Diseño de personajes para arte conceptual

1. Promocional: Hola ahí. Soy [inaudible], soy artista y profesional de animación. Acabo de armar esta completa guía paso a paso en profundidad sobre el diseño de personajes para arte conceptual. Este curso se trata de pintura digital, pero realmente el énfasis está en desmitificar el proceso de llegar realmente a tu diseño de personajes, cómo rampar tus habilidades de dibujo para que puedas dibujar personajes con confianza y rápidamente desde tu imaginación en cuestión de minutos, y cómo asegurarte de que tengas un personaje creíble totalmente aterrizado antes de empezar a pintar. Además, también te muestro cómo agregar efectos y ese pulido final a tu obra para asegurarte de que destaque en tu portafolio. Si te interesa la animación o trabajar en animación, o si te interesa el arte cómico o el arte digital de cualquier tipo, entonces este curso es para ti. Estructuré el curso alrededor de un flujo de trabajo que es utilizado por artistas profesionales en un entorno de estudio real. Vas a empezar aprendiendo algunos ejercicios y dibujos que realmente aumentarán tu habilidad para sacar personajes de tu cabeza. Con esas habilidades de dibujo bajo tu cinturón, pasarás a pensar en tu concepto para el proyecto final. Ahora si tienes una idea para un personaje o no, el proceso que te voy a mostrar lo desmitificará todo para que puedas pasar paso a paso por tener una vaga idea a tener una idea totalmente redondeada, concreta para una convincente carácter. Entonces te vas a sumergir en el dibujo, y te guiaré paso a paso por cómo dibujar poses ásperas, cómo refinar tu dibujo, y luego cómo llevarlo a lo que se llama en la industria una línea totalmente limpia. Entonces todo se trata de colorear y pintar a tu personaje y agregar texturas y el todo importante sombreado e iluminación. En la última sección, también podrás agregar efectos, capas, jugar con modos de fusión, y agregar esos toques finales que llevan tu arte conceptual a un nivel superior. De verdad quiero que encuentres el éxito como artista digital y tengas puertas abiertas para ti para una posible trayectoria profesional en animación. Ese es realmente mi objetivo final con este curso. Estoy compartiendo conocimientos y técnicas recabadas de mi experiencia de 15 años trabajando en estudios de animación en Dublín y en Vancouver. He hecho trabajo para estudios cuyos clientes incluyen Disney, DreamWorks, Atomic Cartoons, y cerca del 90 por ciento de lo que conozco hoy, aprendí en el trabajo trabajando en esos estudios. Yo quiero compartir eso con ustedes hoy para que puedan construir su portafolio y conseguir su propia carrera en funcionamiento. De verdad espero verte en el curso y espero trabajar con ustedes. 2. Introducción: Hola ahi, bienvenido al curso de diseño de personajes para arte conceptual. Estoy tan contenta de que estés en este curso y estés a punto de dar tus primeros pasos en este viaje tan emocionante y creativo. Si tienes alguna pregunta o si quieres comentarios sobre tu trabajo, no dudes en enviarme un mensaje. Antes de que empecemos, en este video introductorio, solo quiero correr por cómo se configura el curso, y darte algunos punteros sobre cómo asegurarte de que puedas sacar lo mejor de él. Esto no es realmente un curso de solo ver cómo creo arte conceptual, se trata más de enseñarte procesos y técnicas que los artistas conceptuales profesionales usan cada día en los estudios. De verdad quiero que seas capaz de tomar estos procesos y simplemente hacerlos tuyos en cualquier tipo de arte que quieras crear. Con eso en mente, esto es lo que debes saber sobre el curso. Yo estoy trabajando en photoshop, pero realmente no tienes que hacerlo. Los principios y las ideas de dibujo y pintura digitalmente, se aplicarán a otros programas, y realmente solo necesitas seguir conmigo. Los aspectos técnicos de photoshop que uso son en realidad bastante mínimos. También estoy trabajando con una tableta Wacom, y esto es un poco de requisito. Pero de nuevo, no tienes que tener esta exactamente misma que yo, hay un montón de tabletas de dibujo alternativas que puedes recoger por un precio bastante razonable. El primer apartado se centra en acrecentar tus habilidades de dibujo y enseñarte a estilizar tus diseños. Puedes tomarte tiempo fuera en cualquier etapa de esta sección para practicar estos ejercicios y sentirte cómodo usándolos, o puedes archivarlos y trabajar con ellos más adelante y simplemente avanzar a la siguiente sección. Ese va a ser todo sobre asegurarte de que sepas construir un concepto totalmente redondeado antes de comenzar tus diseños iniciales. Te he dejado algunas hojas de trabajo para estos ejercicios, y aquí, sí te recomiendo solo tomarte unos minutos para pausar los videos y llenarlos porque si quieres trabajar en un personaje específico para este curso, entonces ir por estos las listas de chequeo realmente serán beneficiosas. Entonces en la siguiente sección, vas a empezar a desbaste tu pose para el color final y la pintura. Esta será una guía paso a paso a través de técnicas. He hecho algunos videos que desglosan las técnicas y las prácticas, para que puedas empezar a usarlas hoy en día en tu propio trabajo. Pero si estás interesado en verme completar mi dibujo desde el concepto áspero justo el camino hasta el trabajo de línea limpiado terminado, hay una opción al final de esa sección para ver un par de videos de justo eso. En la sección de pintura, me voy a centrar en familiarizarte con las mejores prácticas profesionales para colorear digital. Una vez que les he explicado todos esos, son bienvenidos a ver otro video proceso de colorear a un personaje de principio a fin. Por último, he dejado todos los pinceles y las texturas que utilizo en este curso en tu sección de descargas, así que asegúrate de buscarlo y descargar los pinceles. Estos son pinceles que he usado a lo largo de mi carrera profesional, y creo que te divertirás mucho trabajando con ellos. También te he dejado todos mis archivos de photoshop para que puedas abrirlos, descomponerlos y ver cómo los estructuro. Hacer arte de personajes y arte conceptual es una de las mejores maneras de mostrar tu talento, tu conjunto de habilidades y tu destello de imaginación. Es algo que hará que tu portafolio destaque y luzca realmente pulido y profesional. Me alegra mucho que estés aquí eres parte de este curso y parte de esta comunidad. A mí me emociona trabajar con ustedes. Vamos a sumergirnos. A continuación, correré a través de cómo configuro mi espacio de trabajo en photoshop y te explicaré mis mejores consejos y atajos que estaré usando a lo largo del curso. 3. Mis atajos de Photoshop: En este video, solo quiero darte una visión general rápida de mi espacio de trabajo para que puedas seguir conmigo, si estás trabajando en Photoshop. Si estás trabajando en alguna otra aplicación, entonces puedes saltarte adelante por todos los medios. Pero en este video, sólo voy a explicar los principales atajos que uso. Quizás sea útil saber sobre estos en caso de que algún día termines usando Photoshop. En primer lugar, suelo crear un documento pulsando Comando o Control+N, y normalmente trabajaré paisaje. Ahora bien, este de aquí es un documento estándar legal o tamaño A4. La resolución es bastante alta. Te recomendaría establecer el tamaño de tu documento a algo que sea por lo menos, digamos 1080 píxeles con una alta resolución simplemente porque cuando estás haciendo concept art, eso se puede conseguir muy detallado y quieres tener la opción más adelante a ya sea escalarlo hacia abajo o incluso para imprimirlo para su cartera. Tengan eso en mente. Si eliges una opción como 1080 por 1920 o algo así, simplemente cambia estos píxeles aquí, píxeles por pulgada de 72 a algo bastante alto como 300 para asegurarte de que tienes esa relación de flexibilidad. Entonces solo dale “Ok”. Entonces generalmente tengo mi configuración de espacio de trabajo así. Si el tuyo no es del todo como el mío, entonces siempre puedes cambiar. Pero solo te mostraré que si subes aquí a Ventana y eliges Workspace, en realidad puedes ver que hay bastantes diseños diferentes. Digamos que el tuyo es éste se ve así. Bueno, si quieres personalizar esto, todo lo que tienes que hacer es simplemente arrastrar estos paneles por ahí. Es muy fácil y es muy personalizable. Todos se logran el uno con el otro así. Realmente el punto de mi diseño es tener tanto espacio de lienzo como pueda para poder ver en qué estoy trabajando y no tener mucho desorden alrededor de los bordes. Lo que me gusta hacer es tener todas mis herramientas por aquí en una columna, y todas las ventanas a las que necesito acceder alineadas por aquí en una columna también. Lo que hago es simplemente arrastrar las ventanas una debajo de la otra, y realmente las ventanas más importantes a las que acceder cuando estás dibujando y pintando son cosas como capas. Definitivamente quieres tener capas aquí y la historia posiblemente en caso de que necesites saltar atrás y colorear, pero voy a estar hablando de color más adelante. Creo que cualquier otra ventana de la que hable más adelante o de la que quieras jalar por ti mismo. Sólo tienes que subir a la ventana y buscarlo. Si haces clic en él, aparecerá. Pero esos son los fundamentos por ahora. Aunque sí me gusta arrastrar mi pila de capas, para asegurarme de que esté en la parte superior para que cuando la abro, haya mucho espacio para ver todas las capas porque estaré construyendo bastantes capas a lo largo de mi proceso. Este es el modo de visualización estándar. Si tuviera que sostener la barra espaciadora y levantar esta mano, no puedo mover mi lienzo a menos que acerque. Entonces puedes ver que puedo moverlo. Ese es el principal modo de visualización estándar. Si fueras a golpear F en tu teclado, es el segundo, entonces puedes tener tu lienzo panorámico mientras mantienes tu pila de capas abierta. Eso es bastante bonito. Entonces la tercera, si vuelves a golpear F, trae a la luz esta vista, que es muy agradable mirar tu obra una vez que esté mucho más desarrollada y quieres simplemente verla sin distracciones completamente y un panel de visualización maximizado. Entonces si quieres volver a la predeterminada, acabas de golpear F de nuevo. Los principales atajos entonces que utilizo para mis herramientas, se pueden dividir realmente en dos grupos principales. Las herramientas que utilizo para crear ilustraciones y las que utilizo para editar. Para hacer ilustraciones, usaré el pincel, obviamente, que es B, y el borrador, que es E. Ahora ambos se pueden aumentar o disminuir de tamaño usando los corchetes de tu teclado. Los corchetes cerrados aumentarán el tamaño de tu pincel o borrador, y el corchete cuadrado abierto disminuirá el tamaño. También uso bastante la herramienta Lasso, y esa es L en tu teclado. Si pulsas y mantienes este ícono, puedes ver aquí que en realidad hay tres tipos diferentes de Lasso. El Lasso regular te permite seleccionar cosas en modo a mano alzada. En otras palabras, es como dibujar un contorno alrededor de lo que quieres seleccionar. Entonces cuando vuelves al principio, has marcado tu selección y está activa. El siguiente Lasso es el poligonal o poligonal. Eso permite seleccionar puntos básicos y por lo tanto hacer selecciones de bordes rectos. Ahora para cerrar tu selección de borde recto así, puedes volver al principio y ahí verás que aparece un pequeño círculo así en tu herramienta. Entonces sabes que puedes cerrar esa