Domina la ilustración: fundamentos sobre bocetos, entintado y colores

1. Introducción: Creo que lo que más me gusta del arte es que no hay reglas. Puedes crear tu propio mundo, tus propias historias. Puedes ser lo que quieras ser a través del medio que estás usando. Buenos días, todos, soy Jazza, soy artista, animadora, ilustradora. La clase de hoy se trata de empoderarte con los pasos centrales que he encontrado y seguido que me han permitido llegar a un resultado que me encanta. Cuando ves una ilustración final de que alguien ha hecho que admiras, se siente como algo que nunca podrías alcanzar o no puedes ver cómo llegaron ahí. Yo quiero demostrar que no importa tu estilo, puedes seguir estos pasos a tu manera y en tu propio medio para obtener los mejores resultados para ti. Ahora, me he acercado a esta clase un poco diferente. En realidad he creado dos obras de arte finales que voy a estar compartiendo contigo cómo las conseguí. Vamos a estar pasando por bastantes cosas, empezando con una discusión sobre el estilo, vamos a pasar a alguna exploración de ideas, y luego cuando nos ensuciemos las manos, vamos a hacer algunos bocetos, vamos a hacer algunos trabajos de tinta, tanto básicos como avanzados, y luego vamos a pasar al color. Con demasiada frecuencia, nos vemos atrapados en el miedo al siguiente paso o la intimidación del desenlace al que queremos llegar, nos detiene o nos hace demasiado autocríticos. A pesar de que cada artista se encuentra en una etapa diferente, si puedes encontrar la diversión en el proceso y capturar la sensación que te empodera para crear, entonces no hay que detenerte. Vamos a empezar con un poco de caminar, después correr, luego un poco de aleteo, y luego estarás volando. Eso sonó hermoso en mi cabeza, un poco estúpido en voz alta. Entonces creo que hemos cubierto todo lo que necesitamos a modo de introducción, creo que es hora de empezar. 2. Explora tu estilo: Nunca hubo un punto en mi vida adulta cuando decidí, soy ilustrador profesional. Siempre hubo justo esta gradiación desde el momento en que yo era muy, muy joven, y sólo me encantó dibujar y me convertí en quien soy, más que en algo que decidí hacer. Cuando empecé mi canal de YouTube en 2012, realmente estaba centrado en torno a tutoriales de arte y animación. A lo largo de los años, YouTube ha cambiado como plataforma y se ha vuelto mucho más enfoque de entretenimiento lo cual es realmente divertido para mí hacerlo también. Pero también he aprendido mucho, sobre todo en los últimos años, que estoy emocionado de volver y golpear duro con ustedes en este curso, específicamente alrededor de la ilustración. ilustración en particular es una de esas cosas que he encontrado, una de las formas más geniales de descubrir historias, y proyectos, y cosas en las que puedes sumergirte. Es el lugar que puedes explorar sin límites. No hay tal cosa como una respuesta equivocada o un error. Realmente es solo un lugar ilimitado de diversión, pero antes de saltar a un poco de cosas prácticas, quiero empezar hablando de estilo. Razón estar ahí va a haber gente de todos los diferentes niveles de habilidad y con todos los medios y estilos diferentes que ven esta clase. De verdad sólo quiero decir desde el principio, que es para todos. El proceso y los pasos por los que paso se aplicarán a tu medio y a los resultados que quieras lograr, sin importar en qué nivel estés o en qué estilo tengas. Ahora, con el fin de demostrar eso de la manera más efectiva posible, voy a estar creando dos obras de arte a través de todas las lecciones. Solo para mostrarte que todas las cosas por las que estoy pasando en los mismos pasos se pueden aplicar en dos estilos diferentes para lograr dos resultados dramáticamente diferentes. La primera pieza que voy a estar creando va a ser mucho más caprichosa, sencilla, cutesía, divertida, y alegre. El segundo, me voy a desafiar de verdad. Mi esperanza es que al hacer eso, si tu estilo es diferente, incluso de esos dos que será, porque todos tienen un estilo diferente, todavía te vas a sentir empoderado y quitarte muchas de las cosas que puedes aplicar a tu estilo y a tu nivel de habilidad. Otra cosa que sólo quería tocar cuando se trata de estilo, es la pregunta que me hacen mucho que es, “¿Cómo desarrollas tu propio estilo? ¿ Cómo conseguiste tu estilo?” La realidad es que a menudo vemos a otros artistas como estos paquetes completos. Podemos identificar su estilo y su obra de arte y no nos vemos como tener ningún estilo en particular. Pero la realidad es que todos tenemos un estilo único. Yo, yo mismo no siento necesariamente que tengo ese estilo único, pero me han dicho una y otra vez personas que ven mis ilustraciones, animaciones, mis videos que tengo un estilo único que pueden identificar conmigo. Es como que el pasto entero es más verde del otro lado. Podemos ver claramente lo que queremos, pero no necesariamente lo que tenemos. No te preocupes por dónde estás porque si eres artista, lo estarás haciendo por el resto de tu vida. En cambio, concéntrate en el proceso y en las cosas que puedes tomar para empoderarte y hacerte sentir que puedes tomar confianza en cada paso a medida que das el siguiente paso. 3. Herramientas y materiales: Cosas que vas a necesitar. No vas a necesitar todo esto. No vas a necesitar lo mismo. Podrías tener cosas diferentes, probablemente tendrás cosas diferentes. Eso está bien. Podrás pasar por los pasos y el proceso y aplicarlo a ti mismo, ya sea artista digital o pintor, no importa. El proceso va a ser el mismo y va a llegar a un desenlace del que estás orgulloso. No obstante, voy a estar usando algunos materiales específicos y son bastante fáciles de acceder, y la mayoría de ustedes deberían poder tener algo similar a ellos. En primer lugar, un lápiz y una goma de borrar. Nada todo eso de fantasía, un borrador básico de cualquier tienda de papería o agencia de noticias. Tengo un lápiz mecánico favorito, pero puedes usar tu lápiz básico de plomo que afilar. Es realmente sencillo. De lo que vas a necesitar para asegurarte sin embargo es que tienes la capacidad de mantener un lápiz afilado, particularmente cuando llegamos a nuestro refinado bocetos. Una punta de lápiz contundente o suave va a hacer que tus bocetos sean menos controlados y un poco más áspera y más brumosa. Por eso prefiero un lápiz mecánico, porque la punta es casi siempre afilada. Entonces si sientes que se pone un poco más suave o contundente en un extremo, no puedes simplemente girar el lápiz y seguir adelante. Pero, si estás usando un lápiz de madera con sacapuntas, eso también está bien. Voy a estar usando algunos bolígrafos de tinta. Ahora, cuando digo bolígrafos de tinta, estos son fineliners. Son muy básicos, puedes conseguirlos en todo un montón de marcas diferentes. Estoy usando un 0.2, un 0.4, y un 0.8. Básicamente, un medio delgado y un poco más audaz, pero incluso el audaz es bastante delgado. Todo el trabajo de tinta que estaremos haciendo descansará principalmente en estos. Entonces para el entintado avanzado, cuando me pongo un poco elegante, me gusta mucho este bolígrafo. Se trata de un bolígrafo de caligrafía Tombow. Es como un bolígrafo de pincel, pero con punta fina y dura. No uso esto una cantidad enorme, pero me encanta cuando llego a usarlo, así que sólo voy a incluir eso. Entonces también a veces me gusta usar algo llamado bolígrafo de pincel. Tengo dos bolígrafos aquí. A uno se le llama gasenfude copic, creo que es como se pronuncia. Se trata de un bolígrafo de pincel conformado por cerdas. El extremo está conformado por todas las fibras individuales que llegan a un punto y que tiene flujo de tinta a través de ella. Eso se siente bastante orgánico, como si estuvieras pintando con un pincel y tinta, lo cual es bastante genial, pero no tienes que sumergirlo. Pero entonces si quieres algo un poco más rígido y confiable usando un pincel tombow, este es de doble cara y también puede venir en diferentes colores. Pero la punta del pincel de este bolígrafo es suave, pero también mantiene su forma y es bastante amplia, por lo que puedo colorear en áreas grandes y tener mucha línea, control de variación blanca. Por lo que son las cosas que estaré usando para la fundación de mi ilustración. Pero cuando se trata de color, hay todo un mundo de opciones por ahí para ti. Ahora, al final del día, no puedo cubrir todos los medios de esta clase, así que haré lo mejor que pueda con dos, lápices y marcadores de alcohol. Sé que me estoy flexionando con mi gran colección de copics aquí. Pero incluso con un conjunto de 12 o 20 marcadores de alcohol, puedes obtener más o menos todo el espectro de colores para que tu pieza destaque. Lo mismo va con los lápices. Puedes aplicar todo lo que estamos pasando con el paquete 12 lápices. Lo bueno de ambos medios es que se mezclan muy bien juntos, y puedes mezclar colores nuevos y únicos y crear contraste a través de la mezcla y capas. Pero al final del día, todo lo que realmente necesitas para participar en esta clase, y realmente para dibujar fotos, es ojalá al menos un lápiz y una goma de borrar. El material de la línea es opcional, y te animaría a tener un par de fineliners, y ciertamente algo en lo que dibujar. Pero una vez que lo tengas todo junto , atárrate tu entusiasmo y tu creatividad, y empezaremos a hacer algunas ilustraciones geniales. 4. Haz una lluvia de ideas para tu obra: Acerca del escenario, deberías estar bastante listo para salir. Conocerás los materiales con los que vas a estar trabajando para tu ilustración. Te emocionará empezar, así que te animaría a agarrar tus materiales y empacar temporalmente, y agarrar algo como un portátil o tu teléfono inteligente, o un escritorio, o pequeñas enciclopedias del ático, porque lo primero que quieres hacer es prepararte. Sé lo que estás pensando, “Jazza, ya me he preparado. Tengo mis materiales. Ya podemos dejar de dibujar? Pensé que esta era la clase de ilustración”. Lo es, pero te sorprendería lo importante que es pensar realmente y planificar tu ilustración antes de empezar. Es extremadamente importante y te ayuda a evitar problemas que podrían aparecer más tarde y también descubrir cosas que realmente pueden mejorar y sacar lo mejor de tu potencial ilustración. Voy a desglosar la fase de investigación y exploración en tres enfoques que podrías tomar. Podrías usar uno o más de ellos y mezclarlos juntos. El primero es el más rápido y simple, que muchos de ustedes tal vez quieran seguir con solo algunas de las ilustraciones más simples o algo en lo que realmente solo quieren empezar, y eso es simplemente un poco de lluvia de ideas. Es importante hacer esto porque tal vez encuentres que si es algo que lleva tener un poco más de explicación detrás de algunas cosas o se ha hecho antes, esta es la fase en la que te atrapas en algunos de esos trampas. También es la fase donde las cosas que podrían ser las cosas más interesantes de la ilustración o del personaje o el mismo, pueden ser identificadas y mejoradas o miradas un poco más. ¿ Cómo se puede hacer más de algunas de esas cosas? De las dos ilustraciones que voy a estar haciendo en mi clase, la primera va a ser un poco más sencilla. Realmente no necesito hacer mucha investigación o abordaje de humor para los dos niños jugando en algunos parques infantiles. Simplemente pondré algunos puntos de punto, escena de juegos infantiles. Esto es solo para mí ayudar a visualizar lo que estoy a punto estar dibujando y lo podemos hacer más en la sesión de lluvia de ideas. Pero simplemente puede ser que sean, digamos de edad niños de 2 a 3 años, te hace pensar en lugares también. Tengo la opción de hacer algo así como un patio trasero o un lugar público. Voy a ir a patio trasero para que se sienta un poco más hogareño. Voy a ir realmente colores primarios. Realmente es así de simple. Esto es lo más sencillo que tal vez quieras hacer solo para asegurarte de que estás cubriendo la base antes de sumergirte. Como dije, hay tres formas principales en que puedes acercarte a esta etapa de investigación y preparación. El primero es la dura lluvia de ideas, que acabamos de hacer. El segundo es un poco más de una investigación y estudio intensivo, que realmente para esta ilustración no necesitamos hacer. Pero la tercera, que me parece muy útil para mayoría de las ilustraciones en las que realmente me voy a perder, es hacer algo llamado tablero de humor. Aquí es donde puedes empezar a incorporar un poco más de ese sistema de retroalimentación visual para obtener alguna información o inspiración. A mí me gusta hacer esto simplemente viniendo a Google Images y mirando hacia arriba, niños en terreno de juego. Esto se puede hacer en algunos sitios web de imagen de stock o lo que sea. Esto se deriva de todo lo que la gente solía hacer, como cortar revistas y ponerlas en tablas de inspiración y esas cosas. Básicamente es eso. Nada de esto realmente está haciendo mucho por mí. Pero si escribo niños en foso de arena. Esto es lo que empieza a estar mucho más cerca de lo que estoy pensando. Dos niños interactuando a su nivel de los ojos. Qué cosas de colores brillantes a su alrededor con las que están jugando. A mí me gusta ese tronco detrás de estas dos niñitas jugando aquí, así que sólo voy a copiar eso. Literalmente solo estoy pegando esto en Photoshop como una idea. También puedo hacer cosas como mirar hacia arriba niños de dibujos animados lindos. Aquí es donde podría conseguir ideas en cuanto a estilos que se ajustarían a lo que voy a buscar. Obviamente va a haber una gran variedad de formas de dibujar lindos niños de dibujos animados. Pero sólo mirar lo que han hecho otras personas te puede dar ideas para proporciones o esquemas de color, solo atributos que crees que funcionan muy bien, y me gusta esa proporción de los niños, y creo que se casó los colores brillantes y ese ambiente podría ser realmente genial. Incluso buscar algo como juguetes de arenero da unas cosas visuales que puedo incluir y una referencia a la que puedo acudir si me atasco un poco en cuanto a lo que debo sentir lo mismo. Este es un tablero de humor bastante simple. Yo llamaría a eso perfectamente adecuado. No tiene que ser ordenado, ni ordenado, ni bonito, y no tienes que llenar cada vacío en tu tablero. Solo necesitas hacerlo hasta que te sientas empoderado para empezar. Esa es nuestra escena de juegos hecha. Pero, ¿qué pasa con nuestra escena de batalla? Bueno, éste va a ser uno en el que, francamente, algunos puntos de puntos probablemente no lo corten, sobre todo si hay un contexto que es un poco mayor que la propia ilustración. Digamos por ejemplo, la escena de batalla que estoy creando es para un cliente que tenga una novela gráfica o un libro para el que o estoy haciendo una portada o una pieza promocional. Ahora, obviamente para este curso en mi ejemplo de ilustración, no tengo una historia rica o ley de personajes que tengo listo para anclar. Pero improvisemos algo un poco más profundo de lo que tenemos con nuestra escena de juegos infantiles y veamos a dónde podemos llevarlo. Obviamente, la ilustración que voy a estar creando va a ser un momento en el tiempo, dos personas batallando de alguna manera, principalmente porque me gusta ilustrar escenas de batalla como mi taza de té, y también crear una interacción entre dos personas es una manera realmente genial de practicar tu dinamismo en la forma en que los personajes interactúan entre sí. Con mis primeras notas en la escena de la batalla, acabo de fundir un poco sobre el mundo, dos fuerzas llevan miles de años en guerra; la noble civilización de Delma'ar y las primitivas tribus bárbaras de Krogathar. Este es un nuevo curso que estoy escribiendo. De acuerdo, no soy autor, pero esa es la fundación con la que empiezo, y nuestros dos personajes van a ser de cada uno de esos grupos, uno de los Delma'ar y el otro de los Krogathar. Ahora, antes de que me sumerja en eso, estamos haciendo un poco más de investigación. En primer lugar, ¿se han tomado esos nombres? ¿ Existían de alguna otra forma? La mejor manera de hacerlo es simplemente copiar el nombre, pegarlo en Google. ¿ Qué tenemos? ¿Qué es Delma'ar? Delmar hospital privado, Delmar como lugar. Simplemente se deletrea de manera diferente, y eso