Domina el proceso de edición de video: del resumen creativo al proyecto finalizado

1. ¡Te damos la bienvenida al proceso!: Por último, terminado. edición de video puede ser una tarea muy desalentadora. ¿ Por dónde empiezas con disparos? ¿ Eliges qué ediciones usas? Música, efectos de sonido, historia de color. ¿ Quieres que esta edición sea buena? No, tú querías ser genial. Pero puede volverse abrumador. Aquí. Vamos a rodar la intro. Preguntado por el proceso de posproducción y el inicio de tus proyectos justo hasta el final, lo largo de mi carrera, he tenido la oportunidad de mejorarlo o encontrar mi propio proceso de edición, analizar, tomarme el tiempo para diseccionar al cineasta y editor cooper Canadá. En esta clase, desglosaré el proceso de posproducción y brindaré pasos prácticos que puedes aplicar a tu propio proyecto. Aprenderás a prepararte para la Edición, por qué eligen ciertos clips sobre otros, y por dónde empezar y también por dónde ir. Te enseñaré técnicas de edición. 2. Proyecto de clase: Muchas gracias por tomar mi clase. Me emociona tenerte aquí. Nos vamos a divertir mucho, aprender mucho, y crear un proyecto impresionante. Nuestro proyecto de clase es más o menos una edición motivacional de 30 segundos. Sé paciente. No juzgues cada día por la oficina para leer. Pero por las semillas que has trazado. Día determinada oscuridad te cubrirá. Lucharás por ver la luz. Agárrate a la esperanza. Llegará tu día. El metraje para nuestro proyecto de clase fue originalmente destinado a otro proyecto que filmamos. Y nunca terminamos usándolo porque las cosas terminaron yendo a una dirección creativa diferente. Fue una obra en curso, y decidí que la modifiqué a este proyecto de clase. Conseguí algo de voz en off adicional para ello y creé una pequeña historia. Yo diría que este proyecto es más una edición creativa en es ambiguo en cuanto a cómo puede verse la edición terminada. Y realmente eso es lo que tiene genial. De ninguna manera tienes que hacer que este proyecto sea idéntico al que he creado? Puedes usar los clips que quieras y usar tanto o tan poco de la voz en off como quieras. Se puede cambiar completamente el tono. Puedes convertirla en una película de terror si quieres. Y me emociona ver qué podrías hacer con esto. Lo que es genial de este proyecto es que puedes hacer tanto o tan poco trabajo como quieras en él si quieres flexionar tus habilidades de edición, hazlo si quieres trabajar en diseño de sonido o color en particular, ve por eso. Si encuentras que estás teniendo problemas con alguno del proceso en el camino, solo haz lo posible para conseguir algo por ahí, un corte rudo, un trabajo en curso, editar cualquier cosa te ayudará a convertirte un mejor editor y además solidificar el proceso para usted. También es importante recordar que el diseño de sonido, mezcla de sonido, la clasificación del color, todas estas cosas. Son trabajos especializados en los que creativos nos enfocaremos para toda su vida y perfectos y dominamos. Como editor, se espera que puedas hacer todas estas cosas. Entonces ten en cuenta que estamos haciendo todo, pero no lo estamos haciendo al mismo nivel que alguien que se está enfocando en esa habilidad de forma independiente. Toma mucha práctica. Se necesita mucha habilidad, así que no te golpees, Solo diviértete. Yo quiero que puedas tomar este proceso y aplicarlo a cualquier proyecto en el que trabajes. Se llega a hacer eso en una UA para ser creativo. Y solo estoy aquí para alentarlos y guiarlos a través de ese proceso. Necesitarás tener algún tipo de programas de edición para completar este proyecto. Estaré usando Premier Pro para demostrar, y te recomiendo que uses este programa. Pero si quieres usar un programa diferente, puedes, sobre todo para los procesos generales que aprenderás y algunas otras grandes ideas que estaremos discutiendo. Algunas de las lecciones de las que puedes tomar las grandes ideas, pero eventualmente las estarás aplicando con algunos filtros o procesos dentro de Premiere Pro que podrían no ser exactamente iguales en otro programa. También es recomendable que tengas las habilidades técnicas de edición antes de iniciar este proyecto. Ahora, estaré enseñando sobre procesos a lo largo de las diferentes etapas de edición, pero no necesariamente voy a entrar en detalle sobre cómo crear una secuencia o navegar por los paneles. Por ejemplo, si tienes un proyecto en el que estás trabajando actualmente, te animo a trabajar en eso y asegurarte de que publicaste para revisión o escribes una o dos oraciones explicando cómo aplicas las lecciones aprendidas a tu propio proceso. Después de tomar este curso, espero que no te desanimen las dificultades inesperadas en tu proyecto, sea cual sea el problema que afrontes, simplemente puedes volver al proceso y sentirte bien con lo que va tu edición estar al final. Comencemos la primera etapa del proceso creando limitaciones para nuestra edición. 3. El resumen creativo: En este siguiente paso del proceso, vamos a dedicar algún tiempo a enfocarnos en crear limitaciones para nuestro proyecto. Este paso es tan importante porque nos ayuda a mapear nuestra edición y nos ahorra tiempo y potencial esfuerzo desperdiciado. Digamos hipotéticamente que trabajas para una empresa de surf. Y esta compañía de surf tiene un montón de impresionantes imágenes de servir y te ha encargado crear un video fuera de él. Dicen, puedes hacer lo que quieras. Estás pensando, impresionante, obtuve total libertad creativa. Se mira todo el metraje y no se sabe por dónde empezar, no se sabe qué hacer. ¿ Cuál es el punto? Bueno, este es el problema. No tienes ninguna limitación establecida para guiar tus decisiones. Creando lineamientos para tu proyecto. Lo que se conoce como un breve creativo. Y dependiendo de la empresa o del proyecto, podrías tener un breve creativo o tal vez no, pero aún así es tu trabajo crear ese breve creativo para ti mismo o la limitación engendra creatividad y nos permite enfocar nuestros esfuerzos. Entonces sigamos adelante y creemos algunas limitaciones para nuestro proyecto. La primera y más importante pregunta a hacer al iniciar cualquier proyecto es ¿por qué? ¿ Cuál es el punto? ¿ Cuál es el propósito de tus tiendas para el proyecto o en el que trabajas? Se trata de un breve extracto de un proyecto más grande. Entonces, ¿cuál es el punto de esto? Bueno, cuando se me ocurrió este curso por primera vez, pensé que este metraje puede ser utilizado como una pieza inspiradora. Por lo que mi intención sería inspirar al público. Y esa intención a su vez puede ayudarnos a descubrir el propósito del proyecto. A lo mejor queremos recordarle a la gente que las cosas más pequeñas vida y las cosas más lentas de la vida pueden crear el mayor impacto. Entonces por supuesto, también necesitamos considerar nuestra voz en off, que es el paciente no juzgue. Cada día por el puño de hall lees, pero por el stock de semillas trazas y te quedas determinado. Oscuridad te cubrirá. Lucharás por ver la luz, pero aferrarte a la esperanza con el tiempo, llegará tu día. K, Pensemos aquí tal vez el objetivo es animar a la gente, aunque estén en un punto difícil, pasando un momento difícil, estén luchando. Que es parte del proceso de crecimiento. La perseverancia eventualmente les permitirá salir de ella como una persona más fuerte. De acuerdo, entonces ahora sabemos nuestro propósito. Queremos hacer llegar este mensaje a través. Y la forma en que vamos a hacer eso es intentar que el público sienta algo. Y eso lo hacemos a través del tono de la película. El tono pretendido tiene como objetivo hacerte sentir algo. Esto me hace sentarme al borde de mi asiento, latiendo el corazón, excitante. Esto, por otro lado, me da miedo. Me espanta, Me asusta. Y luego esto, es una película ligera y de sentirse bien que me inspira. Podrías curar las palabras, el tono y el estado de ánimo lanzados juntos sinónimamente. Y en esta clase estaré usando las palabras humor y tono indistintamente hasta cierto punto, pero es importante señalar que no son del todo lo mismo, pero ambas son importantes. Imagina tener una conversación con alguien. El tono es cómo se les podría decir algo. Se podría decir algo enojado o empatéticamente. Y cómo haces sentir a la otra persona a través de tu tono es el estado de ánimo que creas. Podría hacerlos tristes, locos, enojados, felices, inspirados como narradores, como editores, tenemos control sobre el tono de la película, pero no siempre tenemos control sobre el estado de ánimo que crea para todos los que la ven. Subiendo con algunas intenciones. Al igual que quiero que el público se sienta inspirado. Yo quiero que se sientan alentados. Yo quiero que se sientan esperanzados. Todas estas intenciones son grandes maneras de conectar emocionalmente con el público, con el propósito general de nuestra película. Es este tono que queremos establecer el que ayuda a conectar emocionalmente al público. El tono y el propósito general de la película van de la mano ya aquí mismo. Esto nos da una enorme ventaja a la hora de contar la historia. Puedes usar estas intenciones y el propósito general de nuestra edición para guiar a todos son decisiones de edición de aquí en adelante. Y esto es lo más importante para clavar lo más temprano posible en el proceso. Otro ejemplo de esto es de la película recomiendo para un sueño. Después de terminar de ver esto, me petrificé y me hizo no querer tocar ningún tipo de droga nunca. El tono general de la película, Es muy oscuro. Es increíble cómo son capaces de hacerte sentir este aislamiento mientras ves la película. Hay muchas decisiones de edición que contribuyen a ese estado de ánimo que creó el tono. Pero una técnica en particular que realmente sumó a esa sensación de aislamiento fue el uso de pantalla dividida. Incluso en la escena donde Harry está hablando con Marion, están en la misma cama. Están teniendo este momento íntimo, esta conversación íntima. Y sin embargo sientes esta increíble desconexión entre los personajes y es inquietante ver. Ahora toma la misma escena e imagina si no tuvieran pantalla dividida, verías de una manera completamente diferente. El tono formas, decisiones musicales, ritmo, efectos de sonido. Es la conexión emocional con el propósito general de la película. Sin el tono, el propósito es un poco inútil. Hay un montón de diferentes interpretaciones de esta película e ideas de cuál es el propósito de esta película. Pero cualquiera de estas interpretaciones atraviesa el tono de la película y la forma en que afecta emocionalmente a la gente. Todos habéis salido de las películas sintiendo diversos grados de emoción. Y en los mejores casos, la película nos va a cambiar. Y sí, muchos aspectos entran en esto. Pero como editores, cada edición que hacemos está o ayudando a crear esa conexión emocional, conduciendo una profundización en la historia, conectándote con su propósito, o te está sacando de la experiencia. Lo siguiente a considerar es, ¿cuál es la historia? Y lo que quiero decir con la palabra de la historia es la secuencia cronológica, el principio, el medio y el fin. Y en nuestro caso, estamos editando a un jardinero cavando un agujero, agarrando una semilla, colocándola en el agujero, cubriendo la semilla con suciedad, y luego finalmente regando la semilla. Entonces tenemos un simple principio, medio y fin, nada que rompa la tierra. También tenemos un principio, medio, y final con nuestra voz en off. Este proyecto es bastante sencillo, pero en muchos proyectos, pueden ser ambiguos. Es posible que tengas montones de metraje, montones de escenas, y necesitas decidir cuál es lo más importante para tu inicio, medio y fin. Esto te ayudará a reducir considerablemente tus metrajes. Otra limitación enormemente útil es entender cuánto tiempo estás terminado de editar podría ser. Se puede determinar la longitud de un proyecto justo al principio. Tendrás un tiempo mucho mejor trabajando dentro de esa limitación. Las limitaciones de longitud pueden ayudarte a elegir mejor la música. Si sabes que un proyecto será más o menos a la marca de un minuto. Podrás apuntar a encontrar música que sea adecuada para ese minuto o cinco música que potencialmente puedas reducir a ese minuto. También me encanta la limitación de tiempo porque si sé que solo tengo que llenar treinta segundos de metraje, realmente puedo ser exigente con los clips que escojo. Tu público objetivo también puede ser una forma efectiva de guiar tu proyecto en la dirección correcta. Yo solía trabajar en producción para una empresa de muebles donde el público objetivo era la mamá ocupada entre los 28 y 34 años. Algunas empresas profundizarán extremadamente en estos perfiles de personajes y serán muy específicas sobre qué tipo de público objetivo están apuntando. Y esto es genial porque realmente te puede ayudar a decidir qué clips se adaptan mejor a ese público. De manera más específica, el público objetivo puede afectar las elecciones musicales, ritmo y el ritmo, la longitud de la pieza en general, realmente afecta a toda la pieza. Entonces por ejemplo, en el horario, Hay un ritmo más lento en general, música juguetona y efectos de sonido. Se hace mayor énfasis en la continuidad de edición, que vamos a repasar en la lección sobre el proceso de edición de video. Los episodios son de tan solo 20 minutos de duración. El tono general es positivo y alegre. No agregarías un show infantil de la misma manera que editarías un show como Breaking Bad. En Breaking Bad, el ritmo está orientado hacia la historia. Las opciones de música también están impulsadas por la historia y por el tono. Hay menos énfasis en la edición. Continuidad. Los episodios tienen 60 minutos de duración, y el tono general es oscuro y cómico, Es oscuramente cómico. Tener una buena idea de quién es tu público objetivo, o también ayudarte a dirigirte a tus proyectos en consecuencia. De acuerdo, entonces para nuestro proyecto, vamos a llegar hipotéticamente con el público objetivo aquí. Estamos tratando de animar a la gente con esta pieza. Entonces creo que nuestro público será algunas personas que han pasado por algunas dificultades de cosas. Entonces probablemente mayor, pero podría ser más joven también. A lo mejor de la gama de 18 a 25 años. Ya sabes, tal vez estamos tratando de animar a los niños que apenas están saliendo de la preparatoria. No saben qué hacer con su vida. Y necesitan algún estímulo. A lo mejor están molestos porque las cosas no están pasando tan rápido en sus carreras. Nuestro público objetivo puede ser del rango de 18 a 25 años. Y este es un mensaje inspirador y esperanzador para quienes están atrapados sintiendo que no saben qué hacer con su vida. Entonces cuando decimos eso, solo apuntemos al rango de 18 a 25 años, masculino, femenino, de 18 a 25 años. Otro aspecto importante a considerar es ¿dónde se proyectará la película? Estará en YouTube, Facebook, Instagram, Tiktok en TV. Todas estas diferentes plataformas pueden afectar la edición de una película y de una manera diferente con Facebook e Instagram, muchas de las veces la gente ni siquiera habilitará el audio. Por lo que eso podría afectar la forma en que editas. Podría afectar la forma en que usas el audio o no usas el audio. Y obviamente afectará la longitud general del proyecto, cómo mezcle el audio del proyecto, si necesita o no preocuparse realmente por broadcast safe, la forma en que entrega el proyecto, el archivo y Kodak opciones, todas estas son bastante simples. Es necesario seguir limitaciones para poder incluso publicarlo en estas plataformas en primer lugar. Lo que realmente me encanta es usar estas limitaciones de forma creativa. Realmente me encantó este ejemplo de aquí. Esta empresa puso sus anuncios en YouTube y tenían el conocimiento de que el anuncio sería saltable después de cierto tiempo, construyeron su anuncio alrededor este conocimiento que si no captan la atención del público, público omitirá el anuncio tan pronto como el botón Saltar esté disponible. No me lo agradezcas. Agradécele el ahorro. No puedes saltarte este anuncio de geico porque ya está sobre geico. 15 minutos podrían decir 50 por ciento o más en el seguro de auto. Sé que aquí no hay mucha edición, pero este es un gran ejemplo de cómo los creativos podrían usar la plataforma y las limitaciones de tiempo de manera creativa. Por lo que estas son las pautas básicas que paso al acercarme y editar. Estas pautas ayudarán a reducir inmensamente tu edición y te permitirán estar más enfocados con tu trabajo. Pero recuerda, el propósito de tu historia y la conexión emocional con el público es el más importante. Adelante y termina tu propio resumen creativo y recuerda que no tienes que hacerlo exactamente de esta manera. Puedes agregar tus propias limitaciones, lo que creas que podría ayudar a dar forma al enfoque y propósito de tu historia. La organización de archivos se enrolla a continuación. 