Dominación de audio 101: una guía principiante para el dominio de la música moderna

1. Introducción: ¿Has oído hablar de masterización pero no estás seguro de qué es? Siempre has oído hablar de los marcianos estar en algún tipo de magia más oscura o vudú nota cualquier chicos durmió para ti o has probado maestro y un resultado final inconsistente y tus canciones suenan de pisos y comprimidos. Y por último, ¿quieres usar Mastering para crear una canción que suene fantástica? masterización era sin duda algo que estaba envuelto en misterio cuando empecé a aprender sobre ello por primera vez. Entonces en esta clase, estamos desmitificando el dominio enseñándote mis fundamentos masculinos. Entonces, si quieres aprender más sobre los fundamentos del dominio moderno, entonces este es el curso para ti. Mi nombre es Darin Smith, pero por favor llámame mancha, y soy un ingeniero de maestría y educador profesional con sede en el Reino Unido. Y en esta clase te estaré enseñando algunas de las técnicas y principios básicos que se utilizan como ingeniero profesional de masterización. En esta clase, aprenderás lo que es la masterización. Los términos comunes asociados a la masterización moderna. Los fundamentos de la normalización de sonoridad, y cómo las plataformas de streaming procesarán tus canciones. Limitar y cómo usar el limitador en un contexto de masterización, ecualización y cuentas que equilibró en tu canción. Compresión. ¿Necesitas usar un compresor y cómo usar uno para obtener los mejores resultados para exportar y convertir caída y qué archivos necesitas para mostrar realmente algunos Después de la clase, aprenderás la comprensión y masterización central que te ayudará a crear un lanzamiento de canciones listas. Alguien en el curso, usted será capaz de demostrar una comprensión de lo que maestrías y explicar la terminología central. Aplica tus conocimientos de cómo las plataformas de streaming alteraron el volumen de tus canciones. Y usa este conocimiento para obtener los resultados más impactantes. Efectivamente usando limitador para obtener el equilibrio óptimo entre sonoridad y rango dinámico. Aprovecha al máximo un ecualizador mediante el uso de amplios movimientos de ecualización en las definiciones tus canciones entienden el papel de la compresión en la masterización y usan compresor para agregar equilibrio cohesión a tus canciones y exportar tu lanzamiento realmente canciones al mundo. Espero que hayan disfrutado de esta clase y no puedo esperar a escuchar sus resultados en la galería del proyecto. 2. Proyecto de clase: Esta clase, he creado una clase de proyectos en los que me gustaría que dominaras una canción. Esta puede ser una de tus propias canciones u otra, así que tenemos permiso para usar. Pero si no tienes algunos disponibles, no entres en pánico. Hay un montón de canciones disponibles a través la tecnología Cambridge music techno, su sitio web. Este sitio web tiene toneladas de canciones disponibles para practicar. Realmente no necesito hacer es encontrar algo que tenga un desenmascarado tener micrófonos. Descarga el archivo, y luego puedes usar esta canción como canción para tu proyecto de clase. Una vez que hayas encontrado una canción de ellos como tú para dominar la canción usando las habilidades aprendidas en esta clase. Pero no olvides darte tu propia personalidad. Dominar es en gran medida un proceso creativo y quiero que uses los consejos y técnicas que quiero como pauta los consejos y técnicas que quiero mostrarte en esta clase. Dale tu propia personalidad y ponle tu propio sello. Pero sobre todo, confía en tus oídos. Una vez que hayas dominado el verano, no usamos enviar dos archivos, siendo uno la versión master y el otro el premaster. Antes de cualquier procesamiento, puedes usar la sección de galería de proyectos de esta clase para subir tus canciones. Y me gustaría que enviaras algo, tal vez St. como un enlace de Google Drive o Dropbox o algo similar. Alternativamente, puede usar un sistema de intercambio de archivos de su elección. Nosotros transponemos generalmente una buena opción aquí ya que puedes transferir archivos de hasta 2 gb de tamaño gratis como parte de su plan de precios gratis, no recomendaría usar enlaces de YouTube y YouTube porque el procesamiento de YouTube afectará la calidad general y el sonido de tu cantado. Junto con los enlaces de otoño, será genial si pudiera escribir una breve descripción en la sección de la galería de proyectos sobre cómo te acercas a la masterización. Dame una idea de tu intención. Cuando escuchas la pista por primera vez. ¿Cuáles fueron tus impresiones iniciales? ¿En qué sentiste necesario trabajar? ¿Qué querías realzar de la canción? ¿Fue esto algo de lo que no te gustó el sonido? Y ¿qué hiciste para llegar al resultado final? Esto me permitirá entonces no sólo comparar a su maestro con el original, sino que también te dará una idea del sonido al que estás apuntando. Esto me permitirá entonces darte una retroalimentación más significativa, que te ayudará a lo largo de tu viaje de masterización. Pero no olvides divertirte. La masterización es en gran medida un proceso creativo y artístico. Así que diviértase. Que se diviertan. Confía en tus oídos, y no puedo esperar a escuchar los resultados dentro de la sección de galería de proyectos. 3. ¿Qué necesito para esta clase?: costo del punto de entrada para la producción musical moderna va bajando con el tiempo. Así que nunca ha sido más fácil ni más rentable crear música. Pero hay algunas piezas de equipo que se vuelven bastante técnicas. Así que he desglosado esto en unos sencillos pasos para obtener lo mejor de esta clase, hay algunos artículos que necesitarás. Necesitará una computadora, Mac o PC, computadora de escritorio o computadora portátil o búsqueda de reglas. Algunos software tendrán requisitos mínimos del sistema o recomendaciones son ciertos software para funcionar sin problemas. Así que asegúrate de verificar que las especificaciones técnicas de la computadora uses ejecuten una estación de trabajo de audio digital. La mayoría de las computadoras modernas estarán absolutamente bien. Necesitará una estación de trabajo de audio digital o un software DAW para dominar su canción. Este software actuará como la aplicación principal y editor para dominar tu canción. Esta clase es agnóstica de DAW, por lo que no necesitas un cierto DAW para seguir esta clase. Usa uno que funcione para que te inspire a crear buena música. La mayoría de los DAW en todas las plataformas. Entonces, ¿qué vamos a ambos Mac o PC, pero hay algunas excepciones. Si eres nuevo en el mundo de los DAW, entonces te recomendaría probar caucus Reaper ya que hay un período de evaluación de 60 días completamente funcional. Por lo que obtendrás acceso completo durante 60 días de forma gratuita. Pero voy a estar usando el estudio uno para esta clase. Es mi DAW de elección, pero no tienes que usar Studio one para seguir esta clase. Además del DAW, necesitarás plugins, un limitador, ecualizador de compresor, y ellos medidor de nivel. Estos complementos generalmente se incluirán como parte de su DAW. Así que asegúrate de que tu DAW incluya estos cuatro Plugins. Todos estos están incluidos en Cacao Reaper. Si tu DAW no tiene estos complementos, entonces hay muchas opciones de terceros disponibles. También sugeriría que verifique que su medidor de nivel sea capaz de leer las medidas L UFS, las cuales pueden aparecer como un preajuste modal EBUS R1 28. Si no, recomendaría descargar ya sea el plugin DP meter five TB pro audio o el euleriano más ruidoso cumple con un plug-in, ambos de los cuales son gratuitos. Como concentrador de sonido principal para tu configuración, necesitarás una interfaz de audio. Explicar el papel de una interfaz de audio es un tema bastante complejo que podría ser una clase por derecho propio. Sin embargo, en términos simples, necesitamos una interfaz de audio para reproducir el sonido con mayor calidad y para conectar nuestros dispositivos de monitoreo. La interfaz te permitirá conectar auriculares y monitores de estudio y convertir el todo el día de digital a analógico para que puedas escuchar tu canción desde tu computadora. No se recomienda conectar auriculares directamente tomó la toma de auriculares de computadora, ya que esta no será una calidad suficiente para reproducir una representación precisa de su canción. Por último, necesitarás auriculares o altavoces de monitor de estudio para escuchar una canción. Esto es una vez más, otro vasto tema que tiene muchos factores sí discute que, francamente, están más allá del alcance de esta clase. En un mundo ideal, todos tendríamos espacios de estudio dedicados con muchos tratamientos acústicos a medida, crearíamos un ambiente de escucha óptimo. Pero no vivimos en un mundo ideal. Entonces, a menos que tengas una especia de escucha dedicada, se trata acústicamente. Recomendaría usar un juego de auriculares para esta clase. Los auriculares vienen en todas las formas y tamaños cuales tienen sus propios retos vendidos. Simplemente recomiende usar auriculares de estudio evaluador, que están sobre ER, y preferiblemente con respaldo abierto para una experiencia auditiva más óptima. Pero lo más importante aquí es no dejar que el equipo se interponga en el camino. Existen numerosos ejemplos de fantásticas canciones de Santos que se están creando con un equipo menos que óptimo. Así que no te dejes disuadir si no tienes el último y mejor equipo. 