Dominar el control del agua: aprovecha el poder del agua en la acuarela

1. Introducción: [ MÚSICA] El control del agua es uno de los conceptos más difíciles de explicar o enseñar en lo que respecta a las acuarelas. Pero también es quizás la habilidad más valiosa que uno pueda aprender sobre el medio. Es el fundamento absoluto de la pintura acuarela ya todos nuestros valores y luminosidad o falta de los mismos, se derivan de nuestra capacidad para guiar el agua través del papel de manera efectiva y con propósito. De hecho, yo mismo he dicho antes que a menudo paso más tiempo pintando con agua que con pigmentos reales. Hola a todos y bienvenidos a dominar el control del agua. Aprovecha el poder del agua en acuarelas. Mi nombre es Denise Soden y soy colorista de agua de tiempo completo y creador de contenidos educativos. Siempre he sido del tipo artístico, y hace varios años me caí completamente de cabeza sobre tacones con pintura acuarela. Emparejado de mi formación profesional y educación ambiental, cambié la dirección de mi carrera hace cuatro años. Ahora creo reseñas detalladas y recursos de pigmentos en YouTube, tutoriales de vida silvestre en tiempo real en Patreon, y clases detalladas aquí en Skillshare explorando mi diversa fascinación con este increíble medio. Odiaría empezar una clase simplemente diciendo que esto no es realmente una habilidad que se enseña sino que más bien se aprende con el tiempo y la experiencia con tus suministros, pero la verdad sea dicha, pero la verdad sea dicha, eso es lo que la mayoría de acuarela colorista incluyéndome a mí mismo haría respuesta a esta pregunta. El control del agua es en última instancia un sentimiento y una relación entre tú y tus suministros que tomará tiempo para agarrar y aprovechar plenamente a medida que te desplazas por este viaje. No obstante, he pasado los últimos años tratando de averiguar cómo abordar este complejo tema y he pasado los últimos meses trabajando muy duro en esta clase, tratando de hacer el ejercicio más útil como posible para que empieces con esta relación. Aprenderemos cómo los suministros que utilizamos afectan nuestras pinturas de acuarela, cómo pintar lavados planos y graduados, cómo controlar valores en combinación con el blanco del papel, y cómo esmaltar de manera efectiva. Al final de esta clase, tendrás un mejor manejo de estas habilidades que luego podrás aplicar a nuestra pintura de proyecto de clase, luego salir al mundo a medida que avanzas junto con tu viaje de acuarela. Espero de verdad que las lecciones de esta clase estén a la altura tus expectativas y ayuden a desmitificar este complicado tema. A pesar de que esto tomará tu tiempo, dedicación y paciencia para dominar, no puedo esperar a ver lo que creas en esta clase. 2. Descripción de los materiales: Esta clase estará dedicando una justa cantidad de tiempo a mirar cada uno de nuestros suministros de manera individual y discutir cómo impactan en el control del agua. Por esa razón, no vamos a estar pasando una tonelada de tiempo hablando de nuestros materiales aquí, pero los voy a enumerar para que puedas preparar tu espacio de trabajo. Necesitarás un par de pinceles tradicionales de Acuarela y digo tradicionales en contraposición a los cepillos agua que sostienen el agua en el mango ya que eso sería un tema para una clase diferente o tal vez una parte dos a esta. Yo recomendaría al menos una talla ocho y una talla dos redondo si no tienes nada más que seguir o algo similar basado en lo que te gusta usar. También necesitarás algunas pinturas de color agua. Para esta clase, la calidad o el tipo realmente no importa. Te explicaremos más sobre eso en pocos momentos pero si quieres más información sobre tus pigmentos y pinturas de Acuarela, adelante y echa un vistazo a mis Clases de Mezcla de Acuarela y Creación de Paletas aquí en Skillshare. Necesitarás papel de acuarela y hablaremos más de celulosa versus algodón, etc cuando lleguemos, pero realmente no recomiendo usar nada menos que papel de acuarela ya que las lecciones que cubriremos serán más bien perdido en otros tipos de medios mixtos o papeles más delgados. Necesitarás dos recipientes de agua, uno para agua limpia y otro para agua de enjuague sucia, un trapo reutilizable limpio o toallas de papel para secarte los cepillos, una tabla para enmascarar tu papel si lo deseas, además de enmascarar cinta para hacerlo. No obstante, ambos son completamente opcionales dependiendo de cómo prefieras trabajar. Esta clase también cuenta con un conjunto de hojas de trabajo las cuales puedes encontrar en la pestaña Proyectos y Recursos debajo de este video. Son técnicamente opcionales puedes liberar a mano todo si quieres, pero también tienes la opción de imprimir esas hojas de trabajo directamente en un papel Acuarela. Si tienes una impresora que pueda hacer eso, o puedes imprimir las hojas y rastrearlas en tu papel Acuarela con el método que prefieras. Si vas a estar rastreando o entregando gratis tus hojas de trabajo, necesitarás ya sea un lápiz o tinta impermeable para hacerlo. Puedes encontrar un enlace de recomendaciones de productos de clase en mi tienda de Amazon usando un enlace en la sección Proyectos y Recursos debajo de este video [MUSIC]. 3. Cómo las pinturas afectan el control del agua: Antes de empezar a hablar de fuentes directas de control del agua, hablemos primero de nuestras pinturas de acuarela. Como dije en la sección de materiales en esta clase, no se requiere que tengas ninguna marca o tipo de acuarela en particular, pero hay algunas cosas que debes tener en cuenta en base a lo que estás usando. Algunas acuarelas prefieren solo trabajar a partir de tubos frescos de pinturas, mientras que otras insisten en que las sartenes son mucho más fáciles de trabajar. Esto en última instancia depende de la discreción personal y de la forma en que pintas así como de lo grande que tu trabajo tendrá un impacto en tu preferencia. Para principiantes, recomendaría trabajar sartenes secos por un par de razones diferentes. Es más fácil controlar la cantidad de pigmento que estás agregando a tu agua, y también es más fácil mantener tus sartenes sin contaminar de otros colores. Producirás menos residuos de pintura si estás dispuesto a trabajar con pigmento seco así como puedes rehumedecer cualquier cosa que se seque en tu paladar. Artistas que tengan un poco más de experiencia bajo su cinturón en todas estas áreas pueden optar por trabajar con la cremosidad de las pinturas de tubos frescos en su lugar. Si pintas en gran formato, también es mucho más fácil mezclar grandes cantidades de pintura vertiendo pintura fresca del tubo y mezclándolas en pozos grandes. Esto ahorrará mucho tiempo y esfuerzo, en lugar de tratar de rehumedecer grandes cantidades de su pintura de sartén seca. acuarelas están hechas de pigmentos, goma arábiga, que une el pigmento al papel y una variedad de otros ingredientes que dependen de cada marca preferencia por sus propias fórmulas únicas. Dos tipos de aditivos comunes son los humectantes, y los agentes fluidos. humectantes como la miel o la glicerina, permiten que las pinturas extraigan humedad del aire. Marcas que usan miel en particular como M Graham y [inaudible] tienden a permanecer más húmedas incluso en una sartén seca que otras marcas que no usan miel como Daniel Smith. El motivo por el que esto es importante en nuestra discusión sobre el control del agua es que impactará la cantidad de agua que necesitas usar para recoger físicamente la pintura de tu pincel. En general, en la pintura en acuarela, también necesitarás agregar más agua al papel si quieres que tus pinturas se extiendan más por la superficie. Algunas marcas o pigmentos específicos son reacios a moverse por su cuenta, por lo que es posible que tengas que poner más agua en el papel de la que normalmente te gustaría solo para crear un efecto que fluye. Agregar tanta agua puede diluir o desaturar tus colores, lo que algunas marcas optan por usar un agente que fluye para ayudar al proceso a lo largo. pueden agregar agentes que fluyen como la gallo de buey o la agalla de buey sintético a la pintura para ayudar a aumentar la tasa de la cual la pintura fluye a través de tu papel mojado. Marcas como [inaudibles] e [inaudibles] son conocidas por algunos de estos componentes en sus fórmulas y tienen pinturas que bailan a través de la página con menos esfuerzo y menos agua que algunas otras marcas, manteniendo sus pinturas muy luminosas en el proceso. Ya sea que quieras o no que tus pinturas se muevan por tu cuenta o se queden puestas depende enteramente del artista individual, pero solo ten en cuenta que estos factores pueden impactar tu relación con el control del agua. En general, las pinturas de calidad estudiantil contienen el último pigmento general cuando se comparan con pinturas profesionales del mismo color. Es por ello que a las marcas estudiantiles se les puede ofrecer unos puntos de precio menos costosos ya que los pigmentos son generalmente el ingrediente más caro en una pintura. Si una pintura no contiene tanto pigmento, ¿ entonces qué explica el volumen extra de pintura en marcas estudiantiles? Las pinturas de calidad estudiantil pueden tener más aglutinante, glicerina, y/u otros rellenos incoloros en sus fórmulas. Agregar exceso de aglutinante o glicerina puede provocar que las pinturas se sequen en su papel con una superficie brillante, cualidad que generalmente no se considera deseable en acuarelas. Agregar demasiados rellenos incoloros puede hacer que estas pinturas parezcan tizas, tampoco algo que la mayoría de la gente quiera de sus pinturas. Por supuesto que aún puedes crear bellas obras de arte utilizando pinturas de calidad estudiantil, pero conocer estos aspectos de las pinturas te ayudará a entender mejor la relación con el control del agua. En tanto nos preparemos con este conocimiento, podremos combatir estos potenciales bloqueos viales y avanzar. Para los ejercicios de clase que estaremos haciendo en tan solo un poquito, he optado por usar acuarelas Da Vinci. Son una marca profesional de pintura asequible si vives en Estados Unidos. No contienen miel, pero aún se rehumedecen decentemente bien, y la pintura de dispersan una cantidad moderada, pero no demasiado. Me imaginé que hay un terreno medio para todos estos diferentes factores, y también los estaré usando de pinturas secas ya que esta es vez mi preferencia personal y estaremos trabajando en formatos más pequeños. 4. Cómo los pinceles afectan el control del agua: El principal método para agregar o quitar agua de un espacio de trabajo, es con un pincel, y este probablemente será uno de los factores más importantes a considerar a la hora de aprender sobre el control del agua. En esta clase, estaré usando pinceles redondos como mis ejemplos principales, pero los mismos conceptos se pueden aplicar a cualquier forma de pincel. La primera valoración general que debemos hacer al considerar un pincel es su tamaño. Según lo dictaría el sentido común, los pinceles más grandes sostienen más agua y más pintura, mientras que los pinceles más pequeños sostienen menos. Si necesitas un área grande cubierta como un lavado de cielo grande, cepillos más grandes serán más fáciles de cumplir con esta tarea. No sólo porque es físicamente más grande y por lo tanto puede cubrir más espacio, sino también porque al sostener más agua el cepillo grande necesitará menos viajes de regreso a nuestro palet para recargar, resultando en un el cepillo grande necesitará menos viajes de regreso a nuestro palet para recargar, resultando en un lavado rayado en general. En el lado volteado, uno podría querer usar un pincel más pequeño para obtener detalles finos. Algunos pinceles más grandes son perfectamente capaces de hacer pequeñas marcas en su papel. Pero dependiendo del pincel, algunos podrían ser propensos a dispensar más agua que otros. Hacerlo en un espacio tan pequeño puede causar un aspecto no deseado o tomar demasiado tiempo para que tu gusto se seque. El siguiente factor a considerar es el tipo de fibra. Los principales términos que probablemente escucharás para esta discusión son sintéticos versus naturales. No obstante, sí va un poco más profundo que sólo eso. Empecemos con cepillos naturales para el cabello. Los dos tipos de cabello natural más populares en pintura de acuarela son específicamente sable y ardilla. Los pinceles de sable son suaves, fuertes, llegan a un punto muy fino, y proporcionan una cantidad decente de resorte o en otras palabras, puede retener su forma muy bien si se empuja. Los cepillos de ardilla tienen pelos extremadamente finos que a menudo son incluso más suaves que los Sables y se usan comúnmente para hacer cepillos de fregona y quills. Este tipo de pincel no tiene mucho traer en absoluto, lo que significa que puede flotar y perder su forma, pero sí sostiene una tremenda cantidad de agua. Los pinceles sintéticos más comunes que probablemente estén disponibles en tu tienda de arte local están hechos de taklon, una fibra sintética de poliéster que se encuentra en Artis y brochas de maquillaje. Los pinceles Artis hechos de taklon, pueden ser blancos o dorados y son típicamente, un poco más rígidos que cualquiera de los cepillos naturales para el cabello que mencioné. Este material es extremadamente resistente al daño y sostiene bien para los artistas que son un poco más áspera en sus pinceles, pero sí retienen menos agua sobre todos. También son la opción más asequible por un margen bastante grande. Después hay pinceles sintéticos que están hechos para imitar cabello natural como estable o ardilla. Estos están mejorando continuamente a lo largo de los años a medida que se hacen avances técnicos. Un ejemplo de un pincel de ardilla puramente sintético son los que se encuentran en la línea Princeton Neptuno. A pesar de que mis pinceles favoritos personales, son los de esta línea de terciopelo negro cepillo de plata, que están hechos de mezclas de ardilla y scroll sintético. Aquí encuentro lo mejor de ambos mundos, aunque son pinceles extremadamente suaves y podrían no ser preferidos por los principiantes. El tamaño y el tipo de fibra determinarán cuánto es capaz de sostener un cepillo. Pero, ¿qué significa esa capacidad en cuanto a pintar realmente? Para eso, deberíamos tomarnos un momento y mirar brevemente la acción capilar. El término científico acción capilar es la capacidad de un líquido para fluir a espacios estrechos sin o incluso en contra, la ayuda de fuerzas adicionales como la gravedad. Esto se puede presenciar directamente si tocas un pincel seco, suavemente a un recipiente de agua y un reloj mientras las fibras extraen agua entre las cerdas finas, incluso contra las fuerzas de gravedad y dentro del pincel. No tenemos que sumergirnos más en la ciencia de esto. Pero lo que básicamente significa es que un cepillo seco querrá recoger agua ya sea de tu cubo de agua o de un trozo de papel húmedo. En la dirección opuesta, un cepillo completamente saturado querrá depositar agua sobre una superficie seca o húmeda, como un trozo de papel de acuarela o una toalla de papel. Este movimiento de agua basado en la saturación de tu pincel y tu papel, es el corazón del control del agua, en la pintura acuarela. Podemos aplicar grandes cantidades de agua al papel seco saturando completamente, un cepillo muy sediento y extendiendo el agua sobre superficie del papel en una o más cargas de pincel dependiendo de la necesidad. Si nos encontramos con demasiada agua en nuestro papel, también podemos secar nuestro cepillo sobre una toalla limpia y tocar el cepillo sediento a la superficie del papel mojado y el cepillo volverá empapar tanta agua como sea capaz de sostener. Puedes repetir este proceso tantas veces como sea necesario hasta que hayas eliminado la cantidad deseada. Una pequeña nota más es que tu pincel puede convertirse en un recipiente no deseado de agua, si no tenemos cuidado. La sección metálica de tu cepillo, llamada virola, puede recoger gotas de agua cada vez que vayas a enjuagar tu cepillo. Si bien esto podría no ser problemático en cepillos más grandes con mayores capacidades de agua, querrás vigilar esto cuando uses pequeños pinceles en áreas detalladas, esa gota de agua puede sucumbir a la gravedad y caer por debajo de tu cepillo con el pequeño cerdas siendo incapaces de sostener el agua extra y caer sobre tu papel. Esto ha arruinado muchos detalles en mi época. Así que asegúrate solo de vigilar esas gotas de agua en tus casquillos. Si te encuentras con este tema, puedes usar tu toalla para limpiar cuidadosamente cualquier exceso de agua en la virola, punta de bonificación que también puedes usar este pequeño truco para eliminar cualquier exceso de agua de la parte superior de tus fibras de cepillo también. Si tienes un pincel cargado y no quieres desperdiciar el pigmento, pero quieres que haya menos agua, puedes mecha el agua tocando una toalla hasta el borde superior de las fibras, lugar de la punta del pincel. Para esta clase, puedes usar lo que tienes a mano, pero siéntete libre de referirte a esta información para hacer evaluaciones sobre las herramientas y tal vez identificar lo que haces o no te gusta de tus pinceles actuales. [ MÚSICA]. 