selección. O también puedes simplemente hacer doble clic a mitad de camino seleccionando y eso se ajustará automáticamente al primer punto que hiciste. Rara vez uso este tercer Lasso, es el magnético. Es snaps a pixeles. Es realmente genial cuando estás trabajando en fotografías donde hay toneladas de información en cuanto a píxeles. Pero no lo uso para nada en este curso, pero para que como saben, eso es lo que es ese tercero. Pero una vez que tienes un área seleccionada, la siguiente herramienta que uso mucho al hacer ilustraciones es la herramienta Bucket y eso es G en tu teclado. Solo asegúrate de que si haces clic y mantén pulsado el icono, verás que hay algunos, nuevo, hay tres opciones. Asegúrate de estar en el segundo, es solo una herramienta de cubo de pintura regular. El instrumento de gradiente puede ser útil. Podemos meternos en eso más tarde pero por ahora, solo estamos llenando zona con color, queremos el pincel regular. Digamos que has hecho una selección, quieres agregarla, solo tienes que mantener presionada la tecla Mayús cuando estás en modo Lasso, y entonces no tienes que seguir manteniendo presionada la tecla Mayús. Pero justo cuando empieces una nueva selección, solo tienes que mantenerla presionada inicialmente y eso te permitirá agregarla. O para quitarte cualquier selección que hayas realizado, solo tienes que aguantar Alt u Option, y eso te permite borrar o quitarte parte de tu selección. Tan sólo un punto a destacar. Mantén siempre un ojo en la capa en la que estás cuando estás seleccionando. Es posible que estés seleccionando ilustraciones de una capa anterior, pero quieres poder pintar en una capa completamente nueva por encima. Solo asegúrate de que cuando estés listo para usar la herramienta Cubo de pintura que estás en tu nueva capa y no en la capa de ilustración original. Después para anular la selección, solo puedes pulsar Command o Control+D y eso liberará tu área de selección. El principal instrumento que utilizo para editar ilustraciones es obviamente la herramienta Transformar. Eso es sólo Command o Control+T, y trae hacia arriba esta caja limitadora con estas esquinas agarrables. Desde aquí puedes rotar, puedes escalar, o puedes sesgar si mantienes presionada Control y Comando cuando agarras una esquina. Si querías escalar desde el centro, solo tienes que mantener presionada Opción o Alt en tu teclado cuando agarres una esquina, solo tienes que escalar hacia arriba o hacia abajo. Entonces, cuando hayas hecho tu transformación, solo tienes que pulsar Enter y eso se comprometerá con ella y soltarás esa caja de límite. Eso es realmente. Hay otra herramienta de edición por supuesto, que la función de deshacer, y eso ahora es solo Control o Comando+Z para múltiples undos. Si lo quisieras, también podrías subir a la historia y saltar mucho atrás en el tiempo a una etapa anterior de tu documento aquí arriba. En este curso, no voy a estar usando ninguna de las herramientas vectoriales. Esas son cosas como el bolígrafo y las herramientas de forma. Estoy realmente enfocado en pintar y dibujar usando los pinceles. Nota rápida sobre tus pinceles. Te he dejado tu pack de pinceles, con el que espero puedas abrir y experimentar. Para traerlos a tu Photoshop, es simplemente muy fácil. Solo tienes que hacer doble clic sobre ellos y eso los importará automáticamente a tus pinceles. Entonces deberías poder desplazarte hacia abajo todo el camino hasta la parte inferior y aparecerán como los últimos pinceles de tu lista. Sólo avísame si tienes algún problema importarlos o usarlos y te ayudaré, pero debería ser muy sencillo. A continuación, únete a mí en el siguiente video donde te voy a mostrar cómo acercarte a dibujar la figura. 4. Dibujo de figuras: En este video, te voy a mostrar una manera realmente sencilla de acercarte a dibujar las figuras con las que puedes practicar y trabajar en tu cuaderno de bocetos a lo largo del tiempo. De verdad te va a ayudar a agarrarte a la estructura del cuerpo humano y entender de manera fundamental cómo se mueve y qué le da poses dinámicas. No importa qué personaje tengas en mente, o no importa a qué estilo de arte de personajes te guste unirte, ya sea que quieras enfocarte puramente estilizados o personajes de aspecto más realista, el enfoque aquí en términos de dividirlo en un esqueleto básico es algo que te ayudará a realmente traer movimiento y vida a tus personajes. Voy a explicar la estructura de la anatomía humana normal, algo así. Piensa en la jaula de las costillas o en el área del pecho de una persona como realmente una forma de huevo simple. Está redondeado todo el camino redondo, delantero y trasero. Entonces debajo de la forma hay una forma aplastada más pequeña, y esto representa la pelvis. Esto es todo lo que necesitas para ponerte bien para que tus figuras funcionen correctamente y se muevan de una manera creíble. Estas dos formas y la forma en que se oponen dinámicamente entre sí, forman la base de toda la figura. Ahora lo que conecta estas dos formas es la columna vertebral. Simplemente puedo indicarlo con una línea. Pero los siguientes dos puntos vitales que quiero señalar son los hombros y las caderas. Los hombros están en la parte superior aquí, justo un poco por debajo de la parte superior de la forma de huevo. Generalmente son apenas más anchos que el ancho de la jaula de costillas. Si haces dos puntos aquí al costado de la pelvis, entonces aquí es donde están las tomas de cadera. Tienes hombros y caderas. Ahora la forma en que el ángulo entre estos determinará a menudo toda la pose. Te mostraré cómo funciona eso un poco más tarde. Desde las caderas, podrías trazar las líneas de las piernas. Nota, en realidad no van directamente hacia abajo, como pensarías. Eso no es del todo correcto. Se angulan hacia adentro hacia la rótula así. Simplemente indicaré la rótula o el área de la rodilla con un bloque. La parte inferior de la pierna va más o menos recta hacia abajo así hasta el tobillo. Ahora estoy haciendo declaraciones de barrido aquí. Recuerda, no te estoy mostrando este sistema de ninguna manera para ser tomado como un plano para la figura. Este es un esqueleto muy simplificado con el que se puede trabajar para llegar a entender el movimiento general del cuerpo. Para los pies, solo dibuja triángulos así. Entonces cuando se trata de los brazos, dibuja la parte superior del brazo hacia abajo para alrededor de esa zona entre la jaula costilla y la pelvis, el área de la cintura. Aquí es donde generalmente está el codo. No es un sistema de medición exacto. Después, cuando dibujas los brazos inferiores y la mano, las puntas de los dedos suelen terminar alrededor del tercio medio o superior de la pierna superior. Entonces la cabeza se puede representar con una forma ovalada simple. Esa es una figura completa en su forma más simple. Ahora puedes usar este sencillo maniquí para practicar el dibujo, para figurar el movimiento y conseguir confianza dibujando las poses. Te mostraré cómo hacer eso. Lo que quiero que hagas para tu primer ejercicio es practicar poses de dibujo con este esqueleto muy pareado. Dibujas la jaula de las costillas y la pelvis así en diferentes direcciones con relación a la otra. Puede indicar la columna vertebral con una línea simple, y luego agregar en las piernas y los brazos. Eso completa una pose interesante, entonces puedes agregar en la cabeza. Simplemente comienza con una línea simple para la columna vertebral y trabaja desde ahí. Trata de aclarar en tu mente qué están haciendo la dirección de las caderas y la dirección de los hombros en relación entre sí. Eso realmente ayudará. Como dije, no importa si comienzas con la pelvis o comienzas con la jaula de las costillas. Aquí, estoy usando la columna vertebral como una línea de acción como una curva S o una curva C. Estoy tratando de encajar la pose encima de eso. A lo mejor para este último, el cuerpo se está inclinando. Tengo hombros, los hombros van a estar inclinándose bastante extremadamente así. Haré las rodillas dobladas. Recuerda, este es en realidad un simulacro de muy buena práctica para conseguir que tu equilibrio sea correcto en tus dibujos. Usa los brazos y las piernas para asegurarte de que tu saldo central permanezca en jaque. Una forma de asegurarse de que esto es sólo comprobar si la cabeza nunca está realmente más lejos de lo que es sin brazos para contrarrestarla. Ahí vas. Se acabó para ti. Tómate un tiempo ahora o más tarde en tu cuaderno de bocetos para elaborar un par de páginas de poses utilizando esta técnica de esqueleto muy simplificado. Diviértete con ellos y ve cuántas poses de acción diversas se te puede llegar. Cuando estés listo, te veré en la próxima conferencia donde te voy a mostrar cómo dibujar rasgos estilizados de la cara y cómo dibujar la cabeza desde cualquier ángulo. 5. Dibujar rostros desde cualquier ángulo: Ahora, te voy a mostrar cómo dibujar rasgos estilizados muy simples de la cara para personaje masculino o femenino. Nuevamente, esta es solo una guía para demostrar cómo trabajar con proporciones de la cara y cómo simplificar las características. No es una plantilla para todas las figuras humanas de ahora en adelante. De hecho, no digo que tengas que dibujar a tus personajes así de todos modos, simplemente te estoy mostrando un taladro de dibujo rápido que realmente te hará sacar velocidad a la hora de dibujar caras. En Photoshop, voy a agarrar el cepillo de borde redondo duro predeterminado como antes, manteniéndolo bastante pequeño, y como antes, voy a bajar la opacidad. De nuevo, sólo me ayuda a dibujar áspera y suelta. Empezaré dibujando un círculo así de este lado, y uno por aquí. Unos van a ser un rostro masculino y uno será un rostro femenino. Ahora desde el borde del círculo, voy a dibujar una mandíbula cuadrada y cuadrada. De este lado, será mucho más cónica y redonda la mandíbula bajando así. Estas dos formas son básicamente los fundamentos o las formas fundamentales para caras humanas de aspecto más realista. a mitad de camino es más o menos a donde va la línea del ojo. Bueno, esta línea para el ojo también representa adónde va la oreja, y luego abajo de la línea media central es donde irá la nariz. Ahora esta es una vista de tres cuartos, no es centro muerto, poco más a la derecha. Voy a marcar en las indicaciones para los ojos sin ser demasiado exacto en este punto. Entonces la boca puede ir alrededor de un tercio del camino hacia abajo entre la parte inferior de la nariz y la parte inferior de la barbilla. Ahora puedo agregar en la línea del cabello, que en realidad la mayoría de la gente no se da cuenta al principio, ocupa bastante buena parte de esta cabeza entera. Mucha gente cuando están empezando como pondrá las características de la cara un poco demasiado arriba y no se dan cuenta de que la línea del cabello en realidad viene muy baja. Los rasgos mismos sólo ocupan alrededor de la mitad inferior de la forma. Sobre el dibujo femenino. Voy a dibujar la oreja y eso me ayuda a descifrar la orientación de toda la cabeza. Nuevamente, estoy siendo muy simplificado y estilizado cuando se trata de los ojos. Un buen consejo cuando estás dibujando ojos femeninos especialmente es hacer que esta tapa superior sea un poco oscura o más pesada que la parte inferior y eso da la impresión de pestañas, y eso es bastante efectivo. Nuevamente, esta es también una vista de tres cuartos, no una vista completa. Entonces dibujaré el cabello bajando. la nariz de un personaje femenino convencional es más