Composición para ilustradores: expresa tus ideas con la historia, la estructura y el estilo

1. Trailer: Esta clase se llama Composición para Ilustradores. Se trata de cómo organizar las cosas en nuestro arte, así que se ve genial, cuenta la historia correcta, y todo parece encajar muy bien en la página. Actualmente no hay clases que enseñen directamente composición para ilustradores de la manera específica que ilustro, que es en un estilo gráfico más plano y no de una manera más tres D o realista He hecho esta clase para ayudar a que las reglas de composición sean más fáciles de entender y lo más importante para que sean más fáciles de usar. Esta clase es para cualquiera que quiera finalmente entender qué es la composición y cómo carajo funciona Mi nombre es Sr. Tom Rose. Soy una ilustradora galardonada y una de las mejores maestras en Skillshare Si quieres tener más confianza y maestría en tus composiciones, hice esta clase para ti Espero que me acompañes en Skillshare. Te veré en clase. 2. Acerca de la clase y el proyecto: Esta clase tiene que ver con la composición para la ilustración. Si eres ilustrador y quieres aprender más sobre composición, esta clase es para ti. Esta clase se basa en mi propio enfoque de la ilustración. Que es más plano y gráfico y no tan realista o tridimensional. Necesito esta clase porque siempre he encontrado abrumadora la enseñanza tradicional sobre composición. Y gran parte de ella se basa en un enfoque más fotográfico o realista. Mi objetivo para esta clase es hacer que la composición sea lo más fácil de aprender posible y lo más fácil de comenzar a usar lo que aprendes lo antes posible. Al tomar esta clase, aprenderás cómo funciona la composición para los ilustradores, particularmente aquellos que trabajan de una manera gráfica más estilizada Cuáles son los principios más importantes para aprender, y cómo pueden o no pueden ayudarte a hacer mejor arte. También aprenderás solo dos cuadrículas simples para darle más estructura a tus composiciones Por supuesto, podrás ponerlo todo junto en el proyecto final, una serie de seis sellos ilustrados basados en el país y el tema de tu elección. En cuanto a requisitos, obtendrás esta clase si eres un ilustrador principiante o inmediato que alguna experiencia trabajando con la ilustración de alguna manera y conocer las herramientas definitivamente te ayudaría. Incluso si tienes más experiencia, podrías aprender mucho en esta clase si tiendes a trabajar en un estilo más realista. Por supuesto que todos son bienvenidos. Ya sea que tengas cero experiencia o muchos, muchos años. Creo que vas a aprender muchísimo en esta clase. No importa qué. Esta no es una clase técnica. No te estaré enseñando cada paso de mi proceso de ilustración en el proyecto. Esto realmente se trata de los propios principios y de cómo aplicarlos. Sin embargo, si tienes curiosidad por mis herramientas y técnicas de proceso, las estaré compartiendo en un tutorial rápido para mostrarte los pinceles y las técnicas básicas que estoy usando en Photoshop. En el proyecto de clase, la clase se divide en dos partes, la imprimación y el proyecto. En la cartilla, vas a aprender sobre la composición una manera más teórica en una serie de lecciones al final de cada lección, he incluido ejercicios cortos llamados Prueba esto. Estos son totalmente opcionales, pero son una oportunidad para que vayas un poco más profundo con cada tema antes de seguir adelante con el siguiente. Entonces por supuesto en el proyecto conseguirás poner todo lo que aprendiste en las lecciones a. Creo que ahora te divertirás mucho con este. No me malinterpretes, solo porque estos son pequeños sellos, no significa que sea un pequeño proyecto. Tu tarea es crear seis tipos diferentes de composiciones. Entonces este te va a estirar hasta el límite, pero si empujas a través, serás recompensado con un hermoso conjunto de ilustraciones para compartir en la página de proyectos de clase Y claro, donde quiera que compartas en las redes sociales. Asegúrate de usar la composición de hashtag para ilustradores cuando lo hagas 3. ¿Qué es la composición?: En pocas palabras, la composición es juntar un montón de cosas diferentes para hacer algo nuevo. Una silla, por ejemplo, es una composición hecha de diferentes piezas de madera y metal. Un sándwich es una composición hecha de dos trozos de pan y algún tipo de ingredientes entre ellos que no son pan. La idea única del sándwich aparece mágicamente una vez que los múltiples ingredientes finalmente se juntan Para los ilustradores, la composición significa crear una ilustración, una imagen hecha de varias marcas, símbolos e ideas Juntamos todas estas cosas para hacer un cuadro que cuente una historia, que transmita un mensaje, que nos haga sentir algo Una imagen singular emerge de todas estas partes separadas, y esa es la composición Lo difícil para muchos de nosotros es saber hacer mejores composiciones en nuestro arte. Todos parecemos sentir cuando una composición funciona o no. Pero cuando se trata de hacer que una composición funcione a propósito, no siempre es tan fácil. En la historia del arte, EH Gombrich escribe esta pequeña anécdota y cualquiera que haya intentado arreglar un ramo de flores ha experimentado esta extraña sensación de equilibrar formas Sin poder decir exactamente qué tipo de armonía está tratando de lograr, solo sentimos que un parche de rojo aquí puede marcar la diferencia. O este azul está bien por sí mismo, pero no va con los demás. Y entonces de repente un pequeño tallo de hojas verdes puede parecer que lo hace venir, bien. No lo toques más, exclamamos. Ahora es perfecto. Esto es exactamente lo que muchos de nosotros pensamos en la composición. Que es algo en lo que solo tenemos que trabajar hasta que se sienta bien. Pero si este fuera el caso, no hay nada que pueda enseñarte y sería inútil que tomaras esta clase. Por supuesto, hay toneladas de enseñanza por ahí sobre los principios de composición. Pero el gran problema es que hay tantos principios sueltos por ahí, y es difícil unirlos a todos de una manera que los haga fáciles de entender y usar. Esa ha sido definitivamente mi lucha. Míralo todos los diferentes principios que existen, como el equilibrio y la unidad, y la armonía, y muchos de ellos simplemente parecen tan abstractos. Como, ¿qué aspecto tiene la unidad? Puedo ver como funcionan algunos principios cuando me son señalados, pero no me guían en la toma de decisiones en mi proceso creativo. Ahora bien, en la cita de Gombrich que acabo de leerles, hay una pista sobre lo que tenemos que hacer con respecto a este problema Describe esta experiencia de no saber exactamente lo que está tratando de lograr. Lograr es la palabra operativa aquí. Esa es una gran pregunta. ¿Qué está tratando de lograr? Esta es la pregunta más grande que podemos hacer. Donde se trata de elaborar nuestras propias composiciones. Entendemos que la composición existe y sabemos lo que significa. Puede que ya sepas mucho sobre la teoría de la composición, pero te has estado haciendo esta pregunta, ¿Qué estás tratando de lograr? Esa pregunta me ha guiado a través de muchas ilustraciones a lo largo de los años. E incluso me ha guiado a armar o componer esta clase para ti Lo que intentas lograr en tu arte impulsará todas tus decisiones a medida que la tomes. Si tengo una palabra favorita, probablemente sea específica. Cuando intentas resolver un problema, siempre tienes que ser específico sobre los detalles. De lo contrario, sólo se puede dar vueltas en un sentido vago. Y en esta clase vamos a ser muy específicos sobre qué es la composición, no en un sentido universal. Pero sólo para ilustradores como nosotros tomando esta clase que probablemente trabajan de una manera más gráfica o estilizada para conseguir esta clase juntos, tuve que basar todo en cómo trabajo a mi Esa era la única forma en que podía averiguar cómo enseñarte lo que sé en esta clase. Así es como vamos a entender la composición. Se infiere la composición. Es el acto de elegir qué incluir y dónde colocarlo en una ilustración. También es sustantivo, es el resultado de este acto de composición La composición es la ilustración final. Otra forma en la que vamos a entender la composición es que es específica de diferentes maneras. Primero, la composición es específica quién eres como artista. forma en que abordes la composición dependerá realmente de tu estilo, lo que te interese y de tu propio sentido único de lo que debería ir a dónde. Qué enfoque en particular podría verse bien en un estilo podría no quedar muy bien en otro. En esta clase, vamos a ponernos muy enfocados específicamente en un estilo de ilustración más gráfico, cual aprenderemos todo en la siguiente lección. Otra forma en que la composición es específica es en el contexto. Lo que podría funcionar en un proyecto de ilustración podría no hacerlo en otro. Lo que podría quedar bien en un libro podría no verse bien en un mural de pared o en un sello postal En el proyecto de clase, vamos a centrarnos en un tipo específico de proyecto de ilustración, un conjunto de sellos postales Esto nos da metas específicas a las que deberíamos estar apuntando en nuestras composiciones. Y eso guiará todas las demás decisiones que entren en eso. La tercera forma en que la composición es específica es a la historia, idea o mensaje, o al sentimiento que te gustaría evocar Básicamente, ¿cuál es el mensaje o el sentimiento de la ilustración? Ya sea para colocar algo en la parte superior o inferior de tu página realmente depende lo que quieras decir con ponerlo ahí. En esta clase, nos centraremos en cómo utilizamos las técnicas compositivas para contar historias y comunicar ideas En el proyecto de clase, estarás pensando en cómo contar tu propia historia de seis maneras diferentes. Cada uno va a requerir una estrategia compositiva diferente ¿Qué es la composición? Son todas estas cosas. Contar historias, crear imágenes construidas con un propósito. Y también es una expresión única de tu intuición, tu sentido de cómo deberían verse las cosas mientras estas cosas no son fáciles Y un pastor en esta clase, aprenderás a acercarte lo más posible conociendo más específicamente lo que estás tratando de lograr. 4. No compitas con tu cámara: Un punto de dolor que he escuchado de otros ilustradores es que es difícil de ilustrar sin usar fotos de referencia Un objetivo en mi propia vida ha sido eliminar la necesidad de usar fotos de referencia y sacar más de mi propia imaginación. Quiero dibujar menos de las fotos y más de lo que hay dentro de mi cabeza o de mi corazón. Ahora bien, aunque me he vuelto muy cómodo dibujando solo de corazón, mi pequeño secreto sucio es que todavía tengo que usar imágenes de referencia todo el tiempo. La diferencia es que no estoy usando directamente las fotos. Los uso más como una forma de aprender sobre cómo se ven las cosas que estoy tratando de dibujar para poder dibujarlas con más confianza a mi manera de corazón Ahora a veces solo uso una imagen como referencia, y a veces solo uso un montón entero y lo que sale es una especie de puré de todas mis referencias. Sabes, hubo un trabajo que tuve que hacer una vez donde tuve que ilustrar un acogedor departamento francés. Y no sabía realmente cómo era eso, no ser francés o vivir en un departamento. Pero fui y busqué un montón de fotos diferentes de este tema e hice una mezcla de éstas en el concepto final que le presenté al cliente y que finalmente se convirtió en la ilustración. Lo que no quiero hacer es simplemente encontrar una escena y dibujarla directamente, aunque la dibuje a mi estilo. Entonces sería casi plagio ir a buscar una foto de un departamento francés y simplemente dibujarla exactamente como la vi Como ilustradores, generalmente se nos pide que expresemos una idea única o contemos una historia única, siempre a nuestra manera En lugar de simplemente imitar lo que vemos en una foto, necesitamos agregar algún tipo de valor a lo que estamos ilustrando Un reto que me doy es, ¿cómo puedo crear una imagen usando ilustración que no sería posible en solo una foto normal ¿Cuál es la manera única en que puedo representar esta idea o historia como ilustrador? Otro punto de dolor que escucho de los ilustradores es que les gusta cómo se ven sus bocetos, pero cuando intentan convertirlo en una ilustración, las cosas parecen salir mal Si bien esto puede tener que ver con sus habilidades o nivel de experiencia, también se trata mucho de composición. Es algo que nos encontramos particularmente cuando tratamos de representar perspectiva y la tridimensionalidad usando un estilo de ilustración plana Lo que funciona con un boceto cuidadosamente dibujado, con sombreado sutil y líneas sueltas incompletas, simplemente no se traduce cuando intentas usar formas planas y colores sólidos en el arte final Lo que desearía saber hace mucho tiempo es que no sólo algunos estilos de ilustración son más realistas y otros más gráficos, sino que hay una diferencia fundamental en cómo se pueden construir estos. Están modelados a partir de dos paradigmas diferentes. Uno es gráfico y el otro es más fotográfico. Si bien un estilo gráfico de ilustración parece más fácil de hacer, solo funciona si entendemos cómo funciona. Es más natural para la mayoría de nosotros dibujar las cosas como son en la realidad. Y por eso es difícil salir de esto e ilustrar de una manera más abstracta, estilizada Ahora echemos un vistazo a tipos o paradigmas de composición fotográfica y gráfica para ver cómo se ven y cuáles son las diferencias Empecemos con la composición fotográfica. Cuando las ilustraciones son más realistas y tridimensionales, podemos decir que siguen paradigmas fotográficos a la hora En este paradigma, pensamos en términos de cosas como el encuadre, nuestra iluminación de tomas, ángulos de cámara y profundidad de campo Aquí, las ilustraciones son más como pequeñas ventanas hacia un mundo más allá. Ahora decir que una ilustración es fotográfica, no significa que tenga que verse realista o incluso una foto como incluso un cómic o una novela gráfica puede ser muy estilizada Y también usar composición fotográfica usando ciertos ángulos de cámara o mostrar escenas de cerca o tirando hacia atrás de par en par como si hubiera una cámara moviéndose hacia o lejos del sujeto en el espacio físico. Ahora, la composición de estilo fotográfico puede ser muy apropiada en ciertos escenarios, como imágenes narrativas, como podríamos ver en muchos libros infantiles o novelas gráficas por ejemplo. Ahora veamos la composición gráfica. Aquí tenemos ilustraciones que son planas y simbólicas, y podemos decir que éstas siguen un paradigma gráfico. Fotográfico significa escritura. Con la luz, gráfico solo significa realmente escribir. Y en este sentido, los ilustradores escriben con símbolos, formas y otro tipo de elementos visuales, siguiendo así un paradigma de diseño más gráfico o incluso gráfico En retrospectiva, podría haber llamado a esta composición pictográfica Debido a que estamos escribiendo con imágenes, con composición gráfica, podríamos pensar más en términos de maquetación que escenas, incluso cuando ilustramos escenas aquí, no estamos pensando en términos de enmarcar una toma como si hubiera toda esta escena más allá de donde estábamos toda esta escena más allá de donde estábamos parados mientras tomábamos nuestra foto Estamos diseñando una nueva imagen, no la estamos encontrando a través de un visor En la composición gráfica, trabajamos una manera más estilizada y plana para estilizar medios para representar algo de una manera menos realista E incluso puede ser formulaico. Podemos representar los diversos objetos, personajes y símbolos de una manera más simbólica y simplificada. Ahora, aunque un enfoque gráfico ilustración es más contemporáneo, podemos encontrar la composición gráfica en el arte pre, moderno e incluso antiguo, como con la iconografía bizantina, el arte decorativo sobre cerámica griega y, por supuesto, los jeroglíficos egipcios En la composición gráfica, no estamos tanto haciendo pequeñas ventanas hacia otros mundos, sino combinando elementos en una página, incluyendo la página misma, como la superficie de la página, para crear un nuevo objeto. De esta manera, la página o superficie es parte de la propia imagen, no algo en lo que acabamos de poner la imagen. En muchos casos, el contexto de la ilustración y la ilustración misma son difíciles de separar. ilustración de estilo gráfico comercial tiene una relación muy cómoda con las superficies en las que va. Estos son a menudo productos en sí mismos. Es difícil separar la ilustración de la superficie. Los sellos que vamos a crear en este proyecto de clase. Un gran ejemplo de esta relación de contexto e ilustración. Si bien las ilustraciones están en los sellos, es difícil diferenciar el sello del arte. Trabajan juntos para crear un nuevo objeto que llamamos sello. Ahora mi dicotomía entre tipos de composición gráfica y fotográfica está destinada a hacer un punto Hay dos paradigmas que son significativamente diferentes entre sí cuando estamos tratando de hacer una imagen Al comprender las diferencias, podemos saber más fácilmente qué paradigmas funcionarán mejor para nuestro propio estilo y para otros factores en el trabajo dado A veces necesitamos ser un poco más fotográficos y a veces necesitamos ser más gráficos. Por supuesto, siempre va a haber alguna superposición. Cada uno de nosotros tiene una gama dentro nuestro propio estilo y técnicas que utilizamos. Y entonces también encontraremos que ciertos trabajos van a requerir más de un enfoque u otro. A medida que nos desarrollamos como artistas, comenzamos a entender cómo es nuestra particular mezcla gráfica y fotográfica, o estilización y realismo Ahora que estamos al final de esta lección, aquí hay algo para que pruebes. Busca dos o tres pares de ilustraciones. Cada par debe manejar un tema o tema común, pero una imagen debe ser más fotográfica y la otra más gráfica. Por ejemplo, podría buscar una ilustración de una característica popular del paisaje o edificio como Al Capitan o el Empire State Building Al hacer este ejercicio, obtendrás una mejor idea de las diferencias entre composición gráfica y fotográfica. Incluso podrías empezar a pensar en cómo te gustaría ilustrar estos temas a tu manera. Diviértete probando esto, y si lo haces, puedes compartirlo en la página de proyectos de clase. Te veré en la siguiente lección. 5. Principios de aspiración: Uno de los grandes problemas con teoría de la composición tradicional es que algunos de los principios son completamente inaccionables, tan agradables como los principios sonoros como la unidad, la armonía y el equilibrio son tan abstractos que no nos dan mucha pista sobre qué hacer para que estas cosas Al igual que ¿cómo haces la unidad? Al mismo tiempo, creo que todos podemos relacionarnos con querer que nuestro trabajo se sienta más unido, armonioso y equilibrado. Quizás fue tu búsqueda para lograrlos en tu trabajo lo que te llevó a una clase de composición como esta en primer lugar. Mi solución es replantear estos principios menos procesables. Como principios aspiracionales. Hay metas que tenemos para nuestras composiciones, pero realmente no podemos alcanzarlas directamente. Eso es lo que son los principios accionables, que vamos a entrar en la siguiente lección, porque los principios aspiracionales son ideales Son como una estrella del norte que puede llevarnos hacia adelante, pero nunca podremos llegar realmente a ellos porque no hay una expresión singular definitiva de estas cosas. Pero sigo pensando que vale la pena describir cómo podrían ser estos o cuáles son como metas aspiracionales Entonces comencemos con la unidad. En términos artísticos, la unidad significa que todos los elementos de una imagen trabajan juntos a la perfección. Forman un todo cohesivo. Una manera de pensar sobre la unidad es una cosa. Cuando una ilustración está unida, está haciendo una cosa y se trata de una cosa. Vemos una ilustración como una imagen o idea singular más que un montón de pedacitos. Cuando los humanos estamos unidos en algo como grupo, significa que estamos de acuerdo en ciertos principios y, por lo tanto, podemos trabajar juntos hacia un objetivo común. De igual manera, percibimos que una ilustración está unificada cuando vemos la imagen como un todo. Ante cualquier detalle particular dentro de él. Nada parece fuera de lugar. No hay un solo elemento que sea un poco pícaro al hacer lo suyo Todo está trabajando en conjunto. Si alguna vez has sentido que una ilustración tuya es buena idea, como si pudieras ver todos estos pedacitos y partes y todos distraen como si pudieras ver todos estos pedacitos y partes y todos distraen Y no ves todo junto o sientes que le falta cohesión, probablemente estés experimentando una falta de unidad. El reto con la unidad como principio radica en su vaguedad La pregunta que tengo es la unidad de lo que se está uniendo. Así como nosotros, los humanos, requerimos principios y metas compartidos para unirnos e ilustraciones, los elementos deben organizarse hacia un objetivo singular. Es más difícil lograr la unidad en tu arte directamente. Se trata más de entender el propósito fundamental de la ilustración y apuntar a ello. En cambio, cuanto más específicamente entendamos lo que estamos tratando hacer y lo que estamos tratando de decir en él, más claramente entenderemos qué tipo de unidad estamos tratando de lograr en primer lugar. Esto nos devuelve al concepto de un resumen de proyecto donde definimos los objetivos e intenciones de cualquier ilustración que se supone que debemos hacer. Por supuesto, tendrás la oportunidad de ver cómo funciona esto en el proyecto de clase. No lo llamamos breve, solo lo llamamos como la puesta en marcha o la declaración del proyecto, pero es lo mismo. Ahora para mí, la unidad y la ilustración se trata que todo encaje perfectamente y sentirse como en casa en la página. Para los ilustradores, especialmente los que trabajan en un estilo gráfico, unidad se logra a menudo a través de la simplicidad y la moderación Cada elemento adicional, color, imagen o idea que intentes meter en la composición podría amenazar su sentido general de unidad Para los ilustradores gráficos, una clave para lograr la unidad está en tener un objetivo específico para la obra, además de trabajar en un estilo más restringido y usar el menor número de elementos posible Ahora bien, si bien esto puede sonar limitante, en realidad es un objetivo que todo artista debe tener por cada obra de arte que haga, no importa cuán complejo sea el estilo o el detalle en él, siempre debemos apuntar a una cosa general por encima de todas las demás en cada pieza de arte que hagamos Ahora veamos la armonía. La armonía suena bien, ¿no? Pero, ¿qué significa? La armonía es una especie de unidad, pero está mayormente relacionada con el color. También puede relacionarse con cómo ciertas formas o cualidades sutiles trabajan juntas o no. Es como las cosas separadas parecen funcionar bien juntas. Algunas combinaciones funcionan y otras no. En la música entendemos la armonía como ser dos o más notas que suenan bien juntas como un acorde. Las notas pueden estar en armonía o en disonancia. No sabemos por qué ciertas notas suenan armoniosas, pero en su mayoría podemos estar de acuerdo cuando detectan o no la armonía, sobre todo en nuestros colores. Es mucho lo mismo. Lo percibimos, pero no lo entendemos manera similar a