Transcripciones
1. Fundamentos del arte de fondo para la Animation_SKILLSHARE: Hola, bienvenidos a los fundamentos del arte de
fondo para la animación. Una guía completa
sobre cómo crear arte de
aspecto profesional para una película animada o un programa de televisión. Esta clase también es
una guía completa sobre las especificaciones exactas de trabajo de un artista de fondo en
un estudio de animación. Mi nombre es Siobhan. Soy una de las mejores
maestras aquí en Skillshare, y tengo más de 15
años de experiencia trabajando como artista de fondo en la
industria de la animación en Dublín. He hecho esta clase
para ayudarte si ya
eres ilustrador
digital, pero sientes que te faltan algunos
bloques de construcción fundamentales en tu obra de arte. O quieres
poder construir tu portafolio y
mostrarlo a estudios de animación. También me he asegurado de
que esta clase sea perfecta para
principiantes que quieran sumergirse en el mundo del arte
digital y comenzar su viaje hacia convertirse en un artista de
fondo profesional. Hoy, vas
a aprender
exactamente cómo es
trabajar en la industria. Aprenderás las
especificaciones exactas del trabajo de un artista de fondo lo que harás
todos los días en el estudio, así
como lo que se espera de ti en términos
de
tu flujo de trabajo y el
arte que produzcas. También aprenderás los
principios básicos del buen diseño. Te voy a enseñar
los conceptos que se
utilizan en la producción cinematográfica, y estos conceptos
formarán tu marco para el arte de fondo con el
fin de asegurar que hagas arte que apoye la historia así como arte
que sea hermoso a la vista. Después de eso, te
voy a enseñar el conjunto de habilidades exacto que
necesitas desarrollar. Aprenderás a
hacer investigación visual. Aprenderás en qué habilidades de
dibujo
enfocarte y en qué
habilidades de pintura enfocarte. arte digital puede ser
extremadamente amplio, pero al enfocarte en
el conjunto de habilidades adecuado, vas a
poder construir tu cartera muy rápidamente. Juntos, vamos a ver
las cuatro trampas principales en las que cae
todo principiante, para que puedas evitar
estos errores comunes y crear arte de aspecto más
profesional. En la sección final
de la clase, vamos a juntar todos
estos conocimientos y trabajar en un proyecto de clase importante. Vas a llegar a
dibujar el diseño así como pintar el fondo
final de este Pueblo Vikingo. No solo esta será una enorme pieza de
portafolio para ti, que va a ser algo
que puedas mostrar a los clientes y a los estudios. Porque estos antecedentes
demuestran todos los aspectos y habilidades importantes que necesitas
para ser contratado. Mi objetivo en esta clase no es solo ayudarte paso a paso durante todo el
proceso de aprendizaje de este conjunto de habilidades únicas y
valoradas. Pero también quiero asegurar que
al compartir mi propia experiencia
profesional, puedas sentirte seguro
avanzando en tu
carrera artística y dando los siguientes pasos para convertirte un
artista de fondo profesional para la animación.
2. Introducción: En esta introducción
voy a explicar cómo está estructurada la
clase, cómo acercarse a cada sección, y también quiero
explicar el pack de pinceles
que te he dejado. La primera sección
de esta clase
trata sobre las herramientas del oficio
y por la especificación de trabajo real de un artista de fondo laboral. Te voy a explicar
lo que vas a hacer en el estudio y
voy a desglosar los principios clave de diseño con los
que necesitas
trabajar para crear arte profesional. Voy a explicar
específicamente la diferencia entre ilustración
y arte de fondo. Te explicaré términos comunes
como artista de fondo , artista
conceptual, diseñador
ambiental, maquetadores para que
no haya confusión y sepas exactamente lo que harás en el estudio cuando
te contraten. Después en la segunda sección, quiero explicar el
conjunto de habilidades básicas de un artista de fondo. Esto podría no ser
lo que esperas. Lo volví a bajar a
las habilidades básicas absolutas en las
que necesitas trabajar
y necesitas desarrollar. Cortaremos toda la pelusa, obtendremos súper claros sobre
las principales cosas en las que
debes enfocarte
para poder mejorar rápidamente. Después en la sección final, tomaremos todos estos
conocimientos y los pondremos en
uso en una pintura de
fondo importante. Ahora, no te preocupes si
esto te parece un poco abrumador y
detallado y complejo. Te voy a caminar paso a paso a
lo largo de todo el proceso. En esta clase, primero hacemos un dibujo de
maquetación, pero eres más que bienvenido
cuando se trata de usar mi propio dibujo de maquetación si solo
quieres
practicar pintura. Soy plenamente consciente de que no todos los pintores de fondo están interesados en los dibujos de
maquetación. Eso está completamente
bien si decides enfocarte solo en el
color y la pintura. Pero
te animaría a que veas los videos de dibujo para
que conozcas el proceso y para que estés al tanto de los
pasos
a la hora de trabajar en un entorno de
estudio profesional. Si eres capaz de hacer tanto el dibujo como
la pintura digital, entonces vas a tener dos piezas
destacadas
para tu portafolio. Esto va a demostrar a los estudios que
puedes dibujar cualquier cosa y que tienes una comprensión muy
clara de todo el proceso de
producción. A lo largo del proceso de pintura, voy a estar usando una
serie de pinceles de textura. Si has tomado alguna de mis otras clases de
diseño de fondo, es probable que ya tengas la
mayoría de estos pinceles. Pero he dejado los
pinceles específicos que utilizo en esta clase en un
paquete propio. Lo que puedes hacer es ir a la
pestaña de proyectos y recursos en el escritorio, descargar el archivo allí, luego
solo quieres arrastrar ese archivo a tu
ícono de Photoshop y liberarlo. Cuando abras el panel de
pinceles entonces, verás esa carpeta agregada
en la parte inferior de la pila. Entonces, cuando termines
tu proyecto, asegúrate de publicarlo en
la sección de proyectos. Estaré muy feliz de darte tu opinión o responder cualquier
duda que tengas. Ahora, solo una nota, he dejado mi pintura final a
propósito vacía de cosas porque quiero
que prueben y agreguen
más cosas en. Al final de esta clase, te
voy a dar
un reto para agregar
más parafernalia vikinga a tus antecedentes. Podrías poner en el barco
largo del puerto por ejemplo o un vagón averiado o
un montón de armas rotas, cualquier cosa que creas que
este fondo necesita. Me encantaría ver
su interpretación del breve y ver
qué se le ocurre.
3. Las herramientas de un artista de fondo: En esta lección, te
voy a explicar las herramientas que
necesitarás tanto para esta clase como para cualquier trabajo que estés
haciendo como artista de fondo. Las principales herramientas que
quiero destacar son sus
herramientas de software y hardware, y los pinceles. Personalmente, voy
a estar trabajando en Adobe Photoshop para esta clase. Pero puedes usar cualquier app de
pintura digital que te guste, y puedes
seguirme conmigo. Ya que vamos a estar
enfocándonos en habilidades y
enfoques específicos que necesitas
desarrollar como artista de fondo. El software no
importa enormemente, siempre y cuando puedas
aplicar esas técnicas a la app específica en la
que estés trabajando. La razón por la que
elijo Photoshop sobre algo como
Procreate o cualquier otra aplicación, específicamente para esta
clase en particular, es porque Adobe Photoshop
es el estándar de la industria. Si quieres mostrar tu trabajo
a un posible estudio, y conseguir un trabajo como artista de
fondo, va a ser gracia
poder demostrarles que puedes usar software de
nivel profesional como Photoshop. El arte de fondo para estudios
profesionales de animación casi siempre
se realiza en Photoshop. La razón principal,
aparte de que es un programa muy robusto, puede crear tamaños de archivo masivos con poco o ningún problema. Pero la razón principal más allá eso es que dentro de
cualquier fondo dado, en realidad
necesitas
poder trabajar con múltiples, si no decenas de
múltiplos de capas. Ahí es realmente donde creo que Photoshop está por delante de
la curva en términos de su capacidad para
manejar dinámicamente tantas capas. En animación, no sólo
se hacen necesarias
todas estas capas, para crear pinturas
complejas, sino que muy a menudo algunos de
los elementos dentro del fondo necesitarán
ser animados ellos mismos, y por esa razón
necesitan estar en capas separadas. Si estás comprometido con
aprender el arte y la artesanía del diseño de fondo, entonces
te animo mucho a probar Photoshop. No tienes que comprarlo. Puedes hacerte una prueba por un tiempo por un par de semanas
y ver si te gusta. La otra herramienta que necesitarás y esta que realmente no
puedes
moverte es tener una tableta de
dibujo y un bolígrafo. Si estás en el iPad, necesitarás un lápiz Apple. Pero si estás en una
computadora portátil o una computadora de escritorio, entonces puedes obtener una tableta de dibujo
barata. Pero de nuevo, podría
animarlos a invertir en uno decente, de
buena calidad como un Wacom. Mi configuración es muy, muy sencilla. Yo uso un Wacom Intuos Pro. No es nada elegante. años que tengo esto
y simplemente nunca,
nunca me ha defraudado,
y es genial. Lo recomiendo mucho. Entonces la última herramienta
que quiero destacar es tu pack de pinceles. Ahora, se ha dicho muchas, muchas veces que deberías
poder pintar algo complejo con los simples pinceles
predeterminados de Photoshop. Pero seamos honestos, si quieres tener una
amplia selección de pinceles de textura para crear una amplia gama de
texturas muy rápidamente. Para esta clase, te he dejado un par de packs de pinceles
para que los descargues, y que experimentes y utilices en tu propio proyecto de clase, y en tu trabajo en el futuro. Pero también quiero
que puedas
saber dónde encontrar pinceles
y dónde puedes
empezar a construir tu propia biblioteca de pinceles. Mi mercado de referencia para encontrar increíbles paquetes de pinceles es Gumroad. Te recomiendo que compres tus packs de pinceles a
artistas de allá. Otro lugar al que también puedes
checar es ArtStation. Definitivamente haz tu investigación, invierte en paquetes de pinceles que
crees que usarás, y solo debes saber que
hay toneladas de recursos ahí fuera para ti. No tienes que estar
limitado a lo que
tienes dentro de Photoshop o dentro de la app en la que
estás trabajando. No quiero que sientas que
eso te está restringiendo. En la siguiente lección, te
voy a dar una breve descripción de mi
propio espacio de trabajo de Photoshop, y cómo puedes configurar el tuyo para que
se vea igual que el mío.