5. Cómo el papel afecta el control del agua: En los años de enseñar tanto a niños como a adultos, en persona, era una ocurrencia común ver a los estudiantes intentar usar acuarelas con muy poca agua, muchas veces provenientes de otros medios como aceites o acrílicos. Parece haber una tendencia natural a tratar utilizarlos como uno lo haría uno de estos otros médiums. No obstante, las acuarelas son únicas y acercarse a ellas de esta manera podría robarte ver su verdadera belleza al deslizarse por la página con facilidad en una suspensión de agua. En el otro lado, por supuesto, también hay algunos nuevos llegados que podrían encontrarse con el tema opuesto. Usar demasiada agua puede causar problemas como flores o flores de color mientras que el papel se seca uniformemente y presiona anillos oscuros de pigmento alrededor del exterior de un lavado. En esta sección de la clase, vamos a hablar de la importancia de tu papel de acuarela, cómo su tipo puede afectar la forma en que absorbe el agua y el color del agua, y cómo reconocer diferentes etapas de secado. Esto no va a ser un análisis enteramente profundo del papel de acuarela ya que eso tiene suficiente información para ser su propia clase. Cubriremos los temas importantes ya que se relacionan con el control del agua. La mayor consideración que tendrás que decidir entre si estás usando celulosa o papel de algodón. El papel de celulosa está hecho de pulpa de madera, que es comprensiblemente menos absorbente que el papel que está hecho de 100% algodón. Dado que la celulosa es menos absorbente, puedes imaginar que el agua tendrá una tendencia a sentarse encima del papel en lugar de hundirse inmediatamente. Con el tiempo se absorberá en el papel y o se evaporará. Pero este método de secado es bastante diferente a los papeles de mayor calidad que están hechos de algodón. Dejarán más pigmento en la superficie del papel en lugar de dentro de sus fibras. Si bien es absolutamente posible crear maravillosas obras de arte en esta superficie, y algunas personas podrían incluso preferirlas. Es importante saber que recogerás diferentes hábitos, aunque inconscientemente para hacer frente a este método de pintura. Los papeles de algodón, por otro lado, tienen una tendencia a absorber el agua y el pigmento de manera más fácil y uniforme. En mi opinión, que es compartida por muchos otros artistas profesionales. Pintarlo con papel de algodón es un proceso mucho más intuitivo y fácil de manejar. Por lo tanto, si estás tratando de decidir cuál de tus suministros actualizar, te recomendaría empezar aquí. En este clip que estás viendo estas muestras de acuarela fueron pintadas con la misma cantidad de concentración de pigmento sobre la misma cantidad de tiempo de secado. Se puede ver que hay una vasta diferencia entre la forma en que se ven los resultados finales entre los papeles de celulosa y algodón tanto en su textura como en la vitalidad. La siguiente decisión a tomar sobre tu papel es el tipo de superficie. El tipo de defecto en un papel de acuarela es la prensa fría o no, que significa prensa no caliente. Esta superficie tiene una cantidad de textura ligera a moderada la cual podría variar dependiendo de la marca. El diente ligero permite que el papel agarre mejor el agua y el pigmento, proporciona surcos para que la granulación se asiente si procede, y tiende a mantenerse amortiguado un poco más, lo que permite a los artistas más tiempo para pintar en especie de meterse con cada uno de sus lavados. Esta es mi textura preferida y la que recomendaría para casi todos los principiantes. El papel de prensa caliente tiene una superficie lisa y un principalmente ver que se utiliza para retratos así como algunos trabajos florales. papel de prensa caliente generalmente se seca más rápido que la prensa en frío, por lo que tendrás menos tiempo para trabajar con un lavado húmedo, pero los lavados también se secarán más rápido entre capas. Si ese es el estilo en el que prefieres trabajar, Es mucho, mucho menos indulgente que prensa en frío en cuanto a la forma en que tus lavados se secan. Yo sólo lo recomendaría para colorista de agua más avanzado. También hay una tercera superficie llamada rugosa. Esto tiene aún más textura que una prensa fría, pero es mucho menos común. Esta textura es la más adecuada para piezas muy texturales. No es de sorprender, donde el artista quiere retener el aspecto del papel, incluso a través de las pinturas. Los papeles de acuarela vienen de muchas maneras diferentes, pero los más comunes son 90 libras o 185 GS M, una 140 libras o 300 GS M, y 300 libras o 640 GS M. Recomendaría una 140 libra para la mayoría de las aplicaciones de uso general. 90 libra es un papel más ligero que no puede manejar tanta agua y a menudo se encuentra en los libros de bocetos de acuarela. Puede ser una opción más rentable para los artistas que son excepcionalmente ligeros con la cantidad de agua que usan o buena para la práctica, pero sí ten en cuenta que el papel probablemente se abroche. papel de 300 libras, que es aproximadamente el doble de robusto que un papel de 140 libras, es capaz de absorber mucha agua y aguantará casi cualquier cosa que le lances. Es, sin embargo, muy caro, así que me reservaría esta opción para piezas realmente pulidas o si el dinero no es un factor en la compra de tus suministros de arte. Para esta clase, estaré usando un papel de acuarela de arcos de 140 libras, que es muy ubicuo y es el que uso con más frecuencia. También quiero agregar eso para cualquier peso de papel. Puedes hacer algo llamado estirar tu papel de acuarela, que es un proceso que involucra agua, tu papel, un tablero, y ya sea grapas o cinta de artista engomada. Permite que tu papel se seque, más plano y se abroche menos mientras estás en el proceso de pintura, pero no es algo en lo que sea experto, por lo que te recomendaría que encuentres otro tutorial, nuestra clase, si eso es algo que te interesa aprender a hacer. Ninguno de los ejercicios que hoy estamos haciendo en esta clase lo requerirá. Lo último de esta sección que quiero abordar o las diferentes etapas de secado y cuando es o no seguro agregar trazos de pincel adicionales a un área determinada. Cuando se pone por primera vez cepillo AGC, el papel obviamente estará bastante mojado. Durante este tiempo, puedes seguir agregando tanto pintura en agua a un lavado y seguirán fluyendo y mezclándose libremente. Se puede seguir agregando más pintura y agua de esta manera hasta que el agua comience a absorberse en el papel, dejando un brillo moderado que sin agua elevada por encima de la página. Cuando llegue a esta etapa, puedes agregar un poco más de pintura en agua, pero debes hacerlo con moderación y de manera mucho más conservadora. Una vez que el lavado comienza a perder su brillo, estamos caminando una línea muy fina. Puedes agregar secadores trazos de pintura con poca o ninguna agua y el lavado suavizará esos bordes. No obstante, si introduces agua durante esta etapa, flores comenzarán a formarse una vez que el papel ya no se vea mojado o incluso húmedo, pero sigue siendo fresco al tacto. Hemos llegado oficialmente a la zona de peligro y es hora de un acercamiento de manos fuera. No quieres tocar esta zona con un pincel hasta que esté completamente seca, menos que estés específicamente deseando crear flores, explorará la creación y prevención de flores un poco más adelante en la clase. Una vez que el papel se haya secado por completo y ya no esté fresco al tacto, puedes glasear y nueva capa de forma segura sin riesgo de floración. 6. Cómo el entorno afecta el control del agua: Antes de comenzar nuestros ejercicios de clase, hay una cosa más que quería tirar por ahí, y es que todos vivimos en diferentes ambientes y climas. Los factores ambientales jugarán un gran factor en lo más rápido que se seca el espacio de trabajo y no me refiero solo a tu papel, sino también a tus pantalones y a tus paletas. Si vives en un clima seco o tal vez es invierno y tu calentador está funcionando todo el tiempo o como yo estoy ahora en el verano del centro de Texas con los aficionados corriendo constantemente, tu espacio de trabajo podría secarse más rápido que los que viven en ambientes húmedos. Esto significa que tendrás que añadir de manera consistente más agua a todas tus superficies de trabajo para obtener los mismos resultados alguien que vive en uno de esos climas más tropicales. Por el otro lado, si vives en un lugar muy tropical, vas a querer tener cuidado de no agregar demasiada agua a tu paleta y a tu papel. Van a tardar mucho tiempo en secarse, los colores podrían lavarse si no tienes demasiado cuidado, y en tu paleta, también podrías estar corriendo el riesgo de cultivar moho. En cualquier caso, querrás asegurarte de que permites tus paletas se sequen entre usos, y en general, tendrás que permitir más tiempo para que tus capas se sequen entre lavados. Por referencia mientras estás viendo esta clase para hacerte saber cómo es mi entorno es el medio del verano del centro de Texas, como mencioné, mi espacio de arte generalmente se queda entre 76 y 80 grados Fahrenheit y suele estar alrededor 50 por ciento de humedad con un ventilador funcionando todo el tiempo. Si bien no puedo replicar este entorno exacto para ti y tu hogar, al menos te dará una base de lo que estoy trabajando y por qué podría haber algo un poco diferente en tu propio espacio. 