4. Las reglas de organización de archivos: Tener una gran organización de archivos y carpetas hace que sea más rápido al buscar activos para su proyecto. Y hace que la gestión de proyectos, sobre todo la duda sea mucho más fácil. Esta es solo mi opinión, pero con mis proyectos, pretendo tener más carpetas dentro de mi carpeta principal de proyectos, lo que elimina la necesidad de más subcarpetas y me permite llegar a los archivos que necesito en menos clics. Sí. Con proyectos más complejos, necesitas más sub carpetas. Pero siempre estoy apuntando a menos clics para llegar al archivo al que necesito llegar. Esto aumenta la velocidad para llegar al activo y necesito llegar y además reduce tanto el dolor de cabeza que viene de cocinar. Lo mismo vale para el manejo de carpetas de proyectos. Intenta mantener los clics mínimos que necesitas para mantener algún tipo de organización. Cuantas menos carpetas, en mi opinión, mejor. uso de números te permite organizar tus carpetas en el orden que prefieras. El uso de números también ayuda a crear alguna jerarquía a su estructura de carpetas. Si no tuviera números aquí, todo estaría en orden alfabético. Adelante y cambia los números si lo prefieres. Puedes cambiar las carpetas si lo prefieres, lo que sea que tenga más sentido para ti. Una gran manera de nombrar sus archivos de proyecto o archivos de exportación, es incluir la fecha. Entonces por ejemplo, con estos archivos de proyectos, tengo 210 515, que corresponde a 202105 para mí y 15 para el día. Entonces en cualquier momento trabajo en este proyecto, si es un nuevo día y me he enfermado y progresado, guardo como e incluyo la fecha. Esto me permite hacer un seguimiento de la versión actual de edición en la que estoy trabajando. Si necesito volver y decir, vale, ¿qué carajo hice el 15 de mayo? Yo puedo hacer eso. Lo mismo vale para las secuencias dentro de tu proyecto. Hago avances significativos. Voy a copiar pegar, añadir la fecha actual. De esta manera, todo el trabajo que hago en este día es autónomo en esta secuencia. Si necesito volver, puedo volver a ello. No es destructivo. Además, si hago progresos lo suficientemente significativos dentro del mismo día y siento que solo quiero hacer copias de seguridad de secuencia. Voy a seguir adelante y copiar pegar eso, mantener la misma fecha y añadir la letra b. Si lo hago de nuevo y hago más progreso, tendré la letra C. Tal vez tengas una idea que quieres probar, pero no quieres destruye tu secuencia actual. Si quieres hacer eso, puedes copiar pegar y luego escribir ALT al final de la fecha misma. Para que veas que se trata de una secuencia alterna. Se puede explorar esa secuencia alterna. Y si funciona, genial, copia pégala y haz que esa sea tu secuencia principal. Si no es genial, déjalo como una secuencia ordenada. ¿ Qué tiene de genial esto? No es destructivo. Puedes probar ediciones en tu secuencia sin preocuparte por destruir el trabajo que ya has realizado. He incluido mi propia estructura de carpetas en la descarga. Si tienes ganas de usar eso, adelante, pero no estás obligado a seguir esto a una T. Crea tu propia estructura de carpetas. Sólo recuerda que menos clics te ahorrarán clics dolores de cabeza, en mi opinión, me gusta más cuando es útil. Use números para crear jerarquía en su estructura de carpetas. Y por último, utiliza la fecha dentro del nombre de tus archivos o secuencias de proyecto como una copia de seguridad adicional para ver los avances realizados y permitir rutas alternativas fáciles y no destructivas en tu proyecto de edición. Sé que la organización de archivos puede ser súper tediosa, pero por favor, haz lo mejor para organizarte ahora para que no te arrepientas más tarde. 5. Elige los mejores clips para tu historia: Es hora de seleccionar nuestro metraje. Redoblar nuestro metraje a los mejores clips nos ayudará a ser más eficientes al comenzar nuestra primera edición. Este es el primer paso para revisar todo el metraje en su totalidad. El modo en que me gusta hacer esto es poner todos mis clips en una secuencia, revisión. Y como veo porciones de clips o clips completos que me gustan y creo que funcionarán bien con la historia. A cortar esas porciones hacia fuera y ponerlas en la segunda pista mientras se sigue teniendo acceso a todo el metraje es esencialmente como una pre edición. Editando todos los clips que crees que no funcionarán para el proyecto y dejando a un lado los acantilados que crees que funcionarán mejor. Una vez que revises el metraje, tendrás un banco mental de información del que podrás aprovechar al hacer ediciones. Si por alguna razón decides que una toma no está funcionando, siempre puedes volver a la secuencia y decir: Oh sí, recuerdo que tenemos esa otra toma que podría funcionar para esto también. Puedes volver rápidamente, conseguir ese tiro, tirarlo. No hay problema. Si bien en el proceso de revisión, pregúntate qué clips se adaptan mejor a la historia? Y para aclarar cuándo estoy usando la palabra historia , abarca el qué o secuencia cronológica. El y, que es el propósito general, el significado del mensaje. Y cómo se conectan el qué y el por qué, que es a través del tono y el estado de ánimo, o cómo la historia pretende hacerte sentir. ¿ Funciona mejor este clip que este clip al contar la historia? Realmente todo se reduce a esto. Si sabemos el qué y por qué de la historia y cómo queremos que se sienta el público. El proceso de recolección de clips será mucho más fácil. Podría simplemente bajar a, bueno, ambas tomas a la historia, pero ¿qué tiro es en realidad mejor? ¿ El disparo de la izquierda es mejor que el de la derecha? ¿ Es mejor este primer plano de la izquierda que este primer plano de la derecha. En ocasiones la calidad de un disparo está fuera de foco de una manera mala e inutilizable. A lo mejor es demasiado tembloroso o el balance de blancos es horrible. En estos casos, lo dejaría a un lado y no lo uso, pero tampoco lo elimines. Sólo tienes que mantenerlo en tu línea de tiempo Selects. Si al final de tu proyecto estás encontrando que estás luchando por encontrar cobertura y no tienes otra opción que usar esa toma, entonces ese sería el momento en que lo utilizarías. También hay unos tiempos sorprendentes en los que he usado clips inutilizables. Y un disparo, encontré un disparo que fueron los látigos de cámara pasan a la luz, pensé. De acuerdo, eso es basura. No estoy usando eso. Ponlo a un lado. Pero eventualmente terminé usándolo en el proyecto porque agregaba algún interés visual. Ahora cuando grabe videos musicales como este, pensaré en esto y trataré intencionalmente de conseguir unas sartenes de látigo que pasen las luces y otros objetos. Tengo algo de espacio para experimentar dentro de la edición. Toma una escucha a esta corta mordida sonora o la oscuridad te cubrirá. A mí, la actuación suena bien, pero encontré que no se ajustaba a la historia tanto como podía tener. Por lo que le pedí a Mike, los artistas de voz en off que hicieran segunda toma con una dirección de dar una mañana estricta. Y eso cambió bastante su actuación. La oscuridad te cubrirá. Después de escuchar esta toma, me gustó mucho la vibra de la misma. No obstante, me sentí como el final de la voz por aquí. Se sentía un poco forzado. Entonces todo lo que hice fue mantener la mayoría de la segunda voz en off y cortar la parte de la actuación que no me gustó. Lo sustituí por la primera toma. La oscuridad te cubrirá. Encontré que esta sonidita entrelazada, escoge la mejor actuación de cualquiera de tomar y a vez se adaptó a la historia y a su propósito. El mejor. La oscuridad te cubrirá. La oscuridad te cubrirá. La oscuridad te cubrirá. Descifrar y el rendimiento de los actores puede ser algo muy subjetivo y no tenemos tiempo suficiente para profundizar en esto. Pero por ahora, pregúntate, ¿te suena bien? ¿ Comunica claramente partes de la historia que quieres atravesar? ¿ Te suena auténtico? ¿ Te suena real? Vemos en 3D, pero en un monitor de computadora, Todo está en 2D. Las imágenes con gran profundidad tienen esa calidad 3D para ellas. Se puede identificar la profundidad en una imagen mirando el contraste otro y el brillo y la oscuridad de la imagen, o contraste y color. También puedes mirar perspectiva, qué líneas te están llevando a través del marco. No la perspectiva crea un primer plano, medio suelo y fondo distintos. También se puede identificar la profundidad a través de la profundidad de campo de la toma, que es sólo las partes de la imagen que están dentro de un enfoque aceptable. Y una manera fácil de identificar si un marco tiene profundidad es simplemente mirar las capas del propio marco. Entonces volviendo a nuestro proyecto, aquí hay algunos ejemplos. En esta toma, tenemos un primer plano claro y un fondo claro. Esto se crea con un fondo borroso y el primer plano está en enfoque agudo. En esta toma aquí tenemos tres capas yendo en primer plano. El suelo está fuera de foco. El semillero está en foco en el medio suelo y el fondo está fuera de foco. La profundidad también es creada por la perspectiva. El ángulo de disparo es bajo al suelo, dándole más profundidad. Si fueras a elevar el ángulo del disparo, digamos por ejemplo, en esta toma de aquí, no obtenemos tanta profundidad desde la perspectiva. La mayor parte de la profundidad proviene del contraste creado entre el tono de piel más claro y la suciedad más oscura. Eso no significa necesariamente que este disparo sea peor que el otro. Acaban de sostener diferentes historias. Y de nuevo, historias, el factor decisivo más importante aquí. Aquí tenemos dos tomas que cuentan la misma historia. El jardinero es blanco en la suciedad de sus manos. Después de mirar estos dos marcos, he elegido el transbordador y me he reído porque la profundidad es mucho mayor que la perspectiva de la izquierda está en un ángulo diferente, creando un primer plano con los dedos y las manos, y medio suelo con brazos y los pantalones, y un fondo con el follaje. El punto de vista de la toma a la derecha es más bien una toma de perfil, solo creando dos capas separadas. El fondo en el tiro izquierdo también crea más contraste con los tonos de piel. Después el disparo a la derecha. Ambos disparos gran profundidad a través de profundidad de campo. El fondo está fuera de foco, mientras que el primer plano está en foco. El movimiento dentro de un marco puede crear interés visual. Esto podría ser el movimiento de una cámara o el movimiento de una acción dentro del propio marco. La ventaja de un disparo con movimiento sobre un disparo estático es que tiene la capacidad de guiar el ojo de una edición a la siguiente. Entonces en el caso de que tenga dos tomas diferentes con ángulos idénticos, uno es estático, pero el otro tiene movimiento. Lo más probable es que escogiera el que tiene movimiento. A menos que por supuesto, el disparo estático cuente mejor la historia. El pan de la cámara de izquierda a derecha corta muy bien con esta toma con movimiento similar. Lo mismo vale para estos dos disparos. Un tiro tiene mucho menos movimiento que el otro, cual te parece más interesante. Además, tenemos la ventaja de utilizar el movimiento dentro del marco que puede guiar el ojo del espectador de una parte del marco a la otra y puede ayudar a conectar esta toma a otra con un movimiento similar. A veces podría estar confiando en sentir algunos de estos disparos. Podrías sentir que éste se siente mejor. No sé por qué, pero simplemente se siente mejor. Voy a elegirlo. Eso está totalmente bien. Cada vez que revisas las imágenes, refinas tu ojo a los pequeños detalles. Obtendrás mejor en determinar qué metraje funcionará mejor y cómo podría funcionar con la edición general. Después, podría descubrir, oh sí, que ese disparo tiene un destello sutil en él. Eso es lo que el tono de la pieza y algo con una llamarada se siente optimista. Y eso es lo que voy a buscar. Lo grande es que todo esto no es destructivo. Siempre puedes volver atrás y usar un clip que pensaste que originalmente no funcionaría. Entonces, para recapitular, revisar todo el metraje te da la oportunidad depositarlo mentalmente en tu mente para que puedas recurrir a él y más adelante, el usuario proyecta historia para reducir tus metrajes a los mejores clips. También se pueden determinar los mejores clips mirando la calidad del clip, la actuación de un actor, si el clip tiene o no movimiento, profundidad y lo que el clip está tratando de comunicar en general. Y si es efectivo en hacer eso. En el mundo perfecto, tendrías todos estos atributos dentro de un solo clip. Por lo que los siguientes pasos para este proyecto es reducir sus opciones de clip en las selecciones de nombre de carpeta. Ya verás que ya he hecho este proceso por ti. Si prefieres hacer este proceso por tu cuenta, lo cual es una gran idea, adelante y hazlo ahora. En la siguiente lección, vamos a aprender por dónde empezar con la edición y a dónde ir. 6. Cómo montar cualquier tipo de video: Genial, tienes tus selectos escogidos, pero ¿por dónde comienzas? Saber por dónde empezar y por dónde ir ayudará a crecer tu confianza y dejar fuera las conjeturas. Saber por dónde empezar puede ser bastante sencillo, pero no fácil cuando se trata de proyectos con guiones. Puede seguir junto con el guión, enchufar el metraje, e ir de principio a fin hasta tener un ensamblado áspero. Pero cuando se trata de obras sin guión, puede ser un poco más difícil saber por dónde empezar. Yo mismo. Esta pregunta, ¿qué elemento cuenta más claramente una historia? Por ejemplo, en los videos musicales, la música es lo que impulsa la historia, es porque muchas veces la música es la historia. El música ayuda a informar tus ediciones. Otro ejemplo en el trabajo de estilo documental, la narrativa es impulsada por las entrevistas. Por lo que centrarte en la palabra hablada es donde querrías empezar. Al igual que en este proyecto aquí, mi principal objetivo era enfocarme primero en la narrativa, tener lo que se llama la edición de radio, que es donde solo te pegas a editar las entrevistas. La imagen en este punto no es importante. Incluso puedes editar estas entrevistas sin ver al entrevistado. En algunos casos, es posible que no tengas voz en off o diálogo o un guión a seguir. En ese caso, podrías empezar con Eclipse y colocarlos en un ensamblado áspero usando como guía las historias principio, medio y final. Entonces, después de haber creado un ensamblaje áspero de tus clips, puedes empezar a conectar la voz en off y los clips juntos para que coincidan un poco mejor y tengan algo de flujo hacia ese rol. En este proceso, estamos trabajando con la edición para obtener un esbozo aproximado de nuestra historia a través de visual y VoiceOver. En primer lugar, una vez que tengamos nuestra edición aproximada tanto visual como de voz en off, podemos empezar a buscar música adecuada. Hay algunas escuelas de pensamiento a la hora de editar con música o sin música. Algunos editores prefieren poner una pista temporal de inmediato y cortar a la música, lo cual creo que está bien en algunas circunstancias, otros prefieren cortar la escena sin música. El pensamiento aquí es que si puedes conseguir que la escena trabaje con visuales y diálogo primero, la música la potenciará, lugar de depender de la música para que la escena se sienta bien. Hay momentos en los que solo tienes este pensamiento. Necesito cortar con música primero. Especialmente si estás cortando secuencia de montaje con una variedad de clips, la música realmente puede ayudar a tratar la estructura y contener la edición en general. En otras ediciones, podría decidirse no agregar música en absoluto hasta el final. Te sugeriría que te inclinaras hacia cortar la escena seca primero una vez que tengas una edición áspera y se empezó a sentir bien, tiene buen flujo, ritmo. Después agrega la música. Si quieres tener ciertos momentos que se acentúan por la música, puedes refinar la edición a partir de ahí. Entonces, hasta el momento con esta edición, hemos empezado con los visuales, los clips, después incorporamos la voz en off, y luego empezamos a agregar la música. Cada parte de este proceso requerirá algunos ajustes. Entonces, después de agregar voz en off, por ejemplo, vas a tener que ajustar el eclipse y la voz en off para que encajen mejor. Y luego una vez que tengas la música, lo más probable es que te estés ajustando para asegurarte de que todas estén armoniosas juntas y encajando bien juntas. Esto también forma parte del proceso y es muy importante que no estés aferrándote a la edición. Se quiere estar cambiando con la edición a medida que evoluciona. Entonces si tienes ideas, no tengas miedo