4. Resumen del espacio de trabajo: En esta lección,
voy a repasar mi espacio de trabajo específico de Photoshop, cómo lo configuro para
que puedas hacer coincidir tu espacio de trabajo con el mío si tú mismo me estás siguiendo en
Photoshop. Voy a seguir adelante y
abrir mi Photoshop. Una vez cargado, se abre la pantalla de
bienvenida predeterminada. Voy a subir
aquí a Nuevo Archivo y simplemente haga clic en eso
solo para comenzar. Voy a cambiar estos a, vamos con solo un tamaño de Canvas
normal 1920 por 1080 es más o menos el tamaño de pantalla predeterminado
estándar. Si quisieras ponerlos, podrías escribir
los números aquí arriba. El único otro que
quizás quieras cambiar
es el color RGB. Solo asegúrate de que
esté en RGB y
no en CMYK ni en escala de grises
ni nada por el estilo. El color RGB es el perfil de color
para cualquier ilustración de pantalla. Trabajemos en RGB. Haga clic en “Crear”, y
luego así es como se configura mi
Photoshop. Quería señalar que
si llegas aquí a
este pequeño icono de
aquí arriba y haces clic en este,
este diseño se guarda como el espacio de trabajo de
Siobhan. Digamos que te abres y estás en algo que se parece
un poco a esto. Déjame cerrar esto. A lo mejor el tuyo incluso se vea
algo así. Esencialmente,
vas a tener todas tus herramientas
de dibujo,
pintura, manipulación, edición en el
lado izquierdo de tu pantalla. A la derecha
tendrás un montón de paneles. Mi preferencia personal cuando
estoy creando obras de arte como diseños de
fondo para animación es tener el mayor
espacio de pantalla posible. Lo primero que
hago es que tiendo a colapsar estos menús de
nuevo a un lado. Todos estos iconos son más pequeños. Sin embargo, voy a
agarrar algo así como capas y voy a simplemente
hacer clic y arrastrar eso hacia afuera. Esto me aseguraré de que
sea bastante visible. Voy a arrastrarlo hasta que vea esta línea azul a lo largo
del lado derecho, y luego soltaré. Ahora eso va a ser por
su cuenta doc si quieres. El otro panel que me gusta tener abierto es mi panel de color. Ya que no está aquí, y este es un buen
ejemplo de qué hacer. Si ves que algo
que quieres
no está anidado ya
en la derecha, simplemente
puedes subir a
Ventana y encontrarlo desde aquí, desde este menú desplegable. Aquí está el color. Voy
a hacer click en eso, y se abre como
una ventana flotante. De nuevo, voy a darle
click y arrastrarlo. Esta vez lo voy a anidar en las capas
superiores de arriba. Ahora tengo capas
y tengo mi color. Esas son realmente las dos ventanas
más importantes a las
que necesito poder
acceder durante todo el proceso. Ahora, solo ten en cuenta que tu ventana de color podría
no tener el mismo aspecto que la mía. Eso no es un
problema. El tuyo muy bien podría verse así. O a veces se puede
exhibir así. Todo lo que es realmente es simplemente una forma de ver
el espectro de colores. me gusta personalmente
mirarlo en esta rueda de colores
porque me da una muy buena
comprensión rápida de dónde
está mi color y también dónde la saturación de ese color está
la saturación de ese color
o el brillo u
oscuridad de ese color. Este deslizador superior aquí donde
dice H, ese es el matiz. Esencialmente, puedes
arrastrarlo y
notarás que este pequeño cursor
va alrededor de la rueda. Digamos que querías
un verde, está bien. Abajo en este deslizador, puedes establecer la saturación, para que puedas tenerla completamente desaturada o verde
muy saturado. En este deslizador aquí
donde dice B, se
puede ajustar el brillo. Esencialmente, puede
ser todo el camino
hasta la versión más oscura,
que es negra. Puedes arrastrarlo hasta la versión
más ligera de ese matiz. Luego, en el
lado derecho, estos son tus pinceles, tus herramientas de dibujo
y herramientas de borrador. medida que avanzamos por la clase, y pasaremos
paso a paso por todo
el proceso tanto de
dibujo como de pintura, explicaré cada paso que hagamos y explicaré todas las herramientas que se utilizan. Pero solo quiero
que estés consciente de que las principales herramientas con las que
vamos a trabajar son la herramienta de pincel. Si haces clic en eso o pulsas B en tu teclado, aparecerá el
pincel. Aquí arriba, puedes establecer el tamaño
o la forma del pincel, diferentes parámetros como ese. También puedes
subir aquí y afectar la opacidad del pincel
que estás usando. Se puede afectar el flujo. Generalmente nunca cambio
el flujo del pincel, pero a menudo arrastraré la
opacidad de mi pincel hacia abajo solo porque puede ayudar con pintura para dar algunos
buenos efectos de acumulación. También puedes, cuando estés
en el modo pincel, simplemente haz clic derecho en cualquier lugar del Lienzo con el
pincel seleccionado, y eso te dará
un acceso muy rápido a tu menú de pinceles. Más tarde estaré hablando los pinceles que te
he dejado. Tengo un montón de pinceles de paisaje y algunos
pinceles para pintar, romperla, o pinceles de pintura que te
dejaré para descargues y podrás experimentar con ellos y probar
diferentes y ver cuáles
te van a dar los efectos que
estás buscando. Cuando estás pintando
y estás mezclando o mezclando colores sobre
la marcha como puedes ver, si la opacidad es baja, puedes pintar sobre color y crear un
color completamente nuevo esencialmente. Uno de los flujos de trabajo que
me gusta mucho usar es mientras estoy trabajando
con el pincel, puedo mantener pulsada la opción
o Alt en tu teclado. Eso es un cambio entre cualquier herramienta que estés
usando y el cuentagotas. Si estoy en el modo pincel
y golpeo Opción o Alt, puedo seleccionar rápidamente el nuevo color en mi lienzo
y pintar con eso, y eso proporciona una fusión
realmente agradable. Otra herramienta que
quiero
señalar y solo
asegurarme de que ya sabes, puede identificar dónde
está en tu teclado. Bueno, otras dos herramientas, pero la una es la herramienta
pluma de aquí abajo. Simplemente presiona P en tu teclado y eso debería
abrir la herramienta de lápiz. La forma de trabajar con la herramienta
Pluma es literalmente hacer clic y arrastrar en
estos puntos vectoriales. Una vez que haces clic en cualquier
espacio de tu Canvas, eso crea un punto vectorial. Si hace clic y
arrastra al mismo tiempo, puede crear manejadores. Esos manejadores
se pueden mover para afectar la forma de la curva
que estás dibujando. Si te metes por aquí, hay una muestra blanca
debajo de mis muestras, y por eso esta forma parece que
no hay nada en ella, pero en realidad está
llena de blanco. Para cambiar el color de eso, simplemente haz doble clic en
el icono de la capa y elige nuevo color de tu seleccionador de color. Haga clic en “Bien”. La otra herramienta con la que
trabajaremos mucho para pintar es la herramienta de lazo. Aquí arriba, puedes hacer clic y
mantener presionado este ícono y verás que
existe la herramienta de lazo en tres tipos diferentes. Ahí está el lazo regular, el lazo polígono
y el lazo magnético. Nunca uso realmente
el magnético. Acabo de trabajar entre el lazo
regular y el polígono. Pero voy a estar explicando con
más detalle cómo trabajar
con estos cuando nos metamos en otra sección en una sección
posterior de la clase. Avísame si tienes
alguna duda sobre cómo configurar tu propio espacio de trabajo de
Photoshop. Cuando estés listo,
te veré en la siguiente lección.
5. Uso de las herramientas de pintura y dibujo: En esta lección, quiero repasar algunas de
las herramientas específicas que
utilizaré
a lo largo de este curso y solo darte una
breve descripción al principio para que sepas qué esperar cuando
llegues a usarlas,
pero voy a estar explicando
paso a paso a medida que voy, cada una de las herramientas a
lo largo del proceso de dibujo y pintura más adelante. Pero es posible que desee marcar esta lección y volver a consultarla si una de las herramientas
con las
que trabaja no se ve exactamente igual que
la mía. Las principales herramientas de dibujo
y pintura que utilizo son la herramienta Lazo, la herramienta Pluma, la herramienta Pincel y la herramienta Bucket. Otra herramienta que me gustaría destacar es la herramienta Cuentagotas
o selección de color. Vamos a repasar por
cada uno de ellos ahora. La herramienta Lazo, que es L en
tu teclado, está aquí arriba. Si pulsas “L”, verás que
queda seleccionada. Simplemente vaya, haga clic y
mantenga presionada la herramienta, y verá que hay
tres tipos diferentes, regular, polígono y magnético. El lazo regular
permite dibujar a mano alzada, dibujar curvas y es casi como dibujar
con un lápiz o un bolígrafo. Lo que sucede es que obtienes una selección basada en
lo que acabas de dibujar. Puedes llenar
esa selección, presionar “G” en tu teclado para aparezca la
herramienta Bucket y eso se
llenará con cualquier color que esté en el primer plano de tus
Muestras por aquí. Pero también puedes usar esto para hacer interesantes efectos de
pintura. Si pulso “B” en su lugar en
mi teclado y saco la herramienta Pincel y elijo
uno de mis pinceles para pintar, verás que sí ofrece una forma única de pintar
y crear formas. El polígono Lazo dibujará
una forma de punto a punto, así que tienes que hacer clic
hacia abajo en el Lienzo y eso crea los puntos y luego puedes
cerrarlo cuando hayas terminado. Entonces tu selección está activa y puedes ir con eso exactamente de la
misma manera que antes. Puedes usar la herramienta
Pincel o la herramienta Cubeta de pintura
, la que quieras. Ahora, hay una manera de combinar tanto el polígono el Lazo regular
cuando estás dibujando. Es muy útil y
es algo que uso mucho si estoy
dibujando una forma compleja que necesita o requiere tanto una línea recta
como una línea curva y me
verás usando esto mucho en las etapas posteriores de mi pintura de
fondo. Pero yo quería
mostrarte cómo hacer eso ahora, así que déjame
crear una nueva capa. Pulsa “L” en mi teclado
y ahora mismo estoy en el modo Polígono
de la herramienta Lazo. Voy a empezar a hacer clic en una forma y voy a conseguir
mis lindas líneas rectas. Pero si en esta etapa quería
hacer una línea curva, lo que voy a hacer es
mantener presionada la opción o Alt en tu teclado y empezar a
dibujar una línea curva así. Voy a soltar
Option o Alt y luego vuelvo a
la línea recta. Presionando hacia abajo Alt u Opción
para obtener esa bonita curva. Esencialmente, mantener
presionada la opción o la tecla Alt te
permite alternar entre el Lazo regular
y el Lazo Polígono. A ver. También va a funcionar si
estamos en el Lasso regular. Estoy dibujando línea curva
y ahora quiero ir por una línea recta y
quiero mantener presionada Opción o Alt en tu teclado. Esa es la herramienta Lasso. Es muy útil
dibujar y pintar con y la otra herramienta que
utilizo para dibujar y pintar es la herramienta Pluma. Voy a presionar “P”
en mi teclado y eso lo seleccionará ahí mismo. Si haces clic y mantienes
presionada sobre él también, puedes ver que hay
diferentes tipos de herramientas de Pluma
, de la misma manera
hay diferentes herramientas de Lazo. Generalmente me quedo solo con
la herramienta Pluma normal. Es una herramienta maravillosa. Puede hacer clic en
su Canvas para crear estos puntos vectoriales
y luego hacer clic y arrastrar para crear estos manejadores. Una vez que hayas creado estos
manejadores, puedes afectarlos
manteniendo presionada la opción o la tecla Alt en tu teclado y luego puedes arrastrar tus puntos vectoriales alrededor. Una vez que hayas creado la
forma y quieras volver
a entrar y cambiar
algunos de los puntos vectoriales, haz clic en la forma misma. Verás que la
forma ya está activa y luego mantén presionada Comando o
Control en tu teclado. Eso sacará a colación la herramienta de
subselección y luego si
haces
clic en los puntos, podrás
editarlos directamente, agarrarlos, mover los mangos
si es necesario. Entonces esa es la herramienta Pluma. Ahora bien, lo único
que sí quiero mencionar de la herramienta Pluma es que necesitas
asegurarte de que tus parámetros
sean los mismos que los míos. Sube a la cima aquí. A lo largo de
la parte superior aquí están las propiedades de cada
herramienta que selecciones. Siempre tengo el mío configurado para dar forma, no camino ni píxeles. La otra cosa entonces es
asegurarse de que su relleno esté activo, pero su trazo no esté activo. Nunca dibujo con la
herramienta Pluma con un trazo activado, así que siempre baja
aquí y asegúrate de que se haga clic en
ese cuadro para que
el trazo no esté activo. Ahora, la herramienta Bucket es bastante fácil, muy
sencilla. Es solo G en tu
teclado y esencialmente llena todo
el espacio o toda la selección. La herramienta Pincel, así
que si haces clic en “Dash “o presionas “B” en tu teclado, aparecerá
el pincel. Aquí arriba se puede establecer el tamaño
o la forma del pincel, diferentes parámetros como ese. También puedes subir aquí y afectar la opacidad del pincel que estás usando y
puedes afectar el flujo. Generalmente nunca cambio
el flujo del pincel, pero a menudo arrastraré la opacidad de mi
pincel hacia abajo porque puede ayudar con la pintura para dar algunos buenos efectos de acumulación. También puedes, cuando estés
en el modo pincel, simplemente haz clic derecho en cualquier parte
del Lienzo con el pincel seleccionado y eso te dará un acceso muy rápido
a tu menú de pinceles. Cuando estás pintando
y estás mezclando o mezclando colores sobre la
marcha, como puedes ver, si la opacidad es baja, puedes pintar sobre un color y crear un
color completamente nuevo esencialmente. Uno de los flujos de trabajo que
me gusta mucho usar es mientras estoy trabajando
con el pincel, puedo mantener presionada la opción
o Alt en tu teclado. Esa es una alternancia entre cualquier herramienta que estés
usando y el Cuentagotas. Si estoy en el modo pincel
y presiono Opción o Alt, puedo seleccionar rápidamente
el nuevo color en mi Lienzo y pintar con eso y eso proporciona una fusión
realmente agradable. Avísame si tienes alguna
duda sobre cómo configurar tu propio espacio de trabajo de Photoshop
y cuando estés listo, te
veré en la siguiente lección.
