El Ilustrador de una paleta: Descubre cómo funciona el color en tu arte

1. Avance de la clase: Si eres ilustrador y alguna vez has sentido que simplemente no puedes conseguir tus colores correctos, esta clase es para ti. Mi nombre es Tom Frost. Soy una ilustradora galardonada y una maestra superior aquí en Skillshare, donde he ayudado a decenas de miles de estudiantes a desbloquear el mundo del arte comercial y la creatividad. Recuerdo una época en la que parecía que no podía hacer bien donde se trataba de colores. Siempre sentí que estaba tomando la decisión equivocada o que mis elecciones eran simplemente aleatorias. Incluso como egresado de una escuela de arte después de años de aprender teoría del color, bueno , me ayuda a hablar del color, nada parecía hacerme mejor trabajando con él. Pero con el tiempo, noté algo. Estaba usando el mismo tipo de colores en mi trabajo y estos mismos tonos aparecerían repetidamente. Entonces pensé por qué no sólo formalizar estos en una sola paleta y utilizarlos más a propósito. Acompáñame mientras te muestro lo que significa ser un ilustrador de una sola paleta y cómo es mucho más poderoso de lo que podrías pensar. Como de costumbre, pasaremos por algunas ideas clave y teoría en la imprimación luego hacer algo de autodescubrimiento y construcción de paletas personales en los ejercicios. Como de costumbre, lo pondremos por completo en un jugoso proyecto final. ¿ Quieres descubrir cómo usar el color de tu manera única? Una gran manera de empezar es como ilustrador de una paleta. A partir de ahí, las posibilidades son, bueno, son limitadas y gracias a dios. Es sólo mediante el establecimiento intencionalmente y el cumplimiento de límites que podemos ser nuestros más creativos. Exploremos lo que significa ser un ilustrador de una sola paleta juntos. Te veré en clase. 2. Acerca de esta clase: Esta clase se desglosa en tres partes generales: la imprimación, los ejercicios, y por supuesto, el proyecto final. El imprimador se descompone en dos partes más pequeñas donde primero veremos lo que significa ser un ilustrador de paletas de una sola y cómo eso nos hace más fuertes usando el color en nuestro trabajo y luego pasaremos por algunos conceptos clave en la teoría del color solo para ponernos a todos en la misma página con lo básico antes de entrar al resto de la clase. Como siempre, la imprimación se trata de empoderarte con comprensión para que sepas, no sólo cómo vamos a hacer las cosas en esta clase, sino por qué. Estos son principios que puedes llevar contigo a todo tu trabajo avanzando. En los ejercicios vamos a empezar a poner en acción todos los conceptos de los que hablamos. Empezaremos por buscar pistas lo que nuestro propio color siente reflexionando sobre nuestro propio trabajo. También veremos algunos de los trabajos de nuestros héroes de la ilustración en busca de pistas de cómo podría verse el color en nuestro propio trabajo. Sobre esta base del descubrimiento, construiremos nuestras propias paletas de colores limitadas para usarlas en el proyecto y tal vez incluso más allá. El proyecto siempre es donde llegamos a poner a prueba toda la teoría de la imprimación y todos los descubrimientos de los ejercicios. Trabajando con la paleta que construimos en los ejercicios, crearemos dos ilustraciones: una simple serie de spots usando una paleta estricta y una escena más compleja, incluyendo algunas personas y algunos de los objetos que ilustramos en el primer set usando una versión más variada de nuestra paleta. Por supuesto, estaré compartiendo cómo pienso en el color mientras trabajo a través de mis propias ilustraciones en las demos. En cuanto a la experiencia, esta clase es para cualquier persona que alguna vez haya luchado con elegir y usar el color en su ilustración. Si alguna vez has querido tener más confianza en cómo usas el color, o si te has preguntado cómo llegar a ser más consistente en cómo funciona el color en todo tu trabajo, esta clase es para ti. Ya sea que hayas estado ilustrando durante décadas o simplemente estás empezando, va a haber montones de insights que puedes llevar contigo en tu proceso avanzando. Si bien esta clase no es una clase de teoría a todo color, estaré pasando por lo básico y mostrando cómo se relacionan con las preguntas más profundas sobre el color y el estilo en tu propio trabajo. En cuanto a habilidad y técnicas, esta clase se enfoca en usar el color de una manera muy específica, a saber, trabajar con paletas muy limitadas utilizando herramientas de ilustración digital y trabajar de manera más plana, más estilizada. Como dice el nombre de esta clase, todo se trata de elegir una sola paleta de colores, y sí, literalmente estoy tratando de venderte sobre trabajar con una paleta dominante en todo tu trabajo. En cuanto a equipamiento, por supuesto, alguna experiencia en herramientas de ilustración digital como Photoshop, Illustrator o Procreate es bastante esencial. Utilizo Procreate para bocetos y Photoshop para mis ilustraciones finales, pero puedes usar cualquier herramienta digital con la que te sientas más cómodo, ya sea en el iPad o en el ordenador. En cuanto a tiempo para completar, los ejercicios podrían tardar en cualquier lugar desde 30 minutos hasta un día entero o más. Las dos ilustraciones en el proyecto podrían tardar en cualquier lugar desde una hora cada una hasta el tiempo que quieras. En mis clases, aliento tomarte tu tiempo y pensar a través de tus decisiones tanto como necesites. Al tratarse de todas las pistas de descubrimiento de tu propio estilo y cómo usas el color, es posible que te encuentres bajando por el agujero del conejo y perdiéndote ahí abajo por más tiempo de lo que esperabas. Al tomar esta clase, aprenderás el poder de trabajar con una paleta limitada, tanto en proyectos individuales como en todo tu cuerpo de trabajo. Obtendrás conocimientos más profundos sobre los tipos de colores que más te atraen y cómo puedes incorporarlos más en tu propio trabajo. Descubrirás cómo el color y el estilo funcionan juntos y cómo usar colores más consistentes puede empoderarte tanto en tu trabajo personal como profesional. Apenas una última nota. color, al igual que el estilo, es algo con lo que debemos aspirar a ser más consistentes, pero también es algo que debería evolucionar con nosotros. Comprometerse con una paleta de colores no es un matrimonio forzado ni una sentencia de prisión, es una relación entre lo que sabes de ti mismo en este momento. Si la idea de comprometerse con una sola paleta tanto te excita como te asusta, has llegado al lugar correcto. No hay mejor manera de resolver esto que aquí en esta clase. 3. ¿Qué es un ilustrador de una paleta?: Con todas las clases de teoría del color por ahí y todas las herramientas disponibles para hacer paletas armoniosas, pensarías que usar el color hoy sería una cincha. El realidad es que podrías conocer toneladas sobre la teoría del color, y entender los significados detrás de todos los colores, y todavía no saber realmente cómo usarlo a tu manera, en tu arte. color resulta ser mucho parecido al estilo donde queremos poder usarlo de una manera única. De hecho, el color y el estilo están muy relacionados y uno informa al otro, tal vez más de lo que cabría esperar. En mi clase de estilo, hablo de cómo tu estilo de ilustración se basa en tus habilidades y tus proclividades. Tus habilidades son las cosas en las que eres bueno, ya sea por naturaleza o a través de habilidades y conocimientos adquiridos. Tus proclividades son cosas por las que naturalmente te atraen. Son las cosas que simplemente te pasan a gustar. Encontrar tu estilo viene de trabajar donde estas dos cosas, tus habilidades y tus proclividades se superponen para luego desarrollarlas intencionalmente. A pesar de que sólo tienes un control limitado sobre lo que eres bueno y lo que te gusta, tu identidad como ilustrador, tu estilo, es en gran parte una opción. Eliges comprometerte con una expresión de estilo a expensas de todas las demás expresiones posibles. Al hacer ese compromiso, cualesquiera que sean los sacrificios que hagas, estás ganando algo enorme, la oportunidad de dominar una cosa, convertirte en lo mejor en lo que puedas estar. Desde ese lugar de fuerza, siempre puedes crecer y evolucionar de cualquier manera que quieras. Al igual que el estilo es una elección, un descubrimiento de ciertas cosas que te gustan y en las que eres bueno, y luego un compromiso de desarrollarlas y usarlas en tu trabajo, color también es una opción. Debemos elegir ciertos colores y ciertas formas de usar los colores a expensas de todas las demás posibilidades. Este es el punto de partida para toda la idea de ser un ilustrador de una sola paleta. Ser un ilustrador de una sola paleta significa primero conocer qué colores tendemos a sentirnos atraídos y aprender cómo aprovechar este gusto subjetivo o sentido del color a propósito con confianza en nuestro arte. Esto requiere tanto de reflexión personal como incluso un poco de autocrítica. También requiere habilidades para usar nuestras herramientas y entender cómo funciona el color de acuerdo con la teoría básica del color. ¿ Qué es un ilustrador de una sola paleta? Un ilustrador de una paleta utiliza un conjunto limitado de colores en la mayor parte de su trabajo. En consecuencia, el cuerpo de trabajo de un Illustrator de un pellet es más consistente. Ya sea que sean trabajo en un estilo estricto o que lo mezclen un poco, su selección y uso del color lo une por completo de manera más armoniosa. Un ilustrador de una paleta siempre sabe qué colores estarán utilizando incluso al inicio de un trabajo. Incluso cuando nos dan colores para usar por nuestros clientes, tenemos tanta práctica usando una paleta de colores limitada a nuestra manera que es fácil aplicar nuestras técnicas con sus colores. En lugar de limitarnos creativamente, usar un solo conjunto de colores en nuestro trabajo nos da el tipo de restricciones que necesitamos para ser verdaderamente creativos. Un ilustrador de una paleta demuestra una y otra vez que la creatividad no proviene de la libertad de los límites, sino de la solución de problemas dentro de ellos. Como ilustradores de una sola paleta, nuestro objetivo principal es usar el color de manera consistente y con confianza. Si bien es posible que necesitemos usar otros colores de vez en cuando, y si bien a veces el color tendrá que establecer el estado de ánimo o representar ciertas ideas, en su mayor parte, las funciones de color para atraer los ojos y equilibrar nuestros composiciones todo mientras son consistentes dentro de nuestro estilo general. El objetivo con usar una sola paleta es la confianza, la consistencia, y la eficiencia, no la flexibilidad y ciertamente no imitar la realidad. Se trata más de tener una identidad visual consistente. Con ese gato fuera de la bolsa, ahora veremos algunas posibles objeciones al enfoque de una sola paleta y veremos lo que no significa ser un ilustrador de una paleta. 4. Posibles conceptos erróneos (¿soy una persona de un solo truco?): Yo lo entiendo. Ser un Illustrator de una sola paleta suena un poco demasiado cerca de ser un pony de un solo truco. Pero realmente no creo que este sea el caso. Como ya he dicho, se trata de identificar dónde se superponen tus fortalezas y gustos, y comprometerte a construir sobre estos con más enfoque. Es así como se desarrolla una voz como ilustrador. Pero otra vez, lo entiendo. Hay una fina línea entre ser disciplinado y decisivo por un lado, y ser inflexible y crecer estancado por el otro. Aquí te presentamos seis posibles y válidas ideas erróneas sobre lo que significa ser un Illustrator de una sola paleta, y algunas aclaraciones que espero ahogar cualquier preocupación que pueda tener. El primer concepto erróneo es que como Illustrator de una sola paleta, nunca se pueden usar otros colores. Esto simplemente no es cierto. Del mismo modo que las personas que trabajan en un estilo decisivo limitado en su trabajo comercial pueden mezclarlo de vez en cuando, puedes variar tu paleta de colores limitada cuando quieras. Lo principal a recordar aquí, es que debes apuntar a la consistencia general en tu trabajo las horas extras, sobre todo cuando lo presentas a tu público, tanto en redes sociales como en tu cartera. Empezar todo tu trabajo desde una sola paleta, es un punto de partida que puede llevar a cualquier parte. Incluso si terminas con colores salvajemente diferentes en algunos proyectos, siempre que estés atascado, siempre puedes recurrir a tu viejo amigo de confianza, tu única paleta de go-to. El segundo concepto erróneo es que si solo usas unos pocos colores todo el tiempo, significa que no sabes usar bien el color. Esta es la falacia del pony de un solo truco. Como ahora sabemos, usar unos pocos colores se trata de saber lo que nos gusta y lo que nos inspira en saber incorporar este entendimiento en nuestro propio trabajo a propósito. es que no sepamos usar bien el color, sino que nos conozcamos bien. Si hemos hecho bien nuestra tarea, no es solo que hayamos tomado paleta de colores de otra persona y decidimos usarla para siempre. Nuestras paletas go-to home provienen de conocernos a nosotros mismos, de entender qué colores funcionan mejor para nosotros y nuestro estilo la mayor parte del tiempo. A medida que usamos nuestras paletas una y otra vez, nos volvemos mejores y mejores en usarlas y en resolver problemas visuales dentro de nuestras limitaciones. El tercer concepto erróneo es que al usar solo una paleta limitada, ignoras la teoría del color. Si estás usando bien tu propia paleta, hecho estás trabajando dentro de las mejores prácticas de la teoría del color. Como veremos más adelante en esta clase, nuestra paleta de go-to se construirá utilizando los principios de la teoría del color. En todas las formas, usaremos nuestros colores en el proyecto están de nuevo, arraigados firmemente en una comprensión de la teoría del color. El cuarto error es que al ser estricto con tus colores, estás siendo injusto con los de tu cliente. Los clientes que pagan merecen que les muestres diferentes opciones de colores, ¿no? Yo diría que tal vez, pero sólo si eso es un servicio que usted ofrece. Cuando piensas en tu estilo como marca, que sin duda es, marcas siempre tienen estrictas paletas de colores. Es mediante el uso de estos colores de una manera disciplinaria consistente, que la marca se refuerza. Al igual que nosotros como ilustradores a menudo tenemos que trabajar con los estrictos colores de las marcas con las que estamos trabajando, nosotros también podemos hacer cumplir nuestros propios colores de marca. Ahora por supuesto, si tenemos que trabajar con otros colores, definitivamente deberíamos hacer eso. Lo sorprendente es que a medida que nos hacemos mejores trabajando con nuestras propias paletas de colores a nuestra manera, podemos transponer desde nuestras paletas a las de nuestros clientes, con un mínimo esfuerzo. En el camino porque estamos usando el mismo tipo de técnicas, cualquier arte que hagamos con nuestras paletas fuera de nuestras paletas caseras, tendrá una sensación similar a ella. Es importante señalar aquí que una clave para uso consistente del color es tener un estilo y una técnica consistentes. Si cambias estos de proyecto a proyecto, posible que te resulte difícil usar el color, de la misma manera, cada vez. El quinto error es que al apegarte a una paleta estricta, estás limitando tu propio crecimiento como artista. Esto puede ser cierto si de hecho solo eliges una paleta al principio de tu desarrollo, y nunca intentas nada más. Pero mira más de cerca cómo se hace la paleta de uno. No viene de la pereza o de la falta de crecimiento, sino al prestar atención constantemente a cómo estás evolucionando y en el camino, qué cosas permanecen constantes. Identificar nuestras constantes no es el signo de falta de crecimiento, sino un signo de madurez y experiencia. Por supuesto, si optas por probar nuevos colores y diferentes estilos y técnicas fuera de tu cuerpo principal de trabajo, depende de ti. Como artistas, por supuesto, siempre deberíamos estar experimentando y jugando con nuevas ideas, ya sea en nuestro cuaderno de bocetos o en un proyecto paralelo. Tener colores establecidos o un estilo conjunto como tu principal cosa de cara pública no significa que sea tu única cosa. Por último, la sexta equivocación es que al apegarse a una paleta estricta, no tendrás suficientes colores para representar todo lo que necesitas representar en una ilustración dada. En cierto modo, esto es realmente cierto. Es posible que no tengas naranja en tu paleta de go-to, lo que dificultaría representar una naranja, la fruta, en un color realista. Si no tienes amarillo en tu paleta, tendrás que elegir otra cosa para un autobús escolar o un plátano. Pero este es uno de los aspectos más bellos y creativos de la limitada paleta de colores. Trabajas con lo que tienes y los resultados suelen ser sorprendentes. Una estudiante me preguntó alguna vez cómo podrían usar el color una manera más caprichosa donde el cielo no tiene que ser azul y las hojas no tienen que ser verdes. No es que los ilustradores tomen estas decisiones arbitrariamente. No sólo cambiamos los colores para ser caprichosos. En cambio, comenzamos con una paleta de colores limitada y luego trabajamos dentro de ellos. 5. Ilustradores de una paleta en la naturaleza: Ahora que sabemos lo que es y no lo es un ilustrador de una paleta, me gustaría compartir algunos ejemplos de ilustradores que trabajan en un conjunto dominante de colores. Me gustaría observar particularmente cómo sus opciones de color se unen sin problemas a su estilo y ayudan a construir su marca como artistas en el espacio comercial. También me gustaría señalar que estoy escogiendo trabajo a mano de estos artistas que todos parecen apuntar a un grupo central de colores. En muchos casos, encontrarás trabajo suyo que utilizan todo tipo de otras paletas, pero los ejemplos que comparto, lo que puedo decir, apuntan a sus esquemas de color más dominantes o preferidos. En el camino, estaré usando algunos términos de color con los que quizá aún no estés familiarizado. Por favor, ten en cuenta que estaremos cubriendo muchos de estos en la sección de teoría del color más adelante en la clase. Nuestra primera artista es Anna Hurley. Anna Hurley, con sede en Oakland, trabaja en un estilo deliciosamente sencillo y lúdico. Trabajando en un medio claramente digital, veo aquí muchas técnicas inspiradas en la impresión, particularmente su uso de formas audaces, simples o sutiles o sin textura, bordes claros, delineados, y por supuesto, palés simples. Si bien ella, como la mayoría de los demás artistas que veremos hoy, trabaja en una variedad de palets, su cuerpo general de trabajo traiciona su preferencia por el cian, azul, rosa, amarillo, rojo, naranja y verde. También parece gustarle un fondo cremoso o de color amarillo. Su paleta parece estar arraigada en un conjunto triádico aún más pared-back, amarillo profundo, rosa y azul cian, que combina usando multiplicación o un efecto de sobreimpresión, que estaremos observando más de cerca en la sección de teoría del color. En su trabajo, observo la ausencia casi completa del negro real. En su lugar, un negro efectivo es creado por la combinación más oscura posible de todos los colores dados en su paleta. El siguiente artista es Louise Lockhart. Vivir la vida de la artista romántica en un viejo molino en Inglaterra, la ilustradora Louise Lockhart, aka The Printed Peanut, tiene un estilo claramente inspirado en la impresión y el nombre de su tienda en línea, The Printed Peanut, apoya mi alegación. Bueno, Lockhart claramente se deleita en todos los colores. La mayoría de su trabajo está arraigada en una tríada de cian, rosa y amarillo, que se puede combinar como el trabajo de Anna Hurley a través de efectos de sobreimpresión para crear rojo, naranja, azul y verde. Nuevamente, al igual que Hurley, Louise Lockhart es capaz de prescindir del negro, en cambio combinando varios colores para crear el oscuro más oscuro, más contrastia. El trabajo de Louise es un ejemplo perfecto de cómo el estilo, técnica y el color se mezclan entre sí. Su trabajo está hecho literalmente para técnicas primitivas de grabado como la tipografía, e incluso cuando no lo es, parece jugar dentro de las mismas limitaciones. Esto es lo que hace que su trabajo sea tan distintivo y consistente. Nuestra siguiente artista es Katie Benn. En su página web, la artista con sede en San Francisco Katie Benn dice que está inspirada en los envases vintage y todo el color de las cosas. Si bien trabaja a través de diversos medios, su estilo general y uso del color es consistentemente simple, con guiños al arte popular estadounidense, grabado warholesco y para mí, alguna manera evoca una sensación de signos de barbería [inaudibles] . Al igual que otras del conjunto, trabaja con formas planas de color, con bordes delineados claros, sin casi ninguna evidencia de mezcla o estratificación. Su limitada paleta recurre tanto en sus pinturas, su trabajo de aspecto más digital, rosa, amarillo, azul, rojo, y a veces verde, azulado y cian. Los colores adicionales se derivan fácilmente de combinaciones de estos colores, especialmente en los primarios como tríadas de rosa, amarillo y cian. Ya sean medios digitales o físicos, estilo de Katie sugiere el uso de pinceles contundentes, gorditos, marcadores opacos y ocasionalmente pasteles al óleo. En mi búsqueda de un ilustrador de palets para compartir con ustedes, me encantó encontrar el trabajo del ilustrador letón Roberts Rurans. Los ruranos aportan no sólo un fuerte sentido del color