pequeña. Si quieres esa clase de cara bonita, entonces puedes ir por una nariz pequeña y hacia arriba como esa. Nuevamente, la boca llega alrededor de un tercio entre la parte inferior de la nariz y la barbilla. Esos son algunos generales y como digo, formulaciones genéricas muy tranquilas de unir las características del rostro. Se puede practicar con el estilo, cambiar los ojos, cambiar la forma de la mandíbula, y ver cómo eso afecta el aspecto general del personaje. Si estás contento con tu dibujo áspero como este y quieres limpiarlo. Simplemente agrega una nueva capa, sube un poco la opacidad del pincel ahora para que estés trabajando con un pincel más oscuro. Entonces puedes empezar a redibujar tu imagen usando líneas definidas donde anotes eso es lo que quieres escoger. Simplemente realmente estoy recogiendo las formas del cabello y trabajando alrededor de la cara para refinar y perfeccionar el trabajo de línea. Podría no ocurrir un sorteo final en este primer pase, tal vez lo haga un par de veces para hacerlo bien. Pero todo se trata de trabajar progresivamente y llegar a ser más preciso con cada pase que hagas. De igual manera, si quieres dibujar la cara masculina, puedes ver, solo estoy escogiendo las líneas importantes. Esto también te va a dar alguna práctica para dibujar líneas lisas y limpias para tu cara de limpieza, a la que llegarás hacia el final del curso. Sólo para recapitular. Para dibujar cualquier cara de aspecto genérico, puedes simplificarla con un círculo que se va a leer como un círculo desde cualquier ángulo, y la forma como esta para la mandíbula. Después una línea a través del punto medio para los ojos y una línea bajando para representar la línea media de la cara, que se moverá de izquierda a derecha dependiendo de la forma en que se vea el personaje. Desde diferentes ángulos, todo lo que hay que recordar es que la mandíbula es en realidad una forma cónica en caja que es 3D, tridimensional. Simplemente piénsalo como una forma de cilindro cuadrada que está debajo de la forma redonda del cráneo. Si lo ves desde abajo, por ejemplo, lo vas a ver algo como esto. Desde arriba, por ejemplo, estás mirando hacia abajo arriba del cráneo así. No vas a ver demasiado toda la forma de la mandíbula boxy. Es posible que simplemente veas el fondo de la barbilla y la nariz, algo así. Tómate un tiempo ahora, practica dibujar estas cabezas en diferentes posiciones usando sólo estas dos formas simples. A ver si puedes obtener cabezas de dibujo confiadas en diferentes ángulos. Dibuja algunas cabezas mirando hacia arriba o hacia un lado o en una vista de tres cuartos, y luego cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente conferencia y te voy a mostrar cómo dibujar personajes estilizados a partir de objetos simples. 6. Ejercicios para construir personajes: En este video, te voy a mostrar un último simulacro antes de pasar a la siguiente parte del curso, y éste te va a ayudar a llegar a ideas de personajes. Si alguna vez estás atascado tratando de llegar a ideas para personajes, y sientes que no tienes una buena idea así que no tiene sentido hacer nada, este ejercicio te ayudará a eludir esa resistencia o ese bloqueo y ver personajes dondequiera que mires. El modo en que va este ejercicio es que se basa en la idea de que podemos trabajar con formas básicas. Lo que haces es mirar a tu alrededor dondequiera que estés en este momento o mirar por la ventana, pero escoge un objeto que puedas ver que puedes estudiar por un tiempo, y tratar de destilar ese objeto hasta su forma más básica, su forma más básica. Escogí tres objetos en mi habitación. Tengo esta taza de café, un poco de bálsamo labial, y también estoy usando este gran abanico. Voy a bloquear de manera suelta y aproximada la forma básica como la veo, que en este caso es más o menos un rectángulo. Enseguida empiezo a pensar que esto podría ser un personaje masculino. Voy a añadir un poco de forma cuadrada para su cabeza, y luego puedo agregar pies en la parte inferior y su brazo considerar dibujar así, copiando el mango de la taza. Empiezo a ver en mi mente que tal vez este personaje está en traje, por los hombros afilados. Les voy a dar una chaqueta como esta, y piernas, y es tan simple como eso. Solo necesito entrar y agregarle características a la cara, pero ya, puedes ver aquí que viene un personaje totalmente creíble. Es muy estilizado, pero es un personaje sin embargo. Entonces sólo voy a dejar eso ahora y pasar a la siguiente. El segundo objeto que tengo es este tubo de bálsamo labial. Nuevamente, esta es una forma muy básica, es solo un pequeño cilindro, pero si añado piernas y tal vez una cabeza con forma divertida, hay un personaje empezando a emerger. Este, probablemente un personaje femenino, y puedo agregar brazos, y si me aplano ligeramente la cintura, entonces definitivamente empieza a parecerse a un personaje femenino. De hecho, no me gusta nada la cabeza así que voy a cambiar eso. A lo mejor darle un poco más de cabeza genérica ahora que sé en qué dirección voy, y ella puede estar sosteniendo un libro o una carpeta de algún tipo. Hay un segundo personaje hecho en tan solo un par de minutos. Pasemos al tercero. Este tercer objeto que tengo parece bastante complejo al principio, pero sólo lo voy a pensar como un círculo redondo. Empezaré más o menos con eso y dibujaré una gran forma de círculo redondo para el cuerpo principal, y añadiré de nuevo solo pequeños pies al final. Recuerda, estoy tratando de apegarme a las formas básicas, y de priorizar esa forma a lo largo de todo el personaje. Por eso mantengo las piernas y los brazos un poco pequeños. Es por eso que realmente no me enfoco tanto en extremidades largas o extremidades detalladas pero solo quiero priorizar esa gran forma redonda. Ahora estoy pensando que esto parece un personaje de niño tal vez, tal vez lleva un sombrero divertido, e incluso puedo hacer referencia a esas cuchillas en el abanico en la parte superior del sombrero. Muy simple, muy fácil, y áspero, pero aquí está la base para un tercer personaje. Ahora puedo mirar los tres bocetos y empezar a refinarlos, y redibujarlos si quiero, si creo que aquí hay algo interesante. Mi proceso habitual, como probablemente ya sabrán, en la pila de capas, voy a arrastrar la opacidad por en la pila de capas, esta capa para que esté un poco desvanecida, y me aseguraré de bloquearla para que no dibuje en ella. Entonces le añadiré una capa completamente nueva encima. Ahora, me acercaré a este tipo, y apenas empezaré a redibujar con sólo seguir el dibujo muy áspero debajo. Esto sigue suelto y áspero, esta parte. No estoy haciendo un dibujo final, final limpiado. Solo estoy haciendo algunos ajustes y buscando si vale la pena llevar este dibujo a una etapa final. Podemos hacer lo mismo por el personaje femenino. Ya tienes la idea. Es un proceso realmente fácil si comienzas muy áspero y muy suelto. Todo se trata de practicar. Eventualmente, te pondrás bien saber qué taquigrafía usar para cosas como características de la cara. Pero sólo llegarás ahí practicando mucho, y así un ejercicio como este es realmente bueno porque no necesariamente tienes que pensar demasiado en el carácter, personalidad, en la historia. Simplemente estás buscando a tu alrededor formas básicas y usando eso como punto de partida. Esos son mis últimos tres personajes. Ahora bien, si quisiera, podría elegir uno de ellos y realmente trabajarlo hasta un dibujo detallado de color terminado, pero ese no es el punto de este ejercicio. El punto es practicarlo. Lo que quiero que hagas es quizá probarlo por ti mismo, darle una oportunidad, darte tal vez como media hora de tiempo de práctica, y elegir uno o dos objetos y ver si podrías usarlos como base para un cool realmente interesante carácter. Entonces cuando estés listo, reúnete conmigo en el próximo video, donde empezaremos a trabajar en nuevas ideas para nuestro proyecto final. Te veré entonces. 7. Investigación y desarrollo: quién es tu personaje: Ahora llegamos a la sección del curso donde vas a trabajar en tu propio personaje. Es posible que tengas una idea muy clara de en qué personaje quieres trabajar, o puede que en esta etapa no tengas ni idea de lo que quieres hacer. Eso está totalmente bien. Hay dos pasos de los que voy a hablar en este video. Si sí tienes una idea del carácter exacto que quieres dibujar y pintar, solo puedes saltarte adelante al paso 2. Pero el paso 1 realmente te ayudará a idear algún tipo de idea para empezar a trabajar. Si no tienes ni idea alguna sobre el personaje, entonces este es el paso 1. Te quiero ante todo, solo para sentarte y pensar en el tipo de películas, el tipo de libros, música o arte que realmente te inspira. Piensa en lo que te gusta ver y qué tipo de películas, cosas como esas te interesan. Por ejemplo, te podría encantar ver películas de Hayao Miyazaki, esas películas de anime japonés. Entonces si piensas en ellos, entonces puede ser podrías imaginar por ti mismo un personaje de un niño pequeño, una niña o un niño en una situación cotidiana, en la escuela o en casa y luego algo extraordinario les pasa, ellos se impulsan a un mundo mágico. Bueno, ahí mismo, tienes una idea muy convincente para un personaje. Esta es solo una muy buena forma general de llegar a ideas si te sientes un poco atascado. Una vez que tienes un personaje muy en mente, el siguiente paso es llegar a lo que yo llamo un perfil de personaje. Esto en realidad es muy importante. Te animaría a que no te saltes apuntando un perfil de personaje antes de pasar a la pintura. Lo primero que quiero que hagas es que se te ocurra un nombre para tu personaje. En realidad es muy importante nombrarlos. Tu personaje tiene que tener un nombre. Hasta que él o ella tenga un nombre, su personalidad simplemente no pasará con tanta fuerza. Tómate unos minutos y piensa en un nombre. Anote eso. Puedes cambiarlo más adelante. Eso no es un problema. Pero solo por un punto de partida, se te ocurra algo con lo que puedas trabajar, con lo que estés contento ahora mismo. Una vez que tengas nombre, entonces quiero que escribas qué edad tienen. ¿ Son jóvenes, de mediana edad, viejos, extremadamente viejos, antiguos? Ponga algún número áspero para qué edad tienen. A continuación, lo que vas a hacer es enumerar algunos de sus atributos físicos. ¿ Tienen pelo rosado? ¿ Son muy altos, cortos, sentadillas, redondos? Cosas así. Sólo general, no tienes que ponerte específico en absoluto. Ideas muy generales para atributos físicos. Nuevamente, como digo, todo esto podría cambiar una vez que empieces a dibujar, pero necesitas tener un punto de partida para tu dibujo. Te va a ayudar mucho para al menos empezar. Lo siguiente que quiero que hagas es pasar a su apariencia. ¿ Cómo se visten? ¿ Se visten como un vikingo, un samurai, un escolar? Piensa en su ropa. Entonces, por último, puedes anotar algunos rasgos de carácter. No tienes que describirlos completamente, sólo decir una o dos cosas, ¿son valientes, intrépidos, o muy tímidos o tímidos? Son fundamentalmente defectuosos en algún tipo de forma. Ese es tu perfil de personaje. No tienes que pensarlo de más. Como dije, no tienes que escribir párrafos para cada uno de estos títulos, solo una o dos palabras para darte algo en lo que empezar a trabajar. En el siguiente video, voy a hablar de su referencia visual. Una vez que hayas anotado tu perfil de personaje, ponlo a un lado, encuéntrame en la próxima conferencia donde vamos a empezar a hablar de cómo construir una biblioteca o un tablero de humor para referencia visual. 