Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: Hola, soy Ramona Kolinski, una ilustradora
más vendida del New York Times, especializada en Ilustración
infantil. Anidado en la encantadora
ciudad de Potsam Alemania, los
últimos años he tenido el privilegio de dar vida a la magia
de la
narración a través de vida a la magia
de la
narración a través ilustraciones en más Mi viaje ha abarcado un espectro diverso, desde la
elaboración de libros de cartón
para los niños más pequeños, creación de todo tipo
de libros ilustrados hasta dar vida a las vibrantes portadas para Déjame llevarte de regreso
al principio cuando
decidí sumergirme por primera vez en el
mundo de la ilustración, recuerdo vívidamente luchar
con un torrente de preguntas, ¿qué medio debo usar ¿Qué estilo transmite mejor
mi voz artística? ¿En qué tema
debo enfocarme? Y la mayor pregunta de todas, ¿cómo puedo traducir
las vívidas visiones en mi mente en ilustraciones hermosas y
evocadoras Mis primeros intentos en la ilustración estuvieron
marcados por la incertidumbre, viaje
sin rumbo
sin rumbo claro por delante Horas de trabajo a menudo se
desentrañaban mientras
luchaba con ideas
que cambiaban Lograr el look
ilusorio correcto para mis dibujos
resultó desafiante Crear
paletas de colores armoniosas fue un misterio para mí. Después de incontables horas, la
ilustración terminada a menudo se quedó corta de la visión que
tenía en mi imaginación. El sueño de convertirse en ilustrador profesional
se sintió inalcanzable Pensando en esto años después, no
puedo creer lo fácil que se ha vuelto todo
esto hoy. En este curso, estoy
encantado de compartir con ustedes
el mismo kit de herramientas que
desarrollé a lo largo de los años, un kit de herramientas que
le permitirá crear ilustraciones,
rebosantes de atmósfera, narrando historias cautivadoras y agitando Mi objetivo es
equiparte para transmitir tus historias únicas
a través de imágenes y
proporcionarte un camino bien definido y
fácilmente navegable
para crear una ilustración Después de trabajar
en este curso, poseerás las
habilidades para convertir tus visiones en cautivadoras obras de arte
tangibles Nuestro viaje comenzará
profundizando en el arte de la ideación y diseccionando
la estructura de Exploraremos la
importancia de los
cuadernos de bocetos y cómo puedes
entrenar tus músculos creativos Te guiaré
a través de cada paso de
mi
proceso de ilustración personal, desde garabatear miniaturas
diminutas que definen
la composición perfecta, esbozar la selección de colores y finalmente pintar En el camino, desentrañaremos secretos de los principios del diseño
como
la composición de imágenes, lenguaje de
formas, la
importancia de la teoría del color y el arte del diseño de
personajes Al final del viaje, no solo
tendrás una ilustración
terminada, sino que también
poseerás las herramientas
adecuadas para crear cautivadoras
ilustraciones infantiles y cautivadoras
ilustraciones infantiles y
crear un portafolio que despierte la atención Entonces comencemos nuestro viaje
creativo.
2. Influencias e inspiraciones: Cuando empieces a pensar en tus influencias
e inspiraciones, echa un vistazo a tu infancia ¿Con qué te gustó
pasar tu tiempo? ¿Qué te hizo feliz y
cuáles eran tus intereses? Recuerdo estar fascinado
por todo tipo de historias, especialmente los
cuentos fantásticos de Michael Ender Me encanta sumergirme en las infinitas aventuras de la
historia interminable o en la sabiduría de Momo y las escapadas
de Más tarde, como tantos de nosotros, fui sabound por el
mundo mágico de Incluso hoy, de adulto, todavía
me encanta leer los
libros o ver películas. La profunda influencia
de estas historias sigue dando forma a
la esencia misma de mi trabajo creativo en la actualidad. En mis ilustraciones, me
deleito con el arte de la yuxtaposición, fusionando lo ordinario
con lo extraordinario, infundiendo lo mundano
con un toque Más allá de estas narrativas
fantásticas, siempre
me encantó pasar
tiempo en la naturaleza, y sigo sacando gran parte de mi inspiración
del mundo natural Cada año, mi corazón salta alegría mientras los primeros
copos de nieve del invierno cubren
suavemente árboles y casas
y crean un mágico También me encantan las tradiciones como hornear galletas,
decorar la casa y la comodidad de sentarse
adentro con un té caliente y ver a los niños mientras
juegan en la nieve
y construyen muñecos de nieve Me encanta plasmar los cambios
estacionales en la naturaleza, así
como las
diferentes actividades y tradiciones y
mis ilustraciones. Creo que hay tanta belleza
en estos pequeños momentos, y apreciarlos puede hacer
la vida mucho más alegre Pero no son solo los
paisajes y las estaciones. También siempre tuve un vínculo
especial con los animales. largos paseos con mi perro los lagos y por el
bosque y pasear por los campos con mi caballo tienen
el poder de sacarme de la vida
cotidiana y permitirme
abrazar plenamente el momento y
apreciar la belleza de la naturaleza. En mi viaje como ilustrador, me he dado cuenta la profunda importancia de nutrir estas fuentes
de inspiración He aprendido que a
veces alejarse
del tablero de dibujo, sumergirse
en nuevas experiencias y disfrutar de las
actividades que amas puede ser lo que
da vida a Así que haz una pausa, reflexiona sobre tus propias influencias
únicas y manantiales de inspiración. No necesita ser naturaleza,