a su obra sino un lenguaje visual completo inspirado en la iconografía cristiana bizantina. Esos trabajos se crean en su mayoría utilizando medios físicos. Su estilo muestra influencia de una ilustración más contemporánea basada en vectores en forma, calidad, moderación en el uso y profundidad del color, y sentido de abstracción. Ruranos describe su obra como una mezcla entre modernista que es una simplicidad visual y técnica tradicional. Su paleta es bastante similar a las que ya hemos visto; una tríada de tonos primarios adyacentes, incluyen rosados y rojos, amarillos profundos, y cian o azules, todo parece informar colores adicionales como el verde, y ocasionalmente azul-gris aceroso, marrones rojos, y taupes. Parece que se construye un negro de tono azul a partir de otros colores de la paleta. A pesar de que los colores son planos, defectos sutiles y evidencia de pinceladas retratan sus técnicas de medios físicos. El siguiente artista es Olimpia Zagnoli. Si has tomado mis otras clases, sabes que no puedo resistirme a una referencia de Olimpia Zagnoli. Con sede en Milán, Zagnoli trabaja en un estilo gráfico altamente estilizado que admite está inspirado por el diseñador e ilustrador de mediados de siglo Paul Rand. Definitivamente asiente a sus formas abstractas y preferencia casi exclusiva por los tonos primarios y secundarios pero, por supuesto, trae su propia toma fresca de estas cosas. impresionante carrera de Olimpia Zagnoli, ha logrado mantenerse increíblemente disciplinada tanto en su lenguaje formal como en el uso del color. Ella prueba que no necesitas muchos trucos de fantasía para ser una artista exitosa y muy buscada. Solo necesitas ser inteligente, seguro y consistente. Como dije, ella gravita casi exclusivamente alrededor de tonos primarios y secundarios, todos completos y de alta intensidad. Rara vez usa alguno de sus colores a mitad de camino. A diferencia de los artistas que hemos visto hasta ahora, Olimpia sí usa negro real en su obra. Pero también veo negros y casi negros que se basan más en sobreimpresiones de sus colores. Sus paletas sí varían, pero creo que es una ilustradora de corazón, propietaria de colores primarios adyacentes, magenta, cian, y amarillo dorado, y el verde, azul y rojo que viene de estos. De ahí se tiñe de nuevo a rosa y sobreimprime a los marrones y burdeos. Además, no pases por alto su uso del espacio blanco o negativo, que siempre le ayuda a que de otra manera los colores full on respire y pop. El siguiente artista es Barbara Dziadosz. ilustradora con sede en Hamburgo Barbara Dziadosz no hace huesos sobre el grabado como influencia en su trabajo. Como dice en su página web, su trabajo está fuertemente inspirado en la ilustración vintage y la serigrafía y utiliza una paleta de colores limitada y formas audaces. Se puede ver esta influencia del grabado no sólo en cómo usa y combina sus colores como tintas de impresora sino también en su uso de texturas y formas simples. Al igual que la mayoría de los artistas en este set, ella también evita un negro completo, dejando que los colores se combinen para crear oscuros por sí mismos. Una paleta de Dziadosz incluye rosa, azul, cian, magenta, y un rico amarillo dorado. Estos combinaron usando efectos de sobreimpresión mediante superposición de formas, ya sea completamente o simplemente en los bordes. Sus colores les tienen una calidez, resultante de la presencia de tinte amarillo cremoso o claro. Nuestro siguiente artista es Diana Ejaita. También proveniente de Alemania, artista berlinesa Diana Ejaita trabaja como ilustradora y diseñadora textil. Entre todos los artistas del set, Ejaita es la más explícita sobre sus tendencias de un palet. Dice que lo que diferencia sus ilustraciones es una combinación de áreas dramáticamente contrastantes de blanco y negro con patrones suaves, y blanco con patrones y texturas suaves. Ella sólo podría haber agregado eso fácilmente. Ella se pega principalmente a los colores primarios: azul, rojo y amarillo, y el ocasional verde y rosa. Si estoy siendo honesto, no puedo decir con certeza que trabaja digitalmente o en medios físicos o un poco de ambos, pero su trabajo está claramente informado por los suaves trazos de ida y vuelta de los lápices de colores. El textural zonas brillantes de color sobre un fondo negro me recuerda a pinturas de terciopelo negro. Nuestra siguiente artista es Lisa Congdon. ¿ Cómo pudiste no amar el trabajo de Lisa Congdon? Su trabajo es un mash-up estilístico del arte folclórico escandinavo y americano siendo basado en la pintura pero inspirado en el grabado. Ya sea que esté retratando a un animal o un patrón abstracto o mostrándote que Tú Contienes Multitudes, sus colores son casi siempre los mismos: negro, blanco, azul, rojo, amarillo y rosa. Ella lo varía de vez en cuando, lanzando un verde, o tal vez un amarillo cada pista de vez en cuando. Al igual que la mayoría de los demás artistas de este conjunto, su sencilla paleta brilla con un estilo plano que le da a cada color la oportunidad de inundar su propia forma. Los colores se pueden mezclar en la paleta de pintura, hay una completa ausencia de mezcla de colores en el lienzo. Quiero voltear por último a la obra de Sonny Ross, cuyo trabajo también descubrí mientras investigaba para esta clase. Me encantan las composiciones ocupadas, lúdicas de Ross y, por supuesto, su firme compromiso de ser ilustrador de una sola paleta. Ross trabaja claramente usando herramientas digitales, pero también evoca medios físicos como lápiz de colores en pinceles de gouache en su trabajo. Todo el tiempo, utiliza una paleta restringida de rosa, amarillo y azul, que combina utilizando efectos de sobreimpresión para crear rojos, verdes, y, por supuesto, sus oscuros más oscuros. Él también evita el negro puro para ciertos detalles y también tiende a evitar el blanco puro también. En general, el tono cremoso arroja una calidez en todo su cuerpo de trabajo, que se puede ver con mayor claridad en la página web de su portafolio. Así como el negro no siempre tiene que ser negro, blanco no siempre tiene que ser blanco. Un ligero tinte de un solo color aplicado a tu cuerpo de trabajo puede hacer maravillas para mantenerlo todo unido en armonía. 6. Trabajar con paletas limitadas: Trabajar con una paleta limitada y apegarse a ella en la mayor parte de tu trabajo suena como que debería hacer todo mucho más fácil. Bueno, claro, eliminar la necesidad de hacer nuevos palés desde cero para cada proyecto sí facilita nuestro trabajo, pero no resuelve todos los problemas. Cada proyecto presenta sus propios retos, e incluso los ilustradores con el estilo y paleta de colores más estrictos lucharán por hacer que las cosas funcionen cada vez. A pesar de que sabemos qué colores usaremos, siempre hay un aspecto de resolución de problemas para averiguar cómo jugarán los colores en nuestro trabajo. Si entendemos cómo funcionan las paletas limitadas y no funcionan, tendremos más éxito en usarlas en nuestro propio trabajo. En este video, veremos algunas estrategias y mejores prácticas para sacar el máximo provecho del trabajo con nuestras limitadas paletas. El primer consejo es, mantén tu ilustración lo más simple posible. Cuanto más compleja sea una ilustración, más difícil se vuelve utilizar una paleta simple. Esto es especialmente cierto si una ilustración tiene un sentido de profundidad a la misma con un primer plano y un fondo y elementos superpuestos y tal. Estas son clases de las cosas que podrías encontrar en una escena. Si has estado ilustrando durante algún tiempo, posible que hayas notado que es más fácil ilustrar objetos o personajes simples sobre fondos blancos o sólidos que ilustrar escenas más complejas. Este reto es uno más de composición, pero el color es una parte enorme de ella. Una vez que empieces a agregar en primer plano, elementos de fondo y muchos detalles entre el medio, la ilustración puede comenzar a verse plana y excesivamente ocupada. Carece de sentido de jerarquía. No hay un solo área de enfoque. La solución a este problema es trabajar con, no en contra de nuestras limitaciones. Elegir una paleta limitada generalmente significa elegir un estilo más simplificado. Este no es el caso el 100 por ciento de las veces pero es cierto como regla general. En el proyecto de clase, estaremos trabajando tanto con ilustraciones más simples como icónicas sobre un fondo blanco como con una escena más compleja con un fondo e incluso con algunas personas. Ya veremos cómo es más fácil ser estricto con los colores de la primera ilustración, y cómo necesitamos aflojar nuestras restricciones para trabajar con la segunda ilustración. Todo el tiempo, ninguna ilustración es una locura compleja. Estoy trabajando en un estilo sencillo, para empezar, y estoy siendo deliberado en mis composiciones sobre asegurarme de que funcione con mi forma de usar paletas limitadas. Al trabajar con paletas de colores a lo largo del tiempo, tu búsqueda es averiguar cómo funcionan en armonía tus colores y tus opciones estilísticas, incluidas tus herramientas, técnicas y composiciones. Cabe señalar que las ilustraciones más complejas se pueden hacer más fáciles a los ojos a través de paletas más simples, pero todo mi punto es que usar paletas más simples para composiciones más complejas es más desafiante que para las más simples. Mi segundo consejo es, usa espacios en blanco en tus composiciones. Cuando miras ilustraciones que utilizan paletas limitadas, las composiciones suelen ser bastante planas. Como acabamos de ver, el estilo general es relativamente simple. Otra cosa que notarás es que el espacio en blanco o el espacio negativo a menudo factores en bastante. Debido a que carecemos de la sofisticada forma matizada de usar el color que un pintor o artista conceptual tendría a su disposición como la iluminación y los efectos ambientales, necesitamos otras formas de construir un sentido de jerarquía en nuestras imágenes. La monotonía de nuestras paletas limitadas puede ser interrumpida rápidamente por el uso estratégico de espacios blanco al permitir que el blanco de la página o pantalla corte en nuestras composiciones de maneras interesantes. Incluso artistas cuyos estilos y técnicas permiten más sutilezas y variaciones en sus colores utilizarán el espacio negativo para crear efectos impresionantes en sus composiciones. Tomemos por ejemplo Miroslav Sasek, cuyas exuberantes ilustraciones acuarelas a menudo se rompían brillantemente con corazones en color, permitiendo que el peso de la página dejara estallar a sus temas. El siguiente consejo es, utilizar los colores más lógicos disponibles. Una de las ventajas de trabajar con una paleta de colores limitada es que tu trabajo adquiere automáticamente una sensación de capricho. Esto es particularmente cierto cuando se trata de representar objetos en colores improbables. Cuando tienes una paleta muy tira de atrás, solo haces lo que haces con tus colores disponibles. En ausencia de tonos carnosos, las personas pueden ser moradas, en ausencia de rojo, las manzanas pueden ser azules. Cuando trabajo en mis paletas limitadas, suelo usar lo que llamo lógica de color. Por eso quiero decir, dada la paleta con la que estoy trabajando, acabo de usar el color más lógico a mano para lo que sea que estoy ilustrando. Digamos que estoy trabajando con una paleta de dos colores de naranja y azulado, y estoy ilustrando una manzana. naranja es el más cercano al típico color rojo de una manzana, así que probablemente solo use naranja. azulado es el más cercano al típico color verde de una hoja de manzana, por lo que solo usaré azulado para este detalle. ¿ Y qué pasa con los colores de piel y otras cosas que claramente no son azulado o naranja en este ejemplo? Ahí es donde entra la parte caprichosa. Algunas personas podrían ser de color naranja, otras podrían ser de color verde azulado. cuanto a otros tipos de objetos, por supuesto, en mi paleta más típica, tengo rojos, azules, amarillos, y casi todos los colores intermedios. Es solo que mis colores no son tonalidades del todo puras. Puedo usar mi rojo, naranja para la manzana, y verde para la hoja, y probablemente tener una variedad de colores disponibles que tendrán más sentido para los tonos de piel. El punto aquí es que si tienes los colores más naturales o los que están totalmente apagados, puedes usarlos en tu arte. Puedes seguir la lógica del color para elegir cuáles son los mejores para tu tema. El siguiente paso es, cuida tu jerarquía. Jerarquía visual es básicamente cómo se ordenan los elementos en términos de importancia. Sea lo que sea que quieras ser más prominente en tu imagen, ésta debería ser la primera en tu jerarquía visual. Entonces todos los demás elementos deberían apoyar en lugar de competir con él. En una jerarquía visual equilibrada, el ojo se dibuja a través de la composición de manera ordenada. En un libro o una página web, por ejemplo, jerarquía se presenta más linealmente como si el título fuera el número 1, el título número 2, y luego el cuerpo del texto como número 3 en la jerarquía visual. Por supuesto, podemos establecer la jerarquía y no sólo por el orden visual o el orden lineal, sino por la escala de objetos en nuestra composición, las cosas más grandes serán las más obvias, y por lo tanto top de la jerarquía. El color también determinará cómo se mueve el ojo alrededor de tu composición. Los tres factores principales para establecer la jerarquía en cuanto al color son el valor, la intensidad y la temperatura del color. valor es la aparente oscuridad o ligereza de un color. El azul primario es más oscuro en valor que el amarillo primario, por ejemplo. Es probable que sobre un fondo blanco, azul destaque más que el amarillo. La intensidad, por otro lado, es el brillo y la pureza de un color. Un amarillo realmente intenso o totalmente saturado reventará contra un azul oscuro. La temperatura del color es lo cálido o frío que parece ser un color. El rojo es un color cálido y el azul es un color fresco. Los colores cálidos tienden a salir hacia adelante y los colores fríos tienden a retroceder. Si colocas un sol amarillo puro sobre el chico de un cian puro, el sol saltará naturalmente hacia adelante a pesar de que ambos colores están a su plena intensidad y a pesar de que el cian tiene un valor más oscuro que el amarillo. Al intentar guiar el ojo a través de tus ilustraciones, deberías estar estableciendo una jerarquía clara de lo que es más importante y luego de todas esas otras cosas que deberían estar apoyándolo. Cuando las cosas empiezan a parecer demasiado planas o abrumadoras, probablemente estés experimentando un colapso en la jerarquía. Ten en cuenta cómo el valor, la intensidad y la temperatura del color están ayudando o dañando tu composición de esta manera. Buscaremos más en cosas como el valor y intensidad en la sección de teoría del color de la clase. El siguiente consejo es, agregar variedad con sombreado y textura. Una gran manera de romper la sensación de monotonía en paletas limitadas es traer una sensación de luz y sombra o profundidad introduciendo sombreado y textura. El sombreado y la textura son realmente formas de ajustar el valor de los colores de tu paladar central sin apartarse de ellos. El sombreado, por supuesto, oscurecerá los colores y la textura dependiendo de tu técnica a menudo aclarará los colores. Por ejemplo, uso muchas texturas brushy e influenciadas por la impresión que permiten que el color del papel se muestre a través. Esto tendrá un efecto relámpago. Al aplicar de manera estratégica y consistente sombreado y textura en tu trabajo, puedes estirar bastante tus paletas limitadas. El siguiente consejo es, extiende tus paletas con O-A-Ts. Como veremos en el proyecto de clase, puedes crear variaciones casi interminables de tu paleta única utilizando la opacidad, la adyacencia y la transparencia o el método OAT. opacidad es lo sólido u opaco que aparece un color. Al reducir la opacidad de la capa, disminuirás su valor e intensidad mientras la haces más ligera. Esta técnica te permite crear tintes de tus colores centrales, los cuales son naturalmente armoniosos con tu paleta. Por ejemplo, puedes tirar hacia atrás una opacidad roja al 30 por ciento, que producirá un rosa claro, que luego puede convertirse en la base de una variedad de tonos de piel. Cubriremos los tonos de piel en profundidad en los ejercicios y proyectos. Otra forma en que la opacidad puede hacer que tus colores sean más dinámicos es permitiendo que los colores debajo se muestren a través de un poco. Esto crea un efecto de capas encantador y sutil. adyacencia es un poco bocado, pero esto es lo que quiero decir. Contiguo significa al lado o cerca. Al extender tu paleta, quieres tener cuidado de no elegir colores totalmente diferentes, que se verían poco armoniosos con el resto de tu paleta. Pero a veces en situaciones especiales, es posible que necesites oscurecer ligeramente, aclarar o cambiar un color en tu paleta. En tal caso, puedes tirar de abrir tu herramienta de selección de color, que está disponible en la mayoría de las aplicaciones de ilustración digital, y empujar ligeramente el color a una versión más oscura o más clara o menos saturada de tu matiz por moviendo la cosita objetivo desde su posición actual. Incluso puedes empujar ligeramente el matiz de esta manera también. De esta manera, estás eligiendo un color adyacente o uno que esté muy cerca del que empezaste y que te impida saltar demasiado lejos en un tipo de color totalmente diferente, que preserva la armonía de color que estableciste a la hora de construir tu paleta. transparencia es el efecto de la transparencia de su color. En las herramientas digitales, puede hacer que un color aparezca transparente configurando el modo de mezcla del objeto o capa para multiplicarse. Como veremos cuando hablemos del espacio de color CMYK, multiplicar emula o simula un efecto de sobreimpresión donde se imprime una tinta transparente sólida sobre otra. La opacidad, por supuesto, permite cierta transparencia. Pero si estamos siendo realmente específicos, diría que cuando vuelvas a marcar la opacidad de un color, es translúcido. Permite que algo de luz brille a través pero no toda. El color termina siendo menos intenso y de menor valor como resultado. La transparencia es diferente de la opacidad en el sentido que las dos capas son técnicamente opacas. Significa que la visibilidad de la capa sigue en 100 por ciento. Aquí, el color se mantiene con la misma intensidad, en valor, y de hecho, el color resultante al multiplicar los dos colores es aún más intenso y más oscuro en valor. En esta clase, estaremos trabajando mayormente con opacidad y transparencia en diversos grados para construir y utilizar nuestras paletas. Pero la adyacencia siempre es un buen truco para tener bajo la manga cuando lo necesitamos. Ya veremos si tenemos la oportunidad de usarlo una vez que entremos al proyecto. 