6. La especificación de los trabajos del artista de fondo: En esta lección, quiero
darte una idea de cómo será exactamente tu
trabajo cuando seas contratado por
un estudio de animación y te conviertas en un artista de fondo laboral. En el día a día, un artista de fondo no necesariamente
está creando grandes entornos
y pinturas digitales. Realmente es más probable
que estés pintando fondos basados en
un entorno dado. Todavía estás creando
nuevas obras de arte pero tus pinturas se
basarán en trabajos existentes. Esencialmente hay una
separación de deberes entre algo
así como un artista conceptual o un director de arte, un maquetador y
un pintor de fondo. El director de arte suele ser el artista al
que se le ocurra el aspecto general
del espectáculo y ese es alguien que estará pintando
las principales ubicaciones clave. Las ubicaciones clave son las pinturas
realmente grandes que determinan la combinación de colores, el estado de ánimo y la atmósfera. Suelen ser las tomas
de
gran angular de cada una de las ubicaciones
donde se desarrolla la historia. En algunas producciones, no en todas sino
en algunas producciones, llamar a
una persona diferente podría llamar a
una persona diferente llamada maquetadora para elaborar líneas detalladas
de estas importantes escenas. Sin embargo, en la mayoría de
los espectáculos, el artista de fondo podría ser llamado tanto para elaborar una toma o una escena en línea
como también para pintarla. Su conjunto de habilidades definitivamente
necesita poder cubrir trabajo de línea
limpia, así
como el color glorioso
en su pintura. Digamos que en un programa, tienes algo
así como 10 ubicaciones clave que ya
se han determinado, han sido pintadas
por el director de arte, y también tienes un storyboard
bloqueado que se completó en
preproducción y que muestra exactamente en cada toma dónde
están los personajes y cosas así. Ese storyboard
también dará una indicación, no siempre exacta, en su mayoría solo una indicación de cuál
va a ser el fondo. Lo que sucede entonces
es que se te
asignará cada escena
como se indica en el guión gráfico toma a toma
y tendrás que hacer fondos para
cada escena en función la dirección de arte y
en función de las ubicaciones clave. Por ejemplo, en esta toma de aquí, esta es una ubicación clave de la cabina pirata a
bordo del barco, pero en el storyboard, puede
haber una toma, digamos, de esta esquina. Tendrás que poder
visualizarlo desde ese ángulo, hacer un dibujo lineal de él, mostrarlo al director,
obtener la aprobación
y luego
pintarlo usando los colores y
los activos que
ya están creados en
esta pintura principal. Como artista de fondo, también
necesitarás poder
hacer cambios
y revisiones rápidamente en tu trabajo y esa es una
parte clave del trabajo. En el flujo de trabajo, suele ir
algo así. Tomas un día para
pintar un fondo. Luego enviarás esos antecedentes al director de
arte para que lo apruebe. Lo marcas como hecho en la hoja de convocatorias y luego
entras al día siguiente y revisas la hoja de llamadas para ver si
esos antecedentes han sido
revisados y si lo ha hecho, ¿cuáles son las notas? Podría haber algunas
notas como mover la mesa a la izquierda porque el capitán tiene que tener
más espacio para entrar, o podrías obtener
una nota que diga que este fondo
no se conecta
al anterior
porque es desde el ángulo equivocado y luego
tendrás que cambiar eso. Tus revisiones
nunca van a ser tan grandes, diría yo, pero sí necesitas
poder darle la vuelta rápidamente a esas revisiones y pasar al siguiente fondo. Cuando tenga revisiones importantes, debe guardar ese
archivo como un VO2, volver a colocarlo en la carpeta de
producción y nunca guardar ni
eliminar su versión 1 porque es posible que deban
volver a ingresar y usarla nuevamente. Una vez hecho todo eso,
puedes tomarte un descanso, tomar té o café, y luego puedes comenzar con el
nuevo fondo para el día, que
te estará esperando en tu carpeta para hacer y eso se basará en el siguiente panel
del storyboard. Esa es una descripción muy breve de las especificaciones de trabajo de un artista de
fondo y espero que desmitifice o aclare ciertos
aspectos del trabajo. Esencialmente, cuando empiezas como artista de
fondo, estás trabajando con pinturas
predeterminadas, conceptos
predeterminados. Realmente nunca estás creando
completamente desde cero, pero en tu portafolio, sí
necesitas demostrar
a una casa de producción o estudio de
producción que
puedes dibujar algo desde cero, puedes hacer
arte conceptual y puedes visualizar y crear un fondo completamente nuevo
basado en solo una idea. Eso es ojalá
lo que vamos a lograr en este curso juntos a medida que avanzamos haciendo el trasfondo
de la Villa Vikinga. Pero antes de llegar a dibujar y pintar
el Pueblo Vikingo, voy a repasar algunos de los principios fundamentales que
siempre debes tener en mente. Cuando estés listo,
te veré en la siguiente lección.
7. Los principios de la puesta de escena y el enmarcado: En esta sección,
voy a cubrir los conceptos y
principios más importantes que
debes conocer al hacer
arte
de fondo para la animación. Estos principios no
suelen ser discutidos como un marco
cohesivo. Oyes hablar de uno o dos
de estos de vez en cuando, o tal vez te encuentres con
uno aquí, otro allá. Pero realmente pienso que es crucial ver cada uno de
estos principios como literalmente tu marco para entender cómo crear un
buen arte de fondo. Puedes pensar en estos exactamente de la misma manera que
podrías pensar los 12 principios de la animación
si eres animador. Voy a cubrir los tres principios
más importantes. El primer y más
importante principio que debes
tener en cuenta cuando
estás creando arte de fondo es el principio de puesta en escena. Junto a eso, también
voy a añadir el principio de enmarcar. Voy a tratar a ambos como primer principio, básicamente. escena y el encuadre es el
primero en la lista
porque tu trabajo como artista de fondo
es proporcionar una escena o escenario
para los personajes. Tu trabajo realmente no es
hacer una buena ilustración. Una ilustración
es muy diferente al arte de fondo para la animación. Esencialmente, tu
trabajo es crear un escenario para que la
acción se lleve a cabo. En ese sentido, tu obra
tiene que diseñarse de
tal manera que dé
espacio a los personajes,
eso es puesta en escena y para escena y para señalar o dirigir la mirada de los espectadores hacia dónde
están esos personajes, eso es enmarcar. La puesta en escena es literalmente la idea que tu fondo es un escenario. Se quiere dar espacio para que los personajes se muevan
por ahí si es necesario. Siempre hay que saber dónde
están esos personajes en una escena determinada. Para ello, o estarás dibujando desde un panel de storyboard, así lo sabrás, o te lo
dirá el director. Recuerda que el arte de fondo es arte que ya está
en producción. No es arte conceptual, es la pintura la que
en realidad va a ser utilizada en conjunto
con la animación. Si sabes que los personajes caminan sobre la pantalla y se
paran en el medio, no dibujes ni pintes elementos justo en el
medio de la escena, mucho que
pienses que realmente
funcionaría y sería muy agradable
tenerlos ahí. Mantenga el espacio despejado y abierto para los personajes. Después enmarcando. Nuevamente, enmarcar significa cómo le muestras a la audiencia qué
es lo que quiere que vean. La forma más sencilla de hacerlo, si estás pintando una toma
estableciendo o una toma ancha o como un
gran ángulo de una escena, es usar objetos alrededor los bordes de tu
fotograma que literalmente enmarcan el punto focal central o el punto de interés
donde sea que esté. Sin embargo, de otra manera, si estás creando una toma
diferente, no necesariamente una toma de
establecimiento, también
puedes usar algo
llamado líneas iniciales. Aquí es donde los elementos dentro del fondo se
alinean para que estén apuntando en una dirección
específica. Crean líneas que son casi imperceptibles
para el público. No son obvias, pero
trabajan poderosamente para atraer la mirada hacia esa zona de la pantalla que
quieres mostrar.