animales, o
tradiciones estacionales como lo es para mí. A lo mejor para ti, son las grandes ciudades, la ciencia, o los acontecimientos históricos. Sea lo que sea para ti, deja que estos elementos nutren
tu alma creativa Al hacerlo, te asegurarás de que
tu trayectoria artística se mantenga fiel a ti y también que tus ilustraciones
resuenen con el espectador, porque sólo entonces
son verdaderamente auténticas Y después de todo, déjame decirte, no
hay nada más
desalentador que crear algo que no
logre encender Esfuérzate por elaborar un
portafolio holístico lleno ilustraciones que reflejen tu esencia personal
y tus intereses. Y este, amigos míos,
es el camino más seguro para provocar emoción e inspiración en quienes ven tu
3. Materiales: En este curso, nos
sumergiremos en
los principios fundamentales del diseño y la ilustración que forman la base de una obra de arte
cautivadora Si bien personalmente te guio a través del
ámbito digital usando Photoshop, quiero empoderarte para abrazar el medio que resuena
más profundamente La belleza del arte radica en
sus infinitas posibilidades. Todo lo que
logro digitalmente se
puede replicar
con medios analógicos Si te encuentras
al comienzo de tu viaje
artístico, te animo a embarcarte
en una gran exploración,
una aventura caprichosa a través de
una miríada de técnicas,
herramientas y medios artísticos ,
herramientas y Sumerja su pincel en acuarelas,
dibuje con lápices de
colores vibrantes, experimente con la sensación
táctil de peste o pruébela
en Photoshop o procrd Mientras experimentas, tómate un
momento para observarte a ti mismo. ¿Qué te parece una
segunda naturaleza? ¿Qué medio
te introduce sin problemas en el flujo creativo ¿Surge de tus esfuerzos
artísticos sintiéndote drenado o vigorizado Incluso trabajando digitalmente, he descubierto que incursionar con pinturas y
lápices
reales puede infundir tus ilustraciones
una vitalidad única Y recuerda que el viaje de crear ilustraciones
se extiende mucho más allá de la imagen final. Igualmente importante es que
disfrutes del proceso en sí, encontrando esa
chispa ilusoria de inspiración, dibujando tus pensamientos y finalmente dando vida a
tu visión La magia radica no sólo en el destino sino en
cada paso del camino. Y aquí está el secreto. No hay necesidad de
limitarse a un solo
medio o técnica Combina los digitfinss de tus bocetos con
la riqueza táctil del arte final analógico o traza un rumbo inverso Explora la armoniosa
combinación de acuarelas y crayones o el llamativo
contraste de marcadores y pastas Puedes dar forma a tus propios
bolsos como quieras. Disfruta de la experimentación,
y en el proceso, descubre el medio
que te habla y crea un resultado que
personalmente encuentres estéticamente agradable I
4. Ingredientes para una buena ilustración: Crear una
ilustración exitosa implica una combinación
de habilidad artística, creatividad y toma de
decisiones reflexivas. Estos son los cinco puntos
más importantes que contribuyen a una
buena ilustración. Una buena ilustración siempre tiene un concepto claro y
convincente. Antes de comenzar a dibujar, debes preguntarte, ¿qué historia o mensaje quieres transmitir a través de
tu ilustración? Un concepto bien definido
sirve como base de
tu obra de arte y guiará todas tus decisiones creativas en el proceso de creación de la misma. ¿Quieres contar un chiste, crear atención para
un tema especial, contar una historia, mostrar un
cuento de hadas bajo una luz diferente? ¿Qué quieres decir
con tu ilustración? Composición efectiva. La composición es la disposición de los elementos dentro de
tu ilustración. Desempeña un papel fundamental en la
forma en que los espectadores interactúan
con su obra de arte. Una composición fuerte
dirige el ojo del espectador, crea un punto focal y establece el equilibrio visual. Considera factores como la regla
de los tercios, las líneas principales y el uso del espacio negativo
para crear una composición que capte la atención y comunique tu
mensaje de manera efectiva. Los colores tienen el
poder de transmitir emociones, crear un ambiente y
mejorar la narración Elige tu
paleta de colores cuidadosamente, considerando el ambiente y las emociones que quieres evocar Los esquemas de color armoniosos
y los contrastes bien equilibrados pueden elevar tu ilustración y crear un impacto duradero. Atención al detalle. El diablo está en los detalles, y los pequeños elementos pueden marcar una gran diferencia en el
éxito de tu ilustración. Preste mucha atención
a las complejidades de
su obra de arte, desde texturas hasta sombreado Los detalles pueden agregar profundidad, realismo y carácter a
tu ilustración, haciéndola más atractiva
para los espectadores. Una ilustración exitosa cuenta una historia o evoca emoción, ya sea capturando un momento
fugaz de alegría, transmitiendo una sensación de asombro o representando una escena dramática Tu obra de arte debe conectar con el espectador a nivel
emocional. Piensa en la narrativa en tu ilustración y en
cómo resuena con tu audiencia Además de estos cinco
puntos, recuerda que la práctica, la experimentación y el aprendizaje
continuo son esenciales para el crecimiento
como ilustrador. Desarrollar tus
habilidades y perfeccionar tu estilo único
contribuirá a tu
éxito a lo largo del tiempo Sigue empujando tus límites
creativos y nunca dejes de explorar nuevas
técnicas e ideas.