podría ser un poco problemático. Eso es bueno atrapar eso antes de que dediquemos mucho tiempo a realizar este lugar y a estas personas. Voy a cambiar el nombre, porque incluso estoy apegado a él en este punto. A ver de dónde vengo. Yo voy a ir con Thunissia. Hay tres resultados, y nada es relevante. Hecho. Vamos con Thunissia, y pasemos a sólo algunos puntos de punto que puedo seguir para mi escena ilustrada. Voy a dividir mis puntos de punto en dos grupos, uno para el personaje 1, y el otro para el personaje 2. eso lo llamaremos el medio ambiente. Porque realmente el medio ambiente debe ser tratado como un personaje, y tener tanto esfuerzo e insumo o investigación en él como cualquier otra cosa en la escena. Imaginemos que esta escena es una representación ilustrada de un campeón de cada uno de estos grupos que viene a la batalla para que la gente de cada grupo no tenga que ir a la guerra. Eso es una cosa, ¿no? Creo que es en algunas ficciones. Este es el campeón de Thunissia. Es noble, lleva armadura de placa completa, y lucha con una gran espada. El nombre de este personaje puede ser Vot y él es el campeón de Krogathar. Empecemos a darle forma a esto un poco. Es un hombre mayor, pero también el guerrero más poderoso que conocen las tribus, por lo que enviaron al viejo. Es un guerrero endurecido por la batalla. En este punto, siento que mis elecciones están empezando a disminuir un poco y siento que estoy bastante cerca de lo que quiero. Entonces no podía pasar al embarque de humor, pero también podía pensar: “¿Sabes qué? No parece todo tan original”. Si estoy creando mi propia idea, mi propia ilustración o mi propio mundo, personalmente me gusta hacer las cosas un poco diferente, o al menos de formas que de inmediato no pienso. Porque al final del día, si haces cosas que piensas en la primera vuelta, no vas a llegar a muchas ideas nuevas, originales, lo que me lleva a un pequeño elemento que me gustaría introducir en esta fase a veces de generación de ideas aleatorias. Una gran manera de no solo quitarle la presión, sino de introducir algunas cosas realmente geniales, es voltear una moneda o rodar los dados, literalmente. Entonces moneda, dados, ojalá tuviera esto funciona. Es realmente simple. Digamos que no estás basando esto en ningún trabajo de ficción en particular, y solo estás tratando de llegar a una historia o escena genial para crear. De una manera podría dar forma a la forma en que me acerco a la ilustración como esta es voltear una moneda y ver si Davin o Voth es el protagonista, el que estamos comprobando. Entonces cabezas, Davin es un buen tipo, colas Voth es el buen tipo. Cabezas, Davin es el buen tipo. Davin es nuestro héroe, Vot es el villano. Aquí tienes uno interesante. Podríamos tener una perspectiva de quién es el héroe. No sabemos quién está ganando. Eso podría ser algo interesante también. Entonces cabezas, Davin gana, colas Voth está ganando. Tails, el malo está a la cabeza, derrotando a Davin. Todo listo puedes ver lo súper rápido que tan solo voltear una moneda da forma a la realidad visceral de la ilustración que vamos a crear. Lo que estamos haciendo tiene una imagen muy clara de repente sólo a través de involucrar un poco de oportunidad. Es súper divertido. Donde podrías involucrar los dados es si es un poco más gris que blanco y negro, digamos el medio ambiente, por ejemplo. Tiempo de dados. Seis, arriba de una torre. Suena bien. Voy a dejarlo ahí. Creo que eso realmente me da todo lo que necesito para empezar a hacer un tablero de humor, porque está bastante claro en mi cabeza. Ahora solo necesito ver algunas cosas que coincidan con esa claridad. Yo quiero poner un poco la escena. Antes de llegar a los personajes, busquemos algunas ciudades bárbaras. Me gusta la idea de que haya muchas estructuras de madera, graneros, cuerdas. Perdón, no veo mucho de lo que me gusta, esto es lo más cercano hasta ahora, pero podría simplemente refinar mi búsqueda y agregar torre de madera. Eso es bastante guay. Mira, de repente, sólo por refinar la búsqueda, me gusta mucho eso como visual. Eso lo pegaré en mi pizarra de humor. De verdad así, eso sin duda capta la sensación que busco. Eso es genial para la torre. ¿ Qué pasa con la ciudad? Busco algo realmente atado y de aspecto bastante rugoso y rústico. A lo mejor si trato de buscar un bárbaro campo de batalla, ciudad primitiva. Realmente es simplemente pasar por los términos de búsqueda hasta que empiezas a ver la idea de lo que realmente estás buscando. Esto en realidad es lo más cercano hasta ahora, lo cual es bueno, pero no es lo suficientemente grande. Pero bajo imágenes relacionadas, puedes empezar a ver que se está acercando un poco a lo que estoy viendo. Creo que eso es suficiente para el medio ambiente. Echemos un vistazo a lo que podemos encontrar respecto a nuestros héroes. Ahora, me gusta esta imagen, no es nada como me imagino a Davin, pero es la plena situación estética y guerrero realmente noble con una espada grande. Voy a poner eso en mi pizarra de humor simplemente por la armadura que creo que es algo realmente genial de la que obtener inspiración, no copiar, sino que se refiere si me pierdo un poco en ciertos elementos, así que nos gustaría algo de inspiración. Incluso eso, para ser honesto, es realmente todo lo que necesito en un tablero de humor. Realmente siento que, en este punto, he sentado una gran base. Tengo algunas referencias visuales realmente emocionantes de las que sacar algunas ideas e inspiración. Ahora, estamos listos para poner bolígrafo a papel, o lápiz a papel, porque estamos dibujando. La tinta viene más tarde. 5. Comienza el boceto: Por fin estamos poniendo nuestro lápiz a papel. Pero notarás que obviamente hay un poco de un enfoque de acumulación basado en pasos en el que he presentado esta clase. Eso es simplemente porque ese es el enfoque que sigo y creo que es lo más razonable. La realidad está dibujando algo realmente cool viene con mucha presión, y cuanto más quieras que se vea bien, más presión te pones sobre ti mismo, y a veces eso puede ser una barrera, por eso me parece escalonado esto proceso realmente útil. Este bosquejo áspero, el boceto de lluvia de ideas, es lo que voy a estar cubriendo en esta lección, y esa realmente es una manera de aflojarse y quitarle la presión. Sólo voy a usar mi lápiz, un lápiz de color, y mi borrador, y eso es todo lo que voy a usar para mis dos ilustraciones y para la fase de bocetos de lluvia de ideas. Vamos a empezar con un poco de bosquejo de lluvia de ideas para alcuta. Ilustración un poco más estilísticamente simple. Voy a descomponer el proceso del bosquejo de la lluvia de ideas con ustedes. Entonces una vez que hayamos pasado por eso y son miniaturas, cuando lleguemos a la imagen más compleja y ambiciosa, tendrás una idea de lo que estoy haciendo cuando me meto más en un bosquejo de lluvia de ideas exigente proceso. Ahora ten en cuenta con estas dos ilustraciones lluvia de ideas sesiones de bocetos, mi tablero mudo está abierto a un costado, así que puedo referirlo y solo conseguir algunas ideas y recordarme visual y estéticamente a qué voy. De verdad sólo voy a empezar por garabatear. No necesito ser ordenado, no necesito ser ordenado. No tengo ninguna presión de que voy a hacer nada en absoluto parecido a cuál será mi resultado final, a menos que puedas ver, estoy realmente garabateado aquí. Ahora bien, podríamos apretarnos a medida que avanzamos. Sé que es un boceto horrendo, pero ¿adivina qué? No importa. En todo caso, es bueno que haya bajado el lápiz y dibujado algo horrible para que pueda pensar: “¿Sabes qué? No se va a poner mucho peor que eso, vamos a seguir adelante”. Voy a empezar solo pensando en las proporciones de los personajes que quiero dibujar. Estoy pensando en frentes grandes y ya terminé si quiero ojos grandes o ojos pequeños, así que lo haré con ambos. El enfoque general realmente es si tienes un pensamiento o una duda o una pregunta, simplemente lo pones visualmente. ¿ Quiero hacer una forma de cara más bidimensional o algo un poco más tridimensional? ¿ Quiero ponerme burbujeante o un poco más blocky? El grandioso de esto es que actúa tanto como una exploración como un Walmart. Entonces, a medida que haces una lluvia de ideas, te encuentras naturalmente solo poniéndote un poco más nítida y, un poco más refinada y un poco más clara con cada línea que dibujas. La otra cosa que notarás es que realmente estoy simplificando todo primero. No estoy dibujando ojos ni nariz ni detalles. Estoy empezando con la geometría amplia muy áspero. Esto es universal en todas las formas de bosquejar, ya sea refinado o áspero. No voy a traer los detalles una vez que tengo una idea aproximada de la forma o proporciones, y a dónde quiero ir a partir de ahí. Si algo se siente bien, perseguirlo, si simplemente no se siente bien, adelante. Realmente no hay necesidad de perder el tiempo. Se está enfocando en lo que se siente bien y desarrollando eso. Empiezo a conseguir que algunas ideas se junten, pero también están en el mismo ámbito de cómo tiendo a dibujar. La gran parte de este proceso es que puedes empezar a empujar fuera de tu zona de confort porque no hay forma equivocada de hacerlo, y podrías descubrir cosas que funcionan porque no las has probado antes. Voy a dedicar toda esta página a sólo cosas diferentes. A lo mejor dibujaré una cara con ángulos enteramente rígidos. Ahora hagamos un personaje con proporciones totalmente ridículas. Los ojos son tan grandes como la cabeza casi se parece a Invasor Zim. Boca diminuta, orejas grandes, baja en la cabeza, grandes ojos burbujeantes. Eso en realidad no está tan mal, ni siquiera terminamos con el pelo a los lados de la cabeza, eso se ve bastante cool. Voy a ir realmente redondeada con este. Mejillas realmente pequeñas redondas, frente grande, toberas de pelo burbujeantes. A lo mejor por este me voy a ir ultra simplista. Pequeños puntos para los ojos, pequeñito [inaudible], nariz pequeña, boca pequeña. Para ser honesto, en realidad es mi favorito hasta ahora. Creo que el enfoque realmente simplista está empezando a captar ese sentimiento burbujeante lindo, despreocupado o uno en mi ilustración, así que esta es la dirección en la que quiero ir. Cuando me siento así por uno de mis bocetos ásperos, ahí es cuando traigo mi lápiz de color, porque lo que realmente me gusta hacer es simplemente dibujar un pequeño cobertizo detrás de él y colorear eso en. Casi enmarcando mi pequeño boceto. Esto es más solo para dar una encarnación a mi proceso de pensamiento, más para mí que nada, así que cuando miro a través de mis bocetos, puedo ver claramente dónde he enmarcado o identificado las cosas que siento que funcionan mejor. Empecemos a dar forma a estos dos personajes con esa estética en mente. Ahora, te darás cuenta de que sigo dibujando quant garabateando, pero mis líneas se están volviendo un poco más seguras. No es que me esté conformando con algo en particular, pero el estilo y la sensación de lo que intento captar está empezando a tomar forma. En consecuencia, mis dibujos son naturalmente también. No me estoy diciendo que dibuje menos garabateando, pero son naturalmente lo estoy, ya que encuentro mis pies en la estética que realmente estoy disfrutando. Siento que estoy en un lugar de suficiente claridad y confianza para poder pasar a unas miniaturas. Ahora bien, este es un proceso realmente simple, y es el mismo enfoque y estilo que haces una lluvia de ideas de bocetos, excepto que es en el contexto de la construcción de la imagen misma. La mejor manera que encuentro de hacer miniaturas es dibujando literalmente cuatro páginas en una sola página. De esa forma te estás obligando a trabajar en un poco más de una zona cerrada, y si te dejas mantener agradable y rudo, sabes que tienes unos cuantos intentos más por delante, así que a menos que te relajes un poco más con el que en el que estás. El primero siempre debe estar fascinado viene a la mente. Si tienes una ilustración de que ya te propones crear oportunidades son para el momento en que estás en esta fase del proceso, ya tienes una imagen en la cabeza. Para esta primera ilustración, esta es la composición áspera que tenía en mi mente cuando conceptualizé por primera vez haciendo una linda y simple foto de dos niños jugando en el pozo de arena. De Tom imagen con ellos uno al lado del otro en una escena bastante simétrica, tal vez algo en el fondo como una barda, tal vez una casita cubby aquí atrás. A lo mejor un pequeño columpio o algo al fondo y un perrito por aquí a un costado. Al salir por ahí y luego simplemente dejarlo abajo, sólo me deja soltar lo primero que tenía en mi cabeza. Ya terminé, lo he intentado, probemos otra cosa. A lo mejor con este disparo, nos acercaremos mucho más. Esencialmente el mismo encuadre, pero esta vez somos de un tiro medio de los dos chicos. Voy a mantener la acción entre estos dos personajes igual en todas mis diferentes miniaturas que la niña está ayudando a llenar el cubo que el niño está sosteniendo. Para éste, vayamos un poco diferentes en segundo plano. Quizás agregue perspectiva ligeramente angulada en el fondo en lugar de simplemente mantenerlo todo plano. Si quiero crear algo que te jale, en un poco más o se sienta un poco más como una escena de un pequeño programa de televisión de niños o algo así. Ese podría ser el enfoque que tomaré. A lo mejor en realidad quiero simplificarlo aún más. Y si volvemos a nuestra idea original y despojamos de todo menos de las necesidades desnudas. A lo mejor para este pulgar ahora, el foco está un poco más cerca dentro y en los personajes. queremos el medio ambiente, pero vamos a mantenerlo realmente simple y básicamente solo aluda a los elementos de fondo. A lo mejor solo hay algunas formas simples que podrían parecerse a un conjunto de columpios, pero no vamos a agregar algún detalle, solo vamos a tener algunas siluetas simples. Entonces para nuestro último ejemplo, realmente nos empujemos un poco más allá en este momento con todos nuestros ejemplos. Está de frente con los dos personajes lado a lado. Vamos a cambiarlo un poco. Tengamos a nuestro chico aquí en primer plano, y podría estar enfrentando en esta dirección. Echo de menos a Tom, hemos creado alguna perspectiva. Tenemos al niño pequeño y al perro en primer plano mirando a la niña en el medio suelo, y tal vez podamos tener unas formas en el fondo alusivas al patio trasero en el que están. Hacemos unos bocetos en miniatura, es posible que desee explorar más y empujarse más allá en diferentes direcciones. Este es un concepto bastante sencillo y me siento como después de pasar por todos esos, me debe gustar este. Mi enfoque de fondo simplista, un poco más de enfoque en los personajes, pero elogiando el puesto simplista que vamos por con los personajes simplificando el fondo, tal vez incluso en un estilísticamente sobre el camino superior. Tengo una miniatura, voy a seguir de nuestro refinado boceto. Tengo un enfoque estilístico. No la tengo puesta en piedra, pero tengo suficiente claridad y confianza para avanzar en un boceto refinado donde puedo encontrar que perdió 10 por ciento de claridad para hacer una imagen exactamente lo que quiero. Voy a poner esto al otro lado y voy a llegar a ti, el boceto de afinar de esto más adelante en la siguiente lección, pero es hora de pasar a unos personajes un poco más complicados y vistos. A pesar de que ambas piezas terminarán completamente diferentes en complejidad y estética, el enfoque para obtener el resultado final es exactamente el mismo. Empiezo mi proceso por lluvia de ideas esbozando a Davin, el campeón de Túnez. Es muy poco lo que sé de él. Aparte de eso, es protagonista, es noble y lleva armadura. Mantuve mis bocetos de lluvia de ideas muy sueltos y jugué con el mayor número de audiencias visuales que pude, solo tratando de marcar esas casillas. Empecé centrándome en la cara, y una vez sentí que tenía una base decente para nuestro heroico personaje, pasé a algunas de las partes del cuerpo y las piezas de armadura. Ahora, en el punto en que las características y proporciones y trajes de Davin empezaron a sentir que eso se estaba dando forma juntos, pasé a un cuarto personaje. Empezando con unas caras