7. Ejercicio 1: métodos de aplicación: Bienvenido al ejercicio de primera clase. Como mencioné en la sección de materiales, esta clase cuenta con cinco hojas de ejercicios las cuales son opcionales para imprimir y se pueden encontrar en la sección de recursos debajo de la clase. Eres más que bienvenido a seguirte solo entregando gratis estas lecciones. Pero para aquellos de ustedes que quieren algo que ha tenido más pulido, son bienvenidos a usar las hojas de trabajo. Si tienes una impresora que utiliza tinta pigmentada en lugar de tinte y puede imprimir en papel de acuarela, esa por supuesto será la opción más fácil. Yo sin embargo, no tengo una impresora así, así que imprimí mis hojas de trabajo en papel de impresora regular y luego reingresarlas a papel de acuarela usando una tableta ligera. Las tabletas ligeras o las cajas de luz son una gran manera de transferir line art para muchas necesidades diferentes de acuarela en general. Entonces si te interesa recoger uno, he vinculado el mío en la lista de suministros de clase Amazon. No obstante, esta no es la única forma de transferir una imagen. Si tienes una ventana brillante, solo puedes usar eso o incluso puedes ir más allá de nuestros métodos de la vieja escuela y usar papel de transferencia o un frote de grafito. Pero esta no es una clase de transferencia de imágenes. Entonces vamos a saltar a nuestro primer ejercicio. En esta primera lección, estaremos explorando las diversas formas de poner pintura al papel. En el primer cuadro, vamos a estar pintando una pintura húmeda sobre papel seco. Quieres que la consistencia esté lo suficientemente húmeda como para deslizarse por el papel fácilmente, pero no tan húmeda que esté en un charco de sopping. En la segunda caja, vamos a estar usando una pintura seca sobre un papel seco, que nos va a dar algo llamado efecto pincel seco. Esta no es una textura que vas a usar todo el tiempo, pero es genial para agregar textura en detalle a algunas de tus capas de acabado en una pintura. El tercer cuadro es pintura húmeda sobre papel mojado. Ahora bien, aunque no uso esto muy a menudo, es muy común en el mundo de la acuarela y muchos pintores abstractos o de flora pueden implementar esta técnica. Vas a mojar toda la caja con agua antes de llevarle pintura y luego vas a usar la misma consistencia de pintura que usaste desde la primera caja y ponerla en ésta. Esto va a dejar que las pinturas fluyan bastante salvajemente alrededor de esa caja y vas a perder mucho control. Una de las grandes cosas de este método es que realmente deja que las acuarelas sean acuarelas. En la cuarta plaza nos vamos a volver a mojar la caja con agua y esta vez vamos a utilizar la consistencia de pintura de la segunda caja, usando una pintura de consistencia de secadora sobre un papel mojado seguirá permitiendo que la pintura se difunda, pero sí se quedará en una zona más centralizada. Esto puede ser genial si aún quieres tener la agradable textura florido de un lavado húmedo y húmedo con un poco más de control. En el quinto cuadro, vamos a hacer algo que se llama ablandamiento. Vamos a volver a poner pintura húmeda en papel seco, y luego vamos a crear un lavado graduado esencialmente agregando agua al extremo de la cola de esta zona. Antes mencioné que una pintura húmeda sobre papel seco es lo que uso con más frecuencia, pero también lo uso en coyuntura con este método. Al agregar el agua después de que el paciente ya esté en la página, me parece que tengo mucho más control sobre dónde pongo la pintura y es mi técnica de aplicación preferida. Puedes hacer este ejercicio una vez o tantas veces como te gustaría sentirte cómodo con los diferentes métodos antes de continuar ejerciendo dos. 8. Ejercicio 2: lavados planos: En nuestro segundo ejercicio, vamos a practicar pintar lavados planos con una variedad de cepillos diferentes y con diferentes técnicas de aplicación. Un lavado plano es aquel que es uniforme en toda la superficie, idealmente sin rayas ni florece. En primer lugar, comienza eligiendo tus pinceles. Para este ejercicio, me gustaría que recogiera al menos un cepillo grande y otro pequeño. Entonces los tres restantes pueden ser diferentes tamaños, formas, o fibras dependiendo de lo que tengas a mano y con lo que quieras experimentar. Elegí usar una mezcla de ardilla y ardilla sintética de terciopelo negro plateado y un tamaño ocho redondo, un taklon blanco talla siete redondo, un taklon blanco talla dos redondo, un taklon blanco talla cuatro cepillo plano, y un cepillo plano de terciopelo negro plateado de media pulgada. Puedes escribir los nombres de los pinceles que estás usando en los encabezados de columna para mantenerlos rectos. Estaré usando dos pinturas frescas para esta demo para que pueda mezclar una gran cantidad de lavado que estaré usando consistentemente a lo largo de toda mi hoja de trabajo. bien recomendaría este método si tienes dos pinturas disponibles para ti, todavía eres bienvenido a usar [inaudible] si eso es lo que tienes a mano. Aunque, ten en cuenta que será más difícil mantener las casillas consistentes en toda la página. Es práctica extra, ¿verdad? Justo como recordatorio, para todas estas lecciones, estoy usando papel de acuarela de algodón. Si estás usando celulosa, será más difícil crear lavados planos consistentes, especialmente en áreas grandes. Las dos primeras filas de la hoja de trabajo están etiquetadas con técnicas de aplicación para usted. La primera fila estará mojada en seco, mientras que la segunda estará mojada en húmedo. Volveremos a la tercera fila y solo un poquito. Vas a usar tu primer cepillo para recoger tu lavado y pasar de un borde a otro, vas a llevar ese lavado a través de la caja. Ya que soy diestro, me muevo de izquierda a derecha. Pero también puedes hacer de derecha a izquierda o de arriba a abajo, lo que sea más fácil. Los espacios de la hoja de trabajo son pequeños, pero es importante entrar en el hábito de trabajar de un borde a otro en un lavado plano, ya que el retroceso puede llevar a florecer. Puedes ir por encima de esta pequeña plaza para igualar las cosas si estás rápido, pero ten en cuenta que esas etapas de secado que mencioné anteriormente jugarán un factor. Una vez que comience a secarse, tendrás que dejarlo en paz. Volver atrás sobre él ocasionará floraciones. Vas a seguir cruzando la fila usando tus diferentes pinceles. Si bien el objetivo visual de esta hoja de trabajo es ser relativamente consistente, la importancia de esta lección no viene con el resultado, sino que las observaciones a lo largo del camino de cómo eres diferentes pinceles manejan esta tarea. ¿ Qué brash era más fácil de usar? Cuál te dio más problemas? Incluso puedes hacer notas si quieres. Para la segunda fila, repetiremos los pinceles pero usaremos una técnica húmeda sobre húmeda en lugar de una húmeda sobre seca. Pre-humedecer el papel, especialmente para lavados grandes puede ser muy útil para obtener lavados planos consistentes. No obstante, hay que recordar que con más agua la pintura se inclinará hacia querer ser más diluida. Me encontré con esto en toda la segunda fila, lo que resultó en que toda la caja fuera un poco más ligera que mi primera. Después de haber completado ambas filas e hecho tus observaciones de los pinceles y de los resultados, me gustaría que elijas la técnica que te resultara más difícil y la repita en la tercera fila. Para mí eso fue lo mojado sobre mojado. Pero si tuvieras problemas para conseguir que la pintura fluyera a través del papel seco, tal vez quieras practicar algo más con el seco. Repetirás los mismos pasos que hiciste antes, pero alterándolos un poco para ojalá obtengan los resultados que buscas en esta ocasión. Si pintas en un formato más grande y los ejercicios más pequeños no son tan útiles, siéntete libre de usar áreas mucho más grandes, incluso hojas completas de papel si quieres practicar y hacer lavados planos en espacios más grandes. 9. Ejercicio 3: lavados graduados: Para este ejercicio, estaremos practicando lavados graduados. Mencioné este término antes cuando tratamos de ablandar los bordes en nuestro primer ejercicio. En resumen, un lavado graduado es un lavado que transita suavemente de oscuro a claro o de un color a otro. Aquí vamos a practicar el tipo que va de oscuro o altamente pigmentado a luz con agua mayoritariamente. He creado una hoja de muestras con pececitos tímidos que estaré usando para esta demostración. Puedes elegir cualquier color que te guste pero sí te recomiendo usar una variedad de colores, incluyendo los que son naturalmente oscuros y naturalmente claros, cuales te explicaré un poco más a medida que avanzamos. El primer pez en el que estoy trabajando ha sido pintado en un rojo fresco que es un color naturalmente vibrante y moderadamente valorado. Pintaré el espacio de los peces con una fuerte concentración de la pintura, asegurándome de que la mezcla aún esté lo suficientemente húmeda como para deslizarse por el papel. Una vez que llego a las aletas delanteras, voy a enjuagar suavemente mi cepillo en agua y con un pincel ligeramente húmedo comienza a tirar una pintura que ya está en mi papel por el cuerpo del pez. Repetiré este proceso un par de veces para conseguir un bonito gradiente suave y llegue al punto donde el cuerpo se encuentra con la cola, debería ser un lavado de color muy pálido. Enjuague mi pincel una última vez, estoy apuntando a hacer la cola como una luz como sea posible y fluir hacia el blanco del papel. El siguiente pez es un amarillo cálido y quiero que sepas lo ligeramente valorado que es este color incluso a plena fuerza. Los colores claros suelen ser más difíciles de