5. Ideación: La ideación es donde
te das permiso para dejar que tu
imaginación deambule libremente Permita que su mente salte
más allá de los límites del Mundan y
explore diferentes caminos No trates de elegir la única idea
perfecta de inmediato. Más bien, date
el espacio para experimentar. Trate de ver los fracasos no
como escollos, sino como
pelones hacia la innovación Vuelve a tus
influencias e inspiraciones personales. Guarda un cuaderno de bocetos
donde garabatear ideas y conceptos que fluyen por tu mente a
lo largo del día, como un diario, momentos y
situaciones interesantes o conmovedoras de tu vida, pensamientos y
cosas nuevas que hayas aprendido Este cuaderno de bocetos es solo para ti. No se trata de hacer hermosos dibujos o
mostrárselo a nadie. Es puramente pensar a
través de ideas y conceptos, para hacer bocetos rápidos a que puedas
volver más tarde y
tal vez explorar más a fondo y crear una
ilustración completa a partir de ella Si tienes un
tema o idea general, puedes hacer una lluvia de
ideas rápida Un solo pensamiento puede
provocar una reacción en cadena, encendiendo una secuencia
de ideas relacionadas Este proceso de
desafiar las suposiciones y superar los límites del pensamiento
convencional a menudo
puede conducir a soluciones inesperadas y
creativas Para ayudar en este proceso, puedes crear, por
ejemplo, un mapa mental. El mapeo mental es una técnica
visual que comienza con una idea central e irradia hacia afuera con pensamientos,
conceptos y asociaciones
conectados Es como crear un mapa
visual de tus pensamientos, permitiéndote explorar ideas
relacionadas y descubrir conexiones
inesperadas Para despertar tu imaginación, también
podrías usar indicaciones
visuales Usa imágenes, ilustraciones
o fotografías y deja que las imágenes guíen
tus pensamientos e inspiren nuevos conceptos que
brotan de las emociones, historias o escenas
representadas en las imágenes Dedica unos minutos
cada día con estas técnicas y a garabatear
en tu cuaderno de bocetos de ideas, y pronto desarrollar conceptos
cautivadores para ilustraciones te
resultará natural La creatividad es como una masa. Cuanto más lo uses, más fuerte y
efectivo se volverá.
6. Tableros de inspiración: Una vez que tienes un concepto o una
idea para tu ilustración, puede ser muy útil
crear un mood board. Mood boards son
una herramienta esencial en el proceso creativo, especialmente para artistas,
diseñadores e ilustradores Hay collages visuales que capturan y transmiten
un estado de ánimo específico, atmósfera o un tema a través de
una colección de imágenes,
colores, texturas y,
a veces, incluso texto Te ayuda a establecer el estado de ánimo, la
emoción y la atmósfera que quieres transmitir en
tu ilustración, ya sea un libro
infantil caprichoso o una escena oscura y misteriosa, un mood board marca la pauta desde el
principio Para crear un moodboard, menudo uso Pinterest
y
creo allí un nuevo O creo un nuevo archivo de Photoshop donde recojo todas las imágenes, colores y
fotos de referencia para construir una imagen clara en mi cabeza de cómo
debería verse mi ilustración. Me ayuda a encontrar la paleta de colores
adecuada, especificar mi idea,
y es genial
tener todas las referencias a mano una vez que empiezo a pintar. También podrías hacer el moodboard analógico o crear una carpeta, hacer lo que más te convenga Crear una tabla de estado de ánimo garantiza
que su ilustración mantenga un lenguaje visual consistente y
coherente. Cuando recolectas imágenes y elementos que armonizan
entre sí, es más probable
que crees una obra de arte que se sienta equilibrada y
estéticamente agradable Los colores juegan un papel
importante en evocar emociones y transmitir
mensajes en tu arte Moodboards ayudan a seleccionar una paleta de colores que se alinee con el estado
de ánimo de Al organizar muestras de color e imágenes con colores dominantes, puedes ver cómo interactúan y tomar decisiones informadas
7. Diseño de personajes: Un buen diseño de personajes es esencial para
contar historias atractivas Resuena con
el público y contribuye al
atractivo visual de una ilustración El diseño de personajes es
un proceso creativo, y hay espacio para la
experimentación y el estilo personal. En este video, quiero
darte algunos consejos sobre cómo crear un diseño de personajes