8. Investigación y desarrollo: recopila y estudia referencias visuales: Ahora que tienes tu perfil actual, es hora de conectar referencia visual. Esta parte es tan importante como escribir el nombre de tu personaje y rasgos de personalidad y no quiero que te saltes esto y tampoco quiero que malinterpretes el paso. No se trata de encontrar imágenes que puedas copiar, realmente se trata de encontrar inspiración. A lo que me refiero con eso es, por un lado, sí necesitas referir otras formas de arte para abrir tu propia creatividad y permitirte tal vez tomar eso como punto de partida y desarrollar tus ideas. Por otro lado, también necesitas alguna referencia estructural muy sólida desde la que puedas trabajar para que las cosas que dibujas sean creíbles. Por ejemplo, si estás dibujando un personaje que tiene un escudo vikingo, o un casco, o alguna parafernalia muy específica, podrías hacer esa cosa por completo de tus cabezas. Pero entonces cuando la gente mira tu cosa inventada muy singular, tal vez no nos atrapen o quizás no entiendan realmente lo que es. Pero si te refieres a las cosas que estás dibujando para ver exactamente cómo funcionan los escudos o cómo encaja amour, y luego agrega tu propio estilo encima de eso. Cuando alguien lo mira, entonces lo conseguirán y entenderán qué es lo que estás dibujando. Diseñadores en todas partes hacen esto. Este es siempre el primer paso. En ocasiones lo llamarán tablero de humor, donde reúnen todo tipo de referencia visual, incluso esquemas de color y lo juntan todo en una sola hoja para que puedan mirarlo y simplemente absorber toda esa información. Tomarán imágenes de cualquier cosa y todo vagamente relacionado con el proyecto en el que están trabajando, y lo recopilarán en un solo collage visual. Una vez que has hecho eso y has pasado por todo este proceso que estoy insistiendo en que lo hagas ahora mismo, quiero que lo guardes y en realidad no lo mires más. La idea es que obtienes todas tus referencias visuales y todas tus imágenes, las estudies, las dejas que todas se empapen en tu cerebro y luego las saques de tu sitio. Porque cuando comienzas a dibujar, solo quieres empezar fresco desde tu propia actitud natural de punto de vista. Entonces verás que algo emocionante empieza a emerger, y será todo lo más rico para la investigación que has hecho. 9. Bosquejo, Método 1: Ya tengo una idea para el personaje en el que voy a trabajar. Es una superheroína espacial femenina, un poco de [inaudible] y Star Wars conoce Katniss con algún capitán Marvel arrojado. Todavía no estoy del todo seguro, pero esa es la dirección general. Esos personajes de todos modos, son algunas de las influencias que he estado mirando. Resulta que mi idea es un personaje de aspecto bastante realista, pero eso es solo porque quería asegurarme de que cuando entramos en el proceso de pintura, tengo algo un poco más convencional en lo que trabajar para que puedas ver como yo detallar las cosas hacia fuera y cómo trabajo una pose de aspecto realista. Pero definitivamente se puede trabajar en un personaje estilizado. Eso está totalmente bien. El proceso es justo el mismo. Cuando comienzas a desarrollar tus dibujos para tu diseño final de personaje, hay dos métodos de trabajo preparatorio áspero por los que quiero guiarte. Puedes elegir cualquiera de ellos, lo que sea más adecuado para ti. Básicamente, lo que estamos haciendo en estos breves bocetos para este video y el siguiente es que estamos tratando de identificar a nuestro personaje a través de las poses que tomarían. Voy a saltar a Photoshop. Este primer método se trata realmente de dejar que las líneas corran libres y sueltas alrededor de la página. Estoy pensando, obviamente mi personaje es todo un tipo guerrero, así que tal vez está sosteniendo una espada y la ponemos en una postura como esta. No estoy tratando de escoger ningún detalle, es sólo un boceto muy suelto y áspero basado en el perfil del personaje que escribí, y también en base a algunas de las imágenes que he estado mirando en términos de referencia. Con eso hecho y alejarme eso, sólo voy a pasar rápidamente a otra. A lo mejor en esta pose, está impactando con su espada. Nuevamente, no importa las proporciones y cosas así, no son realmente tan importantes en este momento. Se trata de conseguir una buena silueta. diseño de silueta y carácter significa que puedes leer exactamente lo está haciendo el personaje si lo bloquearas por completo y simplemente lo ves como una forma de bloque. Eso es lo que buscas, siluetas fuertes, poses fuertes. Este tercero, tal vez lo haga de pie un poco más. Si bien estoy dibujando esto, estoy empezando a tener la idea de cómo va a ser su armadura o su ropa. Ahora, puedo empezar a ser un poco más específico. Por ejemplo, en mi perfil de personaje, identifiqué que quería que tuviera estas fuertes armaduras de hombro y cinturones y botas. Este parece que está empezando a pasar un poco. Podría estar trabajando en esto más tarde. Voy a hacer una pose más en este método y a ver si algo salta. Entiendes la idea. Déjame ver. Estoy tratando de dibujar para hacer tantas poses diferentes como pueda al principio para que si algo nuevo sí salte hacia mí, es mucho más probable que lo haga cuando estoy dibujando de esta manera. Más adelante, estarás demasiado obsesionado con tu idea y un poco más rígido y no podrás necesariamente dejar pasar esas ideas. Esta etapa es realmente importante. Si agarro todos estos bocetos ahora y sólo los pongo fuera del camino, creo que podría simplemente hacer un boceto final más basado en estos dibujos que he ideado. Yo estoy pensando, la voy a hacer de pie sólo para que pueda elaborar algunos detalles sobre su ropa y cómo se ve eso. Lo dejaré en eso por ahora. Esta pose, creo para mí, es en realidad probablemente más cercana a lo que quiero trabajar para mi diseño final de personaje. Voy a quedarme esta por ahora y volveré a ella. Pero quiero mostrarles otro método desarrollar sus roughs y eso es en el siguiente video, así que encuéntrame ahí y haremos la exploración final en bruto. 10. Bosquejo, Método 2: Este segundo método para desarrollar tus bocetos en bruto realmente se trata usar valores de sombreado y tonales para construir tu curva a poses. Tal vez prefieras este método al anterior que te mostré. Si eres un poco más pictórica o te acercas a tu trabajo en cuanto a ver sombras y luces. Al igual que antes, voy a empezar a bloquear más o menos siluetas. En esta instancia, quiero ver un poco de una pose de acción viniendo sobre el personaje. A lo mejor está corriendo. Nuevamente, sin detalles en absoluto, solo forma pura, pura silueta. De hecho, los detalles comenzarán a llegar a través de esos valores tonales todos ellos mismos, cual es algo bastante bonito de este método de desarrollo de roughs. Para posar, esto es realmente, realmente bueno. No me preocupa en absoluto cómo se ve el personaje o qué está pasando, realmente me preocupa la acción y el movimiento. Creo que este pincel no es genial. Lo que voy a hacer, es simplemente cambiar a un cepillo redondo suave, solo un regular con bordes suaves, uno de los pinceles por defecto, y eso es mucho mejor. Realmente necesito poder ver que esos valores tonales se van acumulando progresivamente. Simplemente hace que todo el asunto sea mucho más sugerente, mucho más abierto a la interpretación. Esto podría parecer absolutamente nada por el momento, pero eso está totalmente bien. Cuanto más veas estas cosas, más podrás empezar a ver formas y ver que los detalles emergen por sí mismos. Déjame sacar a estos tipos del camino. Haré un par más con este cepillo redondo de bordes suaves. Ahora, voy a trabajar sólo en una pose de pie regular. A estas alturas, casi tenemos una idea de quién es este personaje a través de este trabajo exploratorio. Voy a empezar a liderar un poco más hacia una pose de pie convencional. A lo mejor sólo voy a hacer una más por aquí. Eso es suficiente para mí. Lo siguiente que voy a hacer, como de costumbre, es hacer una nueva capa encima de estos dibujos tonales ásperos. Ahora voy a cambiar a un cepillo de borde duro. Ahora, puedo bajar bastante ese tamaño de pincel y seguiré manteniendo baja la opacidad. Pero ahora con esta línea más precisa, voy a trabajar alrededor de esta forma y de la silueta. Sin hacerle demasiado más porque no quiero pasar demasiado de mi tiempo ahora en esta etapa dibujando detalles, en realidad voy a retroceder ahora y a detenerme de sobretrabajarlo realmente. Estoy muy contenta con eso. Voy a parar ahí mismo. En el siguiente video, voy a mirar todos los dibujos en bruto que se hacen hasta ahora y tomar los elementos que creo que están trabajando en cada uno de ellos y tratar de destilarlos en un último dibujo en bruto. Echa un vistazo a este método usando sombreado y bloqueando tus siluetas con valores tonales. A ver si eso te funciona. Entonces cuando estés listo, encuéntrame en la próxima conferencia y empezaremos a finalizar nuestro diseño de personajes. 11. Limpieza final del trabajo lineal: Apenas estoy a punto de limpiar mi dibujo. Pero lo último que quiero hacer en este dibujo áspero es obviamente agregar las características de la cara. El rostro de Jenna va a ser rasgos faciales un poco estilizados, simplificados, estilizados. Porque esta sigue siendo mi cara áspera, definitivamente todavía no es muy hiper-detallada. Eso me parece bien por la cara por ahora. En esta etapa, esta es una muy buena etapa para hacer algunos ajustes muy finales si querías cambiar algo como, por ejemplo, no creo que sus hombros sean correctos. Yo solo haré ese pequeño cambio ahí. Ya lo voy a dejar. Ese es mi dibujo áspero terminado. Ahora que tengo esa fase hecha y espolvoreada, es hora de pasar a la fase de limpieza. Una limpieza de animación significa limpiar tu trabajo de línea para que sea solo una línea suave, muy limpia y precisa en todo el camino. Para el arte conceptual, es posible que tu trabajo de línea no sobreviva realmente hasta la iteración final donde tienes tu pintura conceptual final. Pero para algo así como cómics, es posible que quieras mantener tu línea de trabajo como parte de tu diseño final de personaje. Déjame mostrarte exactamente cómo harías eso si quisieras mantener tu línea funcionando, apuntando a una sola línea muy limpia y nítida. Hay un par de herramientas que quiero presentarles ahora en esta etapa que realmente te ayudarán con esta fase de limpieza. La limpieza puede ser un proceso muy tedioso. No voy a mentir. Hay una cantidad sorprendente de deshacer. Vas a encontrar que dibujarás una línea y desharás eso, dibujarás de nuevo, la desharás, la dibujarás de nuevo. Hasta que lo hagas exactamente bien. Pero eso es sólo parte del proceso. La única opción que tienes es bajar la opacidad de tu capa áspera hacia abajo y luego empezar a dibujar encima de eso. Estás usando tu capa áspera como guía y dibujando en la parte superior. El otro método que me gusta usar es bloquear capas transparentes. En la pila de capas, si haces clic en esta capa y justo encima de ella, puedes ver que aquí hay este icono con la cuadrícula. Si haces clic en eso, lo que eso hace es que bloquea todos los píxeles dentro de esa capa que no tienen marcas en ellos. Lo que eso te permite hacer, es elegir otro color por completo, aumentar el tamaño del pincel y básicamente pintar sobre. Eso simplemente cambia básicamente el color de ese dibujo por completo. mí me gusta hacerlo