de probarlas, y no tengas miedo de alterar completamente tu secuencia. Solo asegúrate de que estás creando una secuencia adicional para que no sea destructiva. No estás restringido a este orden en particular. A veces cuando estoy trabajando en una edición de radio para muchos tipos diferentes de entrevistas. Me puedo cansar totalmente de ello y sólo necesito hacer otra cosa. O podría haber un momento en particular en una edición del que no me siento totalmente seguro o realmente no puedo ver a dónde va a ir la edición. Y en este punto podría decidir que preferiría trabajar en visuales o quizá buscaré alguna música que pudiera ser apropiada para la escena. En ocasiones un poco de exploración te ayudará a volver al camino correcto con una entrevista o una parte particular de la historia están trabajando. Esto realmente puede ayudarte a ganar confianza y ayudarte a mantenerte involucrado en el proyecto. Como los editores eran los feelers, no los robots, la intuición del usuario. Si se siente bien poner algún intento de música, hazlo. O si quieres pasar algún tiempo trabajando en gráficos y averiguar cómo podría funcionar eso, edita en general, entonces hazlo. El proceso implica tomar rutas alternas. En ocasiones el único camino a través del proyecto es tomar un desvío para experimentar con una idea, luego darse cuenta de que funciona. O tal vez descubrir alguna otra idea que solo podrías haber descubierto probando esa primera idea. No tengas miedo de desviarte del camino si te sientes atascado o sin inspiración. Ahora echemos un vistazo al proceso general. ¿ Por dónde empezamos y a dónde vamos con la asamblea? Empezamos con los visuales, agregamos la voz en off, luego agregamos la música. No te preocupes demasiado por cuánto tiempo durará la asamblea general. Empieza con trabajar en la edición hasta que tenga sentido cronológicamente. Si estás trabajando en un proyecto diferente como un video musical, empieza con la música. Y trabajando en un documental. Empieza con la voz en off y el diálogo. Nuestras próximas lecciones, profundizaremos más en estas próximas etapas del proceso de edición. Esto tendrá más sentido una vez que superes más lecciones. Una vez que tengas una estructura rugosa, haz ajustes en tu metraje, voz en off y música a través de cada paso de edición, concéntrate en el ritmo y en el ritmo general. Trabajar en el propósito, tono, trazo y movimiento, y la continuidad de edición. Dependiendo de con quién trabajes. Este tal vez un buen momento para exportar una edición rápida para su revisión. En la fase final de edición, los ajustes que estarás haciendo algunos visuales, voz en off y música serán mínimos. Es posible que empieces a agregar gráficos, pero por supuesto podrías añadirlos antes si fuera necesario. Empezarás también a trabajar en tu paisaje sonorizado, lo que requerirá más ajustes. Nuevamente, estos ajustes son necesarios para que todos los elementos se sientan armoniosos y mantengan un buen ritmo y ritmo. En este punto, podría enviar otra edición para su revisión, hacer ajustes, revisar nuevamente, luego obtener la aprobación final de bloqueo de imagen, lo que significa que nada hipotéticamente debería cambiar en la edición. Pero de nuevo, nunca es demasiado tarde para agregar revisiones si es absolutamente necesario. Esto es cuando se trabaja en la corrección del color y la clasificación del color. En algunos casos, si estás trabajando con el metraje de registro, especialmente, es posible que estés agregando lotes o corrigiendo el color tu metraje antes en el proceso. Pero estas son tareas que un poco quieres que bloquee editar para que seas más eficiente y no los clips de corrección de color y gradación de color que solo vas a terminar borrando en la edición fina. Y luego finalmente, cuando todos estén contentos, es hora de entregar el producto final. Por favor recuerda que estos son solo lineamientos. Cada proceso, cada equipo, cada profesional involucrado en la producción cambiará el proceso en general. Entonces espero que esta lección no sea enfurecida para quienes quieren un camino específico. Aquí no hay respuesta 100% correcta. Pero lo que no puedo decir, te sugiero que empieces con la narrativa. ¿ Es visual, la voz en off, el diálogo, la música. ¿ Qué impulsa la historia? Empieza con eso primero y luego consigue ese comienzo áspero, medio y final en la línea de tiempo. Si estás acostumbrado a cortar a la música, trató de cortar la escena en seco primero y luego agregar la música después. Si estás extremadamente atascado y no puedes ver a dónde va el proyecto. Intenta buscar música primero, ve a la lección de música y escoge música para tu proyecto. Recuerda que no importa en qué parte del procesador, siempre vas a tener que estar haciendo pequeños ajustes para conectar los elementos juntos y hacerlos sentir cohesivos. Adelante y empieza tu primera edición. Agrega los visuales, agrega la voz en off, pero no salgas demasiado adelante porque en la siguiente lección, vamos a pasar por el proceso de edición de video, que te ayudará con tu edición inicial. 7. El proceso de edición: En esta lección, voy a pasar por mi propio proceso de edición de video y te daré las razones por las que hago ciertas ediciones. Y espero que esto te ayude a mejorar y refinar tu propio proceso. Una gran razón para hacer un corte es simplemente para la historia. Me gustó mucho el tiro revisando el suelo. Entonces tal vez solo empezaremos con el suelo aquí. Entonces ahí vamos. Creo que ya es tiempo suficiente. Tenemos la idea de lo que está pasando realmente, no necesitas tener un clip ir por más tiempo del necesario de inmediato. Ya veo. Está bien. Es una mano bajando en tierra y está frotando el suelo, ves que obtienes el punto del clip bastante rápido. También es genial empezar con esta toma es que es nuestra toma más ancha disponible, por lo que nos da más contextos para la escena. Podemos ver que estamos en esta zona ajardinada. Hay algo de follaje alrededor. Nos da una sensación del medio ambiente. Y en algunos casos, es más importante tener disparos estableciendo que otros. Y en este caso, podría no ser tan importante porque se puede ver claramente el contexto de la escena sin necesidad de tanta información. Otra regla general a la hora de cortar para historia es que normalmente se quiere cortar a una toma que revela algún tipo de información nueva sobre la escena o el personaje o la historia misma. En ocasiones podrías optar por no revelar información que el público quiere. Eso podría ser porque estás tratando de apoyar el tono de tu edición. Entonces eres como una pintura a través con tu lienzo. Esta secuencia selecta y esta secuencia son tus lienzos con todos tus colores. Y solo estás deslizando sobre todos los colores, tratando de averiguar qué clips queremos cortar para probarlos. Podrías mezclar unos clips juntos y no funcionan, pero eso está bien. Simplemente sigues adelante y sigues probando las cosas. Y voy a seguir pasando por este proceso hasta tener toda la historia ruda ensamblada. Ya conozco este anuncio, no va a funcionar bien a menos que recortemos mucho parte de la acción. Entonces eso significa que sólo porque esta mano esté regresando hacia la cámara no significa que tengamos que cortar de nuevo a la mano. Volviendo hacia atrás. Es decir, podrías, pero en este caso, no creo que lo queramos. Creo que queremos tal vez incluso detenernos ahí, hacer una edición rápida. Y entonces comienza la excavación. O sea, creo que eso funciona parejo. Por lo que a esto se le llama continuidad de edición, que es donde los personajes y objetos se encuentran en relación entre sí a lo largo de una secuencia de tomas. En tiro uno corte a SHA2, tenemos continuidad de edición porque la mano de disparo a disparo dos no salta dentro de su espacio físico. Pero en tiro a este tiro tres, cortamos todo un montón de acción por romper la continuidad. Nunca se ve esa mano derecha entrando y empezando a cavar el hoyo. En cambio, cortamos esa acción y cortamos directamente a ambas manos cavando en el agujero. Entonces estamos recortando mucha acción aquí. Si corté la acción lógicamente del punto a al punto B al punto C, audiencias se fueron a entender exactamente lo que está pasando. Y a veces eso es muy importante, pero otras veces eso no lo es. Nuestros cerebros pueden llenar la acción que no vemos la acción que falta. También podemos utilizar la continuidad de edición para llamar la atención sobre ediciones específicas. Entonces en esta breve secuencia aquí, en estos tres cortes, no estoy siguiendo la continuidad de edición. Esto es para tomar decisiones de ritmo y para hacer avanzar la historia rápidamente. Entonces en este corte aquí, elijo seguir la continuidad de edición. No voy a cortar ninguna de la acción. Y creo que llama más la atención a este corte y aquí es donde quiero llamar la atención, que es a la semilla. Vigílalos COMO mi ojo está siguiendo al meñky. Y luego directo al siguiente tiro. Mi ojo ya está en el conjunto la acción de excavación y ya es un suave que ya. Entonces vayamos por aquí, cavando el hoyo. Ni siquiera lo necesitas. Nuevamente, sólo queremos quedarnos en el rodaje mientras necesitemos que el público entienda lo que está pasando. Y no siempre estoy pensando sólo en dónde está algo en el marco y también en qué forma se mueve. Y esta es la razón por la que busco movimiento dentro del marco y por qué un movimiento priorizado dentro del marco de nuestro tiro estático. A mí me gustaría el movimiento aquí, y por eso elegí este disparo sobre el disparo. Entonces básicamente en tratar de hacer es seguir el movimiento de un cuadro a otro. Yo sí intenté crear la edición, justo cuando la semilla estaba regresando en mi mano. Pero ahora estoy tratando de encontrar una manera de que funcione con el movimiento moviéndose de derecha a izquierda. Entonces veamos cómo funciona esto. Algo no está funcionando aquí. No es fluido. También es muy importante recordar que esto requiere experimentación. Esto me llevó un tiempo averiguar cómo conseguir que funcionara el movimiento y el rastro de los ojos y tomó mucha experimentación con diferentes clips. Entonces solo mantente en ello hasta conseguir algo que funcione para ti. Las manos van de derecha a izquierda, girando y también un sigue a través en este tiro de aquí. Cada disparo revela algo nuevo. Este tiro revela esta parte de la semilla. Éste quizá sea más innecesario, pero aún así llegamos a ver un ángulo diferente de la semilla por lo menos. Y luego éste, muestra el tiro más ancho, que básicamente va a conectar de este tiro a plantar la semilla. Entonces ya estoy pensando un paso adelante. Volviendo a cortar por historia. Terminé cortando este tiro aquí porque era redundante. Y a pesar de que mostraba una parte diferente de la semilla, simplemente no fue suficiente para avanzar la historia de manera significativa. Por lo que terminó cortándolo. Otro ejemplo aquí. Cortando de aquí a aquí, sin ningún movimiento, el tiro simplemente se ve demasiado parecido, pero también es lo suficientemente diferente como para que no se vea consistente. Ver el asiento está mirando en este ángulo y luego en este tiro está mirando a este ángulo. Entonces cuando cortas de este disparo a este tiro, el ángulo de la semilla es demasiado diferente y luego se vuelve jarring. Para arreglarlo, solo podemos empezar por tener parte del suelo entrando en marco de inmediato. Entonces no somos Jarred por ese disparo. Nuestra mirada atrapa en el movimiento que entra. Debido a que el suelo cae de manera incremental aquí, quizá podamos hacer algunas ediciones complicadas para que podamos mantener el movimiento en marcha. Eso no funciona. Vamos a intentarlo. Intentemos ir aquí porque toda la semilla, se mueve en este punto. Entonces probemos este corte aquí. Por lo que la semilla se detiene y luego se mueve de nuevo. Eso es, eso es lo que me está fastidiando ahora mismo. Y veo que se detiene y luego vuelve y se va de nuevo. A lo mejor seguiremos ese movimiento aquí. Trata de arreglar eso. Vamos a meterlo en un rato. Probemos esto. Eso podría funcionar. Ahora mismo, es sólo una edición áspera. Definitivamente podemos averiguar cómo solucionar esto, o puedes volver a nuestras selecciones y elegir una toma diferente. Entonces eso es un vistazo a mi proceso al armar una primera edición, una historia de portada, no exagerar mi bienvenida con un clip. Revelando nueva información según sea necesario. Usando la historia para decidir qué clip podría usar a continuación. También pensar en la continuidad de edición es importante para incluir toda la acción de algo a lo largo de una secuencia de tomas. ¿ O podemos cortar la acción? Movimiento dentro de un marco? Puede dibujar el ojo de alguien de un disparo a otro. Considera también el movimiento de objetos físicos dentro de la escena y cómo fluyen de un corte a otro. Algunos de ustedes podrían estar preguntándose, ¿qué pasa con el ritmo y el ritmo? Y sí, eso es importante y eso también lo considero. Cuando estoy editando, eso se vuelve más importante a medida que avanzas con efectos de sonido de voz en off y música, porque eso se suma al ritmo y ritmo generales de la pieza. Si quieres más consejos sobre ritmo y ritmo, he vinculado en las notas de abajo la lección de ritmo y ritmo de mi otra clase sobre técnicas de edición de video. Entonces piensa en estas cosas mientras estás haciendo tu corte. No tienes que hacer todas estas cosas todas a la vez. Durante tu montaje, puedes hacer múltiples pases y enfocarte en cada una de estas cosas individualmente a medida que pasas por cada pase si aún no lo has hecho, sigue adelante y termina tu ensamblaje inicial o corte rudo con imagen y Voiceover. Ahora es un buen momento para agregar música a tu agregado. Entonces en la siguiente lección vamos a hablar de cómo elegir la gran música. 8. Elegir una gran música: Elegir una gran música puede dar vida a tu historia, ayudar en el ritmo y ritmo de tu proyecto, y ayudar a estructurar tu edición en general. Por lo que es importante saber identificar la gran música. Para esta lección, usaré artless para explicar cómo elijo música, puedes usar cualquier proveedor de servicios de música que prefieras. Utilizo principalmente listas de arte y Sonido epidémico. Muchos de estos servicios de suscripción de música te permiten inscribirte en unas pruebas de 30 días. Para que puedas seguir adelante y hacer eso y descargar una pista de marca de agua para usarla en tu propia edición. También he enumerado algunos sitios que puedes usar para música gratuita, que puedes usar para proyectos personales y comerciales. Como siempre. El propósito de la historia que estoy tratando de contar para orientación. Te acuerdas de este diagrama aquí desde menos de tres, el tono es nuestra conexión emocional con el propósito de nuestra historia. Y la música hace un gran trabajo en crear una conexión emocional. Por lo que es tan importante que nos proponemos elegir música que se ajuste al tono de nuestro proyecto y asegurarnos de que sea genial. Queremos lograr un estado de ánimo y un tono inspiradores, y tal vez incluso un poco dramático. Cuando estamos eligiendo música, queremos mantenernos abiertos, descargar pistas que sientas que podrían funcionar. Tal vez no, pero eso está bien. Vamos a elegir más música de la que necesitamos y luego reducirla desde ahí con cualquiera de estos proveedores de música online, la mejor manera de empezar es usar las etiquetas disponibles para reducir tus opciones musicales. No nos preocupa realmente el tema del video ni los instrumentos dentro de la pista. Nos preocupa en su mayoría el estado de ánimo y el género porque el desnudo es el resultado del tono de nuestro proyecto, es como queremos que se sienta nuestro público. Y el género también puede ayudar en nuestro tono pretendido. En lugar de hacer clic en todas estas etiquetas que aplican, como si hiciéramos clic edificante, oh sí, es totalmente épico. T2. Y es potente y emocionante y es feliz y, y es gracioso. Eso no te va a llevar a ninguna parte. Escoger demasiadas etiquetas estrechará demasiado nuestras opciones. Estas opciones simplemente no funcionan para el proyecto en el que estamos trabajando. Tratando de reducir las etiquetas a una o dos o tres máx. Entonces veamos lo que estamos tratando de crear aquí. Entonces creo que va a ser un poco dramático. A lo mejor intentaremos edificar dos. Probemos que al género también ayudará a reducir nuestras opciones. Porque ya sé que esta pieza no va a funcionar bien con música de blues, música rock, sin cantautor, no, no queremos que nuestra voz en off compita con el cantante. Entonces necesitamos música que no tenga cantante en ella. Hip hop, no, vacaciones, no, no significa que estos géneros no funcionen