exitoso. Primero, crea una silueta clara e
interesante. Debe ser distinto
y fácilmente reconocible. Si solo ves la silueta, ya
deberías tener una idea de la personalidad del personaje. Una silueta clara
ayuda al espectador a identificar
rápidamente y
conectarse con el personaje. Si tu personaje aparece en varias ilustraciones como
en un libro infantil, consistencia es fundamental
para evitar confusiones. Los
rasgos, proporciones
y pasarelas del personaje deben permanecer
estables a lo largo de la historia El diseño visual del personaje debe reflejar
su personalidad. La
expresión facial, el lenguaje corporal
y la ropa de un personaje pueden decir mucho sobre su personalidad
y emociones. De nuevo, considera a tu público
objetivo. Las formas redondas y simples,
una cara amigable y los colores brillantes atraen
a los niños pequeños. Para hacer más obvio el papel de un personaje
en una historia, puedes usar el simbolismo
y la iconografía Símbolos como una corona
para la realeza o un estoscopio para un médico pueden proporcionar contexto
y comprensión instantáneos Esfuérzate por crear
personajes que sean memorables y dejen una impresión
duradera. Las características únicas o peculiaridades pueden ayudar a que tu
personaje se destaque. Evitar los estereotipos y ser conscientes
de las sensibilidades culturales. La investigación y la
comprensión cultural son cruciales a la hora de diseñar personajes de
diversos orígenes. Presta atención a la
jerarquía visual y asegúrate de
que se
enfaticen los elementos más importantes de tu personaje. Esto puede incluir el rostro del
personaje, Sosas
clave o rasgos
distintivos Creo que diseñar un personaje es un poco como hacer miniaturas. Hago bocetos rápidos y toscos, pruebo diferentes proporciones, ropa y rasgos faciales, y como siempre, siéntete
libre de experimentar
8. Ilustración para niños: Ilustrar para los niños es
una forma de contar historias y una manera poderosa de nutrir su creatividad
e imaginación Una ilustración infantil debe abordarse con empatía, entusiasmo y un amor genuino por inspirar a
las mentes jóvenes con el arte Cuando estés
creando obras de arte para libros
infantiles u otros proyectos orientados a
niños, siempre trata de tener en cuenta la
edad y la etapa
de desarrollo de tu público objetivo. Las ilustraciones para
niños deben ser claras, simples y fácilmente
comprensibles Trate de evitar el desorden y arte
demasiado detalladas para
no abrumar a los jóvenes espectadores Los niños a menudo se sienten atraídos por los colores
brillantes y amigables. Una paleta de colores vibrante y visualmente
atractiva evoca emociones positivas Los personajes de
tus ilustraciones deben ser relacionables y entrañables para que los niños puedan conectarse con ellos a nivel
emocional las expresiones faciales claras y debe prestar especial
atención a las expresiones faciales claras y al lenguaje
corporal. Si estás ilustrando una historia, las ilustraciones
deben complementar y mejorar la narrativa y
ayudar a transmitir la trama, las emociones y el desarrollo del
personaje. Trate de evitar representar
comportamientos o situaciones inseguras. Si sus ilustraciones
incluyen algún producto, actividad o escenario
que los niños puedan imitar, considere las implicaciones de seguridad,
especialmente los editores y diseñadores prestarán mucha
atención a estos detalles Los niños tienen un lapso de atención bastante
corto, por lo que ayuda a
que las ilustraciones atraigan
su interés Crea ilustraciones
que fomenten la exploración, la curiosidad
y la imaginación. Los detalles ocultos o los elementos
interactivos pueden hacer que su obra de arte sea
aún más cautivadora. Si estás trabajando
en una serie de ilustraciones para un libro o
algún otro tipo de historia, consistencia en el estilo
es muy importante. Ayuda a crear una experiencia visual
cohesiva y facilita que los
niños sigan la historia Si está incluyendo texto, elija una fuente legible
y amigable para niños. El texto debe ser fácil leer y tener un buen contraste con el fondo y no debe oscurecer ningún
detalle importante de la obra Siempre trato de representar
la diversidad en mis ilustraciones. Creo que los libros infantiles deben reflejar una variedad de culturas, orígenes y experiencias para que los niños puedan verse
a sí mismos en los cuentos.