4. ¿Qué es el Mastering?: Bueno, primera lección, vamos a discutir brevemente lo que es masterizar en la producción musical moderna, generalmente podemos descomponer el proceso de creación de la canción en acciones definibles. Normalmente estas acciones son las siguientes. Composición, donde escribimos la suma que queríamos crear, grabar y producir, donde grabamos la canción con la instrumentación necesaria para crear el cuerpo de la canción. Mezclar y editar todas las pistas en una versión equilibrada de la canción. Dominando donde agregamos el pulido final y preparamos las pistas para su lanzamiento. Y luego finalmente, distribución donde lanzamos tu música al mundo. masterización es una parte muy importante de la cadena que se puede desglosar en cuatro acciones clave principales. Control de calidad, donde escuchamos pops y clics, recorte, distorsión y cualquier otro problema. Escucha objetiva. Bueno, nos aseguramos de que la fuente de Sam coincida con la intención del artista. Mejora creativa donde mejoramos el volumen de la canción, creando una versión final pulida, y presentación informal donde aumentamos la sonoridad general de las pistas cuando nivel apropiado para nuestro medio elegido. En fase para asegurar una transición suave entre canciones. Agregue información de metadatos para fines de crédito y regalías si es necesario, y cree los archivos necesarios para su liberación. masterización a menudo se considera un complemento al proceso de mezcla, pero en realidad tiene algunas diferencias únicas que lo diferencian del proceso de mezcla. En primer lugar, generalmente estamos trabajando con una sola caída estéreo relevante y pistas de instrumentos individuales. Entonces estamos viendo la presentación formal de la canción en su totalidad sobre elementos individuales. masterización también se centra más ampliamente en el espectro de frecuencias en su conjunto lugar de en la instrumentación individual. Entonces generalmente tendemos a pensar más en amplios rangos de frecuencia sobre frecuencias individuales en Master. Y también miramos cómo traducirían las canciones a tu público. Dado que tu audiencia puede escuchar canciones en multitud de dispositivos, necesitamos asegurarnos como parte del proceso de masterización que la canción se traduce a tantos dispositivos como sea posible. Y por último, también debemos asegurarnos de mantener una mentalidad objetiva para asegurarnos de que lo extraño o sonido cumpla con la intención del artista. Estos son todos los componentes son lo que se conoce como la mentalidad de dominio y una clave que se separa de la mezcla y la creación de una canción final pulida lanzada lista. Entonces, para recapitular, la masterización es una parte importante del proceso de producción musical, donde nos centramos en cuatro áreas clave principales, que son el control de calidad de la canción en general, escucha objetiva para lograr la intención del artista, mejora creativa para crear una canción lista para el lanzamiento pulido y la presentación formal que incluye sonoridad, desvanece los metadatos y crea archivos de audio. En nuestra próxima clase, te mostraré términos comunes asociados con la masterización de mod para ayudarte a entender la terminología con la que te encontrarás al dominar tu canción. 5. Términos comunes de dominio: Antes de entrar en el cuerpo de la clase, y quiero compartir con ustedes algunos de los términos comunes asociados con el dominio. Esto realmente te ayudará a entender algunos de los términos clave con los que te encontrarás al dominar tu canción. Voy a estar haciendo referencia a estos términos a lo largo de la clase. Algunos de ustedes pueden estar al tanto, pero algunos de ellos están más asociados con masterización sobre la mezcla o la grabación. Los términos clave asociados con masterización moderna, nuestro nivel pico. Nivel de pico verdadero, techo digital, recorte digital, espacio libre, rango dinámico y unidades de sonoridad L UFS en relación con la escala completa. El nivel pico es una medida que indica el nivel instantáneo de una señal de audio. nivel pico fluctúa en función de la sonoridad de la canción, pero también mide el pico más fuerte o la parte más ruidosa de la canción. El nivel máximo se mide en decibelios, o más exactamente, decibelios a escala completa o DBF. El nivel de pico verdadero es similar al nivel pico, pero es una medida mucho más precisa. ¿Por qué es esto? Un medidor de nivel máximo en un DAW realmente mide la recreación digital del sonido. Así grabamos sonido en el DAW y los convertidores de analógico a digital dentro de nuestras interfaces recrearán digitalmente un archivo de sonido. Pero para escuchar el archivo de sonido desde la DAW, nuestras interfaces necesitan entonces convertir esa señal digital de nuevo en una señal analógica para que podamos oírla a través de auriculares o monitores de estudio. Durante la reconstrucción de digital a analógico, puede haber una variación en el nivel entre la creación de lectura digital y analógica. Y por lo tanto el verdadero nivel pico mide la recreación analógica y es la medida más precisa una vez que la señal se ha vuelto a convertir a analógica, porque eso es lo que escuchamos. El pico también se mide en decibelios. El techo digital es el nivel máximo de pico permitido antes de que ocurra la distorsión. El techo digital puede denominarse simplemente en la mayoría de los casos como cero dBFS. recorte digital en términos simples, es una distorsión sonora no deseada que se produce donde el nivel pico intenta pasar por encima del techo digital. Este es un sonido indeseable y algo que debemos evitar. espacio libre es la medida de diferencia entre el nivel pico en la parte más ruidosa de la canción y el techo digital. Entonces, por ejemplo, si permito que este pico esté en menos cinco dBFS. Y la escena digital y estos cero DBF, entonces tendremos cinco DBs por valor de espacio libre. El rango dinámico es un término bastante técnico para expresar y puede ser muchas cosas para muchas personas ya que no hay un significado directo real del rango dinámico. rango dinámico para el sol puede ser la diferencia entre los picos más ruidosos y los más silenciosos de una canción. Para algunos, puede ser la diferencia entre nos permitió una medida promedio. Pero sin entrar en los aspectos técnicos, en general, el rango dinámico es un término que se utiliza para describir variaciones entre lo más silencioso y permitido una parte de una canción. Un sonido más comprimido tendrá un rango dinámico menor que un sonido menos comprimido. Será más dinámico. Para facilidad de referencia, me referiré a rangos dinámicos o rango de sonoridad ya que esto es lo que está captando en el medidor DAP cinco tapando que voy a estar usando en esta clase. Las unidades de sonoridad relativas a escala completa, o EFS, son un concepto relativamente moderno y se utilizan para medir la sonoridad percibida. La sonoridad percibida es en realidad bastante importante. Y en términos simples, representa con mayor precisión cómo escuchamos como humanos y cómo percibimos el sonido. Por lo que tiene en cuenta la percepción humana. Efs o amor's, se miden típicamente de tres maneras diferentes. corto plazo nuestro UFS, que mide los 3 s más recientes o sonido para representar un sonoridad más promediado, menos dependiente de eventos. Momentary L. Ufs mide los 400 milisegundos de sonido más recientes para medir la sonoridad instantánea. Y LFS integrado mide la sonoridad percibida de principio a fin y se utiliza para medir la sonoridad percibida de toda la canción. Y ahora vamos a recapitular estos términos comunes de masterización. Nivel pico, nivel pico verdadero. Techo digital, recorte digital, espacio libre, rango dinámico, un L UFS, unidades de sonoridad en relación con la escala completa. Y breve es mucha información para tomar aquí, pero no te preocupes, me voy a referir a los términos a medida que vayamos por la clase. Podrás ver cómo se aplican estos términos en la práctica. Pero no lo olvides, siempre puedes volver a esta clase como repaso. Y los términos más predominantes que voy a usar como parte de esta clase son las unidades de nivel pico verdadero y sonoridad relativas a escala completa en la medida integrada. Amores integrados, que va a ser de gran importancia cuando se trata de nuestra próxima clase sobre normalización de sonoridad. 