para tu proyecto. Si ves algún género que pueda ajustarse al tono que vas por, seleccionó cinemático. Esta es una gran etiqueta. Selecciona de inmediato. Queremos llevar al público en un viaje. Y cuando haces clic en la etiqueta cinematográfica, te da más opciones musicales que tienen esa historia natural que viaje natural ya en la música. Un comienzo, medio, y final interesante. Y la música te lleva en un viaje por diferentes capas de sonido, instrumentos. Y la canción en su conjunto tiene un tono y un estado de ánimo a ella. Entonces aquí hay un ejemplo de una canción que creo que te lleva de viaje. Y puedes ver que he dividido la canción en segmentos. Y los cortes que he hecho en esta pista son o bien nuevos instrumentos que se están introduciendo, diferentes tipos de ritmo, un tipo diferente de sensación o estado de ánimo. Y cambia de intensidad, incluso un tipo diferente de efecto. Y estoy seguro de que hay otros atributos a la música que los músicos profesionales pueden cifrar, pero así es como rompo una pista como editor. Entonces aquí mismo tenemos un ejemplo de un nuevo instrumento que se está introduciendo, una guitarra y un bajo, violonchelo, creo que no estoy seguro exactamente qué es eso. Este segmento también introduce un nuevo campo y vibra. Y primero tenemos este piano y te da este tipo de cierta sensación y solo una sensación errante para mí. Y luego cuando entra la guitarra y el bajo o lo que sea que sea y casi se sienta más exótico, como si hubiéramos llegado a alguna parte. Esto se puede interpretar de la manera que se desee. Pero es importante que observemos que hay un cambio de tono. Hay un cambio en el estado de ánimo. Aquí te dejamos un ejemplo del cambio de música y el ritmo. Y lo que quiero decir con esto es la cantidad de cuentas jugadas PRE medida. Entonces, ¿no puedes necesitar saber qué es una medida? Basta con escuchar este segmento o la cantidad de beats aumenta. Por lo que se están tocando más notas por medida de este track, que lo hace más interesante. Ese cambio lo hace más impredecible. A continuación te mostramos un ejemplo de cómo los efectos especiales pueden cambiar la música. Toma un escucha esto y ve si puedes oírlo. ¿ Escuchaste eso? ¿ Escuchaste ese sutil cambio de reverberación? La música sonaba como si estuviera más cerca de ti. Y luego el músico alteró la pista al aumentar la reverberación. Le agregó algo de amplitud. Se siente como si hubiéramos llegado a otro lugar nuevo. Por lo que este efecto también se está sumando a la historia que está al tono, se suma al recorrido de este track. Y por último, hay intensidad. Escucha este cambio de intensidad de los lácteos intensos a llamar serina. La intensidad de una pista puede determinarse por cuántos instrumentos se están tocando a la vez, la cantidad de beats en un momento dado, y también lo fuerte que es la parte de la pista. Aquí hay un ejemplo de música que podría tener un propósito en algunos casos, pero en la mayoría de las veces probablemente no usaría música como esta. He roto la pista de la misma manera que lo hice con la anterior. De lo que he notado enseguida fue que no hay cambio en el ritmo. No hay cambio de tono. No hay cambio de intensidad, en realidad, además de la introducción. Los únicos cambios que realmente ocurren en esta canción son o nuevos instrumentos que se están introduciendo o se están quitando instrumentos, y el impar cambio sutil en la progresión de acordes, la falta de estos otros elementos en esta música nos hace rastrear un poco más predecible y no la mejor opción para contar historias. No hay matiz en el tono, se siente como un solo tono todo el tiempo. Aquí un consejo muy útil, mira las formas de onda cuando estás mirando música. Se puede ver de inmediato al comparar ambos ejemplos que las formas de onda son completamente diferentes. Apenas picos y valles en este. En tanto que en este en absoluto, lo mismo. Escucha tus primeras impresiones. ¿ De acuerdo? Todo esto suena también. Si estás obteniendo cierta vibra de la pista, inicialmente, más probable es que otras personas puedan obtener el mismo campo de esa pista también. Expedientes X. Suena como una especie de espectáculo del crimen. Está bien. Esto suena a alguna fantasía. Ahí mismo. Suena como Señor de los Anillos o algo así. Y luego veo la etiqueta de fantasía. No es del todo el género adecuado para nosotros. Esto es algo interesante, bastante dramático. Si se ajusta al tono, vas por ello, genial. Pruébalo. Una forma rápida de agregar tu pista es reproducir el audio en el servicio de suscripción de música que volver a tabular al programa de edición, presionar Reproducir, y tomar una escucha al paciente. No juzgues, cambia de día por la oficina para poner Biblia. Ya ha hecho mucho. Ya veo que está funcionando. Es dramático, está agregando algo a eso. Es en sí mismo. Vamos a salvar a éste. En ocasiones te sorprenderán las pistas que no se sienten del todo bien. Pero entonces cuando los vio al video, podían funcionar. Las células muy dramáticas. Pero por el carajo, sólo vamos a intentar audicionar. Mata el tieback. Sé paciente. No juzgues. Todos los días por el pasillo pescado FUV, pero por las sábanas que has trazado. Y bien, podría funcionar. Permanecer determinado. Oscuridad, Clavey U, lucharás por ver la luz. Yendo a o.Te actualizarás. Está bien. No pensé que esta droga funcionaría en absoluto, pero en realidad, puede, puede, puede muy bien funcionar. Y sobre todo si viste el crescendo ahí, sucedió justo al final de los 29 segundos aproximadamente de todos modos, pero con algunos retoques, probablemente te lo tiempo fuera. Adelante y encuentra algo de música, prueba algunas opciones diferentes. Y cuando añadas la música a tu edición, recuerda, vas a estar reajustando el tiempo de tu edición. Podrías obtener alguna inspiración diferente para la elección musical y eso cambiará la forma en que es tu edición, y eso es genial. Deja que dé forma aún más a tu edición. Recuerda que el proceso de edición está hecho y pasa. Por lo que cada nuevo elemento que añadas a la historia tendrá que integrarse en tu edición actual y tu edición dispuesta a ajustarse y cambiar en consecuencia. Entonces, para recapitular, intenta solo seleccionar unas cuantas etiquetas. Comienza con el género y el estado de ánimo. Identifica la gran música escuchando los cambios en el instrumento, el ritmo, tono, la intensidad y el efecto, y asegúrate de que la pista realmente te mueve de alguna manera emocionalmente. Primeras impresiones del usuario con las pistas. También asegúrate de Ediciarlos. Y cuando tengas dudas, solo pruébalo. No duele. Adelante y busca algo de música para tu propio proyecto. Y en la siguiente lección, vamos a aprender lo que significa editar con propósito. 9. Editar con propósito: Queremos tener en cuenta en todo momento cómo nuestra edición está haciendo sentir al público. ¿ Cómo hace que este corte se sienta al público? ¿ Y éste qué? ¿ De qué manera todos los cortes en tu edición hacen que el público se sienta en general si tienes o no éxito en conectarte con el público, aún necesitas justificar cada edición que hagas. De lo contrario, ¿para qué sirve incluso hacer una edición en primer lugar? Entonces por ejemplo, aquí mismo, cuando el jardinero coloca la semilla en el agujero, ahí mismo, ese corte, Es súper simple, pero también tiene mucho que ver con el propósito general de la pieza que estamos tratando de inspirar, estamos tratando de animar, estamos tratando de crear ese mensaje esperanzador. Y una forma de hacerlo es enfatizar a nuestro personaje héroe, que es la semilla. Es tiro muy centrado el cual puede representar estabilidad. Y también es la primera vez que ves el agujero excavado con sólo la semilla dentro de él. Por lo que pone mucho más énfasis en este momento. También volviendo a la lección sobre el proceso de edición, expliqué qué era la continuidad de edición y cómo utilicé la continuidad de edición en este corte, particularmente para contrastar las otras ediciones que no siguen reglas de continuidad. Y lo hago e intenta crear más sentido con esta edición. También he usado un zoom digital muy sutil para enfatizar. Enfócate más en la escena de él. En el propio paisaje sonórico. He añadido esta explosión, que suena más como un golpe de base. Para enfatizar la gota de una semilla. He aguantado un poco más en el disparo. Por lo que en realidad he tenido que copiar pegar estos fotogramas algunas veces para alargar un poco más el disparo. Permanecer en el tiro cambia el ritmo, agregando un poco más de tensión y drama. Y luego finalmente, tenemos nuestra voz en off, mantente determinado. Mantente decidido, que es el mensaje de nuestra pieza que estamos tratando de alentar o tratar de inspirar. Yo quiero llamar la atención sobre este mensaje. Por lo que es importante el momento de cuándo sale ese VoiceOver. El público para sentirse como si fueran la semilla ellos mismos, están en esa posición. El asiento está totalmente solo en el centro del marco. Sabemos que va a pasar, se va a cubrir. Entonces tal vez haya un poco de ansiedad alrededor de eso, pero el recordatorio de voz, mantente determinado. Sabemos por qué estamos haciendo esto. Sabemos que vamos a pasar por esta transformación. No va a ser fácil, pero hay cosas buenas en el otro extremo. Entonces sé que esto suena un poco ridículo, pero esto siempre me ayuda a hacer una edición y tener una buena razón para la edición que justifica la edición. Tengo una razón. Espero que llegue al público de la manera prevista. Por lo que todas estas razones, utilizando la continuidad de edición que cortó en este momento, la base golpeó el disparo persistente extendido, el día de voz en off determinan el zoom digital. Todas estas ediciones son un intento de hacer que el público se relacione con esta posición, para llamar la atención sobre el propósito de la historia. Mucho del tiempo en que estoy haciendo ediciones, estoy pensando ¿cómo se siente esto? Incluso estoy hablando en voz alta y usando las palabras, siento que este corte está usando estas palabras de sentimiento me pueden ayudar a conectarme con la emoción del corte y me ayudará a justificar mis elecciones de edición, asegurándome de que eso propósito se siente y se ve con cada elección que hago. Es por ello que necesitamos apoyarnos en estas intenciones. Nuestra intención para la edición es ésta. No quiere decir que el público vaya a recibir esa edición de esa manera, pero tienes el poder de justificar tu edición e intentar sacar ese propósito, y tener una mayor capacidad para conectar al público con el propósito general. Otro ejemplo aquí mismo, se sabe que los fundidos se utilizan para crear un paso del tiempo. Sentí que esto disuelto funcionaría lo mejor para este momento, la disolución es una transición suave de las motas de suciedad cayendo partido disolviéndose a las gotitas de agua, la suciedad y el agua se contrasta entre sí y ambos tienen significados diferentes. El público puede crear el significado que quieren de eso y puede ser sutil. Puede que ni siquiera sea tan obvio. Pero la idea es que tenía eso en mente para justificar el recorte. Intento demostrar que con el tiempo, las motas de suciedad, la suciedad que está cubriendo la semilla eventualmente se convertirá en agua nutritiva, lo que representa la esperanza. La esperanza que te lleva a través de los profundos tiempos oscuros. Agárrate a la esperanza. Una vez que escuchas la palabra esperanza, ahí es cuando puedes ver el agua completamente visible. No hay cambio de opacidad porque realmente quería enfatizar la esperanza de la situación en ese momento. Agárrate a la esperanza. También decidí amplificar el ruido de la lluvia para enfatizar más ese simbolismo. He intentado por cada edición justificar mis razones para hacer el corte. He tratado de hacer que cada edición se adapte al propósito a través de la emoción. No todas las ediciones van a funcionar de esa manera, pero lo he intentado, esto son sólo algunos ejemplos de mi edición. ¿ Y quién sabe? A lo mejor has interpretado de una manera completamente diferente. Eso está bien. Todo lo que realmente importa es que cada edición que hagas necesita estar justificada. Siempre estás tratando de pensar cómo se va a sentir el público en ese momento. Y si está sirviendo el propósito de tu proyecto. Y entonces lo que es genial es cuando alguien más revisa tu proyecto, puede confirmar si tu tono pretendido está atravesando o no. El propósito de tu Edit siempre debe estar a la vanguardia de tu mente. Piensa en tu propia edición y cómo has creado significado con cada corte o grupo de cortes, podría significar que estás haciendo cortes para que otro corte tenga sentido. Este es también el arte de la edición y lleva tiempo y práctica. Esto es lo que realmente me emociona editar en general. Diviértete creando propósito con tu edición. Y recuerda, puedes hacer sentido con cada edición que hagas. En la siguiente lección, nos sumergiremos en la mezcla de audio. 10. Pautas para mezclar el audio: En esta lección, vamos a pasar por algunas pautas generales de mezcla de audio. Entender este proceso ayudará a mejorar la calidad de tu paisaje sonoro. El objetivo de un paisaje sonoro es atraer al público a la historia y para tener éxito en esto, el paisaje sonoro necesita realzar la edición. Deshazte de todas las distracciones posibles. Eso significa principalmente limpiar todos los clics y pops. Para mí, Se ha convertido en un hábito agregar desvanecimientos de audio de dos milisegundos a los ins y outs de cada pieza de audio. Hacer esto creará rápidamente transiciones fluidas a tu audio. Voy a repasar unas pautas realmente generales sobre los niveles de audio aquí. Entonces toma esto con un grano de sal. Necesitas usar tus oídos. Y por cada proyecto Va a ser diferente. Este proyecto, en mi opinión, está mezclado un poco más caliente que otros, lo que significa que estoy tirando mi audio más cerca del pico máximo, que no hago por cada proyecto. Otra cosa a tener en cuenta, no alcances más allá de 0 decibelios o distorsionarás tu audio porque la voz es tan integral de nuestra historia, Es muy importante que escuchemos la voz en off con claridad, nítida, no amortiguada, conciso. Entonces, pase lo que pase, vamos a asegurarnos de que la voz sobre sea clara por encima de la música y los efectos de sonido. No juzgues, cada día por la joyería de pescado del salón, me gusta mantener mi voz sobre espiando de menos 12 a menos 6. Hay momentos en los que puede llegar a alcanzar hasta menos tres, pero no va más allá de eso. Punta rápida, utiliza el compresor multibanda con un preset de difusión. Esto comprime el audio, dando a la voz en off un sonido más parejo, enfatiza frecuencias particulares en la voz y concentra el sonido de la voz sobre, haciéndolo más punzón y nítido y claro. Esto también te permite activar un poco más tus efectos de música y sonido sin perder la claridad de voz en off dentro de la mezcla. Además, cuando estés aplicando efectos de múltiples clips de audio, prueba a usar el mezclador de pistas de audio de esta manera, si haces ajustes, puedes realizarlos en todos tus clips a la vez, en lugar de tener que seleccionar cada clip de audio individual en un tiempo. Lo que me encanta es que estos son lineamientos, así que no necesariamente tienes que apegarte a esto, sobre todo si tu historia lo pide. Me encantó el show mind Hunter, y sobre todo me pareció que su elección para mantener la voz es más baja que la música en estas escenas de bar cautivadoras, verdad tienes que escuchar. Y si estuvieras en este lugar en la vida real con una banda en vivo tocando, probablemente no serías capaz de escuchar a la otra persona que bien sobre la música. Entonces me gusta cómo usan eso para contar la historia y para que se sienta más real. Pero lo que también hicieron fue agregar subtítulos. No tener subtítulos permite que el público pueda leer lo que está diciendo. Si no captan las palabras reales de lo que están diciendo, es que les permite mantener las elecciones de mezcla orientadas hacia el realismo de la historia. Esta es solo mi opinión, pero echa un vistazo a estas escenas cuando tengas oportunidad. A diferencia de esas escenas específicamente mezcladas en el cazador de mentes, la compleja historia y visuales de inquilino requiere de tu atención completa. Entiendo que Christopher Nolan quería dar al público y experiencia inmersiva y realmente cree en el cine. Entonces esta película estaba destinada a ser vista en los cines, y no tuve oportunidad de ver en los cines, así que tuve que ver en la televisión. Y encontré que parte del diálogo era difícil de entender sobre la música en auge y el alto rango dinámico me hacen subir el audio durante los momentos tranquilos y bajarlo durante los