9. Lenguaje de formas: Las formas son una forma efectiva de comunicación que puedes usar para mejorar un estado de ánimo,
atmósfera o emoción específicos en tu ilustración, o para subrayar la
personalidad de un personaje Se trata de una poderosa herramienta que influye en cómo los espectadores perciben y conectan con tu arte. Las formas afiladas y angulares, por ejemplo, se
pueden usar para mostrar tensión, peligro o agregar emoción
a su ilustración. Incluso puedes usar este
efecto en la naturaleza. Los tiburones son depredadores poderosos
y rápidos, y tienen
formas triangulares afiladas en todo el cuerpo Puedes usar estas formas
angulares afiladas en el diseño de
tu personaje si
quieres dibujar a un villano, por
ejemplo, tal vez tenga zapatos
puntiagudos o su forma corporal
se vea un poco como un triángulo Piensa en la bruja Iv
en los cuentos de hadas. A menudo tiene la
cabeza puntiaguda y la nariz afilada. En contraste con eso, las formas
redondas y suaves comunican comodidad, calidez,
inocuidad, cercanía,
gentileza y, a veces, vulnerabilidad gentileza Échale un vistazo a este koala. Básicamente es una
gran bola esponjosa. Sus orejas, ojos, nariz y forma de cuerpo de ovario
son redondos y suaves Es por ello que percibimos a los
koalas como inofensivos y lindos. A menudo utilizo formas redondas en mis diseños de personajes
para libros infantiles, ya que las formas redondas
atraen especialmente a los niños pequeños Las formas redondas y suaves
se suman a la cercanía de
un personaje y pueden ayudar a que un personaje se vea más
lindo La disposición de las formas influye en la
armonía general de tu composición. Una
interacción de
formas cuidadosamente considerada crea unidad
y coherencia Un choque caótico por
otro lado, podría perturbar el flujo visual
y confundir la narrativa Pero ten en cuenta, demasiada unidad puede hacer que tu
ilustración se vea aburrida. Por eso es
importante tener
unidad para crear un aspecto coherente, pero también agregar un poco de variedad para que sea interesante. Cuando uses formas para
crear una composición, piensa
también en las
líneas de tu imagen. En la imagen de la izquierda, utilizo formas
suaves y orgánicas
combinadas con líneas horizontales. Esto crea una escena tranquila
y pacífica. En la imagen de la derecha, utilicé formas
triangulares e
incluí muchas líneas diagonales, lo
que hace que la imagen sea
mucho más emocionante e
incluso se puede usar para crear una
sensación de tensión o peligro. Así que ten en cuenta el impacto las
diferentes formas y líneas
pueden tener en tu diseño. Úsalos con cuidado
y con intención comunicar un estado de ánimo
o emoción específicos en tu arte. Cuando creas un personaje,
basa tu diseño en
una forma específica para subrayar su personalidad
10. Composición: Aquí hay algunos consejos y
pautas que podrían ayudarte
a crear la
composición perfecta para
tu ilustración La regla de los tercios, divide tu lienzo en una cuadrícula de
tictac tuck toe Coloca elementos clave
a lo largo de estas líneas o en las intersecciones para crear una composición dinámica y visualmente
agradable Esta regla inculca un ritmo
natural que dibuja el ojo a lo largo de caminos
que mejoran el compromiso Usa el poder de las líneas para guiar el ojo del espectador
a través de tu imagen. Las líneas pueden ser explícitas como
caminos o ríos o implícitas, como el
brazo extendido de un personaje Estas líneas sirven como autopistas
visuales que dirigen atención a los puntos focales y crean una
sensación de movimiento. Lograr el equilibrio no significa
necesariamente una simetría
perfecta. Se trata de distribuir la tasa
visual de manera uniforme en todo el lienzo. Una composición bien equilibrada
imparte estabilidad mientras que desequilibrios
intencionales pueden
evocar tensión Variar la escala de elementos agrega profundidad e interés visual. Se yuxta posición de una figura
pequeña contra vasto paisaje o
un objeto sobredimensionado puede crear drama y enfatizar importancia Introduce capas a
tu composición, igual que un escenario
con diferente profundidad. Podrías, por ejemplo, colocar tu sujeto en primer plano, un elemento de soporte
en el término medio y un telón de fondo en
el Esto agrega complejidad y
profundidad a tu imagen. Seleccione un punto focal que
sirva como el corazón de su composición rodeado de elementos de soporte que
potencien su significado. Este énfasis asegura que los espectadores sepan a dónde
dirigir su atención. Recuerda que el dominio
viene a través de la práctica. Si tienes
dificultades para crear buenas composiciones,
prueba copias maestras. Mira cómo otros
ilustradores componen sus imágenes y hacen estudios
rápidos de la misma Además, experimenta y toma riesgos. Con el tiempo, crear composiciones
efectivas será más fácil y
una segunda naturaleza para ti. Echemos un vistazo más de cerca
a esta ilustración. Cuando traté de
averiguar esta composición, traté de colocar mis
elementos clave, la niña, la calabaza y
el pueblo
en las intersecciones de
mi TikTok a la grilla y
apliqué la regla de los tercios También
se aplica la regla de los tercios si se tienen grupos de elementos como
las aves en este caso. De alguna manera, los grupos de tres
u otros números desiguales suelen crear
una dinámica agradable. Esto puede aplicarse a
casas, hojas, plantas, autos, animales, o cualquier otro
elemento a tu imagen. También quería crear un
flujo agradable en esta ilustración, lo que logré con
el camino curvo y también con las formas redondas ovo
de los cerros y árboles. Para unir tu
composición, puede ayudar a enmarcar tu imagen. En este caso, utilizo los
árboles y arbustos para eso. Creo que el personaje
aparecería un poco perdido sin este marco. Las hojas que caen se suman
al movimiento del ovoy y la
dinámica de la ilustración Y por fin, tenemos una silueta clara y oscura
sobre un fondo más claro. Su cabello es el punto más oscuro de
la imagen y por lo tanto
crea el mayor contraste La ropa de retina
y el patrón de su falda también se suman a
convertirla en el punto focal principal. En contraste con eso, el
paisaje y el pueblo al fondo es mucho
más suave en contraste. Los colores están más
lavados y vemos menos detalles.