8. El principio de composición: A continuación tenemos la composición, el principio de
la regla de los tercios. Ahora la regla de
los tercios es tan simple, pero quiero darte algunas ideas
alternativas al respecto, o al menos darte
algo más en lo que pensar. No hay duda en
mi mente de que
ya sabes cuál es la
regla de los tercios. Simplemente se menciona constantemente como la forma de
configurar tu dibujo. Pero si no sabes
lo que es, simplemente empuja. Es una forma de
dividir el marco o la pantalla en tercios iguales que realmente solo nos
permite hacer una composición basada en estas
distintas partes del marco. Tener su punto focal o su punto de interés en una de estas secciones o en una de
estas intersecciones que dicen, que generalmente puede crear una imagen que sea agradable o
interesante de ver, en lugar de simplemente centrar las cosas estáticamente en el medio. Ahora bien, la regla de los tercios funciona. Hace una buena composición. No me malinterpretes, siempre reviso mi trabajo
contra la regla de los tercios. Sin embargo, cuando
estás trabajando con un panel de storyboard o
una miniatura sugerida, como artista de fondo,
la mayoría de las veces, tu composición
ya está determinada. Como ya discutimos con respecto a la puesta en escena y encuadre, su primera prioridad es
hacer espacio para la acción. Cuando escuches hablar de la regla
de los tercios y te digan siempre coloca tus puntos de
interés en estos puntos, recuerda que eso
no siempre va a ser aplicable a la obra
de un artista de fondo. Quería explicar en esta lección que
la regla de los tercios o el círculo mágico
o el Fibonacci, lo que sea, pueden crear una imagen
agradable a la vista. Pero como artista de fondo, no
estás ahí para crear una imagen
agradable en el vacío. Estás contando o ayudando
a contar una historia mucho más grande de la que esta toma o esta escena es
sólo una pequeña pieza. Sí, como artista conceptual
o ilustrador, es una muy buena
pauta a seguir. Pero como ya dije, estamos trabajando en producción
o creando arte de producción, así que debemos ser muy
conscientes de dónde
encaja esto y qué se requiere
en cuanto a la animación. Tu primera decisión en
cuanto a componer la toma siempre necesitas
decidir cuál es el punto de la historia
de esta toma o de la escena. A veces, colocar su punto
focal en el centro es en realidad más importante
para el punto de la historia. Como regla general o pauta muy amplia aquí, una toma compuesta centralmente
a veces puede leerse como más organizada, puede implicar tradición,
estabilidad, status quo, mientras que una composición
que favorezca solo a un lado u otro de la pantalla
implica una escena dinámica, incluso
un sentido de conflicto, o un sentido de viaje
y emoción. Recuerda que
al componer tu arte, quieres apoyar los puntos
de la historia. Puedes hacerlo
ingeniosamente usando el encuadre para señalar el ojo del espectador
hacia la acción y siguiendo la composición
que se configura en el guión gráfico que prioriza
dónde está esa acción.
9. Crear la ilusión de la profundidad: El tercer principio
que quiero cubrir aquí es la ilusión de profundidades. Este es realmente un principio vital para el artista de fondo. Para mí, es aún
más importante que la regla de los tercios. Necesitas estar siempre pensando
constantemente en cómo puedes crear una ilusión de profundidad en tu trabajo por
una simple razón. La ilusión de profundidad es lo que
va a ayudar a tu espectador sentir que puede
entrar en el mundo que
estás creando. Ese es un
aspecto muy importante de la animación. En un mundo animado, todo es posible y tu audiencia quiere
creer que es real y que casi pueden entrar y experimentar este otro mundo. Hay muchas formas de crear
la ilusión de profundidad, como dibujar una perspectiva
fuerte, que cubriremos
en la siguiente sección. Pero también puedes crear profundidad
superponiendo elementos
dentro de tu fondo. Cuando haces esto, inmediatamente se siente como si hubiera
profundidad porque el ojo lee estas superposiciones como literalmente ocupando
espacio y volumen. Eso crea espacio
detrás de cada uno. Otra forma muy poderosa de
crear profundidad es
indicar escala. Escala significa lo grande o
pequeño que es algo. En el fondo, se pueden tener cosas que obviamente
se están haciendo más pequeñas en la distancia según las
reglas de la perspectiva, donde algo que está
más cerca del espectador es mucho más grande
que algo que está más lejos. Recuerda que una de
las formas más fáciles, o las formas más claras
de establecer escala de
perspectiva es
usar el mismo ítem. Solo
asegúrate de tener uno cerca del espectador y luego uno
más lejos que sea más pequeño. El ojo va a leer las dos cosas y saber de
inmediato la que es más pequeña está
mucho más lejos y eso creará
una sensación de profundidad. También quería mencionar que hay una cosa que siempre
permitirá que el ojo del público entienda de
inmediato la escala que intentas
establecer dentro de
tus antecedentes. Hay una cosa que
si lo pones en tu pintura digital o
en tu fondo, inmediatamente
nos mostrará
lo altas que son las cosas. Esa cosa es una
persona o una figura. Debido a que somos personas nosotros mismos, inmediatamente
podemos
leer y entender escala en relación con una
figura humana dentro de una escena. Es así de simple. Se puede ver la
diferencia entre una figura pequeña versus una figura
realmente grande. Pero como artista de fondo, realidad no
estás tratando tanto
con personajes. No siempre tienes
personajes en tus tomas. A diferencia de un artista conceptual
en arte de fondo, realidad no siempre
podemos ponerlo en un vendedor ambulante de palos. Entonces, ¿qué más podemos hacer? Bueno, otra opción es
simplemente implicar la actividad humana o mostrar algo que
sabes que es fácilmente reconocible como algo
que un humano usaría. Algo tan simple
como una puerta, o incluso un vehículo, una bicicleta, o
algo así. Si pones cosas así
en tu arte de fondo, el espectador entenderá
ese tamaño porque se relaciona con el tamaño
de una figura humana. Por lo tanto, la escala se puede
establecer casi de inmediato.
10. El conjunto de habilidades clave de un artista de fondo: Las tres habilidades de
un artista de fondo son la investigación visual, el
dibujo y la pintura. Si puedes hacer investigación visual, recolectar imágenes y
recordar detalles basados en tus referencias, si puedes dibujar estructura,
creíble, estructura sólida 3D, si puedes trabajar
creativamente con el color, entonces eso es todo
lo que realmente necesitas para ser un artista digital o
un artista de fondo. Todo lo demás, el estilo, las texturas, los conceptos, todas
estas son técnicas que puedes agregar
y construir sobre ellas. Pero estos tres aspectos forman
la clave absoluta subyacente, las habilidades fundamentales
más importantes que
necesitas desarrollar
para ser un artista de fondo. Ahora, a lo largo del
resto del curso, vamos a explorar
y desarrollar tu dibujo, tu pintura, y te
voy a entrenar en
el camino en cómo practicar
estas dos habilidades. Pero en esta lección, quiero hablar de investigación
visual. En primer lugar, una palabra sobre investigación
visual versus
dibujar desde la imaginación. El gran artista, Kim Jung Gi, quien lamentablemente
falleció recientemente, pero en una de las últimas
entrevistas que
dio, se le preguntó cuáles son los principales
consejos que tiene
para los artistas principiantes. Su primer punto
fue que es muy importante recopilar referencias
visuales
y agregarlo a tu experiencia de objetos,
lugares y personas
del mundo real . Si ves a alguien sacando
de su imaginación, debes saber que es hábil para
poder recordar lo que ha investigado
o lo que ha experimentado es lo
que estás viendo. No es que la imaginación no solo se saque de
absolutamente ninguna parte, se trata de su capacidad
para recordar una experiencia. investigación visual es realmente la primera y principal habilidad
que necesitas desarrollar. Aquí hay algunos consejos sobre cómo
hacer investigación visual. El primero es
obviamente comenzar desde donde estás y literalmente
tomar en tu entorno. Intenta ser visualmente
consciente e interesado en los objetos y lugares que estás viendo a diario. Solo mirar las cosas
es una manera poderosa aumentar tu
nivel de habilidad muy rápido. Recuérdate
notar la luz a tu
alrededor en diferentes
momentos del día. Observe o mire la
estructura de las cosas y cómo ocupan el espacio. Si puedes, empieza a sacar
estas cosas de la vida. Comienza una práctica de cuaderno de bocetos si aún no tienes una y trata de dibujar de
la vida tanto como puedas. No siempre es posible, pero si
logras sacar de la vida, va a ser una
de las formas más rápidas en las que mejorarás
tu dibujo en general. Si eres bueno
capturando imágenes, entonces puedes comenzar a acostumbrarte
a tomar fotos de las cosas que ves y recopilarlas en una carpeta
dedicada. Cuando se trata de
dibujar y pintar fondos
específicos o piezas de arte específicas, entonces obviamente el
siguiente paso es
investigar en línea para el objeto o el lugar que
estás dibujando. Por ejemplo, para este proyecto, seguí adelante y escribí
Viking Village en Google y
basado en todas las imágenes
que escupió Google, comencé a hacer un mood board, que es literalmente
solo una colección de imágenes que me gustaron, imágenes que resonaban
con lo tenía en mente sobre
lo que quería hacer, y también imágenes que
acabo de encontrar interesante
mirarme a mí mismo. Un mood board no tiene que ser específico o no tiene
que ser demasiado específico, puede
ser solo una
colección de imágenes que te gusten los colores
que ves. Pinterest es genial para
coleccionar imágenes. Mi recomendación es hacer
un mood board como este, luego estudiarlo un rato solo mirar y
notar las cosas que destacan o las
cosas que quizás ni
siquiera hayas notado
en una imagen al principio. Entonces, cuando estés listo para comenzar
a dibujar, guarda este mood board y trata dibujar en base
a
lo que recuerdes. Deja que tu recuerdo se apodere y trata de dibujar algo nuevo
basado en cómo lo recuerdas. Esa es la forma en que abordo investigación
visual para
cualquier proyecto en absoluto. Traté de no mirar demasiado a otros artistas conceptuales
terminados obras de arte, aunque sí tengo que
mencionar un sitio web como ArtStation es
un recurso increíble para los artistas y puedes
obtener tanta inspiración al mirar el trabajo de
otro artista. Pero trata de
resistirte a
encontrar obras de arte que creas
que son tan increíbles que
solo quieres replicar o duplicar. Intenta simplemente dejarte
inspirar por lo
que ves ahí. Haz tu investigación sobre los objetos físicos reales y las cosas que
intentas dibujar. Entonces guarda toda esa investigación
y trata de empezar a
dibujar de tu memoria. En la siguiente sección,
vamos a pasar al dibujo. Voy a hablar
un poco sobre habilidades
fundamentales fundamentales que los artistas de
fondo necesitan
conocer para dibujar. Específicamente voy
a mencionar algunas de las trampas realmente importantes en las
que veo caer a muchos artistas
principiantes
cuando se trata de dibujar. Cuando estés listo,
encuéntrame en la siguiente lección.