momentos fuertes. Eventualmente, opté por ver con subtítulos, que también compitieron con los visuales complejos. Y se hizo más difícil seguir la historia, que terminó por sacarme de la experiencia. Posteriormente decidí verlos escenas, los auriculares encendidos y la mezcla fue increíble en mis auriculares. Entonces, ¿cuál es la moral de la historia aquí? A pesar de que la mayoría de las películas y programas de televisión mantienen las voces claras por encima del resto del audio, no siempre tienes que seguir las reglas, pero también debes considerar dónde y cómo se verá tu edición. Tan solo asegúrate de que encuentres ese medio feliz que se adapte a la historia sin frustrar a tu público. Para efectos de sonido, apuntaré a que los niveles estén alcanzando su máximo de alrededor menos 20 a menos ocho. Y algunos efectos incluso pueden ir a menos tres. Ese es el objetivo para mí con sonido, es complementar la edición y acercar al público más profundamente a la acción y a la historia. En la siguiente lección, voy a pasar por algunos consejos más sobre efectos de sonido, ya que es una parte enorme de un gran paisaje sonoro sonoro. A la música les gusta los efectos de sonido, también, lo adivinaste. Necesita atraer al público a la historia. Y lo que realmente hace la música es realzar el tono del proyecto. Apuntaré esquió mi música alcanzando un pico entre menos 20 decibelios a menos 10 decibelios. Y en algunos casos la música e incluso llegan a menos tres decibelios. Si la historia lo pide, la música servirá en su mayoría para equilibrar los momentos entre nuestra voz en off y llevará a nuestro público hasta el final de la pieza. Cuando las voces en off se presentan, tiendo a agitar o sumergir la música para mantener clara la voz en off. Cada día al lado del salón joyas de pescado, dependiendo de la escena, es posible que tengas que agacharte o sumergirte con más frecuencia que no, cuando tienes momentos sin voz en off o efectos de sonido y música competitivos y hacer un gran trabajo para llenar el vacío. Si dejamos un momento MC o donde no hay diálogo ni efectos de sonido, puede sonar como si se cometiera un error en la mezcla. Ahora esto no quiere decir que no puedas tener momentos tranquilos en tu música, solo apunta a ser intencional al respecto. Entonces en esta parte de la mezcla, quiero que sumerja la música para enfatizar la lluvia, que simboliza la esperanza. Entonces en este caso, poco a poco sumergiré la música hacia abajo para guiar al oyente desde la música hasta el sonido cada vez mayor de la lluvia. Entonces aquí hay un recapitulación. Usa fundidos de audio para alejarte de cualquier clics o pop en tu audio. La voz debe ser limpia y clara, entendida sobre otros sonidos. Apunta a mantener tu diálogo alrededor de menos 12 a menos seis decibelios. Prueba a usar el compresor multibanda. Es una gran manera de llevar tu voz al siguiente nivel de forma rápida y sencilla. Los efectos de sonido son generalmente para mí, alrededor de menos 20 a menos ocho decibelios. Nuevamente, complementan la edición, atraen al público a la acción, enfatizan ciertos momentos de historia. El musica alrededor menos 20 decibelios a menos 10 decibelios. Música y realmente benefician el tono de tu pieza. Queremos que cada elemento de audio, diálogo, efectos de sonido, música, todo se halle entre sí y la edición en general. Entonces en la siguiente lección, vamos a hablar todo sobre los efectos de sonido en nuestro paisaje sonoro. 11. Crea un paisaje sonoro cautivador: Similar a la música, los efectos de sonido pueden arrastrar al público a la acción que está sucediendo en la pantalla. Por lo que es importante saber qué efectos de sonido elegir y cómo alterarlos para que se adapten a tu historia. El modo en que me gusta acercarme al proceso de selección de efectos de sonido. Pasar por mi secuencia, identificar dónde podrían caber los efectos de sonido y qué tipo de sonido podría funcionar con la acción. El modo en que hago esto es simplemente colocar marcadores y escribir todas las ideas de efectos de sonido que tengo para cualquier punto en particular de la línea de tiempo. La proximidad de la cámara a un personaje u objeto alterará la calidad del sonido, la sonoridad y la elección del sonido. Por lo que en este disparo desde la distancia, vemos que la cabeza se frota contra la suciedad. Y en lugar de escuchar los ruidos de suciedad porque está tan lejos, el ambiente de la escena dominará eso. lo que se puede escuchar en este ejemplo, he optado por amplificarlo, los pájaros y el ambiente en lugar de la suciedad. En una toma como esta, donde estamos más cerca del sujeto, tenemos un poco más de libertad y arrancando ese audio. Incluso tuve la idea de que me vendría bien algo como construir efectos de sonido de escombros o como un tobogán de roca o algo así. Los sonidos no necesariamente todos necesitan sonar realistas. Simplemente necesitan sonar adecuados para la acción, la escena, y la historia general. Usar un efecto de sonido que puede no ser realista para la escena, sobresaldrá más y puede ser útil cuando intentas llamar la atención sobre ciertos momentos de la historia. Esperemos que estos momentos atraigan al público más profundamente en la historia y en su significado. Usa eso para averiguar qué partes de la historia quieres enfatizar. Toma una escucha a este paisaje sonoro que he creado. He silenciado la música y la voz para que realmente puedas escuchar los efectos de sonido. Qué papel juegan en el propósito de la historia. Sé que todos tendrán una idea diferente. Qué tipo de paisajes sonoros les suena bien y lo que prefieren. Pero mi intención con el paisaje sonoro fue usar una variedad de efectos sonoros para llamar la atención sobre nuestro héroe, que es la semilla, utilicé una variedad de hits, deseos, impactos para amplificar los movimientos de la semilla. Enfatiza el cubrimiento de este equipo con la suciedad. Hazlo sonar un poco más aterrador. Anillo Boone. Llamar la atención sobre el alimento del agua, la lluvia, y tener esa transición hacia los pájaros cantando de nuevo, lo que está destinado a mostrar la vida de la semilla, el futuro de la misma. Entonces todo se trata de la historia de la semilla, todo sobre el propósito de esa semilla. Solo estoy enfatizando esos momentos y pensando en cómo puedo llamar la atención sobre el propósito de este proyecto? Es muy importante conseguir un paisaje sonoro completo. Y realmente a lo que esto se reduce es utilizar una gama completa de frecuencias, baja frecuencia y sonidos de alta frecuencia. Y puedes hacer esto agrupando múltiples efectos de sonido juntos que o bien cuentan con frecuencias altas son bajas frecuencias, o puedes manipular la frecuencia usando un filtro. Hacer esto agregando múltiples capas de efectos de sonido es en realidad bastante simple. Buscaré un efecto de sonido que funcione y que cuente con altas frecuencias. Y luego también miraré hacia efectos de sonido de menor frecuencia que funcionarán para la misma acción también. En este segmento aquí, he usado una combinación de sonidos de alta frecuencia y sonidos de baja frecuencia. El George rociando sonido de alta frecuencia. El cepillado de las manos entre sí incluye una combinación de frecuencias de alta frecuencia y medias altas. Aquí hay una frecuencia más baja. Por último, he añadido un par de efectos de sonido whoosh para resaltar el corte del negro a las manos cepillándose juntas, aquí tenemos un deseo de media alta frecuencia. Y este lavado profundo y empuje cubriendo nuestras bajas frecuencias. Y entonces otra vez, todos esos efectos de sonido se machacaron juntos. Volvamos a la suciedad que cae sobre esta porción semilla de la edición para poder mostrarte cómo suena esta parte sin ningún ajuste de frecuencia. Antes de aplicar algún efecto, era un poco un lío de sonidos. Y después de ajustar las frecuencias, así es como suena. Usaré este segmento corto con dos efectos de sonido diferentes para ilustrar cómo manipular frecuencias. En este caso, vamos a silenciar nuestra segunda pista. Hagamos una escucha a este primer tema aquí para que sea sencillo. Nuestra pista superior será de alta frecuencia y nuestra pista baja será de baja frecuencia. Y ya tenemos mucha de esa alta frecuencia en este efecto sonoro. Entonces no lo voy a ajustar para nada. Hagamos una escucha a la segunda pista de audio ahora. Por lo que ya puedes escuchar que suena muy alta frecuencia. Es un cumplido, el efecto de sonido de alta frecuencia en la primera capa, queremos sacar un poco más de los sonidos de baja frecuencia en esta. Entonces para ello, voy a usar el ecualizador paramétrico, que es un filtro de efectos de audio. Cualquier control de efectos ecualizadores paramétricos de cola edita el efecto. Y podemos leer esto de izquierda a derecha y el lado izquierdo tenemos nuestros sonidos de baja frecuencia, y el lado derecho tenemos sonidos de alta frecuencia. Cuando lo reproducimos, se pueden ver todos los sonidos de baja frecuencia de este lado y los sonidos de alta frecuencia de este lado aquí. Aquí se enfatizan bastante más sonidos de alta frecuencia. Y lo que me gusta del ecualizador paramétrico es que se puede conseguir muy específico con diferentes frecuencias. Y hay un montón de cosas que puedes hacer con esto. Pero debido a que sólo nos estamos centrando en tratar de crear frecuencias bajas y altas, simplemente podemos desactivar todos estos intervalos aquí. mantenimiento solo son notas de alta y baja frecuencia. Si solo haces clic y arrastras uno de estos puntos, no puedes ir más allá de menos 15 dB ni pasar el extremo bajo o el extremo alto en escala de daño. Por lo que una forma de ir más allá de eso es usar los deslizadores numérico-numéticos. Y vamos a bajar por completo esa alta frecuencia. Y vamos a subir esa baja frecuencia, agradable y alta. Por lo que sólo estamos captando esta parte de las frecuencias aquí. Entonces vamos a escuchar esto. Ya. Se puede escuchar, estoy captando mucho más de los sonidos de baja frecuencia. Pero creo que hasta quiero empujar esto un poco más. Y ajustemos eso un poco más. Cortaremos incluso estas frecuencias también y solo enfocaremos en las bajas, bajas. A pesar de que, conseguirías un bonito campo base e a ello. Y ahora cuando combinamos nuestro efecto de sonido de alta frecuencia y nuestro efecto de sonido de baja frecuencia, obtenemos un bonito rango completo de frecuencias y nuestros sonidos. Y eso es lo que he hecho con todos los efectos de sonido. He escogido frecuencias altas y bajas. Y he usado esas frecuencias para crear un paisaje sonoro más completo. Por lo que para recapitular, al buscar efectos de sonido, considero la proximidad del sonido a la cámara. Cuando estés más alejado de la acción, quizá el ambiente pueda hacerse cargo. Si estás más cerca de la acción, definitivamente tienes más libertad y creando sonidos que podrían no ser tan realistas para la acción, pero sonarán adecuados para la escena. Y de hecho, es más importante encontrar hechos que suenan derecho a la acción o a la escena en la historia en lugar de sonar precisos. Esto también se aplica al propósito de nuestra historia. El efecto de deslizamiento de roca podría no ser preciso para nuestra escena, pero me suena bien y funciona con la historia. Y por último, es tan importante apuntar a crear un sonido completo, crear una cama musical con efectos de sonido de baja frecuencia y efectos de sonido de alta frecuencia. Y asegúrate de que también estás usando un efecto de frecuencia como el ecualizador paramétrico para lograr el sonido que deseas. Toma estos consejos e ideas y diviértete creando tu propio paisaje sonoro. En la siguiente lección, discutiremos los estándares de sonoridad. 12. Normas del volumen: Después de haber logrado una mezcla completa, siguiendo nuestras pautas generales de mezcla de audio, es hora de hacer algunos ajustes finales para asegurar que nuestra sonoridad sea que un nivel apropiado para su plataforma prevista o usando el Radar de Sonoridad, podemos medir la sonoridad promedio de toda nuestra edición. Esto es importante porque nos da la información que necesitamos para asegurarnos de que la sonoridad de nuestra edición es donde queremos que esté a la hora de salir para broadcast web o cine, apegarse a un estándar es una gran manera desarrollar un sistema que se podía seguir cada vez. Por lo que cada una de sus ediciones sigue siendo consistente. Para usar el latín rendirla, abre el mezclador de pistas de audio y vamos a aplicar el efecto a nuestra pista maestra. Y por supuesto, la pista maestra es donde todos son audio es salida 2. Por lo que cualquier cosa que se aplique aquí se aplicará a cada pista de audio. Ir a Special click Loudness Radar escribió cuando hacemos clic derecho y editamos, se abrirá y verás este radar de fantasía. Enseguida. Aquí puedes ver que tenemos una lista de presets, que es un gran lugar para empezar dependiendo de dónde vaya a vivir tu edición eventualmente, será el factor determinante de qué ajustes necesitas marcar. Diferentes emisoras tienen diferentes requisitos de sonoridad y picos. Y cuando estás entregando activos, una emisora generalmente tendrá algún tipo de hoja de especificaciones detallando todo lo que necesitas para proporcionarles. Y esto incluye requisitos de sonoridad también. El estándar de sonoridad se mide en amores I'll UFS, que es unidades de sonoridad, escala completa o alce AFS sonoridad K ponderado en relación a amores a escala completa y LCF S son esencialmente lo mismo. Ambos se miden en escala absoluta y ambos son iguales a uno. Echemos un vistazo a estos presets. Contamos con ATSC, que se usa comúnmente en Norteamérica. Si hacemos clic en Ajustes aquí, veremos los cambios que se están aplicando junto con sus presets. Y también puedes ver aquí que la sonoridad objetivo es menos 23 ALK AFS. Aquí tenemos los estándares europeos de radiodifusión. sonoridad objetivo es menos 23 Elliot de S, Así que un poco más fuerte. Y entonces aquí tenemos el TRB 32, que son los estándares de emisión japoneses. Y eso también está en menos 24 alces AFS. Y entonces tenemos Cine, que es menos 24. La medición de la sonoridad es diferente a la medición de picos. Tus medidores de audio es lo que mide picos, tu pico de audio. En tanto que el radar más fuerte mide los niveles promedio. Para la web, la directriz general es atenerse a menos 16 LK IFS utilizará el preset ATSC para nuestro punto de partida. Y esto es para los estándares de radiodifusión de Norteamérica. Haga clic y arrastre el deslizador hacia abajo hasta menos seis. Y cambiaremos la velocidad de nuestro radar a un minuto. Y la razón de eso es porque nuestro proyecto está solo alrededor de 40 segundos más o menos. Por lo que la velocidad del radar es lo que determina cuánto se mostrará en nuestro radar. Y también toma nuestro indicador de pico y arrastra eso hasta 0 decibelios porque para la web, simplemente no queremos que pase de pico 0. No hay requisito general de cuál debe ser el pico máximo. Sé paciente. No juzgues a cada uno. De acuerdo, entonces estamos bastante ruidosos. Estamos en menos 14. Tampoco noté ningún pico. El indicador de pico se iluminará si los picos van más allá de lo que has dicho, el indicador de pico 2. Entonces ya que está configurado en 0, nada es pico paths 0, por lo que no nos arriesgaremos a ninguna distorsión. Lo que es genial de este Radar de Loudness es que nos da una representación visual de la sonoridad. Y podemos ver que es bastante consistente. Pero entonces por aquí se pone un poco más fuerte. Por lo que puedo volver a la mezcla y tratar de conseguir más de una sonoridad uniforme en todo. Ahora nuestro objetivo es darnos un menos seis OK AFS. Y la forma de hacerlo es, bueno, hay un montón de maneras diferentes en las que podríamos hacer esto. Pero usaría el limitador duro. Y la razón por la cual es porque el limitador duro hace dos cosas diferentes. Vamos a dar click en ello. Una, limita el audio. Entonces estás garantizando que el audio no va a ir más allá de un cierto límite que estableces. Y también puedes cambiar el impulso de entrada, lo que aumentará el audio general o disminuirá el audio general usando este deslizador. Entonces si tienes audio que no es lo suficientemente ruidoso, puedes potenciarlo en cierta cantidad de decibelios para llegar a ese nivel al que quieres llegar. Pero en nuestro caso, tenemos que bajarlo en cierta cantidad de decibelios. Entonces si quieres que esto pase a menos 16 decibelios, necesitamos reducir esto en 1.4 decibelios. Por lo que haga clic derecho en el limitador duro y bajará el impulso de entrada en 1.4 decibelios. Y también vamos a cambiar esto de pico a pico. Y la razón por la cual es porque el verdadero pico es donde llegará el nivel máximo de