11. miniaturas: Ahora que tienes una idea
para tu ilustración, creado un mood board y aprendes los principios de una
buena composición, estamos listos para comenzar a dibujar Para desarrollar aún más nuestro
concepto de ilustración, comenzamos haciendo algunos thumbnds Los pulgares son bocetos pequeños, ásperos
y rápidos. Hacer estos pequeños
bocetos te permite explorar rápidamente múltiples
ideas y conceptos Puedes experimentar con
diferentes composiciones, diseños y elementos visuales para encontrar el enfoque más efectivo
para tu idea de ilustración. En esta etapa aproximada, ya
puedes empezar a
pensar en dónde quieres que esté
tu punto focal y la colocación
de elementos clave de tu imagen para lograr una composición
equilibrada. Antes de comenzar con los bocetos para un libro ilustrado, por ejemplo, siempre
creo un pequeño guion gráfico con miniaturas muy
pequeñas De esta manera, puedo planificar el
flujo de la historia y
asegurarme de que haya una buena
variedad de primeros planos, paisajes, ilustraciones puntuales
y extensiones de sangrado completo Pero también hago miniaturas
para ilustraciones individuales. La primera solución no
suele ser la mejor. Siempre trato de explorar todo tipo de
perspectivas,
composiciones y diseños diferentes para obtener una solución creativa
para mi idea al final. Las miniaturas son muy divertidas. Aún no tienes que
dibujar ningún detalle. Mantenlo áspero y sencillo. De esta manera, puedes sentirte libre
de arriesgarte y experimentar. Cuando empiezas a bosquejar, podría ser útil
agregar ya algunos valores
a tus dibujos Puedes mantenerlo muy
simple y simplemente apegarse a tres o
cuatro tonos grises. Al hacer esto,
ya puedes establecer el ambiente, hora del día y la
situación de iluminación en tu imagen. También es una gran
herramienta para descubrir más
tu composición y para establecer ya un punto focal
claro. Asegúrate de que tu personaje o punto
focal tenga el mayor
contraste en tu imagen. Debe ser
una silueta oscura sobre un fondo claro o una silueta clara sobre
un fondo oscuro. Solo asegúrate de que la
silueta sea clara y que el espectador pueda
ver de inmediato lo que está pasando. Especialmente al principio, ayuda a mantener las cosas simples. Tener un primer plano claro, término medio y un fondo La mayoría de las veces, las cosas en
primer plano serán más grandes y mucho más oscuras que
las cosas del fondo Puedes crear profundidad fácilmente en tu ilustración haciendo que los elementos en el
fondo sean más claros y tal vez incluso un
poco más borrosos Así es también como nosotros como
humanos vemos el mundo. ambiente hace que
las cosas en la distancia se vuelvan más ligeras y
también un poco azuladas. En
cambio, los elementos en primer plano tienen mucho más contraste Son más oscuros y
tienen bordes más afilados. Este paso es muy importante hacer antes de
comenzar con el color. Si no has descubierto
tu imagen en graytons, lo más probable es que el
color
no la mejore Si estás trabajando analógico, puedes hacerlo con un boceto rápido a
lápiz o acuarela. Puedes usar este boceto más adelante como guía para tu ilustración
final. Y créeme,
hará que el proceso
sea mucho más fácil porque
ya has descubierto
tantos problemas. A. Después de experimentar con diferentes composiciones
y diseños, elijo una de mis miniaturas
y la desarrollo más Aumento el tamaño, reduzco la opacidad y creo
una nueva capa encima de ella. Al trabajar de manera analógica,
puedes volver a dibujar la miniatura o
fotografiarla o escanearla, imprimirla en un tamaño más grande y trabajar encima de ella con una mesa
ligera o en una ventana Ahora podemos agregar más detalle. Tomo los
estudios de personajes que he hecho antes y los uso como
guía para dibujar a mi dragón. Decidí ir con una
combinación de ellos. Como pueden ver, he
añadido un mapache en la rama izquierda para
equilibrar un poco más la imagen Siempre mantén la atención de que tus personajes y elementos
principales tengan el espacio que necesitan y que tus líneas no
creen tangentes. Todo debe ser
claro y fácil de leer. Una buena prueba es
desplazarte muy lejos o tomar una foto de tu imagen y mirarla en
el tamaño pequeño. Echa un vistazo si aún
es fácil de
entender y si está claro lo que está pasando
en tu ilustración, incluso en un tamaño muy pequeño. Ahora le estoy agregando algo de
valor a mi dibujo. Me ayuda ver si
la composición aún funciona y también resolver un poco
la situación de iluminación ya, que es, en este
caso, la luna.