11. Habilidades de dibujo - líneas confiables: Hemos cubierto las especificaciones
de trabajo de un artista de fondo. Analizamos los principios clave para crear arte de fondo, y he hablado sobre la
habilidad que necesitas para desarrollar nuestra investigación visual
y memoria visual. Todos estos temas
deberían comenzar a formar una base realmente
sólida para tu trabajo y ayudarte a ganar confianza en los próximos pasos
que vas a dar. Esos siguientes pasos son desarrollar tu dibujo
y tus habilidades de pintura. En esta sección de la clase, vamos a iniciar
el proyecto de clase. Quiero mostrarte
paso a paso
cómo dibujar un
diseño complejo como este. Tener este dibujo lineal en tu portafolio es una pieza
realmente importante. Demostrará a los estudios que puedes dibujar
cualquier cosa y que
tienes una buena comprensión de las habilidades fundamentales
que son tan importantes. Quiero mostrarte exactamente cómo
hacer un dibujo como este. Pero en el camino,
también quiero señalar algunos errores comunes que veo que los artistas
principiantes cometen
en su dibujo, y mostrarte cuáles
son para que
sepas mejorarlos
en tu propio trabajo. Antes de
sumergirnos en este dibujo, quiero darte
algunos taladros de dibujo en los
que quiero que trabajes. Si haces estos
taladros de dibujo con regularidad, te sorprenderá lo rápido
que mejorará tu dibujo. Voy a saltarme
a Photoshop. He hecho un nuevo Canvas aquí. Esto realmente solo va a
ser para estos simulacros de dibujo, pero voy a hacer una nueva capa
por encima de la capa de fondo. Para el tamaño del pincel, solo
voy con uno de los
pinceles predeterminados de Photoshop aquí, solo este pincel redondo duro. El tamaño de píxel es de aproximadamente
12 para este Canvas, y también me he asegurado de que
la opacidad sea de hasta 100. Estos taladros te
van a ayudar a mejorar la confianza
de tu línea. Tener un
trabajo seguro y fuerte es realmente importante. Todo lo que tienes que hacer para estos
ejercicios es llenar una página, hacer una serie de
líneas rectas que van de izquierda a derecha o incluso de derecha a izquierda, y simplemente continuar
haciéndolo hasta que
sientas que puedes
dibujar prácticamente una línea recta pareja en un
solo movimiento de barrido. También se puede ir en diagonal. Te darás cuenta de que no voy a parar
ni a empezar en el medio. No voy a ir como dash. Realmente es un movimiento de barrido. Estoy tratando de mantener mi brazo
lo más firme posible. No estoy dibujando de
mi muñeca ni de mi mano. De verdad casi estoy dibujando. Es como si estuviera dibujando
de mi hombro. Así, así que cuando
hayas hecho todo eso, quiero que hagas otro simulacro, y este es más
o menos lo mismo. Pero lo que vas a
hacer es hacer una serie de puntos en tu Lienzo así. Otra serie de
puntos por aquí. Entonces voy a usar
un color diferente solo por el bien de ello, y voy a hacer una nueva capa, y este taladro es
todo sobre el control. Quieres poder
dibujar una línea recta de un punto a otro. No importa cuál.
Solo escojamos esta. Pero la idea es que
empieces aquí y termines ahí, así que esta no es tan fácil. Pero tienes que intentarlo y en realidad
es muy
complicado hacer esto. No voy a conseguir
ninguno de estos arroces. Oh, ahí vamos, casi. Aquí vamos. Supongo que si
dibujas lo suficientemente lento, puedes. Pero el punto es tratar de
dibujar rápido y tener el control. Si quisieras, hay una manera de que puedas
rotar tu Canvas. Si sientes que te
sientes cómodo solo dibujando en una dirección,
como personalmente, me parece que puedo hacer hacer una línea
bastante agradable incluso si voy de abajo a la izquierda
a la parte superior derecha. Si eso es lo mismo para ti, y quieres dibujar,
yendo por el otro lado. Puedes presionar R en tu teclado y rotar
tu Canvas alrededor. Incluso tenerlo un poco de
ángulo y eso podría ayudarte también. Dale una oportunidad a ese seguro. Otro, llena la
página con círculos. Voy a tratar dibujar círculos perfectos rápidamente. No vayas muy despacio. Es mucho más fácil
si vas más lento, pero luego verás que la línea se vuelve
mucho más tambaleante. Intenta ser fluido, rápido y seguro
con tu línea. El último simulacro de dibujo
es entrenarte para dibujar sobre el mismo camino. Digamos, si
dibujas una caja así, y luego
vuelves e intentas dibujar sobre la línea otra vez. Este es un muy buen
ejercicio para hacer también.
12. Perspectiva de dibujo: La siguiente habilidad vital
que necesitas
desarrollar para dibujar es el dibujo
en perspectiva. Este es el primer gran escollo que veo
caer a los principiantes y el mayor
desafío que gente comienza con el diseño de
fondo en particular, el mayor desafío con el
que se encuentran. En esta lección,
quiero mostrarte cómo
puedes llegar a ser realmente
bueno en perspectiva. Es increíblemente
simple e
incluso podrías evitar este
ejercicio porque
al igual que los ejercicios de dibujo que
hicimos en la lección anterior para líneas seguras parece demasiado simple para tener algún efecto pero te
garantizo que si
dibujas cajas y cubos, vas a mejorar tu capacidad para dibujar en perspectiva
muy rápidamente. Entonces podrás
desarrollarlo aún más en perspectiva
mucho más compleja
de tres puntos o perspectivas extremas. Repasemos por los principales puntos
básicos que
debes conocer. En primer lugar, perspectiva de un punto. Comienza con una línea horizontal a través de tu lienzo así. Ahora bien, esta línea se llama
la línea del horizonte pero
efectivamente es tu línea de ojos
o la línea de ojos de la cámara. En cualquier parte de esta línea, puedes dibujar un punto y este punto
se llama punto de fuga. Ahora bien, el punto de fuga es la dirección en la que
estás buscando. A partir de este punto, simplemente dibuja líneas radiantes
que van directamente hacia afuera. Mantenga presionado Mayús en su teclado mientras
hace esto y
podrá dibujar una línea recta
y luego una vez que lo haya hecho, dibuje líneas paralelas a esa línea principal del horizonte
o línea de ojos como esta. Ahora, tienes una cuadrícula de
perspectiva. Encima de esta cuadrícula,
puedes comenzar a dibujar cajas y cubos
siguiendo estas líneas. Puedes seguirlos exactamente o aproximadamente,
realmente no importa. Este no es un curso de
dibujo técnico. No me pondría demasiado rígido al
respecto siempre y cuando sigas consistentemente
la dirección de las líneas de rejilla debajo. Como dije, no estamos haciendo dibujos
arquitectónicos o de
ingeniería, estamos haciendo arte, así puedes dibujar a mano alzada y puedes estar un
poco flojo con esto. Si haces eso, creo
que te ayudará a ser
más instintivo a medida que dibujas a
la larga de todos modos. Esa es una perspectiva. Esencialmente un punto
significa que estamos mirando al frente de estas
cajas que nos están enfrentando. Veamos la perspectiva de
dos puntos. Nuevamente, dibuja una línea de horizonte
a través de la mitad de tu lienzo y esta vez coloca
dos puntos a lo largo de esta línea. Ahora tienes dos puntos de
fuga, ahí el término perspectiva
de dos puntos. Nuevamente, dibuja líneas radiantes
de cada uno de estos puntos. Si tienes problemas
para dibujar una línea recta, toca tu bolígrafo en un punto, di en el punto de fuga, mantén presionado Mayús y tócalo en el punto final y eso te
dará una línea recta. Ahora, una vez que hayas
terminado de dibujar todas tus líneas radiantes
de cada uno de estos puntos, en realidad no necesitas
dibujar líneas paralelas porque estas líneas que se cruzan son esencialmente tu cuadrícula. Ahora empieza a dibujar cubos
y cajas encima de
esto tal como lo hiciste para
una perspectiva de un punto. inmediato se puede
ver que lo que estamos viendo aquí no es
la parte frontal de la caja sino que en realidad estamos
viendo ambos lados en ángulo y así eso es lo que caracteriza la perspectiva de
dos puntos. Este
ejercicio realmente sencillo para
perspectiva de un punto y dos puntos, como dije, va a desarrollar
tu capacidad para dibujar perspectiva en cualquier sentido. Ponte a trabajar con estos
sencillos ejercicios. Practica dibujar cubos y cajas en rejillas de un
punto y dos puntos. Creo que es muy importante
dominar completamente
estos dos simples
dibujos en perspectiva antes de estos dos simples
dibujos en perspectiva antes pasar a una perspectiva compleja de
tres puntos o ángulos extremos. De verdad
te animo a que dediques primero tiempo a
trabajar en estos
principios básicos.
13. Dibujo duro: Como expliqué en
la lección anterior sobre la descripción del puesto
de un artista de fondo. Cuando estás trabajando en el trabajo, casi siempre
tendrás una guía o una
ubicación pegajosa para trabajar, si no un
panel de guion gráfico, por lo que no
necesariamente comenzarás un dibujo desde cero
a menos que, por supuesto seas parte de un equipo de
preproducción y estés trabajando en una pieza de arte conceptual o estés desarrollando
el proyecto. Dicho esto para el
proyecto en esta clase, quiero que esto sea para una pieza que puedas
tener en tu portafolio. Quiero mostrarle cómo
iniciar un dibujo desde el principio y
cómo llevarlo todo el camino a una pintura
terminada terminada. Esta es la forma en que
suelo abordar un proceso de dibujo como este. de haber hecho toda mi investigación visual y
haber creado un mood board, estudiarlo, ahora tengo una idea de la
composición general en mi mente. Esta parte es realmente importante. Antes de comenzar tu dibujo, debes intentar
visualizar tu toma o escena y tener muy claro
cómo quieres que se vea, incluso si eso va a
cambiar a medida que
avanzas en la pintura. Apenas comenzando, teniendo
como una imagen en tu mente. Intenta entrenarte para estar
pensando visualmente así. El primer paso entonces en todo
el proceso es simplemente
hacer un boceto realmente rudo. Por aquí en la pila de capas, voy a crear una nueva capa por encima de esta capa de
fondo bloqueada. No quiero dibujar en eso, y luego voy a
elegir un color oscuro. El negro es fino, y solo un cepillo redondo
muy simple. Ahora puedes usar el pincel
predeterminado de Photoshop o un pincel pequeño de textura si
prefieres que se vea
más como un lápiz, no
importa para
este boceto rudo. Entonces me gusta dibujar siempre
un marco en mi página solo para comenzar y esto
me ayuda a componer el boceto
inicial, y también se siente como una buena manera de comenzar
porque ya
hay algo en la página
blanca en blanco. Entonces eso es lo que hago. Siéntete libre de hacer eso. Entonces comenzando por la izquierda, en realidad solo
estoy
dibujando algunas formas simples. Quiero una forma para
la casa o una cabaña. Voy a dibujar uno
detrás de este y lo
estoy manteniendo realmente
bloqueada y muy simple. Si tuviera que hacer una miniatura realmente
aproximada para
mostrarte qué es lo que estoy
visualizando en mi mente, esto es más o menos
como lo estoy viendo. Estoy pensando en casas aquí. Tal vez algunas montañas
de fondo, y un terreno medio abierto, y también algunos elementos de
primer plano solo para enmarcar la escena. Siento que estas cabañas o estas casas podrían tener escalones
bajando al suelo, o al menos están
levantadas un poco en algún terreno y tienen estos techos
vikingos de aspecto muy icónico con detalles. Pero por ahora, no
voy a entrar en detalles
súper minuciosos en absoluto. Yo sólo quiero
bloquearlo realmente. Aquí atrás, podría
haber un bote en el puerto. Sé que la C va
a estar ahí atrás. Podría ser agradable tener uno de esos icónicos barcos vikingos. Así es como voy a trabajar a
través de la idea del boceto. Y en cualquier momento, si quieres cambiar
tu trabajo de línea, en lugar de
borrarlo y comenzar de nuevo, solo usa tu herramienta de selección. Pulsa L en el teclado, selecciona parte de tu trabajo de línea. Una vez que esté seleccionado, entonces
puedes presionar V y
moverlo y luego presionar Comando o Control D para deseleccionar
y volver al dibujo. Por aquí a la derecha, va a
haber
más de estas casas, tal vez una más cercana a nosotros. Va a ser más grande. No quiero tener esto
tal vez teniendo escalones bajando. Quiero que el techo tenga un
poco de fuerte y pienso, y luego ahora voy a agregar solo una indicación
del primer plano, como si el suelo se estuviera
levantando aquí arriba. Vamos a estar
mirando hacia abajo en esta escena o en este pueblo. Ahora en este punto, he
seleccionado el dibujo usando Comando T y eso trae a
colación la herramienta de transformación libre. Solo lo estoy moviendo para ver si realmente hay una mejor
composición, o si necesito cambiar el ángulo que nos estamos
despreciando. A veces es difícil
mover el dibujo
lineal simplemente usando V
o la herramienta Selección. A menudo uso la herramienta de
transformación libre para mover líneas, ya que eso selecciona
todo y es mucho más fácil de mover. Otro buen consejo para mencionar
en este punto es voltear tu lienzo horizontalmente para ver tu dibujo en
una versión espejada. Eso realmente puede ayudar a identificar esos errores de
composición que tu ojo podría no captar porque está acostumbrado
a ver de una manera. Si le das la vuelta, destacan, realmente en las primeras etapas, te ayuda a
equilibrar tu dibujo. Bueno, eso se ve bien. Creo que voy a
bosquejar e indicar el fondo aquí,
montañas y bosques. Eso es muy sencillo, unas pocas líneas solo para indicar esos
elementos de fondo y
llenan el espacio muy bien. Solo voy a trabajar
sobre esto otra vez, sigue siendo muy rudo y suelto y este realmente es el
primer paso en mi proceso. Ahora, quería decir que
hay muchas maneras de
comenzar una pintura. Puede bloquear con valores en
escala de grises. Puedes empezar a
pintar con colores. Ni siquiera tienes que
hacer un dibujo real. Esto no quiere decir que esta sea la única manera de comenzar
tu trasfondo. Pero sí quería
enfocarme en
las habilidades de dibujo en la sección
del curso. Porque creo que es muy importante
entender cómo dibujar la estructura subyacente de cualquier fondo y
comenzar con un dibujo de líneas
aproximadas. Vamos a refinar
este dibujo algunas veces solo para conseguir que
sea un layout terminado. Pero va a
hacerlo mucho más fácil si iniciamos todo el
proceso así. Mantén tu
boceto inicial muy simple. Aún no compliques demasiado
las cosas. Sé que quiero tener mucha parafernalia
vikinga en
los tejados, en las puertas. Quiero escudos y
cosas así, pero de ninguna manera voy a
empezar a dibujarlos ahora. Este es un
comienzo realmente simple y puedes llegar mucho más complejo
paso a paso a medida que avanzas.