bárbaras de viejo, en realidad encontré que darle un mohawk largo o simplemente un pelo en la parte superior de su cabeza que pudiera fluir frente a su cara podría sumarse al drama de la escena, sobre todo si el torre es bastante alta. Yo quería lucir ventoso e inestable. El pelo de este personaje fue probablemente una forma de comunicar eso, además de hacerlo lucir un poco más misterioso y que se avecina. Encontré que como un poco más primitivo acercamiento al disfraz de Voth era beneficioso, sobre todo teniendo en cuenta que la tribu de la que es tiene muchas torres de madera. Es sinónimo de razonar que su ropa probablemente esté consistente en solo pieles y pieles. Ocasionales piezas de metal pueden ser, pero mucho más cuerdas y animales y envolturas y todas esas cosas. Antes de pasar a las miniaturas, por supuesto, la propia torre tiene que ser negociada un poco como un personaje. ¿ Cuánto espacio hay en la torre? ¿ De qué forma es? ¿ Cómo le gusta la silueta? ¿ Cuáles son sus proporciones? Todas estas cosas contribuirán a lo intensos que son los mismos campos y a cómo se ve la cultura de la gente [inaudible]. Ahora, ya era hora de pasar a las miniaturas. Dejé bastante claro que me había preparado para un reto. Mi primera miniatura fue realmente plana y me acerqué de esa manera, básicamente empezando segura y poniéndome más extrema a partir de ahí. Fue básicamente en nuestro frente de nivel a la vista desde la perspectiva de la parte superior de la torre, ver a Voth avinando sobre Davin. Mi segunda miniatura, me volví un poco más ambiciosa y pensé que tendría un poco de perspectiva desde abajo de la pestaña y mirando hacia arriba como si Davin estuviera a punto de ser empujado fuera del filo, lo que dejaría claro que está perdiendo. Las miniaturas 3 y 4 son donde realmente empecé a sentir que estaba consiguiendo esa dinámica. El tercero siendo más desde la perspectiva de Davin en aquel donde bajo la escena de batalla y siendo dominado por Vot. Si bien sentí que esta era una perspectiva realmente genial para que las escenas se llevaran a cabo y no sabía que este tipo era un poco demasiado MD, y realmente no me sentí como si estuviéramos en lo alto de la torre. Miniatura 4, siento que empecé a ver que todos los elementos se juntan. Voth girará ligeramente hacia nuestra perspectiva en que está sosteniendo los actos listos para tomar un golpe final en Davin. El escenario que estamos viendo nos permite ver que Davin está perdiendo. Está a punto de ser sacado de la torre, y también podemos ver por el borde de la torre donde planeé tener muchos otros elementos de la ciudad de la tribu bárbara y también tal vez algunas de esas tribus gente animando a Voth. De repente siento que después de pasar por todo este proceso, tengo algo a lo que puedo anclarme y trabajar con claridad desde. Específicamente miniatura 4, realmente siento que tengo una escena que va a tener mucho impacto. Ahora que todos hemos pasado por ese proceso, tenemos todo lo que necesitamos para empezar con nuestra obra final. Mantén tus bocetos en bruto como referencia para cuando inicies tu boceto frontal. Pero en este punto, ahora que estamos listos para iniciar nuestro boceto frontal, podemos seguir el ritmo y sacar tiempo con esa pieza final. Los veré a todos en la siguiente lección. 6. Mejorar tus bocetos: En esta lección, vamos a empezar nuestra pieza final. Sigue dibujando como la última lección sin embargo, notarás que va a ser un poco diferente. En primer lugar, voy a ir mucho más despacio y voy a estar dibujando mucho más ligero. En segundo lugar, estaré presentando mucho más a este pequeñito, usando una goma de borrar a medida que voy. Ahora, sólo porque estemos trabajando en el boceto que se convertirá en nuestra pieza final no significa que hayamos perdido espacio para flexibilidad o experimentación. Todavía hay un poco de espacio para jugar, pero es sólo un tipo de juego diferente. Es un poco más lento y más metódico. Es por ello que el proceso de boceto refinado es físicamente muy diferente. Se trata de un boceto mucho más ligero simplemente porque en primer lugar, obtienes un resultado más decidido visualmente para trabajar desde cuando te mueves a tus tintas se iluminan. Pero en segundo lugar, porque hace que el borrado sea más fácil y más limpio. Lo que no quieres hacer es tener líneas de boceto realmente rugosas como las que hemos estado haciendo que luego son difíciles de borrar. Cuanto más que borres, más papel te separas lentamente o creas esas micro-lágrimas que significan que eventualmente vas a destrozar tu papel, o simplemente obtienes estas manchas fantasmales oscuras a lo largo de tu boceto. Entonces, antes de que empecemos, todo el trabajo que has hecho hasta ahora realmente entra en juego aquí. Tengo mis imágenes de referencia en mi tablero de estado de ánimo por ahí de mi lado, y justo delante de mí, tengo mis miniaturas y mis bocetos de personajes a los que puedo referirme conforme empiezo en mi pieza final. Por lo que trabajaré a través de esto en dos o tres etapas. El primero es como una composición áspera. Aquí es donde estoy realmente a la ligera y apenas vas a decir esto en cámara. Apenas lo puedo ver en persona. Realmente estás poniendo a la ligera cosas como tu línea de horizonte, las posiciones de los personajes. Te darás cuenta, hasta la forma en que estoy sosteniendo el lápiz es bastante diferente. Cuando estaba dibujando aquí, era bastante firme y hacia la punta del lápiz y realmente áspero. Por aquí, en realidad estoy muy suelto y ligero. De verdad estoy dejando que el ancho del propio lápiz haga las marcas. Por lo que siguiendo en mis miniaturas, tengo dos personajes que van a estar más o menos alrededor de esta posición. Voy a dibujar primero la cabeza para cada uno. Ahora estos pueden cambiar por eso estoy dibujando realmente luz y solo voy a empezar a fantasma en donde están sus poses. Entonces sólo algunas líneas direccionales como, ¿a qué manera se enfrentan? Tendré una línea en el medio para mostrar a qué dirección están mirando en un plano horizontal y o bien curvada hacia arriba si están mirando hacia arriba, o hacia abajo si están mirando hacia abajo para ver dónde están mirando en el eje vertical. A lo mejor tendrás a este tipo mirando hacia abajo hacia el cubo que se está llenando crea solo un poco de diferencia, una variación en sus líneas altas. Eso es lo esencial que se hace. Entonces voy a llenar el resto de la pieza con cosas que equilibren eso o lo elogien. Entonces ahora estoy tratando de jugar con lo que quiero hacer con el horizonte, y sé que quiero algo detrás de estos personajes. Para que parezca un patio trasero, siento que una barda podría ayudar, pero también podría dañar un poco. Pero aún puedo experimentar y probar las cosas. Entonces sólo voy a poner muy vagamente en una línea horizontal a un nivel creo que podría querer una barda. Entonces esa es mi línea de barda, pero quiero romperla un poco. Es sólo aburrido si es sólo la cerca. Entonces sólo voy a poner algunas formas en el fondo y no voy a estar demasiado loco con esto. Yo sólo quiero elogiar la escena. Obviamente, aún no estoy ahí, pero ese es un lugar realmente bonito para empezar desde para luego definirlo y agregar más detalle. Por lo que ahora voy a volver a los temas de la pieza. A los dos personajes en particular, voy a empezar a dar forma un poco más a las siluetas y empezar a poner un poco de los detalles de la expresión, su ropa. No me voy a volver demasiado loco o demasiado sólido, pero te darás cuenta de que mis líneas empiezan a ponerse un poco más firmes y también puedo borrar algunas de las construcciones más confusas a medida que voy a aclararlo. Lo primero que noto antes de sumergirme en hacer los detalles de la cabeza, es para esta pose interactiva, su cabeza en realidad está un poco demasiado atrás. Es como si todo su cuerpo estuviera inclinado hacia adelante sosteniendo este cubo y parece un poco como si estuviera tirando hacia atrás con la cabeza. Entonces, antes de entrar y hacer los detalles, sólo entraremos y reposicionaremos eso. Está bien, eso me parece un poco más natural. Entonces voy a empezar a hacer los detalles de este personaje. Empezando por su expresión, que es lo más importante para ponerse bien en la cara de un personaje. Es la ventana al alma, y el alma de este chico está sumamente feliz de que esté saliendo, llenando su cubo. Son las cositas, ¿no? Entonces solo voy a ir por el resto de la escena y definir las cosas un poco más pero más importante que hacer y hacer bien es lo que ya tengo. Además no va a haber mucho detalle en otra parte. Por lo que estoy en esta etapa, realmente feliz con mi refinado boceto de mi pieza de gatito aquí. Creo que eso es realmente divertido. Capta exactamente ese sentimiento y atmósfera que yo quería. No está por encima de lo alto detallado en el fondo. De hecho, va a ser aún más sencillo cuando lleguemos al largo trabajo en la siguiente lección. Pero antes de hacer eso, voy a dejar esto a un lado y voy a volver a pasar todo este proceso con un estilo completamente diferente y un enfoque más intenso. El proceso que voy a estar siguiendo con mi segunda pieza es el mismo, pero la forma en que se despliega va a ser un poco diferente. Principalmente porque hay mucho más de un enfoque en el realismo y en el drama, y se necesita mucho más lío y afinación fina para conseguir algo que lucir natural y orgánico y épico sobre todo si vas por algo con más proporciones realistas, y un ángulo ambicioso, que estoy tratando de hacer aquí. Te darás cuenta de que paso por reflujos y flujos, centrándome en el personaje principal en primer plano, este personaje bárbaro porque mucha de la dirección de la imagen va a estar enfocada en su movimiento. Todo depende realmente de si puedo hacer su ángulo correcto y esa sensación de movimiento como si estuviera a punto de hacer su golpe final a nuestro protagonista. Ahora, hay un par de problemas aquí. En primer lugar, quiero mostrarles su rostro, así como el rostro de nuestro protagonista pero al hacerlo, verdad tengo que tenerlo un poco alejado del protagonista. Ahora la forma en que trato de sortear esto es haciéndole volver a hackear o retorcerse en preparación para su golpe final. Pero esta postura de anatomía torcida es realmente difícil de hacer parecer natural, pero eso está bien porque realmente no es presión. No estoy agregando muchos detalles y en cuanto pueda ver que, al final del día, esta pose no va a parecer orgánica, volveré a empezar. Por último, encontré una pose que sentí que estaba funcionando. Está mirando lejos de los protagonistas listos para hacer su golpe final sin necesariamente parecer una telenovela, cuando los personajes se están mirando uno al otro y hablando entre sí, y se ve realmente antinatural . Me gusta esta pose porque siento que realmente se está retorciendo para un strike final, pero obtenemos una vista realmente buena de él y de su diseño y su cara, cual fue realmente importante para mí al menos demostrar el proceso de llegar de el principio hasta el final aquí. Ahora que estoy contento con el personaje de primer plano que ocupa una gran parte de la imagen, se siente un poco arriesgado poniendo en segundo plano cuando realmente no sé qué va a funcionar mejor. Ahora cuando digo que no sé qué va a funcionar mejor, verdad me voy a acercar a él de la forma en que lo pongo en un bocetos en miniatura. Pero es en este punto que pequeños ajustes como el ángulo o la perspectiva de la plataforma en la que están, la pose o posición de los protagonistas, todos marcan una gran diferencia. Me quité la presión solo tomando una foto de la imagen que tengo hasta ahora, y volviendo a mi modo garabateado de garabateando en mi teléfono algunas variaciones de lo que podría funcionar. Mi tercera variación, me sentí realmente dinámica. Una vista realmente alta de la plataforma con nuestro héroe clamando y rebajando hacia atrás, tal vez acabando de retroceder, pero potencialmente capaz de levantar su espada y defenderse. Después sabiendo cómo quería avanzar con confianza, llené el resto de mi refinado boceto. Dándole un paso a la vez y llenando mi camino hasta que encontré que las cosas que sentía funcionaban muy bien y luego simplemente se doblaban en esas. Por último, mi refinado boceto estaba tomando forma y en este punto, llené un poco el fondo, añadí más perspectiva y un sentido de escala y alcance al poner algunas torres más en el fondo para especie de mostrarte lo que el ciudad bárbara parece. En lugar de llenar el fondo con una multitud, que pensé que podría enloquecer la escena con demasiado detalle, pensé que sería realmente genial tener humo e incluso algunas llamas visibles en el fondo como si la ciudad estuviera ardiendo. Lo único que quedaba era volver a mi personaje de primer plano y agregar mucho más detalle. Específicamente hacia dónde iban los elementos del atuendo, donde las cuerdas ataban pedacitos juntos, e incluso rasguños, cicatrices y densas a lo largo del personaje y su amour. Entonces después de toda nuestra investigación y lluvia de ideas, y ahora nuestra refinada forma de bosquejo de dos obras de arte listas para ser entintadas. Son estilos muy diferentes y resultados extremadamente diferentes, transmitiendo un ambiente y sentimiento completamente diferentes. Aún así para mí, los dos simplemente realmente cool y divertidos. Entonces estoy muy contento con estos, que significa que es hora de pasar al entintado. Ahora al hacer eso, voy a dividir estos empezando con mi ilustración de gatito aquí. Voy a pasar por esto un poco más lento y pasar por algunos de los elementos de entintado del núcleo que van a ayudar a que tus piezas destaquen si estás usando el trabajo de línea. Entonces después de eso vamos a sumergirnos en lo más profundo de la basura y conseguir algunos detalles reales, texturas, y contraste sucediendo con nuestras tintas en esta pieza. Te veré en las próximas lecciones. 