7. Extra: Cómo encontrar tu sentido del color: Una de las mayores preguntas sobre trabajar con el color es saber qué colores te gustan y cómo puedes usarlos en tu propio trabajo. Esta es una pregunta importante para todos los artistas e ilustradores, independientemente de lo simple que quieras que sean tus paletas. Puedes saber todo sobre la teoría del color y puedes haber leído todos los libros sobre el tema y tomado todas las clases y aún así podrías estar sentado frente a tu lápiz de pantalla en la mano, mirando tus muestras y preguntándote por dónde empezar. Creo que está bastante claro que el color es subjetivo. Se trata de lo subjetivo que se pone cuando se trata de arte. La belleza está en el ojo del espectador. ¿ Qué colores son hermosos para ti? ¿ Con qué confianza tienes en traer estos colores a tu arte? Creo que a menudo nos quedamos atascados usando el color porque sentimos que tenemos que usar el color de cierta manera. Es como si hubiera una forma correcta de usar el color. Como diseñador en recuperación, sé que en algunos escenarios esto es realmente cierto. A menudo tenemos que usar el color de una manera que esté a la altura de las expectativas de nuestros clientes, o que establezca el estado de ánimo de la manera correcta o hable la manera correcta a nuestra demográfica elegida de acuerdo con grupos focales en investigación de mercado. Pero como ilustradores, podemos dejar mucho de lado. Es decir, si sigues viendo esta clase, creo que estás a bordo con la idea de que el color y nuestro arte no tiene que ser literal ni atado a ciertos significados culturalmente asignados, ni tiene que tener un atractivo masivo perfecto. Si bien el rojo puede significar ira y el negro puede significar funeral una gran parte del tiempo en el contexto más amplio de la cultura, si usamos estos colores consistentemente en nuestro propio trabajo de cierta manera, pierden estas connotaciones culturales, la colores pierden estas connotaciones culturales, comenzamos a ver estos colores como un lenguaje por derecho propio. Por ejemplo, la mayor parte del texto es en blanco y negro. Ni siquiera pensamos en estos en términos de colores, pero todas esas letras están en negro, y el negro significa muerte. Entonces, ¿todos los documentos significan la muerte? Por supuesto que no. A lo mejor eso es un poco demasiado simplista de una referencia. Pero, ¿qué pasa con el trabajo de Gemma Correl? Sus cómics ilustrados hilarantes son rojos, negros y blancos. Estos son colores muy serios. O sea, ¿sabes quién más ama estos colores? Mi sentido es que a Gemma le interesan más los pugs y pijamas acogedores que la dominación global por el dominio fascista. Mi punto es que cuando usas una paleta estricta, independientemente de los colores, cuando se convierten en una parte central de tu caja de herramientas estilística, adquieren un significado que es específico para ti mucho más que cualquier emocional o simbólico connotación entendida por la cultura más grande. Tu trabajo a lo largo del tiempo desarrolla su propio contexto, y es en este contexto donde tu arte, colores, y todo se percibirán cada vez más. Pero creo que estoy dando vueltas alrededor de la pregunta más profunda. Déjame volver a encarrilarme. No puedo enseñarte a tener un sentido del color. No puedo decirte cuál es tu sentido del color. Te puedo mostrar lo que es el mío y mostrarte cómo lo uso en mi propio trabajo. Eso es todo lo que sé. Pero sí tengo algunas ideas de cómo puedes empezar a encontrar tu sentido del color. La buena noticia es que vamos a estar pasando por algo de esto juntos en los ejercicios. Las diseñé específicamente por esta razón, más sobre las posteriores. Por ahora, solo diré que puedes encontrar tu sentido del color solo mediante autoobservación y estudiando el trabajo que amas por pistas de cómo hacer que el color funcione. Emparejado con una comprensión básica de la teoría del color, esto se trata de lo más fuerte de un comienzo como se puede tener. Para algunos de nosotros, sabemos muy bien qué colores nos gustan y simplemente no podemos hacerlos funcionar en nuestro arte. Para otros, no hemos tenido un color favorito desde el jardín de infantes. Ya sea que quepas en uno de estos campamentos u otro, encontraremos pistas de cómo podemos usar el color en nuestro trabajo haciendo lo siguiente. En primer lugar, busca colores recurrentes en tu propio trabajo. Si llevas un tiempo haciendo arte de cualquier tipo, hazte un balance de tus piezas favoritas y busca colores que parezcan repetirse, que pareces atraído por la mayoría. ¿ Qué colores suben más? ¿ Siempre usas cierto color o hay ciertos tipos de colores que usas? Los colores que elijas e integres en tu arte pueden darte algunas pistas de qué colores podrías querer integrar de manera más eficiente en tu uno ir a paleta. En el primer ejercicio, el color es autoinventario, te guiaré por el proceso de hacer esto, así como a través de una serie de reflexiones guiadas para ayudar a cavar aún más profundo. A continuación, busca los colores que más te atraen en el mundo. ¿ De qué tipos de colores te rodeas? ¿ Qué tipo de arte has recogido para poner en tus paredes? ¿ Cuál de ella fue al menos en parte por el color? ¿ Qué te gusta ponerte? Además, si vas a ir a Pinterest y empezar a buscar ilustración, arte y diseño, ¿qué colores te atraerían más? ¿ Alguno de los colores realmente te excita y consigue que fluyan tus jugos? ¿ Cuáles te inspiran más? ¿ Qué pasa con estos colores que te gustan y cómo puedes canalizar la inspiración que sientes de ellos hacia tu propio trabajo? Esto es algo de lo que puedes estar atento en todo momento. Aviso justo, si eres como yo, puede volverse abrumador. Probablemente te gusten todo tipo de cosas, a veces muy diferentes entre sí. Eso está bien, sin embargo, ser consciente de lo que te gusta es importante, pero por sí solo no puede decirte qué colores deberías estar usando en tu trabajo. Más sobre eso siguiente. A continuación, busca cómo tus héroes usan el color en su trabajo. Creo que una de mis mayores ideas sobre el color es que el color y el estilo van de la mano. Este emparejamiento va más profundo de lo que se podría pensar. Como ya hemos hablado de cómo usan los ilustradores el color es muy personal para ellos, y cómo eso sucede siempre será en parte, un misterio para nosotros. Pero sus opciones en el uso del color a menudo se reducen a las restricciones con las que están trabajando. En su estilo elegido, utilizando sus herramientas y técnicas específicas, los colores disponibles y cómo se utilizan se vuelven bastante estrechos. Por ejemplo, ilustrador a base de pintura, Carson Ellis tiende a tener un fondo en blanco y negro, o a menudo en tonos crema con pops de rojos y naranjas. Quizás en lugar de negro, usará variaciones de un color azul marino oscuro. Por supuesto, está demostrando buen sentido del color por maridaje de buen gusto de colores complementarios, azul y naranja y rojo. Pero dado su estilo inspirado en el arte popular gráfico y los medios analógicos que está utilizando, todo está informado por cualidades que ocurren de forma natural. Para mí, el color de tono cremoso en su trabajo hace referencia los ricos tonos cremosos del papel de acuarela de arcos. Utiliza grandes áreas de espacio negativo para ayudar a que su obra sencilla y estilizada salga más sin que todo se enturbie juntos. Varía sus colores con cambios en opacidad y transparencia, trabajando con las cualidades que sus medios de pintura ofrecen naturalmente. Si trataras de lograr su sentido del color usando medios puramente digitales, a menos que tuvieras pinceles digitales muy convincentes y mucha habilidad usándolos, estarías muy presionado para lograr un resultado similar. Ahora, en esta clase, hablo como ilustrador digital, pero mi punto es que los colores pueden ser elegidos por razones personales o arbitrarias. Pero la forma en que aparecen realmente está moldeada por el estilo y los medios que elijas o eliges emular en tus medios digitales. ¿ Cómo se relaciona todo esto con encontrar tu sentido del color? Puedes empezar a entender no sólo qué colores debes elegir, sino cuántos y cómo funcionan entendiendo el tipo de estilo que te gustaría lograr, y los medios o herramientas y técnicas con los que te gustaría trabajar. En el segundo ejercicio, el estudio de inspiración de color, tendremos la oportunidad de mirar el tipo de trabajo que más nos inspira con un enfoque especial en cómo se utiliza el color. El siguiente consejo es la práctica, la práctica, la práctica. Por supuesto, realmente solo necesitamos hacer el trabajo de elaborar nuestros colores en nuestro arte. Es posible que tengas toda una pared de colores que amas, pero nunca sabrás exactamente cómo funcionarán en tu arte hasta que realmente los pruebes con las manos. En el proyecto de clase, estaremos pasando por este proceso de elegir colores y elaborarlos juntos en ilustraciones reales. Este podría ser el comienzo mismo de tu viaje de color, o podrías estar bien metido en él y simplemente buscando nuevas formas de crecer. Quienquiera y dondequiera que estés en tu viaje, el proyecto será un gran punto de salto para una mayor exploración por tu cuenta. En última instancia, no puedes simplemente pensar tu manera de saber cuál es tu sentido del color. Tienes que usar tu corazón, tus manos, y por supuesto tus ojos. Recuerdo como diseñador gráfico, cómo a menudo sentía que tenía que elegir los colores adecuados. Fue como si tuviera un ángel en el hombro derecho y un diablo a la izquierda con el diablo diciéndome que solo usara los colores que realmente sabía que amaba, y luego el ángel recordándome que no se trata de lo que me gusta, sino de los objetivos del diseño. Como diseñador, el consejo del ángel parecía muy sabio. El problema era que a veces dos o más ángeles se unieron, todos diciéndome sabios pero contrarios pepitas de sabiduría. Se podría decir: “Sí, se trata de los objetivos del diseño, pero sabes que al cliente no le gustan estos colores. Por lo que probablemente será mejor que te mantengas claro en esos”. Entonces otro ángel diría: “Sí, pero también ten en cuenta que tu jefe te dijo que nunca uses estos otros colores, por lo que también debes mantenerte alejado de esos”. Entonces sí, otro ángel pasaría y diría: “De acuerdo con mi investigación central, los colores que estás eligiendo son muy populares para los adultos jóvenes ya que llegan a 25, y luego [inaudibles]”. Entonces por supuesto tal vez algún ángel punk viene y dice: “Sabes que esos colores no van a funcionar en impresión, ¿verdad?” Pero mientras tanto, el diablo de mi izquierda me estaba metiendo con su horca y diciendo: “No escuches esos quires. Ya sabes lo que quieres, solo ve con ello”. Bueno, en realidad no me gustan los demonios, pero tampoco me gustan los consejos contradictorios de los llamados sabios. De lo que me di cuenta, sin embargo, fue de que el consejo del diablo era el más sabio de todos, y de hecho, no era para nada un diablo. Los ángeles y el diablo en este caso, sólo somos mi propio yo, fragmentados y divididos sobre estas voces, sobre estos diferentes trozos opuestos de consejo o sabiduría. Cualquiera de ellos podría estar bien o mal, dependiendo del contexto. Todos podrían ser demonios o todos podrían ser ángeles. Pero la voz que tenía más probabilidades de caracterizar como la diabólica fue la que me animó a ir con mi tripa. Cuando empecé a aprender a escuchar mi tripa y no verlo como la voz diabólica, este fue el comienzo de tener un sentido de color más fuerte en mi propio trabajo. ¿ Empecé instantáneamente a disfrutar del éxito con mis colores? No exactamente. Todavía tomó tiempo para averiguar con qué colores trabajé mejor. Pero finalmente, podría hacer una elección de cuál de estas voces escuchar. Una de las cosas más difíciles de hacer en la creatividad profesional es tomar decisiones artísticas porque estás creando no solo para ti, sino también para tus clientes, y por supuesto, no solo para tus clientes, sino para sus audiencias también. Todos estos se convierten en voces en nuestras cabezas, ángeles y demonios sobre nuestros hombros dándonos una dirección conflictiva. Entonces nos quedamos atascados tratando de averiguar cuál de estos escuchar o tratamos de abrazarlos a todos con igual peso. Nos jalan en demasiadas direcciones diferentes. Pero aquí está la cosa, somos creativos. Nosotros somos los que se supone que lideramos la visión artística. No es el cliente ni el público quien en última instancia debe proporcionar el sentido de dirección más fuerte cuando hacemos nuestro arte. Ahora, sé que esa es la mejor y la peor noticia de una vez. Estamos llamados a liderar a lo creativo, y el liderazgo da miedo porque nos hace responsables de lo que suceda a continuación. Pero para liderar, tenemos que aprender a confiar en nuestras entrañas y saber lo que nos gusta y lo que más nos atrae. Es nuestra dirección creativa, nuestra sensibilidad en el estilo, concepto en color para lo que en última instancia estamos siendo contratados. Cuando tenemos que ordenar qué voz escuchar, siempre debemos priorizar nuestros instintos. El atrapar es que tenemos que entrenar y afinar nuestros instintos. Eso lo hacemos a través del estudio, la aplicación, y la práctica. Si hay algo que quiero que salgas de esta clase, es más una habilidad para hacer estas cosas con más intención y éxito. 8. Teoría del color tradicional: Dado que la teoría del color es una habilidad esencial para cada ilustrador, quería pasar por lo básico. Esto de ninguna manera es una inmersión profunda en el tema, pero definitivamente nos va a poner a todos en la misma página para que podamos hablar más sobre el color de manera más precisa en esta clase y en nuestro trabajo. Por teoría tradicional del color, me refiero al sistema de colores que aprendimos probablemente en primaria, con rojo, amarillo y azul como los colores primarios, y naranja, violeta y verde como los colores secundarios, y los que están en el medio estos como los colores terciarios: rojo-naranja, rojo-violeta, amarillo-naranja, amarillo-verde, azul-verde y azul-violeta. Teóricamente hablando, puedes combinar el rojo, el amarillo y el azul, las primarias para crear todos estos otros colores. En la teoría tradicional del color, estos 12 colores están dispuestos en un círculo para formar la rueda de color. Las tres primarias forman un triángulo apuntando hacia arriba. Después las tres segundas, forman un triángulo superpuesto apuntando hacia abajo como una estrella de seis puntas. Después los terciarios llenan los seis espacios entre estos puntos. A menudo también verás un círculo oscuro o negro en el medio, que se hace combinando todos los colores, teóricamente. El color rueda es útil no sólo para mostrar cómo los colores primarios se mezclan y crean colores secundarios y así sucesivamente, sino también para visualizar ciertas relaciones de color formales llamadas esquemas de color o armonías. Si bien hay muchos esquemas posibles, los reduciría a sólo cinco. Monocromático, análogo, complementario, triádico, y tetradic. Vamos a pasar por cada uno. Los esquemas de color monocromáticos usan solo un color en varios tintes y tonos. Una foto en tono sepia anticuado y un dibujo a lápiz son ejemplos de esquemas de color monocromáticos. Un esquema de color monocromático se considera un esquema de color nunca fallar, que significa que no importa lo que hagas, los colores siempre serán armoniosos. Los esquemas de colores análogos usan dos o más colores consecutivos en la rueda de color. Por ejemplo, el rojo, el naranja y el amarillo son análogos porque se sientan uno al lado del otro. Debido a que el salto de un matiz a otro no es un gran salto en una paleta análoga, los colores naturalmente funcionan bien unos con otros porque o bien comparten una propiedad similar, particularmente la de ser cálidos o frescos, o transitan poco a poco de una a otra. Los esquemas de colores complementarios se basan en colores opuestos entre sí en la rueda de color. El rojo y el verde son colores complementarios, igual que el morado y el naranja. Los colores complementarios generalmente tienen temperaturas de color opuestas también. El rojo y el verde son más cálidos y más fríos respectivamente. Cuando se usan dos colores complementarios uno al lado del otro a plena intensidad, el efecto en realidad puede ser bastante jarring, que muchos artistas usan intencionalmente para crear esquemas de color llamativos. Cuando se utilizan a variadas intensidades y valores, los esquemas de color complementarios crean paletas bien equilibradas y armoniosas. los colores que están cerca de opuestos en la rueda de color se les llama split complementario. Si bien estos se consideran esquemas de color separados, para nuestros propósitos, me gustaría agregarlos en el paraguas general de los esquemas de color complementarios. esquemas de color complementarios y casi complementarios son fáciles de usar, fáciles de gustar, y debido a esto, se encuentran entre los más populares. Los esquemas de color triádicos se basan en tres colores que forman un triángulo en la rueda de color. El esquema de color triádico más esencial es el rojo, el amarillo y el azul, las tres primarias que forman un triángulo equilátero en la rueda de color. Cualquier tres colores que formen aproximadamente un triángulo puede considerarse triádico. Los esquemas de color triádicos, especialmente aquellos que involucran colores primarios o primarios adyacentes también son fáciles de usar y muy populares en el arte comercial. Como veremos en el proyecto, una paleta sencilla basada en este esquema de color puede resultar altamente versátil y armoniosa. El esquema de color tetradic es la última parada de autobús en este recorrido de armonías de color. Pero no hay mucho que ver. Tetra significa cuatro para que veas a dónde va esto. Donde se trata de usar paletas limitadas simples, una vez que tengas cuatro colores de origen, también podrías tener cinco, seis o 600. Para mí, las armonías de color dejan de ser fáciles de encontrar o todo eso útil para la mayoría de los ilustradores una vez que pasamos los tres colores de raíz. Para nuestros propósitos, podemos ignorar esquemas de color tetradic porque no nos ayudan a limitar nuestros colores de la forma en que lo hacen los esquemas de color más rudimentarios. Ahora, ya he bandizado sobre alguna terminología de color como tonalidad, valor, intensidad, y cosas así. Pero estas son palabras muy importantes para describir el color. Hablemos de ellos. A continuación se detallan los términos más importantes para describir el color. Tono, intensidad, y valor. Tono, intensidad, y valor son tres palabras que escucharás mucho al hablar de color. Se consideran las tres propiedades de un color dado. Si bien están interrelacionados, solo veamos cada componente por separado. El matiz suele ser lo que queremos decir cuando decimos color, pero el tono es más específico que el color. Hue se refiere a uno de los 12 colores fuente de la rueda de color. El matiz se puede pensar como un color en su forma más pura. Un color, por otro lado, es más generalmente una expresión de cualquier matiz o mezcla de tonalidades en cualquier tono, tinte, o tono. Valor se refiere a la ligereza percibida u oscuridad de un color. En una escala de grises pura del negro al blanco, el blanco sería el más ligero en valor, sin tener ningún valor, y el negro sería el valor más oscurecido teniendo valor máximo. Los tonos tienen valores inherentes. Por ejemplo, el amarillo puro es inherentemente más ligero en valor en comparación con el azul puro. Intensidad se refiere a la pureza de un matiz. Cuando exprimes un espectro puro rojo de un tubo de pintura, se dice que está en su forma más intensa. Cualquier cosa que hagas para modificar este rojo puro disminuirá su intensidad. Se volverá más aburrido a medida que le agregue otros colores o a medida que le agregue más blanco o lo diluya de otra manera. En cada caso, las partículas de pigmento rojo literalmente se están volviendo menos concentradas. Un color dado tendrá un tono, valor e intensidad únicos . Hay dos términos finales a definir antes de pasar de esta pequeña imprimación en una teoría tradicional del color: tintes y sombras. Creo que todos sabemos lo que significan estos, pero en teoría del color, tienen un significado muy específico. tintes son el resultado de agregar blanco a un color. Cuanto más tendes a colorear, más blanco le agregas hasta que finalmente desaparece en blanco puro. Esto es confuso ya que usamos el tinte de manera diferente en el lenguaje común. De hecho, incluso lo he usado incorrectamente en esta clase en el sentido técnico. Por ejemplo, cuando quieres ventanas tintadas en tu vehículo, quieres que sean más oscuras. Cuando decimos que alguien está viendo la vida a través de gafas rosas, nos referimos a las gafas que están mirando tienen un color para ellos. No queremos decir que estén mirando a través de gafas que también les han agregado blanco, eso simplemente sería lechoso y raro. Usando nuestro nuevo vocabulario para describir lo que está sucediendo aquí, cuando creas un tinte de un color, estás bajando tanto su intensidad como su valor. Los colores pastel se hacen agregando el blanco a los tonos fuente, lo que hace que todos los colores pastel tintes. Los tonos son el resultado de agregar negro a un color. Cuanto más sombreas un color, más negro le agregas hasta que no puedes ponerte más negro. En realidad, la palabra tiene sentido cuando piensas en sombra y sombra y en cómo suenan similares, las sombras oscurecen las cosas. En fin, ahora sabes que técnicamente, un tono es una versión más oscura de un color creado al agregarle negro. Simplemente no vayas por ahí corrigiendo a la gente sobre su mal uso de este término o ya no te invitarán a fiestas. Eso concluye nuestra breve educación sobre la teoría tradicional del color. No es todo lo que hay que saber, pero es todo lo que necesitas saber para los propósitos de esta clase. A continuación, comenzaremos a mirar algunos modelos de color diferentes que son muy importantes para los ilustradores. 