14. Cómo comprobar la perspectiva: En esta lección, quiero
mostrarte cómo puedes revisar tu perspectiva sobre
un dibujo rudo como este. Esta es mi
forma preferida de trabajar. La razón detrás de
esto es simple. Si tuviera que haber
empezado con una cuadrícula de
perspectiva muy estructurada e intentar dibujar
la escena en la que estoy trabajando o que estoy
visualizando mi mente
encima de esa cuadrícula o de
acuerdo con esa perspectiva, me estaría restringiendo mucho en términos
de simplemente dejar pasar
la composición y conseguir generar ideas para
la pieza final. Quiero poder acercarme a
este trasfondo desde
un enfoque más natural, instintivo o intuitivo
en
lugar de intentar comenzar muy rígido y estricto sobre
cosas como la perspectiva. Encuentro que cuando empiezas a
dibujar perspectiva primero, realmente aprieta la composición y
te impide ser un
poco más imaginativo. Así es como lo haría yo. A mí me gusta comenzar intuitivamente y luego agregar estructura y
perspectiva encima de eso. Lo que voy a hacer, voy a hacer una nueva capa encima
de la capa rugosa. Ya sé que a
lo que me refiero aquí es
una perspectiva de dos puntos. Puedo ver que voy a
tener dos puntos de fuga a
cada lado de este dibujo
y una línea de horizonte que está en
algún lugar en el medio. Voy a elegir
un color rojo para mis líneas de cuadrícula y empezar
a dibujarlas. Ahora lo importante a tener en cuenta sobre la perspectiva de dos puntos
es que casi siempre preferible tener
tus puntos
de fuga fuera de tu
Canvas o de tu marco. Si ambos puntos de
fuga están dentro del marco o
dentro del dibujo, realmente tiende a deformar el dibujo
porque está demasiado apretado. Lo que estoy haciendo aquí es que
voy a golpear C en mi teclado. Eso trae a colación la herramienta de cultivo. Voy a arrastrar el
tamaño de este cultivo. Ahora tengo un dibujo de
Lienzo mucho más largo en el medio, y tengo mucho espacio a
cada lado para los puntos
de fuga. A continuación, voy a seguir
las líneas generales que se establecen en el dibujo como este edificio
de aquí a la izquierda, seguir esas líneas que
ya han sido trazadas. Ahora para dibujar una línea
diagonal recta en Photoshop, debe tocar
su punto de inicio, mantener pulsado la
tecla Mayús en su teclado y tocar el
punto final de su línea. Esto funciona mejor con un cepillo duro muy redondo uno
de los pinceles predeterminados. Tiende a no funcionar realmente tan bien con un
pincel de textura debido al efecto ahusado que
tienes en los pinceles de textura, hace que la línea sea
imperceptible a veces. Lo que a menudo hago es simplemente dibujar una línea
horizontal recta muerta, que parece parecer
mucho más fuerte. Entonces golpearé Comando o
Control T y simplemente usaré la
herramienta de transformación libre para rotar esa línea al
ángulo exacto que quiero. Entonces puedo dibujar una línea recta
horizontal por aquí. Esa es mi línea de horizonte. Ahora sólo voy a
completar las diagonales hasta el segundo
punto de fuga siguiendo desde esta casa principal, esta es como mi
unidad básica para la perspectiva. Como pueden ver, estoy
teniendo cuidado de emparejar las líneas
diagonales con primero las líneas
diagonales con
el lado izquierdo
del dibujo. Creo que elige una cosa en
tu dibujo que sepas que
va a ser esa unidad básica contra la
que puedas medirte. Descubrirás que puedes
cambiar fácilmente el resto del
dibujo para que coincida en
lugar de intentar que
tu perspectiva se ajuste a todo a la vez. En otras palabras, estoy acercando mi perspectiva
lo más posible al dibujo. Pero sé que por ejemplo
estos edificios de la derecha, van a tener que ser
ajustados en la siguiente fase. Pero eso es genial, está bien. De eso se trata este
proceso. Lo que estoy haciendo aquí es simplemente
mapear la cuadrícula encima
del dibujo aproximado para que en la siguiente iteración
o en el siguiente pase, pueda hacer una versión
limpiada que vaya a estar coincidiendo con
estas líneas. Una vez que hayas establecido tu cuadrícula
simple, puedes volver a pulsar C en
tu teclado
y volver a recortar tu dibujo
al tamaño original.
15. Desarrollo de un boceto duro: El siguiente paso en este proceso es desarrollar este concepto o esta idea aproximada un
poco más lejos ahora que tenemos una cuadrícula de
perspectiva más establecida. Lo que voy a
hacer es bajar la opacidad tanto en mi capa de
dibujo áspero como en la cuadrícula. Simplemente haz clic en la capa
, baja la opacidad y
luego asegúrate de hacer clic en este ícono de candado para bloquear la capa para que no termines dibujando en ella por error. Entonces voy a hacer
una nueva capa por encima de ella. Pero quiero que esta
capa esté por debajo la cuadrícula y voy a
bloquear esa capa de cuadrícula también. Ahora puede empezar a ponerse un
poco más interesante. Básicamente voy a volver a
dibujar todo este
dibujo. Aunque sigue siendo muy rudo
y suelto. No obstante,
ahora me voy
a dar un poco de margen de maniobra para empezar a agregar detalles y afinar algunas de las cosas que
quiero desarrollar. Sólo para señalar, esta no
va a ser la parte final. Todavía voy a
tener que repasar este dibujo quizá
por tercera vez otra vez. Pero en esta parte, realmente
quiero desarrollar el boceto en algo un
poco más concreto. Porque tengo
algo en lo que trabajar, en realidad
es un proceso
muy fácil. Solo estoy rastreando este dibujo
realmente rudo. Además porque tengo
las líneas de perspectiva, sé que puedo
seguirlas y puedo estar seguro que el dibujo va a empezar a estructurarse más. En esta etapa, sigo
dibujando de la memoria. Aún no estoy haciendo ninguna
referencia exacta per se. Sólo quiero reiterar
lo que vengo diciendo mucho, es decir que este
sigue siendo un
enfoque intuitivo y de forma libre para dibujar. Me parece que
eso es mucho más divertido, una forma mucho más interesante de
crear fondos en
lugar de salir de
la puerta teniendo que ser precisos y detallados. De esta manera puedes ser mucho más
imaginativo. Ahora puedes ver si
apago la capa rugosa, cuanto mejor ya esta
empezando a verse esta. Aquí tengo las tres casas. Están mucho más definidos, mucho más claramente expresados, y están empezando a
parecerse a casas reales. Voy a seguir adelante con
el barco de fondo. Pero ya lo he decidido,
no estoy muy seguro de
estos elementos. Puede que no lo pinte
en la iteración final, pero voy a dibujar
esto de alguna manera. Podría ser una opción para más
adelante si decido que es
necesario tenerla. Voy a dejarlo adentro
si quieres agregarlo. Si vas a usar
este dibujo lineal, digamos para tu fondo
final entonces veamos qué se
te ocurre. Ahora bien, en el
lado derecho, recuerden, este es el lado
que no tiene la perspectiva correcta pasando
en el dibujo áspero. Eso está totalmente bien. Lo que voy a hacer es trabajar
con lo que hay aquí y adaptar esto a las líneas de la cuadrícula para que
sea más correcto, digamos. Ahora, para el área de primer plano, quiero que el suelo se eleve en el
plano de
primer plano aquí. Quiero enmarcar la escena. Voy a poner en el
costado un grande, estoy pensando como un poste o
una estructura de algún tipo, una de esas cosas de
aspecto monolítico. No estoy seguro de qué
va a ser esto en realidad todavía, pero necesito algo que vaya a equilibrar el
resto de la composición, algo muy alto e
imponente por aquí. También me voy a meter
en algunos postes de barda. Nuevamente, estos
van a funcionar muy bien como líneas de liderazgo dentro de
la composición. Van a estar apuntando hacia
adentro hacia el centro. Todavía no tengo que ser muy
específico sobre ellos. Sólo hay que poner algunas formas. Por este lado, sí
quería ser específico. Quiero tener una
calavera en un poste. Nuevamente, esta noción de una estructura muy alta para
dar ese sentido de escala. Voy a dibujar primero
el poste recto arriba
y abajo y luego transformarlo con
la herramienta de transformación y moverlo a su lugar. Entonces aquí arriba, por ahora, sólo
voy a dibujar una
forma vaga para una calavera, una calavera de animales
con cuernos largos. Eso se ve bien.