así porque eso significa entonces que cuando voy a dibujar sobre ellos, tengo la capa azul debajo, que es muy distinta de las tintas negras que estoy usando en la parte superior. Simplemente me ayuda a hacer que la diferenciación sea un poco mejor. Para mi línea de limpieza final, voy a usar un negro muy muy oscuro y mantener tu opacidad bastante alta y luego solo usar una línea lo más limpia que pueda. De aquí en adelante, es una medida de ser paciente y tomarte tu tiempo y trabajar alrededor de todo el dibujo para conseguir esas lindas líneas limpias. El siguiente paso del que quiero hablarles para la limpieza es utilizar la herramienta Rotar. Golpea R en tu teclado y eso trae hacia arriba esta herramienta Rotar, que luego podrás girar el lienzo alrededor para darte un ángulo que más te convenga para una línea recta y limpia. Para mí, a menudo sucede que puedo dibujar una línea recta de abajo a izquierda de arriba a derecha. Usaré bastante la herramienta Rotar para hacer esas líneas. Lo siguiente que quiero señalar es, no tengas miedo de ajustar tu trabajo de línea con la herramienta Transformar. Esto en realidad es algo muy útil de hacer. En otras palabras, si una línea es correcta para el peso y la suavidad, pero está ligeramente apagada en cuanto a su posición, entonces solo usa el Lasso y selecciona esa sección de línea. Pulsa Command o Control T en tu teclado y luego puedes moverlo en su lugar o cambiar ligeramente la orientación. Otra cosa que puedes hacer, lo cual es realmente útil, es que si tu línea necesita ajustarse en un solo área, pulsa Command T y luego sube a este pequeño ícono aquí, que enciende la cuadrícula warp. Entonces en realidad puedes empujar y tirar de tu línea para hacer esos ajustes incrementales. No usaría esta herramienta en grandes trozos de trabajo de línea. Ciertamente no porque definitivamente distorsionará tu trabajo de línea. Pero si son áreas pequeñas que podrían usar ajuste y no quieres volver a dibujarlo, ese es un consejo muy útil. Voy a seguir haciendo que mi última línea funcione para estos dibujos. Esto podría llevarme un par de pases. No necesariamente haría mi muy final limpiada línea en este pase pero al menos me estoy acercando cada vez. Es posible que tengas que hacer un pase de limpieza y luego un final de limpieza quieren. Sólo ten eso en cuenta. Esos son los principales consejos y técnicas para limpiar tu obra de arte. Espero que sean útiles y te ayuden en tu proceso. 12. Elegir una paleta de colores: En esta sección, vamos a empezar a pintar de verdad, y te voy a hablar de cómo elegir tus paletas de colores, cómo mezclar tus colores con tu pincel, y un par de tipos más y técnicas para configurar tus colores antes de sumergirte y empezar a pintar. Aquí está mi diseño final de personaje. Hice un par de retoques, mis últimos retoques. Básicamente, decidí que los guantes de Jenna no funcionaban para mí. Parecían un poco demasiado políticas, así que quería que tuviera un poco más de una mirada renegada. Acabo de añadir la letra protectores antebrazos. También le hice algunos ajustes en el cabello. Siento que esto es completamente definitivo, ahora lo estoy bloqueando. No voy a tocarlo de nuevo, y me voy a preparar para pintar. Lo primero que siempre hago cuando empiezo a pintar es que quiero agregar un fondo gris neutro. El motivo por el que hago esto es porque usando colores sobre un fondo blanco puro, que los colores tenderán a verse más oscuros de lo que realmente son, y también si pintas sobre un fondo muy negro, los colores podrían verse más brillantes de lo que realmente son, por lo que un gris neutro es el mejor fondo para trabajar. En mi pila de capas, solo agregaré una nueva capa, y de hecho, en realidad puedo eliminar esta capa de fondo porque ya no la necesito. Llénalo de gris, o podría haber simplemente llenado esa capa de fondo con gris, pero de cualquier manera, bloquearé esta capa. Entonces voy a ir por aquí y hacer doble clic en estas muestras para sacar mi recolector de color. Por lo que esta ventana es el seleccionador de color predeterminado en Photoshop, y la mía probablemente se vea un poco diferente a la tuya. Eso es simplemente porque tengo mentalidad a S para la saturación. A lo mejor el tuyo está en H, que significa matiz, y se verá un poco así. Simplemente explicaré la diferencia entre esos dos ajustes, porque es útil saberlo, lo desmitifica un poco. Cuando estás configurado en H, esencialmente usas este selector, puedes arrastrar esto todo el camino a través de esta ventana aquí para seleccionar básicamente diferentes grados de saturación, de brillo, o de oscuridad. Pasar de arriba a abajo afectará el brillo o la oscuridad del color, y moverse de izquierda a derecha afectará la saturación, si quieres una muy desaturada o altamente saturada. Para elegir el tono, solo tienes que mover este deslizador hacia arriba y hacia abajo. Tengo el mío set en S porque me gusta poder mirar todos los colores a la vez cuando estoy recogiendo mis colores, es justo a lo que estoy acostumbrado. Esto me da todos los colores en el espectro mientras muevo mi seleccionador de color de izquierda a derecha, y puedo elegir el color más brillante al más oscuro yendo de arriba a abajo dentro de ese rango. Entonces si quiero ajustar la saturación, solo muevo el deslizador aquí a la derecha. Por lo que depende de ti con lo que te sientas más cómodo. Pero hay otra opción que quiero mostrarte en cuanto a tu selector de color, en tu flujo de trabajo, puede ser un poco molesto tener que venir siempre a esta muestra para hacer doble clic con el fin de tirar hacia arriba tu seleccionador de color. Hay otra opción que puedes hacer y no como si subas a ventana y eliges color, entonces esta ventana aparece y puedes dejar esto abierto a medida que trabajas. Este se ve muy diferente. Si quisieras, podrías subir a este menú desplegable y ponerlo a matiz o a brillo; pero me gusta dejarlo en este ajuste porque es la rueda de color, y de un vistazo puedo ver colores complementarios, y yo puede ajustar los deslizadores de brillo y saturación al mismo tiempo aquí arriba, pero no voy a preocuparme por esta ventana por el momento. Lo estaré sacando más tarde cuando esté pintando y entrando en más detalle. Por ahora, solo voy a usar el recolector de color regular. Yo sólo quería que estuvieras al tanto de ello para que sepas cómo funciona. Lo primero que siempre hago cuando empiezo a pintar es elegir una paleta de colores. Esto es muy útil porque te mantiene enfocado en un esquema de color y no tienes que empezar a adivinar más adelante qué colores usar. Todo lo que haces esencialmente es en una nueva capa, agarra un pincel de textura o cualquier pincel realmente. No te preocupes, te estaré dejando todos estos pinceles que utilizo a partir de ahora en tu sección Recursos. El primer color que quiero es que estoy pensando en un azul oscuro y un marrón oscuro. También quiero un gris. También quiero verde oscuro ejército, y por último, quiero un color de acento, quizá un rojo bonito. A continuación, quiero mostrarles un par de atajos que estaré usando para el próximo tiempo. Una es cómo mezclar colores y la otra es cómo cambiar los pinceles mientras estás trabajando. Mezclar colores mientras estás pintando es en realidad clave para el proceso de pintura que te estaré enseñando. Lo que haces es, cuando estás en modo pincel puedes bajar la opacidad de tu pincel ya que esto te ayuda a acumular tono de manera consistente. Cuando tienes dos colores que se encuentran y se superponen, básicamente has creado un nuevo color. Si bien todavía está en modo pincel, mantén presionada la tecla Alt de tu teclado, y eso solo trae hacia arriba el seleccionador de color. Podrás entonces probar ese nuevo color. Deja ir de viejo y estás de nuevo en el pincel. Si sabes a lo que me refiero, y puedes seguir pintando. Después puedes muestrear, hacer clic en el “Nuevo color”, pintar, muestrear. Eventualmente da una forma muy natural y cohesiva de mezclar colores a través del gradiente. Después para cambiar los pinceles mientras estás trabajando, de nuevo, necesitarías quedarte en modo pincel, haz clic con el botón derecho en cualquier lugar de tu lienzo, y eso abrirá tu menú de pinceles. Después puedes desplazarte por tus pinceles o simplemente subir hasta aquí a la parte superior y verás tu pincel usado más recientemente. Puedes hacer click en eso, ajustar el tamaño si es necesario y seguir trabajando. Lo mismo realmente funciona para la herramienta de borrador. Si pulsas “E” en tu teclado, puedes hacer clic derecho y cambiar la forma o las propiedades de tu borrador y seguir trabajando. Esas son algunas opciones de flujo de trabajo muy útiles. Espero que los encuentres útiles si no los conoces ya. Todo el punto de esto es que quería desmitificar un poco del proceso de coloración para ti porque en realidad es muy sencillo. Lo creas o no, se ha hecho todo el arduo trabajo. Conseguir que esa fase de boceto en bruto termine y termine con y limpie su trabajo de línea. Esa fue realmente la fase dura. De aquí en adelante, en realidad es bastante fácil. Es muy sencillo y sencillo. Te veré en el siguiente video, comenzaremos a pasar por algunas de las técnicas y procesos de pintura. 13. Colores planos: En este video, quiero mostrarte una forma de crear una capa de color completamente plana que funcionará muy bien como una capa base para agregar textura y sombreado más adelante. Si te sumergieras enseguida y empezaras a cepillar capas de color, y sombrear, y agregar textura, muy rápidamente te encontrarías problemas y tardarías mucho más tiempo que el proceso que estoy a punto de mostrarte. Este método que estoy a punto de mostrarte te da un sistema de coloración realmente eficiente, y también te permite cambiar los colores muy fácilmente con tan solo un clic de la herramienta Cubo. Lo que quieres hacer es seleccionar todo dentro tu línea de trabajo para que tengas una silueta completa de tu personaje. Una forma de hacerlo es usar la herramienta Lasso y trabajar alrededor de todos los bordes de Azure, seleccionando cuidadosamente todo hasta que tengas esa silueta completa. Pero hay una manera mucho más fácil. El único es que realmente depende de si tienes o no un trabajo de línea cerrada. Si hay huecos o aberturas en el trabajo de línea alrededor de sus bordes de Azure, este método no funcionará. Esperemos que su trabajo de línea esté cerrado. Entonces solo asegúrate de que estás en tu última capa de línea, pulsa “W” en tu teclado para abrir la herramienta de varita mágica, y haz clic en cualquier lugar de tu lienzo fuera del trabajo de línea. Eso va a seleccionar todo dentro de esta área. Después subes a “Seleccionar”, selecciona “Inverse”, y ahora se selecciona todo el interior de tu personaje, incluso aquellas intrincadas áreas o áreas pequeñas que tienen líneas abiertas o huecos. Se quiere tener toda esta zona completamente llena de un color plano, y te mostraré por qué después. Iré con este gris neutro. No tiene que ser gris. Podría ser de cualquier otro color, pero por el bien de la selección de color de la que hablé antes, voy a ir con gris, y luego voy arriba aquí a mi pila de capas y aquí arriba, haga clic en “Bloquear píxeles transparentes”. Ahora puedo pintar sobre el color gris, y sólo va a pintar el área dentro de las líneas. Es una forma rápida y fácil de empezar a poner tus colores planos para los tonos de piel, para los colores de su uniforme, para su cabello, cosas así. Ya que hay