9. La diferencia digital: En la teoría tradicional del color, revisamos los principios básicos del color que en su mayoría conocemos desde que éramos realmente jóvenes. Quizás todo el tiempo has pensado que el rojo, el amarillo y el azul son los únicos colores primarios y ese es el final de la historia. Bueno, lamento decir que no te han contado toda la historia. Hay otros colores primarios y a veces incluso los colores que siempre hemos pensado como primarios son en realidad secundarios. Déjame explicarte. Lo que hace tradicional a la teoría del color tradicional es que es vieja. Viejo no significa mal, sólo se basa en gran medida en formas más tradicionales de crear y mezclar colores, es decir, con pintura o pigmento. rojo, el amarillo y el azul, son primarios basados en pigmentos, y literalmente se pueden mezclar estos colores de pintura para crear los secundarios y terciarios más o menos. Pero voy a apurar la conjetura y decir que la mayoría de nosotros no estamos ilustrando usando pigmento. Aunque utilicemos pintura en algún lugar del camino, todo termina en píxeles. Hablo de pantallas. Si utilizas herramientas de ilustración digital como Procreate, Photoshop, sin duda has encontrado el término RGB. RGB significa rojo, verde y azul, que es el modelo de color o espacio de color utilizado por los dispositivos digitales que salen a la pantalla. En el espacio de color RGB, el rojo, el verde, y el azul son las primarias y las segundas son totalmente contrarias intuitivas. Cian, magenta y amarillo. Si conoces tu camino alrededor de la impresión, reconocerás a estas segundas como las primarias de la impresora, pero vamos a entrar más en eso en la siguiente sección. En la base de pigmento tradicional, modelo de color RYB, cuando mezclas dos o más colores, se vuelven más oscuros. Agregar todos los colores creará efectivamente el color más oscuro posible, que es en teoría negro. A medida que se mezclan los nuevos colores, disminuye la cantidad de luz reflejada fuera de la página, razón por la que llamamos sustractiva a este modelo. Agregar color a la página disminuye cantidad de luz que ciertas longitudes de onda están rebotando fuera de ella y en tus ojos. El espacio de color RGB, por otro lado, está basado en luz. Se hacen nuevos colores agregando más luz de ciertas longitudes de onda. Por ejemplo, para obtener cian, agregas azul y verde, que en una pantalla son en realidad pequeñas luces que se oscurecen de apagado o negro hasta su forma más brillante más pura de rojo, azul o verde. Por cómo se agrega luz para crear nuevos colores, este espacio de color se llama aditivo. Si bien los términos aditivo y sustractivo son en gran medida intrascendentes para nosotros como ilustradores, es útil saber un poco sobre cómo y por qué los colores se comportan de manera tan diferente en las pantallas que en el papel. Es por esta diferencia entre el color aditivo y el color sustractivo. Si hay algo que te quites de esto, al menos debes entender cómo funcionan los números o códigos RGB y cómo corresponden a los colores que estás usando. Para demostrar esto, voy a abrir la herramienta de selección de color en Illustrator solo para mostrarte esto. Cuando configuro todos mis valores RGB en cero, el color resultante es negro. Cuando los pongo a todos al valor más alto, que pasa a ser 255 o FF en formato hexadecimal amigable nerd, me pongo blanco. A un lado, esta pequeña caja de aquí abajo es donde puedes escribir un valor RGB en formato hexadecimal, o puedes copiar un código RGB resultante para usarlo en otro lugar, como en un diseño de sitio web. Ahora mira lo que pasa cuando pongo acabo de leer a 255 y los demás a cero, obtengo la forma más pura de rojo disponible en mi pantalla. Hacer lo mismo para el verde y el azul mientras establece los otros dos a cero me da cada color en su forma más pura. Para conseguir las segundas, solo pongo dos colores cualquiera en 255 o FF y dejo el otro en cero. Es en variar estos números que todos los 16.7 millones de colores son posibles en el espacio de color RGB. De nuevo, no tienes que ser un nerd informático para trabajar con colores RGB. Todo esto es solo útil para hacer que estos números, códigos y deslizadores parezcan menos aleatorios. Lo que sí necesitas saber es cómo cambia la rueda de color en el color digital y cómo esto a su vez cambia las relaciones de color o esquemas que llegamos a conocer en el modelo de color rojo, amarillo, azul. La rueda de color en RGB a menudo se muestra como un espectro circular o gradiente de colores que se mezclan de amarillo a naranja a rojo a magenta a azul a cian y así sucesivamente. Pero para nuestros propósitos, también se puede arreglar de una manera más básica con solo tres primarias y tres secundarias y si quieres también algunas terciarias. Cuando aplicas los cinco esquemas de color mencionados en el último video aquí, puedes ver que los colores reales en estas relaciones son diferentes. El verde ya no es el complemento del rojo. En cambio es cian. azul es el cumplido directo del amarillo en lugar de morado y así sucesivamente. Ahora en la teoría tradicional del color, hablamos sobre el valor del matiz y la intensidad. En color digital, hablamos más de saturación de matiz y brillo. Estos son similares pero un poco diferentes, en su mayoría debido a las diferencias entre los espacios de color aditivo y sustractivo que acabábamos de atravesar. Para demostrar estos términos, es útil volver a abrir mi herramienta de selección de color en Photoshop. Si bien estamos aquí, solo señalaré que si estás usando uno de los programas de Adobe, deberías conocer tu camino alrededor de esta herramienta de recolector de color. Particularmente acostumbrarse a trabajar en el modelo HSB usando el modo hue. Eso haces haciendo clic en el botón de radio al lado de H, aquí mismo. Esto te da un espectro de tonalidades RGB, y un deslizador en el medio de la caja de herramientas de selección de color. Dondequiera que esté el deslizador, ese es el tono seleccionado. Entonces en el cuadrado grande de la izquierda se encuentra un gradiente de todos los posibles tintes y matices para ese matiz. El color resultante de todos estos deslizadores y demás aparece en el nuevo cuadro de color. Un pequeño rectángulo justo a la derecha de la tira de tonalidad. medida que avanzamos, te mostraré lo que significa todo y la herramienta de recolector de color, o al menos las cosas que son importantes para nuestros propósitos, para quienes trabajan con Procreate. Si utilizas el clásico en los modos de herramienta de color de valor, básicamente tendrás lo mismo con lo que trabajar. Es sólo que están en dos menús diferentes en lugar de uno. tono sigue siendo el mismo aquí que en el espacio de color tradicional RYB. Es la fuente o la forma más pura de un color dado. Aquí en el recolector de color, tono se expresa en grados. Si tuvieras que envolver la tira del espectro de color alrededor en un círculo, el valor del grado se relaciona con una posición en este círculo. personal, nunca pienso en los números particulares para saturación de matiz y brillo. Todo es muy visual para mí. Pongo más atención al color en sí que veo en pantalla. La saturación se parece mucho a la intensidad. Cuanto más saturado sea el color, más intenso y puro será el resultado en tono. El matiz se expresa como un porcentaje, siendo el cero por ciento la saturación más baja y 100 por ciento el más alto o más intenso. Al cambiar este número, el objetivo sobre el cuadrado del gradiente de brillo de saturación va a izquierda y derecha con valores de saturación más bajos u oscuros hacia la izquierda y valores más altos o más brillantes hacia la derecha. A cero por ciento el resultado es sólo un valor en blanco y negro. No hay color. El brillo es por supuesto, mucho como el valor. Brillo por supuesto describe cómo es claro u oscuro un color. También se describe como un porcentaje fue cero por ciento siendo el menos claro u oscuro, y el 100 por ciento siendo el más ligero o más brillante. Al cambiar esta cantidad porcentual que el objetivo sobre el cuadrado del gradiente sube y baja, cada vez más oscuro y menor a medida que disminuye un número y más brillante y mayor a medida que aumenta el número. A cero por ciento de brillo, el color se reduce a negro. Lo interesante del modelo HSB es que es una alternativa a describir colores en términos de valores RGB. Lo que me gusta del modelo HSB es que es más intuitivo cuando se trabaja con color digital. Eso es porque en digital, realmente no pienso en mezclar colores primarios y secundarios como lo haría usando pintura. Los colores no se mezclan. Apenas están disponibles puñetando en un código. matiz, la saturación y el brillo son útiles porque proporcionan una descripción del color que es más intuitiva. Una vez que configuro mi matiz, puedo entender fácilmente lo que significa hacerlo más o menos saturado, más o menos brillante o ambos. Si bien estamos aquí, sólo quiero señalar algunas cosas más que suceden en el recolector de color. Como dije, solo manténgalo en modo matiz y estarás bien para el resto de esta clase y probablemente de por vida. Ya hemos visto qué sucede cuando ajustamos números en las cajas HSB así como en las RGB. Aquí hay cuatro modelos representados, HSB, RGB, lab, y CMYK. Verás cómo un cambio de valor en uno de estos modelos corresponde a cambios en todos los demás. Todas son representaciones o modelos diferentes utilizados para representar el color en pantalla. Simplemente diré que no sé nada sobre modelo de color de laboratorio, así que podemos ignorar totalmente eso probablemente por el resto de tu vida. En cuanto a CMYK, entraremos más en eso en el próximo video. Pero por ahora, debemos saber que CMYK es un modelo de color basado en impresión con cada letra correspondiente a una de las primarias de la impresora, cian, magenta, amarillo y negro. En la impresión CMYK u offset, todos los colores se crean controlando cuánto de cada una de las primarias como se establece en papel. El porcentaje aquí se refiere a cuánto de cada tinta se necesita para crear un color dado. Si bien entraremos más en CMYK en el siguiente video, sí quiero señalar algo que verás de vez en cuando al usar el recolector de color, que es la advertencia de gama. Es posible que veas una pequeña marca de advertencia y una pequeña muestra a la derecha de la nueva caja de color. Cuando ves esto, la herramienta de color te advierte que el color que estás viendo en la pantalla no se puede imprimir. Eso se debe a que RGB tiene una gama o gama mucho más amplia de colores posibles que CMYK. Hay colores posibles con pantallas basadas en luz que serían imposibles de representar en tinta. Comparar 16.7 millones de colores en RGB con un mero 16,000 colores posibles en CMYK. Cuando veas esta advertencia de gama, básicamente es decir si vas a estar imprimiendo esta imagen, mejor cambies el color a algo más CMYK friendly o alguien más lo hará por ti, y puede que no te guste el resultado. Los colores en el espacio RGB pueden ser eléctricos y a menudo muy chilosos. comparación, los colores en el espacio CMYK aparecerán más oplidos en tu pantalla. Notarás esta diferencia especialmente en Procreate. 10. Unir lo digital con la impresión: En esta sección, solo quiero pasar por cómo funciona el color en impresión. Como ilustradores, probablemente trabajamos digitalmente y gran parte de nuestro trabajo vive sólo en el espacio digital pero por supuesto que gran parte de nuestro trabajo terminará en papel, ya sea en las páginas de una revista o de un libro, o en un paquete o un cartel. En estos casos, el color debe traducirse del espacio digital de vuelta a un espacio de impresión basado en pigmentos. En la impresión comercial estándar, las cuatro tintas primarias de la impresora: cian, magenta, amarillo y negro, se utilizan todas para crear todos los demás colores. Como vimos en el último video, en el espacio RGB, C, M, e Y son en realidad los colores secundarios. En la impresión CMYK, esto se voltea del revés con cian, magenta y amarillo ahora como las primarias, y R, G y B, o rojo, verde y azul como las segundas. Hagas lo que hagas con esa información, si hay alguna similitud entre los espacios RGB y CMYK, son los esquemas de color. Esquemas de color complementarios y triádicos análogos son más o menos los mismos en ambos. El gran diferencia es la gama, los colores son menos intensos en el espacio de color CMYK. Algo enorme de la impresión CMYK es cómo se hacen nuevos colores a partir de estas cuatro tintas a saber, usando medios tonos. Cuando miras súper de cerca a cualquier cosa que se haya impreso, probablemente verás que está hecha usando diminutos puntos de estas cuatro primarias. Esto lo veremos más obviamente en un viejo cómic o en periódicos a color. En la impresión offset, cada tinta se imprime desde su propia placa o separación. Las cuatro placas bajan en el mismo lugar en una hoja y da como resultado la aparición de miles de colores. Se inventaron medios tonos para resolver un problema en la impresión, que es éste. Las placas para tintas son básicamente grandes sellos psíquicos cubiertos en un color de tinta y luego colocados en una hoja de papel. Una imagen podría tener muchos colores diferentes en todo tipo de variaciones, pero un sello solo puede colocar tinta abajo de un color a la vez por lo que para cada color y variación, tendrías que tener un color de tinta separado en una placa separada. Para el arte a todo color, eso se vuelve técnicamente complejo y muy caro. En la ilustración digital, se puede bajar fácilmente la opacidad de un color para decir 25 por ciento, no es gran cosa, pero no se puede poner 25 por ciento de tinta cian con un sello, estrictamente hablando. Pero si puedes colocar tinta y todo un montón de pequeños puntitos que cubren el 25 por ciento de un área determinada, entonces obtienes un tinte efectivo del 25 por ciento de ese color. Si bien no es perfecto, es lo siguiente mejor para mezclar tintas cian y blancas. Con el tiempo, la gente inteligente inventó una forma de usar solo cuatro tintas para crear casi todos los colores perceptibles para nuestros ojos, haciendo de la impresión a todo color el proceso asequible y ubicuo que tenemos hoy en día. Si bien la mayoría de la impresión utiliza semitonos para crear nuevos colores, hay otra forma que ha sido utilizada por técnicas de impresión más tradicionales llamadas sobreimpresión. Por supuesto, ya he estado hablando mucho de sobreimpresión en esta clase. Sobreimpresión es igual a lo que suena cuando se imprime por encima de otro. Debido a que la tinta le tiene cierta transparencia, se un color nuevo, más oscuro, crea un color nuevo, más oscuro, y más saturado donde dos tintas se imprimen una sobre otra. Si bien no se puede conseguir nada como la gama de colores posible con medios tonos, hay algo bastante bonito en cómo se ven dos colores cuando están sobreimpresos. Al ilustrar digitalmente, sobreimpresiones como esta se pueden emular utilizando el modo de mezcla de capas multiplicadas. No es ningún secreto que tanto de mi propio trabajo se ha visto influenciado por limitadas técnicas tradicionales de impresión como la tipografía y la serigrafía. Lo que me encanta de estas técnicas son las propiedades físicas de la tinta tal y como aparece en la página. Pero también me encanta cómo se usan las paletas limitadas de manera creativa. Debido a que cada tinta agrega complejidad y gasto a una impresión, los colores deben ser limitados. Debido a que las tintas sólo pueden bajar sólidas, las imágenes deben hacerse utilizando bloques de color más sólidos, puntuados tal vez con una línea oscura funcionando o un uso inteligente del espacio negativo. 11. Ejercicio 1: Autoinventario de colores: Los siguientes tres ejercicios están diseñados para ayudarte a encontrar pistas de tu propio sentido de color único. El tipo de colores que amas, y la forma en que quieres usarlos en tu trabajo. Estos ejercicios son el vínculo necesario entre la teoría de la última sección y la aplicación que realmente llegaremos a hacer en el proyecto final. El primer ejercicio se llama autoinventario de color. Un autoinventario de color es colección de 5-10 piezas favoritas de tus propias ilustraciones o obras de arte, sobre todo en cuanto a color. En este ejercicio, vamos a hacer algunas observaciones o notas y vamos a escribirlas por encima de nuestras imágenes o escribirlas por separado. Una parte opcional de este ejercicio es hacer algunas reflexiones más profundas sobre este conjunto en respuesta a algunas preguntas incipientes que he publicado en la página Proyectos y Recursos de Clase. El propósito de este ejercicio es identificar los colores que ya estamos usando. Especialmente esos colores a los que parece estar recurriendo repetidamente. Esta será una gran pista para nuestros conjuntos de colores naturales. Otro propósito para este ejercicio es simplemente encontrar vínculos entre cómo usamos el color y las herramientas, técnicas y estilo o medios que estamos utilizando en nuestro trabajo. El resultado de este ejercicio será una sensación más fuerte de los colores que te gustan y cómo los usas en tu arte. También estaremos utilizando los hallazgos de este ejercicio en Ejercicio 3, donde construimos una paleta sencilla. Vamos a estar usando los colores que observamos o elegimos de este ejercicio como base de nuestra sencilla paleta más adelante. Voy a ir rápidamente por las instrucciones de cómo hacer tu propio autoinventario de color y por supuesto te mostraré mi propio autoinventario de color como ejemplo. En primer lugar, dedique algún tiempo a mirar a través de su cuerpo de trabajo, con el objetivo de seleccionar 5-10 de sus imágenes favoritas, sobre todo en términos de color. En mi ejemplo de que voy a estar compartiendo con ustedes, limité el conjunto de imágenes que puse en mi set a mi trabajo comercial entre 2013 y 2015, que fue una época en la que aún estaba un poco por todo el lugar con mis colores. Definitivamente me estaba acercando a algo más consistente, pero no estaba del todo donde estoy hoy. Otra de las razones por las que elegí esta ventana del tiempo en el pasado, 2013-2015, es simplemente porque hoy, en 2021 cuando grabé esta clase, ahora tengo un sentido del color bastante consistente, llevo usando desde hace tiempo. Quería volver a un tiempo en el que tenía menos confianza, lo que siento haría que este ejercicio fuera mucho más poderoso y quizás más relevante para muchos de ustedes en sus propias situaciones. Lo siguiente que querrás hacer es organizar tus selecciones en una página para que puedas verlas todas a la vez como un conjunto. La página debe ser aproximadamente de ocho por 10 pulgadas en orientación vertical. Utilizo las dimensiones de pantalla predeterminadas en mi iPad usando Procreate. Muchos de ustedes probablemente encontrarán eso lo más fácil de hacer. Una vez que hayas creado un nuevo archivo o documento, puedes agregar un título justo en la parte superior que diga Autoinventario de color, y tu nombre. Ahora es el momento de hacer algunas observaciones rápidas sobre tu set. Si eres capaz, escríbelos en algún lugar de la misma página que tus imágenes. Puedes usar flechas y líneas para llamar cosas específicas, y también puedes anotar tus observaciones en forma de punto. Hice una lista en la mía llamada, Lo que me gusta/observar. Como inmersión profunda opcional, puedes descargar las preguntas que se plantean desde la página de Proyectos y Recursos de Clase, y escribir algunas observaciones más exhaustivas sobre tu set. Cuando haya terminado, publique su conjunto de imágenes y sus notas, si están separadas, en su proyecto de clase. Aquí está mi autoinventario de color, y como dije antes, quería simplemente enfocarme en el trabajo de 2013-2015. Nuevamente, este fue solo un momento en que mis colores aún estaban bastante por todo el lugar. Siento que definitivamente estaba llegando a un mejor lugar, pero aún no estaba del todo ahí. Esto es sólo una bonita ventana de tiempo o un punto en el tiempo para mí que hacer un ejercicio como este hubiera sido realmente útil. Probablemente pasé dos o tres horas simplemente realmente profundizando y buscando todas estas imágenes. Tomó mucho tiempo en parte porque tuve que apoderarme de discos duros y cosas así. Pero también tomó mucho tiempo porque solo había tanto trabajo para elegir. Lo que he hecho aquí es que acabo de hacer un montón de notas y reflexiones sobre mi trabajo, y lo acabo de escribir arriba en la página aquí. Si esto te parece demasiado ocupado, solo puedes escribir tus observaciones en una página separada, eso está totalmente bien. Simplemente me gusta la inmediatez de esto y luego solo puedo subir esto a mi proyecto de clase con bastante facilidad. Simplemente mirando a través de esto, pasando por mis pequeñas notas garabateadas aquí, mis observaciones y cosas que me gustan son cosas como imprimir texturas, muchos elementos hechos a mano y poco letras a mano, muchas de estas texturas de medios físicos He colocado dentro formas para darle más interés visual y una sensación de textura. Por supuesto, llamando algunos de los colores que he usado, pesar de que los colores están por todas partes aquí, puedes ver que he usado mucho rojo. El rojo es probablemente mi color más dominante, o el primo tintado del rojo, el rosa. Tengo un montón de rosas también aquí dentro. Yo diría que uno de los otros colores dominantes es este amarillo dorado más profundo. No todos son como este amarillo súper brillante como lo tengo aquí en la línea, son más profundo tono dorado para ellos. Eso lo ves definitivamente en este arreglo aquí, y los ves en este toro A pesar de que hay otros tonos de amarillo, esos son los que me gustan, así que acabo de llamarlos. Por supuesto, he hablado de rosa. Tengo un montón de rosas claras aquí en varios tonos, no sé por qué, sólo me atraen en ellos en mi trabajo y así definitivamente voy a llamar a esos fuera. Por supuesto que tenemos sort y cian. No tengo ningún blues real pasando aquí, pero las teals y los cyans definitivamente aparecen. Entonces claro, una cosa que pensé que era notable, pesar de que estoy usando negro en algunas de estas, creo que con el tiempo empecé a usar esta marina profunda como mi color más oscuro. Una vez que empecé a dar pistas para hacer eso, realidad empecé a hacer eso. Esa es una cosa a la que definitivamente cambié probablemente en realidad cuando estaba haciendo este proyecto aquí. Este fue un proyecto que hice para una bodega en San Antonio. Por la razón que sea, no puedo recordar si era petición de un cliente o si era algo que me sentía como que quería hacer, usé este deep navy en lugar de negro y simplemente sentí que hacía las imágenes un poco más ligeras, menos pesado que si usas un negro full on, y mucho más distintivo y ahora que lo uso todo el tiempo en mi trabajo, creo que eso es una parte firma de mi trabajo. En fin, he tomado todas estas observaciones y acabo de escribirlas aquí en forma de puntos. La otra cosa que hice, y este es el siguiente paso, es simplemente ir y usar la herramienta de selección de color en cualquier aplicación que estés usando. En Procreate solo hago algo como esto, donde puedo escoger los colores específicos que me gustan y luego acabo de dibujar en algunas muestras basadas en esos colores. Ahora hay todo un montón de colores pasando aquí, solo tenemos que elegir seis. Cuando estés escogiendo tus seis colores en este conjunto, no te preocupes por escoger los colores equivocados. Simplemente encuentra los seis que más te atraen y asegúrate de que cada color sea distinto. Si tienes un rojo anaranjado y un rojo más carmín, quizá elige uno de esos y deja ir el otro por ahora. Por ejemplo, en mi set aquí tengo un rojo mucho más magenta tipo y luego también tengo algunas naranjas rojas más. Sé solo por experiencia que me encanta el rojo anaranjado mucho más de lo que amo el rojo más magenta, así que ese es el rojo que elegí. Lo mismo con los rosados, tengo todo un montón de rosas diferentes, pero elegí más rosa pálido porque creo que me gusta ese rosa y más que el más oscuro o más profundo o de nuevo, más magenta. Una vez que hayas terminado tu ejercicio, asegúrate de publicarlo en la página del Proyecto de Clase, y por supuesto, si escribiste tus notas por separado, solo puedes añadirlas también o incluso escribirlas directamente en el proyecto. Eso es todo para este ejercicio. Ahora pasemos al segundo ejercicio, que van a ser estudios de inspiración de color. 