7. Entintado del boceto: Muy bien todos, es hora de tinta nuestra primera de las dos obras de arte que hoy estoy pasando, y este es un punto en el que muchos artistas, incluido yo mismo, se ponen un poco nerviosos. Ver hasta este punto siempre podríamos volver atrás, y la tinta es una de esas cosas donde cuando está abajo, bueno ciertamente se siente como que no hay vuelta atrás y hay formas de arreglar o ajustar o reparar algunos errores con tinta. Pero la razón por la que hemos pasado por el proceso por el que hemos pasado hasta ahora es que nos hemos permitido ser una configuración para la certeza posible, que cuando bajemos el lápiz de tinta, tengamos una guía muy clara para saber exactamente a dónde debe ir. Entonces no hay muchas conjeturas. Ahora, vamos a empezar de forma sencilla con esta primera pieza solo vamos a utilizar tres fineliners básicos de tres tamaños diferentes. Cualquier fineliners estará bien, y estos son como un fineliner ligero, medio, y un fineliner ligeramente pesado. Tengo 0.2, 0.4 y 0.9. Las tintas pueden ser una forma en que puedes crear contraste y profundidad en tu pieza, incluso con líneas simples solo por cómo las colocas y cómo te acercas a ella. Entonces vamos a empezar con nuestra pluma mediana, mi 0.4, y voy a dar la vuelta a mis dos personajes principales y a mi perro. Este es un proceso bastante sencillo. Literalmente solo estoy rastreando todo el trabajo que he hecho, he quitado tantas conjeturas porque hice mucha exploración a través de la fase de boceto refinado, y estoy seguro que puedes decir por los estados que hay un poco de un patrón sucediendo con los pasos que estamos dando. Cada parte del proceso presta más certeza, confianza, y estructura a la siguiente. Entonces ahora que estoy pasando al entintado, porque pongo todo ese trabajo en mi lluvia de ideas mi boceto final, solo estoy dibujando con mis bolígrafos de tinta. Al dibujar con tu bolígrafo de tinta, no hay forma correcta o incorrecta de hacer una marca en el papel, pero vale la pena tener en cuenta que es más natural tirar de la pluma hacia ti en lugar de empujarla por un par de razones. Si estás empujando la pluma, hay más fuerza en la punta del bolígrafo, y realmente no puedes ver lo que acabas dibujar ya que está debajo de la mano cuando lo estás tirando hacia ti, puedes tener mucho más control, tanto porque puedes usar todo tu brazo y luego también puedes obtener todos los detalles y encuentras dibujo génico con tu muñeca. Ahora notarás que hay algunos puntos en los que no he dibujado una línea, como la parte inferior de las patas y la parte inferior de la pala, eso es porque estaré dibujando el fondo y algunos apoyos con el último rotulador de punta de fieltro, por lo que solo dejo esas hasta llegar a esa. Ahora voy a pasar al pequeño, y si bien puede ser nervioso que algunos artistas empiecen a trabajar con tinta, al mismo tiempo, si puedes quitarle la presión o ajustar tu mentalidad sobre cómo se siente trabajar alrededor o empoderarte preparándote de antemano tanto como sea posible, este proceso en realidad puede ser realmente divertido. Puede ser una de las cosas más satisfactorias porque sientes que lo estás revelando lentamente. Te darás cuenta a veces me alejo de lo que he bosquejado, y eso es porque aunque estoy haciendo tinta, créanlo o no, todavía hay cierto grado de sentir tu camino. A pesar de que estés entintando, aún asegúrate de darte algo de espacio para jugar un poco. Entonces eso se está juntando, estoy bastante contento con eso. Ya estoy listo para pasar al cogee, pero acabo de cometer un pequeño error donde en mi boceto tendré arena cayendo en el cubo, y he dibujado una línea por ahí. Sucede con tinta, pasa todo el tiempo. Simplemente trabajas alrededor de eso y llegaré a eso más tarde y te mostraré cómo supero eso cuando llegue a mi fineliner más delgado. Pero voy a rematar con este 0.4 con el cogee aquí. Estoy bastante contento con eso. Ahora, voy a pasar a mi fineliner más delgado, mi 0.2, y voy a ser todo el fondo con este fineliner más delgado, y también lo voy a hacer un poco diferente. Con un 0.4, todas las líneas son realmente limpias, claras y sólidas. Con un 0.2, voy a ser insensible. No bocazas en eso van de ida y vuelta sobre la misma zona con la misma pluma, pero más en eso soy realmente ligero y estoy dejando que el camino de la pluma en sí haga la mayor parte del trabajo. Ahora, recuerda aquí con una arena, no dejé ese hueco, no hay problema. Yo sólo estoy dibujando dentro del cubo para mostrar que la arena va por ahí, tal vez hacer unos puntitos ahí dentro y ya basta. Entonces si bien se podría pensar en algo así es un gran problema, obviamente tenía planes para que la arena entrara ahí. Todavía puedo obtener el mismo efecto trabajando a su alrededor y simplemente pensando fuera de la caja y relajándome un poco. Pero por supuesto, la mejor manera de evitar esos errores en primer lugar es inclinarse hacia atrás y tomarlo todo en lo posible. Ahora el look bocoso con inclinaciones de luz realmente relajadas funciona particularmente bien con la arena y de hecho, puedo dejarme ponerme un poco temblorosa y romper las líneas, pero incluso con los apoyos, sigo guardando cosas realmente sueltas, digamos con el balón aquí, estoy dejando algunos huecos en mis líneas, solo mantenerlo realmente relajado, no preocuparme por pequeños batidos. Ahora estamos empezando a cerrar un poco los huecos entre los personajes y el fondo, simplemente dibujando esas líneas de luz donde se encuentran con el suelo en el que están, y se puede ver que los mezcla con su entorno pesar de que se dibujan con líneas estilísticamente diferentes. Entonces eso es toda la arena hecha. Ahora, yo sí tienes este log de vuelta aquí, que yo podría hacer con la misma línea. De hecho voy a volver a la 0.4 sólo porque quiero que haya un poco más de separación entre este medio suelo y el fondo detrás de ellos. Entonces no estoy haciendo nada drástico, y de hecho, sigo manteniendo mis líneas bastante relajadas y sueltas, no haciéndolas tan audaces como lo hice esos personajes, pero solo quiero que esta línea aparezca un poco más fuerte para crear algún contraste y seguir a lo largo de mi horizonte. Ahora que estoy de vuelta de 0.2, puedo agregar un poco de ese grano de madera que se dibujan. Muy bien, entonces ahora estamos en el fondo de atrás y voy a llevar lo que he estado haciendo con esa luz 0.2 aún más lejos. Apenas voy a tocar el papel y sólo voy por líneas muy ligeras. huecos y los pequeños batidos están bien, solo estoy tratando de que sea lo más ligero y gentil posible. Es casi un poco de efecto ambiental, como la mitad de las cosas a la distancia, menos visibles que las cosas en tu presencia inmediata. Estoy usando mis líneas para crear ese efecto. Ahora, con las nubes, podrías pensar, vale, son nubes, probablemente no necesito algunas líneas sólidas y eso es cierto. Apenas lo voy a tocar, hecho voy a dejar que el ancho de la pluma haga todo el dibujo y solo voy a dejar que esto realmente de manera desigual y orgánicamente dibuje esta línea casi punteada alrededor de donde he bosquejado la nube. Entonces, en general, estoy bastante contenta con cómo se juntan esto. Ahora, voy a volver al 0.2 en un minuto solo para agregar unas texturas poco, pero antes de hacerlo, voy a crear aún más separación entre nuestro enfoque y todo lo demás yendo a nuestro 0.8, nuestro fineliner más grueso. Con esto, simplemente voy a trazar alrededor la silueta de los personajes que están enfocados. Voy a volver a mi estilo realmente incluso sólido de dibujo. Pero no voy a entrar en los detalles ni en el interior de los personajes. Literalmente estoy trazando alrededor del borde exterior y esto apenas engrosando el personaje. El beneficio de esto también, es que puede permitirte limpiar un poco las cosas. En ocasiones guardaré este paso cuatro después del color porque si estás usando marcadores de alcohol por ejemplo y vas por encima de los bordes en algunos lugares, puedes limpiar esos bordes volviendo con un bolígrafo más grueso y simplemente dando vueltas por el afuera. También puedes deshacer ciertas opciones, por ejemplo aquí, cuando dibujé el cabello, hice una punta dividida que normalmente se vería bien, pero con este estilo, realmente iba por la simplicidad. Entonces voy a deshacer esa elección simplemente dibujando una línea gruesa sobre eso, y así, la he deshecho y simplificado la forma del cabello ahí. Entonces eso es pelo, no he entrado a ninguno de los detalles ni hasta donde la cabeza se superpone a los brazos ni nada por el estilo, solo voy por los otros bordes y voy a hacer lo mismo con ese niñito. Ahora bien, mientras tengo mi pluma más gruesa, en realidad voy a entrar y llenar algunos de los detalles que quiero, por ejemplo, los ojos. Voy a hacer estos negros con solo pequeños puntos de reflejos en los bordes y voy a usar esto para rellenar las aberturas interiores de la boca. Esto es realmente juntarse y ya casi termino con mi entintado. En realidad voy a volver a mi 0.2, mi pequeño chico y voy a usar esto para agregar solo pequeños florecimientos de textura y detalle, no por encima de la parte superior, porque obviamente el estilo aquí se está enfocando en la simplicidad. Pero con algo así como arena, realmente necesitamos agregar algunos pequeños puntos, pequeñas hendiduras para comunicar al espectador que esto efectivamente es arena. Ahora bien, no queremos poner puntos por todas partes a lo largo de la pieza que va a parecer demasiado ocupada y fea, pero solo estoy recogiendo un lado en general, voy con el lado izquierdo de montículos de arena, y solo estoy poniendo unos puntos, unos pequeños círculos. Ocasionalmente en el medio, haré un cúmulo de unos pocos puntos solo para recordarle al ojo que todo esto es la misma sustancia. Ahora, tenemos algo como estos saltos de donde han desenterrado. En realidad no puedo hacer un montón de puntos ahí dentro. Va a parecer un poco extraño, pero sólo voy a hacer algunas líneas simples todas en la misma dirección, realmente ciertas líneas planas al igual que esta. Esto se llama eclosión, y esa es una forma de sombreado. Entonces cuando miro este ritmo, tan fresco como lo es hasta ahora, realmente lo estoy disfrutando. Mi ojo está luchando por diferenciar entre el fondo en el patio trasero y luego el pozo de arena, y lo que está separando a los dos es el tronco. Entonces lo que realmente puedo hacer para envalentonar ese log como factor de separación es hacer lo mismo otra vez, esa línea de sombreado único todo el camino a través. Ahora, no voy a ir todo el camino hasta la parte superior del registro. Voy a tratarlo como si hubiera un punto culminante en la parte superior del tronco de alguna carga del día soleado de arriba. Mucho vas a empezar esta línea eclosionando cerca de un cuarto del camino desde la parte superior en el mismo ángulo, no es un ángulo particular, solo me gusta hacerlo en este ángulo, porque soy diestra y puedo tirar naturalmente en esta dirección con bastante facilidad, y voy a tratar de mantener eso consistentemente todo el camino a través, y así así, terminé mi trabajo de línea para mi pieza de gatito. Estoy realmente contento con eso. Lo genial de la forma en que me he acercado es a pesar de que acabo de usar tres bolígrafos simples, puede ver muy claramente que hay un primer plano, un medio suelo, y un fondo. Sólo queda una cosa para llamar a esta obra de arte entintada terminada, es borrar mis líneas de construcción. Asegúrate de que antes de hacer esto, le das un par de minutos para que se seque completamente porque la tinta baja húmeda. Solo asegúrate de probarlo un poco primero para asegurarte de que no estás recibiendo manchas, y luego cuando estés seguro puedes borrar o construir líneas. Me encanta esto, estoy realmente contento con él y está listo para el color. Ahora, es en esta etapa, recomiendo encarecidamente si vas a colorear tu obra entintada que lo escanees, vale la pena tenerla solo para que tal vez puedas probar algunos experimentos con color más claro, pero también que tengas una copia de seguridad por si acaso las cosas van horriblemente mal. Eso es todo para mi proceso durante la tinta en esta ilustración. A continuación, voy a hacer la tinta en mi ilustración más intrincada y compleja. Si disfrutaste el proceso de decir lo mucho que puede hacer con tres fineliners simples, te va a encantar la siguiente lección donde nos sumergimos en algunas cosas arenosas, emocionantes que puedes hacer con algo de tinta, efectos de texturas, todo tipo de cosas. Pero eso es para otra lección y allí te veré. 8. Entintado de personajes complejos: El partido está a punto de empezar realmente. Vamos a hacer algunas técnicas de entintado más avanzadas en esta lección. las cosas que ya hemos cubierto en las que vamos a ir un poco más allá en esta lección son cosas como crear profundidad, usar nuestras herramientas de entintado, y crear un poco de textura. Pero algo en lo que vamos a estar trabajando aquí también es agregar intensidad y acentuar el estilo. A continuación, quiero conseguir mis materiales y estoy usando los mismos tres bolígrafos que la última vez para una mayoría de esto, pero hay algunos bolígrafos extra que voy a estar presentando. Uno que realmente me encanta usar es éste. Es un bolígrafo de caligrafía de Tombow y en realidad es igual que un bolígrafo de punta dura. Está casi en algún lugar entre un pincel y un delineador fino. Déjame mostrarte visualmente la diferencia entre todos estos. Tenemos un 0.2, un 0.4, y un 0.8. Estos son bastante simples. Las diferencias entre ellos son silenciosas sutiles pero aparentes. Por lo que este bolígrafo de pincel de caligrafía me permite obtener los mismos efectos que los tres, pero en el bolígrafo uno. Cuanto más duro aprieto, más presión puedo aplicar y obtener un trazo realmente grueso. Lo grandioso es que puedo conseguir alguna variación de presión y crear unos trazos realmente únicos, interesantes aquí. Entonces lo primero que vamos a estar entintando es nuestro personaje bárbaro de primer plano aquí. Ahora, voy a acercarme a esto muy similar a cómo hice mi boceto anterior. Voy a ser un poco más audaz con mis líneas sobre este personaje. En medio suelo, voy a ir un poco más simplista y empujar las cosas un poco más atrás al fondo. Voy a ir mucho más con líneas finas y texturas. Entonces voy a empezar con mi lapicera de 0.4, y voy a empezar a dar vueltas por las grandes áreas y bordes, como esta hombrera de aquí. Ahora, en algunos lugares, estoy improvisando. Por ejemplo, si hay un rasguño o un bache, podría simplemente introducir un pequeño bache al que pueda añadir un rasguño más adelante. Entonces notarás que voy a pasar de eso. No voy a llenar los detalles dentro de eso. En realidad voy a hacer eso con mi 0.2. Estoy separando áreas de geometría. Empecé con la hombrera porque era muy visualmente comandante y estaba frente a la mayoría de las cosas, pero en realidad voy a separarme de ella y venir a esta mano aquí. Ahora, voy a pasar al guante. Tenemos algo de textura aquí con el pelaje, eso está en el exterior de este cuero, y estoy manteniendo mis líneas bastante sueltas porque para crear una textura, necesito asegurarme de que estoy captando la sensación de esa textura más bien que simplemente dibujar líneas alrededor de las formas que son. Con este pelaje en particular, va a sentir que es un poco esponjoso y grueso. Hablando de ensartar, ahora tenemos cuerda alrededor de su muñeca. Entonces despacio, solo estoy trabajando hacia atrás. Ahora bien, a pesar de que esta imagen es más desalentadora de tinta, todavía hay espacio para la experimentación. Al final del día, es más detallado y emocionante. Podría sentir que quiero agregar las cosas aquí o allá. Tal como en el área del bíceps, siento que va a realzar el aspecto tridimensional de su brazo, además de agregar algún detalle al personaje al tener algún anillo de acero envuelto alrededor de su bíceps. Yo sólo voy a dibujar eso. No hay nada en mi boceto que me diga qué hacer ahí, pero solo estoy confiando en mis instintos, simplemente dibujando ligeramente algo en que podría ser una banda de acero y simplemente haciendo eso todo el camino. Entonces voy a dibujar los músculos debajo de aquí. Creo que eso funciona bastante bien en realidad. Siento que está llevando el brazo hacia adelante y asegurándonos de que sabemos que esta hombrera se levanta un poco y el brazo se levanta aún más porque estamos tratando de demostrar que el brazo que sostiene el hacha en la parte delantera está tan lejos hacia adelante ya que podemos hacer visualmente que se vea. Hablando de estar muy adelante a nuestra imagen, ese es el área más importante de nuestra imagen de este personaje bárbaro, pero que está encubriendo el rostro. Ahora, la cara es algo a lo que vamos a prestar especial atención. No voy a dibujar los detalles de la cara, como los ojos y la nariz con este 0.4. En realidad voy a cambiar a mi 0.2 sólo porque me da un poco más de detalle y flexibilidad. Los ojos, la nariz y la boca, en particular, en imágenes detalladas como estas, son áreas que no quieres embarrarse con líneas gruesas. Es mejor empezar con adelgazamiento, y luego una vez que consigues la expresión y las cosas bien, si piensas que las zonas necesitan ser más gruesas, puedes volver atrás con un bolígrafo más grueso y iluminarte. Voy a ser realmente honesto contigo ahora mismo. Este ojo izquierdo, no estoy 100 por ciento contento con. Siento que está un poco demasiado lejos a la izquierda y un poco demasiado bajo. No es el fin del mundo. No te preocupes, podemos usar algo de magia de tinta para empujar un poco esa en un lugar, y en realidad podemos mover este otro ojo en la dirección opuesta. Lo que en realidad voy a hacer es tinta debajo del ojo, sólo espesar eso, y voy a añadir un poco de masa al lado derecho. Yo voy a hacer lo contrario por aquí. Voy a empujar hacia abajo la zona inferior derecha. Justo así, y es muy sutil y podemos igualar eso después con nuestro sombreado, pero solo estoy empujando eso con líneas más gruesas. Obviamente, ahora es un poco mucho, pero lo más importante es encontrar ese equilibrio. Es un poco de error, pero encontrarás que una vez que toda la tinta esté ahí dentro y toda la imagen se junte, va a ser un no-tema. Pero con sólo empujar las líneas en ciertas direcciones, en realidad puedes, cambiar ligeramente las proporciones aunque estés trabajando con tinta. He hecho todo lo que quiero hacer con el 