lograr la unidad en general. Una clave para lograr la armonía es simplemente tener menos colores o diferentes tipos de elementos que necesitan trabajar juntos. Otra forma clave de lograr más armonía es desarrollando tu comprensión de la teoría del color. Para más de mis pensamientos sobre eso, puedes echar un vistazo a mi clase, el ilustrador de una paleta. Creo que hay mucho en común entre el arte visual y la música. Cuanto más compleja sea una canción, más difícil es hacer que todas las notas armonicen de la misma manera Cuanto más compleja es la paleta de colores y todos los diferentes bits que entran en una ilustración, más difícil es armonizarlos todos juntos Entonces, por último, veamos el equilibrio como un objetivo aspiracional. Todos queremos tener composiciones más equilibradas, ¿verdad? Creo que todos podemos decir por experiencia que una composición equilibrada nos hace sentir equilibrados. Si una composición está desequilibrada, nos sentimos desequilibrados. Entonces, ¿qué significa lograr el equilibrio? Bueno, es fácil lograrlo en una composición simétrica. Pero es más difícil cuando tratamos hacer algo más asimétrico Un consejo típico, si estás tratando de no ser simétrico, es imaginar los diversos elementos la página como pesos en una escala. La escala es así, balancea uniformemente a lo largo de la página. Y luego hagas lo que hagas por un lado, tal vez con algo más grande haces por el otro. Si son cosas más pequeñas, entonces todas esas pequeñas cosas tienen que igualar el peso de la cosa grande. Y entonces la escala en nuestra imaginación se iguala. Ahora creo que el equilibrio es mucho más fácil entender que la unidad o la armonía. Pero también es difícil de lograr porque no hay forma física de medir exactamente qué tan equilibrada es la composición. Es muy subjetivo. Este es realmente uno de esos principios perfeccionistas que tenemos que sentir con nuestro propio sentido del equilibrio Algunos de nosotros estaremos más cómodos cuando las cosas sean más precarias en una imagen y otros simplemente no podemos soportar la tensión Y necesitamos de todo para sentirnos a tierra y súper equilibrados. Por supuesto, no queremos ser demasiado de uno u otro. No queremos estar demasiado desequilibrados sintiéndonos ni caóticos, y no queremos ser súper aburridos y súper equilibrados, y súper simétricos todo el tiempo La ilustración es siempre un acto de equilibrio. Es un acto de equilibrio de los elementos con los que tenemos que trabajar en la página, así como cómo esas cosas se relacionan con el mensaje y el propósito general para el arte. Ahora que estamos al final de esta lección, aquí hay algo para que pruebes. Encuentra uno o dos ejemplos de tus propias ilustraciones que describan tus propias palabras, creas que la composición funciona o no. Y por qué no te preocupes por usar términos artísticos adecuados porque aún no los hemos aprendido en esta clase. Pero después de haber tomado esta clase, lee de nuevo tus observaciones de este ejercicio. Ahora, intente describir sus observaciones usando su nuevo vocabulario y comprensión. De esta manera, vas a ver hasta dónde has llegado en tu comprensión de cómo funciona la composición. Este ejercicio es como una cápsula del tiempo. Entonces vas a evaluar tu propio arte con tus propias palabras ahora mismo. Y entonces verás cómo piensas de esas mismas cosas. Una vez que sepas más sobre la composición, disfruta probando esto. Y nuevamente, siéntete libre de compartirlo en la página de proyectos de clase. De lo contrario, te veremos en la siguiente lección. 6. Los principios accionables (versión corregida): Mientras que los principios aspiracionales son metas más abstractas por las que todos debemos esforzarnos en nuestro trabajo Los principios procesables son mucho más prácticos. Si bien hay docenas y docenas de principios por ahí, he elegido solo diez por cómo se relacionan específicamente con un enfoque más gráfico de la composición. Puedes pensar en estos como un kit de inicio para aprender sobre composición. Uno de los mayores problemas con teoría compositiva es que solo hay demasiada información Y es difícil usarlo todo cuando estás en el trabajo. Si puedes tener en cuenta solo los principios que aprenderás aquí para un proyecto determinado, especialmente en el proyecto de clase, creo que los encontrarás más que suficientes. El primer principio es la jerarquía. En ilustración, jerarquía es la disposición de los elementos en la página según su importancia. En lo más alto de esta jerarquía se encuentra lo que sea el foco principal. Este es el aspecto más importante de tu imagen, seguido de otros elementos en orden descendente de importancia. Esta estructura crea un sentido de orden y guía a los espectadores sobre qué notar primero y cómo navegar por la composición. Sin una jerarquía clara, una ilustración puede volverse confusa o abrumadora, o simplemente puede parecer plana. La esencia de una ilustración debe girar en torno a una historia, tema o idea singular Hablamos de esto en nuestra lección sobre la unidad. Todos los elementos dentro de la imagen deben contribuir a este mensaje central. jerarquía ayuda a enfatizar el sujeto primario, apoyar elementos, realzar el mensaje medio. En ilustraciones más simples con un solo objeto, la jerarquía es naturalmente muy directa. Es solo la única cosa, en realidad puede que ni siquiera haya una jerarquía. Sin embargo, en una obra más compleja como un montaje, y hablaremos de qué son los montajes, cuando hablamos de los seis tipos de composiciones, es crucial establecer una jerarquía clara para evitar el desorden Una de las preguntas que podemos hacer en nuestras ilustraciones es, ¿qué es más importante? ¿Es la imagen general o un elemento o momento específico dentro de ella? Por ejemplo, las ilustraciones que representan multitudes similares a las de un libro de Wars Waldo, a menudo usarán una jerarquía plana donde ningún elemento debe sobresalir En este sentido, no toda imagen exige una jerarquía fuerte. En mi trabajo personal, normalmente me enfoco en un elemento dominante apoyado tres o cuatro niveles de menor protagonismo. elementos superiores en la jerarquía son detallados y mayores, mientras que los más bajos en la jerarquía son menos detallados, este enfoque es especialmente evidente en mis mapas ilustrados donde la jerarquía comienza con el título seguido de iconos primarios y secundarios Y estos están todos integrados dentro de una red de carreteras o símbolos geográficos. Se puede ver un orden de información. Y esto te guía por el mapa. Y a pesar de que están sucediendo muchas cosas, todavía se mantiene unida y se siente ordenada Creo firmemente que la jerarquía es el principio más importante. En ilustración, aplicarlo de manera efectiva puede mejorar significativamente tanto la composición la narración de tu trabajo El siguiente principio aquí es la simplicidad. Éste proviene de un conjunto de principios llamados Teoría Gitald, que trata de explicar cómo percibimos y entendemos el complejo mundo que nos rodea Gitauld es un tema súper interesante que me gustaría cubrir en una clase separada Pero le estoy robando la simplicidad a la Teoría Gestalt porque creo que es un principio muy útil La ley de la Simplicidad establece que tendemos a interpretar las cosas de la manera más sencilla posible. Nuestras mentes van a hacer lo que puedan para simplificar las cosas para que podamos decir, sí, lo tengo Y entonces podemos pasar a lo siguiente. Cuando estamos afuera y vemos un montón de árboles en un solo lugar, lo llamamos bosque. Y cuando hacemos eso, estamos simplificando todas estas tantas cosas individuales en la forma más simple que conocemos En este caso, la forma más sencilla de entender lo que vemos es como un grupo más que los árboles individuales. Vemos al grupo y lo llamamos bosque. Probablemente hayas escuchado el dicho, el conjunto es mayor que la suma de sus partes. Esta es una declaración gestaltista y habla de la forma en que un grupo de cosas de repente se convierte en algo totalmente nuevo Ahora, curiosamente, a veces la forma más sencilla de ver un grupo de cosas es por sus partes individuales Básicamente, lo que sea más fácil para nosotros percibir en el momento, eso es lo que vamos a ver. Por ejemplo, mirar una imagen de tres formas distintas agrupadas estrechamente juntas o incluso como capas sobre la parte superior. Es probable que las percibas como formas individuales en lugar de como una gota combinada singular Esto sucede porque nuestras mentes están más acostumbradas a reconocer las formas familiares, separadas o más simples que a la forma abstracta. Hacen cuando se combinan. Este principio de simplicidad es una valiosa herramienta compositiva, particularmente para discernir si nuestras imágenes son claramente comprensibles o Si una ilustración es demasiado compleja o complicada, corre el riesgo de ser malinterpretada riesgo de ser malinterpretada La complejidad puede ser desalentadora. Y si se necesita demasiado esfuerzo para averiguar qué es una imagen o qué significa, es probable que la gente siga adelante en lugar de involucrarse con ella. En mi propia obra, frecuentemente aplico este principio, especialmente al representar objetos específicos. Mi objetivo es siempre lograr un equilibrio entre hacer que estos objetos reconocibles y al mismo tiempo infundirlos con un elemento de Esencialmente, quiero que mis representaciones se entiendan fácilmente pero visualmente convincentes. Al aplicar el principio de simplicidad a tu trabajo, considera cómo las diversas formas y cómo se juntan son tan legibles por los demás como pretendes. Puedes preguntar, ¿reconocerán otras personas este símbolo o la gente verá esto claramente de inmediato? Apunta a composiciones que logren un equilibrio entre ser familiares y legibles de esta manera. E interesante porque a veces sí tenemos que agregar un poco de ruido a una imagen o un poco de caos o falta de claridad para que sea interesante, solo queremos elaborar un equilibrio donde realmente se esté viendo lo que pretendemos que vea el espectador. El tercer principio aquí es la escala y la proporción. Ahora, escala en proporción diferente, pero también están muy relacionados. Los estoy tratando como un conjunto aquí. En composición, la escala se refiere al tamaño percibido de un elemento. Podemos decir que un objeto o figura es grande o pequeño comparado con otra cosa. Cuando pensamos en un tren maqueta por ejemplo, entendemos que es una versión más pequeña de lo real, pero por lo demás tiene las mismas proporciones. Cuando estamos haciendo un dibujo a escala, como si estuvieras en arquitectura, todos los tamaños son las mismas proporciones que serían en la construcción final. Ahora tendemos a trabajar con escala sin necesidad realmente de pensarlo. Es simplemente un principio tan fácil. Las cosas que están más cerca tienden a verse más grandes, y las que están lejos son más pequeñas. Pero podemos usar la escala más a propósito para demostrar que una cosa es más importante que la otra. Como hacemos cuando creamos diferentes niveles de jerarquía, por lo general el nivel superior de la jerarquía, esas cosas son más grandes que todas las demás de abajo. También podemos usar la escala para crear contrastes en nuestro trabajo. Cuanto más grande hagamos un elemento dominante, por ejemplo, en comparación con todos los demás, más dominante se verá, y más dinámica será la composición general. La proporción, en cambio, se refiere a la relación de los elementos independientemente de su tamaño. Bueno, un modelo a escala de un tren podría ser mayor o menor. Sus proporciones son las mismas pase lo que pase. Pero por otro lado, piensa en un tren de juguete para niños. Probablemente no esté diseñado proporcionalmente a un tren de la vida real Va a estar algo distorsionada y fuera de proporción para ser más juguetona y caprichosa proporcionalidad no se trata sólo de lo grande o pequeño que es algo, sino de otras cosas como alto, flaco, en cuclillas y ancho Todas estas son cualidades proporcionales. Entonces, cuando tenemos un estilo gráfico de ilustración, podemos jugar libremente con proporciones de lo que sea que estemos dibujando y cómo un artista usa la proporción puede ser una característica definitoria de su estilo. En mi propia obra, juego libremente con proporción de mis figuras para crear gestos inesperados o para exagerar un gesto o cómo la persona está de pie Podría hacerles la mano más grande que todo su cuerpo, por ejemplo. Ahora, todo depende realmente del propósito de la obra de arte. A veces elijo ser más proporcional y a veces elegiré ser más desproporcionado en lo que sea que esté dibujando en sus composiciones Puedes usar tu comprensión de la proporción y distorsión para hacer que ciertos elementos sean más grandes a propósito, aunque no sea así como se ven a la luz real. Puedes distorsionar proporciones para crear énfasis o incluso para llenar un espacio vacío en la composición, si eso es lo que necesitas hacer También puedes jugar con proporciones para hacer algo más divertido, como con una caricatura Jugar con proporciones es una gran manera de transformar una escena o figura ordinaria en algo más extraordinario. En resumen, aquí, tanto la escala como la proporción son elementos clave en la composición. escala se centra más en el tamaño de los elementos individuales, mientras que la proporción se ocupa del tamaño o la relación de tamaños de las cosas dentro de un elemento. El siguiente principio aquí es la repetición. Y similitud. La repetición es otro principio súper útil porque es fácil saber cuándo la estamos usando. La repetición puede traer un sentido de unidad y armonía a una composición de inmediato. También le puede dar una sensación de movimiento o equilibrio dependiendo de cómo se use. La repetición está estrechamente relacionada con el principio de similitud Gestalt, que establece que tendemos a asociar elementos visualmente similares Hemos visto aves de pluma y las vemos como un rebaño. En términos generales, a menos que haya un solo elemento, una composición necesitará cierta repetición para lograr un sentido del orden. Si hay numerosos elementos sin ninguna repetición entre ellos, esto sería un caos absoluto Como regla general, si haces algo en un solo lugar, probablemente deberías usarlo en otro lugar. Puede repetir un elemento como un símbolo o marca, o puede repetir un color, una textura de patrón o cualquier otra cualidad visual. La repetición es cómo logramos flujo de patrones, o movimiento, e incluso armonía en nuestro trabajo. También usamos la repetición para definir jerarquía repitiendo cierta cualidad de la misma manera en todos los elementos del mismo nivel. Repetir esas mismas cualidades en otros lugares nos dice que grupos similares están de alguna manera relacionados. Lo opuesto a la repetición es la variación. Normalmente queremos lograr un equilibrio de repetición y variación, pero la cantidad exacta siempre depende de la situación. Una forma de lograr este equilibrio es si repites un elemento, digamos en un patrón de algún tipo. Puedes hacerlos todos relativamente similares, pero solo redibujarlos cada vez O variar la forma un poco para que los identifiques a todos como el mismo tipo de forma o elemento. Pero también ves que no solo se cortan y pegan. En este sentido, se obtiene un buen equilibrio tensión entre la repetición y la variación. En un estilo gráfico de ilustración, donde nos limitamos a un puñado de elementos diferentes, nos inclinamos bastante hacia la repetición. Trabajar con un estilo limitado requiere un equilibrio muy creativo tanto de repetición como de variación. forma en que usamos esto se convierte en una parte muy importante de nuestras ideas, nuestros conceptos y, por supuesto, de nuestras composiciones. A continuación tenemos agrupación y proximidad. Podemos usar la agrupación para organizar ciertos elementos en la página colocándolos más cerca. Los mismos elementos en una página pueden parecer caóticos u ordenados dependiendo de cómo se agrupen. Si todos están flotando uniformemente espaciados en la página, posible que no veamos ninguna relación particular con ellos y por lo tanto no sepamos dónde buscar o qué sacar de lo que estamos viendo. Por otro lado, si están organizados en grupos de algún tipo, comenzaremos a sentir un sentido de orden, percibiendo efectivamente menos cosas en la página Esa es la ley de la simplicidad en el trabajo. Sólo por ejemplo, tal vez solo tengamos que contar cinco grupos de cosas, en lugar de cientos o miles de elementos que están contenidos en esos grupos. La agrupación está relacionada con el principio Gestel de proximidad, que establece que tendemos a percibir elementos que están más cerca entre sí como relacionados Eso es todo para decir, que cuando las cosas están juntas, vemos como un grupo. La agrupación puede ayudar a asociar elementos, pero también puede crear espacios alrededor de esos elementos que permiten que el ojo se mueva o fluya alrededor de la imagen. Cuando pienso en agrupar, pienso cómo organizar las cosas en una estantería. Si tienes diferentes libros y baratijas para exhibir en tu estantería Si los espacias todos de manera uniforme sin agruparlos en racimos más pequeños, creo que se sentiría caótico, simplemente se vería raro En cambio, podemos convocar nuestra Martha Stewarts interior para que agrupe nuestras pertenencias en la estantería de varias maneras, tal vez por Además, podemos hacer arreglos interesantes combinando una mezcla de libros y objetos. En este ejemplo, cada cúmulo se convierte un pequeño momento en la proverbial estantería El principio que se está trabajando aquí es la agrupación. Podemos contar historias más interesantes por cómo agrupamos ciertos objetos en la página. Y podemos crear momentos visuales entre los que el ojo puede moverse lugar de quedar atascado en una masa más plana de cosas en la pared. Ahora veamos el encuadre. El encuadre es una técnica para dar énfasis a parte de una ilustración Si bien la idea de un marco puede llamar a la mente un borde que rodea una imagen completa o una página completa, se trata más de llamar la atención sobre un momento dentro de la imagen. El encuadre puede ser muy directo o puede ser más indirecto. Literalmente podemos enmarcar algo en una ventana o una puerta, o incluso en un marco real. O podemos enmarcar algo de una manera más sutil, como colocar un punto de interés en el claro entre dos árboles. Podemos usar el encuadre para crear un punto focal en una imagen o para compartimentar diferentes áreas De una imagen que necesita ser vista por separado. También podemos usarlo para situar al espectador o contar cierta historia Por ejemplo, enmarcar a alguien en una ventana puede darnos la sensación de que está en el interior y nosotros en el exterior Mirar en ella le da una sensación de intriga a la imagen. Nos preguntamos qué está pasando en esa habitación a través de la ventana. Refiriéndose a los principios de agrupación y proximidad, un grupo de elementos puede relacionarse sin necesidad de enmarcarlos. Pero también se puede considerar el espacio que pasa a estar alrededor de ellos como un marco. Pero al enmarcar ciertos elementos propósito o más directamente, se ven forzados a formar un grupo Esa relación de ese grupo específico de objetos se hace muy explícita. Cada área enmarcada en una ilustración es como una composición más pequeña. En uno más grande, puedes crear una sensación de consistencia repitiendo este encuadre a lo largo de tu imagen El siguiente principio aquí es la alineación. La alineación es una excelente manera de obtener una sensación de estructura en la página cuando ciertos elementos se corresponden en un eje invisible o un camino. Podemos decir que están alineados cuando las cosas están muy alejadas unas de otras, pero están alineadas, la alineación hace una relación entre esas cosas. Y también aporta un sentido de unidad en la composición general cuando las cosas están alineadas y más juntas. Por otro lado, especialmente cuando se combina con la repetición, alineación puede crear una sensación de movimiento y flujo guiando ojo por el mismo camino cuando los elementos están demasiado alineados, como si hubiera demasiadas cosas en las alineaciones y realmente se puede ver una sensación de cuadrícula Realmente va a empezar a verse rígido si los elementos no están alineados en absoluto. Por otro lado, la composición puede parecer derretirse o sentirse gota como ahora Cualquiera de estos escenarios puede ser correcto dependiendo de lo que intentes hacer en la imagen. A veces realmente quieres una estructura cuadriculada y a veces no quieres tener ningún sentido de cuadrícula en absoluto La alineación puede ser muy floja basada en cosas que simplemente se alinean, ya sea de manera horizontal o vertical O podemos hacer esto de una manera más forzada teniendo algún tipo de grilla. Y luego tenemos todos estos diferentes intervalos regulares en los que las cosas podrían alinearse. Y veremos más eso en la lección sobre principios estructurales. A continuación, el siguiente principio es figura y suelo, también conocido como espacio positivo y negativo. La figura y el suelo describen la relación entre lo que percibimos como sujeto o figura, y el espacio o fondo circundante. El principio de figura y fundamento establece que tendemos a percibir los elementos ya sea como sujeto principal o como parte del fondo. Donde hay ambigüedad entre figura y suelo, momentáneamente podríamos estar confundidos o El ejemplo clásico de este efecto es la ilusión óptica de dos caras de perfil, que pueden leerse ya sea como un jarrón o un baño para pájaros. Dependiendo de cómo lo mires, podemos usar nuestra comprensión de la figura y el terreno para evaluar si nuestro tema se destaca del fondo, si esa es nuestra intención. Esto es más fácil de hacer en una composición más simple, más gráfica donde podría haber sólo un fondo sólido. Pero es mucho más complicado cuando tenemos una composición compleja con un primer plano y un fondo y hay elementos y colores superpuestos y adyacentes todos sucediendo en la Podemos usar figura y suelo para ayudarnos a preguntar, ¿la figura y el suelo son lo suficientemente claros? Si no lo es, podemos usar contraste y escala para diferenciar más nuestra figura del fondo. Ahora normalmente veremos cosas más oscuras y más grandes como figura y cosas más pequeñas más ligeras como tierra. Podemos jugar con esta relación para crear ambigüedad, intención a propósito Y a veces eso es algo queremos en una imagen por alguna razón. Por ejemplo, algunos ilustradores como Noma Bar o Malaka Fab son muy intencionales sobre esta relación de Y son muy hábiles mezclando estos para significar una cosa y luego otra dependiendo de cómo estés viendo la imagen. Aún más ilustradores representacionales como Miroslav Shashek utilizarán esta relación de figura y suelo de una manera lúdica para crear efectos muy gráficos una Ahora, los ejemplos clásicos de figura y suelo suelen tener imágenes marcadas en blanco y negro. Todo está muy crujiente. Pero la relación entre figura y suelo no siempre es tan sencilla. Como ya hemos atravesado en escenas más complejas, figura y el suelo son simplemente más sutiles y necesitamos encontrar formas hacer que la figura destaque del fondo sin mezclarnos. El siguiente principio aquí es el cierre. El principio de cierre establece que tendemos a percibir los objetos como completos, aunque