calibrar al hacer lavados graduados o estudios de valor porque no hay un cambio tan amplio entre el tono de masa en el blanco del papel. Continuarás el mismo proceso que hicimos en el primer pez pero quiero atención extra de cerca para asegurarte de que el gradiente sea notable. El pez verde es otro color moderadamente valorado como el rojo por lo que el proceso será similar, pero la práctica adicional nunca es mala idea. Al llegar al pez morado, notarás de inmediato lo oscuro que es este color y su tono de masa es casi negro. Aquí, vamos a tener el problema opuesto que hicimos con el amarillo. En lugar de tener muy pocos pasos entre el tono de masa y totalmente tintado, habrá que tener cuidado al ritmo lo suficientemente bien como para ver las diversas etapas tanto de luz como de oscuridad. El azul cae en algún lugar entre los colores moderada y oscura valorados. Ahora que hemos tenido práctica con ambos, podemos acercarnos al gradiente en consecuencia. Solo hay cinco tímidos en esta hoja, pero siéntete libre de imprimir o repetir tantas como quieras practicar esta habilidad. Este también es un buen momento para que te recuerde que puedes empezar a subir cada uno de tus ejercicios a tu proyecto de clase aquí en share de habilidad. Al final de la clase, tendrás un bonito portafolio de ejercicios que serán grandes recordatorios de lo duro que has trabajado y lo lejos que has llegado. 10. Ejercicio 4: crear y prevenir marcas de flujo: Todo colorista de agua seguro se encontrará con flores en algún momento mientras pinta. También llamados fondos o floración de color, flores ocurren cuando un lavado se seca de manera desigual o cuando se introduce agua nueva a un área que ya ha comenzado a secarse. Cuando un área húmeda está contra un área húmeda o casi seca, el agua intentará empujar hacia el espacio de la secadora. Cuando hace eso, lleva cualquier pigmento en el lavado y lo empuja al borde exterior del charco. En esta imagen, se puede decir que aquí y aquí se agregó agua, empujando hacia las colas casi secas de estos lavados graduados. hoy estaremos aprendiendo a crear y prevenir intencionalmente estas flores. De igual manera que hicimos el ejercicio de lavado plano, tendrás una fila creando flores, una fila evitándolas, y luego elige lo que quieras más práctica en la tercera fila. Para ser honesto, tuve una explosión con este y espero que tú también lo hagas. Voy a empezar por colocar lavados planos lo más rápido que pueda a través de la fila superior. No tienen que ser perfectos ya que vamos a estar causando estragos en breve. Una vez que tengas tus cajas listas, es hora de la parte divertida. Con un cepillo limpio, toma un poco de agua limpia y toca suavemente tu cepillo unas cuantas veces. Muestra una esquina o la mitad de la plaza, luego repite todo el camino por la línea. Debido a filmar esto, el primer par de cajas se secó un poco más rápido de lo que originalmente pensaba antes de poder agregar agua. Pero en realidad me alegro de que lo hicieran ya que me permitirá mostrarles cómo se ven las flores cuando se introducen en diversas etapas de secado. Señalaré esto más al final de este videoclip en el escaneo final. En la segunda fila, vamos a estar tratando de evitar las flores o en otras palabras, solo hacer lavados planos. No obstante, la diferencia con el ejercicio de segunda clase que hicimos y éste es que intencionalmente vamos a poner demasiada agua abajo en nuestro papel. Aquí, sólo vamos a trabajar una o dos cajas a la vez con el fin de asegurarnos de no permitir que pase demasiado tiempo antes de guardar nuestros lavados. Una vez que tu caja esté cargada con agua practicaremos quitando agua con un cepillo limpio sediento. Se puede repetir este proceso tantas veces como sea necesario para especie de transbordar el agua del lavado hasta que vuelva a estar suave, luego continuar por la línea. Para mi tercera fila, decidí crear más flores no sólo porque son ridículamente divertidas, sino también para mostrarte cómo se ven las flores cuando tu papel no se ha secado tanto como lo hizo mi primera fila. Trabajé mucho más rápido esta vez y pude dejar caer el agua y cuando las cajas aún estaban amables y mojadas. En el escaneo terminado, se puede ver que la primera fila de flores luce un poco más como una cabeza de coliflor o quizás brócoli ya que son verdes. El cresta oscuro deja muy claro que el agua estaba empujando de nuevo hacia este papel húmedo. En la tercera fila, estas flores son mucho más suaves y muestran leves veinticinco. Están un poco más sueltos y libres y en realidad creo que se ven realmente magníficos. Si estás tratando de crear flores para un efecto textural en una pintura, asegúrate de jugar en un pedazo de papel de desecho para estimar cuánto tiempo debes dejar secar tu lavado antes de introducir agua adicional. 11. Ejercicio 5: controlar los valores: [ Música] Por último, en nuestros ejercicios de clase, hemos llegado a valor. Todo lo que hemos estado aprendiendo en esta clase en última instancia nos ayudará a controlar agua y ninguno es más importante que aprender a aprovechar el poder del valor. A menudo uno de los mayores obstáculos que deben superar las nuevas acuarelas es aprender a equilibrar el valor en una pintura. El blanco de nuestro papel es la base de todos nuestros blancos, tonos claros y luminosidad general. Es comprensible que tengamos miedo de encubrirlo. forma en que no estamos agregando ninguno o suficientes valores oscuros a una pintura hará que se vea incompleta. Por lo tanto, debemos entender y no tener miedo de explorar el valor a través del control del agua. En esta lección, estaremos explorando cómo crear diferentes valores en el palatte, así como cómo glasear y obtener valores más oscuros directamente en tu papel. Podrás encontrar que gravitas hacia uno u otro, pero la mayoría de nosotros usaremos una combinación de ambos en nuestra obra de arte. Las dos primeras filas en las que vamos a estar trabajando, yo llamo valor medido, lo que significa que vamos a usar el cepillo para medir cuánta agua estamos poniendo en nuestras mezclas. Estoy usando un terciopelo negro plateado talla ocho para esta primera fila. Este es el más grande de mis cepillos de dientes. Después usando el verde perileno, un color muy oscuro valorado. Puedes usar cualquier color oscuro que te guste, como el gris de Payne o en el azul del trono. En esta primera plaza, voy a estar usando lo más rápido que puedan, lo más oscuro que pueda con la menor cantidad de agua posible. Va a ser difícil recorrer la página, pero solo haz lo posible para que llegue lo mejor posible. Para la segunda plaza, vamos a sumergir nuestra brocha una vez en agua limpia y añadirle eso a la pintura que tenemos en nuestro paladar. Estamos midiendo la cantidad de agua en un término al que me gusta referirme como carga de cepillo. Es donde estoy trayendo una carga de pincel de agua a las pinturas que tengo en mi paladar. Estoy mezclando la siguiente plaza. Voy a repetir ese proceso para el próximo par de casillas en esta página. Entonces, un chapuzón en el agua y muévete eso a mi palatte. Esto aligerará incrementalmente nuestras cajas y nos dará un bonito pueblo base o valor inicial para las otras filas que se van a estar haciendo en esta página. [ música] cuando llegues a la última caja, necesitarás enjuagar tu agua más completamente porque hemos estado agregando pintura a nuestra agua limpia, ya no es bonita y prístina. Así que siéntete libre de conseguir un poco de agua limpia y asegúrate que esta última caja sea realmente bonita y brillante. En la segunda fila vamos a estar usando un pincel más pequeño. Todavía quiero referirme a esto como un valor medido ya que seguimos haciendo el mismo tipo de cosas. Pero debido a que nuestro cepillo es tan pequeño, vamos a tener que añadir mucha más agua en cuanto a cargas de pincel en el pigmento. En última instancia, para esta fila, no intenté contar las cargas de pincel tanto como traté de igualar el color que estaba arriba por encima. Debido a que este pincel es mucho más pequeño, es una talla dos en lugar de una talla ocho, va a ser más difícil sobre todo cubrir esta primera caja. No obstante, después de eso, sólo voy a hacer mi mejor esfuerzo para que la pintura de mi palatte coincida con el color de la pintura del papel. ¿ Recuerdas que las acuarelas se aclaran a medida que se secan. Cuando veas que esta pintura blanca baja, va a ser un poco más oscura que la fila por encima de ella. Pero para cuando conduce, estaban bastante cerca. [ Música] Ahora que tenemos nuestro valor controlado o medido hacia abajo mezclando en nuestro palatte, vamos a tratar de lograr valores más oscuros a través del acristalamiento. Entonces, en lugar de cajas individuales, aquí solo tengo largas filas y vamos a estar trabajando hacia atrás desde el lado derecho del papel a la izquierda. Voy a estar usando el valor más ligero que pueda para llenar toda la caja, con este primer glaseado. He cambiado a un pincel más grande, pero en lugar de usar el cepillo redondo, estoy usando un pincel plano. Es