12. Ejercicio 2: Estudio de la inspiración del color: Este ejercicio se llama el Estudio de Inspiración del Color. En el primer ejercicio, miramos hacia adentro nuestra propia manera de usar el color hasta el momento y nombramos algunas fortalezas y debilidades clave. También empezamos a imaginarnos cómo podría ser más confiados usando el color para nosotros. En este segundo ejercicio, ahora vamos a mirar hacia afuera a las cosas que más nos inspiran cuando se trata de color. Un estudio de inspiración de color es una colección de 5-10 imágenes de uno de tus ilustradores favoritos. Para sacar el máximo provecho de este ejercicio, recomiendo hacer dos o tres estudios, cada uno con un artista diferente. Por supuesto, al igual que el ejercicio 1, vamos a hacer algunas observaciones o notas por encima de estas imágenes o en forma de punto, y por supuesto, al igual que la última vez, tienes la oportunidad de hacer algunas reflexiones más profundas sobre el set por siguiendo algunas de las preguntas generadoras que encontrarás en la página Proyectos y Recursos de Clase. El propósito de este ejercicio es identificar tus fuentes clave de inspiración o tus héroes, y específicamente encontrar vínculos entre su estilo y uso del color. ¿ Cómo se relaciona su uso del color y sus técnicas de estilo o medios de comunicación entre sí? Otro propósito aquí es encontrar conexiones entre lo que te inspira y lo que quieres hacerte, sobre todo en cuanto a color y estilo. Creo que algo realmente importante que hacer a medida que aprendemos y desarrollamos es aprender de los maestros en nuestra propia esfera de influencias. A quien sea a quien miras, a quien admires, quienquiera que sean tus héroes de ilustración, quieres observar lo que están haciendo y aprender de eso. No se trata de copiar o imitar, sino de simplemente aprender de sus elecciones y ver cómo se puede aplicar eso a su manera a su propio trabajo y a su propio estilo. Los resultados de este ejercicio son más pistas para tu sentido del color y cómo eso se relaciona con tu propia visión artística. También obtienes algunas ideas sobre cómo el color y el estilo se influyen entre sí. Otro posible resultado de este ejercicio es encontrar alguna inspiración para probar técnicas de color que tal vez no habíamos considerado antes. Si te salteaste el ejercicio 1, entonces este ejercicio también puede ser la base del paladar que construiremos en el ejercicio 3. De nuevo, voy a ir rápidamente por las instrucciones aquí y luego te mostraré mi propio ejemplo de estudios de color. Ahora, lo primero que hay que hacer es nombrar 2-3 de tus ilustradores favoritos. Incluya al menos uno del pasado y otro de tiempos más recientes, si se puede, y la razón por la que hacemos eso es sólo para tener un poco de diversidad en nuestras influencias. Siempre es bueno ser influenciado, no solo de personas que trabajan hoy, sino de personas que antes trabajaban en un tiempo diferente. Probablemente las personas de las que sois héroes de hoy fueron influenciadas por ellos mismos. Ahora, para cada artista, haga lo siguiente. Nuevamente, para sacar el máximo provecho de este ejercicio, recomiendo hacer 2-3 estudios, cada uno con un artista diferente. Recoge 5-10 imágenes de cada artista. Bueno, por supuesto, ayuda a elegir estos en cuanto a los colores que te gustan, los colores que están pasando en imágenes de estos artistas, no es totalmente necesario. Está bien si amas el arte, pero no tanto los colores. Todavía podemos encontrar pistas sobre cómo están usando color independientemente de los colores exactos que estén usando. Ahora, arregla las imágenes en una página igual que hiciste en el ejercicio 1. Se puede añadir el título, Estudio de inspiración de color. En algún lugar cerca de la parte superior de tu página, escribe el nombre del artista y su estilo o medios preferidos, como la pintura de collage, ilustración vectorial, o ese tipo de cosas. Similar al ejercicio 1, haz algunas observaciones rápidas sobre tu conjunto. Si eres capaz, escríbalas en algún lugar de la misma página que tus imágenes o encima de ellas, igual que hiciste en el primer set. Puedes usar flechas y líneas para llamarlo cosas específicas, y también puedes anotar tus observaciones en forma de punto. Como inmersión profunda opcional aquí, también puedes descargar las preguntas de la página de proyectos y recursos de la clase y escribir algunas observaciones más minuciosas sobre tu set. Cuando termines tus estudios de inspiración de color, publícalos junto con cualquier escritura que hicieras de lado a tu proyecto de clase. Aquí estamos viendo mi primer estudio de inspiración de color. Como puedes ver, es solo el título arriba en la parte superior y luego una colección de 5-10 imágenes diferentes de uno de mis artistas favoritos. En la parte superior aquí, he enumerado al artista y el estilo o técnica. También podrías escribir medios ahí. Entonces estilo, técnica, medios, estoy usando indistintamente aquí, y eso sólo significa, ¿cuáles son las propiedades o cualidades visuales físicas de la obra? Entonces por supuesto tengo unas notas recién escritas por encima gritando algunas cosas ciertas con flechas y cosas así. Entonces un poco menos lo que me gusta, observaciones aquí abajo sólo en forma puntual. Este artista en particular es Paul Rand y como saben, Paul Rand es uno de mis ilustradores favoritos. Trabajó en lo que yo llamaría un estilo influenciado por la impresión de collage. Porque muchos de estos son en realidad, yo no llamaría a estos pura ilustración, son carteles o portadas de libros, es más como diseño gráfico, así que acabo de agregar eso tan bien como una nota. Está usando mucho collage, más recortes donde lo hará, solo en este caso, en realidad literalmente recorta un pedazo de periódico y lo usa como parte de la imagen. De lo contrario sus formas solo les tienen este sentimiento improvisado. Al igual que acabas de cortarlas con tijeras y ponerlas abajo, lo que muy bien pudo haber hecho exactamente eso. Otra cosa que me encanta de su trabajo o que observo al respecto es solo su uso de espacios en blanco. El espacio en blanco se utiliza como elemento, como dispositivo compositivo, y en algunos casos, el blanco se usa como color. Aquí en esta portada de libro de Second Man, blanco es igual que un recorte o un espacio negativo de este color marrón detrás y por lo que casi actúa como su propio color. Entonces aquí creo que Paul Rand ha usado brillantemente espacios en blanco para sugerir el pollo. No dibujó un pollo en ningún lado. Él ha puesto unas cuantas formas ahí y tú sólo lo ves. Tu mente pone esa pieza de rompecabezas unida. En cuanto a sus colores reales que está usando el trabajo de Paul Rand, utiliza todo un montón de colores diferentes. Pero yo diría que sus principales paletas de go-to o paladar son colores primarios y secundarios. Ese es tanto el uso del amarillo, el azul y el rojo, pero también el verde, el morado y el naranja. Ves estos colores suben mucho. Creo que a Paul Rand también le gusta el rosa. Ves mucho rosa en su trabajo, y es probablemente por eso que me gusta o me han inspirado usar mucho el rosa en mi trabajo. No lo sé con certeza, pero voy a arriesgarme a una conjetura que porque Paul Rand es tal influencia en mí, es muy probable que me haya inspirado su uso del rosa. Ahora por supuesto, en cuanto a su estilo o técnica, una de las cosas que hace que hago mucho también y de las que he hablado mucho es de la sensación de sobreimpresiones, donde me llevaré estos dos colores y luego hay este color más oscuro que sucede al combinarlos. Encuentro que eso es como una forma encantadora de usar una paleta de colores limitada, y por supuesto también es una pista de su proceso. Al igual que en realidad está pensando en cómo estas tintas se imprimirán en el producto final impreso para lo que sea que esté diseñando. Ahora rápidamente cambiando a Klas Fahlen. Creo que es un ilustrador sueco. Amo su trabajo. Su trabajo en realidad me recuerda mucho a otro de mis ilustradores favoritos, [inaudible]. Trabajó más en los años 1950 y 1960 Así que por eso lo he incluido aquí en uno de mis estudios de inspiración de color. Nuevamente, en la parte superior solo tengo el nombre del artista Klas Fahlen y su estilo o técnica, y yo diría que el suyo también está más inspirado en el grabado. También puse retro porque su trabajo sí le tiene un sentimiento retro. En cuanto a herramientas, probablemente, me parece que usa Photoshop o tal vez incluso Procreate. Por lo que acabo de poner digital y vector entre paréntesis porque definitivamente ves muchos de estos alineamientos duros que me recuerdan al vector. O aunque en realidad no esté usando vector, eso es justo a lo que me recuerda. Entonces lo que observo en su obra es el uso de sobreimpresiones, igual que Paul Rand y al igual que algunos de los trabajos que mostré en mi autoinventario de color. Se pueden ver algunas de estas sobreimpresiones, especialmente ocurriendo aquí con estos bolsos. Ahora una cosa que me encanta de su trabajo que también me gustó del trabajo de Paul Rand es su uso de la abstracción. Por lo que estas son solo un montón de cajas impresas sobre la otra. Pero cuando las ves colgando de estas cuerdas con estas mujeres de aquí, tienes una sensación de que son bolsas de compras. No hay nada realmente específico ellos que te diga que es una bolsa de compras excepto por el contexto y la forma en que acaba de componerlos y arreglarlos en esta escena en particular. Me encanta el uso de Klas Fahlen del delicado trabajo de línea también. Ya sea que esté usando negro real para eso o usando lo contrario de ese blanco sobre colores más oscuros, creo que eso es algo consistente que hace. Ahora en cuanto a los colores reales que está usando, me parece que las paletas de Klas Fahlen son bastante versátiles. Pero cuando miro su cuerpo general de trabajo, observo que usa el negro como su ancla, color oscuro, y le gusta el naranja. Utiliza naranja en casi todas sus ilustraciones de alguna manera. Aquí tenemos los relojes tienen una naranja para ellos. Algunos de ellos son solo tonos y tintes de naranjas, pero eso definitivamente es una naranja. Aquí tiene naranja. Tiene naranja ocurriendo incluso aquí, y por supuesto, en esta escena de cocina que se ilustra. En cuanto a esquemas de color, digo que mantiene los colores definitivamente en el lado simple. Muchos de estos son muy monocromáticos. Al igual que yo diría que esta imagen de aquí es bastante monocromática. Básicamente sólo tiene naranja, y diferentes tintes y tonos de naranjas más negro. Podría decirse que aquí tiene algo similar. Si no es monocromático, al menos es análogo. Solo tienes rojos, amarillos y naranjas jugando juntos aquí. Al igual que [inaudible] que su obra me recuerda, utiliza mucho espacio negativo que corta en la composición y que ayuda a que los colores realmente estallen y destaquen. Hace eso en casi toda su obra, probablemente la más diferente de sus imágenes es ésta donde tiene a este tipo podando un árbol de bonsai y hay mucho menos espacios en blanco, pero sigue ahí. Todo sigue muy aplanado, y todo sigue bastante aplanado y simplificado incluso cuando hay antecedentes, sus arreglos tienden a ser más conceptuales y aplanados. Aquí tenemos una señora que es la figura central aquí y luego está rodeada de los elementos de la cocina, pero sigue siendo realmente plana. Todavía solo tienes ese fondo en blanco y todo lo demás solo apoya esta idea de que esta persona en la cocina se esté pasando un rato encantador haciendo deliciosa comida. Otro ejemplo de sus arreglos es que acaba de volver a tener ese fondo blanco, y las cosas simplemente estallan encima de él. Es muy mínimo sobre qué incluir en la escena lo suficiente para sugerir lo que está pasando, no se empantanan demasiado en los detalles. De nuevo, la escena más completa aquí es probablemente el tipo recortando el árbol de bonsai, pero también la gente que se encuentra frente a esta casa, esta ilustración de portada de la revista Globe. Creo que tiene más sentido que hubiera incluido un fondo en este porque es una portada de revista. Necesita pop más y simplemente lucir más atractivo como pieza de portada. Todavía lo está manteniendo simple. Todo es bastante sólido en las formas reales y esas cosas. Es solo que ha usado un poco más a todo color en todas partes e incluso un poco de sentido de iluminación y profundidad. Aún así, sin embargo, no encuentro que sus colores estén demasiado por todo el lugar. En realidad sólo usa el azul, negro y el naranja, y usará tal vez un tono de ese negro sobreimpreso o multiplicado sobre el azul de esta casa, solo para crear una sensación de sombra, y es solo bellamente hecho. Parece una imagen realmente rica, pero al mismo tiempo, solo hay tal simplicidad en el color. Ha hecho un muy buen trabajo manejando eso. Añadiré que por supuesto, sí tiene el rosa para los tonos de piel. Aparte de los tonos de piel, realmente no ha usado esos colores en otros lugares. Por lo que fue capaz de sugerir a la gente y tono de la piel sin tener que enloquecerse con poner ese color en cualquier otro lugar. Entonces creo que funcionó con éxito. Otra cosa a señalar en esta pieza es solo su uso del tono de piel en ésta donde acaba de salir por la ventana con cualquier sentido de realismo en tono de piel, y quería que este tipo destaque y pop contra el verde y acaba de hacer su cara súper roja. Por supuesto que la piel de nadie es de ese color, pero solo funciona para ayudar a este personaje realmente destaque con el verde siendo el fondo más dominante y el color circundante. Usar este color de cortesía de rojo contra ese verde realmente ayuda a estallar. Esos son sólo dos ejemplos de estudios de inspiración de color. Estos son artistas que realmente me inspiran y me han influenciado y que admiro. Los tuyos van a ser totalmente diferentes. Aprendí tanto de lo que ustedes están inspirados en este tipo de ejercicios. De hecho, descubro artistas e ilustradores de los que nunca había oído hablar antes. Así que por favor asegúrate de publicar tu ejercicio, tus estudios de inspiración de color en la página de tu proyecto de clase, y de esa manera todos podemos ver en qué te inspiran. Por supuesto que a continuación, saltaremos al siguiente ejercicio que es construir una paleta sencilla y ésta va a ser la base del proyecto. Entrémonos en ello. Te veré en el siguiente video. 13. Ejercicio 3: Constructor paleta simple: Este es Ejercicio 3 donde vamos a construir una paleta sencilla. Este es un proceso paso a paso para construir una paleta sencilla basada en los colores que elegimos en nuestro autoinventario de color. Si no hiciste el autoinventario de color, puedes usar los colores que elijas de uno de tus estudios de inspiración de color, o también simplemente seguir junto con los colores que estoy usando en la demo, eso está totalmente bien también. Objetivo de este ejercicio es idear una paleta única, sencilla y versátil que podamos utilizar en el proyecto de clase. El resultado de este ejercicio será una paleta personalizada basada en un esquema de color triádico. El paleta tendrá versión más simple con solo seis colores más un oscuro, y luego también tendrá una versión más extendida con tintes y tonos todo basado en esa versión más simple. Para este ejercicio, solo puedes seguir junto con la demo que estoy haciendo en pantalla, y puedes descargar el archivo con el que estaré trabajando desde la página de Proyectos y Recursos de Clase. Estaré haciendo este ejercicio en Photoshop y el archivo con el que estaré trabajando es un archivo de Photoshop. Si tienes Photoshop, entonces genial, pero si eres como muchos usando Procreate, también he incluido instrucciones en la página de proyectos y recursos de clase que puedes seguir y construir una paleta de manera similar. Ahora, estos pasos que estoy usando para crear esta paleta se acaban de componer, es algo que diseñé para esta clase para que todos podamos llegar con una paleta que tenga estos seis colores más oscuros más la forma en que extiendo estas paletas. Eso sólo nos da a todos algo similar con lo que trabajar para el proyecto. De ninguna manera está destinado a darte colores que usarás para el resto de tu vida, eso es algo que todos descifran a medida que avanzas pero esto definitivamente te dará algunas pistas y realmente te enseñará mucho como aprendes a usar una paleta sencilla en el proyecto. Cuando hayas terminado este ejercicio, asegúrate de publicar tu paleta finalizada en tu página de proyectos. Lo que estamos viendo aquí es el archivo del constructor de paladar Photoshop. Estoy en mi Mac, estoy en Photoshop y el constructor de paletas es solo un archivo de Photoshop que he colocado algunas instrucciones de cómo construir una paleta simple. Lo realmente genial de este archivo es que es casi automático. Todo lo que tienes que hacer es recoger tus colores de tu autoinventario de color o donde estés obteniendo tus colores y los estás poniendo aquí en el paso uno. Entonces lo que sea que escojas aquí termina en cascada en todo lo demás. Solo estoy poniendo algunos colores aleatorios aquí solo para mostrarte a lo que me refiero. Te guiaré por lo que he hecho en estos pasos y lo que estoy recomendando y entonces también sólo voy a plantear algunos retos que podrían surgir en el camino. Paso 1 uno para usar la herramienta cuentagotas para elegir tus seis colores favoritos de tu autoinventario de color. Voy a abrir mi primer ejercicio aquí y a lo largo de este lado, tengo mis seis mejores selecciones que elegí de estos colores. Lo que hice en realidad es simplemente copiar y pegar estos y trazarlos ahí dentro así. No obstante, puedes meter tus colores aquí, quieres hacer eso primero. El siguiente paso a hacer es elegir tres colores de tu conjunto para formar una tríada primaria aproximada. Ahora, solo por conveniencia, sí incluí rueda de color aquí, esta es una rueda de color tradicional con rojo, amarillo y azul como tus primarias, y luego un triángulo aquí solo para mostrar cómo funciona una tríada. Un esquema de color de tríada hecho a partir de los colores que forman un triángulo en la rueda de colores tan rojo, amarillo y azul es un esquema de color triádico, si fueras a girar el triángulo donde apuntarán estas cosas, esa es tu tríada de color. Aquí puedes ser bastante aproximado, mis colores no son puros colores primarios tradicionales, el punto aquí es crear algo cercano al rojo, amarillo, y azul o rojo, verde y azul si estás usando el esquema de color RGB, o incluso cian, magenta y amarillo. Sea cual sea la rueda de color que vayas por cualquier modelo de color, debería ser una tríada de ese modelo de color. Para mí, escogí este amarillo y cogí este rojo y escogí este color cian. Estas formas están hechas con la herramienta de lápiz, son esencialmente formas vectoriales o capas vectoriales, y es realmente fácil cambiar los colores. Simplemente hace doble clic en la capa del color que desea cambiar y luego usa el selector de color para cambiar ese color. Nuevamente, solo tienes que elegir la capa que quieres cambiar, deberías ver que aparecen en el panel de capas aquí, solo tienes que hacer doble clic, usar el selector de color y luego puedes hacer esos cambios. Bueno, cómo funciona este archivo no es tan importante como lo que está haciendo, te mostraré solo una mirada rápida debajo del capó aquí. Todos los amarillos que he creado aquí son una capa y así donde cambio uno, los cambia todos, y lo mismo con los rojos. Todos los rojos son las mismas capas, cuando cambio una, cambio todas, cuando cambio todas estas, cambio todas. Algunas de estas se superponen como el amarillo aquí, superpone al rojo aquí y también se superpone a un azul y así es como terminamos consiguiendo estos colores extra porque si miras aquí en mi panel de capas, todos los colores se multiplican unos sobre otros. El amarillo y el azul, el azul se multiplica sobre el amarillo y el rojo en este caso aquí. Lo mismo aquí abajo en el paso cinco, cuando incluyo un negro o un color oscuro y vamos a llegar aquí, estoy saltando adelante pero cuando cambiamos esto, lo que sea que cambiemos aquí termina siendo cambiado en todas partes y lo mismo con este shader que crea tonos de estos colores, y puedes crear este tono y luego sombrea todo lo demás a su alrededor. Así es como funciona esto mirando bajo el capó. Ahora, volveré al paso dos y luego bajaré un poco más en orden. Se puede ver en el paso 3, estamos creando tres secundarias multiplicando las primarias una sobre la otra. Este archivo lo hace automáticamente, pero también podrías hacerlo manualmente en cualquier programa que te permita tener capas separadas como tú cada color en su propia capa, y puedes multiplicar cada una de esas capas. Lo siguiente que hacemos en el paso cuatro es crear tintes. Si recuerdas de la parte de la teoría del color de esta clase, un tinte es cuando agregas blanco a un color y se vuelve más claro. Ahora, en el espacio digital de color, no se agrega blanco a un color. No