no lo sean. Cuando percibes una forma que se puede sugerir pero en realidad no ahí. Esa es la ley de cierre en el trabajo. Basta con mirar muchos logotipos bien conocidos y verás el cierre en juego. El círculo interno implícito del logotipo de Starbucks o el cuerpo de pavo real que en realidad no está ahí en el logotipo de NBC Y lo mismo con la forma esférica que percibimos. Al armar las cuatro formas separadas en el logotipo de Xbox, podemos usar este principio para crear una imagen dinámica que se complete no en la página sino en la mente del espectador Usar el cierre con mucho propósito es una forma clave de lograr un aspecto gráfico en tu ilustración Con solo dejar fuera una parte y dejar que el espacio en blanco detrás sugiera una presencia o idea, puedes crear una imagen poderosa y cautivadora Ahora, el cierre es un poco de oxímoron. De hecho, funciona mejor cuando algo se deja deshecho o abierto, y no completamente cerrado en absoluto En mi opinión, cerrar una forma por completo, como con un contorno grueso, puede significar que se corte del resto de la imagen. cierra del suministro de aire del resto de la composición. hábil uso del cierre en nuestro trabajo puede crear una poderosa conexión entre la imagen y la superficie, resultando en un sentido más fuerte de unidad Y claro, también creará una conexión más fuerte entre la imagen y el espectador. El siguiente principio aquí es el movimiento y el flujo. Este es otro emparejamiento de principios, pero ambos prácticamente significan lo mismo. El flujo es como describo la forma en que se mueve el ojo. En la ilustración, es el mismo principio que lo que más tradicionalmente se conoce como movimiento. Prefiero el flujo porque se trata más de cómo fluye el ojo alrededor de una composición en lugar de sugerir un movimiento real. Como las aves en vuelo o el automóvil manejando rápido en una carretera. El flujo en una imagen puede ser intencional o por accidente tanto como sea posible. Deberíamos tener el control de cómo se mueve el ojo alrededor de nuestras composiciones. Esto se puede hacer muy sin rodeos, como agregar dibujos animados como líneas de movimiento o flechas O se puede hacer más sutilmente dejando que los gestos y la dirección de ciertas líneas nos lleven alrededor sin darnos cuenta al principio El movimiento también puede ser sugerido por los efectos que un objeto deja a su paso. Si hay un objeto en movimiento en nuestra ilustración, y deja algo, un rastro detrás de él, eso por supuesto le dará a nuestra imagen una sensación de movimiento. Y podemos usar la línea que es creada por este objeto en movimiento para llevarnos a otro lugar de la imagen. Y esto crea más de un flujo visual. Lo que yo llamo flujo está relacionado con otros principios como la Ley Gestalt de Continuación que dice que los objetos a lo largo del mismo camino parecerán estar relacionados Y el principio de líneas principales, donde ciertos elementos llevan más sutilmente nuestros ojos hacia el tema principal En tus composiciones, puedes usar flow para que el ojo se mueva alrededor de la página de la manera que pretendas. Ten en cuenta que más movimiento o flujo en una imagen hará que parezca más dinámica y menos la hará sentir más estática. Cualquiera de estos podría ser más apropiado para su propósito dado. Una ilustración de una tormenta que ves de noche se moverá Una vista son más de una calma al amanecer Puedes ser el juez de cuál de estos tipos de sentimientos necesitas en cualquier contexto en el que estés trabajando en flujo. Y una imagen puede ir en cualquier dirección o seguir cualquier camino. Puede ser horizontal, vertical, diagonal, circular, zigzaggi o cualquier otra El flujo puede ser en una dirección o varias direcciones al mismo tiempo. No hay una forma correcta para el flujo en una composición. Solo trata de no enviar al espectador fuera la página antes de que lo hayan visto todo. En mi trabajo uso líneas iniciales, alineación, jerarquía e incluso gestos. Y donde los ojos están mirando en mis personajes para llevar al espectador al tema principal o alrededor de la imagen. Así que eso envuelve nuestros principios accionables. Ahora es tu turno. Aquí hay un poco de tarea. Ir a una búsqueda del tesoro compositivo. Vea si puede encontrar ejemplos de cada uno de los principios accionables en ilustraciones que encuentre en línea Al buscar activamente estos en el arte y la ilustración, comenzarás a aprender más sobre cómo funcionan para contar diferentes historias y en diferentes contextos. También tendrás una mejor idea de cómo podrían funcionar para ti. Disfruta probando esto, y una vez que hayas terminado, siéntete libre de publicarlo en la página de proyectos de clase. Y luego te veremos en la siguiente lección. 7. Principios estructurales: Ahora echemos un vistazo a lo que yo llamo principios estructurales. Si bien los principios procesables se refieren en gran medida a la disposición y el orden de los elementos individuales, los principios estructurales se refieren a cómo estas cosas se mantienen unidas como un todo unificado Cuando miras al espacio exterior, lo que sostiene a todas las estrellas, planetas y galaxias en su lugar donde están, los astrónomos realmente creen que hay algo llamado materia oscura Este es el pegamento que mantiene unidas a todas estas galaxias. La fuerza invisible que mantiene unida una composición se parece mucho a la materia oscura. Sabemos lo que hay aunque no podamos verlo, y definitivamente podemos sentir cuando no está ahí. Los científicos pueden decir que la materia oscura probablemente existe, aunque no puedan medirla directamente. Podemos ver la evidencia, por cierto, las cosas se mantienen unidas. Nuestro sistema solar se mantiene unido debido a la materia oscura. De la misma manera, los artistas pueden decir que hay algún pegamento invisible que mantiene unidas nuestras composiciones, dándole ese escurridizo sentido de unidad Todos anhelamos en nuestro trabajo ¿qué es este pegamento compositivo, su estructura Y para darle estructura a nuestra composición, buscamos cuadrículas. cuadrículas son una excelente manera de aportar un sentido de estructura a la página donde de otra manera no la encontraremos Si bien existen miles de cuadrículas y otras formas posibles de estructurar nuestras composiciones En esta lección, veremos sólo tres. Vamos a hacer dos cuadrículas, La regla de los tercios y armónicos armónicos Y luego veremos lo que yo llamo composiciones autoestructuradas. Veamos primero la regla de los tercios. La regla de los tercios es como una cuadrícula con instrucciones sobre cómo usar esa cuadrícula. Nos dice dónde podemos poner a nuestro sujeto en una imagen para hacer la imagen más interesante. También nos da una guía sobre cómo estructurar la página en términos de proporción, Al igual que cuánto de la página debemos llenar con figura versus suelo. Como cuadrícula, es bastante simple. Solo hay dos líneas horizontales y dos verticales que dividen la página en tres filas y tres columnas, lo que hace nueve cuadrados iguales. En cuanto a la colocación, la idea general es que coloques tu sujeto ya sea en el tercio izquierdo o derecho de la composición, o en una de las intersecciones de estas líneas Ahora bien, en términos de proporción, la regla de los tercios sugiere que la relación entre figura suelo debería ser de 13 a 23. Ya sea una figura parcial y dos partes tierra, o al revés. Para paisajes y otras escenas, la regla de los tercios sugerirá que coloques línea del horizonte a lo largo de cualquiera de las líneas horizontales. Vas a darle ya sea 23 o un tercio de la imagen al cielo, dependiendo de donde pongas esa línea. Normalmente colocamos la línea del horizonte a lo largo del tercio inferior. Ahora bien, esta regla empírica es genial por su simplicidad, y realmente es comprobada y verdadera. Muchos expertos dicen que la regla de los tercios funciona, y creo que deberíamos creerles. Cuando no tenemos un fuerte sentido de composición, podemos confiar en que la Regla de Tercios funciona para la mayoría de las situaciones. Eso no quiere decir que no debamos estar pensando por nosotros mismos aquí también. A veces solo centrar nuestro tema y hacerlo más grande en el marco está perfectamente bien Solo pregúntale a Wes Anderson quien ha basado toda su carrera en hacer esto Ahora veamos las armaduras armónicas. Una armadura armónica es una cuadrícula geométrica de líneas. No sólo en rectas arriba y abajo y de lado a lado, sino también en diagonales De esta manera, las armaduras armónicas nos dan un sistema de rejilla más flexible Y esto nos da más opciones para construir estructura en nuestras composiciones de formas más dinámicas. Una armadura armónica tiene la regla de la cuadrícula de tercios incorporada en ella, pero es como la regla de los tercios en los esteroides porque solo te da tantas opciones más con todos esos ángulos extra Personalmente, nunca oí hablar de armaduras armónicas hasta hace muy poco En realidad, no hasta investigar para esta clase. Sé cuál es la ciencia detrás de las armaduras armónicas, pero realmente parece funcionar bien para Me gusta que me dé la cuadrícula de tres por tres más todos estos diversos espacios e intersecciones interesantes para alinear las cosas un más en diagonales También me parece realmente interesante colocar cuadrículas armónicas de armónicos sobre obras de arte existentes, como de otros artistas, para ver cuán intencionales son sobre el uso de tales reglas en sus composiciones Por ejemplo, cuando lo he puesto sobre la obra de Miroslav Sasek o Paul Rand, al instante encontré Entre esta grilla y sus composiciones, me hace pensar que deben ser muy intencionales sobre uso de este tipo particular de grilla. Ahora la pregunta es, ¿es eso cierto? ¿Realmente están usando armaduras armónicas a propósito? ¿O es una coincidencia? ¿Son las armaduras armónicas tan flexibles y atrapan todo eso como un horóscopo? Parecen aplicarse sin importar cuál sea la situación. De cualquier manera, he empezado a usar estos en mi propio trabajo, solo como experimento, pero también para ayudar a crear una estructura más compleja e invisible en mis composiciones. Ahora existe el riesgo de que sobreutilice esta cuadrícula y sus ilustraciones estarán tan fuertemente influenciadas por ella que será muy obvio. Lo que debería haber sido una fuente invisible de unidad en tu arte podría, en palabras del diseñador Al Rlbert, terminar siendo más como una chaqueta callejera Entonces, la última fuente de estructura de la que voy a hablar es lo que llamo composición autoestructurada. Al estructurar nuestras composiciones, podemos crear este sentido de que todo mantiene unido artificialmente como lo hicimos con las rejillas O podemos encontrar algo dentro del contenido que realmente estamos usando en la ilustración como estructura de la ilustración. Esto es lo que yo llamaría estructura intrínseca o autoestructura, donde se necesita poca o ninguna ayuda para ayudar realmente a que la ilustración se mantenga unida. Entonces un ejemplo de lo que estoy hablando aquí es quizás un edificio de departamentos con muchas ventanas, donde en cada uno vemos una escena diferente. Y tenemos a este edificio departamentos como el objeto dominante en la escena. Entonces solo tenemos esta rejilla natural de ventanas que podemos estructurar nuestra ilustración o historia alrededor. Otro ejemplo de autoestructura está en una ilustración figurativa, donde la figura apenas domina la composición y por lo tanto proporciona toda la estructura que necesitamos La ilustración se mantiene unida por la forma en que el cuerpo o la figura llenan el espacio. Una ilustración también puede considerarse autoestructurada si es realmente simple, si solo hay como un objeto y es realmente grande, o es un objeto dominante y todos los demás gravitan a su alrededor, casi como lunas alrededor de un planeta Este es un ejemplo de un tipo de autoestructura más orgánica. Un mapa ilustrado también es una composición autoestructurada porque las carreteras u otras entidades geográficas en la capa inferior proporcionan una estructura para los iconos y letras ilustrados y todo lo demás que está en la parte superior Incluso al diseñar una ilustración con letras o tipo como la portada de un libro, no siempre es necesario imponer una cuadrícula Podría bastar con que la propia ilustración dominara la página y simplemente la equilibrara con un título mucho más pequeño y por línea. Entonces esos son tus tres principios de estructura. Tenemos la regla de los tercios, armónicos armónicos, y luego solo autoestructurados Entonces ahora que hemos llegado al final de esta lección, aquí hay algo que puedes probar tú mismo. Reúne de cinco a diez ilustraciones que te gusten de Internet y analiza la estructura de la composición a continuación, utilizando la regla de los tercios, cuatro cuadrículas armónicas de armadura que he proporcionado En el ver cuántas de las ilustraciones se ajustan a una de estas cuadrículas. ¿Qué encontraste? ¿ La mayoría de las composiciones estaban alineadas con alguna de estas cuadrículas o fueron más aleatorias? Diviértete probando esto. Y nuevamente, si quieres, puedes compartir lo que encuentres aquí en este ejercicio en la página de proyectos de clase. Cuando estés listo, te veré en la lección final. 8. Seis tipos de composición para ilustradores: A medida que nos acercamos al proyecto final, quiero presentarles seis tipos de composición comunes como verán en el proyecto. Estos pueden ser súper útiles como puntos de partida a la hora de intentar entender nuestras ideas y por supuesto, nuestras composiciones. Si buscas tipos de composición o ejemplos compositivos en línea, encontrarás muchos ejemplos de pequeños dibujos en miniatura con diferentes formas, símbolos y escenas hipotéticas Algunos de estos son círculos o triángulos conformados, o su forma de letra como S, curvas o zigzags También puede encontrar pequeños dibujos en miniatura de pequeñas escenas como barcos en un puerto o un paisaje con colinas onduladas Creo que estos están destinados a dar a los artistas puntos de partida compositivos Pero debido a que hay tantos de estos y suelen mostrarse sin ningún contexto, nunca los he encontrado muy útiles para mí. Parecen poner el carro ante el proverbial caballo porque sugieren una solución antes de que entendiéramos completamente el problema que estamos tratando resolver con nuestras ilustraciones El riesgo es que tratemos de adecuar nuestras ideas a uno de estos ejemplos prefabricados en lugar de encontrar la mejor solución para nuestra situación particular. Ahora que dicho esto, los tipos de composición por los que vamos a pasar en un momento son como estos ejemplos prefabricados. Sugieren una solución antes de que hayamos entendido el problema. Pero creo que son más útiles porque son específicos de la ilustración. Y son específicos para ilustrar ideas e historias de formas particulares. No nos dicen exactamente cómo deben arreglarse nuestras composiciones o incluso cómo debería ser nuestro estilo, pero nos dan una estructura con la que trabajar. La comparación más cercana que se me ocurre es en la música, donde tenemos patrones bien conocidos como dos versos, luego un coro, luego dos versos más, y luego repetir nuevamente el coro, y tal vez un puente, y luego volver al coro algunas Ese tipo de cosas. Puedes contar millones de historias únicas en cualquier número de estilos musicales usando la misma estructura básica. Otro ejemplo más sencillo sería como el haiku o el limerick Como estructuras de poesía, son estructuras bien conocidas a las que puedes conformar tus palabras Puedes tener todo tipo de ideas y expresarte o contar historias en estos poemas dentro de las limitaciones que te dan. Así es como los seis tipos de composición pueden ayudarte a llegar a mejores ideas y composiciones en tu arte. Ahora vamos a echarles un vistazo. El primer tipo de composición es el único objeto. El único objeto es exactamente lo que parece. Es una ilustración de un solo objeto en la página. Esta es la ilustración más sencilla ya que no hay un concepto profundo y el problema compositivo es muy sencillo Solo hay una cosa en la composición general siendo la única cosa en la página. Probablemente va a estar centrado y nos vamos a centrar en la forma general y los detalles del objeto mismo. El reto con el objeto único es representar el objeto de una manera que sea reconocible e interesante para esta clase Parte de la solución es elegir un objeto que pueda representarse fácilmente en un estilo más plano Y también para elegir el ángulo o lado más reconocible o interesante Algo desde un ángulo podría no parecer tan claro o reconocible como se ve desde otro solo objeto Las ilustraciones se utilizan a menudo como ilustraciones puntuales en contextos editoriales o editoriales. Si un objeto tiene significado o significado particular para una determinada subcultura, también se pueden utilizar como gráficos de camiseta o un motivo en tarjetas de felicitación o incluso tatuajes Un solo objeto puede ser más sencillo o puede ser más expresivo. Puede ser más proporcional y literal, o puede ser más estilizada y mínima Ahora veamos el bodegón. Un bodegón es un dibujo, pintura o fotografía de un arreglo de objetos inanimados en espacio físico tan aburrido como un tazón de fruta o un arreglo de cocina Donde pueda sonar, la gente parece que no puede tener suficiente de bodegones. Para los ilustradores, el bodegón presenta una forma posible de contar una historia Si bien tendemos a pensar en las pinturas de bodegones como estudios o algo que un artista hace para la práctica, una naturaleza muerta puede contener mucha información que tomará significados específicos según el contexto. Incluso podría sugerir algo sobre los propios artistas como indirecto. Autorretrato. O podría sugerir una audición deseable o una combinación de objetos relacionados, como los alimentos que van bien juntos. Ahora, los desafíos con la creación bodegones incluyen qué incluir en el arreglo y cómo organizar los objetos a los que estás haciendo referencia de una manera agradable Qué objetos contarán mejor la historia que quieres contar y cuál es la mejor manera de representarlos Como conjunto En algún tipo de espacio, una naturaleza muerta se puede extraer de una disposición física real de las cosas. Al igual que puedes poner un plátano y una manzana y algunas uvas en un bol y empezar a dibujar o ilustrar eso. O simplemente puedes ilustrar un conjunto de objetos como si se tratara un bodegón de tu imaginación. Para los ilustradores gráficos, el reto va a ser cómo presentar o representar una naturaleza muerta sin ser excesivamente dimensional Al igual que con el objeto simple, un bodegón puede ser muy sencillo o puede ser más expresivo. Puede presentar los objetos más o menos tal como son, pero con un poco de estilo. O puede ser un estudio mucho más abstracto del color, la forma y el espacio. Ahora veamos el plano laico. Una disposición plana es una ilustración de un grupo de objetos en una disposición plana cuidadosamente espaciada. Un lay plano se parece mucho a una naturaleza muerta, pero en lugar de representar el arreglo una manera más orgánica o superpuesta, los objetos se representan en su totalidad sin ningún tipo de capas y a menudo sin respeto a la escala Por ejemplo, en un dibujo de suministros de arte, un lápiz puede ocupar toda la altura de la página. Mientras que un libro de bocetos, que es en la vida real, más grande que el lápiz, podría ocupar sólo una cuarta parte, como un bodegón. Un plano plano es una excelente manera de contar una historia sobre algo de manera indirecta. Por eso a veces llamo historias de objetos planos. También son geniales para mostrar la idea de algo de una manera temática. Si la ilustración es sobre la noche de chicas, puedes pensar en qué objetos son los más emblemáticos de la idea, como el vino, el paseo en Uber y tal vez el karaoke. No sé por qué elegí esto como mi ejemplo, ya que nunca me han invitado a una noche de chicas. Las capas planas son una gran opción para libros infantiles simples como libros del alfabeto o carteles, o incluso como base para un patrón ilustrativo para papel de regalo o textiles. Si bien la colocación generalmente plana es una disposición de simples objetos inanimados, también puede ser una disposición de personajes, criaturas o incluso escenas en miniatura Lo clave es que todos los objetos del piso yacen juntos cuentan una historia o sugieren un tema. Las capas planas pueden ser muy rígidas y reticulares con todo en disposición perpendicular. O pueden flotar más libremente como si estuvieran suspendidos en gelatinosa. El siguiente tipo de composición que veremos es la figura. La figura humana es, con mucho el tema más común en el arte y la ilustración, lo cual tiene sentido porque somos personas y nos gusta dibujar gente y nos gusta ver a la gente en dibujos. Cuando una ilustración se basa principalmente en la figura humana, llamamos figurativa El elemento clave en la ilustración figurativa es, por supuesto, el enfoque en un ser humano, generalmente uno humano, ya sea en su totalidad, de la cabeza a los pies, o en parte, tal vez desde el pecho hacia arriba La ilustración figurativa puede ser más directamente sobre la persona en la imagen, como con un retrato O la persona puede estar ahí como un dispositivo más simbólico, metafórico La persona puede ser muy activa en la escena o puede que esté en reposo haciendo nada más que mirarte hacia atrás. La ilustración figurativa puede ser simple y directa o puede ser expresiva y altamente estilizada como estructura de narración Una figura puede ser sobre una persona en particular, ya sea real o ficticia Por otro lado, puede ser más sobre lo que la persona está haciendo o interactuando con. En este caso, la figura es solo un soporte o simplemente una forma de señalar tu atención hacia otra cosa en la imagen. Una figura también puede integrarse más en la ilustración, aportando toda la estructura e incluso convirtiéndose en una cuadrícula sobre la que se superponen otras ideas El mayor reto con ilustración figurativa, creo, es que muchos ilustradores simplemente luchan con la forma en que dibujan a la gente Por eso cuando empecé a ilustrar, evité a toda costa la ilustración figurativa Simplemente no sabía cómo dibujaba a gente o no tenía una manera consistente de hacerlo. Pero en un momento tuve un gran avance. Realmente no tenía que dibujar a la gente proporcionalmente. Me di cuenta de esto. Fue mi elección en ese momento. A pesar de que mi estilo era muy gráfico y estilizado y poco realista, cada vez que intentaba incluir a la gente en mi trabajo, inconscientemente volvía a En cuanto empecé a jugar con las proporciones de la figura y doblarlas y estirarlas, quisiera, mi trabajo de repente se puso mucho más figurativo y también se volvió mucho más expresivo Fue poco después de este tiempo que publiqué cuerpos extraños aquí en skill share, que hoy sigue siendo una de mis clases de ilustración más populares. Entonces el siguiente tipo de composición que vamos a ver es la escena. Este es otro tipo de ilustración popular. Es una ilustración de un lugar o un espacio. Una escena puede ser exterior o interior, y puede tener personas o personajes en ella, o ninguno. Una escena sin personajes o un objeto central sería un paisaje o un paisaje urbano, o tal vez un interior si es en interiores En este caso, la escena es el tema. El reto