el terciopelo negro plateado de media pulgada, y para la fila inferior, creo que voy a estar usando ese tamaño para shader plano que viste antes en la clase. Entonces, solo estoy usando suficiente agua para asegurarme de que estos esmaltes todo el camino a través del papel y luego alisarlo para que no tenga ningún back-ends. Voy a repetir ese proceso en la fila inferior, que tardará un poco más porque el tamaño del pincel es mucho más pequeño. Creo que esta es una de las áreas más difíciles de llenar de toda la clase solo por el tamaño relativo en comparación con el pincel. Pero sí nos da una buena sensación de lo mucho más difíciles que pueden ser estas tareas si lo hacemos a nosotros mismos, solo para que quede claro, no recomendaría hacer un glaseado en este pequeño pincel. Pero al igual que con el resto de esta clase, solo quiero que te des una idea de tus suministros y ¿qué herramientas son correctas para qué trabajos? Una vez que estas primeras capas estén completamente secas, comenzaremos el segundo glaseado. Lo que harás es conseguir un glaseado que esté un poco más pigmentado que el que pones debajo de él y lo recubres encima. Desafortunadamente, lamento mucho decir que algunas de mis imágenes de video se corrompieron por esto, así que me falta un par de capas. No obstante, recuperamos nuestro metraje en el cuarto glaseado, quinta capa total. Te puedo mostrar el proceso con esos. cuando lleguemos a estas capas más oscuras, sí necesitamos aumentar la carga del pigmento una cantidad justa solo para acercarnos a las que estaban en las filas del valor medido. Si recuerdas de nuevo a nuestros peces cuando estábamos hablando de cuántos incrementos hay en ese morado realmente oscuro. Simplemente no tenemos suficiente espacio en estas seis etapas para cubrir cada matiz de este color, que es lo que haría el glaseado por ti. Pero realmente este ejercicio es para mostrarte que aún puedes acumular color, aunque ya hayas puesto pintura en tu página. Se aproximará la acumulación en capas, que es algo que a menudo hacemos en acuarelas. Siempre encontré esta tarea realmente frustrante en la escuela porque hay que esperar tanto tiempo para que las capas se sequen entre si estás frustrado conmigo, de verdad me disculpo. Podrías usar una herramienta de calor o un secador de pelo para acelerar el proceso. Pero en última instancia lo pongo aquí porque siento que es una herramienta importante saber respecto al control del agua. Podemos o bien encontrar los valores correctos la primera vez o si no lo hacemos, no tenemos que temer nada colocando otro color encima de él. Entonces, espero que esta lección te haya ayudado a explorar esas diferentes avenidas y tus diferentes herramientas para lograr esos objetivos. Aquí está el escaneo final del proyecto, y creo que hice un trabajo bastante bueno al igualar los valores en su mayor parte. Se puede ver hacia las últimas tres secciones del valor de glaseado, no son del todo tan profundas como el valor medido. Como ya expliqué antes, eso es de esperar. Espero que hayas sobrevivido a estos ejercicios de clase. No olvides subirlos a tu proyecto de clase y pasemos al evento principal. [Música] 12. Proyecto de clase: rinoceronte, Parte 1: Por fin hemos llegado al proyecto de clase, y es hora de poner todas nuestras habilidades recién encontradas o cepilladas para usar. Puedes encontrar esta foto de referencia y el arte de línea para este proyecto en la pestaña de proyectos y recursos debajo de esta clase. Si te sientes cómodo bosquejando, puedes hacerlo o simplemente puedes transferir el liner y llegar directo a pintar. Este tutorial detallado se verá mejor en un monitor de escritorio u otra pantalla grande. Ya que esta es una clase de control de agua, sentí que era importante incluir mi espacio de trabajo y vistas que se pueden ver tanto mis contenedores de agua como mi toalla. Pero eso sí significa que el área en la que realmente estoy pintando es bastante pequeña y será difícil de ver en un dispositivo móvil. My Workspace está configurado con un cepillo redondo de terciopelo negro plateado tamaño ocho. Un recipiente de agua a la derecha para pinceles sucios, y uno a la izquierda para buscar agua limpia y algunas pinturas de color agua. Si bien esta paleta es bastante grande, en realidad sólo voy a estar usando dos colores de Schmincke; tinte neutro, y marrón caoba, este último de los cuales sólo entra al final de este cuadro. Puedes usar cualquier tinte neutro o tono gris que tengas a mano y una siena quemada sustituiría mientras que por el marrón. En cuanto al tema, pensé largo y duro en qué imagen quería usar para esta demostración. Quería elegir algo que realmente nos permitiera enfocarnos casi por completo en el control del agua con poca distracción del detalle intenso o del color brillante. La falta de pelaje, plumas y escamas nos permitirá jugar con el agua y el valor libremente, mientras que la textura de la piel y el cuerno traerá los intereses a la pieza además de darnos un reto técnico. A pesar de que yo mismo he estado en este rinoceronte más de media docena de veces, muchas veces cuando estoy instruyendo a nuevos estudiantes, alguna manera nunca me canso de él. Voy a empezar la pieza poniendo una pintura húmeda sobre papel seco. Este video va a ser en tiempo real, así que no voy a poder cada momento del mismo porque estoy seguro que te cansarás de oírme hablar. No voy a tener nada de música en segundo plano para esto. Entonces habrá parches de solo tipo de silencio, pero eso es que puedes o poner tu propia música o podcasts, o película o YouTube o lo que quieras hacer mientras estás viendo este video. Y ojalá no sea demasiado distrayente. Entonces aquí estoy limpiando mi cepillo y usando un cepillo ligeramente amortiguado para suavizar algunos de los bordes que he puesto. Ahora no suelo ablandar cada borde.Me gustaría dejar unos espacios duros para crear una textura interesante en la pieza. Sigo haciendo esto hasta que toda la zona se vea como lo que quiero. Y luego sólo para reiterar, mencioné antes que íbamos a estar usando un solo color para la gran mayoría de este cuadro. De esa manera no tienes que preocuparte por los cambios de color ni nada por el estilo. Entonces todo lo que estás viendo hasta que te diga lo contrario, es con el tinte neutro. Vamos a estar trabajando con un par de capas diferentes en este cuadro. Y voy a tener unos toboganes que te dicen cuando me alejé del cuadro y lo dejé secar. En ese momento, podrías tomarte un descanso o usar una herramienta de calor para secar tu pintura antes de pasar al siguiente paso. Aquí estoy agregando más pigmento al borde del cuerno. Por lo que el borde superior de esa línea está premojado desde las áreas de ya ablandadas y vas a tener un borde duro abajo que es tocar papel seco. Voy a mover mi pincel a lo largo de esa línea sólo para suavizarlo para que no se vea tan duro. Si no me ablandé cuando regrese a la piel, va a parecer dos entidades completamente diferentes en lugar de parte del mismo cuerpo. Se puede ver un buen ejemplo de eso aquí como la parte superior de esa marca que acabo de poner en la página estaba tocando un lavado húmedo y la parte inferior no lo es. La parte inferior es sólo pintura húmeda sobre papel seco. Se puede ver que ahí dentro hay un poco de pintura para mí. Y voy a hacer lo mismo en esta zona que hice con los cuernos. Entonces una vez que tenga algo de color abajo, me voy a secar mi pincel, usarlo para recoger algo de exceso de agua que realmente no quiero en mi pintura y simplemente suavizar algunos de estos bordes. Obteniendo un poco de pintura fresca y vamos a ponerlo suavemente en este borde inferior, vamos a definirlo. No vamos a estar haciendo un fondo en esta pieza, sólo nos estamos centrando en el rinoceronte, así que aunque algunos de los bordes del rinoceronte sean más claros que el fondo, cuando tengamos este fondo blanco, vamos a quieren poner algún valor a lo largo de los bordes de nuestra pieza, para que podamos diferenciarla del fondo. Cada vez que podrías ver mi mano haciendo una pausa, probablemente estoy mirando hacia arriba la foto de referencia justo como orientación. No busco bajar todo de una manera fotorrealista. Una de mis cosas favoritas de pintar la piel arrugada es que todavía se puede obtener la textura de que lo transmitió sin tener que copiarla foto de manera realista. Te da un poco de libertad artística. Y también pienso solo personalmente, me parece realmente, muy divertido. Aquí está nuestro primer descanso de secado. Y cuando volvamos de este pequeño descanso, voy a estar trabajando en el segundo cuerno. Ahora este cuadro es lo suficientemente grande como para que pudiera haber trabajado en otra área como las orejas o el cuello. Pero por alguna razón cuando estaba pintando y solo quería trabajar de izquierda a derecha y así lo dejé secar. A lo mejor también sólo quería romper. Por lo que hay un montón de razones diferentes para hacer una pausa. Vamos a estar haciendo los segundos cuernos de manera similar a como hice el primero. Entonces