es como la pintura le agregamos un glob de blanco a tu rojo, tu azul, y tu amarillo, tienes que hacerlo de una manera diferente. Una forma de hacerlo es simplemente tomar un color y luego cambiar la opacidad a un cierto porcentaje. Tengo 50 por ciento y 20 por ciento y eso es lo que efectivamente estoy haciendo aquí en estas dos filas. Estoy creando una opacidad del 50 por ciento de mis seis colores aquí, y luego en la segunda fila debajo de ella, estoy creando una versión de 20 por ciento de opacidad de esos colores y eso me da algunos tintes para trabajar. En el paso 5, elijo el color más oscuro que escogí de mi autoinventario de color. Afortunadamente para mí, tengo algo oscuro con lo que trabajar. Está muy oscuro. Hablé un poco de eso antes, donde realmente prefiero tener un azul oscuro frente a un negro. Eso es lo que está pasando aquí. Yo solo uso eso. Ahora si no elegiste un color que crees que es lo suficientemente oscuro como para trabajar con una especie de negro efectivo, puedes volver a tu estudio de inspiración de color y simplemente buscar un color realmente oscuro que creas que funcionará bien. Si no quieres ponerte demasiado colgado en él, o si lo prefieres, también puedes usar el negro. Volviendo al paso 5 aquí, también tengo un tinte de este color oscuro, y he multiplicado ese tinte sobre mis seis colores de paleta simples primarios y secundarios. En esta hoja de trabajo, este es solo un paso extra que tienes que hacer. No es totalmente automático. He creado esta oscura a partir de mi azul y luego necesito crear un tinte de esta oscuridad. Simplemente uso el recolector de color aquí y elijo ese oscuro. Cualquiera que sea el color que elija que se convierte en el color de sombreado. Por supuesto que quiero que se base en mi color oscuro para que todo sea lo más armonioso posible. Simplemente mirando todo el archivo constructor de paletas en una sola vista aquí, simplemente eligiendo tres colores de nuestras selecciones principales de nuestro autoinventario de color. sólo cambiar estos colores, hemos creado toda una paleta de seis colores más un oscuro, más tonos, más algunos tintes. Estos resultan en tu sencilla paleta con solo tus seis colores más tu oscuro, y luego tu paleta de colores extendida, que tiene todas estas variaciones aquí, tus tintes y tus tonos específicamente. Estas dos paletas son todo lo que necesitaremos para el proyecto. Ahora bien, creo que deberíamos hacerlo oficial y en realidad crear muestras de estos. Dependiendo de tu programa, vas a tener diferentes formas de hacer esto en Photoshop. Acabo de tener el panel de muestras abierto. Lo traeré aquí abajo para que esté a la vista. Yo solo creo dos grupos de muestras. El primer grupo, solo voy a llamar simple a mi palé de una. Entonces voy a crear otro grupo de muestras llamado mi una paleta extendida. Entonces a partir de aquí, solo puedo hacer clic en este grupo de muestras y empezar a añadir mis muestras. Para crear muestras, solo necesito usar mi herramienta Cuentagotas y empezar a escoger el color y luego agregar las muestras. Puedes nombrarlos si quieres. Depende de ti. Entonces voy a entrar a mi grupo extendido de una paleta aquí y haciendo lo mismo. Ahora en mi paleta extendida, hay unos colores redundantes y yo sólo voy a ir eliminar esos sólo para que no estén tan distrayentes cuando estoy trabajando en el proyecto. Ya tengo un blanco con el que trabajar. Este último color es un poco redundante. Si quieres tomarte el tiempo y ordenar tus colores por tonalidad, puedes hacerlo. Yo sólo los voy a dejar como está. En su mayor parte, me voy a centrar en mi sencilla paleta en ambas partes del proyecto. Entonces cuando los necesite, empezaré a usar algunos de estos colores extendidos también, sobre todo algunos de estos rosados y marrones. Esos serán muy útiles cuando se hagan cosas como gente y se necesitan colores de piel y cosas así. Ahora dije que mostraría algunos retos posibles que podrías tener elegir colores y usarlos tú mismo en este constructor de paletas. El reto más notable creo que será venir con colores que sean lo suficientemente distintos en sus segundas. Digamos que usas las primarias puras en esta rueda de color aquí. Si elijo un amarillo puro, un rojo puro, y luego este azul puro, verás que crea una paleta de colores que no es tan grande, sobre todo porque los dos colores aquí son prácticamente idénticos. Cuando tienes este amarillo puro y está sobre el rojo puro, realmente no hace mucha diferencia. Entonces encuentro los otros colores simplemente o no realmente atractivos o son demasiado intensos y chilosos. Lo que haría en este caso, si quisiera colores que fueran cercanos al amarillo, rojo, y azul, como este puro, trato de modular uno de estos colores para que no sean tan intensos y eso ayudará a crear el secundario colores. Para el rojo, podría simplemente derribar un poco la intensidad de eso o la saturación, sólo un poquito. Ya puedes empezar a ver un color distinto que emerge entre el amarillo y el rojo. Podría incluso tomar el amarillo mismo y modular eso un poco. Podría modular el matiz, un poco. También podría modular la saturación de eso. Ahora empiezo a conseguir algo un poco más distinto. Lo mismo con este azul, me parece que este azul es demasiado intenso. A lo mejor le pueda agregar un poco de algo que le ayude a distinguirlo o traerlo más a lo largo de las líneas de los otros colores. Otra posibilidad es hacer que estos colores primarios impresores, y solo ver cómo funcionan esos. Creo que funcionarán un poco mejor en realidad. Hagamos sólo 100 por ciento cian, 100 por ciento magenta, y luego 100 por ciento amarillo. Aquí, obtienes algunos colores muy distintos y bastante atractivos también. Ahora bien, me parecen un poco demasiado puros para mi gusto, pero solo te está mostrando una forma posible de trabajar con estos colores. Depende de ti. Puedes teñir estos dorso y hacer colores más claros. Cualquier combinación que quieras. Por supuesto, esto es solo para mostrar cómo usar este constructor de paletas de una manera que podría funcionar mejor para ti y para simplemente evitar la situación en la que estás obteniendo estos colores que realmente no son tan distintos. Creo que mientras estés usando colores que escogiste de tu propio sentido de color, colores que sabes que te gustan, colores que sientes a los que recurres una y otra vez, puedes usar este constructor de paletas para crear tus paletas y ojalá saquen algo que sea a la vez armonioso y que sí refleje algo conectado a los colores que ya has estado usando. Algo conectado a tu propio verdadero sentido del color. Sea lo que sea que termines eligiendo como tus colores de paleta , asegúrate de finalizar eso, hazlo legal creando algunas muestras y luego esas serán útiles para usar en el proyecto final, que por supuesto estaremos haciendo a continuación. 14. Resumen del proyecto: De acuerdo, es hora de hacer el proyecto real. Entrémonos en ello. El proyecto toma lo que aprendimos de nosotros mismos en los ejercicios y nos da la oportunidad de probarlo de verdad. El proyecto se divide en dos partes. En la primera parte, nos introduciremos en algunas ilustraciones más simples y nos pegamos solo con nuestra paleta de inicio central, que creamos en Ejercicio 3. Esto nos dará confianza en el uso de nuestras limitadas paletas y nos dará una sensación de cómo podemos ser altamente creativos cuando nos enfrentamos a restricciones estrictas. En la segunda parte, crearemos una ilustración más compleja y veremos cómo podemos usar nuestra estricta paleta de una manera más variada y flexible. Al final del proyecto, tendrás dos ilustraciones generales, nuestra más simple y nuestra más compleja, que podrás compartir en la página de la clase y, por supuesto, en tus cuentas de Instagram u otras redes sociales, y tal vez incluso en su cartera. Para mantener eficiente esta clase, me voy a centrar en el aspecto del color en mis demos. En mis otras clases -incluyendo Sweet Spots, Drawing Togoing Illustration, y The Style Class - muestro con más profundidad cómo se me ocurren ideas y creo bocetos antes de entrar en la obra de arte a color más final. En esta clase, mientras tocaré bocetos, estaré convirtiendo más el foco de atención sobre cómo trabajo el color en las ilustraciones finales. Si necesitas más ayuda para llegar a la parte del boceto, te recomiendo ver Videos 10-12 en Sweet Spots o si realmente quieres la experiencia completa, prueba toda mi clase Dibujo hacia la ilustración. 15. Configuración del proyecto: elige un tema: El primero que queremos hacer es elegir un tema para nuestro proyecto. Para que las cosas sean más fáciles, les estoy dando a todos un prompt en el que creo que todos podemos hundir nuestros dientes, y eso es comida. El bonito de la comida es que nos da todo algo con lo que podemos relacionarnos, y brinda todo tipo de posibilidades en cuanto a artículos para ilustrar. La comida también pasa a ser un tema muy colorido, que debe proporcionar un agradable reto, al usar una paleta estricta. Aquí sólo pasaremos por elegir nuestro tema y hacerlo más personal y divertido antes de pasar a la primera ilustración. En mi iPad aquí, acabo de escribir aquí una cosita rápida que podemos pasar juntos y así es justo como te sugiero que vayas a seleccionar tu tema para tu proyecto. Aquí tenemos tema y luego tiempos de comida en blanco. En el blanco donde dice actividad o contexto, desglose una actividad o un contexto de su elección. El alimento que comemos, cómo se ve, y cómo la disfrutamos siempre es diferente dependiendo del contexto. Un ejemplo de una actividad o contexto podría ser el ciclismo o el estudio. Por lo que su tema de proyecto debe ser algo así como tiempos comida ciclismo o tiempos de comida estudiar en estos ejemplos. solo agregar un contexto como este, repente tienes alimentos específicos y situaciones que vienen a la mente. Entonces puedes imaginar qué tipo de comida, utensilios u otro tipo de herramientas y ese tipo de cosas que podrían encajar en el tema así como cómo podría verse un escenario que involucra esa comida y actividad. Simplemente voy a pasar por cómo me fui con esto, sólo para darte un ejemplo rápido. Lo primero que hice es que acabé de escoger mi tema. Entonces mi tema va a ser acampar y elegí acampar porque, primer lugar, es sólo algo que disfruto. 16. Proyecto Parte 1: Bocetos: En esta parte del proyecto, se ilustrará de cuatro a cinco objetos simples en disposición de laico plano sobre un fondo limpio o sólido. Esto se parece mucho a las herramientas de las postales comerciales que hicimos en mi clase de ilustraciones entintadas. Usaremos solo seis colores básicos más nuestro oscuro o negro en nuestras sencillas paletas. No vamos a variar demasiado de eso. El propósito de esta parte del proyecto es practicar utilizando una paleta muy sencilla, utilizando nuestras herramientas y técnicas de estilo elegidas. Esto demostrará cómo es más fácil aplicar una paleta simple a ilustraciones más simples. Por supuesto, el resultado de esta parte del proyecto será nuestra primera ilustración, que se basa en nuestro tema de actividad de los tiempos de los alimentos, y tendrá cinco son objetos tan simples usando una paleta de colores simple. Ahora puedes ir a la página de proyectos y recursos de clase para obtener las especificaciones completas del proyecto. Pero muy rápido, va a ser de ocho por 10 pulgadas a 300 DPI, y esto puede ser en formato vertical u horizontal. En cuanto a herramientas, estaré usando Procreate para bocetos y Photoshop para las ilustraciones finales y por supuesto puedes usar las herramientas de ilustración digital que desees. Una vez que tengamos nuestro tema y nuestra lista de cinco objetos, podemos, por supuesto, empezar a bosquejar el modo. En este video, rápidamente te guiaré por mi propio proceso de bocetos, y solo te estaré dando una visión rápida de mi pensamiento aquí. Si quieres una mirada más completa y profunda a mi proceso de bocetos, asegúrate de revisar mi clase Dibujo hacia la ilustración. Para casi todos los proyectos de ilustración, casi siempre empiezo con búsquedas de imágenes. Las imágenes que encuentro informarán mis bocetos, que estaremos entrando en un momento. Encuentro que este paso siempre ayuda a que fluyan los jugos. Me permito algún tiempo solo para perderme y buscar imágenes que puedan inspirar ideas, y me informen algunos detalles de los temas o formas reales que estaré ilustrando. Cuando me puse a buscar imágenes para este proyecto, fui a Pinterest y busqué las cosas más obvias como comida de camping, y por supuesto los artículos reales de mi lista como estufa de campamento, sartén y así sucesivamente. Pero también uso algunos términos de búsqueda que quizá sean menos obvios pero de interés más personal para mí. Cuando pienso en acampar, me pongo muy nostálgico y pienso en el equipo mi familia usaba cuando crecía en los años ochenta y noventa. El equipo que mis padres habrían tenido en ese momento probablemente era de los años 60 y 70. Esos son los objetos que más me siento nostálgico y en los que me inspira. Pasando a mi computadora aquí por un segundo. Estas son algunas imágenes que saqué de mi búsqueda de imágenes para esto. Como puedes ver, hay un montón de cosas para acampar y mucho es retro, de la época de la que hablo. Para mí esto acumula una bonita historia, y por supuesto me da algunas cosas interesantes de las que empezar a dibujar en la siguiente parte de este proceso. Cuando termino de recolectar imágenes de referencia, paso a lo que llamo bosquejo observacional u modo O. En algunas de mis clases, también he llamado a este bosqueo gratuito. Aquí es donde acabo de dibujar a partir de mis imágenes de referencia sin metas excepto para simplemente descargar información visual sobre mi tema. No estoy pensando tanto en ideas en esta etapa, en realidad. Esto se trata solo de profundizar en el proceso y mantener fluyendo los jugos. No me preocupa en este punto si mis dibujos son buenos o malos, apenas empiezan a dibujar a partir de mis imágenes. Cuando bosquejo, uso un lápiz simple y procreate, pero el bosquejo se puede hacer en papel normal o en un cuaderno de bocetos también. Tómate el tiempo que necesites para este paso. Yo diría que por lo menos 30 minutos deberían ser suficientes para ti. Cuando termines, puedes pasar al siguiente paso. A veces es útil tomar un descanso rápido entre estos pasos, simplemente reponer tu energía mental y volver con una mente fresca. Como puedes ver, estos son mis bocetos en modo O. No hay nada demasiado especial en ellos realmente. Simplemente pondría una imagen en mi pantalla, la miraría, dibujaría, pasaría a la siguiente imagen, dibujaría, y así sucesivamente. Estos son realmente rápidos, solo se trata de poner algo de información en mi cabeza para inspirarme y darme suficiente información sobre los objetos que estoy dibujando. Esto es especialmente útil si no estoy familiarizado con algunos de los detalles de cómo podrían verse estos objetos. Es simplemente increíble cuánto más realmente miras algo cuando lo dibujas, en comparación con solo mirarlo en la imagen o algo frente a ti en la vida real. Cada vez que llena una página, creo una nueva capa y empiezo a dibujar en eso y lo haré una y otra vez hasta que sienta que he terminado. Después de haber terminado mis bocetos en modo O, el siguiente paso es hacer lo que llamo bocetos ideacionales o i-mode. Aquí es donde empezamos a pensar en nuestras ideas e intenciones reales para la ilustración. Aquí nos enfocamos en lo que yo llamo las tres C's de bocetos, concepto, contenido y composición. Mis bocetos ideacionales empiezan un suelto y rudo y luego a medida que voy, soy capaz de conseguir más refinados y decisivos sobre mis ideas. Nuestra tarea aquí es terminar con una composición que nos complacen, que luego usaremos para ilustrar más. Aquí en Procreate, puedes ver acabo de crear algunas miniaturas, solo seis aquí arriba y allá, la misma relación de aspecto que será mi impresión final, que es de 8 por 10. Empecé bastante inseguro. Esta es como la etapa incómoda de mi proceso de bocetos donde realmente no lo sé. Como dije, no tengo ninguna nociones preconcebidas, solo empiezo a dibujar, y a partir de ahí empiezo a tener una idea de qué objetos están funcionando y qué piezas van a encajar mejor y, paso a una nueva capa cuando llene la página. Aquí puedes ver por mi segunda página, estoy empezando a tener bastante buen sentido de qué objetos están funcionando y cuál es la historia que trato de contar. Entonces sigo adelante y pruebo algunas otras cosas solo para asegurarme de haber probado suficientes cosas para tener la mejor idea posible. Después de un breve descanso, volví a evaluar y elegir algunas de mis favoritas, que marqué con un punto rojo. Tenemos esta aquí con, tenemos unas estufas de campamento, un café, unos cerillas, cafetera. En diferentes variaciones con esos objetos, me pegué con la idea del desayuno. Estaba empezando a gravitar alrededor del tema del desayuno y consiguiendo algunas composiciones agradables sucediendo aquí. Siempre me gusta que mis bocetos sean lo más refinados posible antes de pasar a mi arte final. De esa manera puedo arreglar las pequeñas torceduras que podrían dejarme atascado más adelante. Encuentro que si no descubro las cosas ahora en la etapa de boceto, termino teniendo que volver a esbozarlas después de todos modos. En estos bocetos más refinados, tomé mis tres selecciones superiores que marqué con un punto rojo y los volví a esbozar con más claridad y refinamiento. Aquí están mis tres selecciones finales para entrar en bocetos refinados. Estas sentí o simplemente mis composiciones más fuertes y dado el tiempo que pasé en ellas, estaba lo suficientemente feliz con lo que tenía y era hora de seguir adelante. Acabo de poner mis bocetos originales abajo en la parte inferior aquí, y mis refinados en la parte superior, mis ásperos aquí abajo, mis refinados o en la parte superior. Como pueden ver, acabo de hacer algunos cambios sutiles a este primero, y esa es la orientación de la mantequilla. Añadí solo unos puntos de pimienta para algún detalle extra. Refiné la forma de la sartén y agregué un fósforos. Con los otros dos, también refiné esos, pero encontré incluso en mi refinamiento las cosas realmente no se pusieron claras o menos incómodas. De nuevo, fui con el de arriba a la izquierda aquí, y estaba bastante feliz de seguir adelante con eso. Ya deberías tener al menos un boceto o una composición con la que estés contento, que te gustaría usar para tu ilustración final. Si no puedes decidir, solo elige una y prométete que puedes hacer una de las otras más tarde. Lo importante es solo tener una composición clara con la que puedas trabajar. En el siguiente video, comenzaremos a hacer la ilustración real. 17. Proyecto Parte 1: Arte terminado: Ahora, es hora de crear nuestra primera ilustración final. Eso significa que estaremos utilizando el estilo y los medios elegidos o herramientas y técnicas para plasmar los bocetos que desarrollamos en el paso anterior. Ahora para esta primera ilustración, como recordatorio, el objetivo es utilizar nuestra paleta más sencilla de seis colores más uno oscuro o negro. Queremos ser lo más estrictos con nosotros mismos como podamos sobre usar solo estos colores y no usar variaciones extendidas. El hecho de que hayamos utilizado objetos simples como base de esta ilustración definitivamente ayudará en este sentido. Ahora a medida que entro en este video, les estaré mostrando mi propio proceso, que por supuesto es muy específico de mi propio estilo, herramientas, y técnicas. Por supuesto, también estaré usando mi propia paleta sencilla. Pero a medida que vaya, les hablaré a través de mi proceso de pensamiento y decisión, que creo será útil para cualquiera que trabaje con una paleta limitada en su ilustración digital. Cuando termines a través de la ilustración, por favor publícala en tu proyecto de clase. Además, por favor siéntete libre de compartir tu trabajo en Instagram. Me encanta ver tu trabajo en la naturaleza, así que por favor asegúrate de usar el #onepaletteillustrator. Ya que estaré ilustrando en Photoshop, tengo Photoshop abierto y solo voy a crear un nuevo archivo y ese archivo será de ocho por 10 pulgadas a 300 DPI. Yo sólo voy a crear eso. Enseguida, sólo voy a guardar eso y sólo lo llamaré iconos simples, V1. Copié mi boceto de procreate y solo lo voy a pegar aquí en Photoshop. Ahora, una cosa que me gusta hacer antes de entrar en el resto del proceso, solo te mostraré lo que hago por configurar mi archivo, para poder trazar sobre mi boceto sin que el boceto se interponga en mi ilustración y sin mi ilustración que bloquea el boceto. Me gusta poner mi boceto en su propio grupo de capas llamado sketch. De esa manera, cada vez que añado o cambie boceto, si tengo dos, lo pongo en esta carpeta y mantiene las cosas organizadas. Entonces, creo un grupo de capas encima de él llamado arte. Toda la obra de arte que creo va a ir dentro de este grupo de capas de arte. Eso va a mantenerlo separado del boceto. Ahora, el verdadero poder de esta configuración aquí es cuando hago esto, bajé la opacidad del grupo de boceto a alrededor del 20 por ciento. Por supuesto, eso ayuda a que el boceto no te abrume y estoy haciendo el arte. Entonces, configuro el modo de mezcla del grupo de capas de arte para que se multiplique. Eso asegura que todas las formas que hago en el grupo de capas de arte sean transparentes al boceto, pero no a otras capas dentro del grupo de capas de arte. Si añado otras cosas pasando aquí en el grupo de capas de arte, solo otra obra de arte. Se