muchas áreas más pequeñas para colorearse, voy a usar bastante la herramienta Lasso. Por ejemplo, con sus manos, las seleccionaré usando la herramienta Lasso así. Tenga en cuenta que en realidad no tengo que seleccionar el borde Azure de las manos. Eso se debe a que ese límite está definido por esos píxeles transparentes y también por el color plano gris. Por lo tanto, puedo usar la herramienta Cubo de pintura solo para esa zona. Ahora estoy seleccionando el cabello, y voy a usar un cepillo, creo, para cepillarme el color de pelo que quiero, que va a ser de este color marrón. Obviamente me he perdido un poco ahí con sus orejas, pero también hay un hueco en la frente. Voy a ir a seleccionar “Inverso”, que lo cambia, luego seleccionar el color de la piel y parchear eso. Entonces voy a cambiar a un pincel diferente, creo, un cepillo de borde duro y bajar el tamaño de ese pincel y pintar en donde debería estar la oreja. Cuando estás haciendo tu selección, recuerda te expliqué antes cómo cambiar entre el Lasso regular y el Lazo poligonal. El Lasso regular te permite hacer que la línea a mano alzada funcione o la selección a mano alzada, y luego solo puedes mantener presionada Alt y cambiar al poligonal para obtener puntos de selección más precisos. Es cuestión de trabajar tu camino alrededor de todo el dibujo de esta manera. Utiliza la herramienta Lasso, no te preocupes demasiado por los bordes de Azure, pinta dentro de tu selección, y luego puedes volver atrás y hacer retoques, y puedes llenar áreas que se perdieron con el pincel o pintura en donde dos colores se encuentran y [inaudible] se llenan hasta el borde mismo. Cuando estés llenando áreas con la herramienta Cubo, como dije antes, haz tu selección. No tienes que preocuparte por los bordes de Azure, pero tampoco tienes que preocuparte por los colores dentro de tu selección. Por ejemplo, cuando estoy llenando su top aquí, si notan, no tengo que definir las áreas alrededor de los hombros ni el color tampoco, con la correa, porque ya están definidas por el color. Solo asegúrate de que si llegas hasta la parte superior cuando tu herramienta Cubo esté seleccionada, asegúrate de que Tolerancia esté establecida en cero. Eso te permitirá usar la herramienta Cubo para llenar ciertas áreas así. Es así como puedes trabajar alrededor y completar toda tu capa de pisos. Si no te gusta el color, solo puedes usar la herramienta Cubo para aprovechar los cambios, y al final del proceso, tienes un color plano completo para tu personaje y ya estás listo para empezar a agregar textura y sombreado encima de eso. 14. Añadir sombras: En este video, te voy a mostrar cómo agregar sombreado, un pase de sombreado muy sencillo antes de pasar a la pintura final. Voy a acercar y añadir más o menos un tono de piel más oscuro por aquí y luego a partir de ahí, voy a pinchar algunos reflejos. Porque tengo mi paleta de colores a la izquierda, puedo seleccionar desde ahí. A lo mejor bajaré un poco la opacidad y pincharé, así. Ahora bien, no quiero ir demasiado brillante así que podría tonificar eso un poco hacia abajo con un poco de tono medio. Los aspectos más destacados que suelo guardar para el muy, muy final. Esto es sólo más sobre bajar un tono medio. Pero lo que quiero hacer es definir las áreas de la cara donde va a haber sombreado o sombra y que en esta instancia va a estar a la izquierda. Ya he decidido en mi mente que la fuente de luz para mi pieza viene de arriba a la derecha. No hay una regla real dura y rápida sobre escoger de dónde quieres iluminar a tu sujeto, puedes iluminar a tu sujeto desde cualquier ángulo, depende de ti. Pero sólo en términos de hacer una imagen agradable o priorizar rasgos de la cara, por ejemplo. Yo siempre iría con sólo una dirección general de iluminación superior derecha. Con eso en mente, voy a asegurarme de que el lado izquierdo de la cara sea un poco oscuro y reservaré las zonas más claras para la frente, la nariz, y las mejillas. Recuerda la prioridad aquí para mí de todos modos es conseguir un pase de sombreado muy simple hecho, que pueda pasar a alguna línea más detallada o ilustraciones detalladas. Con eso en mente, solo voy a colocar una zona bastante sencilla de sombreado sobre la mitad inferior del cuerpo y a desvanecerme un poco esos pantalones. Cepíllate en algún sombreado muy general, muy ligero en la parte superior. Esto me va a dar la oportunidad de ver el lado izquierdo como mucho más oscuro. Sólo lo estoy teniendo en cuenta a medida que voy. El lado izquierdo va a estar en sombra, lado derecho va a tener un toque de destello. Todo el tiempo, solo estoy usando más o menos un cepillo suave de borde redondo y cambiando entre dash y mi cepillo de borde duro. Donde quiera que haya un poco de contraste extremo como por aquí en los brazos o donde estaba en el cuello, a menudo me gusta poner un color más oscuro para el sombreado y luego cambiar al pincel de borde más suave para mezclarlo de la manera que mostré te antes con mezclar colores en tu pincel, y eso da un bonito tono medio y te permite hacer que se vea un poco más suave. Habrá sombra bajo el arma y bajo el cinturón. Entonces lo último que te voy a mostrar en este video es una forma de agregar sombra que hago bastante. A veces cambio a la Herramienta Lazo. He hecho una nueva capa, realidad estoy trabajando en una capa por encima de esto. Pero con la Herramienta Lasso seleccionada, voy a dibujar donde quiero que esté la sombra. El lado izquierdo de la pierna, pincel sobre una pintura más oscura sobre eso. Recuerda que estoy en una nueva capa, así que eso significa que ahora puedo volver a mi pila de capas. Si paso a la capa de pisos, mantenga presionada la tecla Comando o Control en mi teclado, Haga clic en el icono de miniatura de la capa de pisos, y lo que eso hará es, seleccionar todo, todo el contenido de esa capa. Después puedes subir a Seleccionar, seleccionar Invertir y eliminar la superposición o las partes que no quieras. Sólo volveré a hacer eso por ti en esta pierna. Estoy usando la Herramienta Lasso, entonces solo tocaré esa capa en la parte superior, bajaré a mi capa de pisos, que recuerdan es como esta una unidad cohesiva de color. Mantendré pulsada Control o Comando en mi teclado para seleccionar todos los contenidos. Ve y selecciona Inverso, y luego borra las cosas que no necesito. La otra parte útil de esto es porque esto está en la capa superior, realidad puedo cambiar a la herramienta de borrador y derribar esto un poco porque está un poco oscuro. Aquí vamos y eso está bien. Ese es un pase de sombra muy básico. Ya estoy bastante contenta con eso. Es suficiente para mí ahora seguir adelante y empezar a trabajar en más detalles con textura y con reflejos. Lo que voy a hacer para la siguiente fase es realmente empezar a pintar por encima de la línea de trabajo. Esto va a terminar con ese efecto mucho más pictórica y mucho más matizado y totalmente renderizado producto final. Ojalá todo lo que cubrí en este video en términos de solo hacer un pase de sombra básico te tenga sentido. Si no lo hace, por favor házmelo saber, por favor envíame un mensaje o mándame en alguna de tus obras si quieres que le eche un vistazo y te dé algunos comentarios. Si algo no está claro en absoluto. Cualquiera de mis atajos o procesos de teclado, avísame y te lo explicaré de nuevo. De lo contrario, nos vemos en el siguiente video donde vamos a empezar a trabajar en el render final. 15. Pintar el rostro: En este video, voy a empezar a sumergirme en los detalles, y específicamente en los detalles de la cara. Te voy a guiar a través de un poco de mi proceso a la hora de mezclar y pintar el look no sea y detallado. Además también estoy pasando a pintar sobre la línea trabajo para el escenario. Porque el render final que quiero producir va a ser un tipo de arte conceptual muy pictórico de look and feel. En mis capas, estoy haciendo que una nueva capa por encima de la línea funcione. Acercaré ahora para empezar a trabajar en detalles. Lo primero que voy a hacer es simplemente trazar algunos reflejos para el cabello solo para darme esa sensación de la dirección de la luz otra vez. Probablemente elegiré un cepillo de borde duro. Yo sólo voy a poner algunos aspectos destacados en la parte superior aquí porque aquí es de donde va a estar viniendo la luz. Para esta etapa, no te atrapes en tratar de dibujar cada mechón de cabello. Piensa en el cabello en formas bloqueadas e intenta visualizar los lados de esas formas que van a estar captando la luz. De igual manera con la cara, intenta dividirla en planos y formas básicas que fácilmente podrás visualizar de dónde viene la luz. Ahora empiezo a pintar sobre las líneas como pueden ver. Lo que es importante para mí es realmente simplemente mantener esa impresión de valores tonales y color realmente para pintar sobre esas líneas oscuras y darle un aspecto más realista. Estoy manteniendo los labios un color bastante neutro. Más adelante, probablemente podrías mirar tintándolas un poco más pinchadas o un poco más rojas. Pero cuando empiezo, siempre es agradable mantenerlos bastante neutros, solo un tono más oscuro que el tono de piel. El debajo de la nariz suele estar siempre la sombra porque obviamente está mirando hacia abajo. Sólo ten eso en cuenta. En la parte superior de la nariz es donde probablemente reciba más aguanieve. Pero entonces también hay que dar cuenta de variación en el tono de piel. Algunas personas podrían tener una punta de Rosie bastante de la nariz a pesar de que ahí es donde va a ser la parte más ligera de la cara. Todo depende de la imagen a la que también estés referenciando y de los detalles de la cara que intentas pintar. Como puedes ver, es muy áspero, muy irregular, y eso es lo que me gusta bastante. Esa es la forma en que me gusta trabajar. Después volveré y los mezclaré con el cepillo redondo de bordes suaves. Pero por ahora, esta forma pinteramente bloques de aplicar el color funciona para mí. Los ojos, digamos si estamos hablando de los ojos en términos de un color azul, generalmente tendrán un tono más oscuro de azul en la parte superior y un tono más claro aquí abajo. Voy a aligerar el fondo del iris y hacerlo a un costado también. Entonces obsérvelo solo por ese borde superior porque ahí es donde hay una sombra de yeso bajando de las pestañas. Entonces solo puedes indicar un poco de un punto culminante en la pupila del ojo. Por lo general, el punto culminante para el alumno siempre estará en la dirección de donde viene la fuente de luz. Sigan adelante. Haz que la tapa inferior sea un poco más oscura. Mezclar en si podemos. Poco a poco, estoy trabajando para reemplazar los contornos pesados negros por un aspecto un poco más pintado. Aquí mismo, lo que estoy haciendo es pintar realmente fuera de las líneas y luego usando mi opción de selección inversa para eliminar cualquiera de ese exceso. Yo sólo voy a oscurecer ligeramente los labios, hacerlos más definidos. Si tiro hacia atrás ahora puedes ver las características de la cara se están juntando bastante bien. Estoy empezando a alejarme de ese look delineador, y tener un look más pulido, más acabado renderizado que es bastante bonito. Que es lo que voy a buscar en última instancia. Aquí voy a ordenar los ojos, y sólo hacer que los blancos del ojo camuflen alrededor de la pupila. Poco a poco se está uniendo, y por supuesto, terrible uno por meterse en mis nuevos detalles. Te recomendaría que intentes quedarte tan jalado hacia atrás, tan alejado como puedas y no hagas un horrible montón de trabajo así de cerca y esto se acercó. Está bien acercarte y hacer tus detalles pero quieres seguir refiriéndose de nuevo a la imagen completa haciendo zoom hacia fuera y mirando tu trabajo de vez en cuando. Para mí, esta etapa realmente requiere de mucha cuidadosa pintura y mezcla paciente y tal vez si estás en esta etapa entonces te sugeriría que lo tomes lo más lento que puedas y te des el tiempo suficiente para ver realmente qué funciona y lo que no. Mira mucho tu imagen de referencia y recuerda pensar en qué dirección está llegando tu fuente de luz. Eso es todo importante. En el siguiente video, vamos a pasar a trabajar en el resto del cuerpo y la ropa en particular. 