nuestra señal de audio. No puede ir más allá de lo que señalamos aquí en esta escalera. Si dice un pico verdadero y el pico verdadero es como un pico, pero desde mi entendimiento, es más preciso y no estoy seguro exactamente por qué necesitamos pico y pico verdadero y no solo tener pico verdadero. Pero así es como es. Básicamente si vas a usar pico, todavía estás arriesgando la posibilidad de que algunos picos pícaros pasen por encima de tu límite establecido. No importa lo que bloquee cualquier señal para que pase el límite establecido. Y en nuestro caso eso es menos 0.1 decibelios. Voy a correr el radar una vez más, reiniciarlo, y vamos a ver dónde aterrizamos. Boom, ahí vamos. Estamos en sonoridad de programa menos 16. solo procesamiento de nuestro audio usando el limitador duro nos llevará el resto del camino hasta allí. Ahora finjamos que esto fue transmitido. ¿ Qué haríamos? He descargado especificaciones de CBC. Yo soy de Canadá. Entonces imaginando que entregamos algo para CBC. Y aquí conseguimos este enorme documento lleno de especificaciones técnicas que pudimos seguir y que se incluye en eso es nuestro audio. Y mira eso, tenemos sonoridad de audio aquí mismo. Dice aquí mismo menos 20 decibelios verdadero pico máximo. Entonces eso significa que no podemos ir más allá de minús2. Entonces volvamos a nuestra configuración. Podemos establecer este indicador de pico ahora 2 menos 2 dDNTP. Entonces esto nos mostrará para Pekín pasado minos2, un programa sonoridad de menos 24 alces AFS y un plus menos 2 ALU significa que podríamos estar dentro de dos unidades de sonoridad de menos 24 LK IFS, pero no es problema. Podemos golpear a Minus 24. Volvamos a poner esto de nuevo a menos 24. Nuestro radar ha cambiado, por lo que ahora está fuera de los límites de lo que necesitamos para la transmisión. Ya que hemos balanceado nuestro audio desde menos 16, solo podemos volver directamente a nuestro limitador duro. Tenemos el pico verdadero seleccionado y pondremos esto minos2 porque no queremos que pase menos 20 dB TP. Y bajaremos nuestro impulso de entrada otros ocho puntos decimales. Si bajamos esto en otros ocho, deberíamos estar abajo a menos 24. Entonces, ¿qué es eso? Eso es menos 9.4. Ahora es radar esto. Y ahí no has leído menos 24 alces AFS y nada está alcanzando su máximo pasado minos2 dDNTP. Entonces, para recapitular, medir sonoridad es diferente a medir picos. El medidor de audio mide picos, mientras que el radar de sonoridad mide los niveles promedio. Para la web. Puedes apegarte a un objetivo de sonoridad menos 16, pero solo asegúrate de no estar alcanzando el máximo 0 para la transmisión. Y refiérase a la hoja de especificaciones técnicas de cualquier emisora que esté entregando su proyecto final 2. Y en nuestro ejemplo nos pegamos a menos 24 ALK AFS y menos 20 dB TP. El verdadero pico es la versión más precisa de Peek. Usa el pico verdadero para asegurarte de que no vas más allá de lo que sea el límite. Utilizamos el limitador duro porque limita tu audio y también te permite ajustar la ganancia general de salida usando la escalera de potenciadores de entrada. Entonces si estás demasiado caliente, rechazado un poco para llegar a esa sonoridad objetivo. Y si estás demasiado callado, agícalo para que puedas volver a esa sonoridad objetivo. Si estás viendo mucha variación en tu medidor de sonoridad oro de nuevo en tu mezcla y asegúrate de que todo esté sonando bien y no esté alcanzando el máximo. Y está dentro de las pautas generales de mezcla de audio desde menos de 10. Gran trabajo. Hemos completado la parte de audio de esta clase. A continuación vamos a hablar de corrección de color o cómo lograr un brillo y contraste precisos. 13. Ajustar el brillo y el contraste: Antes de añadir un look a tu metraje, es importante que obtengamos los niveles de luminancia adecuados. Entonces en esta lección, nos vamos a centrar en cómo lograr un brillo y contraste precisos. Al comenzar la corrección primaria de color, necesitamos algunas herramientas de corrección de color, Lumetri Color y nuestros alcances. Si no tienes estos paneles abiertos, ve a Ventana, Lumetri Color y limita tus alcances, que se encuentra aquí mismo. Cuando el panel Lumetri está abierto, la selección sigue. La opción Play head estará habilitada dondequiera que esté tu cabeza de juego, seleccionará automáticamente el clip del que está encima. No soy un gran fan de esto. Entonces iré a la secuencia. Desseleccionar Selección Sigue play head, y ahí lo tienes. Ahora ya no es seleccionar automáticamente el clip. Ahora echemos un vistazo a nuestros alcances. Por lo que aquí tenemos una gama de alcances. Los alcances están aquí para ayudarnos, uh, medir los valores de iluminancia, color y saturación dentro de nuestra imagen. Ahora no nos abrumemos demasiado aquí. Simplemente anular la selección de todos estos excepto la forma de onda. Y todo lo que estoy haciendo es hacer clic derecho en la ventana de los alcances de Lumetri para obtener este menú. También puede hacer clic en esta pequeña llave para subir este menú. Así que asegúrate de que solo tienes seleccionada la forma de onda. Y vamos a cambiar el tipo de forma de onda a Luma porque el primer paso en el proceso de corrección de color es obtener niveles de luminancia precisos. Y cuando seleccionamos nuestra forma de onda para que sea luma, solo estamos midiendo el brillo de la imagen. No hay valores de color. Todas estas pequeñas partículas blancas aquí en el monitor de forma de onda corresponden a los valores de luminancia de nuestra imagen. Entonces esta banda de aquí es la suciedad. El sucio llena la mayor parte del marco y eso está sentado entre diez a 20 IRI. Entonces, ¿qué crees que es esto? Aquí mismo, ¿esta zona? Bueno, esa es esta hoja. Esta hoja está sentada entre 20 a 50 IRE. Y luego se puede ver este follaje más oscuro, que está en esta zona aquí. ¿ Y qué crees que es esto? En nuestra mano? Y cuando lo reproducimos, se puede ver que es un poco como animar estas partículas mientras la mano se mueve. Una forma realmente fácil de identificar qué parte de la imagen corresponde a qué parte de la forma de onda es ir a tus Effects Controls. Seleccione una Máscara. Vuelve a tus Scopes Lumetri, y luego puedes hacer clic y arrastrar la máscara sobre la imagen solo están viendo porciones que están enmascaradas. Entonces sí, ahí está nuestra hoja, ahí está el follaje más oscuro. Y luego está nuestra mano. Ahí está nuestro tono de piel yendo todo el camino por ahí. Esto va a ser muy útil cuando estamos tratando de conseguir que todos los elementos con nuestra imagen a la luminancia adecuada. Si eres nuevo en leer formas de onda, pasa por el resto de los clips e intenta identificar qué valores corresponden a qué partes de la imagen. Y luego agarra tu máscara y descubre lo cerca que estabas para ser incorrecto. Lo que me gusta usar como referencia para niveles de luminancia precisos es el Sistema de Zona. Esto fue creado por hansel Adams y Fred Archer para determinar la exposición y el desarrollo óptimos de la película. Es para fotografía impresa en blanco y negro, pero también uso esto como referencia para cuando expongo para video y en postproducción al configurar mis deslizadores de exposición. Por lo que el 0 a diez en el sistema de zona puede corresponder a 0 a 100 en nuestra escala IRE. Echemos un vistazo a esto y emparejarlo más o menos con el sistema de zona. Y por supuesto todavía tienes al usuario me detuve lo determinado bajo estas circunstancias, bajo estas condiciones de iluminación con estos elementos en el marco se ven así. Entonces estoy empujando y tirando deslizadores hasta que las cosas están aterrizando tipo de en las áreas correctas. Se puede ver que estoy empezando con mi contraste y poco a poco estoy trayendo mis reflejos y mis sombras a los valores de luminancia correctos. Entonces la forma de onda empieza a expandirse un poco y no estoy tratando de aplastar el detalle en las sombras, ni estoy tratando de recortar los reflejos. Se trata de retener tanta información en la imagen como puedas. Podría ser tentado a bajar las sombras por la suciedad porque agrega más contraste y naturalmente eso agrega más ponche. Y es un poco satisfactorio ver una imagen de alto contraste, pero evita hacer eso en esta etapa. Trata de conseguir esa suciedad al nivel correcto, lo que significa que no estás aplastando las sombras sólo porque la suciedad es oscura. No quiere decir que tenga que estar en 0 IRE. Entonces tiraré una máscara aquí, comprobaré los valores, comprobaré los tonos de piel. Los tonos de piel se ven un poco calientes, así que los tiraré un poco hacia atrás a la zona de aterrizaje 6 aproximadamente. Y los aspectos más destacados de los tonos de piel podrían empujar posiblemente en la Zona 7. Y cuando son tonos de piel en el marco, normalmente estoy priorizando primero los niveles de los tonos de piel, y esa es otra forma de determinar cuál es el nivel del mar, mirando los tonos de piel dentro del marco. Y a veces solo monitorearé los niveles de los tonos de piel y dejaré que todo lo demás caiga donde un macho alrededor de eso, el rango dinámico de los tonos de piel en esta toma es muy amplio. Va de 10 IRI todo el camino a 70 IRE. Entonces en este caso, y en la mayoría de los casos, estoy mirando los aspectos más destacados de la piel y acercando los niveles hasta donde deben estar los reflejos. Como editor, vas a estar corrigiendo muchos tipos diferentes de tonos de piel. Y vienen en una amplia gama de iluminancia y diferentes situaciones de iluminación. Entonces muchas veces estoy usando estas pautas, pero también me estoy preguntando, ¿esto se ve natural dadas las condiciones de iluminación? ¿ Se ve esto realista a la historia y al mundo en el que estamos viviendo? Nuevamente, en la fase de luminancia, todo lo que estamos tratando de hacer es obtener brillo y contraste precisos en cada una de nuestras tomas para que luzcan consistentes en todo. Siempre se puede cambiar entre cada fotograma para comprobar los ajustes. Pero usar la vista de comparación es una manera mucho más fácil de asegurarse de que todo esté igualando. Para ello, comprueba en la pestaña Ruedas de color y Match. Selecciona nuestro clip. Por lo que queremos emparejar este clip con nuestro primero. Haga clic en vista de comparación. Y conseguirás ambos clips uno al lado del otro. Otra forma rápida y fácil de obtener la vista de comparación es ir a su editor de botones aquí mismo. La vista de comparación es este ícono aquí, haz clic y arrastra a tu barra de botones y estás todo bien para ir. Bueno, me encanta sobre todo la vista de comparación es que también se pueden comparar alcances. Entonces obtienes una visión muy clara de, de acuerdo, sombras más audaces no se alinean del todo aquí. Por lo que es bastante fácil entrar y alterar algunas cosas. Y entonces nuestros aspectos destacados se ven un poco más calientes. Y este marco en comparación con nuestro marco de la izquierda, y prefiero un poco los reflejos del tono general de la piel aquí que lo hago aquí. Entonces tal vez sólo bajaré estos un poco. Entonces bajaré los aspectos más destacados. Hasta bajaré la exposición solo, sólo un poco. Y de nuevo, solo estoy ajustando mis deslizadores hasta conseguir un nivel general que coincida con nuestro primer disparo. Por lo que parece que tenemos una comparación más similar de marcos. Luminancia sabia. Este es un marco más frío que éste. Los niveles de luminancia casi pueden verse diferentes en cada marco. Pero una vez que ajustes tu balance de blancos y tonalidad y saturación en la siguiente lección, los disparos se verán mucho más uniformes en cuanto a luminancia. Por eso es tan importante confiar siempre en tus alcances. Normalmente estoy corrigiendo luminancia y color al mismo tiempo. Si quieres seguir adelante y hacer eso, puedes hacerlo después de ver la siguiente lección. Pero por todos los medios, si quieres pasar por cada clip y ajustar primero la luminancia, es una gran práctica y es una gran manera de enfocarte en un aspecto de la corrección de color a la vez. Por lo que para recapitular, el usuario monitor de forma de onda para ajustar los valores de luminancia a sus niveles precisos. Usa una máscara para obtener una lectura más precisa de tus niveles de luminancia. El sistema de zona es una gran referencia a la hora de ajustar los niveles de iluminancia. Pero recuerda, usa tu mejor juicio en cuanto a lo que se ve bien, lo que se ve real, lo que se ve natural, y no te olvides de las condiciones de iluminación que lo cambia todo. En algunos casos, es más importante que cada clip sea consistente a lo largo de toda la secuencia. Tener una base consistente hará que el proceso de nivelación del color o agregar un look sea mucho más fácil. Entonces si decides que tus reflejos de tono de piel van a estar en 70 IRE, asegúrate de que los reflejos de los tonos de piel en cada cuadro terminen siendo alrededor de 70 IRE. Y también recuerden que sólo estamos tratando de retener la mayor cantidad de información posible. No caigas en la trampa de tirar de tus sombras hasta el 0 y tus reflejos hasta el 100. A menos que por supuesto tengas negro puro o blanco puro dentro del marco. Si el objetivo es mantener tanto detalle en las sombras y los reflejos como sea posible. Vamos a la siguiente lección donde vamos a corregir nuestros colores. 14. Ajustar el color: Ahora que hemos logrado niveles de iluminación adecuados, es hora de enfocarnos en la precisión del color. Conseguir una base precisa de color nos dará un buen lugar para empezar al agregar mando a distancia. Corregir el color también es parte de nuestro proceso de corrección de color primario. Y para eso, necesitamos echar un vistazo al alcance vectorial. Desde la última lección hemos utilizado el monitor de forma de onda. Entonces solo deja que el alcance vectorial, puedes usar la llave inglesa o hacer clic derecho en la ventana Lumetri y seleccionar Vector Scope YUV. Y vamos a desseleccionar una luma de forma de onda, por lo que obtenemos una visión más grande del alcance vectorial. El alcance vectorial nos muestra diferentes tonalidades y lo saturados que están esos tonos, los colores representados por estas cajas y letras conectadas por esta línea delimitadora aquí. Cuanto más alejadas estén las partículas del centro del ámbito vectorial, más saturados están los colores, más cerca están del centro, menos saturados ahí. Entonces si ajusto mi deslizador de saturación, puedes ver y bajar la saturación a blanco y negro. No hay color registrado en nuestro alcance vectorial. Arrancamos esa saturación. Estas partículas se alejan más del centro. Línea delimitadora representa la transmisión segura para video SD, que es 75 por ciento de saturación de color. Ahora que trabajamos en HD, podemos ir más allá de esta línea y estas cajas en el exterior que representan 100% de saturación para mantener legales tus niveles de saturación, no quieres ir más allá de estas cajas exteriores, pero para web sí en realidad no importa. Pero de nuevo, para la web no vas a querer ir más allá de estos colores de todos modos, porque no estás ganando nada yendo más allá 100% de saturación de color al ajustar para un color preciso dentro de una toma. Lo primero que haré es ajustar el balance de blancos. El proceso de ajustar el blanco equilibrado elimina los moldes de color poco realistas y nuestra imagen. Por lo que cualquier cosa en el marco que se supone que sea blanco puro aparecerá de color blanco cuando se vea bajo el monitor de la computadora. Por lo que hay algunas formas en que podemos obtener balance de blancos preciso, tarjeta blanca de combustible o tarjeta gris 18 por ciento. Simplemente puedes agarrar tu selector de balance de blancos. Click y voila, tienes tu saldo de blancos. O si quieres hacerlo manualmente, puedes seleccionar una máscara. Asegúrate de que solo se muestre la porción blanca. Acude a tu alcance vectorial. Y se puede ver aquí que este blanco en realidad se inclina ligeramente hacia el amarillo y el rojo. Entonces si le agregamos un poco más de azul ahí dentro, lo bajaremos un poco y luego quizá un poco demasiado verde ahí dentro, ese demasiado azul hasta que lo ajustes así. Por lo que ahora puedes ver aquí tenemos menos saturación en nuestra tarjeta blanca, que se supone que es blanca, que no tiene ningún valor de color para ella. Por lo tanto, debe estar en el centro del alcance vectorial antes, después. Tampoco necesitas necesariamente una tarjeta blanca. Si no tuviste tarjeta blanca, Vamos a restablecer esto. Se puede seleccionar algo dentro del marco que sea blanco. Incluso podemos hacer clic en el planificador blanco allá atrás, pero sí se inclina un poco más fuertemente hacia el azul. Por lo tanto, utiliza