puede ver si escondo el boceto, los objetos mismos son opacos el uno al otro. No se están multiplicando unos sobre otros. Pero el grupo de capas general se está multiplicando sobre el grupo de capas de boceto y luego lo que estoy ilustrando, puedo ver el boceto, y es solo una buena manera de poder hacer eso. Yo sólo quería mostrarles que trabajando antes saltar al modo velocidad y hablar con ustedes a través del resto del proyecto. Ahora sólo empezando justo en la ilustración, voy a empezar con los huevos. Estoy usando pincel de textura solo para rellenar eso con el color sólido, pero la textura le da a los objetos un poco más de un, es solo una sensación más ligera para ellos. Simplemente me gusta la textura en mi trabajo en general también. Haciendo lo mismo aquí con la sartén. Usando un poco de oportunidad aquí para dejar que algún espacio en blanco pase por ese objeto. Hago lo mismo con el contenido de esa sartén. Añadiré algunos huevos probablemente ahí dentro. Utilizamos el mismo pincel texturizado que utilizo para todo lo demás bastante. Pasando al paquete de mantequilla. Simplemente voy a aprovechar esta oportunidad para usar otro de mis colores, esta vez ese azul cian, llenándolo con el pincel de textura. Como puedes ver, solo estoy llenando cada objeto de manera más general al principio y luego me meto en los detalles de cada siguiente. Si el pico y yo vamos a añadir una tira de grasa ahí dentro con blanco y luego copiar eso, vuelve a ajustar la opacidad a tal vez 30 o 40 por ciento. Eso es solo por supuesto agrega un poco más de intereses en detalle a ese objeto. Pasando ahora a la estufa de cocina como el cilindro de dosis de los campamentos, ese cilindro de propano, y el aparato que combinó lo convierte en la estufa de campamento. Yo solo estoy trabajando algunos de esos detalles y de qué colores serán. Pasando a las formas de los saleros y pimenteros. Aquí me dejo cortar y pegar y cambiar uno de ellos sólo un poquito. No es totalmente cortado y pegar. Yo elijo por ahora agregar verde al pimentero que hay. Ahora, voy a usar mi inker solo para crear algún trabajo de línea. La mayoría de mis detalles de liner van a ser este oscuro o el DV. Entonces, los multiplico por cualquier color que hayan terminado y eso solo ayuda a que todo sea más integrado. Ahora por supuesto, muchas de mis ilustraciones incorporan letras de algún tipo. Aquí estoy aprovechando esa oportunidad. A mí me gusta mi letras separadas y más grandes. Entonces, lo encojo y lo coloco a quien pertenezca más tarde. Este es sólo un estilo de letras muy simple que uso mucho. Utilizo la cuadrícula en Photoshop solo para hacer de todas mis letras un tamaño consistente. Me gusta también refinar las letras tanto como sea posible borrando los pedacitos de los extremos, cuelgo pasado donde están las líneas de la cuadrícula. Aquí para el paquete de huevos, el lettering realmente ayuda a crear un visual más interesante. Creo que el paquete de huevos con solo un poco de color o textura o algo no sería suficiente. Agregar las letras aquí, siempre y cuando sea nocional y no demasiado detallada, realmente agrega algo a la ilustración. Yo también multiplico ese color sobre el amarillo, y de nuevo, eso sólo trae algo más de armonía a todo. He decidido aquí cambiar el color de las letras laterales, como frescas y una docena, solo al color oscuro en su lugar. Ahora, estoy trabajando la textura. Estoy tratando de averiguar qué pincel hará la mejor textura para todos los objetos de esta pieza. Usaré el mismo pincel de textura y color y técnica a lo largo de mis ilustraciones. Yo decido por este pincel finalmente, y luego lo vuelvo a ajustar al 30 por ciento y lo multiplico por lo que sea que esté sentado arriba. Ahora, aquí, solo estoy ajustando las letras, sentí que estaba demasiado apretado. Este es solo el detalle delicado pero se parece un poco más a lo que tenía en mi boceto, las letras están más espaciadas, tiene una sensación más agraciada y también una sensación retro al mismo. Ahora, estoy agregando el amarillo de lo que sea en la sartén, los huevos de aquí, usando el mismo cepillo de textura, y pasando a agregar más detalles por aquí. Estoy creando el gráfico en el paquete de mantequilla usando primero el amarillo, y ahora, estoy a punto de elaborar el estilo de letras. Estoy escogiendo un pincel para la carta. Voy a hacer esa letra en blanco para empezar. Nuevamente, usa la cuadrícula en Photoshop solo para hacer que mis letras sean un poco más igualadas y medidas en lugar de sentir de forma libre. Una vez que terminé mis letras, lo pongo en su lugar aquí. En realidad lo voy a poner debajo del amarillo del gráfico empaquetado de mantequilla. Ese amarillo, multiplicarlo sobre el blanco seguirá siendo amarillo, pero multiplicarlo sobre el cian o el azul crea ese bonito color verde. Esta es sólo una forma interesante de trabajar con los diferentes colores en el uso de la opacidad y multiplicarse en este caso. Podría haber elegido hacer la palabra mantequilla blanca sobre la parte superior del amarillo, pero esto también funciona, y por supuesto, sabemos que el verde es una mezcla del cian por debajo y el amarillo por encima. Solo hay una tonelada de armonía de color que ocurre de forma nativa justo aquí. Aprovecho la oportunidad para agregar algunos elementos más de letras, siempre solo añadir un poco más de interés visual, mantiene las cosas interesantes, solo conformando un nombre de marca. La mantequilla de campo, debería existir, me suena real. Agregando algo de la línea de trabajo con mi entintadora otra vez, solo para los pliegues de los extremos del paquete de mantequilla. Ahora, voy a usar la misma textura de los huevos y simplemente pegarla aquí en el paquete de mantequilla y ponerla a 30 por ciento de opacidad y multiplicarla por encima. Voy a hacer eso prácticamente en cualquier parte haya sombreado en esta ilustración. Ahora, estoy trabajando en algunos de los gráficos en detalles de letras del cilindro de propano de la estufa de cocina. Estoy usando mi pincel de entintado como mi pincel de letras aquí. Entonces claro, cortando con mi herramienta de borrador solo para refinar los extremos y las formas generales de estas letras, solo para que se vean un poco más intencionales. Me encojo eso hacia abajo, lo arrojo a la forma del cilindro de propano, empiezo a agregar algunos detalles más. Voy a alborotar un poco con esto, y decido que quiero que esos detalles, ese triángulo y las letras sean blancas. Está permitiendo que pase un poco de espacio en blanco. Ahora, voy a averiguar cómo hacer que esta llama se vea flameada. Esto sería un poco más complicado por la naturaleza de una llama, es efímera y nunca tiene una forma real y es transparente. ¿Qué es una llama? Solo estoy usando diferentes combinaciones de colores para ver qué funciona, y termino con este amarillo, blanco, y azul, y parece que funciona bien. Ahora, es hora de sumar los partidos. Sólo voy a copiar y pegar esos para que estén todos parejos en tamaño, y para crear un poco de repetición en la imagen. Entonces por supuesto, agrega las cabezas de partido a cada una de estas. Un poco de blanco con textura suficiente para que el rojo salga a través, y eso asegura que al menos se pueda distinguir la redondez de las puntas en lugar de que se vean totalmente cortadas y se mezclen demasiado con la página detrás. Aquí, sólo voy a añadir más quemado a una sensación crujiente de este palo de partido y añadir algunas migajas. Agrega unos detalles finales a la pieza, solo pedacitos de pimienta que puedo dispersar a lo largo y por supuesto, remata el salero y pimentero. Hay algunos detalles, y entra con algunas letras tal como lo hice en otro lugar, haciéndolo por separado y más grande, y luego agregándolo a la forma del objeto más adelante. Solo busco un pincel apropiado para el salero y pimentero aquí. Este es un poco raro mirando cuando es grande, pero cuando se encoge, se ve bien. Por supuesto, agregando en alguna de esa textura de mi pincel de textura y poniéndose indeciso del color. Solo estoy tratando de averiguar cómo equilibrar los colores en esa esquina superior. Se siente como si ahora estuviera pasando mucho rojo. Decidí que el cilindro de propano va a ser verde, pero esos detalles en la parte superior, me mantendré como la marina o la oscuridad, y solo alborotaré un poquito aquí con el color de los saleros y pimenteros. Agrega algo de textura al cilindro de propano, por supuesto. Aquí, solo estoy oscureciendo las letras, haciéndolo más intenso y contrastia. Me estoy preocupando por los colores de todas las fuentes ahora para las letras. Segunda conjetura, pero luego vuelvo a mi original. Yo hago mucho eso. Por supuesto, agrega un poco de rojo picante a los huevos, solo para agregar un poco más de matiz ahí y traer un poco más de rojo más bajo y solo distribuir algunos de los colores más uniformemente a lo largo de la imagen. Tratando de mantener mis colores lo más simples y fieles a mi estricta paleta como sea posible. Ahora, cuando termine, agrego mi firma, alboroto un poco con el color de eso, y luego termino de vuelta con azul marino u oscuro. Apenas unos diminutos detalles de acabado, y creo que ya he terminado. 18. Proyecto Parte 2: Bocetos: En la primera parte, ilustramos objetos simples sin ningún fondo, y utilizamos nuestra paleta más simple de seis colores. En la segunda parte, ilustraremos una escena más compleja. Esta incluirá la comida y la actividad que elegimos antes, pero también algunas personas interactuando entre sí y la comida y los objetos en la escena en primer plano. Por supuesto, porque es una escena, también querrás incluir algunos elementos de fondo para configurar la escena. Esta ilustración será más compleja porque estaremos tratando con diferentes colores de piel, además de crear una sensación de primer plano y fondo. Para hacer todo esto, estaremos usando nuestra paleta extendida, que hemos creado en el ejercicio 3. Puede que incluso tengamos que extenderla y modificarla aún más a medida que avanzamos. El goteo estar en mantener los colores consistentes y lo más simple posible, utilizando colores extendidos solo según sea necesario. Ahora, sólo una nota, si dibujar gente llena es intimidante para ti, siéntete libre de ilustrar sólo la propagación de la comida con tal vez algunas manos entrando desde los bordes. Esta es una gran resolución para aquellos que quieren saltar a la ilustración pero aún no tienen confianza en cómo dibujan a las personas. Sí tengo una clase llamada cuerpos extraños, que aborda el dolor específico para las personas, dibujando a la gente en su ilustración y te animo a tomar eso en algún momento y tal vez incluso volver a esta parte del proyecto después de tomar impar cuerpos. El propósito de esta parte del proyecto final es practicar el uso los mismos colores de un proyecto de ilustración a otro independientemente de la complejidad. Otro propósito es demostrar cómo se puede extender una paleta sin perder su sentido de consistencia entre ilustraciones. En nuestra primera ilustración, tuvimos una paleta similar, y ahora vamos a tener una ilustración más compleja con paleta más extendida y ambas serán consistentes porque están arraigadas en el mismo núcleo conjunto de colores. Otro propósito es demostrar cómo satisfacer demandas más complejas, como la variación de tonos de piel y composiciones complejas sin perder la sensación de simplicidad de color de una paleta más estricta. Nuevamente, puedes consultar los hechos los proyectos en la página Proyectos y Recursos de esta clase, pero estaremos usando el mismo formato, 8 por 10 pulgadas, 300 puntos por pulgada y puedes hacerlo en formato vertical u horizontal, depende totalmente de ti. Nuevamente, estaré usando Procreate para bocetos y Photoshop para las ilustraciones finales. Probablemente te resulte útil en este punto hacer algunas búsquedas más de imágenes, esta vez con un ojo para escenarios de configuración en las personas. Para esta etapa, volví a Pinterest y busqué cosas como gente acampando, gente camping retro, e incluso cosas como picnic de los años 60. Yo sólo quería encontrar gente reunida en un contexto de acampada. Nuevamente, porque soy nostálgico sobre la idea de acampar en los años 60 y 70, necesito mi búsqueda más específica a esta época. Simplemente volteando a mis imágenes que coleccioné al paso en Bridge, puedes ver que todo sigue siendo temática de camping, pero esta colección tiene un enfoque más en que la gente cenando alrededor de una mesa o picnicking. Es que básicamente si el primer conjunto de imágenes de referencia para la primera parte de la ilustración, estamos más marcados y enfocados específicamente en los objetos de comida. Esto es como retroceder y mirar más al entorno o al contexto. Yo diría que toma algún tiempo hacer algunos bosquejos en modo O de la gente en tus escenas, sobre todo si crees que ayudará a que fluyan los jugos para los bocetos ideacionales. Aquí puedes ver mis bocetos en modo O. En realidad no son tan extensos. Acabo de garabatear algunas de mis imágenes y no sé por qué, pero creo que me sentí como si ya hubiera hecho un montón de bocetos de modo O para la primera parte y simplemente estaba muy ansioso por meterme en los bocetos reales para esto. Voy a ver en un momento, en realidad terminé por tener que hacer una tonelada de bocetos i-mode y creo que eso está compagando lo poco preparada que estaba porque me salté este paso. Al igual que la última vez, después de que termines tus bocetos observacionales, si eliges hacerlos diligentemente, el siguiente paso es entrar en bocetos ideacionales o i-mode. En estos bocetos, asegúrate de volver a pensar en las tres Cs: concepto, contenido, y composición. ¿ De qué se trata la ilustración? ¿ Qué objetos y personajes se utilizarán para representar tu concepto y cómo lo arreglarás todo en la composición? Al igual que la última vez, tengo mis seis spots en miniatura en Procreate y luego acabo de empezar a bosquejar, tratando de tener ideas. Como de costumbre, empecé bastante incómodo con sólo poner abajo lo que tenía esta idea inicial, tal vez podría evitar dibujar gente llena tirando sólo sus manos saliendo de los bordes. Seguí pensando en tal vez había como una mesa de picnic y luego me quedé atascado un par de veces y pensé, bueno, tenía esos objetos de la primera ilustración. Supongo que debería arrojarlos a la composición de alguna manera. Aquí traté de hacer justamente eso. Nuevamente, evitando dibujar gente llena en esta y tratando de incluir las cosas como el tocino, el café, la idea de una estufa de campamento, solo intentar que algunas otras cosas se pierdan un poco, lo cual está totalmente bien. Entonces pensando, oh, tal vez debería haber más contextos, más de un fondo. A lo mejor debería haber una carpa y alguien cortando madera o un hacha o algo al fondo. Tan solo para realmente poner la escena en términos de un camping. Creo que empecé a ponerme más audaz y sólo tener gente teniendo la mesa. Estaba obteniendo una idea de cómo era esa relación de fondo en primer plano y cuáles serían los objetos reales en mi escena. Entonces, sí, seguí volviendo a esta idea y luego cambié de nuevo a, oh, tal vez debería volver a hacer las manos y entonces tal vez en realidad debería traer de vuelta a la gente. Volviendo atrás y adelante, siendo indeciso, está bien ser indeciso en un escenario como este porque solo eres tú y tu bloc de bocetos. Si aún no estás satisfecho, entonces solo sigue adelante y sabes que un buen momento para parar es por supuesto, cuando comienzas a repetir tus temas una y otra vez. Pero no estás viendo ningún cambio enorme en cuanto a contenido o composición. Además si comienzas a sentirte frustrado como si estuvieras empezando a conseguir algo de energía negativa, entonces ese es un buen momento para llamarlo, tomarte un descanso y volver a él con un ojo más crítico. Eso es lo que hice igual que la última vez que empecé a poner puntos rojos en los que creía que eran los más prometedores. A mí me gustó este porque tenía las tres personas, tenía una agradable sensación de fondo de primer plano sin ser totalmente detallado. Acabo de tener como una parte del auto al fondo y parte de la carpa y me gustó mucho esa sensación. También me gusta esto como una posibilidad donde en lugar de tener a toda una persona en primer plano, tenía a alguien apagado en segundo plano configurando de alguna manera ese elemento humano, pero también conectando con la gente en primer plano. Al igual que la última vez, tomé mis bocetos superiores y los coloqué en un nuevo documento para trazar sobre ellos con más claridad y refinamiento. En este caso, en realidad decidí refinar solo uno que tenía los personajes completos en ellos en lugar de solo las manos. Al refinar mis bocetos, hice mi dibujo lo más claro y seguro posible. Prestar más atención a los detalles, incluyendo cómo se ven los personajes, qué llevan puesto y, sobre todo, cómo se superponen las cosas. Ahora, sólo mirando rápidamente mis bocetos refinados, a la izquierda, tenemos mi boceto áspero donde tenía a las tres personas en primer plano y luego un poco del sitio del campamento en el fondo solo para poner la escena y luego iteré sobre él un par de veces hasta que quedé contento con el nivel de detalle. Yo sí agregué más detalle, la imagen sí se puso un poco más compleja aquí. Pero claro, estoy pensando ahora en términos de detalles como lo que está incluido. Tengo mi estufa de campamento, tengo mi tocino, el café, los huevos, la salera y pimienta. La idea del café. Añadí unos árboles al fondo porque para mí, cuando estás acampando, hay árboles por todas partes. Eso es lo que terminé haciendo en el boceto y siendo realmente específica sobre las cosas lo más posible. Todavía es solo un boceto, no hay color, no hay texturas y sombreado realmente. Pero empiezo a pensar en dónde cabrán las cosas y se sentarán en la composición final. Ahora debes tener una composición final con la que estés contento para llevar a la ilustración final. Nuevamente, trata de no quedarse atascado en la composición perfecta. Llega un momento en el que sólo tienes que seguir adelante. Elige tu boceto favorito para la escena completa y sólo tienes que ir con él. Si encuentras por el siguiente paso a medida que te metes en él que no está funcionando, siempre puedes volver atrás y refinar más tu boceto. 19. Proyecto Parte 2: Arte terminado: Ahora es el momento de ilustrar nuestra escena completa. Para este, llegamos a utilizar nuestras paletas más extendidas, que creo que serán útiles a medida que tratemos de aplicarlas a nuestras composiciones más complejas. El objetivo aún está por ser disciplinado en cuanto a pegarnos dentro de nuestra paleta; es solo que obtenemos algunos tintes y tonos más con los que trabajar. Lo que esperemos que encuentres es que no necesitas toneladas de diferentes tonalidades. Descubrirás que tu sencilla paleta de seis colores más oscuro más unos tintes y tonos es más que suficiente para crear bellas obras de arte. Al pegarte con tu paleta, la ilustración que hagas para ésta será consistente con la primera ilustración. Es así como desarrollas un sentido del color consistente en todo tu trabajo al tener una paleta de hogar simple y luego simplemente usar variaciones de la misma cuando lo necesites. Al igual que la última vez, te estaré mostrando mi propio proceso, que por supuesto es muy específico a mi propio estilo, herramientas, y técnicas y también a mi propia paleta. Pero al igual que la última vez, te estaré hablando a través de algunos de mis pensamientos mientras avanzaba por mi proceso. Nuevamente, cuando termines tu ilustración, por favor, publícala en el proyecto de la clase. Nuevamente, por favor comparta su trabajo en Instagram usando el hashtag onepaletteillustrator. No puedo esperar a ver qué hacen ustedes, pero hasta entonces, entrémonos en la demo. Por supuesto que sólo vamos a empezar configurando el archivo de la manera habitual. Crea esto de nuevo a 8 por 10 pulgadas y luego mete ese boceto ahí, hazlo todo listo para ilustrar. No olvides guardar tu archivo al principio y durante todo el proceso de hacer tu arte. Simplemente escojo a una de las personas para empezar. Esta persona de primer plano será un buen punto de entrada para iniciar aquí el proceso de ilustración. Me gusta simplemente asegurarme de que todos mis caminos se vean bien antes de empezar a llenarlos. Empezaré enseguida escogiendo un color de piel de uno de los tonos adyacentes a la piel o similares a la piel que puse en mi paleta. Voy a averiguar cuáles serán los tonos de piel exactos, medida que voy, solo escojo algo y empiezo con ello. Yo como que bloqueo las cosas por ahora, mete algo de la ropa ahí dentro, claro. Tengo el color de pelo ahí dentro, usé mi color más oscuro y luego solo multiplico eso sobre el tono de piel. De lo que busco, la ropa y el tono de piel y el cabello, solo quiero asegurarme de tener suficiente contraste entre cada uno de los elementos. Aquí estoy trabajando en los detalles de trabajo de línea entre los dedos y la boca aquí. Este es solo mi shader que he multiplicado sobre el tono de piel de la persona. Yo sólo voy a añadir algunos detalles en la playera. Por supuesto, porque esto es acampar, una bonita camisa de franela a cuadros está en orden. Solo estoy usando un pincel más amplio aquí. Usaré mi color oscuro, pero luego la escala de nuevo en opacidad al 50 por ciento que cuando lo superponga sobre otras copias de este mismo patrón, cree ese bonito efecto a cuadros. Por supuesto, yo también lo estoy multiplicando, así que tengo una multiplicación y un ajuste de