6. Normalización de la altísima - aspectos básicos: Más que morfina. Y con la introducción de las nuevas tecnologías, mucho el medio más popular para escuchar música en la actualidad es la plataforma de transmisión de virus. Piensa en Spotify o Apple Music, mareas y similares. Ahora uno de los mayores retos para las plataformas de streaming cuando consideras que tienen millones de canciones en su plataforma, es que necesitan asegurarse de que todas las canciones se reproduzcan a un volumen consistente, lo que a su vez crea una mayor experiencia auditiva para el público. Entonces, ¿cómo hicieron esto? Aplican normalización de sonoridad a todas las canciones de sus plataformas con el objetivo de crear un volumen consistente para todas las canciones que se escuchan. Para darle a esto algunos contextos es posible que hayas oído hablar de la frase guerras de sonoridad. En pocas palabras, las guerras de sonoridad se relacionan con una época en la que la gente quería hacer la música lo más fuerte posible. Como humanos, percibimos que más fuerte es mejor. Por lo que hubo competencia para hacer que las canciones sean más ruidosas que los competidores. El punto de vista era que si hacemos nuestras canciones más fuertes de lo que el público pensaría que era mejor. Esto fue especialmente el caso en la industria broadcast. Tenemos estaciones de radio e incluso anuncios de televisión que utilizan el volumen como herramienta para competir entre sí estaciones y marcas. No obstante, la industria broadcast pronto tomó el control de la situación. Se introdujeron dos importantes leyes . Unión Internacional de Telecomunicaciones, ITU, o B, S 17, 70, y la Unión Europea de Radiodifusión, EBU, R1, 28. Hay otras, pero estas son las principales legislaciones para Estados Unidos y Europa y una generalmente adoptada a nivel mundial. Estas legislaciones crearon un marco para garantizar que todos los medios de difusión reproduzcan audio a un nivel regulado y consistente. Pero como ya sabrás, esto aplica a los medios de difusión. Solo a en realidad no se aplica a las plataformas de transmisión. De hecho, a partir de 2023, no existe una regulación que aplique a nuestra normalización de sonoridad para plataformas de streaming. Sin embargo, las plataformas de streaming asumen algunos de los principios de estas legislaciones. Pero como no está regulado, todavía hay algunas inconsistencias que entre las plataformas de streaming individuales y cómo aplican la normalización. Entonces, ¿qué principios adoptaron? Aquí necesitamos referirnos a nuestra escala de medición, que es unidades de sonoridad relativa a escala completa. Específicamente las mediciones integradas. Las plataformas de streaming utilizan la medida integrada UFS para calcular la sonoridad percibida de las canciones en sus plataformas. Y la sonoridad normaliza las canciones a un nivel consistente. Además, también aplican una verdadera recomendación de nivel pico con el objetivo de garantizar que no se produzca ningún recorte digital durante los procesos de carga y codificación. Entonces, ¿qué no se ha adoptado? En pocas palabras, no hay amores consistentes integrados ni medidas de personas verdaderas que hayan sido adoptadas por las plataformas de streaming. Veamos esto en la práctica. Aquí tenemos el sitio web loudness penalty.com, que es una gran herramienta para conocer los impactos de la normalización de sonoridad para las principales plataformas de streaming. La normalización de sonoridad se utilizará para bajar el volumen de tu hundido o tal vez incluso para crear el volumen consistente que la audiencia está buscando. Podemos utilizar este sitio web para analizar una canción y nos dirá los impactos de la normalización de sonoridad para las principales plataformas. Solo una nota al margen aquí, el nombre sonoridad embarazo es un poco engañoso ya que sugiere que dominar demasiado fuerte comprometerá o penalizará la canción. Esta no es en realidad la intención es que simplemente sugiere que podríamos crear más dinámicas al dominar no tan fuerte mientras somos menos pesados con un limitador. Más sobre esto a seguir en la clase limitante. Aquí, he subido la canción que tengo recientemente MasterCard donde todos los ángeles por ese efecto sfumato para tener álbum colonial para usar sus canciones para esta clase. Dominé una canción que medía -12.6 L UFS integrada como medida de sonoridad percibida. Al mirar los resultados, YouTube, Spotify, Tidal y Amazon bajarán esta canción en 1.4 dB en su modo estándar y se normalizarán a aproximadamente -14 l UFS integrados. Apple, bajaremos una canción por -3.4 D Bs y normalizaremos a aproximadamente -16. Lof se ha integrado y diesel bajará la canción en -2.4 dB normalizado a aproximadamente -15 o UFS integrado. Se puede ver lo confuso que puede ser esto. También hay más irregularidades en torno a las verdaderas recomendaciones de nivel pico para cada plataforma. Todos ellos también ofrecen diferentes modos de normalización de sonoridad, y la varianza depende de la preferencia del oyente. Uno de los mitos más comunes torno a la masterización es que existe una sonoridad objetivo para las plataformas de streaming con la cifra que a menudo se cita como -14 l UFS integrada. Como puede ver, no existe tal cosa como un objetivo ya que no existe un nivel regulado de normalización para todas las plataformas de streaming. Este es un tema muy denso y técnico, pero las principales conclusiones clave aquí son las plataformas de streaming. Utilizamos la normalización de sonoridad para garantizar que haya una experiencia auditiva consistente para la audiencia. La normalización de sonoridad incluso se utilizará para subir o bajar potencialmente tu canción. La normalización de sonoridad se basa en la sonoridad percibida. Así que las risas integradas se utilizan como medida de las medidas. Pero también tomarán en consideración el verdadero nivel pico del archivo de canción para minimizar cualquier posibilidad de clip digital ya sea en la etapa de carga o el proceso de codificación a la hora de subir los archivos a las plataformas de streaming. Una vez más, hay mucho que tomar aquí, pero voy a estar mostrándote algunos ejemplos prácticos cuando lleguemos a la clase limitante, podemos empezar a ver que estos conocimientos realmente se ponen en práctica. Pero por ahora, pasemos a la siguiente clase, que se trata de configurar la sesión de masterización. 7. Cómo configurar una sesión de dominio: Para nuestra primera clase práctica, voy a mostrarte cómo preparar una canción para masterizar. Prepárate para una exitosa sesión de masterización. El verano que voy a usar para estas clases es la canción Born to be free by tomato effect, quienes amablemente me han dado permiso para usar su canción para estas clases. Esto fue algo que dominé y está disponible en todas las principales plataformas de streaming. Si quieres escuchar la versión antigua maestra. Una de las primeras cosas a discutir es la importancia de tener una sesión de masterización dedicada para dominar tu canción. A menudo me preguntan, ¿está bien dominar la sesión de mezcla? Siempre recomiendo tener una sesión de masterización dedicada para dominar una canción, ya que es importante entrar en mentalidad de masterización sobre la mentalidad de mezcla. Si intentas dominar la sesión de mezcla, siempre estarás tentado a enfocarte en los individuos, por lo que los elementos más que la canción en su conjunto. Y en masterización, estamos muy mirando la presentación general de la canción sobre elementos individuales. También hay que considerar aquí y no todos tienen una computadora poderosa. Y si tienes una mezcla densa con muchas pistas y complementos, y agregar más plug-ins en la parte superior puede crear estrés adicional en tu computadora. Potencialmente creando un cuello de botella. Una vez que tenemos una sesión en blanco y necesitamos asegurarnos de que la sesión DAW coincida con la caída de la canción en relación con las frecuencias de muestreo y la profundidad de bits. No voy a profundizar demasiado muestreo y la profundidad de bits, ya que estos son temas en profundidad más allá del alcance de una clase individual de maestría. Pero si quieres ampliar tus conocimientos en relación con las frecuencias de muestreo, entonces te recomendaría investigar el tema del teorema de Nyquist, que entra en detalle respecto a las tasas de muestreo. Pero tendrías que averiguar los detalles de frecuencia de muestreo y profundidad de bits de tu canción Foil y establecer las sesiones de DAW para que coincida. En el estudio uno, puedo cambiar la frecuencia de muestreo y la profundidad de bits a través de la pestaña sol y eligiendo la configuración de canciones. Pero este proceso será diferente dependiendo de qué DAW estés usando. Una vez que una sesión DAW tiene la frecuencia de muestreo y profundidad de bits correctas, podemos seguir adelante e importar nuestro archivo. Este proceso diferirá en función de la DAW que esté utilizando. Pero generalmente las opciones de entrada de otoño están en la pestaña de otoño de la mayoría de los DAW. Pero la ficha de la canción en Studio One. Para nuestro último cambio de sesión, necesitamos asegurarnos tamaño del búfer de la interfaz de audio sea lo más alto posible. El tamaño del búfer es controlado por nuestro controlador de software de interfaz. Para Mastering, necesitamos una hipótesis