para los ilustradores trabajan en un estilo gráfico es cómo representar una sensación de espacio incluso mientras trabajan plano ¿Cómo tratamos los elementos superpuestos con una paleta de colores muy limitada, o poca o ninguna perspectiva, o sombreado con el que trabajar Ahora aquí tenemos que salir de nuestra mentalidad fotográfica natural, lugar de pensar en términos de ángulos de cámara, perspectivas, y ver las cosas como cerca o lejos de una cámara Queremos pensar más sobre cómo contar la historia en un plano plano. ¿Cómo podemos representar las cosas de una manera que maximice la forma del espacio o página en la que estamos trabajando? Aquí es donde podríamos tener una pelea con nuestra tentación de competir con nuestras cámaras. ¿Cómo podemos crear una representación más gráfica de esta escena? La primera pregunta para una escena es, ¿qué historia intentas contar? ¿De qué trata esta ilustración? ¿Qué está pasando en la imagen? ¿O qué estás diciendo de la escena? ¿Cuál es el significado aquí? Ahora bien, por importante que sea la historia para nuestras escenas como ilustradores gráficos, no es tanto lo interesante que es tu tema, sino cómo lo representas Eso es lo que tiene de interesante. Aquí es donde nuestras decisiones sobre la escala, proporción, nuestro uso de la figura y el terreno, y cómo trabajamos inteligentemente alrededor las restricciones estilísticas realmente comienzan a Bien, entonces el sexto tipo de composición es el montaje. Un montaje es un ensamblaje de varias imágenes, marcas, símbolos y otros elementos que se unen en torno a una sola idea o tema En la ilustración, el montaje es un enfoque muy común, especialmente cuando puede ser difícil expresar una idea en un solo símbolo o escena Eso tal vez sea más convencional. Un montaje suele ser lo suficientemente específico como para relacionarse con una idea o tema general sin ser tan específico sobre el mensaje No quiere decir que los montajes no puedan ser profundamente conmovedores o significativos, pero como están un poco más abiertos a la interpretación, es más difícil equivocarse Como estructura de narración de historias montajes son geniales para la libre asociación cuando no necesitas que el espectador llegue a ninguna conclusión en particular, tal vez solo se trata más de una vibra o un sentimiento El reto con los montajes es encontrar tu límite. Es posible agregar demasiadas ideas o elementos a la composición de esta manera. Es similar a la colocación plana, donde quieres elegir la cantidad justa de símbolos u objetos para incluir para contar la historia. hora de hacer un montaje, te recomiendo que agregues solo los mínimos elementos separados posibles necesarios para contar tu historia y enfocarte en cómo componerlos de una manera inesperada Tal vez ciertos objetos son inusualmente grandes o todo se entrelaza como piezas de un rompecabezas En mi anterior trabajo de ilustración, muchos de mis conceptos adoptaron un enfoque de montaje Esto se debió en parte a que era una forma más fácil de representar un tema, pero también fue porque mi estilo particular era simplemente mejor para contar historias de esta manera en lugar de incluir directamente cosas como la figura humana. Realmente hay muchas formas diferentes en las que podrías hacer un montaje, siempre y cuando te quedes con la fórmula de combinar múltiples símbolos o elementos en una sola composición alrededor de una idea o tema común Los montajes pueden ser de sangrado completo, extendiéndose más allá de algunos o todos los bordes de su página O pueden ser más bien un cúmulo de elementos flotando en el espacio de la propia página o sobre un fondo sólido. Ahora bien, la escalera es mucho más común, y para esta clase, la recomendaría como punto de partida. Bien, aquí hay una cosa más para que pruebes antes de pasar al proyecto. Consulta si puedes encontrar ejemplos de ilustraciones para cada uno de los seis tipos de composición. Busque específicamente ejemplos que sean más gráficos y planos. Este ejercicio, por supuesto, te ayudará a ver cómo estos seis tipos de composición realmente están por todas partes si miras. Y también te darán algo de inspiración para el proyecto final. Como siempre, una vez que hayas terminado de probar esto, comparte lo que encuentres en la página de proyectos de clase y luego te veré en el proyecto. 9. Introducción y configuración de proyectos: En este punto, hemos repasado todos los fundamentos de composición y ahora es el momento de ponerlo todo en acción. En el proyecto de clase de hoy, podrás crear un conjunto de seis sellos postales ilustrados basados en el país y el tema de tu elección sellos no solo son súper divertidos de ilustrar, también son una gran manera de practicar la composición. Debido a que son tan pequeños, nos ayudarán a mantenernos enfocados en la composición general en lugar de atascarnos demasiado en pequeños detalles Otra gran cosa de los sellos es que a menudo vienen en conjuntos. Así que vamos a tener la oportunidad de crear un conjunto de seis ilustraciones diferentes, cada una basada en los seis tipos de composición que aprendimos en la lección anterior. Esta es una excelente manera de ver cómo funcionan los diferentes principios de composición en una variedad de situaciones. Como verás en mi demo, lo que parece funcionar en un tipo de composición, yo no en otro. Igual de importante. Verás cómo cada uno de los diferentes tipos de composición te permite contar una historia de una manera diferente. En mi demo, pude usar cada tipo de composición para inspirar una idea diferente para cada una de mis ilustraciones. Ahora, advertencia justa, tenemos mucho por lo que pasar en los próximos videos, pero haré todo lo posible para guiarte a través de cada paso del proceso. Entonces lo primero que tenemos que hacer es crear nuestro plan de proyecto. Aquí es donde declaramos nuestro país y tema, y luego hacemos una lluvia de ideas para nuestros seis sellos Hagamos nuestro plan ahora mismo, y luego luego veremos más en el proceso de ilustración real. Para hacer tu plan de proyecto, solo necesitas una hoja de papel o el equivalente digital. Yo hice el mío en procrear con un pincel básico a lápiz en la parte superior de la página Escribe mi plan de proyecto A continuación, anota tu país. Por supuesto, elegí el país. Vivo en Canadá. Te recomiendo elegir tu propio país porque así es más personal. Pero puedes ir con cualquier país que quieras a continuación. Elige un tema. Podría ser un hobby o un tema favorito, o unas vacaciones como Navidad o Halloween. Originalmente quería elegir el espacio como tema, pero como era noviembre cuando hice esta clase, comencé a pensar en el invierno. Pensé que sería divertido tratar de hacer una serie de sellos basados en mis recuerdos de ser un niño en el invierno, crecer en un pequeño pueblo en la década de 1980. Entonces mi tema es el invierno en mi infancia. Ahora, solo porque es un sello para todo un país, es divertido pensar en cómo podría hacer estos sellos realmente personales y autobiográficos Ya sé toneladas de mi propia vida y eso hará que llegar a mis ideas más adelante sea mucho más fácil. A continuación, anote los seis tipos de composición el único objeto, el bodegón , el plano, la figura, la escena y el montaje Deja algo de espacio entre ellos para que tengas espacio para anotar algunas notas de lluvia de ideas entre Para cada uno de estos tipos de composición, puedes comenzar a pensar lo que te gustaría ilustrar. Cuando hice este paso, acabo de hacer una nueva capa y pasé en un nuevo color en procrear y comencé a hacer una lluvia de ideas ahí mismo en el plan del proyecto Como pueden ver, escribí mi lluvia de ideas aquí mismo en mi plan de proyecto en azul Una vez que anoté todas mis ideas para los seis tipos de composición diferentes, que terminarán siendo mis seis ilustraciones de sellos diferentes, las repasé para hacer mis selecciones finales. Circulé lo que me destacó para cada uno. Por supuesto, todos querremos saber en qué tamaño y relación de aspecto estamos trabajando. Si puedes colocarlo en tu página directamente en las dimensiones en las que te gustaría trabajar. Una vez que completes tu plan, puedes guardarlo como un Jpeg y compartirlo en la página de proyectos de clase. Solo voy a enviar esta clavija J a mi Mac y luego publicarla en la página Proyectos de Compartir Habilidad a través de mi navegador de escritorio. 10. Proceso de proyecto (descripción): Ahora que has creado tu plan de proyecto, es el momento de iniciar el proceso de ilustración. En esta lección, compartiré con ustedes los cinco pasos que doy cada vez que hago una ilustración. Esta es una mirada de alto nivel a cómo pasé por cada etapa. Hablaré más de mis decisiones compositivas reales para cada composición, tipo o sello en videos separados a medida que avanzamos, simplemente pasemos rápidamente por estos pasos para comenzar y luego repasaremos cada uno con más detalle A continuación, en el primer paso, reunimos imágenes de referencia basadas en nuestro país y tema elegidos. En el paso dos, iniciamos dibujos de modo o modo de observación. Aquí es donde acabamos de sacar de nuestras referencias. Lo cual es una forma de descargar toda esta información visual a nuestra memoria para que podamos sacar más libremente de la imaginación. Posteriormente en el paso tres, comenzamos a llegar a ideas en lo que yo llamo modo alto o bocetos ideacionales En este paso, estamos trabajando un poco más rápido y más rudo. Solo estamos llegando a tantas ideas como podamos sin ser demasiado críticos. En el paso cuatro, seleccionamos y refinamos 12, tal vez tres de nuestros bocetos brutos favoritos Aquí es donde elaboramos nuestras composiciones con más detalle con un ojo más crítico. Finalmente, en el paso cinco, aquí es donde construyes tu ilustración final en tu propio estilo de ilustración usando tus herramientas y técnicas favoritas de aplicaciones. Si todavía estás trabajando cuál es tu estilo y qué herramientas usas, eres muy bienvenido a seguirme junto a mí en el video tutorial de Photoshop. En esta clase, te daré una demostración rápida para mostrarte cómo construyo mis ilustraciones usando Photoshop, incluyendo qué pinceles y colores utilizo. En el video tutorial de mock up, te mostraré cómo usar los archivos simulados de sellos que se incluyen en esta clase para que los uses. Si quieres. Recuerda que el objetivo de este proyecto no es ser perfecto sino practicar lo que aprendiste en la clase. Si estás luchando a través del proyecto, significa que en realidad estás haciendo preguntas y tratando, lo que significa que estás aprendiendo algo nuevo. Bien, veamos el primer paso del proceso de ilustración con más detalle. El primer paso es reunir imágenes de referencia relacionadas con tu tema. Con seis ilustraciones para encontrar referencias, Puede haber muchas imágenes para realizar un seguimiento. Entonces, para cada sello, creé una carpeta con el nombre de cada tipo de composición. Después fui a buscar imágenes relacionadas con mi tema elegido para cada una. Ahora estoy buscando imágenes que se vean como compondrán mis ilustraciones finales se compondrán mis ilustraciones finales, si eso tiene sentido. Estoy buscando solo imágenes que me ayuden a esbozarlas más tarde y a recordar ciertos detalles que les darán su carácter. Para casi todas las ilustraciones, estoy buscando imágenes que muestren la visión más sencilla y reconocible de mi tema Porque así es como probablemente voy a querer dibujarlo a mi estilo. Básicamente, lo que sea que vaya a quedar bien en un estilo gráfico plano, es útil si puedo encontrar imágenes de referencia que estén cerca de esto tanto como sea posible. Ahora, no estamos copiando las fotos, pero si estamos usando la información de las fotos, es bueno tener la mayor cantidad de información completa posible. Pero al mismo tiempo, también estoy agarrando algunas imágenes que muestran otros ángulos también Puedo averiguar cómo aplanar las cosas en mi propio estilo más tarde Ese es casi todo el punto de este proyecto. A menudo solo necesito imágenes que me den ideas para ciertos detalles como los patrones o diseños de un traje de nieve de una pieza de los 80 o ¿cómo era un palo de hockey en ese entonces? No necesito estos en ningún ángulo en particular para saber cómo se ven esos. Yo diría que gaste quizá de 30 a 60 minutos buscando imágenes de referencia. Tal vez detenerse en un máximo de 25 imágenes por ilustración. Podrías terminar un paso mucho más rápido o mucho más lentamente que 25 minutos. Realmente depende de lo que estés buscando y de lo llevado que quieras conseguir con este paso. En serio, no hay prisa. Disfruta de la cacería. Y cuando estés listo, vuelve a este video. El siguiente paso es dibujar a partir de nuestras imágenes de referencia. Puedes hacer este paso con un papel y un lápiz reales, o puedes usar un equivalente de boceto digital Siempre uso procrear con un pincel de seis lápices para mis dibujos y bocetos Si has tomado mis otras clases, sabrás que aquí no estamos bosquejando ideas de código, sino simplemente gastando algún tiempo dibujando lo que vemos de la observación Por eso llamo a estos dibujos de modo u modo de observación. Este es un paso agradable y fácil, sobre todo si estás acostumbrado a dibujar de todos modos, porque puede sentirse realmente productivo. Y llegas a dibujar, pero en realidad no estás trabajando demasiado tus músculos creativos todavía. Es una transición agradable y fácil a medida que nos acercamos a llegar a nuestras ideas para nuestras composiciones más adelante. Si no estás seguro de tus habilidades de dibujo, no te preocupes por tratar de dibujar bien aquí. El objetivo de este paso es simplemente descargar esa información visual a tu memoria que podrás bosquejar desde más tarde sin calentar referencias. Siempre y cuando estés viendo más de cerca los detalles de tu tema mientras los estás dibujando aquí, eso es todo lo que importa para este paso. Llené una página y procreo para cada una de las seis carpetas de imágenes de referencia, o una página para cada uno de mis seis tipos de composición Ahora una de las cosas buenas del dibujo de Omo es que a medida que dibujas aquí en el control de crucero, realidad encuentras algunas ideas para que la ilustración final empiece a surgir. Por ejemplo, cuando estaba dibujando mis imágenes de referencia de figura, comencé a ver cómo podría ser capaz de usar la figura y la forma de ángel de nieve una manera interesante También me encontré demorando en ciertos detalles que me interesaban, como la insignias para el piloto de nieve GT, que de niño me hubiera metido súper metido Y para ser honesto, como hombre adulto, sigo siendo. Los detalles con los que tiendes a dejarte llevar aquí podrían ser pistas de lo que más te interesa y qué es lo que quizás quieras incluir más adelante en tu concepto final De alguna manera permítete realmente hundirte en esta etapa. No lo pensé, pero en realidad pasé 2.5 horas simplemente dibujando de mis referencias aquí. Cuando termines, te recomiendo tomarte un pequeño descanso para que puedas entrar en la siguiente etapa con una mente fresca. Al concluir este paso, recuerde compartir sus dibujos en modo O en la página de proyectos de clase. Bien, ahora es el momento de salir del control de las tripulaciones y empezar a pensar realmente con ideas Esta va a ser una etapa más desafiante para muchos de nosotros porque aquí es donde tenemos que empezar a pensar en cómo contar la historia o transmitir la idea que queremos en cada composición. Este es un proceso iterativo, lo que significa que necesitamos esbozar variaciones para cada composición varias veces a medida que elaboramos nuestras ideas y nuestras composiciones Ahora bien, esta es la etapa de bocetos aproximados, lo que significa que puedes ser un poco más libre de lo que será en el siguiente paso No hace falta pensar demasiado composición si no viene naturalmente Sin embargo, piensa más en términos de qué incluir en la imagen que mejor pueda contar tu historia. Por ejemplo, con un solo objeto que realmente se trata de cómo representar tu objeto de la manera más clara e interesante Iterar te ayudará a encontrar lo que buscas aquí Para ayudarte con esta etapa, he incluido un archivo de plantilla de boceto que puedes cargar en Photoshop o procrear, o incluso imprimir si lo deseas Por supuesto, estos están en la relación de aspecto uno por 1.5 que estoy trabajando en mí mismo, pero se puede ver fácilmente cómo esto podría funcionar en cualquier otro tamaño o formato. Para comenzar, abrí la plantilla de boceto en procreate, y luego para cada ilustración o sello, creé una nueva capa Lo etiqueté en la esquina superior izquierda, y luego comencé a iterar. Siempre empiezo un poco débil y vacilante, pero me caliento después de algunas iteraciones En la plantilla, he incluido miniaturas de orientaciones tanto altas como anchas, así puedo esbozar fácilmente ideas en ambas formas, en ambas orientaciones, para darme diferentes opciones para diferentes Una de las preguntas fundamentales que hacemos sobre una composición es, ¿cómo sé qué incluir en la imagen? Ahora voy a hablar más de cómo pensé acerca la composición para cada sello en los próximos videos. Pero debido a que hice mucha preparación en la etapa de planeación y modo, ya sabía qué tema iba a incluir en cada ilustración de sello. No tuve que preguntar cómo sé qué incluir aquí para ninguno de estos. Porque eso ya estaba determinado para mí por los pasos anteriores en el proceso. Sobre todo lo que estoy haciendo aquí es buscar cómo organizar estos diferentes objetos, figuras y símbolos de la manera que mejor cuente la historia que quiero. También solo quiero señalar aquí cuánto trabajar desde un tipo de composición preestablecida casi toma decisiones sobre la composición para mí, no tengo que pensar en ellas para nada. Por ejemplo, sé que para el objeto único que solo necesito rellenar el área de arte del sello con el GT snow racer tanto como pueda. El formato estrecho de mi sello particular, ese uno por 1.5 relación de aspecto, además me da una restricción para trabajar con. Necesito mostrar el objeto de una manera que llene esta área estrecha tanto como sea posible. Y da la casualidad de que el GT visto desde arriba funciona perfectamente. Por supuesto, a medida que avanzamos a través de las diferentes ilustraciones del proyecto, las composiciones sí se vuelven más desafiantes. Pero cada uno de los seis tipos de composición tiene algunas pistas sobre la disposición final de las cosas integradas en ellos. Ahora bien, esta etapa también puede llevar algún tiempo. Pasé otras 2.5 horas trabajando en todo el conjunto de Iteraciones? Bueno, eso parece mucho tiempo para dedicarle solo a bocetos rudos Ten en cuenta que aquí estamos haciendo seis ilustraciones que solo promedian unos 30 minutos por sello ilustrado, que en mi experiencia, es rápido como un rayo. Nuevamente, al concluir esta etapa, por favor recuerde compartir sus bocetos aproximados en la página de proyectos de clase Ahora que hemos pasado por los bocetos aproximados, es el momento de encontrar nuestras mejores ideas y refinarlas para hacerlas aún mejores Recomiendo tomar un pequeño descanso entre la última etapa y esta. Encuentro que siempre veo mis bocetos rudos bajo una nueva luz Si vuelvo a ellos más tarde en el día o incluso al día siguiente, veo las cosas de manera más objetiva e incluso aprecio muchas de las ideas más al segundo día o más tarde que cuando las dibujaba aquí Yo solo los estaba juzgando en base a mi instinto. Qué bocetos me gustaron simplemente sin pensarlo demasiado. Como cuando miré estos bocetos, cuáles realmente me llamaron la atención Pero en este punto también me preguntaba cuáles cuentan la historia de la mejor manera posible. Cuáles llenaban bien el espacio, o funcionarían bien en el diseño final del sello, donde tenemos que considerar el nombre del país y el valor del sello, y muy importante, cuáles creo que funcionarían bien en mi estilo de ilustración gráfica más plano, como veremos en la final para el bodegón por ejemplo, elegí una composición que me gustó Pero era más difícil trabajar en un estilo gráfico plano porque tenía mucho solapamiento e incluso alguna dimensionalidad en las propias botas Pasé más tiempo tratando de resolverlo. Y en última instancia, no creo que esté tan cómoda o tan feliz por cómo terminé con esta. Sabes, si lo volviera a hacer, elegiría uno de mis bocetos que tuviera menos superposición de todas las diferentes botas, o simplemente reescalaría todo por Teniendo en cuenta que mi estilo simplemente funciona mejor cuando las cosas no se superponen tanto. Pero en términos de aprender sobre la composición, esta experiencia mía habla del hecho de que un bodegón convencional, donde pensamos en todos los objetos juntos en un lugar físico y estar en proporción entre sí no es necesariamente el objetivo adecuado para un estilo plano, si estás trabajando en uno como yo. Por supuesto, para este proyecto solo quería seguir moviéndome. Entonces, una vez que hice mis selecciones, me volví hacia un estilo de boceto más refinado Creé un archivo de alta resolución más grande, coloqué mi boceto aproximado allí y comencé a refinarlo con líneas más limpias. En esta etapa, no estoy tratando de ser perfecto, pero definitivamente estoy tratando empujarme en esa dirección. Yo uso el boceto aproximado como guía, pero ahora puedo empezar a pensar más en términos de la maquetación final. ¿Cómo puedo hacer que la composición se ajuste bien posible a las proporciones finales del sello? ¿Y cómo puedo hacer que funcione con los elementos tipográficos que tienen que entrar ahí también Aquí es donde empecé a usar mis cuadrículas. Yo uso la armadura armónica para ayudarme a colocar la composición alrededor de manera uniforme Tiendo a ver las cosas de manera torcida. Y no es hasta que enciendo mis cuadrículas que puedo ver lo torcida que es mi perspectiva natural Pero aunque mi vista fuera perfecta, también me gusta usar la cuadrícula para alinear las cosas de manera más intencional. De eso hablamos en la lección de principios de estructura. Como pueden ver mi rous, donde empecé a hacer mis selecciones Empecé a identificar formas en que mis composiciones podrían mejorarse. En esta etapa más refinada, en realidad pude hacer esas mejoras. Empecé a refinar un conjunto de bocetos a la vez. Yo refinaría solo uno de los rughs de un solo objeto, y luego solo uno de los roughs de bodegones y así sucesivamente cuando tenía estos seis bocetos refinados, realidad estaba lo suficientemente satisfecho como para pasar a las ilustraciones finales si realmente siento el impulso más adelante A lo mejor voy a volver y tratar de refinar algunos de los otros en otro momento. Nuevamente, al concluir esta etapa, recuerde compartir sus bocetos refinados en la página de proyectos de clase Este es el último paso y posiblemente el más difícil. Aquí es donde hacemos que todo se reúna en la ilustración final. Por lo que la mayor parte de la composición debería elaborarse para este momento. En los bocetos refinados, sabemos lo que queremos incluir en cada ilustración y debemos tener un fuerte sentido de hacia dónde van a ir las cosas en este punto Es solo cuestión de si en realidad todo va a funcionar como imaginamos Una vez que realmente comenzamos a crear esta ilustración final, existe una fuerte relación entre cómo bosquejamos y cómo ilustramos en nuestro estilo final. Si