esta técnica con precaución. Si no tienes ninguna tarjeta de balance de blancos ni nada que sea blanco dentro del marco para referencia. No te preocupes, también puedes mirar los tonos de piel. Entonces sólo vamos a enmascarar los tonos de piel. Vamos a conseguir algunos de esos aspectos destacados también aquí mismo. Vamos a volver a nuestros alcances. Ahora nuestro balance de blancos es bastante preciso. Y la forma en que puedes decirlo es por esta línea aquí, se llama la línea de tono de piel. Siempre y cuando tus tonos de piel aquí, que hemos enmascarado, se estén moviendo hacia arriba en esta línea. Estás obteniendo tonos de piel precisos. No importa con qué tipo de tono de piel estés lidiando. Todos los tonos de piel precisos aterrizarán en esta línea. Ahí hay un poco más de los tonos de piel inclinados hacia el verde y el amarillo. Para que pudiéramos ajustar un poco más nuestro tinte hacia el magenta. Y sí parece incluso un poco caliente. A lo mejor demasiada saturación si te gusta eso, está bien. Pero si estamos tratando de conseguir una base más precisa, podríamos simplemente derribar esto sólo un poco, sólo un poco. Veamos a dónde nos lleva eso. Entonces veamos un antes y un después. Por lo que es un poco cálido, un poco amarillo, se puede ver un poco del verde amarillo. Encendemos esa cosa y ahora nos ponemos un poco más magenta y azul. A lo mejor no te gusta mucho, así que encontramos algo en medio. Y ahí lo tienes. un balance de blancos más preciso que usando esta piel tonifica en el marco. Echemos un vistazo a un marco dentro de nuestro proyecto. Voy a añadir un nuevo efecto de color Lumetri solo para poder demostrarlo un poco mejor. Ya completamos nuestros ajustes de luminancia. Por lo que voy a añadir un nuevo efecto de color Lumetri y ajustar el color. Para que podamos ver antes y después. Máscara. Y una cosa a tener en cuenta, no necesitas estar enmascarando todo perfectamente así. Al igual que toda la mano perfectamente. No necesitas hacer esto. Simplemente tira una máscara ahí y asegúrate de que estás agarrando una amplia gama de tonos de piel no necesita ser perfecta. Para que veas que nos estamos inclinando un poco hacia el amarillo. Por lo que sólo llevaremos esta carpa hacia magenta de la misma. El calor de la escena parece un poco aburrido. Por lo que podría tomar eso sólo un poco y moverse a través de una línea sólo un poco más. Ahí vamos. Vamos a desseleccionar esto y echarle un vistazo. Entonces porque este disparo filmó en la misma lente y tiene una configuración similar a esta toma. Y tengo tonos de piel en esta toma. Y pude corregir el balance de blancos. Puedo hacer clic derecho en copiar y luego hacer clic derecho en este clip y pegar atributos. Selecciona el color Lumetri. Ahora tenemos un marco que ya se ve muy bien porque estamos sacando toda la información de esta toma y aplicándola a ésta. Ten cuidado porque si las tomas tienen diferente balance de blancos o películas en diferentes cámaras y lentes, realmente vas a querer estar marcando en cada una de esas tomas de forma individual. Otra herramienta extremadamente útil a la hora de ajustar el balance de blancos es utilizar el Desfile RGB. El Desfile RGB muestra el canal rojo, el canal verde, y el canal azul en nuestra imagen. Y se puede ver de inmediato aquí, al mirar esta imagen, tenemos un poco más rojo en general y el canal azul está un poco tonificado. Entonces esto demuestra que es un poco más de una imagen cálida. Y lo que es genial del Desfile RGB es que podemos ver de inmediato si las cosas se ven un poco incluso en el color. Entonces si rodamos de esta manera para calentar el balance de blancos equivocado, si ya no es obvio, podemos ver que es una imagen cálida, pero echando un vistazo al Desfile RGB, puedes ver de inmediato que es imagen más cálida. Y si le disparamos demasiado frío, se puede ver que hay más azul en la imagen, luego hay rojo y verde. Con sólo mirar el Desfile RGB. Vamos a restablecer eso. Podemos utilizar el Desfile RGB para equilibrar esta imagen. Y como tenemos un checker de color en este marco, solo podemos lanzar una máscara sobre la parte superior del corrector de color. Vuelve a nuestros alcances Lumetri. Y se pueden ver de inmediato las sombras, los tonos medios, y los reflejos que corresponden a nuestro corrector de color. Si solo estamos mirando el color, podemos ajustar los colores en consecuencia usando las sombras, tonos medios y reflejos. Entonces veamos aquí. Tratemos de ajustarnos y ponernos más azules. Eso se ve bastante bien. Pero se puede ver en este caso, ajustar la temperatura y el tinte no es suficiente para conseguir ese equilibrio a través de nuestras sombras, tonos medios y reflejos. Por lo que hay que entrar en curvas o ruedas de color para obtener una imagen más equilibrada. Nos pusimos un poco demasiado azul en lo más destacado aquí, así que solo bajaremos eso un poco. Ahí vamos. Por supuesto. Tratemos de igualar un poco más las sombras. Tenemos un poco más de rojo en las sombras ahí. Entonces haga clic en el canal rojo, baje eso sólo un poco. Entonces ahora tenemos nuestro rojo, verde, azul ahí, incluso en las sombras, conseguir más parejo en los tonos medios y más incluso en los reflejos. Ahora, echemos un vistazo a cómo se ve eso cuando nos quitamos la máscara. Entonces tenemos nuestro antes y después. Por lo que es un poco más equilibrado en general. Puede que no lo sea, pero podemos seguir ajustándonos a partir de ahí. Por lo que después de obtener una corrección general del balance de blancos, puedes detenerte ahí o puedes entrar en tu Desfile RGB. Y más específicamente marcar en el color dentro de las sombras, tonos medios y reflejos. Podemos ver abriendo el Desfile RGB, el rojo en las sombras es un poco más alto que el azul y el verde. Y en realidad si lo miras, hay un poco de elenco rojo en las sombras. Y estoy bastante seguro de que eso pasó porque enmascaro demasiado de las sombras dentro de mis tonos de piel y hay mucha suciedad en mis manos. Por lo que el alcance vectorial mostraba más de los tonos dentro de la suciedad, resultando en más rojo en las sombras. Pero podemos ir a nuestras curvas, click en el rojo y bajar nuestras sombras sólo un poco. Y entonces eso nos da una imagen más equilibrada dentro de nuestras sombras, haciendo clic antes y después definitivamente puedes ver ese elenco rojo. Antes hicimos ese ajuste. Hemos sacado ese yeso de nuestras sombras con la ayuda del RGB, orado por una corrección secundaria de color. Estamos lidiando con selecciones de color individuales. Aquí es donde llegamos a hacer algunos ajustes finos. Me siento bastante bien al respecto. Pero sí noté que el follaje en nuestro marco casi me parece un poco amarillo. Entonces si miramos nuestro alcance, decir, es súper sutil, ¿de acuerdo? Aquí estoy totalmente siendo quisquilloso, pero si quisiéramos que esto se viera un poco más verde. Podemos hacer eso. Por lo que para arreglar colores individuales, puedo entrar en mis curvas de saturación de matiz, usar la corrección de color Hue vs Hue y permite cambiar cualquier color del espectro a cualquier otro color que desee. Por lo que seleccionaré este cuentagotas aquí. Haga clic en la hoja. Estos son nuestro ancla está justo aquí. Y a medida que haces clic y arrastras el punto medio, puedes ver que los colores están cambiando. Podríamos simplemente comer hacia este color volviéndose un poco más verde. Y puedo ver, se puede ver que se está doblando un poco más de esta manera. Por lo que podría abrir estos anclajes encajan. Entonces estoy captando más del espectro de estos colores en la hoja. Entonces es un azul diferente. Ahora, vamos un poco más cerca del verde. Esto es muy nicpicky, vale, no tienes que hacer esto. Algunas cámaras tienen diferentes sesgos de color y los arreglan. Quieres entrar en tu corrección secundaria de color para eso. Entonces nos estamos acercando algo un poco más al verde. Vamos a echar un vistazo a eso. Entonces el marco general, si lo desselecciono, las hojas se ven un poco más verdes, casi soplan parejo. Tan solo retrocede un poco eso, sólo una muesca y echemos otro vistazo. Sí. Sí, eso es genial. Es por eso que tener un corrector de color y un marco también puede ser beneficioso. Porque en este perfil en particular en el que filmé esto, se puede ver que el color verde también es un poco amarillo. Se puede ver aquí en el alcance, y va entre el amarillo y el verde. No está apuntando completamente al verde. Entonces si quisiera ajustar eso, podría volver a usar el Hue vs Hue. Selecciona el Cuentagotas. Haga clic en el Color, y haga clic y arrastre hasta que me acerque a ese color verde. Cuando anular la selección de que realmente me puedes ver antes de que se vea verde. Pero cuando corrigió es como, oh, en realidad así se me ve más cerca del verde ahora que antes. Entonces es muy sutil, pero se puede ver la diferencia. La corrección de color secundaria es una gran manera de realmente marcar en esos colores aún más. Entonces, para recapitular, es genial si tienes una tarjeta de balance de blancos, puedes usar el selector de balance de blancos, pero sugeriría incluso enmascarar el área blanca y ajustar manualmente tu temperatura y tinte. Y también alcance vectorial del usuario para ajustar tus tonos de piel y asegurarte de que estén aterrizando en esa línea de tono de piel. Abre ese Desfile RGB para que puedas obtener un sentido general del equilibrio de tu imagen. Usar el Desfile RGB es una excelente manera de solucionar problemas de color dentro de tu imagen. Utilice la función Copiar Pegar Atributos para acelerar su flujo de trabajo. Y por último, si estás notando algo extraño con algún color individual, puedes usar una corrección de curvas Hue vs Hue para marcar en esos colores a algo más que esté a tu gusto o más preciso. Tómate el tiempo para corregir tus colores. Lanza tu secuencia y asegúrate de que sean consistentes a lo largo de todo. En la siguiente lección, discutiremos los atributos de una mirada. 15. Atributos del aspecto: El look en grado de color de tu edición puede agregar al tono de tu proyecto y servir como una forma práctica en la creación de profundidad en tu imagen. El proceso de corrección de color es todo acerca de la precisión dentro de la luminancia, el contraste y el color. En tanto que en la clasificación del color, se trata de crear una mirada general a nuestro metraje que podría suscitar alguna respuesta emocional. hora de crear un look estamos alterando e imágenes contraste luminoso, color y textura. Descargo de responsabilidad rápido, sólo estamos tocando la superficie aquí. No soy un colorista pro. Los palos, mucha práctica y habilidad y hay un montón de formas en que el color puede influir en la audiencia que todavía estoy aprendiendo. Pero con eso dicho, así es como determinaría cómo echar un vistazo a mi metraje. ¿ Está viendo llamado para una mirada brillante y alegre, o una oscura y malhumorada. Ozark. ¿Es buen ejemplo de bajar la luminancia para adaptarse al tono oscuro del espectáculo. En tanto que en muchas comedias, el golpe hacia arriba, la luminancia y la saturación para ajustarse al tono más claro del género. Un look de bajo contraste. Diez, proporcionan una sensación más unificada, sutil, incluso auténtica y más natural a la vez que preservan los detalles en los reflejos y sombras. Un look de alto contraste puede agregar un golpe a tu imagen, dibujar el ojo y crear más separación entre los reflejos y las sombras. También se puede llevar a extremos aplastando los detalles en las sombras o recortando los reflejos. Ahora de nuevo, en las lecciones de corrección de color, sí dije mantener detalle, mantener detallado, no aplastar sombras ni recortar reflejos. Bueno, ahora estamos en el proceso de gradación de color donde se pueden romper las reglas. Puedes aplastar sombras o recortar reflejos. Asegúrate de que funcione con tu historia. El aplastamiento de sombras en la escena de Kill Bill Volumen 2 realmente se suma a la arenilla y a la violencia. Hay mucha ciencia y pensamiento detrás de los cuales los colores provocan qué tipo de emociones se utilizan todos para comunicar cosas diferentes a un público. Agregar tonos azules puede crear una sensación de mal humor, triste. más cálidas. Un sentimiento más esperanzador, optimista. De la película Rey reinado, su esposa della se casan. Los colores se inclinan más hacia tonos más cálidos a medida que pasa el tiempo y nos desvanecemos a la siguiente escena. Se puede ver que los colores D saturan se inclinan más hacia tonos azules. Incluso en el Desfile RGB, se puede ver el turno. Y también el contraste general disminuye cada vez tan ligeramente. 16. Trabajo en equipo: Como editor, hay tanto que cubrir técnicamente que es fácil pasar por alto las habilidades blandas necesarias cuando se trabaja dentro de un equipo. Qué fortalecimiento de estas habilidades te ayudará a mantenerte nivelado, ser un mejor colaborador y, en última instancia, producir una mejor edición. Después de trabajar en un proyecto por días interminables, finalmente mandas una edición para su revisión, o piensas cómo esto es perfecto, nada debería cambiar. Es fácil entrar en esta mentalidad. Pero cuando envíes una edición inicial, haz todo lo posible para desprenderte de ciertos resultados positivos. De hecho, sería bueno. Espere revisiones, no importa lo buena que piense que sea la edición. Cuando recibas cualquier tipo de crítica o retroalimentación, tómate tu tiempo para absorberla. Tu reacción inicial podría ser descartarlo y decir, no saben de qué están hablando o tal vez te lo tomarás personalmente. Y la verdad es que quizá no tengan razón. El feedback podría empeorar el proyecto. Pero muchas veces desde mi propia experiencia cuando pensaba de esa manera y tal vez he estado un poco a la defensiva. Y luego después de haber meditado sobre la crítica, he podido ver más allá de esa reacción inicial que tuve y tomar la parte constructiva de esa retroalimentación y hacer aún mejor la edición. ¿ Sabes qué? Realmente no me gusta esta sugerencia de revisión y creo que es genial, pero diría que guárdelo para ti mismo, crea otra versión, envíales dos versiones. Una versión con unas revisiones sugeridas que proporcionaron y luego una versión adicional con sus propias ideas que podrían mejorar sobre eso sugeridas revisiones. Podrían decidir que Hey, estás agregando funciona mejor. O podrían decir: Oye, me gusta lo que hiciste ahí. A lo mejor puedes llevar estas ideas a la edición original. Piensa en ti mismo como un solucionador de problemas. Esto me ayuda a separarme de tomar revisiones personalmente como el editor que tomó estas decisiones al solucionador de problemas, quien llega a arreglar cualquier problema dentro de la edición. Esto me faculta para usar mis poderes creativos de resolución de problemas para cumplir con un proyecto. De acuerdo, has estado mirando fijamente el set durante meses mientras que alguien lo revisa por primera vez tiene ojos frescos. Esto es un regalo. Llegan a ver la edición y tienen sus propias respuestas emocionales iniciales a tu edición. Agradécelos por esto, y luego trabajen hacia soluciones. Recuerda, la historia y su propósito es mayor que tú y tu edición. Cuanto más apuntes, mayor es el bien de la edición, más personas con las que has trabajado para 1D esto y apuntan también para esto. Es cléhe, pero sacar tu ego de la solución alienta a otros a hacer lo mismo viniendo desde este punto de vista, anima a todos a desprenderse de tomar el crédito por cualquier parte en particular y enfocarse en el trabajo como equipo, para enfocarse en obtener los mejores resultados posibles. Esto lleva años de práctica, y es por eso que también es importante trabajar en ti mismo. No se limiten a leer libros sobre edición y cine. Lee libros sobre mejorarte a ti mismo. Lee libros sobre cómo escuchar mejor, cómo tomar retroalimentación, cómo mejorarte y habilidades de comunicación. Estoy en los pasillos este nivel encabezado, pero con experiencia, he aprendido a convertirme en un mejor y más rápido solucionador de problemas. Ha ayudado a la gente a ganar más confianza en mí y en el trabajo que hago. Y en realidad es solo ese ciclo para seguir ofreciendo soluciones y cualquier otro problema que surja, simplemente vuelve a hacerlo con una actitud positiva de resolución de problemas. Y la próxima vez que recibas comentarios sobre cualquier edición, toma algunos de estos consejos y pruébalos. La siguiente lección es tiempo para terminar la gestión del proyecto. 