agregar menos estrés a nuestras computadoras. El búfer de interfaz generalmente se establece bastante bajo cuando se trata de grabar. Como un tamaño de búfer alto puede introducir latencia. La latencia es un desafío para la grabación, ya que es un retraso entre la señal que entra en la fuente de grabación, un micrófono y en la señal que regresa. Baste freudiano para fines de reproducción. En masterización es que no estamos grabando. Podemos establecer el búfer lo más alto posible para reducir la tensión y nuestra computadora. Por último, podemos agregar nuestros plugins a la sesión antes de cualquier proceso y lo haremos para facilitar la referencia, recomendaría agregar los plugins directamente a la pista que contiene una canción caída. En muchos DAW, podemos colocar plugins ya sea directamente en la canción Foil, la pista que contiene una canción caída, o un canal maestro que controla las salidas finales a tus auriculares o altavoces. Por simplicidad, recomendaría agregar los plugins a la pista que contiene una caída de canción, como se demuestra aquí en esta clase. El orden en el que agregamos nuestros plugins es importante ya que esto crea nuestra cadena de masterización. Y cada plugin alterará la canción pasando por la cadena. Por lo tanto, recomendamos que primero se agregue el compresor, seguido del limitador ecualizador. Y luego voy a sonoridad o medidor de nivel. Lo importante aquí es que el límite se agregue después de nuestro compresor. Un ecualizador. Como un limitador necesita ser el último control en línea una salida formal de cualquier procesamiento. Nuestra sonoridad satisface algunas necesidades para ser después de nuestro limitador, por lo que lee el teléfono o sonoridad. También he incluido un medidor de espectro con fines de demostración, pero esto no es esencial. Entonces, para recapitular, para poder configurar una sesión de masterización, necesitamos crear una sesión de masterización en blanco en nuestro DAW. Cambia la frecuencia de muestreo y profundidad de bits para que coincidan con la canción en la que estamos trabajando. Importa el archivo a nuestra sesión, cambia nuestra configuración de búfer de interfaz y agrega los complementos. usaremos en la pista que contiene el archivo de la canción. Para nuestra próxima clase, echaremos un vistazo al sitio de control de calidad y masterización. 8. Control de la Quallity: En esta clase te estaré guiando por los aspectos de control de calidad y masterización, pero también mediré la sonoridad de la canción antes de que el procesamiento maestro haga notas de lo que sentimos necesita mejorar o controlar. Y también mira el concepto de espacio libre y cómo esto afectará a cualquier decisión de masterización que tomemos. Para ello, voy a tocar la canción de principio a fin. Durante el juego , estaremos atentos a lo siguiente. ¿Hay clics y pops audibles? Estos generalmente provienen de una sobrecarga del sistema informático durante la etapa de grabación. Pero también podrían ser sonidos de click y pop capturados por las voces a través de sonidos del ratón. Tenemos que prestar atención a esto también. ¿Son demasiados hermanos de la voz, que son esos duros sonidos de S que se expresa Mike's. ¿La canción tiene algún recorte digital u orden alguna señal de recorte o distorsión no deseada no sólo se verá en permitir que este medio es leer el nivel de rendimiento máximo. Pero al escuchar cualquier sonido distorsionado o cardíaco, la mezcla suena de orden natural, cualquier sonido que realmente destaque y que no encajen con la canción. Esto nos permitirá entonces tomar una decisión más informada sobre si puede haber alguna recomendación para echar otro vistazo a la mezcla. Además del control de calidad, que también voy a estar tomando algunas notas para responder a las siguientes preguntas. ¿Hay algún sonido que salte mientras escuchas la canción? Si es así, ¿suenan naturales? ¿Y puedes escuchar toda la instrumentación? Así que piensa en todas las partes individuales de la canción. Piensa en la batería, el bajo, la guitarra, las guitarras, la voz, etcétera, etcétera. ¿La canción sam se balancea y el rango de frecuencia? Entonces piensa en el sonido. ¿Es demasiado contenido de frecuencia base? ¿Las frecuencias base complementan el resto del tronco? Y luego hizo las mismas preguntas para las frecuencias medias y las frecuencias altas. ¿Todos se complementan entre sí, o hay un desequilibrio? Y por último, ¿ el sonido general coincide con la intención del artista? Si eres el artista e ingeniero, es este el sonido que estabas buscando cuando escribiste la canción o hace algo en lo que ellos trabajan? Estas son todas las preguntas que puedes responder para ayudar a elevar tu canción usando el maestro y la mentalidad. Pero este también es un gran punto para mencionar que si estás tomando parte en los proyectos de clase y dominando tu propia canción, entonces sería genial si pudieras escribir un detalle de nota en la siguiente información. Cuando escuchaste por primera vez la pista, ¿cuáles fueron tus impresiones iniciales? ¿En qué te sentías necesitado trabajando? ¿Qué querías realzar cuando la canción? ¿Esto era algo que no te gustó? El sonido de. Esta es toda la información que puedes anotar en esta etapa particular del proceso de masterización. Entonces, sin más preámbulos, vamos a revisar las listas de la canción. Voy a abrir el más fuerte nos hace. Entonces podemos ver esto en acción. Berlín para siempre hasta el tobogán y el tamaño. Así que ese es el océano. Otra vez. Llameante. Ser buenos con el trabajo de nuestras vidas. Pero las escaleras vuelan como para ser. No. Entonces, desde un aspecto de control de calidad, la canción sonó genial. No hubo clics ni pops ordenables y no hubo recorte ni distorsión. Es posible que hayas escuchado un ligero clic, que te mostraré. Ahora. Este clip fue causado por un software de captura de pantalla mientras grababa esta clase y no aparece en la canción. Así que todos estamos bien desde un aspecto de control de calidad. En lo que respecta a mis notas de maestría, hubo algunas observaciones. Pensé que ninguna mezcla sonaba genial, pero sentí que podía hacer. Escucha más energía en general. El contenido base suena agradable y definitorio saga escuchar el bajo, guitarra y el bombo, pero no se sentía solo. Las frecuencias medias sonaban bastante amortiguadas y fangosas. Noté algo en la canción que me hizo sentir que puede haber una distorsión. Pero al escuchar más de cerca, me doy cuenta ahí como elementos de percusión en el fondo y la distorsión de Nasir me llamó la atención. También siento que la frecuencia general equilibrada sonaba bien, pero tal vez podríamos mirar sacar a relucir las frecuencias medias y escuchar más y tal vez darle a la canción algo de brillo de alta frecuencia para que la voz se destaque. Pero, ¿qué opinas? Aquí es donde el dominio puede volverse creativo y no hay respuestas correctas o incorrectas. Solo decisiones creativas basadas en lo que estamos escuchando. Pero siempre recuerda tener en cuenta las pretensiones del artista y ser objetivo en tu toma de decisiones. Este es el tipo de consideraciones que te ayudarán a darle vida a tu canción. Así que asegúrate de practicar. Esto es parte del dominio y realmente concéntrate en desarrollar tus habilidades de escucha. Antes de pasar a discutir el espacio libre, quiero compartir con ustedes un consejo superior para desarrollar sus habilidades de escucha. Si sientes que puedes escuchar que algo no suena del todo bien, pero no puedes ubicar en qué parte del rango de frecuencia se encuentra. Hay un plugin gratuito y una técnica que realmente puede ayudar a desarrollar tus habilidades de escucha. Este plugin se llama TD ANOVA por una compañía llamada Tokyo dome labs. Este plugin es un tipo de plug-in llamado EQ dinámico. No vamos a usar este plugin en la clase. Pero lo mejor de este plugin es que tienes la capacidad solo diferentes bandas de frecuencia. Esto es genial ya que puedes usar las bandas para moverte a diferentes partes del rango de frecuencias y solo solo esas frecuencias. Para que puedas aprender qué instrumentos ocupan ciertas partes del rango de frecuencias. Aquí hay un breve ejemplo, ¿ verdad? Esta técnica también se puede utilizar generalmente con otro tipo de plug-in llamado compresor multibanda. Siempre y cuando tenga una función de solo de banda, no es necesario cambiar ninguna configuración excepto cambiar las frecuencias que le gustaría escuchar. Ahora pasamos al espacio libre, que es algo que es bastante importante a la hora de masterizar. Como se menciona en los términos comunes, el espacio libre de clase es una diferencia de volumen entre el techo digital, en este caso, cero DBF y el nivel pico más alto. También discutimos que el verdadero nivel de raíz es más preciso que el nivel pico. Si echamos un vistazo, toda sonoridad hecha para que podamos ver que esta canción tiene un verdadero nivel pico de -4.4 dBFS, lo que significa que nuestro espacio para la cabeza es de 4.4 dB. Había un mito común con dominar los paseantes 60 valer una