conocemos nuestro estilo lo suficientemente bien, la transición del boceto al final debería ser relativamente indolora si aún no estás del todo ahí con tu estilo o técnicas, conocer este hecho debería al menos ayudarte explicándote por qué esta etapa podría no ser tan fácil para ti En cuanto a la composición, sobre todo estaremos trabajando nuestros colores, texturas, cuestiones de sombreado y contraste Y por supuesto, los detalles particulares por los que podríamos ser propensos a alboroto, como narices, ojos y estilos de letras Verás que incluso para mí, la transición del sketch al final no es tan indolora Como dije, me estaba colgando de la composición de las botas porque estaba tratando de mostrar todas esas cosas, todas las botas de una manera muy acodada y para mí, muy tridimensional. Terminé resolviéndolo un poco aplanando las botas y simplificando algunos de los detalles Pero no veo la claridad a la que finalmente apuntaría en lo que debería ser una composición simple. Si tuviera que rehacer este, lo volvería a hacer como un arreglo recto mucho más plano La otra pieza con la que pasé mucho tiempo fue la escena en general. Estoy contento con el concepto, pero tengo sentimientos encontrados sobre dónde terminé con la figura. Creo que está mayormente en el gesto y me gustaría resolver esto más también. Pero claro, esto es solo un detalle, tenemos que recordar que para esta clase, nuestro enfoque está más en la composición que en conseguir esos detalles más pequeños en la composición correctamente en su conjunto. Estoy muy contento con cómo resultó este. A lo largo del camino estaba usando mi cuadrícula armónica de armadura para ayudar a dar a cada ilustración más estructura y alineación, y para ayudarme a dividir la página en proporciones más agradables según la regla de los tercios Otro elemento en el que todos estarán enfocados aquí son las letras para nuestro país, y el valor, y tal vez hasta un pequeño subtítulo para cada sello Puedes elegir una fuente que funcione bien para ti o incluso probar suerte con algunas letras personalizadas para la mía Acabo de usar una versión de fuente hecha rápidamente de mis propias letras a mano Finalmente, como paso rápido pero muy satisfactorio, coloqué cada pieza final en un archivo de maqueta de sellos, que agrega los bordes perforados y agrega un poco de textura papel a la He incluido los archivos de maqueta en Photoshop y procrear formatos como descargas gratuitas En la página de recursos del proyecto, puedes aprender a colocar tu obra de arte en el archivo de maqueta y hacer tus propias personalizaciones en el archivo de maqueta Tutorial en esta clase. De nuevo, por favor recuerde compartir sus ilustraciones de sellos finales en la página de proyectos de clase así como en redes sociales usando la composición de hashtag para ilustradores, estoy súper emocionada de ver lo que haces 11. Tutorial de Photoshop: Este es un tutorial rápido para ilustrar en Photoshop con los mismos pinceles y colores que usaré para la demostración del proyecto. Si tienes curiosidad sobre cómo estoy construyendo mi obra de arte en términos de herramientas y técnicas, este video explicará prácticamente los conceptos básicos. Te animo a crear tus ilustraciones a tu manera usando tus propias herramientas, técnicas y estilo. Pero al mismo tiempo, no quiero que ninguna falta de experiencia le impida simplemente disfrutar del proyecto Por favor, siéntase libre de usar este tutorial y descargar mis pinceles y paleta de colores para usar en su propio proyecto. Ahora, antes de que comencemos a usar pinceles de Photoshop, vas a necesitar una tableta gráfica de algún tipo. Yo uso mi ipad y lápiz Apple como tableta gráfica para mi Mac. Hago esto usando Astropad Studio. He dejado un enlace en la descripción del proyecto para que puedas conocer más sobre cómo hacer esto. Aparte de eso, vas a necesitar descargar el archivo de Photoshop de la plantilla de arte final página del proyecto de la clase. Así como los pinceles y los archivos de paleta, que también he proporcionado. Tengo los pinceles, la paleta y los archivos de plantilla de arte final aquí cargados en mi buscador. Empecemos por abrir la plantilla de arte final. Una vez que hayas abierto tu archivo, también puedes instalar los pinceles y muestras de la misma manera Simplemente abre estos archivos usando Photoshop y deberían cargarse automáticamente en tu Photoshop. Los pinceles van a aparecer en tu panel de pinceles. Deberías ver un pequeño grupo de pinceles llamados pinceles clase composición. Y de igual manera, las muestras aparecerán en su panel de muestras como un pequeño grupo de colores aquí llamado paleta de clase de composición Si no ve ninguno de los paneles de pinceles o muestras, simplemente vaya a la ventana y asegúrese de que los pinceles marcados con verificación y que las muestras Y deberías verlas probablemente en algún lugar del lado derecho de tu pantalla. Si estás siguiendo conmigo y haciendo tus sellos en el mismo en una relación de aspecto de 1.5, usa el archivo de plantilla de arte final como se proporciona. Los sellos que estoy diseñando están destinados a ser uno por 1.5 "en general, incluyendo los bordes perforados y el borde blanco. Eso significa que el área de arte en sí será un poco más pequeña y ligeramente diferente en proporción. Todo lo que necesitas saber es que si usas mi plantilla de arte final, todo va a salir perfecto. Simplemente abriendo mis propiedades de tamaño de imagen aquí por un segundo. En Photoshop, se puede ver que las dimensiones son poco menos de una pulgada de ancho en este caso, y un poco de 1.5 "de alto. Pero te darás cuenta sin embargo es que la resolución es súper alta, 2,400 píxeles por pulgada Tengo super tamaño la imagen aquí para que se vea bien en el tamaño es más grande que solo uno por 1.5 “, que es bastante pequeña. Para que estas ilustraciones se vean bien al compartir en la página del proyecto o en las redes sociales, la resolución debe ser mayor. Ahora, sólo una nota técnica más. Si estás usando la plantilla de boceto proporcionada para los bocetos refinados, este archivo de arte final vuelve a duplicar el tamaño, siempre y cuando solo uses este archivo como se proporciona, encajará perfectamente en el archivo mock up Y claro, tengo un tutorial para el archivo mock up en el siguiente video. Ahora me gustaría llevarte a un pequeño recorrido por este archivo. Echemos un vistazo a las capas en el panel de capas. Aquí tenemos tres grupos de capas. Estas son pequeñas carpetas que tienen capas dentro de ellas. Primero tenemos el grupo de capas de arte, aquí es donde construirás tu ilustración. A continuación tenemos el grupo de capas de cuadrículas. Vamos a repasar estos en un momento. Pero tercero aquí tenemos el grupo de capas de boceto. Aquí es donde vas a colocar primero tu boceto. Solo echemos un vistazo al grupo de capas de cuadrículas aquí. Aquí he incluido dos cuadrículas, la armadura armónica y la regla de las rejillas de tercios Repasamos estos en la lección de principios estructurales, pero los he proporcionado aquí solo para su conveniencia. También he incluido un área segura, este es un margen par alrededor del archivo solo para asegurarse de que ciertos elementos se mantengan a una distancia segura de los bordes, Particularmente el nombre de su país y el valor del sello o cualquier otro elemento tipográfico que quiera colocar cerca del borde, pero no todo el camino hasta el borde mismo Ahora puedes mostrar u ocultar cualquiera de estas cuadrículas simplemente haciendo clic el pequeño icono en la columna izquierda aquí en el panel de capas Una cosa más sobre las cuadrículas aquí es que he establecido la opacidad alrededor del 30% Eso significa que son visibles, pero no demasiado distrayentes ya estás construyendo tu obra de arte Si quieres hacer cambios en la opacidad aquí, simplemente haz clic en el pequeño candado aquí para desbloquear el grupo de capas Y entonces puedes cambiar la opacidad para hacerlas más visibles O hazlos menos visibles como quieras. Me gusta tener el conjunto a alrededor del 30% dependiendo de lo que esté haciendo en el expediente. Me gusta simplemente asegurarme de que esté bloqueado para no lo mueva accidentalmente mientras estoy haciendo el arte. Ahora para comenzar a ilustrar realmente, estaremos colocando uno de los bocetos refinados que hicimos en este archivo Para ello, puedes simplemente arrastrar tu archivo de boceto desde el buscador al archivo o puedes usar file place linked y hacerlo de esa manera. Ahora cuando coloqué el boceto en mi archivo, se fue justo encima de todas las capas. Solo quieres asegurarte de poner tu boceto en el grupo de capas de boceto. Si el boceto está en la orientación incorrecta como está aquí, simplemente puede girarlo 90 grados para coincida y luego escalarlo al tamaño correcto según sea necesario. Entonces voy a usar la herramienta de transformación pulsando comando y luego coloco mi cursor justo en una de las esquinas. Y sosteniendo turno voy a poder girarlo en incrementos pares hasta que esté a 90 grados, de una manera u otra También lo escalaré desde el centro para que coincida con el tamaño del archivo. Estoy sosteniendo turno y opción para asegurarme de que esté escalando proporcionalmente. Y al sostener la opción específicamente, eso significa que la estoy escalando desde el centro. Una vez que lo tengas en su lugar, puedes simplemente hacer doble clic en él para confirmar ese cambio. Ahora notarás que el boceto es más débil porque el grupo de capas está establecido en 20% de opacidad Aquí de nuevo, esto es, por lo que el boceto es visible pero no demasiado distrayente Mientras estás construyendo la ilustración sobre la parte superior, puedes ajustar la opacidad del grupo de capas como quieras Puedes hacerlo súper intenso o puedes hacerlo súper desmayado. Lo que sea que tengas que hacer. Me gusta mantenerlo en alrededor del 20% ahora con solo una nota más antes de seguir adelante. Se puede ver que mi obra de arte está al revés. Todo necesita ser desplazado 90 grados en sentido antihorario. Todo lo que necesitas hacer es ir a la rotación de imagen e imagen y girarla en cualquier dirección que necesites para que se asiente de la manera correcta A lo mejor este es un buen momento para guardar nuestro archivo así no sobrescribimos la plantilla Así que sólo voy a salvar As y llamarlo bodegón, arte final. En mi proyecto, estoy usando sólo cuatro pinceles. Esto me ayuda a mantener las cosas simples y aporta una consistencia estilística general a las ilustraciones Por supuesto, esto aumenta la unidad general en la obra. Ahora he incluido los pinceles que estoy usando en esta clase. Para tu comodidad, si ya instalaste los pinceles, verás aquí una pequeña carpeta de pinceles llamada pinceles de clase de composición. Tres de estos se proporcionan de forma gratuita a los usuarios creativos de Cloud. Entonces, si estás usando Photoshop CC, tendrás acceso a estos desde el sitio web de Adobe. La única excepción aquí es el cepillo de grano pesado. Este es de la compañía Retro Supply. Esto es de su juego de pinceles Woodland Wonderland. Ellos gentilmente, déjame incluir esto para ti para esta clase Por favor considere comprar todo el juego de pinceles Woodland Wonderland usando el enlace proporcionado en la página del proyecto en esta clase Entonces ahora te voy a mostrar cómo uso cada pincel para construir mis ilustraciones finales. Entonces comencemos con la belleza del pincel. Queremos asegurarnos de que estamos en el grupo de capas de arte y he creado una capa en la que puedes comenzar que dice crear arte de sello aquí. Empecemos con eso. Quizá antes de ponernos en marcha, voy a rellenar esto solo con un color sólido y luego comenzar a ilustrar mis elementos por encima de eso. Voy a elegir este rosa así. Simplemente rellene eso usando la herramienta de relleno. Como pueden ver, aunque lo rellené con todo un color sólido, todavía puedo ver mi boceto y esas cuadrículas lo suficiente sin que se distraigan con la belleza de pincel seleccionada Quiero establecer esto en un tamaño de alrededor de 100 píxeles. Voy a usar esto como una forma de definir mis formas más grandes en la ilustración aquí, quiero elegir un color diferente. Iré con amarillo. Voy a empezar por crear un contorno alrededor de una de mis formas más grandes. Una vez que haya creado esa forma y la haya cerrado, puedo presionar G en mi teclado para activar una herramienta de relleno de cubo, y solo voy a rellenar esta forma. Ahora bien, si acercas mucho, verás que hay un poco de línea de cabello entre el área que rellenaste y el contorno. Todo lo que tienes que hacer para deshacerte de esto es rellenarlo de nuevo, y esa línea de cabello debería desaparecer. Ahora, cada vez que crees una nueva forma o un nuevo detalle, crea una nueva capa. De esta manera todo se mantiene editable más adelante. Como pueden ver, no hice eso cuando acabo de hacer esta forma. Lo hice bien en el fondo y no quiero que eso suceda. Entonces solo voy a deshacer y hacer eso de la manera correcta. Ahora voy a golpear nueva capa y dibujar esa forma en su propia capa. Solo el contorno primero, y luego rellenarlo una vez. Llénalo dos veces, y luego queda bien. Ahora vamos a crear una nueva capa y crear una de estas botas. Voy a hacer esta bota en este color azul. Cierra el golpe de forma para Phil. Rellénelo una vez. Y para deshacerme de esa línea de pelo, rellenaré una vez más para agregar detalles más pequeños, puedes usar el mismo cepillo solo en un tamaño más pequeño aquí. A lo mejor voy a hacer el tamaño del pincel 50 pixeles para agregar algunos de los detalles sobre la bota aquí. Ahora para crear una calidad de borde consistente en todas las formas y detalles, incluyendo estas líneas blancas que acabo de hacer. Se puede ver que en este momento los bordes están borrosos y aliast en comparación con la forma de la bota Solo para que todos estos sean consistentes, voy a presionar mi teclado para la herramienta de relleno y solo tocarlas una vez para rellenarlas, y automáticamente se vuelve áspera ese borde y es consistente con el resto de la ilustración Cada vez que edito una forma o agrego una nueva para restaurar este borde consistente, siempre me llena con la herramienta de cucharón. Nuevamente, esto quita ese borde borroso de aspecto digital. Otro uso para la belleza del pincel antes de seguir adelante es el lettering. Solo voy a crear una nueva capa aquí por un momento solo para una demostración rápida Y voy a hacer algunas letras, tal vez hacer esto un poco más grande Tengo mi cuadrícula encendida para que pueda hacer mis letras más o menos incluso para obtener un bonito borde en estas letras para que no se vean tan obviamente dibujadas con un pincel. Yo uso mi herramienta de goma de borrar y ordenar esos extremos así. Al igual que otros detalles, puedo usar la herramienta de relleno, tocarla en cada elemento separado allí, y luego tienen este aspecto consistente más áspero que voy por En este estilo particular, puedes repasar y hacer un pequeño ajuste aquí y allá según necesites. Pero si alejas el zoom e incluso bajas un poco el tipo, encontrarás que todo se ve bastante bien. Ese es otro pequeño consejo secreto, si estás haciendo letras tipo o a mano, hazlo más grande de lo que necesitas y luego encogerlo y colócalo donde lo necesites De esa manera las letras solo tendrán un aspecto un poco más refinado que si solo Lo dibujó en el tamaño exacto que lo necesite. Ahora veamos el cepillo de grano pesado. Voy a crear una nueva capa aquí para esta. De veras quiero que esto sea grande. Tal vez 400 o 500 pixeles. Entonces es bonito y grueso. Si es demasiado pequeño, simplemente va a sentirse como un pincel más que una textura. Y realmente uso este pincel de grano pesado como textura, no realmente un pincel. Seleccionemos aquí un color más oscuro de la paleta de clases. Y quiero crear algo de sombreado sobre esta bota. En este sentido, quiero crear un poco de textura de sombreado sobre esta bota En este escenario, quiero que la lámina recorte solo a la bota o al objeto de abajo, y que no salga fuera de los bordes como tengo aquí Para que eso pase, voy a traer esta capa de textura que acabo de hacer, traerla justo encima de la bota. Justo encima de la bota. Y luego en el panel de capas, hago clic derecho. Y debería haber una opción para crear una máscara de recorte. Siempre y cuando esa capa esté directamente encima del objeto que quiero recortarla, voy a conseguir esto. Lo que ves pasando aquí, como puedes ver el detalle blanco, la bota también va por encima del borde. Así que en realidad solo seleccionaré esa capa porque está directamente encima de otra capa que está recortada a ese objeto Si voy a crear máscara de recorte, se unirá en la máscara de recorte. Diversión para ese grupo. Este pesado pincel verde es ideal para sombreado y textura, pero también es bueno para agregar efectos resplandecientes como lo hice con el haz de luz de la cabeza y el halo de la luna en mi ilustración de montaje Ahora sólo voy a dibujar uno de estos calcetines aquí para prepararnos para la demostración de brochas rudas y rotundas En algunos casos en mi proyecto, quería crear una textura más salvaje, algo que fuera diferente del grano pesado. Para ello, utilicé un pincel llamado Rough Route, que casi parece que es una tinta borrosa con algo de madera verde en ella. Te voy a mostrar a lo que me refiero. Así que solo voy a seleccionar mi cepillo rudy rudy áspero y voy a hacer ese tamaño, bastante grande 400 pixeles para comenzar y asegurándome de que estoy trabajando en un color más oscuro Para este ejemplo, voy a crear una nueva capa. Sólo te voy a mostrar cómo se ve este pincel. Es una textura muy borrosa, de aspecto angustiado que crea Para usar este, lo uso más como una textura que un pincel similar a como uso el grano pesado, pero de una manera aún menos controlada. Lo que hago es que sea realmente grande. Como lo hice, hice éste como 450 pixeles. Después hago algunas muestras con las que trabajar. Yo sólo voy a hacer esa muestra ahí en una capa separada. Crearé una muestra más en otro lugar para que la textura que crea sea diferente. Lo hago un poco más ligero, así que no es tan intenso y es más sutil, algo así. Con este, podría incluso borrar un poco los bordes solo para darles un poco más de un borde, un borde limpio. Entonces lo que puedo hacer con estos es simplemente aplicarlos como una máscara de recorte sobre un objeto de abajo Solo traeré la capa con la que estoy trabajando aquí y la aplicaré como una máscara de recorte al calcetín que hice El efecto que voy por aquí es como un calcetín sucio. Realmente no está destinado a implicar sombreado o redondez del calcetín más como si estuviera sucio Yo haré lo mismo con esta textura aquí. Lo voy a aplicar como una máscara de recorte sobre este calcetín. Esto es bastante intenso. Tal vez quiera probar un poco más ligero y jugar un poco con él hasta obtener el efecto que quiero. Pero así fue como estaba usando este pincel en el proyecto de clase. Si quieres ver exactamente cómo uso esto en el proyecto, lo usé en mi ilustración de escena donde tengo ese camino de entrada que está siendo paleado Al copiar y pegar esta textura en ángulos y escalas ligeramente diferentes, pude sugerir la forma en que se ve la nieve en un camino de entrada cuando ha sido raspada con una pala, donde se ven restos de la nieve blanca en el Ahora veamos el borrador en bruto, que es solo uno de los inkors de Kyle Webster que puedes descargar del sitio web de Adobe Acabo de renombrarlo a Rough Eraser. Lo uso como pincel de goma de borrar para obtener un borde más áspero que lo que puedes obtener con uno de los pinceles predeterminados que vienen con Photoshop Esos tienden a verse mucho más digitales, y solo te voy a mostrar a lo que me refiero muy rápido. Photoshop te dará estos pinceles generales como gomas de borrar. Son suaves redondos y duros redondos y simplemente se ven muy limpios y digitales, lo que no me gusta en mi estilo más desordenado aquí Para usar el borrador de referasersan golpeé para activar la herramienta borrador, solo seleccionaré referaser solo seleccionaré referaser Me aseguraré de que ese sea un tamaño razonable, tal vez 20 píxeles, y empezaré a borrar donde sea necesario Digamos que quiero cambiar un poco la bota. Simplemente seleccionaré la capa de arranque ahí y con mi herramienta de borrador activada, solo puedo comenzar a borrar, tal vez limpiando algunos de los bordes ahí o tal vez si quería crear una forma diferente en la parte superior Mi borrador me permite hacer eso porque es un poco más rudo, no es tan limpio e inconsistente Ahora solo un consejo aquí, si borras tu forma aquí, en cualquier parte de la forma, pero quieres recuperar esa calidad de borde consistente. Simplemente puedes ir a la herramienta de relleno y asegurarte de que el color de tu objeto sea el mismo desde tu paleta. Y luego solo toca esa herramienta de relleno y luego se vuelve a traer todo ese borde. Esta técnica que utilizo bien rellenar de nuevo para obtener ese borde es muy específica para usar estos pinceles. Esto puede no aplicarse a todas las situaciones. Puede que no siempre quieras un borde tan áspero como ese en todos los casos. Eso prácticamente envuelve el tutorial de Photoshop. Esto es solo una visión general de mis pinceles y técnicas que estoy usando en esta clase. Estos son todos los pinceles y técnicas que utilizo, y solo los uso de manera muy consistente. Y realmente se puede sacar mucho de un poco de esta manera. Nuevamente, si aún no lo has hecho, asegúrate de guardarlo como un nuevo archivo y nombrarlo apropiadamente cuando hayas terminado. Una vez que hayas completado tu ilustración y estés listo para compartirla en la página de la clase o en las redes sociales, asegúrate de ocultar la capa de cuadrícula así como la capa de bocetos Y luego puedes guardarlo como un Jpeg para compartirlo. 