0.2. Volveré y texturizar y sombrear la cara y el cabello con el 0.2 más ligero, pero sólo voy a volver a mi 0.4 y volver a enfocarme en las áreas sólidas de masa a lo largo de mi imagen. No quiero quedarme demasiado atrapado con los detalles todavía. Ahora he bloqueado en la mayor parte de nuestro personaje bárbaro aquí. En realidad voy a volver a mi delineador fino 0.2, y te darás cuenta de que hay algunas áreas que se han dejado para rellenar con detalles como la hombrera, algunas de las áreas de cuero, el cabello, pero también la hacha. No he dibujado el exterior de los bordes del hacha, que en sí es un objeto muy sólido obviamente, pero lo he dejado porque quiero ayudar a emplear el movimiento. Aquí es donde podemos usar un poco de casi como un efecto de desenfoque, que podemos crear con tinta. Para ello, en primer lugar, voy a volver a mi pluma más delgada simplemente porque cuando algo está borroso, es menos sólido, así que ir con un bolígrafo más delgado va a ayudar a crear ese efecto, y luego voy a empieza a dibujar el contorno de mi hacha pero sólo voy a dejar algunos huecos. Entonces estoy yendo muy a la ligera alrededor del contorno del hacha, pero casi lo estoy haciendo en pequeños guiones, yendo todo el camino, no llenándolo todo intencionalmente. Ahora, lo que voy a hacer es asegurarme de que lo haga con confianza. Voy a volver a mi lápiz y trazar el movimiento. Si está girando así, sólo quiero hacer algunas líneas en esa dirección. Si eso me sienta bien, lo cual sí, entonces tendré algunas pautas que puedo seguir así. Voy a volver 0.2 ahora. En esa dirección, sólo voy a añadir algunas líneas borrosas. Algunos de estos pueden ser bastante largos, algunos pueden ser pequeños cortos. Tan solo para romper el movimiento, estamos siguiendo esa pauta que hemos creado e incluso podemos sumar algunas a otras áreas del hacha sólo para demostrar que es más que sólo la propia hoja la que se mueve, incluso su mano. Pero estamos siguiendo esa guía que ya configuramos. Podemos ser bastante duros al menos con esto. Podemos repasar ciertas áreas, nuevo, algunas largas, algunas cortas, algunas sobre toda la dirección del hacha, pero es bastante aleatorio. Al igual que eso, ese hacha le tiene mucho movimiento. Ahora bien, si quieres agregar algo de fuerza a la silueta, podemos volver a nuestra 0.4, y solo recorrer algunas de las áreas del mismo borde que no están entrometidas por esa línea solo para asegurarnos de que el ojo sepa dónde está el contorno del hacha. No vamos a repasar todas las líneas, solo estábamos asegurándonos de que la silueta tenga algo de claridad. Yo estoy muy contento con eso. Eso ciertamente parece que se está moviendo y balanceando. Ahora, con mi 0.2, voy a ir dentro de algunas de estas áreas como la hombrera, el pelo, el cuero, y voy a añadir algunos detalles. Voy a estar realmente relajado en cómo lo hago. Estoy extremadamente contento con donde está. Todavía no terminamos, pero no quiero exagerar nada ahí. Yo quiero encontrar el equilibrio de la imagen. Para ello, voy a pasar por el resto con un enfoque similar. Entonces podemos mirar todo el asunto y encontrar mejores maneras de agregar contraste, y profundidad, y separación entre estos elementos. casi estoy listo para seguir adelante, pero antes de hacerlo, y ahora que la tinta está seca, voy a borrar el boceto de construcción debajo del personaje bárbaro. Ahora, notarás que se ve un poco oscuro y fangoso donde están los bocetos de construcción. Cuando lo borras y solo te muestras la tinta, se ve mucho más limpia. Está realmente claro si hay alguna áreas o detalles que te hayas perdido que valga la pena agregar. Entonces eso realmente simplifica lo que estoy viendo. Estoy realmente contento con eso. Se ve bastante épico, y también me da mucha confianza al pasar a la siguiente etapa. 9. Entintado de entornos elaborados: Disfrutando de mi medio suelo con mi protagonista en la plataforma, me voy a apegar al liner fino 0.2 lo que solo significa que va a ser un poco menos pesado que el personaje de primer plano, pero realmente me voy a acercar de la misma manera, trabajando de primer plano a fondo, empezando con nuestro protagonista porque es la parte más importante. Ahora, 0.2 es la pluma más delgada que he preparado aquí. Pero en realidad tengo un bolígrafo más delgado, y voy a ir a buscarlo. Este es un 0.05. Donde ese es nuestro 0.2, eso está en 0.05. Se puede ver uno al lado del otro, están cerca pero esto está bien y lo suficientemente detallado que voy a tener mucha más flexibilidad a la hora de los detalles de la cara. Al juntarme, tengo mi medio suelo desbaste. Voy a empezar a hacer un par de cosas para que sea aún más elegante de lo que está empezando a parecer. Lo primero es lo primero, vamos a terminar el medio suelo añadiendo un poco de textura. Ahora lo fresco de tener esta plataforma cuadrada con los tablones en esta dirección sí, sin querer, pero afortunadamente, es que crea estas líneas de acción que se dirigen hacia la inminente fatalidad. Ese es mi buen amigo, Bob Ross, le gusta llamarlo un accidente feliz, pero realmente bastante guay. Vamos a acentuar eso consiguiendo aquí mi 0.05. Voy a empezar a añadir en algún grano de madera realmente a la ligera, sólo líneas siguiendo por aquí. Simplemente escoge unos cuantos lugares aleatorios solo para agregar tablones en la dirección de su perspectiva. Ahora voy a subir la longitud de todos estos tablones con sólo unas líneas onduladas. A veces voy a añadir un nudo en la madera, pero por lo demás va a ser bastante aleatorio. Pero éstos se van a sumar a esa sensación de movimiento dirigiendo hacia donde se dirige la acción. Ahora, lo otro que hace esta textura, aparte de ayudar a enfatizar esas líneas de acción, es que separa a los personajes de la plataforma, lo cual es realmente bastante efectivo. Ahora voy a llevar eso un paso más allá y crear aún más separación consiguiendo mi pluma de caligrafía y dando vueltas por los contornos, la silueta muy externa de nuestro personaje bárbaro. Entonces voy a conseguir mi 0.4 y hacer lo mismo en torno a un protagonista. Empecemos con el bárbaro. Ahora esto va a ser un poco diferente al simple entintado que hicimos. Vamos a dar la vuelta al contorno exterior, pero también vamos a ir en algunas áreas superpuestas solo para asegurarnos de que estamos agregando profundidad. La otra cosa también es porque estamos usando el bolígrafo de caligrafía, vamos a poder ir más gruesos en algunas áreas y más delgados en otras. Voy a empezar con el hacha y la mano. Esto va a ser bastante grueso porque esta es la zona más prominente y precortada del personaje. Voy a seguir junto con el hacha y adelgazar a medida que nos alejemos más. Ese es mi carácter bárbaro hecho. Ahora, con mi 0.4, voy a dar la vuelta al protagonista y justo los bordes de la plataforma. Ahora que he hecho esos contornos, se puede ver que he creado una separación bastante decente entre el primer plano y el medio suelo. La textura de los tablones realmente también ayuda a resaltar a los propios personajes. Ahora vamos a pasar a segundo plano. Voy a agarrar mi 0.2 y mi 0.05. Ahora, quiero pasar a segundo plano. No quiero hacer tanto que me ocupe toda la escena. Ya está pasando mucho y está funcionando bastante bien. Me voy a centrar en dos cosas. Una, voy a hacer que destaquen las torres y algunas de las espigas. Dos, voy a establecer la atmósfera, y la escena, y la profundidad añadiendo un poco de humo, y nubes, y polvo en el fondo. Antes de empezar en las torres, que van a ser el foco principal, en realidad estoy en mi 0.05 y sólo voy a dibujar unas nubes muy ásperas. Estos sólo van a estar encima de lo que sea que esté dibujando. El motivo por el que estoy dibujando esto primero es porque algunas de las torres van a ser dibujadas por áreas de las nubes y va a cambiar cómo voy a dibujarlas. Por ejemplo, dondequiera que estén las nubes frente a los objetos que dibuje, se les va a siluetar detrás del humo. Se dibujará de manera diferente. Pero dondequiera que estén atrás, claro, las líneas serán más gruesas y todo estará más claro. El humo se mueve todo con el viento en la misma dirección. Voy a empujar todo ese camino. Voy a añadir más después, pero sólo estoy empezando con algunos conceptos básicos que puedo usar como un poco de guía para avanzar. Voy a ir a mi 0.2. Voy a empezar a dibujar las cimas de espigas y torres. Aquí es donde podemos empezar a ponernos un poco de fantasía. Podemos agregar un poco más de profundidad a nuestro fondo sin agregar demasiado ocupante o detalle. También podemos sumar al efecto de este humo y ambiente, cambiando a nuestro delineador fino más fino y simplemente sombreando dónde estarían las formas. Digamos, por ejemplo, que queremos aludir a una estructura de torre detrás de aquí. Podríamos tener una forma diferente a la que tenemos. Techo de pico poco, un pequeño pico superior cuadrado por aquí. Pero esto está más sumergido en el humo. Voy a seguir sombreando en la dirección de nuestra perspectiva vertical. A medida que pasen más líneas, voy a seguir más de este ángulo y todo el camino a través, voy a gradiente hacia ese ángulo. Al igual que eso, da la ilusión de que haya una forma ahí detrás de las nubes. Eso puedo agregar algunas capas de humo sombreando aquí, pero dejando ese hueco en el medio ahí, incluso agregando unas cuantas plumas más, un poco de polvo. También podemos usar esto para continuar con las estructuras que hemos empezado como esta torre aquí. A medida que vamos profundizando en el humo, podemos empezar a añadir nuestro sombreado. Cuanto más densa sea la estructura, más cerca de la línea debe estar unida, por lo que se ve un poco más gruesa. Además, cuanto más grueso es el humo, más delgadas son las líneas. Eso también es un poco de jugar por aquí, solo acércate lo suficiente para que el ojo piense que lo has clavado. Honestamente, estoy realmente satisfecha con los antecedentes. No creo que necesite nada más. No he hecho mucho, pero realmente no quiero hacer mucho. Creo que lo que he hecho es exactamente lo que quería hacer. A esa vibra bárbara, el humo se suma a la intensidad y al medio ambiente, y a todas esas cosas buenas. Pero ahora, estamos de vuelta a donde queremos centrarnos en nuestros personajes aquí, que nos lleva a lo último que quiero tocar con tintas, que es el sombreado. Vamos a estar haciendo mucho de eso con color. No quiero ir por encima de la cima, pero hay algunas áreas que sin duda necesitan algo de atención. Por ejemplo, bajo su piel aquí, eso debería estar prácticamente totalmente sombreado, pero quiero añadir a la textura. Yo sólo voy a rotar mi imagen y sólo, usando mi pluma de caligrafía, ir de grueso a delgado en rápida sucesión, conduciendo desde debajo de la vaina. Eso solo creará esa sensación de estar sombreado, pero también un poco de gradiente. Voy a agarrar un bolígrafo más parejo, digamos mi 0.2. Hay algunas áreas en las que solo quiero sombrear completamente, como esta tela desgarrada. Quiero que esta sea una textura y un material que ordene empujado al fondo y tenga una consistencia familiar donde quiera que aparezca. último pero no menos importante, sólo quiero agregarle un poco de profundidad a la cara. Para ello, me voy a quedar con mi 0.2 y sólo voy a añadir algunos sombreados de línea realmente delgada debajo de las cejas aquí. Esto se va a oscurecer bajo los ojos. Hará que se vea un poco más amenazante e intenso y tiene el efecto añadido de ocultar ligeramente ese pequeño error de línea que tuve antes, y solo generalmente darle un poco más de forma a su rostro. Yo voy a hacer lo mismo alrededor de su cara. Simplemente elige algunas áreas que quiero profundizar y empujar un rato un poco, y solo agrega algo de este sombreado solo para empujar un poco el lote. Nuevamente, haremos mucho más con el color cuando se trata de iluminación. Pero a veces, usar líneas para empujar las cosas es realmente útil. Por ejemplo, en la lengua, este es el interior de la boca. No necesito que eso destaque. Simplemente voy a usar mis líneas y realmente poner mucho detalle en esto, y líneas realmente finas para sombrear eso. Ahí lo tenemos. Esta es mi obra de arte extremadamente cool completada de una pelea en la cima de una torre bárbara. Ahora podría estar contento con esto, así como es, y estoy muy contento con ello. Dicho eso, voy a escanear esto también sólo para tener un respaldo, pero es momento de pasar al evento principal; color. 10. Elige tu esquema de color: En esta lección, vamos a experimentar y hacer un poco de lluvia de ideas con los colores. Entonces en nuestra siguiente lección, vamos a aplicar esos colores. Ahora, como se pueden imaginar, no voy a estar haciendo eso en mi teléfono, muchas obras. Voy a meter esto a un lado, y aquí es donde hay otra ventaja para escanear tu obra. Porque los he escaneado, pude duplicarlos y poner cuatro de ellos en una página cada uno, lo que me permite sólo tener algunas opciones diferentes y tener un poco de una obra de teatro. Empezando con algunas conjeturas sabias y seguras, y luego yendo un poco fuera de mis instintos naturales para ver si puedo encontrar algo fresco con lo que trabajar. Ahora tenemos dos obras de arte muy diferentes aquí. Es lógico razonar que donde se tienen dos enfoques diferentes con color, vamos a pasar por el mismo proceso para lograr un resultado final, pero los propios médiums serán diferentes. Para mi pieza compleja llena de acción, voy a estar usando mis marcadores de pick color. Entonces para esta pieza, mi caprichosa feliz ir chicos afortunados en la pieza de juegos, voy a estar usando algunos lápices de colores. Empezamos con el esquema de color que primero viene a la mente. Si sacamos eso del camino, eso deja espacio para la experimentación. Como puedes ver, es un proceso realmente relajado. No te preocupes por las texturas, no te preocupes por mantener en las líneas. Esto no es yo proceso de coloración refinado. En realidad se trata de abofetear los colores y ver cómo se ven las cosas juntas, y encontrar un buen equilibrio. Al igual que haciendo nuestros bocetos en miniatura y nuestros bocetos de tormentas de ideas, esto es una coloración de lluvia de ideas. Bueno, el tiempo que llego a miniaturas número 3, trato de experimentar con algunos nuevos elementos o ideas. Por ejemplo, en el fondo aquí tengo un poco de un amanecer, y un poco de una ofensa oscura, algunos colores más amplios en el set de columpios y cafetería, y en este caso, las ilustraciones bastante simples. Después de haber hecho tres muestras de color tamaño miniatura, tengo una idea bastante clara de lo que creo que funciona, e intento crear una compilación de esas cosas en la cuarta miniatura, que creo resultó bastante buena. Algo de un simple gradiente azul en el cielo, [inaudible] en la niña, y [inaudible] en el niño. En general, los colores en el fondo y el entorno son mucho más suaves que los de los personajes y los apoyos. En general, me sentí como el número cuatro, bastante golpeó el [inaudible] en la cabeza. Estaré muy seguro avanzando con este esquema de color en mi pieza final. Ahora a una ilustración más desafiante. Lo creas o no, el proceso es prácticamente exactamente el mismo. Es desordenado, es bastante fortuito, abofeteando en los colores que vienen a la mente en la primera terminal, luego comenzar a experimentar. La única diferencia entre ésta y la ilustración más simple es que hay algunas cosas más a tener en cuenta, en particular, la iluminación, el sombreado, y supongo que se podrían decir algunos efectos especiales. Por ejemplo, tenemos algo de humo y fuego en el fondo, y quizá queramos jugar con cómo la luz se refleja fuera de piel y cómo las sombras podrían bailar alrededor de la escena. En miniatura 2, fui un poco más extrema de lo que tal vez debería tener, con iluminación realmente traída de borde amarillo alrededor de los bordes del personaje mirando al fondo, y algunos reflejos calientes duros que miraban hacia la dirección opuesta. Esto fue un poco extremo, pero sí me dijo que podía jugar con esto. Yo sólo estaba jugando con él de la manera equivocada. A mí sí, sin embargo, me gustó cómo se veía el horizonte. El humo ondulado naranja y amarillo trabajó para