heroína antes de que tu maestro procesara. La cifra de menos seis dB proviene de una época anterior a las estaciones de trabajo de audio digital, cuando ciertos dispositivos de captura se distorsionarían antes del techo digital. Por lo tanto, siempre fue seguro dejar espacio libre adicional para minimizar el riesgo de esta distorsión. Ahora pasando al viejo yo moderno con DAW, no hay necesidad real de dejar mucho espacio libre porque podemos ajustar de manera no destructiva el nivel de la canción a un nivel que elegimos, siempre y cuando la mezcla no esté recortando digitalmente. Si la canción no tiene al menos 0.1 dB de espacio libre, podemos ajustar el volumen antes del procesamiento Master. Si ahora volvemos a nuestra canción con 4.4 dB, donde para el espacio libre, esto también puede crear algunos desafíos a partir del proceso de masterización. Es decir, que podría causar un limitador de tensión de procesamiento adicional, lo que puede correr el riesgo de distorsión por sobrecompresión. Discuta esto más en nuestra próxima clase y limitante. Pero una buena regla general es permitir que dos dB de espacio libre entren en nuestro procesamiento maestro. Esto significa que necesitamos aumentar la ganancia de nuestra canción en aproximadamente 2.4 dB. O podemos lograr esto aumentando la ganancia y la canción o anual nuevamente, plugin En estudio uno, esto se logra manualmente arrastrando seguimiento de la canción a las cantidades requeridas. Alternativamente, la mayoría de los DAW escucharon complemento de ganancia que puede lograr el mismo resultado. Este complemento debe colocarse en la parte superior de nuestra cadena de masterización. La razón por la que recomendaría dos DBs donde sea espacio libre se deba a la normalización de sonoridad de la plataforma de streaming, que en la mayoría de los casos requiere un verdadero nivel pico de no más de menos un dB, que consideraremos al usar un limitador. Los dB adicionales de espacio libre como medida de seguridad hacen a la varianza entre el nivel pico aumentando el DAW y el nivel máximo verdadero en nuestro medidor. Recuerda, el aumento manual de ganancia de la canción en tu DAW se medirá en nivel pico y no en pico verdadero. Es importante obtener los ajustes justo antes de comenzar a limitar, que es la clase que viene a continuación. Entonces, para resumir, necesitamos escuchar la canción hasta el final, resaltar y arreglar cualquier posible clips, pops, distorsión o crujido. Haga nuestras notas de masterización sobre quiénes tenemos claro lo que tenemos que hacer, y establezca el espacio libre a menos dos dB antes de nuestro procesamiento maestro. Ahora hablemos de limitar. 9. Limitación de 101: Para esta clase, te estaré mostrando cómo usar el limitador para lograr un buen equilibrio entre sonoridad y dinámica. Pero podrías estar pensando en manchar. Si el limitador es el último complemento en la cadena de procesamiento, entonces ¿por qué empezamos con el limitador? Uno de los mayores retos fluye nuevo para dominar, y está tratando de lograr un sonido que tenga una sonoridad competitiva, pero sin las canciones semi pisos, o carente de energía. Desde mi experiencia como educadora y de hablar con muchos novatos, he notado que muchos que comienzan con compresión y la ecualización y obtienen un buen equilibrio tonal. Pero en la energía dinámica perdedora, una vez que empiezan a limitar, generalmente me parece que esto se debe a dos cuestiones principales. Se están transfiriendo por nivel de sonoridad, no se ajusta a la canción y por lo tanto están limitando demasiado. O están aplicando demasiada compresión desde el compresor Mastering antes de que golpee el limitador. Mediante el uso de un limitador es el primer proceso. Aumentar la sonoridad general a un nivel competitivo reduce en gran medida las posibilidades de sobrelimitar o comprimir de antemano. La razón principal por la que el limitador a veces es un reto usar es ya que en esencia es un compresor, pero un compresor muy agresivo. El papel del compresor es suavizar una señal de audio dinámica reduciendo el nivel de los picos de los alelos al tiempo que aumenta el nivel de los picos de cualidades, logrando así un sonido más equilibrado y uniforme. Un compresor regular tiene muchos ajustes, siendo uno en particular un ajuste de relación. La relación del compresor se utiliza para determinar la cantidad de audio que es salidas en relación con la cantidad de entradas. Entonces, por ejemplo un compresor con un ajuste de relación de dos a uno significaría que por cada dos db una entrada de señal en el compresor, solo se emitirá una señal de dB. Para una relación de cuatro a uno para los Bs de entrada significaría un dB de salida y así sucesivamente. Un limitador sin embargo, es compresor que en términos generales tiene una relación infinita. De ahí por qué es posible que veas que se les conoce como limitador de pared de ladrillo, ya que están diseñados para limitar en gran medida la señal que sale para minimizar las posibilidades de recorte digital en el techo distal. Pero además del papel de proporcionar un búfer de seguridad ya que es un compresor, también elevará el nivel de los cerdos más silenciosos y así hará que el volumen general sea más alto. Pero hay que ser cautelosos ya que también disminuirá el rango dinámico. Como tenemos todas las cosas en el maestro y limitando su juego de equilibrar el compromiso entre lograr sonoridad manteniendo un rango dinámico adecuado. Pero echemos un vistazo a un limitador encendido. Ve a la funcionalidad principal antes de mostrarte una manera simple pero efectiva usar a un aficionado para tu masterización. Los limitadores varían ligeramente en su funcionalidad, pero generalmente hay algunos componentes centrales. Estoy usando los límites de stock aquí dentro de uno de estudio y de izquierda a derecha tenemos un control de ganancia, un parámetro de techo, un nuevo control de retención. Y finalmente tenemos los ajustes de ataque y liberación. Los parámetros más comunes se encuentran en limitador o un control de ganancia y un control de techo. El control de ganancia le permite aumentar el volumen entrando en el limitador. Entonces, cuanto más aumentes la ganancia, más fuerte será el sonido. El techo. Por otro lado, el acceso a la barrera con el objetivo de evitar el recorte digital. Esto significa que podemos ajustar el techo a nuestro nivel deseado y luego podemos usar para ganar control para aumentar el volumen hasta que la señal llegue al techo. Una vez que la señal llega al techo, la señal comenzará entonces a limitar y comprimir los picos. Cuanto más empujes la ganancia hacia el techo, más compresión obtendrás. Empuja demasiado lejos y superarás prensa y empezarás a distorsionar el sonido. A continuación tenemos el control de umbral, que es algo que no se encuentra en todos los limitadores, pero es común en muchos plug-ins estilo compresor. El umbral actúa de manera muy similar al techo, y establece el umbral donde desea que el compresor esté limitado para comenzar a comprimir. Entonces donde tenemos el techo, esa es la última línea de defensa, el umbral se puede utilizar para establecer el punto de partida para donde se quiere que comience la compresión. Entonces por ejemplo digamos que tenemos un hijo con cinco dB, ya sea espacio libre y usamos los limitadores ganamos el control de dos a cinco dB vale la pena. Nuevamente, podemos utilizar los techos flexiona la última línea de defensa. Y si tomamos el caso de uso de la normalización de sonoridad de streaming, donde queremos asegurarnos de que el nivel de pico verdadero no vaya por encima de menos un dB pico verdadero. Podemos establecer el techo a menos un db conjunto de límites duros de señal en menos un dB. Pero el umbral se puede utilizar para bajar el punto de partida decimal. Entonces digamos que queremos que la compresión entre en menos dos dB y siga usando lo mismo que la última línea de defensa. Entonces podemos establecer un umbral a menos dos dB. La señal comienza a comprimirse en la DB de monitoreo. Y un techo puede entonces controlar cualquier señal adicional que el umbral de compresión no capture. más baja de todas, tenemos los controles para una segunda versión, y estos sistemas controlan la velocidad a la que el compresor reacciona y libera. Un ejemplo para mostrar cómo funciona el ataque y la liberación es que nuestro dedo de la mano, donde mi mano está completamente abierta, no está reaccionando una herramienta como el umbral asumiendo que no ha sido alcanzado por los picos de audio. Pero cuando los picos de audio alcanzaron un umbral o caeliano, el ataque establece la velocidad a la que mi mano se cierra, y luego el lanzamiento establece la velocidad a la que vuelve a abrir. Por lo tanto, podemos establecer diferentes combinaciones de espacio cerrado y abierto para satisfacer sus necesidades particulares y obtener diferentes resultados de compresión. Ya lo hemos dicho, quiero mostrarles una forma sencilla de usar un conjunto de límites para obtener los resultados más impactantes sin comprometer la