Entonces en la base, pongamos un escudo, tal vez algunas armas rotas, una espada o algo así, algunas flechas,
algo así. Bueno, esto se ve
muy bien ahora. Siento que
casi estamos en esa última etapa para
nuestro dibujo de maquetación. Estoy muy contento con esto. Estoy contenta como resultó. Te puedo decir ahora mismo que todo el arduo trabajo que está hecho. El arduo trabajo está realmente
siempre en cómo
redactas tu toma y cómo
te metes en la página, lo que tienes en mente. Después de eso, solo es cuestión
de rellenar las cosas
y ser paciente y comprometido con un
proceso
bastante largo y laborioso a veces. Pero esta etapa inicial temprana
es la etapa más importante. Si has llegado
hasta aquí con tu propio dibujo, bien hecho, es una buena parte
del trabajo terminado. A pesar de que esto sigue siendo áspero, nuestra base para
el fondo está aquí en este boceto inicial. Todo lo que realmente necesito hacer es hacer un pase más
en este dibujo e ir a él con
una línea más limpia. Eso es lo que voy a explicar cómo hacer
en el siguiente video. Cuando estés listo, únete a mí
en la siguiente lección y
desarrollaremos esto hacia un dibujo de maquetación
terminado.
16. Estructura de dibujo Parte 1: En esta lección, quiero
repasar algo que para mí ha sido un tema
un poco destacado con muchos artistas de
fondo principiantes, muchos pintores
digitales principiantes, y así es como abordan o dibujan una estructura en su trabajo. Este es un muy buen
lugar en el proceso para explicar cómo pensar
sobre la estructura del dibujo. Porque realmente es lo único estándar que va a hacer que
tu dibujo parezca exitoso o no se vea exitoso y te explicaré exactamente a qué me refiero
en esta lección. Lo primero que
quiero hacer, sin embargo, es simplemente ordenar un poco mis
capas. Tengo cosas en
diferentes capas, lo cual está bien
porque en realidad me da el margen de maniobra o la
libertad de tal vez mover las cosas si es necesario. Tengo mi
dibujo de primer plano en una capa diferente. Entonces creo que esto está
empezando a verse bien. Lo que puedo hacer ahora es agrupar
todas estas capas juntas. Selecciónalos todos manteniendo
presionada la tecla Mayús y luego Comando o Control G para
ponerlos en un grupo. Entonces lo que puedes hacer es
simplemente hacer doble clic en el nombre de dash y escribir. Vamos a escribir el dibujo en bruto. También se puede bajar
la opacidad de todo
el grupo
, lo cual es útil. Ahora bien, lo que quiero
señalar es que si
salto a mi referencia
o a mi mood board, quiero platicar un poco
sobre cómo
buscar realmente la estructura en tu obra que va a dar esa impresión de realismo. Cuando estás dibujando
algo tan simple como el techo de un
edificio, por ejemplo, lo que
hacen muchos principiantes es simplemente dibujar la forma exterior. Quiero
animarte a que empieces a
pensar en las cosas que están en 3D. Si miras esta
imagen de aquí, está este plano exterior, pero también hay un
lado inferior
e incluso hay un área debajo de esa con estos pilares
y postes allá atrás. En lugar de simplemente dibujar un marco A
sencillo, empieza a pensar en
los bordes de las cosas y la estructura 3D y
si puedes dibujar eso, entonces tu dibujo va
a tener mucha más solidez. Va a parecer mucho más real y mucho más creíble. Si volvemos a mi dibujo, verás que no tengo eso
en este dibujo, de verdad. Acabo de indicar una forma
triangular para el techo, pero ahora quiero
entrar y
definir realmente la forma de
ese techo triangular. Si empiezo aquí en la parte superior, digamos con la
parte superior del techo aquí, voy a asegurarme de que estoy dibujando esto con
un sentido de estructura. Podría haber
aquí este avión que podamos ver. Pero también hay un aspecto 3D a esto que
voy a indicar. Eso realmente le va a
dar la estructura sólida que busco
en mi línea de trabajo. Cuando estaba empezando como
principiante en cuanto me di cuenta de este
factor en mi dibujo, todo simplemente
mejoró mucho. Esto creo que junto
con esa cosa estaba hablando de
tener un trabajo de línea seguro esas son las dos cosas que si esas son las dos cosas que si
eres principiante y
quieres mejorar como artista o mejorar como ilustrador enfocarte en
conseguir
un trabajo de línea segura
y fuerte y enfocarte en dibujar tus objetos 3D con la
mayor claridad que
realmente puedas dar expresión a la objeto como es en
el espacio, como lo verías. Realmente espero que esto tenga sentido. Es difícil de explicar
y ojalá estés viendo a lo que me refiero en este dibujo mientras lo
trabajaba. Se ve que
en realidad ni siquiera estoy siendo muy preciso en absoluto, pero sigo dibujando
muy rudo y suelto. Pero estoy empezando a pensar
realmente cómo se
ven estas cosas en un sentido 3D. Incluso en este techo si pienso que en esta etapa
va a ser un techo de paja, todavía
voy a intentar
indicarle el hecho de que tiene una calidad 3D específica para ello. Entonces aquí abajo, voy
a indicar el fondo de todo
el techo para que
se sienta muy sólido. Se siente como un
grueso techo de paja. En esta etapa, voy
a seguir adelante otra vez. Aquí quiero estas piezas
de madera que van a estar enmarcando mi puerta o enmarcando el
frente de la casa. Quiero asegurarme de que estos
parezcan sólidos, que parezcan que tienen dimensión y
no son solo dos líneas planas. En otras palabras, si
lo dibujo aquí así, puede ver que es
sólo una forma de destello. Mientras que si dibujo el lado de ella así y le doy un poco de perspectiva de inmediato, es algo que tiene esa dimensión de la que
estoy hablando. Puedes
ponerle textura si quieres pero creo que esto es
mucho más importante, es simplemente dibujar un poco
de estructura en tu trabajo. Hace falta tiempo y
puede parecer un poco laborioso y voy a rehacer este
dibujo una vez más después de esto. Si necesitas tener un poco de
paciencia con el proceso. Pero creo que si estás
en este curso conmigo, entonces te encanta el
arte de fondo, te encanta dibujar, y vas a
disfrutar haciendo esto de todos modos. También quería
simplemente hacer el punto que tenga cuidado con
su peso de línea. Como pueden ver aquí, acabo de
dibujar en estos pilares mi casa y la línea es muy pesada y eso
no me gusta. Creo que deberías
tener un poco cuidado con tu peso línea
porque si tu línea es
pesada y gruesa así, realmente va a
restarle valor al dibujo general y realmente
no
quieres tener
líneas muy gruesas en tu diseño, especialmente si hay un
área con mucho detalle. La forma en que mantengo
mi línea de trabajo ligero es que no estoy realmente poniendo una gran cantidad de presión en
mi tableta con mi lápiz óptico. En realidad puedes
variar la presión de tu pluma y eso varía mucho
el peso de la línea. Estoy tratando de mantenerlo
bastante ligero y no presionar demasiado
en mi tableta Wacom. Voy a
apagar la capa rugosa y se puede ver como
esta casa se ha
unido tanto como está casi completamente
terminada, diría yo. Eso es solo una pasada
después del dibujo muy rudo. Voy a seguir
dibujando la estructura. Voy a seguir enfocándome
en asegurarme de que
tengo tridimensionalidad
en mi dibujo. Voy a moverme
metódicamente paso a paso por
todo el resto del dibujo. Te veré en el siguiente video.
17. Estructura de dibujo Parte 2: Bienvenido de nuevo. En esta lección, voy a continuar mi versión limpiada
de mi diseño o
al menos tal vez creo que esta
podría ser la última parte. Parece que
viene bien. Como pueden ver, ahora
estoy trabajando en el
frente de esta casa. Yo sólo quiero
rematar los escalones. Nuevamente, hablando esa tridimensionalidad de la
que estábamos hablando en la lección
anterior. Estoy asegurándome de que estos
tablones tengan estructura y sientan que
no son solo líneas en la página, realidad
se sienten
muy 3D y sólidos. Estoy empezando a
ponerlo en pequeños detalles ahora de esto para asegurarme de
que se lee correctamente. Eso es un soporte
debajo de las tablas. Postes debajo de la
escalera soportan la plataforma
frente a la puerta. Por debajo de aquí en el nivel del
suelo está bajando. Esto va a ser
todo nieve de todos modos, así que no necesito conseguir
muchos detalles ahí, pero ahora quiero
dibujar los pasos. La forma en que abordo los pasos de
dibujo, lo cual puede ser complicado, especialmente en algo así como
una perspectiva de dos puntos, siempre
tiendo a pensar primero en
la llanura superior del paso. Lo que voy a hacer es dibujar el
rectángulo para la parte superior
del escalón y luego dibujar los
lados del mismo hacia abajo así. Ahora, sólo voy a dibujar
unos cuantos puestos en la parte de atrás allá que
van a estar apoyando
estos pasos. Entonces dibujaré mi segundo. Se puede ver si apago el dibujo en bruto,
se ve bien. Probablemente no sea, desde una perspectiva de
ingeniería, el más
estable de pasos [Risas], pero creo que para este dibujo, eso funciona muy bien. Al menos, como dije, parece que es
una estructura sólida. Ahora bien, en esta segunda
casa allá atrás, tengo en mente
una forma bastante compleja para los dos postes que
están apoyando el techo. Quiero que tengan
la forma de un perro tallado o lobo
o sabueso de algún tipo. Si lo dibujo en un lado
regular a la vista, solo para mostrarte a lo
que me refiero, va a quedar un
poco así. Dibujarla aproximadamente
así me está ayudando a visualizar la forma de la misma. Esta va a
ser la cabeza del lobo y las mandíbulas se abrirán así. La idea es que se trata una turridad de
madera muy tosco labrada, o no sé cómo la
llamarías, una cosa tipo gárgola, pero aún así quiero que se
lea con claridad. Va a verse así, pero va a estar
inclinado hacia arriba y [Risas] va a ser en perspectiva de
dos puntos, lo que suena muy
difícil de hacer, pero creo que
va a ser fácil. Eso funciona. Se va a leer como una cabeza de lobo que ha sido
tallada en una tabla de madera. Ponlo de esa manera. [Risas] Estoy tratando de pensar en términos de bloques que se construyen uno
encima del otro. Si puedes visualizar eso, va un largo camino para
ayudarte a dibujarlo. Entonces voy a volar por
el resto de la casa. No tienes que
verme hacerlo paso a paso,
no lo creo. Entonces este va a ser
mi techo de paja bajando. Este techo va
hasta el suelo. Solo para variar la
forma de las casas, un buen consejo es tratar
de tener contraste y varianza en tus diseños
para que no sea lo mismo. Cada casa es
ligeramente diferente. Eso va a hacer que tu
dibujo o hacer que tu maquetación o tu fondo se vean muy interesantes y
visualmente agradables. Aquí están los pasos. Nuevamente, estoy cambiando los
escalones para éste. No quiero que sea exactamente lo
mismo que la casa anterior, pero me estoy acercando a ella
exactamente de la misma manera. Dibuja cada uno de los
pasos dibujando primero
el plano superior y luego dándole esa estructura
para los lados.