12. Tutorial de maqueta de sello: Parte de la diversión de este proyecto es ver tu sello de una manera más realista. Por esta razón, proporcioné un archivo simulado. Tengo uno para Photoshop y otro para procrear. Funcionan un poco diferentes en cada uno de esos programas, así que tuve que crear dos tipos diferentes de simulacros. Empecemos con la única foto. Puedes descargar el archivo desde la página de proyectos de clase, y luego simplemente puedes abrirlo en Photoshop. Y una vez que lo tengas cargado, vas a ver algo como esto. Ahora para poder utilizar este archivo de maqueta, vas a tener que trabajar en las mismas dimensiones o relación de aspecto que utilicé en la demo de clase Y que proporciono en las plantillas de arte final Para obtener más información al respecto, puedes usar el tutorial de Photoshop en esta clase. Las diferentes partes del archivo simulado son el fondo que rodea el sello, y luego tenemos este borde perforado. Y luego por supuesto, la zona donde colocas tu ilustración, es bastante simple. hay un montón de capas diferentes Aquí hay un montón de capas diferentes que puedes ver en el panel de Lys Pero realmente todo lo que necesitas hacer es ir a esta capa llamada Place Art de aquí. Es un objeto inteligente, lo que significa que puede hacer clic en él y se abrirá un archivo separado aquí. Y aquí es donde quieres colocar tu ilustración existente. Puedes hacerlo simplemente agarrando tu archivo de ilustraciones y arrastrándolo al lienzo así O puedes ir al archivo Place Linked y encontrarlo en tu buscador o sistema de archivos. De esa manera una vez que lo metes ahí, podrías encontrar que está en la orientación equivocada. Todo lo que necesitas hacer es girarlo 90 grados. Voy a hacer eso con sólo mantener el turno. Una vez que lo cargué, ya estaba en modo de rotación. Se puede ver que estos pequeños rincones son unas cuadritas. Y eso solo significa que puedo transformarlo antes de comprometerlo en el archivo. Entonces solo voy a mantener presionado el turno para que pueda rotarlo en estos incrementos pares Y entonces sólo voy a escalarlo hasta que sea exactamente del mismo tamaño que este lienzo de aquí. Ahora para escalarlo desde el centro, estoy manteniendo pulsada la opción y cambio al mismo tiempo dependiendo de tu configuración en Photoshop, posible que tengas o no que tengas que mantener el turno, y una vez que lo tengas en el tamaño exacto correcto, puedes simplemente hacer doble clic en él. Y ahí tienes. Todo lo que tienes que hacer ahora es solo ahorrar. Voy a presionar el comando S para guardar y luego cerrar este archivo. Como pueden ver, mi obra de arte está aquí en la maqueta. Si encuentras tus sellos en la orientación equivocada, no te preocupes por ello. Todo lo que tienes que hacer es ir a la rotación de la imagen y rotar a 90 grados en el sentido de las agujas del reloj o en sentido contrario a las agujas del reloj según sea necesario. Ahí vamos. Ahora, antes de avanzar demasiado, guardemos esto como un nuevo archivo porque no queremos sobrescribir nuestro archivo de maqueta porque queremos mantenerlo en blanco para futuras ilustraciones Sólo voy a guardarlo como figura mock up porque esta es mi ilustración de figura. Y luego voy a darle a Guardar. Ahora bien, si quieres cambiar el color de fondo, todo lo que tienes que hacer es seleccionar esa capa de color de fondo en el panel de capas. Entonces puedes tocar cualquier color en tu panel de muestra si quieres cambiar el color de esa manera A mí me gusta este color azul más oscuro. A pesar de que podría hacerlo un poco más tenue para que el sello pueda salir un poco mejor hacia adelante Y voy a pegarle, bien. Otra forma de cambiar el color es simplemente hacer doble clic en esa capa de color de fondo. Y puedes usar el seleccionador de color para cambiar el color a partir de ahí Sólo voy a volver a guardar el archivo. Y por supuesto si quieres compartir esto en Instagram o en la página de proyectos de clase, vas a necesitar guardarlo como un Jpeg o PNG. Solo asegúrate de guardar As y luego selecciona Jpeg o PNG y guarda tu archivo de maqueta De esa manera, para el simulacro de procrear, simplemente descargue el archivo de la página de proyectos de clase y ábralo en procrear Una vez que lo tengas en procrear, puedes agregar tu propio arte a la capa apropiada Simplemente yendo al panel de capas aquí en procreate, esa capa está abajo en la parte inferior Dice, reemplace esta capa con su arte. En procrear, no hay objetos inteligentes en los que simplemente corta y pega tu obra de arte aquí o colocarla desde un archivo si la has guardado de esa manera Voy a ir a la llavecita aquí y agregarle una foto. Y tengo mi obra de estampilla aquí en mis fotos. Y solo voy a rotar eso mientras está en este modo de transformación con el borde de la marquesina aquí Simplemente gira 45 grados y se centrará perfectamente y lo girará en el simulacro de esa manera. Cuando hayas terminado, puedes simplemente tocar esa flecha en el menú superior derecho allí, y tu maqueta de sello está ahí dentro. Si todo el sello está en la orientación incorrecta, simplemente gira usando sus dos dedos así y debería romperse a un incremento de 90 grados como ese Eso es, ya terminaste. Ahora otra vez, mirando de cerca, puedes ver esa bonita textura de papel que todo sucede automáticamente siempre y que todo sucede automáticamente siempre cuando coloques tu archivo debajo de este grupo de capas de sellos aquí Si prefieres no tener esa textura impresa en papel, en realidad puedes simplemente ocultarla o desactivarla en el panel de capas Por último, si quieres cambiar tu color de fondo, no quiero que sea este gris opaco. Voy a seleccionar la capa de color de fondo y después voy a elegir un color usando el seleccionador de color aquí Tal vez un azul similar al que usé en el tutorial de maqueta de Photoshop. Y luego claro solo voy a tocar este disco en la esquina superior derecha y arrastrarlo hasta que llene toda esa zona de borde de un nuevo color. Y ahí lo tienes. Ahora tenga en cuenta que la obra de arte que coloca aquí tiene que extenderse hasta el borde perfecto del área de arte aquí. La forma en que este archivo funciona y procrea es que básicamente es como un marco o una ventana a través de la que muestra tu archivo de ilustración Solo quiere asegurarse de que su obra de arte encaje exactamente en esa área para que no haya huecos en los bordes. También quieres asegurarte de que no estás sobrerecortando para que las cosas se pierdan en esos bordes Y eso es todo, así es como creas tu mock up en Procreate y Photoshop 13. DEMO: El objeto único: Para los siguientes seis videos, voy a repasar cómo elaboré mis composiciones para cada una de las seis ilustraciones de sellos. Ya hemos repasado todos los pasos del proceso de ilustración, incluyendo los pasos más preliminares de recopilar imágenes de referencia y dibujar en modo. Ahora vamos a echar un vistazo a mis decisiones compositivas, tanto en los bocetos aproximados como en los bocetos refinados Y claro, también en las etapas finales de ilustración. Comenzaremos aquí con el objeto único en la etapa de bocetos aproximados Aquí es donde empiezo a llegar a ideas. Aquí he creado una página de miniaturas en la relación de aspecto en la que planeo hacer mis sellos finales En este caso, se trata de una unidad en una dimensión y 1.5 unidades en. El otro. La mitad de mis miniaturas aquí están en formato vertical y la otra mitad están en formato horizontal Y esto me dará la oportunidad de considerar ambos diseños como una opción para cada ilustración. Le proporcioné la misma plantilla de miniaturas que estoy usando aquí como descarga en la página de proyectos de clase Para el objeto único, la tarea fue bastante sencilla, encajar el piloto de nieve GT en el diseño. Cuando me siento a empezar a idear, mis primeras iteraciones suelen ser solo calentadas Entonces no hay mucha creatividad sucediendo en el primer par de bocetos aquí Pero entonces a medida que me voy, se puede ver que estoy empezando a calcular las proporciones de las partes del trineo Ahí está el asiento, los cielos, el volante y el marco También estoy pensando en los detalles internos, como el patrón de las líneas en el asiento por la segunda fila de mis miniaturas Estoy siendo un poco más creativo, viendo si puedo hacer variaciones en el ángulo en el que lo estoy dibujando o el punto a la vista del objeto en el boceto medio izquierdo. Empecé a pensar también en la colocación de los elementos tipográficos Y esto, por supuesto, incluye el nombre del país y el valor de los sellos. Por lo que encajaban las cosas, tuve la idea de apuntar un cielo frontal a una esquina, lo que hace una composición más dinámica, Hay más movimiento en ella. Y el cielo frontal apunta tu ojo a la esquina superior derecha de una manera interesante. En el siguiente boceto terminado, comencé a jugar agregando algunas insignias o logotipos del corredor de nieve que son divertidos de ilustrar y agregan un poco de nostalgia extra para mí También estoy jugando con mostrar alguna perspectiva. A pesar de que estoy trabajando en un estilo plano, sigue siendo un reto interesante ver hasta dónde puedo empujarlo sugiriendo algo de profundidad de esta manera. Me puedes ver solo probando algunas otras cosas, algunas que no funcionan y otras que sí. El diseño horizontal me hizo pensar más en una vista lateral que en una vista de pájaro desde arriba. También empecé a jugar añadiendo una cuerda de remolque a la pieza para darle más de una historia. Ahora bien, en esta etapa de bocetos toscos, intento simplemente iterar a través ideas de manera más rápida y menos crítica La razón por la que las miniaturas son tan pequeñas es que no quieres pasar demasiado tiempo con ellas. Piensa en la composición general aquí y no te dejes atrapar demasiado en los detalles. También puedes permitirte tener malas ideas que no van absolutamente a ninguna parte aquí. Nada es precioso En esta etapa, nos pondremos más analíticos y críticos. En el siguiente paso de este proyecto, terminé simplemente llenando una página de miniaturas para cada ilustración, y luego pasé a la siguiente Después de que me hicieron todos mis bocetos aproximados para todo el set, volví y los revisé, buscando cerca de tres de mis mejores ideas para tomar en un boceto más refinado En procrear, acabo de agregar un punto rojo a mis selecciones para mis ilustraciones de un solo objeto Me gustan tres de mis bocetos verticales y uno de mis horizontales. Ese fue el último que hay en la parte inferior derecha. Ahora bien, mis decisiones aquí se basaron en tres preguntas o criterios principales. Primero, ¿qué es lo que me gustó de una manera de instinto? Segundo, ¿qué llenó el espacio? Bueno, tercero, ¿qué creo que contó una historia interesante o hecha para una composición interesante o inesperada? Esto es, a un alto nivel lo que busco en todos estos bocetos aproximados Al pasar por estos, me di cuenta de que olvidé incluir un pequeño detalle en el GT, que es este pequeño descanso de pie. Esto es como un pequeño raspador con resorte que empujas hacia abajo con el pie para ralentizarte en las colinas. Para mí, creo que este es un detalle bastante clave para este producto, para este trineo Ahora, una vez que hice mis selecciones, llevé a la etapa refinada. En la etapa refinada, descubrí mi concepto general y ahora es el momento de elaborar los detalles. Aquí, dejé caer mi boceto en un lienzo más grande y procreé donde podría hacer precisamente eso Es en este punto que puedo empezar a pensar con mayor precisión en el diseño, incluyendo tener visible mi cuadrícula armónica de armadura He proporcionado la misma plantilla de boceto refinada que estoy usando aquí como descarga en la página de proyectos de clase. Incluye las dos rejillas, la armadura armónica y la regla de los tercios, así como un área segura que te da un margen uniforme alrededor del borde para que no coloques tus elementos tipográficos u otros detalles demasiado cerca de los bordes para un solo objeto Terminé yendo con la orientación vertical, y me gusta mucho el que tiene el esquí, girado a un solo lado. Fue un equilibrio perfecto entre una composición de cordones muy rectos Y un poco de peculiaridad para mí, el esquí inclinado me hace sonreir un poco y de hecho, si este GT pudiera sonreir, es probablemente También me gustó cómo el esquí realmente te dio la sensación del hecho de que podrías dirigir esta cosa con un volante real Este es un detalle bastante importante para un niño de seis años que intenta dominar el cerro escolar. No estoy tratando de prestar demasiada atención a las proporciones literales del trineo, pero sí quiero asegurarme de que todos los cielos se relacionen en términos de ancho y la forma redonda de los extremos de los También estoy pensando en las proporciones del objeto general en relación con la imagen general. Quiero llenar el espacio de manera uniforme, pero también quiero dejar suficiente espacio para respirar en el espacio que lo rodea. Aquí no medí la relación entre la figura y el suelo, pero el volumen de espacio que ocupa el objeto general, incluidos los espacios dentro de él, es alrededor de dos tercios del espacio disponible. Mi objeto es bastante simétrico por sí solo, así que me parece muy obvio simplemente colocarlo centrado e inclinarse en esto. Así que me estoy asegurando de que los dos esquís laterales sean del mismo tamaño y que el asiento esté uniformemente centrado entre ellos. Por supuesto, también estoy buscando formas de traer la repetición. Y se puede ver que esto sucede en los detalles de los esquís y el asiento También estoy repitiendo los ángulos del marco. Por lo que los ángulos en la parte delantera del marco así como los ángulos en la parte trasera son los mismos. Son paralelos entre sí. Para el esquí delantero, que está en ángulo, estoy alineando a lo largo de una de las líneas diagonales en la rejilla armónica de la armadura Y esto apuntará precisamente al número cinco de la esquina. Entonces claro, como pueden ver, ahora estoy incluyendo los elementos tipográficos, que es mi país, el valor del sello, e incluso un pequeño pie de foto para ese pizazz tipográfico extra que me gusta Ahora me alboroto mucho con los detalles de los frenos de pie aquí Yo sabía que mecánicamente se vinculaban en algún lugar bajo el volante. Pero composicionalmente, esto parecería demasiado complicado y desafiaría el principio de simplicidad, que es uno de nuestros principios accionables Entonces terminé uniendo estos al marco de una manera que técnicamente no es correcta ni correcta, sino de manera compositiva, simplemente se ve más simple y en mi opinión, se ve mejor lugar Me costó sentirme bien. Fue el patrón X donde el cuadro se conecta a los dos esquís laterales cerca del volante Seguía sintiéndose realmente desequilibrado. Para mí, hubo una concentración de detalles en un área, justo en el frente donde el marco conecta con los cielos Ahí nuevamente, esto desafió la ley de la simplicidad y creó una sensación de desequilibrio. Entonces no terminé resolviendo este detalle en particular en esta etapa, pero sabía que podría resolverlo más tarde. En la etapa final del arte, nuevamente, pasé por la etapa refinada para todo el conjunto de ilustraciones. Y una vez que los tenía a todos en su lugar, estaba listo para comenzar las ilustraciones finales. Empecé con éste, el único objeto, y eso es lo que vamos a pasar ahora. Para las ilustraciones finales, trabajé en un archivo de resolución aún mayor, y esto también incluyó las mismas opciones de cuadrícula que la plantilla de boceto refinada. Hablé de esto en detalle en el tutorial de Photoshop, incluyendo cómo colocar el boceto en el archivo y cómo habilitar y deshabilitar las cuadrículas Yo proporcioné la misma plantilla de arte final, que estas cuadrículas como una descarga en la página de proyectos de clase En mi proceso, sí encuentro que la mayoría de los problemas compositivos se resuelven en el boceto refinado en la etapa final, mis decisiones son mucho más en torno a cuestiones de estilo, especialmente color y textura Pero como verás en algunas de mis piezas en esta etapa, como el bodegón, la etapa final puede desafiar algunas de las decisiones que pensé que eran a prueba de balas en los bocetos de esta ilustración Composicionalmente hablando, definitivamente estoy trabajando la relación entre la figura y el suelo Quiero que mi piloto de GT Snow destaque muy bien contra el color brillante que he elegido para el fondo. Mientras que el color de fondo rojo saldrá adelante y ese color oscuro de tonos azules que estoy usando aquí retrocederá Eso es porque los colores fríos como azul retroceden y los colores cálidos como el rojo surgirán hacia adelante El color más oscuro que estoy usando aquí tiene un valor más fuerte, por lo que hay un contraste lo suficientemente fuerte como para establecer esta relación de figura y suelo. También estoy buscando oportunidades para usar el color del papel blanco de manera gráfica también. Al hacer que el tubo blanco, así como el tipo en la parte superior, estoy creando una figura más dinámica y una relación de suelo. Verás mucha repetición en el trabajo en los detalles del esquí y asiento. Una forma en la que estoy haciendo esto es usando el mismo ancho de línea para estos detalles. Ahora he agregado alguna variación a estos elementos haciendo algunos de ellos horizontales y otros verticales. Y por supuesto, hay una ligera variación en la calidad de cada línea repetida. No sólo los corté y pegué todos. Todos están dibujados por separado solo para asegurarse de que haya alguna ligera variación entre ellos. La parte principal de este cuadro es todo un ancho uniforme, y luego solo las partes de conexión más pequeñas cerca del volante tienen un ancho más delgado, pero todas son consistentes entre sí. También repetí los pequeños remaches en el marco a lo largo de los esquís Quería incluir el amarillo en esta pieza, pero estaba luchando por usarlo de una manera que se sintiera equilibrada. El amarillo es un color tan alto que realmente atrae tu atención hacia él. Al final, lo usé como un estallido de color en la placa en el centro del volante, y luego en la cuerda de remolque que sale del costado de la página y luego de regreso a ella desde el borde inferior. Ahora aquí, este es el principio de cierre en el trabajo. Percibes que la cuerda se va de página y continúa a la vista hasta que vuelve a aparecer en el marco en otro lugar. Por supuesto, esta línea amarilla con curvas solo existe en el área superior derecha y luego hay una pequeña línea en el borde inferior y cualquier sensación de que de alguna manera es una línea continua que sale de la página y vuelve a entrar en ella Todo esto está en tu mente en términos de jerarquía. Tenemos un solo objeto, así que no hay mucho que pensar aquí en la ilustración misma. Sin embargo, como disposición tipográfica, el sello sí tiene una relación jerárquica para considerar la de los elementos tipo tanto a la imagen como a la disposición del Quería asegurarme de que las letras para el país en valor fueran idénticas en estilo y tamaño Como verás en el set, he elegido tener siempre al país en el valor de los sellos lo largo del mismo borde y nunca esquina de gatito el uno del otro. Eso significa que nunca puse al país en una esquina y luego el valor del sello en la esquina opuesta directa, si estuvieran en esquinas opuestas así, por la ley de similitud, los asociaría como relacionados, pero mi mente saltaría lado a otro a través de la composición, tratando de reconciliarlos como una cosa Esto metería con el flujo de la ilustración general. Con las leyendas, decidí colocarlas mucho más pequeñas en tamaño Y aquí solo tenía sentido alinearlo al borde izquierdo de las letras de Canadá en la parte superior Usé la Guía de Área Segura en mi casa gorda para asegurarme de que todos estos elementos tipográficos tuvieran un espacio consistente desde los bordes 14. DEMO: Naturaleza muerta: En este video, voy a repasar cómo trabajé la ilustración de Still Life, tal como lo hice con el único objeto. Realicé algunas miniaturas para esta. Para la naturaleza muerta, quiero pensar en cómo serían mis objetos elegidos juntos en el espacio físico. Pero también quiero pensar en qué historia cuentan. La razón por la que elegí las botas Matt como mi vida, fue por cómo se destacan en mi memoria. Solo recuerdo que siempre estuvieron todas estas botas por nuestra puerta principal en una familia de seis. Ahí termina siendo mucho calzado con el que lidiar. Particularmente quise destacar la idea de mis botas lunares estilo Napoleon Dynamite Y si es posible, el hecho de que los forros siempre parecen estar saliendo junto con mi pie cuando me los quité. También quería mostrarlos junto a botas de adulto, lo que daría más contexto y sentido de escala. Se verán más como botas para niños pequeños junto a botas para adultos más grandes. También recuerdo las tapetes de goma marrones que usamos, y cómo la carne sucia de nuestras botas se derretiría y se acumularía en ellas. Exploré formas de usar el tapete como dispositivo unificador. No solo un zapato maat agrupa literalmente todas las botas físicas, sino que también es un gran dispositivo de encuadre en la composición Un reto para mí aquí fue representar objetos en el espacio físico con colocación y dimensionalidad, todo usando mi estilo gráfico más plano de ilustración Normalmente, mi forma de manejar este tipo de narración es representando cada objeto por separado y de una manera más plana Pero como voy a estar haciendo esto en la ilustración de flat lay, tuve que desafiarme a mí mismo para ser un poco más fotográfico en mi planteamiento. En esta pieza, llené mi página de miniaturas, probando composiciones tanto horizontales como verticales, y luego pasé al siguiente paso Al igual que la última vez que pasé por mis ruffs para encontrar mis mejores ideas, nuevamente, pregunté, ¿qué me gustó, justo cuando me sentí lo que llenaba bien el espacio, y qué creo que contó una historia interesante o hecha para una composición interesante o inesperada Elegí mi primera iteración porque me gustó cómo era en formato vertical, lo cual fue inesperado para una alfombrilla para zapatos, que para mí, junto con las botas, me parece más como algo que representarías horizontalmente También me gustó cómo el tapete en sí llenó solo aproximadamente la mitad del marco y luego dejó mucho más espacio de fondo en la parte superior. También me gustó la relativa sencillez de ésta, al menos en el formato sketch. Si va a funcionar en mi paleta de estilos y colores muy restringidos es otra cosa. También me gustan los pocos bocetos horizontales, estos me dieron más oportunidad de incluir otros objetos narrativos incluir otros objetos narrativos como forros que salen de botas o quizás calcetines mojados y Verás en algunas de estas miniaturas que incluí el piso en rejillas de ventilación de firmus Si bien me gustó cómo estos contaban la historia, también sentí que se alejaban demasiado la idea de un bodegón y en realidad eran más como pequeños recortados en escenas porque incluían más contexto de fondo para los bocetos refinados, elegí ir con uno de los A mí me gusta este porque tenía las botas de luna además de algún otro tipo de objetos como calcetines y mitones Y no sólo las botas. Al colocarlo en mi plantilla de boceto refinada de inmediato, supe que necesitaba voltearlo para trabajar en los elementos tipográficos Una restricción que me he puesto es que siempre quiero que la palabra Canadá lea antes del valor del sello. El nombre del país tenía que ir donde estaba la bota más alta en mi boceto aquí, así que simplemente volteé todo el boceto, y eso resolvió mi problema A continuación, decidí mostrar más del fondo reduciendo el tapete, por lo que sólo ocupaba dos tercios del espacio. Coloqué el borde posterior del tapete a lo largo de la línea horizontal superior, usando la regla de la rejilla de tercios. Pasé mucho tiempo tratando de averiguar cómo representar estas botas en tres dimensiones, que como sabemos, no es un traje fuerte de mi estilo flat. También pasé un tiempo aquí preocupándome por qué incluir para las botas ¿Era solo una bota, o una bota más una funda? ¿O dos botas? Y sin forro. ¿Y cuáles serían los detalles de esas botas? Finalmente terminé con las dos botas de luna sentadas altas en la colchoneta del lado derecho. Y luego los mitones y los calcetines cayeron hacia el lado derecho. Me gusta cómo los mitones y los calcetines rompieron el marco de la colchoneta para ayudar a unificar la relación del sujeto contra el área de fondo Al dejar que los calcetines o contenido dentro de ese dispositivo de encuadre de la colchoneta se desangraran en el área de color de fondo, ayudó a unificar la composición general, lugar de mantener las cosas pegadas en sus propios compartimentos separados Ahora por ser indeciso aquí, me di lo que el escritor Barry Schwartz llama la Paradoja de la Elección Al crear