separar el primer plano y el medio suelo del fondo mientras establecía la escena. Para miniatura 3, decidí experimentar con giros mucho más neutros en primer plano y en el medio suelo, con la idea de que una vez que [inaudible] todos estos fuera de una manera con la que estaba contento, podría experimentar agregando más extrema colores y resaltado en la parte superior. Fui bastante extremo con el fondo que realzan tampoco, era un gran fan de. Pero el gol con alrededor de los personajes y los más tonos anaranjados en las sombras de los personajes, sentí que funcionaba muy bien. Otra cosa que sentí funcionó muy bien también, es agregar sombras en la plataforma en la que estaban los personajes en la dirección opuesta a las llamas debajo de ellos, sumando a la intensidad del calor y el fuego que están los protagonistas podrían estar plenamente en cualquier momento ahora. Intenté juntar todo esto en una cuarta miniatura para tratar de representar todos los bits que me gustaron, y no lo hice exactamente bien, para ser honesto. Sentí que algunos de los elementos estaban bastante bien equilibrados. Pero en general, tiende afuera había un poco de algo en cada miniatura que me gustaba mucho. En mi primer experimento, me gustó mucho el esquema de color del protagonista. Se sentía noble pero también un poco abajo a la tierra, y agradable y dolor. Yo iba por ese término, que soy. En el segundo experimento, me gusta mucho el cielo de fondo. En el tercer experimento, me gusta el camino al revés con sombras en la plataforma, alejadas de la dirección de las llamas. Entonces el cuarto, me gustó mucho el equilibrio de la iluminación sobre nuestro personaje bárbaro en primer plano, los bordes dorados y las sombras naranjas calientes. Después de pasar por el mismo proceso con ambas ilustraciones aquí.. Por un lado, tengo una ilustración que tiene una dirección bastante clara. Por otro, tengo algunas direcciones que me gustan, que voy a intentar armar en mi pieza final. Llegar a un resultado final y avanzar de eso es realmente bueno. Pero también no tienes que tener un esquema de color o prueba de miniaturas que funcione perfectamente, solo puedes descubrir los elementos que te gustan bien. Cuando te sientas lo suficientemente seguro como para seguir adelante, solo puedes tomar esas piezas y ponerlas juntas en tu ilustración final. De cualquier manera, la siguiente etapa, que implica tomar lo que aquí hemos aprendido y aplicarlo a nuestra ilustración final está obligado a ser emocionante. 11. Agrega color con lápices: ¿ Soy solo yo o simplemente es muy monumental? Hemos pasado por un intenso viaje para llegar a este punto donde vamos a agregar color a ambas ilustraciones. Se siente como un gran problema, y lo es, pero al mismo tiempo, no tiene que dar miedo, como acercarse a la tinta sí, en cierto grado hay un elemento de no poder deshacer lo que pones, y eso puede dar miedo. Pero al mismo tiempo, hemos establecido suficiente confianza en nuestros experimentos con el color. También en el tiempo que hemos dedicado a conocer las ilustraciones que estamos creando, que deberíamos poder avanzar y realmente simplemente disfrutar del proceso. Empezando con un enfoque un poco más simple y usando mis lápices de colores para luego seguir adelante con algunos, supongo que se podría decir, elementos un poco más desafiantes con esta pieza. Pensando en cosas como iluminación dinámica y sombreado y efectos de iluminación de llantas, y todo tipo de cosas geniales. Llegaremos a eso más tarde. Empecemos con nuestra pieza de lápiz de color. Entonces voy a ir por un estilo de coloración bastante plano, pero no quiero demasiado de la textura del lápiz para mostrar, al menos líneas del sombreado. Para lograrlo, sombreo realmente ligero, manteniéndome entre las líneas y manteniendo mis golpes realmente suaves y consistentes. Tan pronto como sienta que voy a quedar atrapado en un poco de esquina donde después de aplicar más presión, solo giro mi ángulo para obtener más consistencia. Cuanta más experiencia tengas con los lápices, más aprendes a sentir qué forma está la punta del plomo debajo de tus manos. Entonces cuando empieza a sentirse un poco contundente, rotas el lápiz para obtener una punta más afilada hacia abajo, para que puedas obtener más pigmento por el papel. Entonces hay una capa del color plano, pero en realidad voy a ir por encima desde el principio y voy bajando en un ángulo diferente esta vez desde la primera capa en la que bajé. Simplemente voy lo más suavemente posible sobre la totalidad de la misma zona de color. Ahora, notarás también que cerca de los bordes, es un poco más ligero porque también estamos tratando de no ir por encima de los bordes, y al hacer eso, realmente no vamos todo el camino hasta los bordes todo el tiempo. Por lo que solo puedes volver atrás y añadir un poco de amor extra a los bordes ahí. Ahora bien, es importante pensar en el estilo de clase y la estética que vas por, y en este caso, quiero unos colores realmente brillantes hermosos, ricos con nuestros personajes principales, el perro y el tazón. Con todo lo demás, me voy a quedar como una o dos capas de colores realmente suaves, lisos. Esta es la tercera capa esta vez, y estoy obteniendo un color plano bastante suave, alterando mi dirección cada vez y manteniendo mis trazos realmente suaves. Pero al hacerlo de esta manera, significa que no estoy abollando el papel en mi primera capa y creando texturas duras. Entonces ahí te dieron forma bastante bien, lo estoy rematando ahora y esta es mi cuarta capa de color para el solo color de la camisa. Eso es bastante sencillo cuando se trata de un solo color. Pero lo que voy a demostrar es mezclar. Perdón, los tonos de piel, por ejemplo, cuando se trata de lápices, notoriamente no soy genial. Es decir, para personajes como este, si quería unos tonos de piel durazno, estos son los colores que vienen en los lápices y para bajar el pigmento, hay que terminar presionando bastante fuerte, y el resultado final es en realidad bastante sosa, o al menos yo lo creo. Entonces lo que me gusta hacer es mezclar mis propios colores. Entonces tengo tres lápices aquí. Tengo un rosa claro, un marrón cálido medio y un amarillo. A mí me gusta empezar con el rosa y hacer lo que hice con la playera roja. Pero sobre todos los tonos de piel, solo consigue un color realmente parejo de un rosa muy claro. Por lo que he repasado la piel de este personaje con un par de abrigos del rosa, manteniendo bastante con suficiente espacio para agregar algunos colores más sin que esté demasiado saturado. Entonces ahora pasando al marrón más cálido, y voy a hacer lo mismo, pero esta vez va a ser aún más ligero con mi aplicación. Esto va a neutralizar un poco el tono de la piel. Usar un marrón cálido agrega un poco de profundidad y calidez al tono de la piel, pero también lo hace un poco más terroso y un poco menos saturado. El otro beneficio de trabajar con múltiples colores como lo estoy haciendo para el tono de piel aquí, es que te permite trabajar en cinco, seis, siete capas frente a una o dos. Haciendo esto con múltiples colores y trabajando con tus trazos en diferentes capas y direcciones, al final creo que resulta en un resultado mucho más suave y una aplicación de color más vibrante y variante. Así que he hecho una capa realmente ligera de ese marrón cálido. Ahora voy a pasar a mi amarillo y no puedo recalcar lo suficiente lo ligero que necesitas ser con este amarillo. Simplemente agrega un poco de vida a la piel. Pero ten en cuenta, hay amarillo en marrón, así que realmente mantenlo claro aquí. Esto es sólo para agregar un poco de resplandor, que me parece, sobre todo con una ilustración caprichosa como esta, es bastante agradable. Ahora me acabo de notar a mí mismo, y vale la pena señalar que cuando estoy aplicando realmente muchas aplicaciones atadas con los lápices de colores, estoy sosteniendo el lápiz bastante atrás y permitiéndome tener realmente luz pero aplicaciones rápidas y muy suaves del color. No sé siento que me da un poco más de control, pero también mantiene la aplicación agradable y sutil. Este resultado en estos grados de color es justo, en mi opinión, realmente cool. Entonces voy a moverme por el resto de la pieza y hacer lo mismo. Como se puede ver, el proceso se repite prácticamente. Capa por capa, agregando color, ocasionalmente me mezclaré en un tono diferente u otro color solo para mover el tono en la dirección que quiero. Pero por lo demás, en general se trata de tres o cuatro capas, si voy por un color realmente fuerte, que voy por los dos personajes principales, el perro y el balón. cuando llegue a fondo, mi enfoque sigue siendo el mismo, pero la aplicación es mucho más ligera. Por lo que sigo haciendo tres o cuatro capas por cada sección. Ocasionalmente mezclando otros colores, pero simplemente no estoy aplicando tanta presión. En todo caso, estoy sosteniendo el lápiz un poco más atrás. Mi movimiento es un poco más amplio y solo estoy tratando de crear una separación en intensidad entre el foco de la pieza y un fondo suave. Aquí lo tenemos, la primera de dos obras de arte terminadas. Todo fue un proceso de descubrimiento, pero no fue 100 por ciento seguro hasta que terminé. Ahora terminado, me encanta. Ciertamente espero que hayas disfrutado viniendo conmigo para ver esta pieza a través de principio a fin. Hablando de eso, es momento de terminar dos de las dos piezas. Te veré en las próximas lecciones. 12. Agrega color con bolígrafos: Tenemos aquí mi línea de trabajo para mi pieza más ambiciosa, asquerosa. Tengo mis selecciones de color que voy a poner a un lado es una referencia aquí, simplemente porque nunca me instalé en una miniatura, tengo una mezcla de cosas que sé que me gustan. Aquí es donde es importante destacar, de nuevo, que no sé qué estoy haciendo avanzando. Sé lo que voy a intentar. No sé si va a funcionar, pero estoy deseando ver si lo hace. Ahora, los marcadores son muy parecidos a los lápices de colores. Estás trabajando en capas, usas la mezcla para crear mezclas de colores. Por lo que finalizar esta pieza con color va a ser similar en su enfoque. Sólo va a tomar un poco más de tiempo y pensamiento. Yo sólo voy a ir mucho más despacio porque obviamente hay mucho más que tomar en consideración. medida que paso por trabajar con los marcadores, voy a resaltar algunas de las diferencias entre estos y los lápices. El primero, el más obvio es que bajan muy fuertes. Los lápices toman mucho aliento para conseguir que los pigmentos se adhieran al papel y obtener un look realmente parejo. Marcadores, incluso los colores más claros, cuando los aplicas en un par de trazos, bajan bastante fuertes. Entonces cuando las aplicas aún más encima de eso para conseguir un look parejo, está bastante oscuro para cuando termines. Este es un color muy claro. Si este es un tono de piel con el que estoy trabajando, eso es bastante oscuro para una base. Tiendo a empezar con el tono de piel que es lo más ligero posible para el tono de que estás trabajando con la piel. En este caso, nuestro personaje de primer plano tiene bastante tono de piel y nuestro personaje de fondo es un poco más de un tono de piel sepia y marrón. Yo sólo voy a conseguir unas bases de luz para cada uno de esos tonos de piel y bajar los colores base. El modo en que estoy aplicando color aquí va a ser muy incremental y también estoy teniendo en cuenta lo que viene a continuación. En particular, en este caso, tengo algunos efectos de iluminación que quiero agregar alrededor de los bordes, el borde inferior en la parte frontal del personaje, un poco de calor naranja, y luego en los bordes traseros, algunos amarillos. Entonces en realidad no voy a colorear todo el camino hasta esos bordes en particular, porque quiero asegurarme de que los colores que termino eligiendo para esos efectos de iluminación van a poder pararse por su cuenta sin necesidad mezclar encima del tono de piel que he elegido. Te darás cuenta que voy por encima de los bordes en algunos lugares, porque estoy trabajando con un tono tan claro, no importa tanto. Una vez que llegue a las sombras, voy a tener que ser mucho más preciso, pero sigo bastante relajado. Por lo que acabo de hacer los reflejos de los tonos de piel. Voy a pasar a los medios tonos, pero no me voy a preocupar por las sombras hasta más tarde. Te encuentras con un tono de piel, medio tono, eso es bastante bueno. Con los marcadores, puedes crear algunos gradientes agradables mezclando más. Entonces una vez que haya bajado mi medio tono, puedo volver a mi tono original y mezclar eso para crear una bonita mezcla. El alcohol se mezclará en la página y se mezclará entre tu medio tono y tu línea alta, que es la razón en el amor usando marcadores de alcohol. Eso son todos los tonos de piel en mi imagen hechos. En realidad, es bastante sencillo avanzar. Eso lo estoy haciendo por cada sección. Entonces solo para ser lo más claro posible, es como estoy construyendo todos los colores. Solo estoy bajando ese color de resaltado plano, dejando algo blanco en blanco alrededor de los bordes donde va a haber algo de luz reflejando más adelante. Entonces estoy agregando un medio tono que mezclo en eso es una especie de en el medio y a la derecha, creando un poco de una mirada tridimensional, configurando la escena para tener un poco de un conjunto consistente de iluminación. Yo lo voy a hacer a través de todas las diferentes secciones: el alma, la tela, la propia torre, y el fondo va a ser un poco de una bestia diferente. Por lo que vamos a cubrir eso con más detalle cuando lleguemos a él. Esto realmente se está uniendo, pero ni siquiera hemos llegado a las cosas locas todavía. Acabamos de poner algunos colores fundacionales en las áreas principales. Ahora voy a seguir adelante y llenar los antecedentes. Voy a mantenerlo bastante rudo y suelto porque al final del día es el fondo, quiero empujarlo hacia atrás, mantener el foco en la diversión, pero vamos a empezar a incorporar un poco de calor. Antes de llegar a las cosas ardientes, en realidad simplemente voy a llenar algunos colores de madera de plano para las zonas superiores de las plataformas y picos. Como mencioné, mantengo esto bastante rudo porque voy a estar estratiendo en humo y luego lo voy a estar ablandando todo con solo alcohol puesto encima más tarde; muy flojo, llenando las zonas superiores, específicamente las torres de madera que están sacando del fuego y el humo. Yo sólo estoy haciendo todo esto con el único color, las cuerdas, las plataformas, y los pilares simplemente porque una vez empiezo a capas en todo el humo y todos los efectos de fuego, bueno, si me tomé tiempo haciendo diferentes colores, tú no lo notaría. Eso hará sólo por las áreas de madera. Ahora voy a empezar a entrar en el humo. Voy a empezar con mis grises y voy a añadir poco a poco el calor. 