12. Teoría del color: La teoría del color es una piedra angular en el lenguaje de la narración
visual Los colores son más
que meros pigmentos. Están los
orquestadores emocionales marcando la pauta y dando vida
a nuestras ilustraciones teoría del color es el estudio de cómo los colores interactúan
entre sí y cómo se
pueden combinar para crear visualmente armoniosas y composiciones
visualmente armoniosas y
emocionalmente resonantes La rueda de colores nos ayuda a entender la
relación entre los colores y sirve como guía para crear combinaciones visualmente
atractivas. Empecemos con
los colores primarios. Rojo, azul y amarillo son nuestros colores primarios y
los bloques de construcción
para todos los demás colores. Los colores secundarios
son verde, naranja y morado y se forman
mezclando dos colores primarios. Los colores terciarios emergen
mezclando un color primario
con un color secundario. Dividimos los colores
en cálidos y fríos. Los colores aquí en el lado izquierdo del verde al morado
son colores fríos. Por lo general, retroceden
y son menos prominentes. Son geniales para escenas de
invierno o ilustraciones que se realizan
bajo el agua o de noche. En el lado derecho,
del verde amarillo al rojo están nuestros colores cálidos. Suelen destacar más y son geniales para crear un punto focal
fuerte. Una paleta de colores cálidos es
perfecta, por ejemplo,
para crear una ilustración
tem luminosa o para ilustraciones que tienen lugar en un ambiente hogareño acogedor
o en un desierto caluroso. Echemos un vistazo a
cómo podemos combinar colores y crear paletas de colores
impactantes Primero, tenemos la combinación de
colores complementaria. Esta combinación está hecha de dos colores que están en
lados opuestos en la rueda de colores. Crean el contraste
más fuerte y tienen un impacto poderoso. Juntos, aparecen
más brillantes y prominentes. Entonces tenemos combinaciones de
colores análogas. Se trata de grupos de colores sobre la caloría que están uno al
lado del otro. Paletas de colores análogas crean una sensación serena y cohesiva Y por último, tenemos combinaciones triádicas
de colores. Estos son colores que están
igualmente espaciados en la parte trasera. Crean un contraste de color dinámico y
equilibrado. Cuando quieres crear una paleta de
colores para tu imagen, no
tienes que
seguir estrictamente estos esquemas. También puedes simplemente seguir
tu intuición o
dejarte inspirar en fotografías u otras
ilustraciones Solo ten en cuenta lo que quieres lograr con tu imagen. ¿Qué estado de ánimo o emoción
quieres transmitir con
tu ilustración? A veces me resulta
útil escribir algunas palabras clave por adelantado y luego tomar decisiones
teniendo en cuenta Los colores son desencadenantes emocionales. Cada matiz tiene su
propio ritmo psicológico, y comprender
estas asociaciones es clave para una
narración efectiva rojo atrae más la
atención y se asocia con emociones fuertes como
el amor, la pasión y la ira. Comunica fuerza,
poder, coraje y peligro. Es vibrante,
estimulante y emocionante, por lo que debes usarlo con cuidado. Es un gran color para
crear puntos focales fuertes. El azul es sinónimo de
calma y serenidad. El azul se encuentra a menudo en la naturaleza, como un mar tranquilo
y un cielo despejado, creando una sensación de paz. El azul también comunica
confianza y estabilidad. amarillo crea algunas emociones
positivas en el espectador, entre ellas la felicidad, la emoción, la originalidad, el
entusiasmo, la confianza, la
esperanza y la creatividad Pero también hay algunas emociones
negativas
relacionadas con el amarillo, como la enfermedad, la precaución, el
egotismo y la ansiedad Desde una perspectiva
psicológica del color, púrpura comunica la armonía
de la mente y las emociones, contribuyendo al
equilibrio mental y la estabilidad. Puede dar una
sensación de misterio, lujo y sofisticación
o realeza El naranja es optimista y edificante, rejuveneciendo
el espíritu Se conecta con calidez,
seguridad, sensualidad, diversión,
vivacidad, felicidad,
creatividad, entusiasmo Es dinámico y extra rígido. El color verde evoca el
sentimiento de esperanza,
responsabilidad, riqueza,
perdón, comodidad y energía. Cuando vemos verde, pensamos en la naturaleza, el crecimiento y la frescura. Ten en cuenta que los colores
no son universales en
su simbolismo blanco, por ejemplo, representa
la pureza y la simplicidad en las culturas
occidentales mientras que está conectado con el luto
en algunas culturas orientales negro puede crear una sensación de
elegancia y sofisticación, pero también está conectado con el
luto en las culturas occidentales Veamos algunos ejemplos. Para esta portada de Wizard of
Os, he usado una paleta general de
