, adultos, femeninos, blancos y gran número que hombre adulto joven, 7000 voces, machos de mediana edad, 11 mil voces en la voz conejito solo. Tienes el propósito y uno dice personajes en videojuegos Adelante y haz clic en eso. Y luego tienes las muestras de voz que, como puedes perusar no, ¿crees que puedes destruirme? De ninguna manera. Por lo que en cada uno de estos sitios, eres capaz de salvar a los actores. Dos favoritos Si te gusta su estilo o crees que van a ser apropiados para tu proyecto en particular, cada actor tiene una tasa diferente, por lo que es muy difícil decir cuánto debes presupuestar para la actuación de voz. Mi experiencia, sin embargo, es que siempre van por exactamente lo que quieres. Si necesitas encontrar una manera de aumentar tu presupuesto, necesitas encontrar la manera de recaudar más dinero para tu proyecto animado de lo que es lo que necesitas hacer. Pero si te estás conformando con los actores más baratos, entonces realmente estás sentando tu proyecto por el fracaso. Este es Toby Ricketts. Tengo que picar con tu nombre en él Así que te gusta algo. Entonces, como puedes ver aquí en Voice Bunny, la tasa de inicio para 150 palabras un minuto de audio es de 69 dólares. Eso es empezar, ¿verdad? No todos los actores tienen este precio en particular y podrían ser algunos que son mucho más altos porque tienen más demanda. Cinco minutos de grabación Estás empezando en 1 43 Recuerdo que precios un producto hace un rato con actriz que quería por cinco minutos, e incluso tenía un cupón en. Era algo el barrio de 304 $100 suena caro, pero estás metiendo cosas dentro. A. Obtendrás una grabación profesional dentro de unos días por un profesional que sabe lo que está haciendo, y muchas veces puedes dirigirlos a través de Skype durante el proceso de grabación. Entonces si están haciendo las cosas un poco diferente a lo que quieres que se hagan para tu proyecto animado, eres capaz de hacer sugerencias y lo seguirán. 14. Voz sobre la grabación del voz Pt 2: Entonces una vez que sabes quién está haciendo las voces para tu animación, tenemos que hablar de cómo grabarlas, todo si eres tú quien está haciendo grabación. primer paso es que necesitas una configuración consistente. Entonces cuando tienes voces de actores uno al lado del otro en tu animación, uno no suena como si estuvieran grabadas en closet, y el otro suena como si fueran grabadas en campo abierto. Si eres el que está haciendo una grabación de lo que puedes o bien rentar tiempo de estudio y hacer que vengan ya sea por completo o de uno a la vez. O puedes crear algún tipo de configuración de grabación móvil. Tengo uno de esos, y transporté por ahí y grabé yo mismo a los actores. Mi configuración de grabación móvil en realidad implica las cosas que estoy grabando este tutorial actualmente, Así que tengo un iPad con GarageBand corriendo. Tengo un micrófono de frambuesa azul Frecuentemente, Si estuviera grabando actores, tendría un filtro pop, que es algo que se sienta frente a un micrófono y detiene el lugar de tormenta que viene a través, y tendría algún tipo de espuma absorbente de sonido alrededor del micrófono. He visto a la gente hacer estas cosas ellas mismas. Pero puedes comprar este tipo de cajas absorbentes de sonido muy barato, y probablemente tendría absorción de sonido adicional debajo del micrófono. Al igual que actualmente, tengo una toalla debajo de este micrófono, por lo que no está captando ninguna reverberación de una superficie de madera dura. Conforme estoy grabando esto, si hay fallas de audio en tu proceso de grabación, van a aparecer, y van a hacer que tu caricatura sea muy difícil de ver. Es muy poco lo que puedes hacer para corregir sonidos cuando tienes reverberación de eco masiva, cierran identificadores en ellos. Puedes mirar hacia arriba en Google o YouTube sobre cómo arreglar estas cosas, y puedes gastar mucho dinero comprando enchufes. Pero en última instancia, la mayoría de estas cosas no funcionan, y estás mucho mejor capturando un buen audio. De lo mejor que puedas y consistentemente entre todos tus actores, siempre tómate tiempo configurando tus cosas correctamente para que no tengas problemas que no puedas arreglar en postproducción. Ahora bien, si tienes tus actores grabando juntos, es muy difícil conseguir una buena grabación entre dos personas en un micrófono, por lo que necesitarás múltiples micrófonos para eso en la mayoría de las películas animadas y trabajo de voz en off. La gente no