16. Pintar las ropas: Esta siguiente parte de mi proceso va a ser todo sobre pintar la ropa, y de nuevo, al igual que cuando estaba pintando la cara, tengo que tratar de pensar en la fuente de luz porque quiero darle ese sentido de look realista 3D a ella. No quiero colores planos. Se trata de asegurarme de que mis sombras y mis reflejos estén en el lugar correcto. En primer lugar, voy a reorganizar un poco mi espacio de trabajo. Voy a empezar a trabajar con esta nueva ventana de diseño y color. Esta en particular, que tiene los colores complementarios a lo largo de la rueda de color, y voy a arrastrar mis capas abajo de ella, y luego recogiendo y eligiendo de mi paleta por aquí a la izquierda, puedo llegar a trabajar , y de nuevo, voy a empezar a refinar detalles. Quiero derribar este contorno muy grueso y pesado, y todo esto se reduce a juzgar los valores tonales, encontrar mis sombras, pintar esas en bordes bonitos, y luego escoger los reflejos. Por ejemplo, la parte posterior de su cuello va a estar en sombra, y del lado derecho aquí aquí bien, eso será en un rojo más profundo, más oscuro que el resto. Pero voy a mantener alguna variación en el tono. No es un color completamente plano, y lo mismo vale por debajo de su armadura o su armadura de hombro. Puedo usar un color oscuro para indicar sombras, pero de nuevo, no quiero que sea completamente plano. Simplemente tocaré ese oscuro un poco atrás y lo mezclaré con un poco de tono más claro. Ahora voy a pasar a la parte superior, y sólo voy a bloquear en algunas sombras donde podría estar este cinturón con la correa, y cuando estás trabajando así, a veces con pliegues en la ropa para sombras, podría parecen muy fáciles y sencillos, pero cuando lo pintas, se ve realmente plano. Te quiero mostrar un consejo muy bueno que te ayudará con hacer que tus sombras salgan. Voy a realzar realmente ese tono oscuro para que la línea bajara. Pero entonces voy a cambiar a un pincel más pequeño con un tono mucho más grande y escoger una línea de brillo justo en ese borde, y más esencialmente es el borde que está captando la luz antes de que caiga en esto lo que se llama sombra de oclusión, lo que significa que no hay luz en esa sombra. Si me acerco ahora, se puede ver lo efectivo que es eso. Esa es una propina realmente buena. Siempre que tengas una sombra oscura profunda, solo poner un poco de un punto culminante al lado funciona de maravilla para hacer que algo se vea mucho más realista. Ahora solo voy a ordenar esta zona del hombro y tratar de derribar cualquier contorno. Entonces cuando se trata de las extremidades, me parece muy útil hacer un color más oscuro alrededor de los bordes de los brazos e incluso áreas como dedos y manos. Sólo porque eso realmente te da una sensación de la forma redonda del brazo. Si piensas en los brazos como un cilindro, entonces la luz estará cayendo a medida que las formas se mueven alrededor. Lo que puedes hacer es poner un tono más oscuro a lo largo de los bordes y luego usar tu pincel mezclador para trabajarlo hasta un tono más claro bajando por el medio, y eso realmente te dará una sensación 3D de la forma. He decidido que no me gusta la forma en que sus protectores de brazos van todo el camino arriba del codo, así que estoy realmente sobre la marcha los voy a pintar por aquí, y quiero pintar como si estuviera imaginando que podría tener vendas para brazos o vendas debajo de su protector de brazo. Entonces los voy a pintar en un tono un poco neutro. Borra las partes que no quiero, y luego voy a trabajar con un pincel más pequeño, voy a trabajar en algunos pliegues donde se superponen los vendajes. Este es otro ejemplo donde voy a usar mucho tono mucho más claro solo para resaltar el borde mismo. Poco a poco, estoy trabajando mis valores tonales, asegurándome de que estoy haciendo que las sombras y los reflejos se sientan bien juntos. Traer ese toque extra de punto culminante donde quiero que la luz esté cayendo y después asegurándome de que mis sombras estén en el lugar correcto. Es solo cuestión de trabajar alrededor de todo el resto de la figura de esta manera, cambiando de un cepillo de borde duro a un cepillo redondo suave para mezclarlo. Son pocas las áreas que me van a llevar bastante tiempo trabajar, como, por ejemplo, los pliegues de los pantalones. En esta sección, por lo general, parecería muy sencillo, pero para que parezca realista, toma bastante tiempo ir atrás y adelante, trabajarlo y luego mezclarlo de nuevo y volverlo a trabajar de nuevo. Pero estoy bastante contento con eso hasta ahora. Piensa que eso se dirige en la dirección correcta en general. Cuando empieza a sentir que me estoy perdiendo en detalles y no estoy muy seguro de cómo resolver en qué estoy trabajando, trato de dar un paso atrás y solo pienso en términos de dos o tres tonos, y volver a pensar si solo era una forma básica como un cilindro, dónde estaría el punto culminante, y dónde se caería esto o las sombras, y entonces eso me ayuda a hacerlo bien al final. Aquí solo estoy haciendo algunos ajustes y arreglando un poco mi dibujo. Eso lo estoy haciendo a la derecha, y voy a sumar, creo un poco de raya roja, ese color de acento que elegí. Tan solo para agregar eso yendo por el costado. Se ve bien. Lo único que realmente me está molestando son las botas, pero las voy a arreglar un poco más tarde. Lo último que quiero hacer en los brazos es rematar estos protectores de brazos, y necesito pintar en una hebilla por aquí, y para eso, ni siquiera lo voy a complicar demasiado. Tres tonos básicos y un tono neutro para el tono medio, y luego usaré un gris más oscuro para los bits sombríos y un tono claro para los reflejos. Para arreglarle sus botas, he decidido solo hacerles una bota básica redonda de cuero. No voy a tener los protectores de pies que antes estaban ahí, voy a pintar esos fuera, y estoy tratando de que se vea un poco corioso y un poco angustiado, aunque no me voy a preocupar demasiado por ello porque en el siguiente sección, cuando me meto en agregar texturas encima de mi pintura, entonces eso realmente le va a dar ese look desgastado y desgastado y sentir que estoy tratando de ir por ello. Por aquí, solo quiero que los tonos sean correctos y que vaya un poco de un punto culminante. Creo que eso debería ser todo para estas partes, para estas partes de color. Creo que tengo todos mis valores y tonos en los lugares correctos, y estoy listo para pasar a la siguiente diapositiva. Encuéntrame en la próxima conferencia, y te voy a mostrar cómo puedes empezar a agregar textura a tu obra de arte. 17. Hacer ajustes: Antes de empezar con mi render final, podría empezar a agregar textura e iluminación final. Solo quiero mostrarte rápidamente un par de técnicas que puedes usar para hacer pequeños ajustes menores a tu obra cuando estás muy cerca de terminar. En primer lugar, cuando estoy más o menos tan satisfecho como voy a estar con mis caminos de pintura, cuando estoy seguro de que no hay mucho más que pueda hacer en cuanto a pintura y sombreado, entonces lo que quiero hacer es poder hacer estos pequeños incrementales ajustes en la imagen final en su conjunto. Para hacer esto, necesito que todas mis ilustraciones se aplanen hacia abajo en una capa para poder hacer cambios en todo el asunto. Pero tampoco quiero perder esas capas, en caso de que tenga que volver a entrar y cambiar algo de una etapa anterior. Lo que hago es por aquí en la pila de capas, sólo voy a agarrar todo aquí. Pulsa Command o Control G en mi teclado y convierte esto en una sola carpeta. Entonces puedo hacer doble clic en el nombre de esa carpeta y llamarla como quiera. Voy a renombrarlo capas de ilustraciones. A continuación, haga clic en Comando o Control J para duplicar toda la carpeta. Ahora puedo ocultar esta carpeta original, olvidarme de ella por el momento a menos que tenga que volver a una etapa anterior. Entonces en este top, voy a hacer doble clic otra vez, y voy a renombrar este carácter. Entonces voy a hacer clic derecho sobre eso y elegir “Fusionar grupo”. Ahora tengo una capa plana en su conjunto. Si hago algún ajuste, todo el asunto se ajustará como uno. ¿ Qué ajustes querrías hacer ahora? Bueno, algo que a mucha gente le gusta hacer es usar la herramienta Liquify para hacer ajustes muy pequeños para tirar y empujar los bordes de tu trabajo. Si quieres probar eso, puedes subir a Filtros. A partir de aquí, elige “Liquificar”. Eso trae a la luz toda esta nueva interfaz. Puedes acercar si quieres. Tan solo asegúrate de que esta herramienta aquí esté seleccionada. Entonces en realidad puedes empujar y tirar de los contornos de tu obra si lo necesitas. Es un ajuste práctico de saber, pero te advierto que no lo uses demasiado porque cuanto más lo hagas, más distorsionado se pondrá tu trabajo. Realmente este es el último retoque de recurso. En realidad sólo voy a cancelar fuera de eso. Lo que tiendo a hacer más que la herramienta Liquify es simplemente usar mi borrador para ordenar bordes y arreglar las cosas de esa manera. Ahora esto requiere pinceladas muy cuidadosas porque no quieres perder demasiado, pero es una buena manera de hacer las cosas muy ordenadas alrededor los bordes en caso de que se haya derramado algo de tu trabajo de pincel. Esos son mis muy diminutos ajustes finales que he hecho. En el siguiente video, les voy a mostrar mi render final. Entonces estaríamos cerca de terminar completamente con nuestra obra de arte. Te veré en el siguiente video. 