dinámica. Para ello, nos vamos a centrar en los parámetros de ganancia y techo e ignoraremos por completo el umbral estableciendo esto en cero. ¿Por qué estamos haciendo esto? Mediante el uso del umbral para reducir el punto de partida para la compresión. Donde instantáneamente compromiso y dinámica antes de llegar al techo. Y todos tenemos limitador tenemos una relación infinita. Este es un enfoque de mano dura y no dará los resultados que buscamos sin una fina atención al detalle. Una vez que fijemos nuestro límite está ganando techo. Si necesitamos compresión adicional, entonces podemos usar nuestro compresor, que discutiremos más a fondo en nuestra próxima clase. Empecemos con un techo. Un buen punto de partida es el techo a menos un db. Esta cifra de menos uno dB está en línea con muchas plataformas de streaming que requieren un verdadero nivel máximo de no más de menos un dB. Una vez que comencemos a sumar la ganancia y llegue al Suponiendo, tenemos principalmente que ajustar los techos para asegurar que mantengamos el nivel menos uno ya alguna señal aún podrá analizar sobre el celom. Una vez que tengamos el ahorro en su lugar, toquemos esta canción y ajustemos la ganancia hasta obtener los resultados deseados. Entonces, ¿cuáles son los resultados deseados? Puede que estés pensando, hay dos cosas que estoy buscando. En particular, quiero aumentar la sonoridad a un nivel que suene bien antes de que comience a sobrelimitar, romper o distorsionar. Ahora una vez que mostramos el último nivel alcanza al menos -14 UFS integrado. Como siempre va y sumando alrededor para el bebé vale la pena de ganancia es insuficiente para alcanzar al menos -14 LU fs riesgo la canción la cantó demasiado tranquila en las plataformas de streaming. Acerca de empujar la ganancia a nueve dB hace que el sonido. La tienda cupones más años es alrededor de 46 DVDs vale la pena aumentar de nuevo. Es posible que hayas notado un uso más intencional de las palabras, al menos cuando se trata de dimensional -14. Sí, UFS. Como discutimos en la clase de normalización de sonoridad, no hay una cifra L UFS objetivo que sea consistente en todas las plataformas. De ahí que y -14 l UFS se integre, no se considera los objetivos. De hecho, la realidad es que ni siquiera necesitamos preocuparnos el nivel UFS siempre y cuando esté al menos -14 ADFS integrado ya que son las plataformas de streaming en un sonido normalizado. No tenemos que hacerlo. Todo lo que tenemos que hacer es enfocarnos en obtener el nivel de sonoridad del software Eso suena bien y no demasiado comprimido o distorsionado. Siempre recomiendo logro al menos -14 LU FS Integrated porque las plataformas de streaming se refieren a las canciones abajo, pero no siempre las suben. Hacen esto mediante un simple proceso de atenuación al reducir el nivel pico para lograr un nivel L UFS consistente a través de las canciones que estás escuchando. Entonces, en nuestro ejemplo usando el sitio web de penalización más fuerte, pudimos ver cuánto rechazarían la canción. Pero no siempre pueden subir la canción. Las plataformas de streaming, como ya hemos comentado, necesitan un verdadero nivel máximo de al menos un dB para garantizar que no haya recorte durante el proceso de carga y codificación. Entonces si nuestro maestro una canción a un nivel que es más silencioso que -14 antes fs -16, nuestro UFS. Pero si mantengo el verdadero nivel pico en menos un dB, entonces no podrá subir la canción sin recortar. Entonces no van a recurrir a alguna app en absoluto. Y hay canciones que suenan silenciosas, y otras en sus plataformas. Aquí hay tantas variables en juego, solo necesitamos enfocarnos en lograr el nivel que suene bien y dejar que la cadena de plataformas maneje el proceso de normalización. Cada canción es diferente, así que vuelve a practicar dentro de límites, como se ve en los escenarios para lograr una sonoridad Eso te suena bien. Pero asegúrate de lograr un nivel de al menos -14 o UFS integrado y mantener el nivel máximo verdadero de menos un dB. Por último, si tienes la opción de ajustar los ajustes de ataque y liberación, aquí es cuando puedes comenzar a experimentar con el sonido limitante. El ataque y la liberación deben considerarse conjuntamente entre sí en cuanto a por qué reaccionan juntos te dará diferentes sonidos. Un ataque rápido y una liberación lenta pueden igualar el sonido que puede crear una célula de calabaza como se muestra aquí. Esta calabaza es más de un sonido sostenido como la bomba. Ocurre una vez que los cerdos son liberados. Para que Pixar ataca que sostenido y luego liberarlo. Pero un falso ataque de fosforilasa hará Craig menos bombeo pero más garantía de reducción de ganancia aquí. Pero con un ataque lento y una liberación lenta, también puede obtener un sonido de calabaza, pero es menos sostenido que con un tiempo más rápido. Para tomar una escucha aquí. Pérdida de todo, con un ataque rápido, una liberación lenta, podrías lograr menos bombeo, reducción de partidos de fútbol, Límites de abrazaderas a los cerdos rápidamente. Estas son muchas variables con las que jugar, así que puedes experimentar con tu sonido. Pero esta canción o sonido de un ataque medio, por lo que los picos no se sujetan tan rápidamente junto con un lanzamiento rápido. Entonces no se sostiene lo limitante. Esto mantiene un sonido más natural en mis oídos. Entonces, recapitulemos brevemente sobre su clase sobre limitación. I limitador es un compresor con una relación ilimitada. Limitador se utiliza para suavizar la dinámica de una canción y también elevar el volumen general también estaba actuando como una barrera de seguridad para evitar el recorte. Un limitador tendrá una ganancia y un control ceding que se utilizan juntos para aumentar la sonoridad. El techo se establece en un nivel que mantiene la medida del pico verdadero en menos un dB. La ganancia aumenta la sonoridad empujando el nivel hacia el techo. Queremos lograr una sonoridad o al menos -14 l UFS integrada sin la canción suene sobre comprimida o distorsionada y dejar que las plataformas de streaming normalicen una canción. Podemos usar los ajustes de ataque y liberación para cambiar el estilo o el sonido del límite basado en el Sol que estamos dominando. Para nuestra siguiente lección, echaremos un vistazo a un compresor y responderemos la pregunta. ¿Necesitamos usar un compresor donde masterizar? 10. Compresión: ¿necesito un compresor?: En la siguiente clase estaremos viendo el papel de un compresor en un contexto de masterización y respondiendo a la pregunta, ¿necesito un compresor para masterizar? Y la respuesta es, quizá. Como comentamos en nuestra última clase, el limitador también es un compresor con una relación ilimitada. Por lo que ya hemos aplicado algunas dinámicas de procesamiento. Pero la forma en que los límites de las obras es muy agresiva y está más enfocada en el control de picos y sonoridad. Mientras que un compresor típico permite un nivel de compresión mucho más sutil que puede ayudar a esculbir el sonido general. Yo compresor tendrá mucho el mismo aspecto y sensación y típicamente algunos de los mismos controles, el limitador, pero lo más importante, tendrá mucho mayor control de la relación. Y es la sutileza de la relación lo que nos dará mucho más control del sonido. Entonces volviendo a nuestra pregunta, ¿necesito un compresor para masterizar? Si estás contento con la dinámica de la suma del campo limitante como buen balance general en energía que la respuesta puede ser, no. Pero si vuelvo a mis notas de masterización, quiero añadir un poco más de energía a la canción y compresión puede ser una gran herramienta para la energía adenina. Antes de sumergirnos en el compresor, notarás que es el primer plugin en la cadena de masterización. El compresor es intercambiable con ecualizador. Entonces podrías tener el ecualizador antes que el compresor. Pero en general, me gusta controlar la dinámica antes de igualar, pero siéntete libre de experimentar ya tu TA te dará resultados ligeramente diferentes. Pero ambos deben estar ante el limitador en la cadena. Aquí, o bien deja de comprimir el estudio uno que tiene un diseño algo típico para un compresor. Por lo general, un compresor tendrá controles para la siguiente relación umbral, ataque, liberación y ganancia de maquillaje. Ya hemos discutido lo que el sistema de ataque y liberación de relación umbral está haciendo la clase limitante. Entonces no voy a pasar por estos y detalles profundos, pero sí quiero mencionar la ganancia de maquillaje con un limitador. Estábamos muy enfocados en el volumen y la dinámica de equilibrio empujando la ganancia al techo. Esto nos daría una canción más fuerte vez que limitaría los picos. Pero es típico compresor siempre funciona a la inversa ya que puede hacer que la canción suene más silenciosa. Si volvemos a nuestra discusión sobre la relación, por lo que controla el nivel de salida en función de cuánto ingresamos. Una relación que es dura y uno a uno siempre generará menos de lo que está siendo entradas nuevas. Utilizamos los limitadores