opacidad en este elemento de cuadros. Para algunos de los pequeños detalles aquí, solo para separar el brazo del resto del cuerpo y un pequeño pliegues ahí, usaré mi entintadora con el color más oscuro y solo ayuda a separar esos pequeños detalles. Esta es solo una linda oportunidad para agregar un poco de blanco. En la página tipo de venir a través de esta otra ilustración sólida blanca. Añadiré un poco de mejilla ruborizada aquí. Ahora empiezo a ponerme más específico sobre el color de la piel. Lo que busco es algo que sea un buen equilibrio entre un tono de piel oscuro, con algo que contrasta bien con la ropa, y luego también, que algunos de esos detalles como las líneas entre los dedos y la sonrisa y el rubor también sean visibles. Estoy trabajando exactamente cuál será ese tono. Una vez que tengo a esta persona hecha, es hora de empezar a bloquear la mesa. Solo quiero asegurarme de que el color no sea demasiado intenso. Ese lleno en amarillo es demasiado y así fui con un amarillo más claro. Ahora empiezo a trabajar los detalles del primer objeto en la escena, que es mi pequeña estufa de cocina, mi pequeña estufa de campamento. Por alguna razón empecé con el rojo como color. Creo que ese color era verde en mis objetos, pero resolveré ese detalle en un momento. Como puedes ver, estos colores más completos, intensos, puros de mi sencilla paleta están realmente destacando muy bien contra ese tinte de amarillo como mi fondo. Simplemente agregando algunos de los detalles que recuerdo del objeto. Por supuesto, puedes referirte a tu ilustración anterior para conseguir que alguno de estos detalles sea correcto, cual estaré haciendo mucho en esta ilustración. Aquí es donde miro mi primera ilustración y me doy cuenta, sí, hice ese cilindro de propano verde, no rojo. También sólo voy a pedir prestados algunos elementos de esa ilustración anterior sólo para ahorrarme un poco de tiempo. Me gusta redibujar mis elementos frescos en cada ilustración tanto como sea posible en lugar de cortar y pegar. Pero por pequeños detalles como este, me doy un pase y me dejo hacer algo de copiar y pegar y además solo me aseguro de tener consistencia entre las dos ilustraciones. Sólo estoy trayendo algunos otros elementos que ya había hecho, por qué no sólo reutilizarlos en lugar de reinventar la rueda. Ahora estoy trabajando en el tipo del café, la siguiente persona en esta ilustración. Apenas empezando con la cabeza. Ahora este tipo su tono de piel será más de este tinte amarillo, que básicamente es del mismo color que la mesa de picnic aquí. Trabajando con una paleta limitada muy simple, vas a encontrar diferentes objetos compartiendo el mismo color, mientras que en la vida real, probablemente serían colores muy diferentes. No conozco a nadie que sea del color de una mesa de picnic, pero se puede hacer eso con una sencilla paleta. Encontré que sus jeans son un poco demasiado intensos, así que usé un tinte de ese color para mi paleta extendida. Ahora voy a pasar a este detalle de brazo. Haciendo de su camisa un marrón más oscuro de la paleta, y luego lleva puesto un chaleco, que es así de bonito, de color rojo brillante. Ahí es un bonito contraste. Ahora solo estoy ejercitando su brazo de fondo, el brazo justo detrás, entrando por detrás de la máquina de café espresso. Ahora, hora de ilustrar la propia máquina de café espresso. Voy a usar sólo el color shader, que funciona bien como un gris metálico aquí. Ahora agregar en estos detalles siempre toma algunos intentos, como ¿cómo va a funcionar este mango y luego integrarse sin problemas con la línea de la cafetera espresso? Por alguna razón no estoy súper contento con ninguno de estos. Lo que termino haciendo en su lugar es solo usar la herramienta de lápiz en lugar de un pincel de forma libre. Esto sólo me da un poco más de control sobre esta forma en particular. Ahí, creo, lo tengo. Yo sólo voy a añadir algunos detalles más a la cafetera espresso. Aquí solo estoy usando algunas líneas blancas en lugar de mi trabajo de línea más oscura, y esto solo ayuda a mantener las cosas más claras. Creo que si utilizo la línea oscura en toda la máquina de espresso, eso habría parecido demasiado pesado. Ahora solo lanzando un poco de sombreado con ese pincel de textura. Por supuesto, agregando la mano del tipo viniendo a sostenerla. Eso probablemente sería demasiado caliente para tocar con tus manos desnudas. Pero esta no es una ilustración realista de todos modos. Agregando en algunos de los detalles de trabajo de línea de la mano. Nuevamente, usando exactamente el mismo tono o color se multiplicó sobre el color de piel que hice con el personaje de primer plano. Para el cabello, acabo de multiplicar el azul marino o el oscuro sobre el tono de piel. Nuevamente, usando la misma técnica de rubor que utilicé en el personaje de primer plano, es del mismo color, la misma opacidad, la misma multiplicación. Por supuesto, toma la tonalidad del tono de piel debajo de ella. Estoy usando el mismo peso que usé para la cafetera que para el color y la cremallera del chaleco. Ahora, le voy a dar a este tipo algún bonito patrón de cuadros franelamente amarillos aquí porque también está sintiendo las vibraciones de franela. Aquí está sólo ese amarillo y no estoy de vuelta la opacidad a cierta cantidad. Entonces eso permite que ese color más oscuro de su camisa pase. Ahora por supuesto, es hora de agregar algunas tazas de café, dándote un poco de sombreado. Entonces me permito copiar y pegar eso entre las tres personas de aquí. Eso agrega alguna bonita repetición en la imagen. También me di cuenta de que me olvidé de agregar algo del patrón de cuadros en el brazo de fondo ahí. Ahora, sólo lo estoy recuperando, así que no es del todo tan intenso. Es un poco más sutil. Aquí sólo estoy tratando de averiguar la forma de la cabeza y dónde aterrizará la forma del cabello. Esta persona va a ser un tono de piel más meñky. Habrá puesto un cuello alto. Simplemente ejerciendo algunos de esos pequeños detalles finickes de manos. Las manos siempre son un punto de pintura para mí. He decidido en este caso solo evitarlo por ahora. Haré la mano más tarde. Ahora estoy llenando el verde y encontrando que sea bastante intenso. Probablemente voy a escalar eso de alguna manera. Usaré un tinte que encontré en mi paleta extendida. Ahora solo intento multiplicarlo y luego recuperar la opacidad para que siga siendo una forma de ese verde. Se está tomando más del matiz del tono de piel de la persona. Eso me gusta más. Encontré aquí el tinte para su camisa un poco demasiado lechoso. Nuevamente, solo aplicando esas mismas propiedades a la manga del brazo que tengo con el resto del jersey. Ahora llenando el cabello. Ahora aquí la forma del cabello es complicada porque necesita ir debajo del sombrero, sobre la cara, sobre el color, y luego detrás del hombro. Sólo me estoy quejando por eso. Ella va a tener un cabello que es marrón, ese color marrón oscuro de la paleta. Todos los ojos en mi gente aquí tendrán gente del mismo color, que es esa marina oscura. Nuevamente, sus detalles faciales también reciben el mismo tratamiento que todos los demás. Para las líneas de atención directa, creo que una línea oscura es demasiado pesada, así que estoy usando las mismas líneas blancas que usé en la cafetera. Simplemente agregando algunos detalles, ahora solo para separar las diferentes partes de su cuerpo en el color. Ahora, estoy usando ese mismo entintado que uso para las líneas de atención y la cafetera. Estoy usando esos ahora es un patrón en su suéter. Este patrón ayudará, rompe la solidez de su forma. También ayuda a contrastarla con la persona de primer plano. hecho de agregar algunas líneas ayuda a dar una sensación de diferenciación entre estas formas superpuestas. Entonces retomo también la opacidad de ese peso alrededor del 50 por ciento. Eso sólo hace que el patrón sea un poco más sutil. Por supuesto, agregando los detalles de trabajo de línea aquí tal como lo hice en todas partes. Te darás cuenta, multiplicé el trabajo de línea oscura que separa sus brazos del resto de su cuerpo. Eso parece un poco más oscuro que el azul marino oscuro que está en todas partes. Simplemente quejándose con esta forma de mano. De nuevo, es un gran punto de dolor al ilustrar a la gente simplemente cómo conseguir que esas manos no se vean demasiado incómodas. Estoy bien con los dedos de salchicha. Simplemente me gusta asegurarme de que las formas como un intencional y no accidental. Apenas completando parte del patrón que faltaba ahí en la manga o el puño. Entonces por supuesto agregando algunos detalles finales de trabajo de línea sobre la piel allí. También me gusta agregar algo de rubor, igual que lo que tengo en las mejillas sobre otras partes del cuerpo solo para agregar más contraste cuando sea necesario, y simplemente agregar algunos más nuevos a los tonos de piel de la persona también. Por supuesto, agregando en algún sombreado usando mi relleno de texturas, igual que hicimos con las manchas simples. Aquí, estoy pensando un poco en como que todo tenga la misma dirección de luz, pero no soy súper consistente al respecto. Ahora, es hora de agregar ese plato de tocino, agregando una bonita área grande de blanco aquí para el plato, solo ayudará realmente a traer algo de ese color de papel o ese espacio negativo a través esta tercera porción inferior por lo demás sólida de la imagen donde se encuentran la tabla y todos los objetos. Empezando a dibujar en algunos rashers de tocino en este plato. Para el tocino, no quiero un borde súper sólido, así que dejo que parte del borde sea un poco más áspera. Ahora agrego esas tiras de grasa. Esos ayudan a separar o diferenciar las dos piezas de tocino en el plato. Entonces uso un más tirado hacia atrás en versión de opacidad de esa franja gorda para separar aún más las dos piezas de tocino y también por supuesto darle más carácter a las piezas de tocino. Voy a usar el sombreado también, que sumará ambos del carácter del tocino y por supuesto, dará un poco de contraste entre los dos, ya que el sombreado aparece en la parte inferior del tocino y no en la parte superior de cada pieza. De esa manera, ayuda a que las dos piezas se levanten más una de la otra. Ahora, solo estoy perfeccionando algunas de estas formas con la mano y el plato donde están interactuando. Ahora, para agregar en la espátula en esta parte inferior izquierda de la imagen. Nuevamente, esta es otra oportunidad para traer algún espacio negativo o algún ritmo de blancos, esto solo ayuda a abrir esta tercera porción inferior realmente sólida de la ilustración. Ayuda a que respire un poco más y le da más interés visual. Voy a pasar unos momentos aquí sólo perfeccionando la forma porque me parece incómodo y apagado de una manera no tan buena. Sólo voy a albordear un poco con esto hasta que me sienta bien antes de seguir adelante. Aquí me voy a dar un pase. Déjenme simplemente copiar y pegar la sal y la pimienta directamente de la ilustración de objetos. Esos son elementos menores, así que no siento que tenga que gastar mucha atención en ellos y volver a dibujarlos, reinventando la rueda. Por supuesto, necesito agregar un par de platos más de comida ahí donde están los bebedores de café del otro lado de la mesa. Yo sólo voy a nocionalmente tenía unos huevos y tocino en su plato, es usar unos pinceles texturizados y mantenerlo realmente simple. Me gusta cómo se repite el rojo del tocino y el motivo general solo tocino aquí. Lo tienes en primer plano, y luego lo tienes repitiendo en segundo plano y sólo tienes que copiarlo y pegarlo entre las dos placas. Puedo colarlo detrás del huevo en el otro plato. Eso sólo ayuda a que parezca que no lo copié y pegué totalmente sin rodeos. Aquí sólo voy con un borde más sólido en la placa en primer plano, y agregando un poco más de detalle. primer plano y obtener elementos más detallados y de fondo. Trayendo algunos de esos partidos. Al igual que teníamos en la ilustración de objetos sencillos. Ahora, quiero traer algo de color cielo. Yo sí quiero preservar algunos del ritmo de los blancos en el medio terreno. Voy a salir de esa manera y luego sólo añadir algo de color cielo en la parte de atrás, fondo en la parte superior de la imagen. Entonces a partir de ahí, paso a traer el auto con la canoa arriba. Agrega unas ruedas simples. Creo que sólo la línea blanca como los círculos lo suficiente para sugerir tapacubos no necesitan ir con demasiado detalle ahí. Ahora para las ventanas, sabemos que las ventanas están claras y que tal vez el fondo, el cielo o lo que sea que esté detrás de él se mostraría a través de lo que esté detrás del auto. Aquí solo voy a llenarlo con mi shader y usar multiplicar solo para dar la sensación de ese oscurecimiento que ocurre cuando miras por la ventana de un auto y está más oscuro dentro del auto que fuera. Por supuesto que sólo voy a añadir algunos detalles sutiles, asas y un volante. No necesito mucho para elementos de fondo. me gusta dibujar mis autos muy sencillos. Ahora voy a añadir la canoa, trayendo algo de ese brillante y hermoso tono amarillo, que se refleja también en los huevos. Entonces encontré que el color del auto era demasiado intenso. Se lo llevé de vuelta a uno de los tintes de ese azul, que tenía mi paleta extendida. Ahora solo voy a agregar algunos detalles en el portaequipajes. Otra vez sólo usando mi entintado de líneas, y mi oscuro. Ahora aquí voy a añadir la banderita que tenía en la punta de la canoa. Esto va a ser una pequeña bandera canadiense. Voy a hacerlo un poco más grande para que sea más fácil ver y hacer y luego puedo encogerlo a tamaño después. Cómo intentarlo el canadiense me creo para mí es súper duro. Voy a tomar algunos intentos aquí, y tratar de no hacer que parezca una hoja de cannabis, que por alguna razón seguía pareciéndose a la hoja de marihuana mientras estaba dibujando esto. Creo que estoy excesivamente molesto con esto, sobre todo teniendo en cuenta lo pequeña que va a tener en cuenta la bandera. Pero a veces es fácil simplemente meterse en un detalle y perder la perspectiva del panorama más amplio. Ya estoy bastante feliz. Yo lo pongo en su lugar y sigo adelante. Agrega algo de sombreado a la canoa en el auto. Ahora, aquí para el sombreado, es la misma textura, misma técnica que los elementos de primer plano, pero en realidad vierten más la opacidad, para que sea aún más tenue de lo que es cuando he aplicado el sombreado en primer plano. Eso es sólo porque cualquier objeto en segundo plano tenderá a retroceder en valor. Eso incluye los colores, incluye la saturación incluso, y por supuesto incluye lo oscuro que es el sombreado. Pasando a la carpa. Yo quiero hacer esa carpa verde, pero claro que ese verde es demasiado intenso para nuestro color de fondo. No se pretende juego de palabras. Yo uso un tinte de ese verde, y luego agrego algo de sombreado solo para sugerir cómo es dimensional la carpa. ¿ Cómo está ese lado y el frente? Ahora estoy agregando un árbol. Tengo cierta forma de crear árboles, que es mezclar rojo y verde. Tengo el rojo como fondo y luego voy a tener el verde. Voy a multiplicar sobre él usando mi pincel texturizado y eso solo le da a este tronco de árbol un bonito look bucky orgánico. Entonces solo uso una máscara de capa para cortar algunos de los detalles de esa textura de madera. Este es básicamente el rojo de abajo, mostrando a través del verde que se está multiplicando arriba. Ahora voy a añadir algunas de las ramas de este árbol. Aquí estoy bien para usar la versión más full on intensa del green. Voy a alborotar un poco con estos. Creo que me rindo aquí y solo lo copio y lo pego, que puede parecer un poco demasiado simétrico. Para mí, dibujar árboles es sólo acerca de sugerir más al árbol que capturar su semejanza total. Estoy bien si estos detalles son muy simbólicos y no literales. Estoy haciendo lo que puedo para que se vea un poco menos cortado y pegado entre los dos lados. Ahora voy a añadir un árbol al fondo. Objetos lejos en el fondo van a ser generalmente solo blancos u oscuros en mis ilustraciones. Aquí sólo estoy tratando de encontrar el pincel adecuado para ese árbol distante. Termino yendo con el mismo pincel de textura pero justo a un tamaño más pequeño. Eventualmente aquí. Entonces una vez que descubra cómo es mi trazo, estoy feliz de apenas empezar a dibujar el árbol. Nuevamente, porque está muy apagado en el fondo, tiene menos variación en color y mucho menos detalle también. Las cosas más alejadas simplemente no necesitan tanto detalle. Simplemente agregando el Sol aquí y la nube, ahora para hacer la nube un poco más esponjosa y sutil, acabo de ajustar la opacidad. Eso ayuda a que el amarillo del Sol asome a través y hace que la nube luzca esponjosa y ligera. Ahora voy a pasar al tocón. El tocón en el medio suelo aquí usando la misma técnica que utilicé como el árbol detrás del chico del café ahí para hacer ese marrón y para mantenerlo luciendo orgánico, luego usé el mismo color que la mesa, ya que el parte superior de madera del tocón. Eso permite cierta comunicación entre el suelo medio y el primer plano. Ese mismo amarillo claro está sucediendo en ambos lugares, lo que trae una composición más unida en general. Ahora con el hacha, solo estoy agregando algunos detalles en ella, estoy tratando de no ponerme demasiado por la borda, pero el metal de la cuchilla, va a ser del mismo color que la cafetera, la cafetera espresso. Ahora solo estoy ablandando el fondo de esos tocones para que no se vea tan afilado. Entonces voy a añadir algunos detalles de acabado en la escena, como esta lata de cerveza. Ahora esto puede ser por la borda por lo pequeña que es esa lata de cerveza, pero decidí incluir algunas letras ahí. Cualquier oportunidad de hacer algunas letras, usualmente lo tomo. Aquí solo estoy agregando algunos de los cables de tipo que sostienen la carpa y luego algo similar que está atando la canoa al vehículo. Al usar esta misma calidad de línea para esas dos cosas, solo crea un poco más de unidad alrededor de la imagen. Si solo uso esas líneas solo para la carpa, podrían sentirse de una sola vez, pero al usarlas también en la canoa conseguir un poco más de un patrón yendo. Yo sólo estoy haciendo algunas clavijas de tienda, añadir unos pájaros en el cielo, y voy a alborotar con algunos de los mechones de hierba aquí en la zona media del suelo. No se puede olvidar de ese café vertiendo. Esta es una gran oportunidad para usar ese marrón oscuro y para usar multiplicar, ya que el café es un líquido transparente. Añadiré sólo algunos detalles finales de sombreado a lo largo, solo para traer un poco más de ambiente a la foto. Por supuesto, si añadí textura en un personaje, debería estar agregándola en todos. No estoy siendo súper estricto sobre la dirección de la luz y dónde está el sol. Estoy siendo súper literal al respecto, utilizo el sombreado más justo como una forma de darle un poco de volumen y profundidad a la imagen y permitir que ciertos elementos contrasten con otros. Por último, sólo añadiendo algunas líneas a la mesa o algún mayor interés visual. Por supuesto, agregando un poco de rojo picante a los huevos. Nuevamente, solo un pequeño detalle colorido. Es muy sutil, pero añade un poco más de interés a la imagen. Hace que se vea un poco menos plana. Es hora de tal vez, volver a visitar estas ramas arbóreas. Ahora que descubrí otras partes de la imagen, me siento lo suficientemente enérgico como para ir y poner un poco más de atención a estas ramas del árbol y hacerlas parecer un poco más interesantes. Simplemente usaré mi borrador solo para dar forma a esas ramas un poco más. Otro detalle para agregar aquí son solo los nudos en el árbol y traerlos también al tocón del árbol. Creo que ya terminé. Simplemente los pondré uno al lado del otro y veré cómo se comparan los objetos simples y la escena completa. Por supuesto, cómo debemos agregar mi firma a mi segunda ilustración. Donde poner esa firma, eso me queda bien. 20. ¡Celebra!: Eso es todo, todo el mundo. Hemos aprendido lo que significa ser un ilustrador de una paleta. Aprendimos cómo dominar una sola paleta puede ayudarnos a superar todo tipo de luchas en nuestro propio trabajo, incluyendo saber qué colores usar con cada proyecto, tener un estilo más fuerte, e incluso aprender a usar cualquier color paleta de una manera más decisiva y hábil. Déjame decirte, esta fue una de las clases más difíciles que he tenido que enseñar. Más duro incluso que el estilo de enseñanza. El color es tan subjetivo y parecía haber miles de enfoques diferentes al respecto. Sé que también eres diferente y es probable que encuentres tus propias formas de usar el color a medida que avanzas. Esa es mi mayor esperanza, que puedas tomar algo de esta clase y construir sobre él tu manera y en tu propio trabajo. A medida que trabajas en tus ejercicios y proyectos, como siempre, por favor compártelo en la página del proyecto de la clase. El mejor modo de obtener retroalimentación de mí y de otros es compartiéndola aquí con el resto de la clase. Me encanta ver tanto tus proyectos. Sé que este es uno de los proyectos más grandes y ambiciosos hasta ahora, y les agradezco mucho su tiempo y compromiso aquí. Como siempre, cuando compartes en Instagram, por favor asegúrate de usar el hashtag, un ilustrador de paleta. Ya sabes, me encanta ver tu trabajo en la naturaleza y esta es la mejor manera para que lo descubra fuera de Skillshare. Como siempre, muchas gracias por tomar la clase. No puedo esperar a ver qué haces para el proyecto y no puedo esperar para aprender más sobre lo que aprendiste en esta clase y cómo te ha ayudado en tu arte.