13. Crea efectos con el color: Ahora voy a empezar a entrar en el humo. Voy a empezar con un número 3, que es un gris cálido medio a claro y voy a trabajar lentamente mi camino de regreso al número 1, que es muy ligero. Yo sólo estoy llenando las áreas más profundas de la nube y simplemente estoy volando muy flojo este humo hacia arriba, recogiendo las áreas de hendidura de las nubes que quiero oscurecer. Yo quiero que las nubes se oscurezcan cuanto más arriba lleguemos porque quiero que el fondo parezca que es un resplandor con fuego. Eso servirá para mis grises cálidos. Voy a volver a mis grises en un rato, pero ahora quiero empezar a poner algo de calor. Voy a encontrar un amarillo claro bonito, realmente desaturado. Yo estoy trabajando desde el fondo de la plataforma, que es la parte más baja de la ciudad en llamas detrás de ellos. Tan solo estoy empujando hacia arriba así y luego voy a trabajar lentamente eso en las nubes. El asunto de las nubes y el humo es que está hecho de partículas y partículas que tienen luz interactúan con ellas, razón por la cual vamos a sombrear nuestro humo desde abajo porque el fuego está debajo. Sólo estoy trayendo este amarillo y empujándolo hacia arriba contra el fondo de las nubes ásperas que he echado. Puedo ser bastante agresivo con esto porque quiero que todo el fondo sea bastante caliente. Empezaré a trabajar esto hasta en todos mis grises cálidos. Esto casi va a llenar todo el fondo. No lo voy a poner, solo sostén plano porque sí quiero algunas áreas claras y algo de espacio para poner algunos colores aún más calientes. Estamos empezando el calor aquí dentro. Voy a pasar a una dirección más calurosa. Creo que quiero que los bordes sean bastante ligeros y luzcan ardientes, lo que significa que a medida que me oscurezca y se sature más en el calor, voy a subir a la nube. Voy a empezar en las zonas más profundas de las nubes, trabajar mi camino hacia arriba y volverme más pesado aquí arriba. Voy a ir de ida y vuelta entre mi amarillo y esta naranja y luego empezar a mezclarlos y luego ahora mezclarlos y crear algo entre los dos a medida que se mezclan. Voy a ir con un poco de naranja caliente así. Esto se está poniendo un poco más oscuro así que voy a estar un poco majored aquí, pero sólo voy a recoger áreas entre las nubes y más hacia la parte superior donde quiero que la pieza sea más pesada. Simplemente acuesta en algunos juicios solo para darle un poco de forma a las nubes. Con el marcador de alcohol es bueno acostumbrarse a volver a sus tiempos anteriores, específicamente a medida que se mezcla de luz a oscuridad retrocediendo a la vez anterior que utilizó y ponerlos en puente en un gradiente es la mejor manera de crear un look suave. Ahora, casi termino con los antecedentes. Yo solo quiero construir un poco sobre esa intensidad. Simplemente voy a hacer que esto parezca que el humo negro está estilizando para formar cuanto más lejos estemos de las llamas. Esto hace un pequeño truco extra de mantener el calor dirigido abajo y hacia la intensa escena de batalla. No quiero demasiada intensidad y calidez demasiado lejos de donde quiero que la gente mire. Ahora voy a hacer lo contrario y voy a agarrar un bonito amarillo caliente. Este es un amarillo ácido y voy a ir por los bordes aquí y realmente más o menos ante estas pequeñas fugas de luz. Casi estoy indicando las llamas. De hecho, hagámoslo. Solo agreguemos unas llamas. Simplemente estoy moviendo hacia arriba y lejos del borde de la plataforma. Voy a volver a mi amarillo claro y mezclar eso en. Bastante generoso con mi mezcla aquí solo para que sea agradable y suave y ordenar como si estuviera borrosa en el fondo. Voy a escoger algunas áreas para añadir un poco de sombra también por la intensidad que tenemos pasando aquí. No quiero volverme demasiado loco, pero creo que si consigo esta naranja y sólo voy a repasar algunas plataformas que van a estar claramente en la dirección opuesta a la luz y las llamas. Vamos a darle un poco más de dimensión, y lo último que voy a hacer en el fondo ahora que estoy bastante contento con el nivel de calor que tenemos va es conseguir mi licuadora incolora, que si no estás acostumbrada a marcador de alcohol parece como una cosa inútil. Es literalmente solo mezclar alcohol y parece que realmente no hace nada, pero es realmente útil con. Para algo así como todo este negocio que sucede aquí, generalmente puedo suavizar el, supongo que se podría decir la intensidad, saturación, y textura del fondo repasando todo con un código realmente grueso de licuadora incolora. Simplemente fusiona toda la tinta que está toda sentada ahí en el mismo lugar en un poco de mezcla ahí en general, y lo obliga a todo a sostener la misma textura. Textura de aspecto distante ligeramente manchada, ligeramente desaturada, que casi actúa como un efecto de profundidad de campo. Es realmente útil empujar algo en segundo plano. Ahora que el fondo se ve bastante bien en el fondo, hagamos que realmente destaque el primer plano y el medio suelo. Esto vale la pena detenerse y solo hablar brevemente porque podrías mirar esta pieza y decir que eso es bastante bueno. A eso lo llamaré pieza terminada. Algunas personas podrían. Este es el punto donde hacer algo realmente intenso requiere mucha valentía y muy bien puedes arruinar tu obra de arte. No sé qué va a pasar a continuación, pero puede que no sea genial. Pero al mismo tiempo, he aprendido que al tomar estos riesgos y ser realmente atrevido con algunas de mis opciones, siempre he terminado con más de una oportunidad de conseguir algo con lo que estoy extremadamente impresionado y orgulloso de mí mismo por dibujar. Vamos a intentarlo y veremos dónde terminamos. Ahora bien, he decidido separar esto en dos áreas. Uno, amarillo orientado hacia afuera hacia donde viene ese calor y donde todo es visible, y dos, naranja y un color más caliente más oscuro más dirigido hacia la perspectiva del espectador. Vamos a conseguir un amarillo realmente claro y voy a ir por todos estos bordes exteriores que están mirando hacia la fuente del calor. Ahora, ya se puede ver lo importante que es que deje los bordes claros y blancos porque como estoy mezclando en este amarillo, está realmente claro lo intencional que es este efecto de iluminación. También verás lo rápido que hacer esto es realmente darle sentido a la imagen, sobre todo con áreas como esta donde tenemos un amour teñido azul. Si es demasiado azul donde estoy tratando de mezclarme en el amarillo, va a terminar luciendo verde, que no es el efecto que voy por. Lo que sí quiero hacer es conseguir un amarillo un poco más intenso y sólo voy a repasar algunos bordes realmente afilados en las zonas que más van a ser golpeadas por esta fuente de luz. Esto también incluye la plataforma. Entonces voy por encima de los bordes aquí solo para asegurarme de que la plataforma sienta como si estuviera justo contra el calor también. Ahora, es importante saber cuándo parar y eso tiende a ser una de las cosas con las que lucho porque me sobreexcita un poco. Estoy bastante contento con esto y en dónde está. Lo último que quiero hacer es agregar algo de intensidad a las sombras y podría volver a llamar a esto una pieza terminada y quién sabe cómo va a ir el siguiente bit, tal vez este es el lugar para parar. Pero realmente quiero intentar agregar mucha intensidad a las sombras usando algunos colores más calientes en donde normalmente usaría algunos colores de sombra. Esto es sólo ese naranja claro, pero usándolo en lugar de donde normalmente pondría sombras y uniformemente encima de todos los colores que espero se vaya a título en conjunto y añadir una sensación de intensidad. Ahora bien, si queremos suavizarlo, digamos por ejemplo, en el tono de la piel, solo puedo volver a mis colores originales, refundirlo un poco. Guardo el efecto que he agregado, pero solo suaviza muy ligeramente la aplicación. Estoy bastante feliz donde está el bárbaro, y como pudiste ver, ha hecho una diferencia bastante drástica. Es mayormente amarillos y naranjas ahora con los colores originales empujando y dando forma al look general. Voy a pasar a nuestro protagonista aquí y voy a hacer lo mismo. Nuevamente, centrándose en las áreas de sombras o en donde normalmente se echaría sombra, o en dirección opuesta a los reflejos amarillos que he colocado y el fuego detrás de él sólo trabajando en esta naranja. Entonces eso está funcionando bastante bien, y luego por último pero no menos importante, bueno, están en la plataforma y no le he hecho las sombras a la plataforma. Yo voy a hacer justo lo mismo. Dondequiera que estén las sombras de la plataforma, estoy trabajando en esta naranja. También voy a empezar a construir un poco de naranja en un gradiente alejado de las llamas a lo largo de toda la plataforma. Se va a añadir un poco de calor uniforme sobre toda la pieza porque esta es la única área de la imagen que no ha recibido la misma cantidad de amor y calidez, y luego por último pero no menos importante estamos finalmente al final de esa pieza. Tengo un pequeño truco que me gusta hacer, que es simplemente agarrar un bolígrafo de gel blanco y solo usaré esto para limpiar algunos bordes o agregar algo de acentuación. Particularmente en una pieza como esta, deberíamos tener muchos puntos calientes, sobre todo cuanto más cerca estamos de la llama. Simplemente voy a usar este bolígrafo para agregar un borde brillante real y unos puntos y reflejos justo arriba contra donde está el fuego. Aparte de añadir un poco de limpieza e intensidad, esto también ayuda a separar de nuevo los elementos. Porque ahora que está todo mezclado y todo se siente caliente y similar de una manera podría hacer que todo se sienta un poco plano. Los pasos finales hacen mucho. Simplemente agregan mucho. Si crees que funciona o no siempre es cuestión de tu propia opinión. Pero realmente siento que lo que iba por aquí fue una escena de batalla intensa y caliente y siento que eso es lo que tenemos, y ahí la tenemos. Hemos llegado a nuestro destino final. Dos obras de arte completamente diferentes, estilos completamente diferentes, niveles de intensidad para crear niveles de desafío para mí personalmente y sin embargo me siento tan satisfecho con ambos. Realmente siento que me propuse hacer algo muy específico con cada obra de arte y pude lograrlo por los pasos que pasé por los que he compartido contigo. De verdad espero que te hayas sentido empoderado y hayas conseguido un montón de consejos y trucos que puedes aplicar a tu proceso avanzando. De verdad espero que te hayas disfrutado y espero que disfrutes del resultado final de mis obras de arte porque al final del arte se trata de hacer cosas que te gustaría que la gente mirara y espero que te gustara mirar estas. 14. Reflexiones finales: Nosotros lo logramos. Estamos del lado lateral. Ahora, quería terminar compartiendo algunos de mis pensamientos porque al final del día, todo esto es un viaje y tú estás en un momento de tu viaje. Solo quiero compartir algunas perspectivas que he ganado en mi viaje a través de ser artista en diferentes medios en diferentes plataformas. Creo que lo más importante que me gustaría estresar y que te quites de mi clase, es un sentimiento de empoderamiento y confianza. No es que lo vayas a hacer bien cada vez, sino que vas a estar avanzando, y eso es todo. Si estás avanzando, vas a mejorar. No significa que todas las obras de arte que vas a hacer vayan a ser perfectas. No significa que no pudieras cometer errores ni arruinar las obras de arte. Eso va a pasar mucho. Simplemente creo que es realmente importante en tu viaje que no te atrapes en los sentimientos de miedo o intimidación a los que todos somos propensos. Pero en cambio reemplaza la idea de incertidumbre por posibilidad. Porque al final del día, sí, podemos mirar hacia adelante y ver muchas incógnitas. No sabemos si esta obra de arte va a salir bien, o si vamos a arruinarla en el camino. Pero hay todas las posibilidades de que puedas hacer lo mejor que has hecho a continuación, aunque lo que acabas de hacer no fuera tan bueno. Eso es una cuestión de perspectiva, podría no ser todo tan bueno para ti, podría ser mucho bueno para alguien que está mirando hacia arriba a tu obra de arte. Aquí tienes un ejercicio para ti, para detenerte un segundo y pensar en los tres mejores artistas de tu mente, las personas a las que aspiras ser como y quieres emular en tu estilo. Piensa en las obras de arte de las suyas que has visto que te han hecho realmente tener hambre de ese nivel de habilidad. Por cada pieza que veas de un artista que te inspira, hay mil que no verás que las consiguió ahí. Seguro, sobre todo a artistas en ciernes que han pasado por esta clase, me habrán visto pasar por los procesos y los pasos y pensaron que me veo realmente confiado, como si supiera lo que viene a continuación. Pero aquí está el secreto. Nunca sé lo que viene a continuación. Para mí, esa es la diversión. Sí, hay rebotes, y hay mucho. he documentado y los he puesto en YouTube. Eso es parte de la diversión. Entonces si puedes abrazar la posibilidad y no preocuparte por la incertidumbre, entonces de repente todo el mundo está abierto para ti y solo vas a ir hacia adelante y hacia arriba. Si hiciste una ilustración como resultado de esta clase, por favor compártala en la galería del proyecto para que yo y tus compañeros puedan verla. Todos podemos retroalimentarnos y construirnos unos a otros y ayudarnos unos a otros mejorar y animarnos unos a otros en el camino. Te animaría a hacer más que solo compartir tu resultado final. Es realmente útil para la gente ver los pasos que hiciste. Si comparte su tablero de humor, sus bocetos en bruto, su boceto refinado, y luego el proceso final. Eso va a ser realmente útil para que otras personas vean cómo llegaste a tu desenlace. Pero realmente creo que sobre lo envuelve y es todo lo que puedo pensar para compartir en esta clase. Te he derramado mi alma y espero que hayas disfrutado de los resultados y te sientas empoderado. Muchas gracias por unirte a mi clase. Te deseo todo lo mejor en tu viaje creativo. Hasta la próxima vez, nos vemos más tarde. 15. Extra: retroalimentación sobre los proyectos de Jazza: Dale a todos este es un video extra que estoy sumando al final de la clase. En primer lugar, gracias por la increíble respuesta a la clase. Estoy increíblemente agradecido y volado por sus comentarios y por sus presentaciones, que me trae en segundo lugar a lo que estamos haciendo aquí. Voy a pasar por algunas de las presentaciones de proyectos de su clase. Voy a señalar algunas de las cosas que creo que son realmente fuertes en algunas de estas presentaciones particularmente pendientes. Ojalá todos podamos aprender el uno del otro en ese sentido, estaré aprendiendo de ti. Al mismo tiempo, quiero aprovechar la oportunidad para tal vez compartir un pensamiento o dos, un punto de crítica constructiva o retroalimentación para ayudar a compartir parte de mi experiencia de cualquier manera que pudiera ser de ayuda para usted. Pero cualquier cosa que agrego es una sugerencia o algo que viene de la experiencia, pero sólo con la esperanza de ayudar a empoderar tu creatividad en las formas que he aprendido a lo largo de los años. De la misma manera que estás ayudando a empoderar la creatividad de otras personas compartiendo tus proyectos y las cosas que aprendes en el camino. Yo sólo quería empezar agradeciendo a aquellos de ustedes que han presentado proyectos de clase por su valentía y entusiasmo, y por participar en la clase. Todo lo cual cuenta tanto para ayudar a otros aspirantes a artistas así como para ayudarte a desarrollarte en tu viaje. Voy a estar pasando por proyectos de clase ya que fueron presentados en habilisshare. vez en cuando, si hay algo que quiero señalar específicamente, lo abriré en photoshop para poder dibujar en él y simplemente esbozar algunas cosas aquí y allá. Pero estoy deseando compartir algunas de las cosas exploratorias que ustedes han mostrado en sus presentaciones de clase. Sumisión de Kelly, Nights Scrying. En primer lugar, me ha encantado pasar y ver el tuyo y el proceso de tantas otras personas. La forma en que compartes tus pensamientos. Si yo diera alguna retroalimentación, sería en separar un poco esa composición, guiando el ojo hacia el lugar correcto. Está muy claro a dónde tiene que ir el ojo, y podemos enfatizar eso, podemos inclinarnos aún más en eso. La forma más clara de hacerlo, desde mi perspectiva, es usar la luz, y las capas de estos árboles en este bosque para enmarcar aún más la imagen. Tan solo para dar un ejemplo realmente suelto, solo voy a pintar sobre estos árboles de primer plano frontales en un negro sólido en Photoshop. Sin tocar demasiado del medio suelo o incluso fondo, puedo bajar la opacidad. Te darás cuenta solo por tenerlo bastante más oscuro, realidad da una silueta más clara indicación de que las formas son árboles, lo que también ayuda al ojo y al cerebro a entender muy rápidamente que todo detrás de eso son árboles también, sin necesidad de siquiera mirar ahí. Otra cosa que es, una de mis cosas favoritas que hacer es agregar algo llamado iluminación de llantas. Aquí es donde hay una fuente directa de iluminación detrás de un objeto, sobre todo si ese objeto es un punto de enfoque. Di por ejemplo este personaje aquí. Es una forma realmente visualmente atractiva de afilar y llamar la atención sobre ese tema. Eso es simplemente agregar iluminación al borde mismo que es más contra esa fuente de luz. Tenemos una fuente de luz justo aquí, es esta luna justo aquí en el