estamos poniendo una pintura húmeda sobre papel seco al principio. Y luego estaremos ablandando algunos bordes. Aquí, apenas estoy tocando el fondo de ese cuerno para que podamos conseguir un poco de una hemorragia, pero sí quiero que esa distinción sea bastante clara entre el cuerno y la piel. El frente es una de las regiones más ligeras del rinoceronte, así que quiero tener una mano realmente ligera en eso, para que no cubra demasiado del blanco del papel. No estoy seguro de por qué, pero el área entre la nariz y el ojo me parece una zona de estacas realmente alta. Obviamente el ojo va a ser el punto de enfoque más alto, pero también tienes un cuerno y la nariz, y luego solo hay este espacio vacío en el medio que necesita algo, pero ser demasiado pesado aquí podría ser un perjuicio para el pieza. También estoy trayendo algo de tejido cuando me puse un poco demasiado pesado transmitido al fondo ahí. No tengas miedo de usar otros suministros si quieres quitar agua de tu página. Sé que realmente no hablamos de eso en esta clase, acabamos de hablar de pinceles de pintura, pero puedes usar pañuelos, toallas de papel, creo que algunas personas usan Q-tips o bolas de algodón dependiendo de tu estilo. Soy bastante simple, solo uso pañuelo o toalla de papel si lo necesito. Notaré que si estás usando un color muy tinte, que esta técnica podría no funcionar muy bien. tinte neutro de Schmincke parece levantarse bastante bien, y así puedo volver al blanco del papel siempre y cuando actúe rápidamente. Pero si estás usando algo que tiene, tal vez una pluma azul en la mezcla, va a ser mucho más terco, por lo que querrás tener más cuidado con esas capas oscuras que pones. Podrían reconocer este segmento desde muy temprano en el video, creo en introducción, cuando mencioné que a menudo pinto más con agua que con pigmentos. Toda esta área se trata de mover el agua alrededor de la página, empujando los pigmentos a donde quiero que vayan, pero hay tan poca pintura en la página. Me encanta eso de las acuarelas como se puede hacer tanto con tan poco. Aquí, estamos empezando a definir dónde golpea la mejilla en el cuello, y tenemos algunas de nuestras sombras más oscuras en la pieza. Simplemente estoy sentando un precedente para eso, algo a lo que me refiero en pinturas donde estoy usando mucho color. No necesariamente éste, ya que éste es el grueso del cuadro, pero haré algo así con un color claro en una pieza llena y colorearé un mapa de valor. Simplemente dando vueltas, aunque sea con algo tan claro como ocre amarillo sobre una pieza base marrón natural, solo para acostarse donde quiero que estén mis sombras y reflejos. Obviamente esos no van a ser los colores finales, pero al menos tengo algo de que salir cuando empiezo a acumular capas, y ya no puedo ver mis líneas de lápiz. Ya verás ahí, accidentalmente cogí una violeta perileno, pero eso no es parte del tutorial. No fue intencional, y terminaré cubriéndolo nuevo con el tinte neutro en sólo un poquito. Para mí, estas arrugas del cuello fueron la parte más difícil de la pintura. Es realmente difícil transmitir esas sombras y esos reflejos, así que asegúrate de que cuando estés mirando tu foto de referencia, no busques formas que reconozcas. No pienses: “Oh, así es como se supone que el cuello de un rinoceronte, o así se ven los pliegues de piel”. Simplemente quítate de lo que te están diciendo las sombras y los reflejos, y probablemente resultará en una pieza más realista. Voy a estar trabajando en las orejas, empezando por los mechones de cabello. Este es un proceso bastante lento, por lo que solo un recordatorio de que puedes acelerar los videos de Skillshare en la barra de herramientas inferior de allí. Si voy demasiado lento para ti, solo quieres llegar directo al grano, puedes hacer eso, pero esta fue probablemente la porción más lenta. Simplemente estoy realmente tratando cuidadosamente de trazar los bordes de esas orejas. Voy a volver a entrar con la punta de mi pincel después de poner demasiado pigmento, para que pueda recoger algo de ese color y no se seque demasiado oscuro. Es muy poco probable que pases la mayor parte de tu tiempo en tus lavados grandes, gigantes y sueltos. La mayor parte del tiempo se gasta en pinturas, al menos en el estilo en el que trabajo, se gastan en los detalles. Ya que estos mechones de orejas son bastante prominentes y son muy lindos, quería asegurarme de que pasé el tiempo suficiente para que se vean bien. Estoy tratando de tener mucho cuidado con la parte de la piel de esta oreja para asegurarme de que no interrumpa la pintura que pongo demasiado abajo, al mismo tiempo que también transmite los colores, las formas el sombreado, y que parezca un tres- parte del cuerpo dimensional. Voy a repetir este proceso en la segunda oreja que está más cerca de nosotros, yendo realmente despacio alrededor de los bordes, buscando esas pequeñas entradas. ¿ Qué palabra busco? Hay pedacitos sacados de la oreja que faltan, y así quiero asegurarme de que le estoy dando un poco de carácter, que no sea sólo esta oreja perfecta. Este oído en particular le tiene mucha dimensión, y traté de ser realmente cuidadoso, y lento, y deliberado, sobre lo que estaba pintando. Para aquellos de ustedes que podrían estar tomando esta clase temprano en su aventura acuarela, como mencioné antes, he pintado a este pequeñito más de media docena de veces, creo que siete u ocho veces. Esto es definitivamente lo mejor que ha resultado una oreja. Entonces si tu oído no se ve así, por favor no te desanimes . Se necesita mucha práctica para hacer que algo se vea como un cilindro sobre una hoja plana de papel. Pero para ayudar con esto, estoy bajando esa sombra realmente oscura en medio de la oreja y luego realmente, muy cuidadosamente tratando de suavizar ese borde, para darle la apariencia de que está retrocediendo a esa forma. Me verás meterme un poco más con las capas, recoger más pintura con el pincel, y volveré a ello en futuras capas y volver a hacer valer esos valores que he bajado. Estamos agregando solo un toque de detalle a la parte superior de la frente aquí, y eso ayudará a romper la forma plana realmente grande. Haremos más capas de esto también en el futuro, pero solo comenzar con una arruga o dos aquí arriba, o tres, ayudará a definir el espacio de la piel y no solo una superficie realmente plana, acerada. Podemos curvar eso alrededor para encajar con la forma de la oreja y la sien, y asegurarnos de que todo fluya juntos. Se puede ver en mi paleta por aquí, trato de mantener un charco o la mitad del charco más fuertemente pigmentado, y agrego agua a la otra parte de la paleta. De esa manera, cuando voy de ida y vuelta de la pintura a mi paleta, puedo recoger la pintura en el agua de una manera más rápida, que tener que enjuagar mi pincel cada vez, pero claro verás una combinación de esas cosas. Sólo estoy poniendo algunas arrugas más, asegurándome de que se curvan con la forma de la oreja para que podamos conseguir esa forma cilíndrica. Guiar esa agua, controlar esa agua para asegurarse de que esté funcionando para nosotros y no contra nosotros. Queremos desvanecerse estas sombras realmente fuertes en el resto de la espalda. Los oscureceremos un poco más tarde, pero al igual que lo hicimos en la cara, queremos asegurarnos de que los pliegues en el cuello no acaben abruptamente. Al igual que el cuerno, queremos que la espalda todos sea una entidad, y no sean múltiples piezas de piel apilada en capas juntas, porque eso no se vería muy bien. Hay un pliegues más realmente oscuro aquí en el cuello que es la parte trasera de ese rollo. Entonces solo voy a dedicar un poco más de tiempo definiendo eso, asegurándome de que tengamos suficiente contraste para que parezca realista. Se puede ver que toda esta pieza es realmente de bajo valor. Volviendo a nuestra lección de valor y a mí hablando de querer asegurarnos de que repuntemos el contraste, eso va a venir en capas posteriores. No te preocupes que aún no los veas. Ahora que hemos pintado toda la superficie del rinoceronte, necesitamos asegurarnos de que todo se seque antes de poder pasar a la siguiente capa. Ya verás si miras de cerca, agregué mucha agua al cuello antes de que se secara y sí terminó empujándolo de nuevo a esas arrugas un poco más de lo que me gustaría. Aquí, solo estoy señalando las áreas en las que quiero trabajar, pero verás que el lavado no se secó del todo como lo pretendía. En esta siguiente capa, voy a estar trabajando en esas áreas. Podría verme frotando un poco más con mi pincel tratando de suavizar esas floraciones que ocurrieron. En este punto, decidí acelerar el metraje ya que he estado charlando mucho sobre las diferentes técnicas y ya sabes todos los pasos o qué buscar. puede ver que el cuerno se ve casi idéntico a como lo hizo al principio, donde solo estoy reforzando esas sombras, reforzando esa textura, y agregando un poco más de profundidad para que las capas de color encima de la otra y proporciona un poco más de interés. Supongo que puedo notar que si miras la foto de referencia, hay