algunas posibilidades diferentes en esta etapa, pero ninguna realmente es significativamente diferente en general. Me costaba sentirme satisfecho con lo que sea que terminé eligiendo. Resulta que cuando llegué a la etapa final, abandoné todo el asunto y fui por la primera iteración, la vertical Entonces con esta, seguí platicando sobre, nuevamente, mi mayor reto es cómo representar estas botas superpuestas unas a otras con cierto sentido de dimensionalidad, pero en mi estilo plano y con sólo cuatro colores En retrospectiva, creo que empecé fuerte, pero empecé a pensar demasiado Las cosas se veían bien cuando tenía las botas todas planas sin mostrar la parte superior ni la parte abierta de las botas. Ahora hacia el objetivo de la simplicidad, estaba tratando de averiguar cómo mostrar estas botas de la manera más clara posible Así puedes verlas como botas individuales en lugar de como un grupo de diferentes formas extrañas Probé diferentes estrategias aquí, incluyendo agregar algunas láminas y explorar una forma más tridimensional de representar las botas, y probar todo tipo de detalles diferentes Ahora, la parte más fuerte de esta composición fue el uso de las botas Wellington, que son muy icónicas y sencillas las personas las reconocen y cómo fueron el elemento más dominante. Eso fue algo fuerte de esta ilustración. El tapete amarillo como dispositivo de encuadre también es fuerte y me gustan las proporciones donde ocupa aproximadamente los dos tercios inferiores del espacio total y deja los tres primeros a solo color de fondo Me gustó incorporar la textura entrecruzada de los peldaño mate Esto es un uso de repetición y corté este patrón para dejar que el fondo rosa se vea a través. Esto es un uso de figura y suelo así como cierre, ya que las formas de diamante separadas que aún quedan atrás se mantienen unidas como un solo objeto. Entonces ahora que lo estoy viendo, lo que no funcionaba con las botas más tridimensionales eran las partes blancas en la parte superior. En las partes superiores de las botas, crearon demasiado punto caliente para que el ojo gravite hacia ella, ya que no había otras áreas con ese blanco marcado en la composición De nuevo, aquí me superé súper pensador y seguí remontando lo que creo que antes eran decisiones más fuertes Si bien muchas cosas mejoran con refinamiento y la consideración adicional, a menudo nuestras iteraciones anteriores serán las más simples, y esa es a menudo exactamente la decisión correcta Al final, llegué a algo servible. Volví al estilo más plano de botas con un sentido más fuerte de repetición en las líneas horizontales superiores de cada bota ya que cada una se hace eco de la Pero de una manera única, probé algunas variaciones diferentes del patrón de cuadrícula de diamantes en el Shumap, pero sí volví a la rosa, y me gustó cómo esto creó un fondo menos distractor para las botas y por lo tanto un contraste más fuerte entre la y por lo tanto un contraste más fuerte figura y En este caso, la figura de las botas en el suelo del mate, terminé eligiendo el blanco para los elementos tipográficos Y esto trajo más unidad al hacerse eco de los detalles blancos en las botas que de otra manera se habrían aislado a solo la zona con las botas infantiles Y el calcetín trayendo blanco en otros lugares solo aportó más equilibrio a la composición. Ahora bien, un elemento que quizás no esperes deshacerte de tus composiciones es dónde colocar tu firma. He oído hablar de al menos un artista que decidió no agregar su firma a sus ilustraciones solo por esta razón. Ahora para mí, siempre ha sido importante incluir mi firma, no sólo como una forma de estampar mi identidad en ella, sino también para agregar un poco de interés visual. Además, no voy a mentir, esto está muy inspirado en mi diseñador e ilustrador favorito, Paul Rand, entre muchos otros de su época, que siempre dejarían su firma en la obra final. 15. DEMO: El plano: Ahora vamos a repasar cómo elaboré la composición para la ilustración de flat lay. Solo echando un vistazo a todos mis bocetos aproximados para este, estoy resolviendo dos preguntas principales aquí ¿Qué colección de objetos puedo usar para contar mi historia? Y ¿cuál es la mejor manera de organizarlos todos en el espacio? Por supuesto, mi historia aquí es jugar hockey en mi patio trasero, o más generalmente, la idea de tener una pista de patinaje en nuestro propio patio trasero Cuando hacía bastante frío, mi papá inundaba una parte del patio usando la manguera del jardín, y pronto habría algo de hielo skeetable Un plano plano es una forma de contar una historia de una manera más críptica, como un autobús En lugar de mostrar lo que está sucediendo, puedes mostrar objetos que lo sugieran. Esto es lo que hace historias de objetos como esta. Objetos interesantes en un plano flotan su cuenta con un espacio uniforme a su alrededor. Los objetos pueden ser todos del mismo tamaño o puedes variar la escala. A diferencia de una naturaleza muerta o una escena donde podríamos estar más inclinados a mostrar objetos en una escala más realista. Aquí podemos hacer que los objetos que son pequeños en vida real sean el elemento más grande de la composición. Si queremos, puede tomar algunos intentos para averiguar el arreglo correcto, y eso es lo que estoy haciendo aquí. Terminé eligiendo los 31 rodeados aquí en mis miniaturas. Me gusta el centro por su sencillez. También había una jerarquía dinámica, siendo la red el elemento dominante y todo lo demás rondando en un tamaño mucho menor en su gravedad En esta, me gustó mucho cómo la única pista para que esto fuera una pista al aire libre era el árbol Un segundo cercano fue el boceto superior donde había una composición más pareja con cada objeto ocupando aproximadamente la misma cantidad de espacio. Ahora terminé encontrando el abajo ahí un poco demasiado poquito, lo que significa que no parecía haber ningún objeto único manteniéndolo unido Y creo que entre la pala, los dos palos de hockey y la red que se muestra desde un lado, ningún objeto solo tuvo mucha presencia en la página. Ahora, en mi refinado boceto, decidí ir con el de arriba, ya que tenía una buena mezcla de objetos y contaba bien la historia. La composición era agradable y equilibrada. Y había una variedad de formas diferentes que se entrelazaban muy bien Objetos como la manguera y el palo de hockey crearon un buen flujo que conducía el ojo por la manguera, sobre el árbol y luego de regreso al medio Desde el final del palo de hockey, pasé mucho tiempo trabajando en el detalle de la manguera de jardín cuánto debería enrollarse y cuánto debería ser más recto Terminé con más bobina en la parte inferior y más recta en la parte superior aquí para sugerir cómo podría verse una manguera real cuando se está usando. Ahora, por supuesto, me segundo adiviné por unos minutos y coloqué el palo de hockey donde estaba la manguera En cambio. Después volví a aterrizar en una situación en la que no necesitaba mostrar tanto de la manguera. A lo mejor sólo el final y la boquilla de repuesto sería suficiente. Pero ahí quedaba algún espacio incómodo. Entonces agregué un mango de pala con solo el palo y la pequeña parte de mango de plástico en la parte superior para un poco de pizazz extra También agregué algunos copos de nieve. Repetirlas en algunos de los espacios traería más unidad y eliminaría algunos de esos espacios no resueltos Ahora para cuando llegué al arte final para este, me di cuenta de que quería más de mis sellos en formato horizontal. Hasta el momento las botas y la GT estaban ambas verticales, así que terminé pivotando y fui con el boceto con la red de hockey Por supuesto, refinando eso primero. Antes de llegar a esta etapa para esta, quería agregar solo un elemento más para reforzar el elemento patio trasero. Y eso es lo que ves pasando con la casita en la esquina superior derecha. Soy un gran lechón para las planchas planas. Especialmente cuando consigo agregar pequeños detalles gráficos como el escudo de la NHL en el puck de hockey, la marca en el palo y las letras en el Entonces, en términos de jerarquía, tenemos la red dominando el área de cobertura Me gusta este elemento porque es muy aireado y da mucho juego entre figura y suelo. El marco rojo y la red blanca también son colores altamente contrastantes contra ese fondo azul profundo. En términos de simplicidad, he elegido solo algunos objetos para presentar aquí e hice todo lo posible para representarlos de la manera más simple posible. La casa es muy logo como y para nada como se veía la casa de mi infancia. El árbol también está altamente simplificado. Ahora noté que había un desequilibrio de colores. Tenía mucho blanco a lo largo del tercio derecho, y tenía verde solo ocurriendo en el sombrero y la manguera. Equilibré la distribución del blanco agregando algo de textura arenosa azul al palo de hockey E introduje otra zona de verde colocando un pequeño árbol siempreverde junto a la casa Salpicé un poco más de blanco con algunos copos de nieve, lo que también ayudó a mantener unidos los objetos y rellenar los espacios no Ahora, ¿puedes ver cierre en el trabajo en el palo de hockey? Las rayas azules y la textura gruñida en realidad cortan en la forma del palo de hockey El palo se descompone en segmentos, pero todavía se ve todo el asunto. Así como un objeto continuo para los elementos tipo, sentí que Canadá se sentaría muy bien a lo largo del borde superior. Quería que la línea base de las letras moviera el ojo hacia adentro Así que lo coloqué en el interior de la ilustración en lugar de a lo largo del borde exterior del área de arte. Entonces, ¿por qué no acabo de hacer las líneas de base del nombre del país y el valor del sello iguales Bueno, es porque confundiría la orientación del sello Si tuviera esos en la misma línea de base, entonces me gustaría rotar el sello para que esos estuvieran en posición vertical. Pero entonces cuando hice eso, el resto de la ilustración sería el camino equivocado. Y entonces solo habría esta constante de ida y vuelta en mi mente de que camino es el camino correcto. Al colocar los cinco en posición vertical en la composición final, junto con el pie de foto en el otro lado, obtenemos una fuerte idea de qué camino es el camino correcto. En tanto, el nombre del país puede caber en la composición de la manera que yo quiera. 16. DEMO: la figura: Ahora repasemos mi proceso de pensamiento para la figura. Para mis ruffs, empecé con el obvio, chico haciendo ángeles de nieve en orientación vertical Reiteré a través de diferentes combinaciones de posiciones de extremidades ¿Debo hacer las extremidades todas extendidas o deberían estar más cerradas en el cuerpo En un caso, me puse un poco más fotográfico y mostré a un niño levantándose y tratando de mirar hacia abajo detrás de él para ver al ángel que acaba de hacer. También probé algunas variaciones que me recordaban al Hombre Vitruviano de Da Vinci Aquí estaba pensando en posiblemente mostrar un lapso fino, tratando de mostrar una sensación de movimiento en una sola imagen fija. Cuando llegué a las miniaturas horizontales, inmediatamente tuve que pensar fuera de la caja, aunque estas son cajas literales en las que estoy pensando Estoy tan acostumbrada a pensar un ángel de nieve en posición vertical, ¿qué más podría hacer aquí? Probé una variación con dos figuras posiblemente siendo el mismo chico en dos posiciones diferentes. Como una estaba todas las extremidades fuera, y luego la otra estaba todas las extremidades juntas, cerca del cuerpo en una caja. Me distraje y dibujé un niño bajando una colina en un trineo, lo cual estaba totalmente fuera Y rápidamente renuncié a eso. Probé un par de ideas con huellas que conducen hacia o lejos de la forma de ángel de nieve Y uno de estos solo tenía el ángel de nieve y solo las figuras pie mientras se alejaban. Y finalmente, traté de llenar todo el espacio horizontal con el niño ángel de nieve, pero de una manera menos esperada, más escorzada Terminé encontrando algunas de estas como interesantes posibilidades para un mayor refinamiento. Me gustó mucho cómo el de arriba a la izquierda mostraba un contraste en movimiento. Teníamos la forma de ángel de nieve esparcida por todo el camino, algo así como hacia arriba y hacia afuera. Y luego las figuras, brazos y piernas estaban abajo y se cerraban juntas. Esto creó una fuerte sensación de movimiento. El boceto es muy dinámico, aunque esté centrado y muy singular. También me atrajeron mucho los conceptos vitruvianos que esbocé, pero solo una curiosidad nocional sobre la pieza horizontal Entonces le puse un pequeño signo de interrogación. Este fue un caso en el que los bocetos brutos fueron fáciles y divertidos de idear, pero la ejecución final iba a ser mucho más difícil Terminé tratando de desarrollar la pieza con movimiento contrastante de la forma de ángel y las extremidades de la figura. El truco para mí iba a estar en cómo mostré la nieve y diferenciar entre la nieve intacta y la zona deprimida del ángel de nieve Esto es algo que no podría entender solo con un lápiz. Tendría que resolverlo más en el estilo final. Al ver lo que podía hacer con mis pinceles, también me estaba dando cuenta de que las proporciones de mi formato alto no eran exactamente las adecuadas para esta figura. A menos que realmente distorsionara mucho las proporciones. Terminó habiendo mucho espacio negativo por encima y por debajo de la figura en el diseño, lo que pensé que era demasiado. En un sentido, hizo empequeñecer la figura, que juega en la experiencia de ser un niño pequeño en la grandeza del mundo nevado exterior Pero también me sentí como algo que podría haber hecho al tomar una fotografía, podría haber tomado una foto de este tipo de composición. Pensé que debería poder hacer más como ilustrador pensando fuera de este enfoque más literal. Dicho esto, solo traté de ser decisivo y terminé aquí y pensé que aún podría ser encantador. Una vez ilustrado en mi estilo final. Ahora al igual que en el plano, cambié de opinión mientras me dirigía a la final para la figura, decidí que quería probar otro diseño horizontal, y pensé que debería dar ese concepto lado a lado. Lo intento, construí ese boceto de una manera más refinada y luego dirigí a la final con más confianza. Me gusta cómo este concepto es más único por la idea de una figura de ángel de nieve. Me gusta cómo resuelve creativamente el tema de cómo llenar más el área de sellos Las proporciones de la amplia área de arte de orientación son perfectas para dos ángeles de nieve, mientras que un solo ángel de nieve no encajaba bien en ninguna de las dos situaciones, ya sea la horizontal o la vertical muy bien. Esto muestra tanto las cifras al mismo nivel de jerarquía. La historia es ambas figuras juntas. Me gusta mucho la simplicidad de las formas de los ángeles de la nieve blanca y decidí que los alrededores no necesitaban ser blancos, como la nieve literal. Las formas de ángel blanco, cuando se combinan con el equipo de invierno que llevan las figuras y también se combinan con sus gestos, esto bastaría para sugerir ángeles de nieve sin ser tan realistas o literales al respecto. En ambas figuras, tenemos repetición y variación. Ambos son niños, ambos están sobre sus formas de ángel de nieve y ambos están en ropa de invierno. Pero cada uno también es único como se predijo. Pasé mucho tiempo tratando de averiguar cómo crear un efecto de nieve aquí con las formas de los ángeles y cómo agregaría un poco de textura aquí para que realmente se sintiera como nieve. Probé todo tipo de pinceles diferentes, incluso algunos afuera. El conjunto limitado que elegí usar para este proyecto, lo que buscaba era una textura que sugiriera el movimiento de una manera dinámica, sorprendente, pero que además se sintiera estilísticamente alineada con el resto de mi Ninguna solución que pudiera encontrar aquí realmente hizo esto por mí. Entonces giré En lugar de tratar de representar el movimiento, solo usaría el pesado pincel verde para sugerir sombreado dentro del ángel En cambio, estoy seguro de que con más inquietud, podría haber descubierto una solución elegante para el movimiento Pero por ahora, solo tenía que seguir moviéndome y mi solución final terminó luciendo bastante bien. Ahora donde se trata de cifras, un detalle del que seguramente te vas a colgar está en las caras. ¿Cómo se muestra una cara que coincide con el estilo del resto de la figura? ¿Cómo muestras una cara que no le quita toda la atención a todo lo demás y te hace mirar a los ojos y notar esa cara demasiado versus como todo lo demás en la ilustración Pensando jerárquicamente, los rostros en estas figuras es muy secundario a los gestos generales y a los ángeles Los rostros son importantes de incluir para un poco de personalidad, por lo que no parecen demasiado anónimos ni serios, pero no son la característica principal. Entonces aquí elegí ir por ojos cerrados estilo smiley y detalles muy mínimos en nariz y boca Lo descubrí rápidamente con el chico dentro de perfil, pude mostrar un poco de alegría en la cara con marcas mínimas. Y creo que la nariz rosada es un toque agradable para esta pequeña historia gráfica Después de mucho alboroto con el espacio de chicas que al principio iba a estar mirando hacia arriba. Pregunté por qué reinventar la rueda. Yo solo le puse la cabeza de perfil también y lo llamé un día. Ahora tengo una pregunta para ti. Piense en la agrupación y la proximidad. La forma en que tengo estas dos figuras tocándose entre sí y algo superpuestas. ¿Cómo crees que se habría visto la pieza si las separara por completo para que las puntas de las alas de los ángeles no se tocaran Con esta ilustración tienen el mismo sentido de unidad. ¿Sería diferente la historia? ¿De qué manera? Puedes decirnos qué opinas en la página de discusión de la clase. 17. DEMO: La escena: Ahora veamos la ilustración de la escena. A medida que nos adentramos en las ilustraciones de escena y montaje, nos encontramos con problemas compositivos más complejos Por supuesto, para comenzar en mis rugas, solo estoy tratando de averiguar cuál es mi escena general Ya pasé algún tiempo en la lluvia de ideas inicial pensando en la historia que quiero contar Aterricé en el recuerdo de palear el camino de entrada. Había algunos elementos clave que quería incluir aquí, la casa en la que crecí y la camioneta familiar, que era una Plymouth Reliant azul Y claro, pensé que debería mostrarle a alguien paleando el Pasé un tiempo buscando imágenes para dibujar mientras hacía los viejos bocetos de foso, y luego hice todo lo posible para construir una escena a partir de lo que pude recordar cuando llegué a hacer estos roughs Definitivamente fue interesante pensar tanto en formatos altos como anchos, el enfoque obvio sería hacer una vista del paisaje, mostrando el patio de la casa y camino de entrada visto desde la carretera, pero iterando a través de algunos de mis formatos altos Encontré algunas formas interesantes de mostrar esta escena de formas menos esperadas. El formato largo parecía un lugar natural para mostrar el largo camino de entrada centrándose solo en esa porción de nuestra propiedad en lugar de todo Elegir qué parte de una escena incluir siempre es parte de esta etapa y no estamos pensando en los detalles, sino en lo que es suficiente de la escena general necesaria para contar nuestra historia. Cuando llené mi página de miniaturas para esto, 13 ideas me destacaron Había uno en formato alto con el árbol al frente como objeto dominante, lo que me permitiría enmarcar y señalar otros momentos más pequeños de la escena de una manera interesante. Y luego estaban dos en formato ancho, uno con mi casa al fondo y conmigo sentada en la orilla de nieve que dejó el arado Y este soy yo al final de nuestro camino de entrada justo ahí en primer plano Y otra fue más de una escena clásica con más actividad sucediendo en la propiedad con dos figuras paleando y luego yo haciendo un ángel de nieve en el césped delantero debajo del árbol con mi palita ahí a mi lado Me gustó cómo esto realmente creó una pequeña referencia, o volver a llamar a la ilustración del ángel de nieve. También consideré mostrar dos calzadas vecinas con un árbol en el medio y luego una figura en una calzada considerando ayudar al Pero en general, era demasiado concepto para una escena tan pequeña, así que no fui con eso. Ahora, de todos los bocetos refinados, pasé más tiempo refinando mi escena Y eso es bastante natural dado que aquí solo hay más detalles. Al final, me intrigó el boceto de formato más alto con el árbol dominante al frente, así que comencé a refinar ese Primero, se me cayó eso en mi plantilla de boceto refinada y dibujé primero en la forma de árbol. Entonces comencé a agregar la figura, paleando el camino de entrada para tener una idea de cómo trataría la escala del árbol versus la figura, existía la posibilidad de que la figura se viera súper minúscula de una manera Al igual que simplemente se vería muy desproporcionado y no de una manera que pareciera intencional Cuando empecé a dibujar la casa con más detalle, sentí que me volvía demasiado literal sobre lo que estaba dibujando, o como ahora lo conocemos, estaba compitiendo demasiado con mi cámara. Pasé mucho tiempo simplemente dibujando y redibujando la escena, el árbol, la figura, la casa, el camino de entrada, hasta que algo se sintió bien Estoy usando la Rueda de tercios para colocar el eje principal del tronco del árbol, colocándolo a lo largo de la línea vertical derecha. Estoy usando la armadura armónica para colocar la figura en una de las principales intersecciones de todos estos Abajo en la zona inferior izquierda. Estoy enmarcando la figura en lo que es la zona de palas, entrada, donde También estoy pensando en cómo las ramas del árbol apuntan de nuevo a la figura y la figura mira hacia atrás en escena para crear un flujo visual circular. A pesar de que todavía estamos solo en el boceto aquí, también estoy empezando a pensar en cómo agregar nieve blanca en el árbol oscuro y jugar con el suelo de la figura y el cierre. Porque esta pieza probablemente iba a ser mayormente blanca para dar la sensación de nieve recién caída. Sabía que habría algunas oportunidades para jugar con áreas claras y oscuras de esta manera. A medida que avanzaba, agregué algo de perspectiva haciendo que la apertura del garaje sea más pequeña y guiando el lado izquierdo de la entrada hacia ella Se puede ver cómo estaba usando la rejilla armónica de la armadura como guía para este nuevo borde del camino de entrada Pero debido a que hice este cambio, pronto tuve que agregar también en la casa del vecino de ese lado. En algunas piezas, en este conjunto de ilustraciones, opté por una representación más universal y menos específica de los objetos Por ejemplo, la casa en el piso estaba muy simbólica y nada específica de mi propia experiencia. Pero el estilo house en esta ilustración, o al menos el boceto, está muy cerca de cómo se veía la casa de mi infancia. Entonces solo imagino que esto debe darte ver esto, un sentimiento más oscuro Ya que no todas las casas se ven exactamente así. Es muy específico para mi experiencia personal. Por lo que trae muchos sentimientos que no siempre salen en mi trabajo. No siempre espero encontrar o traer sentimientos tan nostálgicos a mi obra comercial, por ejemplo Entonces en este punto, tengo la mayoría de los detalles trabajados en el boceto. Repaso una vez más para ver cómo puedo simplificar y abstraer aún