cielo. Simplemente añadiendo esa luz de llanta, un borde realmente afilado en esa dirección. Es realmente importante saber de dónde estaría rebotando la luz. Tenemos al personal aquí, solo trabajando con aquellas áreas de la imagen que más se verían impactadas por esa luz. Se trata de una gran ilustración, pero con sólo unos sencillos pequeños ajustes, el ojo entiende muy rápidamente mucho más de lo que está pasando sin siquiera cambiar la ilustración misma. Proyecto de Georgina. Arruinado Faith, es un fantástico ejemplo de la construcción de una idea en algo realmente sólido. En primer lugar, referencia en línea y también salir y tomar fotos de localización. Cuanto más puedas sumergirte incluso en la fase de investigación, más vas a estar realmente enriquecido por el proceso de creación de una ilustración. De igual forma, como has pasado por tus bocetos y tu exploración y refinamiento de ideas, realmente puedes ver que el nivel de compromiso obviamente ha llevado a un nivel de satisfacción, lo cual es absolutamente algo que muchos estudiantes y de lo que puedo aprender. Lo has hecho asombrosamente bien. Creo que mi único punto de retroalimentación sería apoyarme en la regla de los tercios, cuando se trata de una composición como esta. Especialmente cuando hay muchas cosas a las que podemos poner nuestra atención. La regla de los tercios, para aquellos de ustedes que no saben, es básicamente si tienen alguna composición de imagen y la dividen en una cuadrícula como esta, en tercios vertical y horizontalmente, puntos de la mayoría de los intereses deberían de alguna manera cruzarse donde se encuentran estos puntos. Por ejemplo, si tienes un horizonte, se verá más atractivo ya sea aquí o aquí. Si tienes un sujeto, se verán mejor ya sea en el medio o en el punto de intersección entre esas líneas y esas líneas. El motivo por el que traigo eso es cuando miro esta imagen, es hermosa como es, se siente como si me estuviera perdiendo algo o el aquí porque el punto de enfoque está bastante claro aquí. A qué está mirando este personaje. Si bien hay mucho blanco en esta zona visualmente, solo se siente un poco fuera de pantalla, si eso tiene sentido. Simplemente centrando nuestra posición de personajes, no es necesario llenar necesariamente la parte superior e inferior. Simplemente puedes ampliar la imagen de la misma. Tan solo llenando un poco más de esa información de lo que es esto. ¿ Es una tumba o una piedra? ¿ Hay algo que esté mirando o simplemente lo estamos mirando, mirar hacia la distancia? Si es así, tal vez podamos crear algún espacio para que su contemplación sienta que encaja. Pero en la regla de los tercios, tiene sentido ponerlo del lado izquierdo en lugar de del lado derecho, simplemente porque hay una historia sucediendo detrás de él y la ubicación es tanto de un personaje como de los personajes. Pieza brillante. Realmente bien armada y la composición es una de esas cosas que, estoy seguro de que algunos de ustedes estaban viendo temáticamente a través de las entradas por las que estoy pasando, es una parte realmente genial de dirigir la atención de la gente y hacer que una pieza se sienta bien. Catherine Cook. Bailarina en la Luz de fuego, pasa por un fantástico proceso de aprendizaje antes de presentar la pieza final, que es genial. Gracias por mostrar eso. Me encanta el dinamismo de tu pieza. Me encanta que tengas algo de calor y frío y tengas algún contraste realmente grande. Las luces son realmente brillantes, cerca de blanco porque están frente a la llama y los oscuros están cerca de negro mientras vemos la oscuridad del espacio detrás de los personajes. Ahí hay algunos elementos realmente fuertes que has puesto a buen uso. Creo que mi retroalimentación será en acentuar el punto de enfoque. Uno de los trucos más geniales para crear un poco de punto focal es literalmente poner las cosas fuera de foco. Voy a hacer esto tanto en el fondo como en primer plano. Nuevamente, ten en cuenta este es un ejemplo muy suelto, pero si copio y pego esos elementos que acabo de aislar, esos. En photoshop para demostrar, solo estoy agregando un poco de desenfoque gaussiano. Yo sólo voy a poner un ligero desenfoque. Pero como se puede ver con sólo hacer ese ligero desenfoque, contrarresta y agudiza el punto de enfoque. Soy consciente de que estoy haciendo esto en Photoshop y tu pieza es una obra de arte tradicional. Pero con eso dicho, creo que son las líneas afiladas en los bordes de las montañas. Podrían suavizarse con las acuarelas, estas llamas. Nuevamente, solo mezclando esos materiales entre sí, sólo ese poco más vagamente en áreas que no son el punto de enfoque, ayudará a crear ese efecto borroso. Algo que es realmente extra divertido de hacer de vez en cuando, es crear un elemento en el mega full ground. Porque ella está bailando frente a las llamas aquí, podrías si quisieras, agregar igual que unas cuantas lamidas de llama que están justo delante de todo. Justo frente a la vista y la cámara, ligeramente superponiendo elementos. A lo mejor tenemos como unos pedacitos aquí o tal vez algunas brasas en el aire. Ayuda a crear una sensación de profundidad y ambiente sin agregar complicación ni detalle. Lo último que sugeriría es la iluminación de llantas. Me encanta la iluminación de llantas, particularmente aquí arriba cuando nos metemos las zonas más oscuras donde la piel y el cabello del personaje se mezcla más con el horizonte y el cielo. Ni siquiera necesitas mostrar una fuente de luz para aludir a una fuente de luz. Pero al tener un pequeño filo delgado de luz realmente simple en la dirección de la supuesta fuente de luz, creamos un poco más de separación y un poco más de contraste y nitidez. Ni siquiera tiene que estar en los bordes del personaje. Puede ser en partes del personaje que parezcan un poco fangosas cuando se conectan a otras partes del personaje. Aquí tenemos el pelo y el hombro. Se puede poner aquí una luz de llanta que, si viene una fuente de luz en esa dirección, podría haber golpeado ambas superficies. Algunas herramientas muy simples, fáciles y súper divertidas que espero encuentres útiles en futuras ilustraciones, que por cierto, hermosa ilustración, muy bien hecho. La pieza de Samantha, Meet a Sirena es otro gran ejemplo de mostrar el proceso de llegar a una idea, y también usar algunas ideas generadas al azar para crear algo único. Me encanta que haya utilizado el método d20, uno de mis métodos favoritos, sobre todo como amante de las mazmorras y dragones, para llegar a tus resultados y a tu generación de ideas. Puede ser una manera realmente genial de, como puedes ver, hacer algo que quizás no hayas pensado de otra manera y realmente estirarte creativamente. Creo que mi retroalimentación, Samantha, en todo caso, estaría basada en lo que voy a llamar densidad de detalle. Supongo que a lo que me estoy refiriendo aquí es, digamos que sólo voy a recortar y copiar y pegar justo esa pequeña área. Se puede ver el nivel de textura, el nivel de línea y el contraste que ocurre dentro de esa sección específica de la imagen está en un cierto nivel. Es bastante profundo. Está pasando bastante en las texturas y colores. No creo que nadie viendo esto argumentara que el foco de esta pieza son en realidad estos personajes. Si los aísla de todo lo demás, creo que está claro ver que la densidad de esas texturas, y de ese contraste es mucho más en el fondo que en el punto focal. Aunque mantuvieras el mismo esquema de color y no cambiaras demasiado, si el fondo tuviera un poco menos de contraste o los personajes tuvieran un poco más, eso por sí solo ayudaría a volver a cambiar [inaudible] el ojo quiere ir. Pero por otro lado, me encanta este nivel de detalle y contraste en el fondo, y me gusta que haya una estética ligeramente diferente a los personajes que el fondo. Otra forma de crear interés visual es simplemente utilizando un color diferente. De lo que es eso dependería enteramente de ti. Pero tenemos bastante sencillamente una pieza que está abrumada con mucho verde y solo un poco de azul. Eso es genial y está funcionando muy bien para la sensación, pero podría valer la pena simplemente pintar sobre el punto focal de tu imagen como estos personajes de aquí. Sólo lo estoy haciendo con un blanco simple. Obviamente estas alteraciones son muy rápidas y sencillas digitalmente, pero sin duda se puede lograr esto de diferentes maneras en el medio tradicional. Solo estoy cambiando esto a un modo de mezcla de colores, y como puedes ver, eso lo acaba de convertir en un empuje blanco y negro en la imagen porque la hice blanca. Pero ahora cuando cambio la superposición de color a diferentes colores. Si estás mirando la imagen general, es una gran manera de experimentar y ver que no sólo podemos tirar rápidamente la atención agresivamente hacia el punto focal, sino que también podemos ver cómo eso puede afectar la sensación de la imagen. Podría sentirse un poco más cálido o acogedor si es dorado, podría sentirse un poco lujurioso si es de color rosa. Podría sentirse un poco frío o frío y atar un poco más con el agua y el elemento de sirena, si es azul. No tenemos que ir planos así, pero estoy tratando de mostrar lo más clara y sencillamente posible, es que aunque quisieras mantener ese nivel de densidad de detalle en las áreas en las que están, color es otro fantástica manera de decirle al ojo exactamente dónde mirar. Sumisión de Isaac, Space Western Shootout. En primer lugar sin duda aprecio tu elección de tema y no sé, soy un poco un chupón para los aventureros y salvajes y locos y fantásticos. No sólo me encanta tu resultado, sino que también me encanta cómo en reunir recursos, realmente has ido en todas las direcciones relacionadas, no solo por las cosas de Space Western o algo cercano a eso, te has vuelto clásico Western has ido únicamente espacial y alienígena, has ido por artículos mecánicos o artículos vestuario tanto en ilustraciones como después en fotos. Este es un ejemplo realmente fantástico de lo lejos y ancho que puedes y debes ir con tu tabla de humor para traer tanto y encontrar tanta inspiración para dar vida a tu pieza. De igual forma, pasando por tu fase de diseño de personajes y sobre todo jugando con las poses y el encuadre, la composición, es genial verte realmente estirándote y siendo lo más inventivo posible. Ahora está claro ver que con las tres miniaturas que no elegiste y la que hiciste, realmente vas por aventura de acción y un poco de calamidad porque te has ido con un poco de jangle holandés. Te has ido con esa perspectiva ligeramente sesgada en la cámara o la perspectiva del espectador. Lo que me interesa ver aquí es sobre todo en una escena que realmente se va a beneficiar de estar un poco loca. Podrías beneficiarte de estirarte realmente y ver lo loco que puedes conseguir y cuánto puedes aprender en el proceso. Podría ser tan simple como tomar una pieza final o tu boceto antes de hacer la pieza final, y simplemente girar tal vez yendo en la otra dirección. Incluso hacer eso, eso es agregar algo de interés visual. Jugando un poco alrededor de los bordes. Ahora pensando post probablemente no hay mucho que puedas hacer, tendría que ser a través de la fase de boceto, si quisieras ir un poco más extremo, que si quisieras hacer eso, creo que uno de los mejores formas de hacer eso serán perspectiva, porque por el momento tienes un personaje que obviamente está en este modo anticipado donde especie de ser realmente metido en el arma. En consecuencia, crea este sentido para casi una perspectiva completa. Si sigues esa línea, ya tenemos esta perspectiva de que si seguimos eso, obtendríamos un sentido de dirección muy claro enfatizado. Si en ese sentido seguiste esas líneas para el fondo, pero aun así seguiste ese ángulo ligeramente holandés que probablemente crearía un sentido aún más intenso del drama. Si quisieras ir aún más lejos, puedes caminar eso, podrías doblar la perspectiva así. En lugar de tener líneas de perspectiva planas, tienes esto casi como un lente ojo de pescado, algo que está envolviendo la escena alrededor de este momento en el que nos están metiendo. Esa puede ser una forma muy divertida de agregar extremidad. Si querías estirarte aún más. Otra cosa que puedes hacer es crear secciones de desenfoque para crear movimiento. Podemos enfatizar el movimiento y el caos sin siquiera cambiar la perspectiva del fondo. He hecho esta selección casi como una ráfaga de diferentes líneas en esa perspectiva. Si copio y pego eso, podría ser tan simple como simplemente desplazar eso fuera de lugar o estirar esa sección. Sé que eso parece un poco raro, pero luego si seleccionas ambos y si creas un desenfoque radial, obviamente estás trabajando digitalmente, así que me estoy dejando ser más libre para usar algunos trucos más digitales. Se puede utilizar un método de desenfoque de zoom, y se puede cambiar el punto focal y la cantidad. Como puedes ver, añade mucha intensidad. Ahora eso es como un desenfoque de alto nivel, podrías hacer mucho más sutilmente. Desenfoque radial lo bajemos hasta nueve puntos de desenfoque. Tiene sentido la forma en que he desalojado esas áreas y crea casi como este efecto tembloroso porque hemos creado esa separación y estirado esas líneas. Perdemos mucho el detalle de fondo, razón por la cual podríamos querer usar otros métodos para crear un poco más de ese movimiento e intensidad. Isaac es muy claro, eres un gran artista, y ahora es el momento de empujar las cosas que puedes hacer para afectar tanto como sea posible ese resultado. Usando superposiciones de color y filtros para intensificar las cosas. Destacando los bordes para crear un sentido extremo del drama. Usando la herramienta de esquivar y quemar para afilar realmente y hacer áreas pop que realmente se van a beneficiar de una intensidad añadida. También para usar la herramienta de quemado para empujar las áreas en el fondo para mantener el foco en las áreas de mayor nitidez y contraste. El punto es si será a través de desafiarte con la construcción de la escena y la perspectiva, o ampliando ciertos efectos o cosas que puedes usar para acentuar el objetivo que estás buscando porque es muy claro que ya has llegado tan lejos. Creo que eso nos lleva a un lugar donde hemos explorado muchos proyectos. Estoy seguro de que estarán de acuerdo en que es tan inspirador ver qué áreas se dibuja la gente para explorar y también qué podemos ganar de sus perspectivas y enfoques. Estoy realmente emocionada de haber compartido algunos de esos proyectos de clase con ustedes hoy y experiencia pasando por ellos yo mismo. Quiero agradecer a todos los que presentaron sus proyectos de clase, hasta el momento. Me encantaría animar a cualquiera que vea esto que no haya presentado un proyecto de clase a que realmente le dé una oportunidad. Habrás notado que el elemento unificador entre todos estos proyectos es que cuando la gente se empuja y explora sus ideas, llega a su mejor resultado posible, que es lo mejor que puedes hacer como artista. Desde una perspectiva comunitaria, desde una perspectiva de aprendizaje, cuando compartes ese proceso con otras personas, no solo te beneficia, sino que también es un recurso invaluable para otras personas en todos los niveles diferentes para ver cómo aprenden sus compañeros y compañeros y cómo pueden aplicar esas lecciones a su propio proceso. Por favor ve tómate un momento para explorar los otros proyectos presentados a esta clase. Eran tantos que no pude incluir en este video lamentablemente. Todos son tan inspiradores y realmente edificantes. Sobre todo, quiero agradecerte tanto por desafiarte a ti mismo por ser parte de esta clase, por apoyarme, apoyando esta clase y por desafiarte y dar pasos para llevar tu viaje al siguiente nivel. Estoy tan agradecido de haber sido parte de eso de alguna manera pequeña y por las amables palabras de la gente que siente que ha sido de ayuda, realmente espero que lo haya sido. Te animo a mantenerte creativo, divertirte mucho en tu viaje, a desafiarte, pero siempre vuelve a las posibilidades y a la emoción interminable que puedes crear. Los mundos e historias que aún tienes que contar a través de tu arte y creatividad. Muchas gracias por mirar y hasta la próxima vez, nos vemos después.