graba juntas si estás en un escenario donde estás sentado con tu actor de voz y están leyendo sus líneas. Pero es un diálogo, Así que tiene que haber otro actor respondiendo a ellos como el director de cine, escritor productor. Cualquiera que sea el papel que tengas, te animaría a leer el diálogo de la persona con la que están conversando . Entonces si he actuado diciendo sus líneas, interpretaría al actor B y diría mis líneas. A pesar de que no soy un buen actor, sólo necesito llenar el espacio y tener ritmo. Por lo que este actor sabe qué tan rápido responder. Y cuando llevas tus archivos de audio a tu editor de sonido, solo puedes cortar al actor B. Puedes cortar tu mala actuación. Le estás dando a tu actor algo a lo que responder cuando tienes una sesión de grabación con alguien y ellos están grabando sus líneas. Tu mejor servido para obtener múltiples tomas de una lectura de línea. El director Stanley Kubrick fue famoso por hacer que sus actores repitan escenas más de 100 veces. Siento que eso no solo es innecesario, sino que es muy molesto a tu voz, los actores se particulan temprano Si son alguien que siente que saben exactamente lo que están haciendo, haciendo,saben actuar. Un buen número de tomas podría ser de 3 a 5 tomas. Y cuando alguien lee una línea, leen esa línea de tres maneras diferentes. Tú, como director eres el responsable de guiar a los actores en las direcciones que deben estar leyendo estas tomas. Si alguien dice, Cuidado con los hombres radiactivos, entonces podrías decir, OK, haz uno con Mawr Theory. Cuidado, Hombre radiactivo. De acuerdo, ahora haz uno con más miedo y más rápido lo que ya erigiste, hombre. Y ahora tienes tus tres tomas y puedes elegir tras el hecho cuál encaja mejor para tu guión, tu animación. Pero tienes tres opciones, y son muy distintas. Por supuesto, a veces hay diálogo donde hay lenguaje confuso. A lo mejor, y ese podría ser un punto en el que realmente hay que cambiar el guión sobre la marcha. Porque muchas veces cuando los escritores escriben las cosas, no piensan en cómo se van a decir en voz alta y lo difícil que es para los actores decir: Adelante y mirar hacia arriba. El muy famoso comercial de Orson Welles Frozen guisantes para conseguir un buen ejemplo de cómo un gran actor puede ser tropezado por un diálogo mal escrito. Pero como todo lo demás en esta clase de pre producción, si te tomaste el tiempo Teoh, escribe el guión y asegúrate de que estaba entregando información importante para hacer avanzar la historia, y las palabras no estaban llenas de sílabas y sonidos confusos. 15. Reflexos finales de la producción de la animación: un último consejo cuando estabas grabando tu voz sobre actores antes de cerrar la sesión y irte a casa. Siempre vuelve atrás y asegúrate de que tienes la grabación que necesitabas porque son instancias que he tenido donde mi software se estropeó y en realidad recorta secciones de diálogo. Este micrófono tiene un nam de audio, y tal vez se volvió todo el camino hacia abajo, y no estaba consciente de eso cuando hicimos la grabación, así que el sonido era demasiado suave para usar y no pude potenciarlo. Hay momentos en los que solo hay un zumbido raro porque tal vez se rompió un cable. Hay cosas que van a aparecer en tu grabación final, y si ya has llamado a fin de sesión y te fuiste a casa o tu voz sobre actor se ha ido a casa, entonces tienes que volver a hacer todo de nuevo y todo lo que tendría te tomó waas un par minutos para que te frotes y asegúrate de que obtuviste lo que necesitabas. Más que nada, espero que salieras de esta clase. Esa preparación es de vital importancia para crear lo que se quiere hacer y nosotros como creadores, animadores ilustradores tienden a querer estar satisfechos de inmediato. Queremos hacer una cosa. Queremos verlo moverse. Si saltamos los escalones donde clavamos la historia, obtenemos un buen audio. Nosotros averiguamos cuáles son nuestros tiros. Si nos saltamos esos pasos de lo que nuestro producto va a ser mucho peor para ello, nunca olvides lo que pasó. Peter Jackson. Recuerda echar un vistazo a mis otros cursos de animación, especialmente esos animador de personajes de comics de movimiento, ilustrador After Effects Photoshopped Mawr Si tienes algunos ejemplos de cosas que has hecho como resultado de esta clase, Me encantaría verlo. Por lo que puedes enviarme un correo electrónico a info at primordial creative dot com y compartir tus creaciones conmigo . Habla contigo la próxima vez.