18. Procesamiento final: En este video, voy a empezar a añadir una capa de textura sobre toda mi pieza y en tu carpeta de recursos, te he dejado un par de herramientas con las que puedes trabajar, unos pinceles y algunas texturas. En primer lugar, echemos un vistazo a esta imagen de la textura con la que voy a trabajar. Yo quiero que esté por encima de la mitad superior de ella así, digamos por encima de su top y que eso se vea un poco angustiado. Lo que hay que hacer es crear una máscara de recorte y si no sabes cómo hacerlo, es muy fácil. Esencialmente, la textura o lo que esté en la capa anterior se recortará a la silueta o a la forma exacta de la obra que está en la capa inferior. Ven a tus capas por aquí y con tu cursor, puedes pasar el cursor sobre la línea entre estas dos capas. Mantenga presionado Alt en su teclado, y esto trae hacia arriba este pequeño símbolo. Al hacer clic entonces eso recortará la obra, la en la capa superior a la inferior. Ahora obviamente eso no se ve muy bien, pero aún no hemos terminado. Una vez que hayas hecho eso, aquí es donde podrás jugar con modos de capa y ver si puedes llegar a diferentes looks o estilos diferentes. Sube a este menú desplegable aquí y elige entre cualquiera de estos modos de fusión. La superposición suele ser una buena para ir, pero puedes experimentar y ver cuál prefieres en tu obra de arte. Una vez que hayas elegido un modo de fusión, también puedes ajustar la opacidad. Esa es otra forma de mezclar dos capas diferentes. Ahora puedes ver que se ve un poco mejor. Ahora no me gusta particularmente por encima de la cima. A ver cómo se ve si lo arrastro hacia abajo sobre los pantalones, creo que eso se ve mucho mejor, o las botas. Cuando es un color más oscuro como este, creo que podría cambiar mi modo de mezcla para multiplicar. Ahora voy a duplicar esta capa Command o Control J y arrastraré eso hasta arriba. Recuerda que está encendido multiplicar ahora, Command Control T para rotarlo y solo haz doble clic para comprometerte con esa transformación y aplicar la máscara de recorte. Ahora solo voy a borrar las partes de la textura que están en la piel o que no están donde quiero que estén, que no necesito y así le agregarías una capa de textura a tus pinturas. Como se puede ver, sí hace una gran diferencia. De repente le da una sensación diferente o diferente calidad. Pero no puedes hacerlo sin tener capas de texturas. En realidad se pueden construir texturas bastante interesantes, aguerridos , de aspecto realista con unas pinceladas muy simples. En lo personal, así es como me gusta trabajar. Prefiero pegarme con mis herramientas de pincel y trabajar con ellas porque siento que sí le da un poco más de un look pintor cohesivo a toda la pieza. Te mostraré cómo hacer eso ahora. En primer lugar, haz una selección utilizando tu herramienta de lazo de las partes exactas a las que quieres agregar textura. Esta es la parte donde podría ser un poco tediosa, pero te acostumbrarás a trabajar con la herramienta de lazo para luego crear una nueva capa. Ahora esta nueva capa tiene esa selección y sube a tus pinceles y elige cualquier tipo de pincel de textura realmente agradable. En realidad te he dejado los pinceles exactos con los que trabajo. Si lo deseas, solo puedes importarlos a Photoshop y elegir uno de esos. Lo que haces es elegir un nuevo color. Quieres que sea ligeramente diferente, pero aún dentro del mismo rango que tu color base. Entonces algo que sea un poco más oscuro o un poco más claro. Entonces simplemente muy, muy ligeramente cepilla en alguna de esta textura cepillada en la parte superior. Una vez que hayas hecho eso, también puedes usar modos de fusión y opacidad para cambiar o efecto esto. Otro consejo es que si sí tienes pintura que está sobre los bordes de tu capa base, solo Comando haga clic en la miniatura de tu capa de personaje, tu capa base, que selecciona todo dentro de esa capa, luego subir a seleccionar y elige Inverso y ahora solo puedes pulsar Eliminar en tu teclado y eso elimina cualquiera de eso sobre derrame. En realidad voy a experimentar con toda una gama de pinceles y te he dejado todos estos para ti, así que siéntete libre de probarlos. Tengan ir a aplicarlos y recuerden sin embargo, para mantener la opacidad del pincel bastante baja al principio cuando los estás agregando encima porque algunas de ellas pueden subir bastante pesadas y no quieres tener muy pesadas pinceladas texturadas podrían sobreponerse a tu pieza. En realidad solo estás apuntando a ese look sutil. En realidad, cualquier combinación de estos pinceles funciona bastante bien juntos. No hay fórmula, solo se trata de probarlos y ver qué se ve bien. 19. Agregar un fondo o entorno: Prácticamente estamos terminados. Este video te va a mostrar cómo agregar algo un poco extra a tu obra de arte. Ya terminamos con el personaje, o al menos he terminado con mi personaje. Pero para que toda la pieza destaque realmente y sea realmente una pieza de arte conceptual, voy a añadir un fondo. El foco de esta pieza realmente es definitivamente la agenda del personaje. Pero solo para rematarlo a ese estándar profesional, agregar un entorno o un fondo puede ser realmente, realmente bueno. No tienes que hacerlo, si no quieres, simplemente puedes añadir una capa de textura detrás de ella o detrás de tu personaje. Pero si quieres llevarlo a ese nivel extra, entonces quiero mostrarte lo fácil que es agregar un entorno o un paisaje. Lo primero que voy a hacer es solo tallar unos bloques de color. Estoy usando la herramienta de Lazo como esta y literalmente solo arrojando color a las selecciones con la herramienta de cubo. También estoy manteniendo a cada uno en una capa separada por ahora. Entonces, finalmente, en el horizonte muy lejano puede ser como una vaga impresión de un escapo [inaudible] o algo así, muy suelto. Entonces voy a elegir un color relevante para el cielo y ponerlo en una capa en la parte inferior, debajo de todo lo demás. He ido por un cielo de aspecto muy extraño porque obviamente quiero mantener ese sentimiento de ciencia ficción, de otro mundo a esto. Una vez que esté contento con eso, voy a fusionar todas esas capas juntas, excepto la capa del cielo. Yo quiero mezclar estos colores juntos pero quiero mantener el cielo separado. Usando mi pincel de textura, solo voy a romper esos contornos. Rompe esos bordes entre los colores, tomando muestras a medida que voy. Estoy usando esa técnica que te dije, esa técnica de mezcla de colores de muestreo manteniendo presionada Alt mientras estoy en modo pincel. Eso es solo crear un cambio sutil de un color a otro. No quiero tener un gradiente completo, sino sólo un derretimiento de uno a otro. Ahora voy a trabajar en el cielo. Yo sí quiero un gradiente en mi cielo. Lo que puedes hacer por eso es muy sencillo. Podrías usar la herramienta de gradiente, pero me gusta simplemente elegir un cepillo de borde suave muy grande con una opacidad muy baja. Elige una bonita puesta de sol, color amanecer. Entonces en la capa del cielo misma, pero debajo de las montañas, voy a hacer simplemente una o dos pinceladas. Eso es todo. Eso es todo lo que se necesita para darle ese tipo de efecto o ese resplandor a toda la zona del cielo, le da un poco de atmósfera. Ahora déjame arreglar esta lejana ciudad. Voy a sacarlo del todo por ahora. En realidad, esas marcas no están funcionando. Creo que me pegaré con el cepillo de borde suave con el mismo color que la capa de suelo. En realidad solo estoy inventando por completo esto ahora a medida que voy, simplemente no tiene que ser detallado. Simplemente se siente bien tener el mismo color que el suelo, y tener esa lejana mirada de ciudad. Ayuda a que se integre en el fondo. Además es ciencia ficción por lo que puede ser cualquier cosa realmente. Entonces, por último, tal vez esté captando algo de esa luz desde el amanecer. Puedes probar ese color y solo agregar un par de reflejos en la parte superior. Lo último que creo que voy a hacer es sólo cambiar este color. Voy a seleccionar esta zona, golpear Comando o Control U. Eso trae tus deslizadores de saturación. Puedo cambiar el tono arrastrando esto aquí para cambiar el color. No tengo que volver a entrar y volver a pintar todo. Ahí vamos. Esa es la pieza final. Realmente muy, muy rápidamente armó ese fondo, pero realmente agrega algo a toda la pieza, creo. Estaría más que feliz de dejarlo aquí. Creo que eso es final y terminado, pero hay una última capa final de esmalte que puedes agregar. Encuéntrame en el siguiente video y lo haremos y lo envolveremos por completo. 20. Efectos finales: Yo diría que esta pieza está bastante hecha y realmente espero que hayas aprendido algo a través de seguir junto conmigo y tener todo este proceso, ver cómo me acerco y cómo trabajé a través de él. Solo quiero recalcar que nuevamente, mi objetivo es darle un conjunto de prácticas y un conjunto de procesos que puedan utilizar y aplicar a su propio trabajo. En realidad no se trata de copiar mi estilo necesariamente, sino de trabajar con tus pinceles, trabajar con capas y con texturas, ver qué tipo de ilustraciones se puede llegar. Me encantaría ver cualquier trabajo que hayas hecho hasta ahora en este curso. Si le apetece, por favor envíenme en un mensaje o publíquelas en la sección de discusión. Si quieres críticas o comentarios de mi parte, estaré realmente, muy feliz de ayudar o darte algún consejo. A modo de terminar este curso, pensé que sólo compartiría un último proceso con ustedes. Se trata de una capa final de esmalte y está dirigido a añadir ese poco de atmósfera extra. Hace que toda la imagen sea más cohesiva y también la hace un poco más malhumorada. Porque recordar arte conceptual realmente se trata de humor y ambiente y contarnos la historia a través de una imagen. Antes de meterme en eso, solo nota, en primer lugar, que mis capas aquí están realmente todas agrupadas y organizadas con bastante cuidado y eso es súper importante y es un detalle que no debes pasar por alto. Me gusta nombrar mis carpetas principales en todos los mayúsculos y fusiono capas donde pueda. Lo que quiero hacer ahora, es agregar algunas marcas de pincel solo para que se vea más nublado y posiblemente barrido por el viento. Quiero derribar un poco al personaje en segundo plano. Haré una nueva capa y la arrastraré sobre la carpeta de fondo. Entonces de mis pinceles, voy a elegir este que es como un cepillo de nubes. Estoy probando colores desde dentro de mi propia escena. Entonces todavía en esa misma herramienta de pincel, añadiré una capa encima de todo y cepillaré aquí abajo en la parte inferior para dar la impresión de polvo girando alrededor de tus pies. Todo es un toque muy ligero, nada demasiado pesado. Entonces voy a agarrar este pincel. Lo que hace éste, es simplemente agregar una capa de partículas que parezca polvo o algo así como polvo. Para este, voy a elegir un color más brillante para que destaque un poco. Esto puede salir realmente mal si vas con las manos demasiado pesadas. Sólo ten eso en cuenta. Simplemente trabajar muy, muy moderadamente con este tipo de efectos, menos es más. Entonces, por último, si querías agregar una viñeta a tu obra de arte, lo que puedes hacer es otra vez, crear una capa completamente nueva en la parte superior de todo y simplemente volcar un color oscuro plano en la parte superior como este todo el lienzo y establece esa capa para que se multiplique. Ahora, ven y arrastra la opacidad todo el camino hasta que digamos 20 por ciento, 25 y cambia a la herramienta de borrador, asegurándote de que sea un pincel realmente grande, cepillo de borde suave y borra el centro de la pintura, especialmente donde está el personaje. En realidad puedes ver por aquí en la miniatura de la capa, exactamente cuánto estás borrando, si querías comprobar. Eso es todo. Voy a bajar mis stylers y no hacer más. Tenemos finalmente una pintura totalmente terminada y renderizada de mi personaje en una escena en un ambiente de aspecto atmosférico. Ese es el final del curso y yo realmente, realmente espero que lo hayas disfrutado. De verdad espero que hayas aprendido algo útil y que hayas sacado algo de valor de ello. Si tienes algún comentario para mí, por favor ponte en contacto. Por favor envíame un mensaje y te responderé. Para eso estoy aquí. Incluso después de que hayas terminado el curso, siempre puedes ponerte en contacto conmigo. He dejado dos videos más, quema videos en este curso, y ese es el otro personaje de Targas, que elaboré antes. He dejado mis videos de proceso como una pintura rápida de cómo lo coloreé desde el principio, justo el camino a través es muy final. Siéntete libre de ver esos si te interesa. Aparte de eso, solo está ahí para que yo diga, muchas gracias por ser parte de este curso y realmente espero verte en el próximo.