ganamos el control para contrarrestar y de nuevo, reducir los límites se hacen, lo que hizo que nuestra canción suene más fuerte. Pero si compresor va a hacer que la canción suene más silenciosa, el control de maquillaje se utiliza para compensar ganancia o volumen que perdemos compresión de fruta. También notarás que la ganancia de maquillaje es un control secundario y el umbral es un control más permanente. Como no tenemos techo. Con un limitador, no usamos el umbral que lo haremos con el compresor. Los controles en los que se estarán enfocando aquí son la relación umbral, ataque, liberación, ganancia de maquillaje. El umbral actúa como punto de partida donde queremos que comience la compresión. La relación determina cuánto nivel es la salida en comparación con la cantidad de entradas. El ataque controla la rapidez con la que reacciona el compresor. Y una liberación determina cuándo se libera la compresión con la ganancia de maquillaje, agregando cualquier pérdida de volumen. Empecemos con una proporción. En contextos de masterización, normalmente no usamos una relación muy alta ya compresión agresiva junto con limitación puede hacer que tus canciones suenen planas. Una buena regla general es establecer la relación en algún lugar entre 1.5 a uno a dos a uno. Entonces la compresión es un sutil equilibrio de dinámicas. Una vez que la relación se establece dentro de las necesidades de bajar el umbral para establecer el punto de partida para que comience la compresión. Entonces hagámoslo ahora. Pero esta canción, me gusta tu ratio de 1.6 a uno con un umbral de alrededor de monocitos en dB. Y aquí es donde puedes experimentar. Cuanto más baje el umbral, más compresión obtendrá. Y cuanto mayor sea la relación que uses, más compresión obtendrás. Entonces se vierte sobre lograr equilibrio entre el umbral y la relación para obtener el resultado que más te guste el sonido de los que más te guste. Recuerda lo incorrecto no hay reglas aquí. Entonces, escuchar los resultados de la compresión es clave. Normalmente pretendo lograr no más de dos DBs y ganar reducción en el contexto de masterización, como queramos, resultados sutiles, al agregar un poco de compresión realmente trae a colación las frecuencias base para agregar energía a la canción. Pero un compresor actuará de manera diferente en efecto, diferentes canciones de diferentes maneras. Así que recuerde escuchar con atención, refiérase a sus notas para asegurarse de que está obteniendo los resultados deseados. Una vez que hemos establecido nuestras sesiones de relación umbral, la configuración del atacante realmente se puede ajustar al gusto. Los resultados son mucho más sutiles aquí. Normalmente prefiero un ataque más lento y un lanzamiento más rápido con mi compresión de masterización. Pero esto variará por canción. Necesita experimentar y escuchar cómo la compresión afecta a la frecuencia global equilibrada. Por último, necesitamos compensar el volumen que hemos perdido utilizando como regla general el control de ganancia de maquillaje, que utilizó el medidor de reducción de ganancia para indicar cuánto volumen se ha reducido por compresión y luego aumentar la ganancia de maquillaje en una cantidad similar. Pero siempre recomiendo usar las matrices como guía y usar la función de bypass del complemento para detectar verificar los resultados ya que queremos asegurarnos de que haya un volumen consistente antes y después de la compresión. Como cualquier cambio de volumen puede afectar el nivel que entra en el limitador. Para el resumen de la lección, aprendimos que un compresor controla el rango dinámico, pero no es tan agresivo como un limitador. Un compresor nos da un control de relación para controlar la salida en comparación con las entradas. Un compresor reducirá los volúmenes. Por lo que usamos un control de ganancia de maquillaje para equilibrar cualquier volumen perdido. En un contexto de masterización, normalmente usamos una proporción de 1.5 a uno a dos a uno. Quiere que la relación se establece, el umbral se reduce para establecer los puntos de inicio de compresión. Cuanto más reduzcas el umbral y aumentes la relación, más reducción de ganancia obtendrás. Las sesiones de ataque y liberación se utilizan para saborear para alterar el sonido de la compresión. Y por último, usamos el maquillaje que va a equilibrar el volumen. Para nuestra siguiente lección, veremos los usos creativos de Ecualización a la hora de dominar nuestra canción. 11. Mejora de la igualdad: Ahora hemos echado un vistazo a la ecualización y cómo podemos usar movimientos de ecualización de trazo amplio para elevar nuestra canción. Pero antes de entrar en el EQ, tomemos un momento para recordarnos nuestras notas de masterización. el lujo de mezclar cualquier gran, pero siento que podría hacer un poco más de energía en general. Cubrimos cómo podríamos agregar más energía en nuestra última clase y compresión. El contenido base sonaba agradable y definido. Entonces puedo escuchar bien el bajo en bombo, pero sí sentí las frecuencias bajas, medias enviando bastante amortiguadas y fangosas. También siento que la frecuencia general es buena. Tal vez podamos mirar sacar un poco más las frecuencias medias y tal vez darle a esta canción algo de brillo de alta frecuencia para hacer que la voz destaque. Entonces, dadas mis notas, estas serán mis áreas de enfoque de EQ. Aquí tengo el complemento de EQ de stock dentro del estudio, y podemos usar este complemento para mejorar o quitar algo de una sección de frecuencias específica. Un ecualizador se establece típicamente con puntos de ecualización móviles específicos en diferentes áreas del rango de frecuencia, con algunos puntos que tienen diferentes usos que otros debido a formas de ecualización cambiables. Hay tres formas de cola que son más comunes en el ecualizador, cuál de las siguientes, un filtro de corte o paso específicamente para eliminar el ruido de gama baja o el alto excesivo en la información. Una repisa. Esto tiene curva menos pronunciada que un filtro de corte o paso, pero puede agregar o eliminar contenidos no deseados de baja o alta frecuencia. Y luego una curva de campana, que se asocia más comúnmente con frecuencias bajas, medias a altas. Y es una forma más enfocada. Además de las diferentes formas de curva EQ en general, también podemos ajustar el ancho de la curva a través del control Q y luego usar el Control de Ganancia para tener un impulso o atenuar esa frecuencia específica. Ahora que sabemos un poco más sobre un EQ, ¿cómo se usa uno de los contextos de masterización como compresimos cuando dominamos y generalmente no estamos buscando grandes cambios audaces, sino mejoras sutiles elevan la mezcla y no la reemplazan. Como resultado, rara vez verá ingenieros de masterización cancelaron el rango de frecuencia del amplificador en más de tres dB, a menudo menos de un dB, solo para levantar ciertas áreas. También es una práctica común enfocarse en movimientos de trazo amplio con una configuración de Q ancha en algún lugar entre el punto nought 5.2. Por lo tanto, cualquier modo de movimiento EQ capturará una sección de ecualización más grande y creará una mejora más natural sobre cualquier cambio quirúrgico. Entonces, vamos a escuchar. Cuando se trata de cualquier procesamiento de masterización, no recomendaría hacer nada solo por el simple hecho de hacerlo. que cada canción, como ya hemos comentado, tendrá diferentes necesidades. Pero una cosa que sí reviso en cada canción es si hay excesiva necesidad de gama baja. Estamos hablando muy bajo el rango de frecuencia aquí en alrededor de 20 a 30 hz, todo sin un estante bajo con alrededor de un dB de reducción de ganancia en el juego, la fruta de la canción y bypass cada pocos segundos. Mientras estoy escuchando por aquí él está usando la repisa baja, yo soy como limpiar la canción. Hay una canción sam, más limpia o clara, ¿ o esas frecuencias agregan algo a la canción? Si la canción suena mejor con esas frecuencias, no las dejó adentro. Si no, usamos una repisa baja para eliminar parte de esa gama baja no deseada. A continuación quiero enfocarme en esas frecuencias medias bajas que suenan poco fangosas o amortiguadas. Esto suele deberse a un crossover en las frecuencias del bajo y las guitarras eléctricas en este género en particular. Pero también están presentes frecuencias vocales y borrachas. Por lo que puede acumularse rápidamente en el área media baja y renunciar a ellos con un punto Q de baja frecuencia media, o buscar una frecuencia 200-5350 hz, donde la canción suena más amortiguada. Y voy a empezar a quitar algunas de las frecuencias. En este ejemplo, he encontrado que quitar solo ropa interior dB con un ancho nought 0.87 Q establece en 272 hz hizo el truco. Ahora una vez que las frecuencias medias, y sí necesitamos tener un poco de cuidado a hora de impulsar alrededor del rango de 2 khz. Tiene esta área tiende a ser sensible a arias. Después de algunas búsquedas entre 1 khz, 3 khz. A menudo ese aumento de un dB que alrededor de 1.4 khz, elevó el rango completo sin sonar duro y le