pequeños parches de marrón o suciedad y estoy esperando hasta el final por esos, esos terminarán siendo ese marrón caoba que mencioné antes, o la CNF quemada que quieres para reemplazarlo, pero voy a hacer todo en gris primero. Es que es mucho más fácil así, realmente podemos enfocarnos en adónde va el agua, podemos enfocarnos en el pincel que estamos usando, en la pintura y el papel. Es así como pinto muchas cosas diferentes. Mucha vida silvestre tiende a ser un color general o un color subyacente. Si estoy trabajando en un león, digamos que usaré montones de bronceados y marrones y solo construiré la mayor parte de la pintura en eso. Al final, traeremos algunos colores contrastantes, tal vez traeremos algunos colores de cortesía, agregaremos algunas sombras frescas solo para compensar todos los tonos cálidos que hemos estado usando. De verdad he llegado a gustarme este estilo donde estás usando mayormente un color. Podrás enfocarte en eso para la parte principal de tu cuadro y luego simplemente levantarlo en ese último momento. Aquí, solo estoy reforzando una sombra justo detrás las fosas nasales para asegurarme de que esa zona se retrocede aún más. En general, los tonos más oscuros se retrocederán un poco más en las sombras, mientras que los colores más claros se adelantarán hacia el espectador. Cualquier cosa que quieras lucir un poco más empotrada, puedes agregarle más sombra y te ayudará con esa ilusión. Antes mencioné que estaba luchando con ese espacio entre los ojos y la nariz, así que aquí solo estoy agregando mucha textura extra para que algo suceda en esa zona, lo vea o no en la foto de referencia, artísticamente, se sintió realmente vacío de algo interesante de mirar. Sólo estoy agregando unos cuantos. Se puede ver un par de diminutos bordes duros ahí dentro donde la pintura no estaba completamente mezclada, y luego el resto del lavado se derrite en ella al resto de la piel. Por fin estoy volviendo a la vista. Esto es algo en el arte de la vida silvestre que me parece realmente interesante. Hay muchos artistas a los que les gusta empezar con los ojos porque le da vida al sujeto, y les ayuda a darles algo en lo que enfocarse y llenó el espacio a su alrededor. Para mí, soy lo contrario. Los ojos son mi absoluta cosa favorita para pintar. Encuentro guardándolos para el final, es como guardar el último bocado bueno de una comida para el final, o simplemente algo que realmente quieres saborear. A pesar de que se ve un poco espeluznante sin tener ojo ahí por una buena porción del cuadro, simplemente me parece mucho más gratificante una vez que has puesto en todo este trabajo, todas estas capas, realmente has construido cuidadosamente todo alrededor de la pintura para luego caer en que habito cobran vida. También me parece muy útil desde punto de vista técnico porque los ojos suelen ser una de las zonas más oscuras, al menos la pupila. Si tienes como un ojo azul, todavía va a tener negro en medio de él, y cuando pones un montón de negro sólido en un cuadro, va a haber una tendencia de que si accidentalmente lo tocas con un cepillo mojado, se va a reactivar y eso es sólo una especie de lo que pasa. Encuentro que al ponerlo en último lugar, puedo asegurarme de que no interrumpa a esa pupila ni a esa sombra. Eso sólo va a bajar a la preferencia personal. Puedes decidir si eso es lo primero que quieres hacer, o lo último, pero me verás ponerlo bastante cerca del final. 13. Proyecto de clase: rinoceronte, Parte 2: Entonces aquí he cambiado a un pincel más pequeño, creo que esto como una Talla 4 de la misma línea. Vamos a estar haciendo detalles con este pincel más pequeño. Entonces en general, como regla personal, intento usar el pincel más grande que pueda, por el tiempo que pueda. Eso me ayuda a no concentrarme demasiado en los detalles demasiado pronto. Ahora, probablemente viste el pincel antes en esta clase y observa que tiene una punta muy fina en él. Podría hacer trabajos de detalle con él. Pero también mencioné antes en la clase que el cepillo sostiene mucha agua. Para que mi cepillo no retenga demasiada agua, y asegurarme de que consiga suficiente pigmento hacia abajo, decidí bajar a este tamaño más pequeño. Voy a estar reforzando muchas de las sombras, llenando muchos detalles y agregando algo de textura. Aquí voy a estar punteando muy suavemente en algún pigmento en la frente, para crear algunos de los chorros negros. Pero como hay áreas que están sombreadas o manchadas en la frente. Voy a poner esto mojado en seco y luego vamos a enjuagar el cepillo y simplemente extender esa zona. Haz que se mezclen con la piel un poco más a la perfección. Por fin voy a volver a visitar esa oreja frontal y realmente profundizar nuestras sombras. Mejor dejaré que los colores que ya hemos puesto se conviertan en los tonos medio. Estas sombras más profundas le darán más valor a la pieza general en general y ayudarán con esa forma cilíndrica que intentábamos lograr antes. Al poner un poco de negro en las puntas de las orejas donde están los [inaudibles] que ayuda a equilibrar sólo la pesadez visual. Tenemos la oscuridad por dentro, tenemos la oscuridad en la parte superior, y va a ser una pieza realmente bonita. Por fin hemos llegado al momento en que es hora de poner en ese ojo, esta será la zona más oscura absoluta de la pintura.En el ojo del rinoceronte realmente no podemos ver mucho de un Iris ni nada de eso como. Todavía es bastante grande y hay un reflejo en ella. Por lo que queremos asegurarnos de dejar eso ahí dentro. Puedes agregar reflejos blancos con tinta o acrílico o gouache después del hecho. Subiendo, va a haber un tramo bastante grande conmigo sin decir nada porque solo estoy yendo y haciendo las mismas cosas que ya hemos hecho a las áreas más detalladas y tratando de reforzar esas sombras, del que ya te he hablado. Por lo que no quiero seguir repitiéndome. Entonces sintonizaré aquí y te veré de vuelta en un rato. Está bien, finalmente estoy de vuelta y es hora de agregar un segundo color. Entonces de nuevo, esto es marrón caoba de [inaudible] pero puedes usar una siena quemada o un rojo veneciano, [inaudible] buscando un bonito tono cálido, terroso. Lo vamos a usar en un lavado muy diluido. Vamos a estar vidriando sobre los tonos que ya tenemos aquí, lo que ayudará a darle más dimensión a toda la pieza ya que está solo en un color en este momento. Empiezo con el cuerno porque esa es la zona que me resulta más obvia que hay mucho marrón. Se podría ver especialmente reflejando fuera del suelo y la luz desde abajo, y sólo vamos a dar la vuelta y seleccionar áreas, asegurándonos de que sean opciones importantes y que impacten la pieza de manera positiva. El paso final para mi proceso de pintura al menos, es agregar algunos aspectos destacados. Ya mencioné antes cuando estábamos hablando del ojo que puedes usar tinta, puedes usar gouache, puedes usar acrílico, lo que quieras usar para tu pieza. Utilizo esta tinta soluble en agua o al menos lo hice esta vez, y sólo voy a estar agregando en un par de destacados que perdimos durante el proceso de pintura. Hay algunos compañeros de acuarela que fruncieron el ceño al hacer esto, pero disfruto poder sumar en esas áreas blancas de nuevo a mis piezas y a veces no en ésta necesariamente, pero a veces las piezas solo piden que el blanco esté encendido top de otros colores que pueden ser realmente difíciles, sobre todo cuando estás empezando en acuarela. Entonces solo voy a estar destacando algunas de las arrugas, resaltando, siento que mi cara tenga [inaudible] ahí dentro. Vamos a ir por las fosas nasales, tal vez un par de manchas en los cuernos, pero no vamos a exagerar. Tan solo un par de toques ligeros para equilibrar la pieza. Por lo general después de agregar mi blanco, vuelvo una vez más con un pincel y solo retoque cualquier cosa, suavizo bordes de ese blanco si necesito, agrego algo más oscuro solo para asegurarme de que haya equilibrio en el mundo y estaremos terminando. 14. Reflexiones finales: [ Música] Muchas gracias chicos todos por unirse a mí para la clase de hoy sobre control de agua. Espero que las lecciones aquí ayudaran a desmitificar estos temas complicados y espero que ustedes se divirtieran pintando un amigo rinoceronte y que no fuera demasiado desafiante. Me encantaría ver lo que ustedes chicos pudieron crear con esta clase y escuchar sobre sus experiencias con el control del agua. Así que no olvides subir tu proyecto de clase en la sección de proyectos de clase de esta clase e incluso puedes lanzar algunos de tus ejercicios de clase si no pudiste hacer todo el proyecto de clase por sí solo, cualquier poco bit es un comienzo útil. Se puede hacer esto en el transcurso de una semana o dos semanas o por mucho tiempo que necesiten completarlo y espero que se hayan divertido con él. No dejes de echar un vistazo a algunas de mis otras clases de escultura si quieres aprender más sobre pigmentos o quizá pintura y aliados y te veré en la próxima clase de escultura. Gracias de nuevo por acompañarme y nos vemos la próxima vez. [ Música].