17. Fin de la gestión del proyecto: Ahora que has terminado tu edición es hora de terminar la gestión del proyecto. Esto incluye explotar diferentes versiones de tu edición para entrega y almacenamiento y seguir este proceso de gestión de proyectos te salvará de futuros dolores de cabeza. Hablemos de qué tipo de exportación de archivos necesitamos cuatro situaciones diferentes. El primer tipo de exportación que quieres hacer es una versión de resolución completa de tu video de calidad completa. A partir de ahí, puedes usar ese archivo maestro para exportar múltiples códecs para subir dos plataformas diferentes. En la mayoría de los casos, un tiempo rápido para dos al tipo de archivo HQ estará bien. Para 22 es para video tendido y es más común. Si estás editando un metraje sin procesar que se filmó en una cámara con códec ProRes 4, 4, 4, 4. Después elige ProRes 444 ya que está diseñado para video de 12 bits. Por lo tanto, si está exportando varias versiones, utilice este archivo maestro para exportar esas versiones desde. Si solo estás exportando otra versión para web, solo puedes exportar directamente desde tu secuencia. Pero siempre es bueno tener ese archivo maestro porque nunca se sabe en el futuro puede necesite un tipo de archivo diferente o puede que necesite un clip de ese agregado para usarlo en un trailer o pieza promocional, o puede que necesite crear una nueva edición por completo. Por lo que iría tan lejos como decir exportar un maestro sin ninguno de sus efectos de gradación para fines de archivo y futuras ediciones. Y luego también exportar y otro archivo maestro sin ningún gráfico ni tercios inferiores, si acaso necesitas flexibilidad para proyectos adicionales. El tipo más común de Kodak para web es H.264. En muchos casos estás subiendo a la web para que otros te puedan dar notas o lo estás haciendo para entrega final. Da click en H.264 y verás que hay una variedad de presets que puedes usar, como YouTube, Vimeo, y mi favorita, que es de alta calidad. Lo único que hice justo en estos ajustes es exportar como una tasa de bits variable para pasar con una tasa de bits objetivo de 20 y una tasa de bits máxima de 24. exportación con estos ajustes aumentará el tiempo de exportación. Entonces si tienes proyecto más largo y quieres que la exportación es más rápida, puedes usar CBR. El único inconveniente de usar CBR es que es menos eficiente y optimizando el tamaño versus la calidad. Por lo que el tamaño general del archivo se hará más grande mientras que la calidad se mantendrá constante a la velocidad de bits que elija. Mientras que si eliges tasa de bits variable en la primera pasada, tu computadora estará haciendo cálculos para determinar cuál es la tasa de bits ideal. Y en la segunda pasada, ajustaremos la velocidad de bits en función de la cantidad de información el equipo necesite procesar en cualquier fotograma dado. En esta toma, sólo tenemos el primer plano de las hojas moviéndose alrededor. Por lo que una velocidad de bits variable se ajustará de acuerdo a cantidad de información que se necesita procesar de cuadro a cuadro. Esto nos da un tamaño de archivo más pequeño, un tamaño de archivo más eficiente, pero lleva más tiempo. En proyectos más pequeños. No notarás tanto esto. Pero con los proyectos más grandes, los proyectos más complejos, los tiempos de exportación pueden marcar la diferencia. No te importa lo grande que se va a usar el archivo. Velocidad de bits constante, es más rápida, pero con tamaños de archivo más grandes porque no toma en cuenta dónde puede ahorrar espacio. Si desea una forma más eficiente de codificar, utilice tasa de bits variable con para pasar la selección. Esto llevará más tiempo exportar con mayor tasa de bits. Por lo que tendrás tamaños de archivo más grandes con mayores rendimientos decrecientes de calidad. Pero si estás encontrando que tu imagen se está rompiendo en ciertos fotogramas o ciertos detalles se están perdiendo, aumenta tu tasa de bits según sea necesario para una imagen más limpia. Puede haber algunos casos en los que estés exportando para diferentes emisoras y en ese caso, solo tienes que seguir la hoja de especificaciones siempre y cuando sea tan simple como plug and play. Por lo que el tipo final de exportación sería para los tallos. Los tallos son submezclas separadas de nuestra mezcla principal, que incluyen música, efectos de sonido, y diálogo. Puedes exportar cada pista de audio de forma individual, o puedes agruparlas según la categoría, poniendo en solitario cada pista y luego exportando un archivo WAV. Este proceso de exportación de tallos está totalmente bien, sobre todo si prefieres tener archivos de audio individuales. Tan solo asegúrate de exportar como un archivo WAV ya que es un formato de audio sin comprimir. Otra forma de hacerlo de una manera más eficiente de hacer esto sería exportar tus tallos junto con tu archivo maestro. Por lo que ahora tenemos nuestro video final listo para la exportación. Antes de hacer algo, limpiemos las pistas de audio y video adicionales que no necesitamos. Entonces haga clic derecho en las pistas, elimine pistas. Consulta las pistas de video de borrar. Consulta las pistas de audio de borrar. Todas las pistas vacías seleccionadas. Al hacer clic en Ok, eliminaremos todas las pistas de audio y video que no estén utilizadas. De acuerdo, entonces queremos exportar nuestro archivo maestro, que es un archivo QuickTime 42 HQ. Si exportamos desde la secuencia, solo obtenemos dos canales de audio, lo que no nos permite divvy up o audio en los tallos. No podemos personalizar nuestra secuencia actual para exportar como maestro multicanal. Por lo que para hacer esto, necesitamos crear una nueva secuencia que incluya una serie de canales para poder exportar tallos junto con nuestro archivo maestro. Si esto es confuso, no te preocupes, va a tener mucho más sentido una vez que superes esta lección. Entonces vamos a dar click en la nota, crear una nueva secuencia. Y usaremos el preset digital SLR 10 ADP porque coincide con la configuración actual que tenemos. También puedes usar el preestablecido Airy 10 ADP, cómo funciona. Hacer incluso las obras de secuencia ADP de lectura 10 también. Si estás editando en 1280 por 720, solo asegúrate de ir a tu configuración, cambia el tamaño de fotograma en consecuencia. Vamos a renombrar nuestra secuencia a algo que tenga la palabra master en ella para que sepas que es tu archivo maestro e incluye tallos. Entonces llamaré a la mía HD, el maestro jardinero. Y sólo nombra algo que funcione para usted. Para que a cinco años en el camino a partir de ahora, vas a saber exactamente qué es esto y qué significa para 42 Cuarteles Generales. Incluso puedo nombrar agudeza para QuickTime. Entonces ahora sé cuál es el archivo maestro y como códec se exportará. Entonces vamos a nuestra pestaña Tracks. Aquí es donde podemos cambiar nuestra salida maestra de estéreo, que sólo nos permite canales de audio a una exportación multicanal. Por lo que podemos exportar 32 canales de audio si queremos. Para que al importar el archivo maestro exportado, dispongas de 32 canales de audio disponibles. Entonces la forma en que determinamos cuántos canales necesitamos es por cómo queremos agrupar nuestros tallos. Puedes agrupar los tallos de la forma que prefieras. Puedes exportar las ocho pistas de audio si quieres como tallos individuales. Creo que eso es un poco exagerado, pero en algunos casos tal vez quieras hacer eso. O bien puedes exportarlos agrupados en voz en off, efectos de sonido y música. Pero en mi caso, quiero exportarlos como voz en off, efectos de sonido Foley, impacto cinematográfico, sonido, efectos de sonido ambiental, y música. Eso son cinco agrupaciones separadas, cinco tallos separados de audio. Entonces para ello, necesitamos diez canales de audio porque tenemos cinco agrupaciones diferentes y todos son estéreo. Eso es un total de 10 canales porque cada pista de audio tiene un canal izquierdo y un derecho a la misma. Si ya nombrarías a los canales, solo puedes hacer clic en cargar desde secuencia, encontrar la secuencia desde la que quieres cargar tus pistas. Y automáticamente agregará los nombres de las pistas. También puedes usar el botón más para agregar pistas. Y eso también está bien. Ya que no nombré mis pistas de audio en la edición, renombraré estas pistas por lo que representan en mi línea de tiempo. Queremos cambiar nuestra salida maestra de estéreo a multicanal. Por lo que tenemos la capacidad de determinar en qué pista estará cada una de estas agrupaciones cuando exportemos nuestro archivo maestro. Y recuerda, porque estos son estéreo emparejados, queremos tener 10 canales, cinco agrupaciones emparejadas estéreo equivale a 10 canales. Si haces click en Asignaciones de salida, puedes ver aquí que estamos asignando cada agrupación a su pista correspondiente. Por lo que una voz en off en las pistas 12. Entonces eso es preciso. Asignaremos nuestros efectos de sonido totalmente a 34. Por lo que pasaremos por cada Uno, asignándolo a 34. Y entonces nuestros efectos de sonido de impacto cinematográfico asignarán dos pistas. 56 son ambiente se asignará a 78, y la música se asignará a 9 y 10. 1 y 2, voz sobre 34, efectos de sonido Foley, 5 y 6, impactos cinematográficos. 7, 8, ambiente, 9 y 10 música. Entonces eso son cinco flujos separados de audio. También podemos cambiar nuestro video a la cantidad de pistas que necesitamos. Entonces porque tenemos seis pistas de video aquí, podemos cambiar esto a seis hit, ¿de acuerdo? Y crea una nueva secuencia con todo su audio muy bien llamado aquí. Seis pistas de video. Ve a tu final bloqueado para editar, selecciona todo copiar y luego pégalo en tu nueva secuencia. Por lo que ahora esta secuencia nos permite exportar múltiples canales porque la hemos cambiado. Por lo que ahora puedes ver aquí que son 10 canales de audio. Y en nuestra secuencia anterior, sólo es estéreo. Y por alguna razón, no puedes cambiar la configuración del canal después de haber creado la secuencia. Por eso estamos creando esta nueva secuencia. Control M o Comando M para exportación. Seleccionar formato QuickTime. Para nuestro archivo maestro 422 HQ. Haga clic en la pestaña Audio y cambie el tamaño de la muestra de 16 a 24 porque la voz en off, los efectos de sonido y la música todos estamos grabados en audio de 24 bits o superior. Y esta es una especificaciones recomendada para la mayoría de las emisoras. Y aquí abajo en la configuración del canal de audio, si no tuviéramos la secuencia multicanal, no tendríamos la capacidad de agregar más secuencias de audio. Ahora que tenemos 10 canales, podemos agregar cinco secuencias de audio estéreo. Cambia todas estas salidas de audio a estéreo. Y recuerden, cada una de estas agrupaciones pertenece a lo que hemos configurado nuestros canales para ser. Por lo que esto nos dará cinco pistas estéreo emparejadas en Export. Si sigues confundido, no te preocupes, te voy a mostrar cómo se va a ver después de reimportar nuestro Maestro final. Ya he creado una carpeta master export para mantener nuestras exportaciones master. Lo importará de nuevo a nuestro proyecto. Para que pueda mostrarles cómo se ve. Cuando hacemos clic y arrastramos este archivo maestro a nuestra secuencia. Mira eso. Se pueden ver cinco pistas de audio individuales con 10 canales izquierdo y derecho. Quien esté tomando el control del aspecto promocional del proyecto, podrían decir, prefiere música diferente. Simplemente puedes sacar eso todos los días por el puño de salón que lees, o pueden decir, Hey, estos impactos cinematográficos realmente no encajan el tono de esta pieza promocional que tal vez sea demasiado dramática. Por lo que llevaremos Monte no juzgues, cada día al lado del pasillo te pescan. O tal vez podrían decir, Hey, quiero mezclar este audio de una manera diferente. Entonces vamos a entrar y vamos a retocar este audio. Vamos a agregarle algunos filtros nuevos. Y por eso también es importante seleccionar audio de 24 bits porque es mucho más flexible a la hora de editar que audio de 16 bits. Por lo que espero que se pueda ver la ventaja de exportar un archivo maestro con múltiples tallos. Entonces para recapitular, exporta primero tu archivo maestro, y si es necesario, exportar también fue tallos. Puedes utilizar este archivo maestro para exportar versiones adicionales de tu edición a otras plataformas de tu elección, dependiendo de la complejidad de tu proyecto, con quién estés trabajando, la cantidad de exportaciones puede variar. Podría tener un archivo maestro con tallos, una versión no graduada para fines de archivo y ediciones futuras. Y podría incluso tener una exportación sin ningún gráfico incluido de su archivo maestro que podría explorar en H.264 para YouTube, Vimeo, Facebook, instagram, lo que sea. Entonces de nuevo, por eso es tan importante estar organizado porque puedes terminar con 20 versiones diferentes de tu edición, 20 formatos de archivo diferentes. Y puede volverse un poco loco. Adelante, exporta y sube tu proyecto para su revisión para que puedas recibir comentarios. Y si no lo has terminado, eso está totalmente bien. Se pueden subir obras en curso. O si no puedes subirlo por la razón que sea, solo explícate en unas pocas frases cómo este curso ha impactado en tu proceso. Me ha encantado escuchar eso. En la siguiente lección, vamos a pasar por la recapitulación final. 18. Conclusión final: Sí, gran trabajo superando todas las lecciones y llegando hasta aquí. Espero que te inspires para tomar todo lo que has aprendido y aplicado a tus propios proyectos. De acuerdo, ahora es hora de la recapitulación final. Un breve creativo guía la edición y ayuda al equipo a permanecer en la misma página de forma creativa, el propósito de tu edición y el tono en el que cuentas tu historia son de suma importancia. Asegúrate de organizar tus archivos, hazlo como prefieras. Si ya tienes un sistema que es genial. De lo contrario, entre menos clics, mejor. Utilice números para crear jerarquía en su estructura de carpetas y agregar las fechas en que sus archivos de proyecto, exportaciones y secuencias de proyecto para organización adicional o elegir clips se pueden determinar por sus historias, propósito, tono pretendido, y es orden cronológico. Utiliza estos criterios para calificar tus clips. Calidad, rendimiento, profundidad, y movimiento. Empezó tu edición con el elemento que más claramente cuenta tu historia es que el metraje, ¿es el audio de tus entrevistas? A lo mejor es la música a lo largo de todo el proceso. La experimentación es una necesidad. Solo cuelga de un clip el tiempo que sea necesario. Usa el movimiento y me rastreé para mantener tu edición fluyendo de tiro a tiro. Y recuerda usar la continuidad de edición para contribuir a tu edición. Pretende apoyar el propósito de tu historia con cada elección de edición que hagas. En mi opinión, esta es la parte más importante y divertida de la edición y la narración. Utilice estos criterios al seleccionar música, variación e instrumentos, ritmo, tono, intensidad, y efectos. No cada uno de estos criterios necesita estar presente, pero se asegura de que el tono general de la música apoye tu edición. Un gran paisaje sonoro atrae a tu público a la historia, busca un diálogo de sonido claro y crea un sonido completo a través de la selección de efectos de sonido y la manipulación de frecuencias. También recuerda usar tu Radar de Sonoridad para detectar cualquier problema y encontrar esa sonoridad punto dulce, brillo corrector y contraste y color usando tus alcances de color. Recuerda apuntar a la precisión dentro del proceso de corrección de color, luego agrega un look que beneficie tu historia. Después, trabajar con un equipo ayudará a elevar tu edición. Acepta la crítica con gracia. Recuerda, la retroalimentación es un regalo. También ten en cuenta que manejar la crítica y la retroalimentación toma práctica. Cuando tengas tu final caminado editar, exportar, un maestro de alta calidad con tallos para entrega final. Esto también se utilizará al exportar formatos y códecs adicionales. Encima de eso exportar un maestro sin efectos para que los gráficos se utilicen en reedición y con fines de archivo. Ahora es el momento de subir tu proyecto terminado. Si no has terminado tu proyecto, está bien. Se puede subir una obra en curso. Si por alguna razón no puedes subir tu proyecto, eso también está bien. También puedes simplemente escribir unas frases explicando cómo has aplicado lo aprendido a tu propio proceso. ¿ Cómo ha cambiado su proceso? ¿ Cómo ha evolucionado? Me emociona escucharlo. Por favor deje una opinión y recomiende esta clase a un amigo o persona que podría conocer de mi beneficio de la misma. Además, por favor sigue mi perfil si quieres ver más clases en el futuro. Si buscas aprender más, tengo más clases disponibles sobre edición de video y cineasta. Gracias de nuevo por tomar mi curso sobre el proceso de edición de video. Recuerda, la historia es tu guía. Te veré una muestra.