dio a la trampa más cuerpo y equilibrio. Solo bastará el refuerzo de dB con un sistema Q de uno. Y por último, con las frecuencias altas, no quería hacer que la canción fuera demasiado brillante, sino simplemente agregar un poco demasiado alto ahí para impulso de alta frecuencia o recomendar una curva de repisa. Y una vez más, un sutil aumento de alrededor de un dB elevó muy bien la gama alta. La frecuencia, dije fue alrededor de 9 khz, lo que capturó la parte superior de las voces y los símbolos sin crea un desequilibrio con el resto de la instrumentación. Tomemos ahora un antes y un después de escuchar con el ecualizador omitido y luego comprometido. La clave para usar lo agudo para el dominio es hacer movimientos sutiles con una amplia configuración de Q para agregar mejoras sociales, para levantar áreas específicas. Piensa mucho en términos amplios, cruza todo el rango de frecuencias. ¿Equilibra la canción sam o falta algo? Y luego tratar de identificar dónde está ese faltante algo, y luego o bien mejorar o llevar para lograr los resultados deseados. Aquí es donde entrenar el oído y escuchar mucha música de tus artistas favoritos puede ser muy útil. Escuchó mucha música, hazte una idea de cómo suenan tus canciones favoritas. Y los estoy referenciando en contra de su amo. ¿Qué suena diferente? Y en pensar, ¿Puedo crear un movimiento de ecualización para agregar o quitar de la canción para acercarme a mi referencia? No se empantanen en instrumentos individuales y tratando de igualar específicamente y pensar más amplio con sus movimientos de ecualización. Entonces, recapitulemos la lección de REQ. Siempre ten un plan claro a partir de tus notas de maestría y lo que quieres lograr con un EQ. Use un filtro de corte de repisa o de paso, específicamente con un filtro de gama baja y gama alta. Utilice curvas de campana para las frecuencias medias bajas, medias y altas. Siempre pensando en mejorar sobre el cambio tratando de mantener un ecualizador movido a menos de tres dB. Concéntrese en por qué los ajustes de cola generalmente van desde cero 0.5 hasta lograr cambios de trazo amplio. Recuerda comprar un plugin parcial o EQ frecuentemente para ver si tus movimientos de EQ han logrado los resultados deseados. Y usa tus canciones o referencias favoritas para comparar tu máscara y desarrollar tus habilidades auditivas para ayudarte a lograr tu equilibrio EQ. Eso es todo por nuestra lección de EQ. Así que ahora echemos un vistazo a la exportación o renderizado final antes de liberar sus trampas del mundo. 12. Exportación y representación final: Por su parte a clase, pasaré por las etapas finales del proceso de masterización para preparar nuestra canción para su lanzamiento al mundo. Pero antes de hacerlo tomemos una última escucha de canciones. Podemos hacerlo antes y después verificar nuestro procesamiento de masterización. También haré una comparación con y sin el limitador. Te lo digo. Como puedes ver, solo tenemos plugins gratuitos y procesamiento simple. Podemos crear un gran sonido en la pista maestra que está lista para lanzarse al mundo. Para una revisión final, recomendaría tocar la canción de principio a fin para obtener una lectura precisa medida integrada de los amores. Como pueden ver, he dominado esta versión de la pista a -12.8 l UFS integrado. Pero para cuando nuestro proceso adicional en el verdadero nivel máximo máximo se incrementa ligeramente. Así que ahora puedo volver al limitador y ajustar la configuración del techo para ajustar la medida de pico verdadero a menos un db. Una vez que estemos contentos con el maestro general, podremos seguir adelante y recortar la pista y sumar cualquier pelea innecesaria. Para esta canción, hay bastante sabor que comienzan y terminan la pista. Así que vamos a recortar esos ahora. Hola, Aquí es la respuesta. Y desde damas, iré escuchando. A continuación, necesitamos ver que la canción necesita un fade in and out para que la transición entre canciones sea perfecta, al artista ya se le agregó una foto al final que hago, así que estoy contento con eso. Pero tomemos una escucha al principio. El comienzo. Eso en realidad me suena bien como una fuente intencional antes de que las guitarras comiencen, si quisieras agregar fase a tu maestro, mayoría de los DAW tienen flechas en las esquinas superiores que atraen donde puedes arrastrar se desvanecerán como se demuestra ahora. Por último, antes de exportar y renderizar la caída, a veces es una buena práctica hacer un bucle toda la canción y usar el rango de bucles para exportar. En el estudio uno, puedo arrastrar la barra de bucle azul en la parte superior de la línea de tiempo de principio a fin, y habilitar el modo de bucle en el panel de transporte. Pero esto variará según la DAW. Ahora tenemos la canción de nuestro Maestro que ha sido recortada y bucles y lista para exportar. Así que vayamos ahora a nuestra configuración de exportación. En Studio One es que estoy usando la página de la canción para este maestro o puedo ir a la pestaña de canciones y exportar la selección de mixdown. Pero la mayoría de los DAW tendrán una configuración de exportación o renderizado en la pestaña Archivo. Una vez que esté en la configuración de exportación, podemos cambiar el nombre de la pista final y elegir dónde guardar la exportación su archivo así como elegir parte superior predeterminada que queremos que sea el Master final. Si lanzas tu canción a través de la plataforma de streaming, quieres asegurarte de elegir un formato sin pérdidas de la más alta calidad. En casi todos los casos, este será un archivo WAV. Por favor, no elija MP3 ya que un archivo MP3 es un códec con pérdida que degradará la calidad de la canción. La mayoría, si no todos, los distribuidores digitales solo aceptarán flores silvestres de todos modos. Así que usa la opción de caída de esposa como tu tipo de archivo preferido. También puede notar que tenemos la opción de cambiar la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo del Master final. Si estás lanzando tus canciones a las plataformas de streaming vía distribuidor digital, es importante verificar los cuatro requisitos que puedan tener. La mayoría ahora aceptará archivos con una Profundidad de Bit de 24 bits. Y como la canción Fall es un archivo de 24 bits, necesitamos asegurarnos de que la exportación final coincida con la caída de la canción a 24 bits. Y yo recomendaría mantener la frecuencia de muestreo igual también. Si tu distribución digital requiere un archivo con una gran deuda para 16 bits, entonces tendremos que asegurarnos de que la exportación final vaya por un div, un proceso si la canción false comenzó en 24 bits. Diversa en términos simples, es la aplicación intencional de ruido de bajo nivel que se introduce para eliminar la distorsión de cuantificación que se produce al reducir una profundidad de bits de archivos de audio en estudio uno diferente se aplica automáticamente por defecto. Pero si tu DAW tiene una casilla de propinas que te pregunta si quieres aplicar la entrega, entonces tendrás que asegurarte de que esta casilla esté activada antes de exportar tu canción. Una vez que estés feliz, entonces podrás exportar tu canción y ahora tienes una canción masterizada terminada y pulida. 13. Conclusión y cierre: Bueno amigos, eso como digo, es un Rab. Has llegado al final. Bien hecho por seguir esta clase, porque ha sido un placer absoluto armar esta clase. Y espero que seas capaz de utilizar estas técnicas para hacer un gran sonido en maestros. Y gracias por compartir tu tiempo conmigo y ver mi audio dominando la clase uno-a-uno. Realmente significa mucho para mí y espero que esta clase te haya resultado beneficiosa. dominio puede ser una disciplina muy típica, pero siguiendo algunas técnicas simples puede ser una herramienta tan poderosa para editar realmente el lisosoma. Cubrimos mucho terreno en esta clase. Hemos cubierto el lado de la teoría desde la normalización de sonoridad. Entonces, los términos comunes incluso hemos mirado cómo podemos introducir una configuración simple de hitos. Esto es fácil de hacer y es repetible para estar realmente listo para el éxito. Y luego hemos analizado limitar la compresión de EQ y cómo podemos usar esas herramientas para elevarte realmente. Entonces siguiente nivel, una cosa por encima de todo no quiero que te lleves de esta clase. Y ese es este sencillo mensaje. Mantén las cosas simples. Trustor es ser creativo. Diviértete haciendo buena música. Puedes seguir esta clase con tus propios proyectos subiendo tu canción masterizada a la galería de proyectos. Asegúrate de incluir enlaces para la versión maestra y el premaster, junto con una breve nota sobre cómo dominas esta canción. Luego escucha tu canción maestra y proporcionarte comentarios para ayudarte a lo largo de tu viaje de masterización. Por último, si disfrutaste de la clase, por favor no olvides dejar la revisión de la clase. Podría mostrarte que sigues mi perfil de Skillshare ya que tengo muchos alineados en el futuro. Gracias una vez más, siguiendo esta clase, mucha pérdida para mí.