más la escena y hacer que funcione en mi estilo más plano Todo lo demás que sé puedo trabajar en la ilustración final. Ahora debería decir, si bien hice una versión refinada de uno de mis conceptos de formato amplio, final terminé yendo con este. En general. Pasé más de una hora en mis refinamientos de bocetos de escena para mi ilustración final de escena Se puede ver que mi boceto es en realidad un poco diferente. Terminé redibujándolo así que la cifra era más grande al final del camino de entrada Para mí, esto se sintió como una escala más creíble dada su posición entre el árbol en primer plano y la casa en el fondo Para ser honesto, creo que la escala del boceto anterior fue más interesante e hizo una imagen más dinámica. En esta, encuentro que la escena se volvió de alguna manera más plana, posiblemente porque el árbol parece mucho más pequeño ahora también Mientras que mi jerarquía original era más pronunciada en esta, es difícil decir completamente cuál es el elemento más dominante en la imagen. Dicho esto, creo que tenemos una ilustración de escena útil y terminé reduciendo poco el tamaño de la figura, y luego una vez que dibujé ese árbol en su forma final más oscura, recuperó su indiscutible dominio Tenía mis razones para disminuir su presencia general en la parte inferior de ahí, y eso fue para poder encajar los elementos tipográficos que terminaron por tener que bajar ahí por todas las cosas que sucedieron a lo largo de los otros tres bordes Ahora durante la etapa final de ilustración, tuve la idea de llevar una figura en la ventana de la casa mirando hacia la figura de pala. Ella está adentro con una buena taza de café caliente mientras el hombre de afuera trabaja lejos en el frío Esto crea un contraste conceptual entre el interior y el exterior, el trabajo y la relajación. Aquí hay un poco de similitud en juego, con el rojo de su jersey haciéndose eco del rojo de la pala y la chaqueta a cuadros de la figura exterior Este es el uso de similitud o repetición en términos de encuadre Tanto la ventana como las ramas del árbol enmarcan a la mujer en la ventana. Y ahí crean ese pequeño momento. La camioneta azul que acaba de salir del garaje oscuro y se coloca en el centro vertical de la imagen crea un sentido de propósito para la figura de pala Necesita conducir a algún lado, pero no puede hasta que se despeje el camino de entrada a donde realmente va, no lo sabemos Y eso es parte del misterio de la historia. El auto también se enmarca en las ramas del árbol así como la apertura de la cochera. Como describí mi proceso de pensamiento aquí, se puede ver que la escena presenta ciertas complejidades en las que no tuve que pensar en mayoría de las otras ilustraciones Particularmente esta relación de los diversos objetos en un espacio imaginado. ¿Cómo estoy representando esta escena de una manera gráfica que es única para la ilustración, en lugar de un enfoque fotográfico más directo? Al mismo tiempo, me pregunto ¿cómo funciona esto como un pequeño sello? Al final, decidí cambiar la figura por completo, solo yendo con otra variación que tenía en uno de mis bocetos Este tenía un gesto en proporciones que me sentaba mejor. Y porque vamos a notar la cifra casi antes de que notemos cualquier otra cosa, aunque sea realmente pequeña en la composición, realmente creo que necesitaba poco de atención extra a los detalles. Ahora para un giro de la trama, como escribí este mismo análisis que estoy diciendo en este momento, aproximadamente una semana más o menos después de hacer estas ilustraciones, todavía había algo que me molestaba y necesitaba arreglarlo Estaba ocurriendo este atasco visual donde los elementos tipo en el fondo del árbol llevaban todos los ojos a la esquina inferior derecha sin ningún otro lugar. Para poner el tipo, tuve que tomar algunas medidas extremas. Quité la mayoría de las cosas al fondo, agrandé la figura, y cubrí el tercio inferior de la imagen en blanco o en nieve. La historia aquí ahora es más simple, y creo que es aún más divertida. De alguna manera al eliminar más de la mitad de los detalles, terminé con una declaración mucho más poderosa que creo que funcionaría mucho mejor como sello. Por lo que aquí se puede ver la regla de los tercios en funcionamiento con un tercio inferior completamente blanco aparte de los elementos rotuladores Y los dos tercios superiores son mucho más oscuros, y ahí es donde están todos los detalles también. Ahora me mantuve fiel a mi idea original al usar ese árbol como mi dispositivo principal de enmarcado y flujo Entonces el árbol está algo al frente y al centro, pero simplemente no tanto como lo fue originalmente. 18. DEMO: El montaje: Bien, ahora estamos en la ilustración final, el montaje para ésta Mi concepto era invierno suburbano. Esto es una parte muy importante de mis recuerdos de ser un niño en la época de invierno. La idea del invierno suburbano es muy abierta a la interpretación. No es concreto como botas en un hockey Mad o patio trasero aquí, solo estoy tratando de armar varios símbolos u objetos que juntos sugieren mi idea. Como experiencia, en mi lluvia de ideas, escribí cosas como de noche, vacío, farolas, aburridas y silenciosas En mis fotos de referencia y dibujos omo para esta, nada realmente me inspiró demasiado, si soy honesto. Pero sabía que después de haber pasado todo el conjunto de ilustraciones antes de esta, tendría mucho contenido para dibujar para por todo el conjunto de ilustraciones antes de esta, tendría mucho contenido para dibujar para cuando llegara a él como montaje, como parte de un conjunto, una opción es simplemente usar varios elementos de las otras ilustraciones y colgarlas juntas Entonces esta fue una dirección que tomé en mis bocetos brutos. Tengo varios racimos de elementos, casi como una ilustración plana , pero en lugar de que todos floten por separado, se superponen de alguna manera u otra. Otra dirección que tomé fue crear una escena abstracta al tener un patrón de franjas horizontales para carreteras, y luego repetir varios motivos de casas para crear otro tipo de patrón sobre la parte superior. De mis iteraciones, elegí una variación de escena abstracta y dos montajes más extensos con descontextualizados Al final, fui con el montaje basado en escena vertical. Me gustó porque tenía la historia más fuerte, ya que claramente era un pueblo de algún tipo en invierno por la noche, y tenía una gran luna central para ayudar a mantener todas las cosas juntas. La luna era un bonito dispositivo unificador. Como de costumbre, llevé mi boceto aproximado a la plantilla de boceto refinada, y con mi cuadrícula y boceto visibles, pasé a mis refinamientos Para comenzar, dibujé mi objeto dominante, la luna, y luego dibujé mi árbol más grande. A partir de ahí, me enfoqué en hacer más claro mi patrón de casas abstractas Decidir qué detalles incluiría en cada uno, en términos de ventanas, puertas y chimeneas Quería repetir proporciones, números y tamaños de todas estas cosas tanto como fuera posible. Los detalles más pequeños que no pude trabajar en bruto comenzaron a tener más importancia, incluidos los árboles y las luces de la calle entre las casas, el auto y la pista de patinaje También necesitaba dibujar en el fondo de los árboles o edificios de la ciudad a lo lejos. Los árboles y las luces agregaron aún más repetición y patrón a la composición. Y en la final, las farolas harían eco de la luna, trayendo momentos más pequeños de blanco o luz a la mitad inferior de la composición. Experimenté dividiendo la escena en dos mitades. La luna y el árbol arriba y el barrio abajo. Yo me iba alejando de la regla de los tercios aquí y siendo más 50, 50 con las proporciones de la página. Como elemento narrativo, el automóvil agrega la única sugerencia de presencia humana y da una sensación de movimiento en la imagen, que por lo demás es muy quieta y somnolienta La pista de hielo vacía me permitiría agregar solo un pequeño toque de rojo en el marco de la red Y también le daría a la imagen una sensación tranquila, solitaria por la falta de niños patinando sobre ella. Por última vez, coloqué mi boceto en una plantilla de arte final y me puse en marcha con la ilustración final. Empecé con el árbol y luego me mudé a las casas. Quería tener variedad dentro de la repetición. Entonces, aunque corté y pegué muchos de los elementos, también dibujé muchos elementos repetitivos por separado a mano Cuando se trataba de los elementos blancos, como los tejados, tuve que rellenar el fondo para poder verlas. Entonces empecé con este color azul real, pero al final voy a algo aún más oscuro. Para las casas simples, que son una especie de tres D, porque muestran tres lados, porque muestran tres lados, pero de manera plana, estoy tratando de usar una lógica consistente aquí. Cada aspecto similar de la casa o cada cara o lado obtiene el mismo color. Para todo techo, los Aspectos que miran hacia arriba hacia la luna van a ser blancos. El único techo que mira a otro lado obtiene el color oscuro. Lo mismo con los frentes y lados. Traté de aplicar una lógica consistente aquí. Simplemente sucede que los techos que dan a la luna parecen estar reflejando la luz o pueden estar cubiertos de nieve. Ambas interpretaciones funcionan. Lo mismo con las ventanas y las puertas. Yo solo repito la misma lógica de color en toda la agrupación de casas. Todas las casas tienen direccionalidad en ellas. Todos apuntan hacia el cielo. Así lo hacen las pequeñas ventanas buhardillas triangulares en los tejados Esto crea unidad entre las casas en el suelo abajo y la luna y el cielo arriba. Las ventanas circulares en las casas proporcionan un poco de respiro de las formas angulares y cuadrangulares y también hacen eco de la forma de la luna, creando así aún más unidad a través de la repetición formas angulares y cuadrangulares y también hacen eco de la forma de la luna, creando así aún más unidad Las chimeneas también parecen llegar al cielo, y el humo que dibujaré saliendo de ellas más tarde potenciará aún más este efecto Cuando agregué la luna, tuve cuidado de hacerla simétrica y tan perfecta como círculo como pude dibujar con mi mano libre. Usé la herramienta Simetría en Photoshop solo para asistirme de esta manera. Entonces usé mi cepillo verde pesado para agregar el brillo alrededor de la luna, lo que realmente se suma al estado de ánimo. Jugué con algunos tamaños diferentes para obtener la cantidad correcta de chunkiness No quiero que sea demasiado grueso y no quiero que esté muy bien. Ahora por la parte satisfactoria, una vez hice el fondo del mismo color oscuro que el árbol y partes de las casas, de pronto entró en juego la magia de la figura y el recinto de tierra. En tanto, todavía necesitaba ver el boceto sobre el que estaba ilustrando. Así que desaparecí esa capa de fondo hasta aproximadamente el 50% temporalmente Ayudar a los elementos tipográficos a reventar. El diseño de sello de otra manera tenaz, los puse en amarillo, aunque se hubiera visto igual de bien en blanco si quisiera seguir con una paleta de cuatro colores más estricta aquí Al terminar esta pieza, tuve que averiguar cómo colocar las luces de la calle y los árboles sobre el resto de la composición para que hubiera suficiente separación entre la figura y el suelo en este sentido Siempre, es un acto de equilibrio entre claridad y simplicidad. Cuál es la forma más sencilla de conseguir que las luces se muestren sobre otras zonas de color blanco, como los frentes de algunas de las casas. Echando un último vistazo a la composición antes de terminar, me di cuenta de que el humo en parte superior de la chimenea estaba conectado a la luna. Necesitaba emplumarlo un poco para crear una separación. El humo era demasiado pesado, así que lo reduje solo a una sutil brizna, lo suficiente para atrapar la luz de la luna hacia el final Me di cuenta de que las casas llevaban la vista hacia la esquina inferior derecha. Esto no es bueno, así que trabajé un poco para mover los árboles alrededor y ayudar a que el ojo vuelva a la imagen lo mejor que pude. 19. Unamos todo: Ya terminamos, nuestras ilustraciones. Solo tengo este paso extra que me gustaría guiarte, que es donde miro todos los sellos como un conjunto. Y eso solo me da la oportunidad de ver si se relacionan bien, estilísticamente hablando Y nos da la oportunidad de hacer cualquier cambio. Si queremos hacer eso, voy a juntarlos todos en una sola imagen y un solo archivo de Photoshop. Y organizarlos amablemente para que pueda compartirlos como set en la página de Proyectos y por supuesto en Instagram, tengo Adobe Bridge Open. Este es un navegador visual de archivos que viene con Adobe Creative Cloud. Y es simplemente un lugar agradable para ver todas mis ilustraciones finales. En un solo lugar, voy a simplemente acercarme a todos estos, bien, lo más grandes que puedan llegar, así solo puedo verlos todos bonitos y grandes. Siempre que estés trabajando en un conjunto de ilustraciones, es bueno hacer esto donde las veas a todas como un conjunto solo para asegurarte que sean estilísticamente consistentes y que no haya nada destaque demasiado en una u otra que lo haga sentir fuera de Ahora bien, fíjate, este juego de sellos es variado a propósito porque tenemos un enfoque muy diferente de la composición. En cada uno tendremos un poco de inconsistencia en ese sentido, pero estilísticamente, quieres asegurarte de que todo Y estás usando el mismo enfoque ilustrativo en cada uno. Para empezar, en la medida de lo posible, estamos usando fondos sólidos en todos ellos. La excepción es la escena porque una escena tiene apenas una situación de primer plano y fondo más compleja pasando Y como viste en mi proceso, yo tenía un trasfondo aún más complejo que donde terminé con este de aquí. Una cosa que intenté hacer es asegurarme de que el fondo de cada sello también tuviera su propio color único, Solo para mejorar aún más la individualidad de cada sello, si eso tiene sentido Otra cosa que quería hacer es asegurarme de que solo estoy usando tres o cuatro colores como máximo por sello para que no se pongan demasiado ocupados. Y creo que sobre todo me apegé a eso. Creo que esta con las botas, sí agregué un color extra. Tenemos el azul oscuro, el amarillo, el rosa, el verde y el rojo. Eso son cinco colores. Creo que en todo lo demás, me apegé más o menos a cuatro colores, máximo. Ahora bien, una cosa que noté en la fuente es que la C es un poco más pequeña, proporcional a las otras letras. Y eso es sólo porque es una fuente mala. Lo hice con mis letras de mano, y si estuviera siendo súper exigente, entraría y arreglaría Lo que me gustaría hacer ahora es meter cada uno de estos en un simulacro de sello. Y luego trae todos esos sellos burlados en un solo lugar para que pueda compartirlos todos como un conjunto Entonces tengo el archivo de maqueta de sellos que vino la clase. Puedes descargarla desde la página de proyectos. Y tengo todo un tutorial en esta clase sobre cómo hacer esto. Ahora lo único que no pasé en el tutorial de mock up fue este paso extra aquí que tenemos que hacer, y verás por qué en un momento. En realidad quiero desactivar el color de fondo para que no haya fondo en absoluto. Y entonces solo quiero quitarme el efecto de sombra paralela que tuve entrando ahí. Ahora voy a decir esto como maqueta de estampilla, bodegón. Voy a traer esto con todos los demás archivos de sellos burlados como un conjunto He creado un nuevo archivo en Photoshop. Es de 3,000 por 3,000 píxeles, y este es un formato cuadrado porque pretendo compartirlo en Instagram. He seguido adelante y he colocado todos los archivos simulados de sellos aquí, excepto el bodegón. Yo sólo voy a ir a hacer eso ahora. Ahora bien, una de las cosas buenas del simulacro de sello que hice aquí es que están perfectamente proporcionadas para que puedas alinearlos. Voy a asegurarme de que el chasquido esté encendido en Photoshot. Te voy a mostrar a lo que me refiero. Si los mueves juntos, se unen magnéticamente. Por eso encendí snap on. Esta es solo una forma de mostrar tus sellos ilustrados es mostrándolos todos unidos así Ahora la forma en que mis sellos particulares funcionaron, no hay manera de obtener una cuadrícula perfecta de todos mis sellos. Necesito diseñar aquí solo un sello más para hacer un bonito conjunto rectangular. Entonces lo que voy a hacer en cambio es simplemente arreglarlos de una manera más suelta y así es como lo haré. Voy a apagar el chasquido, sólo voy a usar mi ojo aquí para arreglarlos amablemente. Ahora bien, esto podría tomar un poco de alboroto para hacerlo bien. Podemos usar algunos de los principios de composición aquí, incluso solo para ver si este arreglo aquí se ve bien. Todo el mundo va a tener un poco de un sentido diferente de cómo se ve bien aquí. Lo que quiero es algo donde estén separados, incluso ellos no se sientan demasiado rígidos, no quiero que estos se alineen demasiado en una cuadrícula. No quiero que se junten, nada de eso. Creo que estos se ven bien si están dispuestos un poco más sueltos así. Y solo estoy buscando un espacio parejo entre aquí para que el ojo fluya alrededor. Estoy dejando más espacio alrededor los bordes que dentro del conjunto, y eso asegura que aparezcan muy bien como grupo. Esto es agrupación. No quiero que estos dos sellos verticales se alineen demasiado, porque si hacen eso, entonces empiezas a ver estos como más relacionados que estos. Esta también es una buena oportunidad para ver qué colores destacan más. Por lo que este rojo destaca bastante. Y tal vez pueda equilibrar un poco el set moviéndolo a otro lado, o tal vez incluso poniéndolo en el medio, ya que tu ojo va a él de inmediato. En fin, me queda bastante bien. Ahora tengo todo sobre un fondo azul oscuro que sí se ve bien. Tal vez sólo quiera cambiarlo por otra cosa. Probemos el amarillo. Creo que eso se ve muy alegre. Me hace feliz porque es exactamente el mismo amarillo que he usado en el set, realmente coordina bien. Ahora la razón por la que quería desactivar la sombra paralela en el archivo de maqueta sí es que quiero aplicar una sombra paralela consistente a todos estos como un conjunto He agrupado todos mis simulacros de sellos en un grupo de capas y luego puedo aplicar un efecto de sombra paralela a todo ese grupo. Quiero que sea un efecto de sombra un poco más plano Voy a hacer una distancia de alrededor de diez y tal vez una talla de cinco. Entonces para el fondo, voy a ver lo que parece tener solo más de esa textura de papel que también está pasando en los sellos. Creo que ayudará a hacer una imagen más agradable, más unificada para compartir Así es como voy a hacer eso. Voy a seleccionar el color de fondo, ese es el fondo amarillo ahí. Y quiero crear una máscara de capa ahí. Entonces con la máscara de capa cuadrada o miniatura aquí seleccionada, voy a golpear el comando Y que efectivamente enmascara todo el fondo que ninguno de ellos está mostrando a través Y vamos a usar este cepillo de compañía Retrosupply para traer esa textura de papel Estoy usando el cepillo Hago wet 100% que viene en el juego de pinceles hizo graph de la compañía de retrosupply Voy a seleccionar ese pincel en mi panel de pinceles. Necesito asegurarme de que el modo de fusión de este pincel esté ajustado a la normalidad. De lo contrario no va a funcionar. Es bastante pequeño para llenar todo este espacio. Sólo voy a arrancar así de grande. Eso es un poco grande. Sólo voy a empezar a pintar en esa textura usando mi stylus y teniendo cuidado de no levantar el lápiz ya que estoy haciendo esto. De lo contrario doblaré la textura. Te voy a mostrar a lo que me refiero. Empieza a doblarse, realmente no se nota porque es un color tan claro de todos modos. Pero no quieres que eso suceda yo, sin levantar mi pincel de pintura en toda esa textura. Y creo que se ve bastante bien. Mostramos esta textura comparada con ninguna textura. Ninguna textura es muy plana. Eso funciona, pero esto me gusta un poco más. Ahora bien, una cosa que me gustaría hacer es simplemente hacer que esa textura sea un poco más pronunciada con esa máscara de Blair que creamos para ese color de fondo Sólo tienes eso seleccionado. Y voy a golpear al comando L. Esto trae a colación la herramienta de ajuste de niveles. Al traer estos deslizadores hacia el medio, obtenemos un efecto mucho más pronunciado No quieres que sea demasiado loco y que distraiga de los propios sellos, pero quiero que haya una textura visible ahí dentro y solo que sea un poco más intenso de un color Creo que eso funciona. Es lo suficientemente sutil como para que apenas te des cuenta, pero ahí con la textura y la hay sin ella solo le da una sutil textura de papel Ahora aquí puedes hacer cualquier ajuste final que necesites hacer. Sólo voy a guardar esto como simulacro de montaje de sellos. Lo guardaré como una clavija y lo compartiré la carpeta de proyectos de clase y por supuesto en Instagram. 20. Conclusión y próximos pasos: Muy bien, eso es todo, lo hiciste. Gracias por tomar composición para ilustradores. Al tomar esta clase y hacer el proyecto, aprendiste qué es la composición y cómo funciona específicamente en un estilo gráfico plano. Aprendiste sobre los principios aspiracionales, que no son exactamente fáciles de visualizar, pero son ideales importantes a los que apuntar en tu Aprendiste sobre diez principios accionables que son fáciles de ver y comenzar a usar de inmediato. Aprendiste sobre los principios estructurales, incluyendo la regla de los tercios y las armaduras armónicas, y por supuesto, las composiciones autoestructuradas Y finalmente, justo antes de entrar en el proyecto final, aprendiste seis tipos de composiciones que te dan diferentes formas de contar historias y organizar ideas en la página. Y por supuesto, ponemos en acción todos estos principios utilizando los seis tipos de composición para contar nuestras propias historias en nuestros seis sellos ilustrados. Sé que esta fue una clase desafiante, pero estoy orgullosa de ti por superarla. Necesito decirte que esta clase me tomó mucho tiempo darme cuenta, pero a medida que la armé, realmente aprendí un montón de su composición. Y con solo enseñarlo, siento que he mejorado mucho en usarlo yo mismo. Todo esto para decirlo, aprender los principios de diseño para esta clase que tuve que enseñarte fue un cambio de juego para mí. Y espero que lo que aprendiste en esta clase sea un cambio de juego para ti Lo más importante que aprendí, que espero que puedas llevarte de esta clase, es que solo puedes mejorar en composición pasando mucho tiempo estudiando y experimentando o usando de otra manera los diferentes principios del arte y el diseño Y no sólo las que imparto en esta clase, sino todas las que puedas averiguar fuera de esta clase. Te animo a que mantengas los ojos abiertos a cómo funciona la composición en el arte que ves en el mundo más amplio a partir de ahora. Y espero que por esta clase, se pueda apreciar todo un nivel más profundo. Muy bien, eso es. Por favor, no olvides compartir tus ejercicios y proyectos en la página de proyectos de clase y compartir tu trabajo en redes sociales usando la composición de hashtag para Ilustradores Gracias de nuevo por tomar mi clase. No puedo esperar a ver qué haces en tu proyecto. Te veré en la siguiente clase. 21. Profundiza con una sesión 1 a 1: Oye, sólo una última cosa. Si disfrutaste de esta clase y te gustaría llegar al siguiente nivel en tu viaje creativo. 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