colores cálidos con rojos, naranjas y verdes amarillos cálidos Mi punto focal es
el personaje principal, y su vestido azul crea un fuerte contraste cálido y fresco
con el fondo. Por eso nuestro ojo inmediatamente va hacia ella cuando
miramos la imagen. Y a pesar de que hay
tanto rojo en esta ilustración, y el rojo suele ser
muy prominente, ya que la chica es el
único elemento cool aquí, sigue siendo el punto focal. En esta ilustración,
hice todo lo contrario y usé una paleta sobre cool
con greens y azules. Solo los niños tienen colores
cálidos para ellos. El chico en la ventana con su camisa roja es el
principal punto focal. Su cabello oscuro crea un fuerte contraste con el
amarillo de la ventana, y el rojo de su ropa
atrae nuestros ojos. Y por último, en
esta ilustración, tenemos una paleta de
colores muy limitada. Solo usé gris cálido, amarillo, y solo un toque
de rosa para sus mejillas. Con el color, creo,
muchas veces menos es más. No necesitas una paleta de colores tan
limitada, pero apegarte solo a
dos o tres colores y usar los diferentes tonos que puedes crear con ellos ayuda a crear una agradable
armonía de colores ovalados en tu ilustración
13. Pintura final: Y finalmente, hemos hecho toda la preparación necesaria para crear nuestra
ilustración final. Esto debería ser ahora muy fácil, ya que hemos
descubierto todos los problemas y creado un plan claro a
seguir para pintar nuestra imagen. Este proceso también es
genial si estás trabajando con clientes
porque en este punto, ellos saben exactamente lo que pueden esperar para la ilustración
final. No hay sorpresas en absoluto, y por lo tanto,
casi no debería haber revisiones después de esto. Empiezo pintando
de fondo, que es el cielo aquí. Mi dibujo está en una capa
multiplay, y pinto debajo de ella. Me gusta pintar de
claro a oscuro y siempre trato de crear algunas texturas
interesantes. Ya tengo mi
textura acuarela encima de todo, y le da a la pintura
un aspecto agradable y cohesivo Ahora pinto suavemente en las
montañas de fondo, siguiendo mi colo ***. Se puede ver como poco a poco
trabajo mi camino hacia arriba
de atrás hacia adelante y mantener todo en capas
separadas. Asegúrate de que los elementos del fondo no
tengan demasiado contraste. De lo contrario, pueden distraer el ojo del espectador de
nuestro punto focal principal Eso significa también
evitar bordes ásperos. Mira lo suave que estoy
pintando en los árboles. Tampoco les agrego
mucho detalle. No quiero que sean demasiado
permanentes en la imagen. Como el árbol principal
está en primer plano, lo pinto mucho más oscuro y dejo que los bordes sean mucho
más duros que los árboles del fondo A Siempre bloqueo primero
en el color principal y luego le agrego luz
y sombra. Para ello, es realmente útil tener cada elemento
en su propia capa. A pesar de que hay tantos
personajes en esta imagen, trato de crear una
silueta fuerte para cada uno de ellos, que sean fácilmente reconocibles A Procedo de la misma manera
con las hojas, primero pintando en forma rugosa en
un color principal y luego bloqueando la capa y añadiéndole
luz y sombra. Siempre haciendo referencia a
mi campamento de color. Ahora estoy empezando a agregar algunos detalles y
pintar en las hojas. Y variar el tamaño de las hojas hace que se vea un poco más
interesante, creo. Y para ahorrar algo de tiempo, ahora
empiezo a copiar y
pegar grupos de ellos. Solo ten en cuenta si haces esto, que no es tan obvio
en la imagen final. Cambiar el tamaño, mover
las cosas un poco o voltearlas
ayuda con eso Cuando tienes una ilustración
con mucho verde, siempre
trato de usar una
variedad de tonalidades diferentes Hace que se vea un
poco más natural. Para dibujar el pelaje de los animales, me gusta usar uno de los pinceles de lápiz que
vienen con Photoshop. Intenta ajustar tus trazos a
la fam del cuerpo y usa un tono más claro para
las áreas claras y un tono más oscuro para las
partes que están en sombra. Aquí estoy empezando a agregar
detalles a nuestro arrastre. Puse las escalas en
una nueva capa para que aún
pueda cambiar el
color y la opacidad Ahora mismo me parece un poco
jirafa, así que decidí quitar las puertas
del vientre Y. Ahora estoy agregando una capa superpuesta para agregar
algo de luz a la escena y hacer que las siluetas de los personajes sean un
poco más prominentes También es una buena manera de
realzar algunos son a partir de la imagen aumentando
la saturación de color. Al final, sólo estoy cambiando algunos pedacitos y
piezas aquí y allá. Y aquí está la pieza terminada. He decidido agregar
este pequeño remolino de viento para darle a la imagen un poco
más de flujo y magia
Ramona Kaulitzki, Children's illustrator