18. Dibujo formas orgánicas: Avanzando. En este trasfondo, es más de lo mismo. Como dije, es todo
un proceso
pasar por un dibujo como este. Pero solo estás rastreando
las cosas y agregando esos
detalles más pequeños a medida que avanzas. Puede ser un proceso divertido. Simplemente puedes ordenar la música
y escuchar música mientras trabajas y simplemente
tomarte tu tiempo. Lo que diría a lo largo este proceso es que no lo apresures. Si sientes que
lo estás apurando puedes empezar a cometer errores o puedes
empezar a saltarte cosas y también
tomar algunos descansos. Es decir, puedes cansarte muy rápido haciendo un
trabajo así. Ciertamente me cansé mucho
al final de este proceso y
pude ver que para cuando
llegué a la última casa o a
la última parte del
dibujo estaba empezando a dejar las cosas fuera y empezando a tomar
atajos en el proceso. Toma descansos tantas veces como puedas. Este dibujo de maquetación no debería
llevarte días y días. Simplemente le dará el
tiempo que necesita. Depende de tu
propia velocidad por supuesto. Pero asegúrate de
tomar descansos y que
puedas moverte paso a paso por
él. En esta etapa se está
uniendo. Siento que al menos, definitivamente la composición está
terminada o la composición está completamente resuelta,
está completamente funcionando. Estoy muy contenta por eso. Creo que los detalles están empezando a funcionar
muy, muy bien. Estaba un poco preocupado de que
este dibujo pudiera ser demasiado detallado y difícil entender como en
términos de escala. Pero pienso, no, creo que está empezando
a ser cohesivo. Solo quería mencionar
a la hora de, después de todo este detallado dibujo
estructural y digamos de estilo
arquitectónico, a la hora de
dibujar algo así como formas
orgánicas puedes ser mucho más libre y mucho
más estilizado si quieres, sobre
todo sobre un
fondo como este. Por ejemplo árboles
en el fondo. Literalmente solo estoy dibujando
en estas formas triangulares. Eso es todo lo que necesitas hacer para indicar como un bosque entero. Lo mismo con la montaña, no
voy a hacer
nada detallado. Simplemente estoy dibujando literalmente
en estas formas así. Si esto fuera cualquier otro tipo de fondo con un
bosque que fuera ligeramente diferente,
solo me aseguraría de que los árboles permanecieran lo más
sueltos y orgánicos
posible porque va a contrastar muy bien y funcionar muy bien con todas
las estructuras que están en su lugar en el medio
al primer plano. De nuevo, eso vuelve a
este principio de tener contraste en tus fondos
o en tus diseños. Si el foco de tu pintura es una especie de estructuras hechas por el hombre, entonces trata de equilibrar
eso con algunas formas orgánicas de
forma muy libre. Ese es el final de eso. Creo que estamos casi al
final de este proceso. Todo lo que voy a hacer a continuación
es trabajar en primer plano. Voy a platicar
en el siguiente video sobre la importancia entre separar los planos de tu fondo
en un primer plano, medio suelo, y el fondo. Cuando estés listo,
encuéntrame en la siguiente lección.
19. Dibuja el GF, MG. BG: En esta lección,
voy a trabajar en los elementos de primer plano
de esta pintura. Quiero
explicarte cómo debes tratar de mantener muy claros
tres planos distintos en
tu fondo. Esos diferentes planos o secciones de tu pintura
son el primer plano, el medio suelo y luego
el fondo delantero. Si vuelvo a
mi dibujo en bruto, se
puede ver que empecé
en la fase aproximada ya haciendo los elementos de
primer plano en una capa separada. Ahora voy a dedicar algún
tiempo a trabajar sobre estos. Mientras hago eso, sólo
voy a explicar por qué
pones elementos de primer plano como
este en una capa separada. La razón principal es
que en la animación, es probable que
quieras tener estas estructuras
o estos elementos para estar por encima de los personajes. decir, si un
personaje está en esta escena, posible
que tenga caminar en la pantalla de
izquierda a derecha, y no quieres que
estén caminando sobre tus elementos de primer plano. Mantienes todos estos elementos de
primer plano en una nueva capa o en
una capa separada, que cuando vaya a
la fase de edición o a la fase de composición, el editor podría entonces tomar
esa capa y colocarla encima la animación y aún así tener la animación misma por encima la capa de fondo,
si eso tiene sentido. Por eso es realmente bueno poner siempre tus elementos de
primer plano en su propia capa
distinta o incluso en su propio grupo. Verás para cuando
lleguemos a la fase de pintura, vamos a tener capas sobre capas pero al menos
se agrupará, y al final del día, puedes simplemente flak en
ese grupo en una sola capa. Otra cosa que a menudo
se hace en animación es que si se
trata de
una toma de establecimiento, es muy común tener lo que
se llama un movimiento de cámara
en una toma como esta. Podría haber un zoom
muy pequeño en la escena o un shock en. La forma en que eso se hace
en la animación es hacer que estos elementos de primer plano
se acerquen a una velocidad diferente
al fondo. Da el efecto de que la cámara se está moviendo
hacia la escena. Nuevamente, eso solo se puede lograr si sus elementos de primer plano
están en una capa separada. Entonces detrás del
primer plano va a estar lo que se llama
tu medio suelo, y ese es el
plano de tierra, esas son las casas. Ahí es donde se va a llevar
a cabo la acción
principal de la animación. Detrás de eso hay una sección de su pintura que
llamaremos el fondo. Eso es básicamente sólo el cielo. En este caso la
cordillera posiblemente. Creo que el bosque
y esto
probablemente estarían incluidos
en el suelo medio, así que en ese caso, solo
sería el
cielo de fondo. Nuevamente, eso puede
ser manipulado en post o manipulado en
la fase de composición, si es separado y
distinto del resto de las capas en el fondo
general. Nuevamente, todo esto
va a quedar claro como barro para cuando lleguemos a la fase de pintura real y cuando empecemos
a crear capas, entonces todo tendrá sentido. Pero ahora mismo, incluso
en la fase de dibujo, quería asegurarme de que
pueda comenzar a comprender todos
sus antecedentes en términos de estos tres planos
distintos, su primer plano, su
medio suelo y su fondo. Estoy terminando aquí. No estoy 100% seguro de cuál es
este tipo de
estructura de tótem de aquí a la derecha. Es un poco como uno
de esos elementos vagos que a veces pongo cuando tengo una idea de
lo que debería ser esto, pero no estoy 100% seguro. En esta etapa, voy a
seguir adelante con esto. Sé que necesito tener un elemento grande y
alto a la derecha aquí para equilibrar la escala y enmarcar realmente toda
esta escena. Puede o no
tener todos estos detalles para cuando
lleguemos a pintar, pero creo que eso
queda bien por ahora.
20. Cómo iniciar el proceso de pintura: En esta lección,
vamos a pasar
a pintar y agregar color. Lo que voy a
hacer es que creo que
puedo deshacerme de este dibujo
rudo. Yo sólo voy a eliminar
ese grupo por completo. Este es mi dibujo final. Voy a
bajar la opacidad sobre esa capa y
voy a bloquearla. Entonces voy a crear
una nueva capa por encima de esta, porque
lo primero que quiero
hacer es elegir algunos colores. Si has estado en mis otros cursos de pintura de
fondo, entonces sabrás que me gusta enfocarme en una paleta limitada. Lo que tengo aquí son
solo unos colores que
creo que van a funcionar para la imagen que tengo en mente. Voy a mantenerlos en una capa separada y
utilizarlos como mi punto de partida. Ahora estos colores pueden
cambiar a medida que me muevo. Pero una de las
razones por las que es tan importante limitarse
a [RISA] una pequeña
cantidad de colores al principio es porque A, le quita el abrumador. Te quita esa sensación
de por dónde empiezas. B, te ayuda a relacionar tus elecciones
de color con un esquema existente, lo que significará que tendrás un aspecto más cohesivo en general. En otras palabras, no estás eligiendo colores
al azar. Simplemente es muy útil. También es una forma muy eficiente
de moverse a través de lo que puede ser un proceso bastante largo y
laborioso. Lo primero que quiero
hacer es bajar un color cielo. Voy a agarrar
mi herramienta Carpa para fiesta, asegurándome de que sea la marquesina cuadrada
o rectangular y simplemente haga clic en un área. Lo siguiente que
voy a hacer es que quiero crear algunas formas
para el área de primer plano. Eso lo voy a hacer
con la herramienta Pluma. Puedes presionar “P”
en tu teclado, hacer clic y arrastrar tus puntos. Como pueden ver, cuando hago eso, tengo esta línea negra muy
grande sube aquí a donde dice,
Fill, cámbialo al color que quiero. Donde dice Stroke,
asegúrate de que
esté apagado así. Eso asegurará que solo
tengo el color rellenado aquí y
no ningún contorno. Voy a hacer tres grandes formas
redondas en la frontera. Podría
variar ligeramente el tono con un matiz para asegurar que se
vean distintos y separados. El tercero ahí. De nuevo, haz doble clic en el icono y simplemente cambia
el color si quieres. Cambia cualquier color de
tu forma vectorial. Por encima de mi capa del cielo, ahora
voy a usar
mi herramienta Lazo Polígono, y apenas voy a empezar a trazar este plano de tierra. Ahí está lo que parecen rocas
al fondo. El resto sólo viene
aquí así. Tengo una nueva capa
por encima de mi capa del cielo, y simplemente la
llenaré con ese color. Tengo mi cielo, mi plano de tierra y mis tres
formas en primer plano. Para la siguiente sección o la
siguiente fase de este cuadro, quiero bloquear en colores planos. Es muy importante
bajar tus bloques de colores tus bloques de colores antes de empezar a
agregar texturas, porque esa es la base
de tu pintura. Va a ser cuestión
de simplemente ir a
trazar diligentemente cada una de las
formas principales en el fondo. Esas van a ser
las casas de la izquierda, las casas de la derecha, los elementos de primer plano, el
bosque y las montañas. Vamos a
tomarlo paso a paso. Lo que tiendo a hacer es
usar la herramienta Lazo, pero si quieres, también puedes
usar la herramienta Pluma. Entonces apenas empieza a
tallar la silueta general. No voy a entrar en detalles o no estoy tratando de dibujar
nada más aquí. Solo estoy tallando
una silueta básica de la casa porque quiero
llenarla de un color plano. Ahora voy a elegir un color marrón
oscuro y llenarlo. Ahora para el
elemento superior de esta casa, porque hay
grandes curvas en ella, quiero usar la herramienta Pluma. Es mucho más fácil
hacer formas curvas con la herramienta Pluma además de usar la pluma, automáticamente llena
los colores por ti. Depende de usted si
desea continuar
trabajando con la herramienta Pluma
durante todo el proceso. Tiendo a usar tanto la
Pluma como la herramienta Lazo. Pero para formas como esta, para formas curvas donde
quieras que sea bastante precisa, entonces definitivamente
usa la herramienta Pluma. Eso se ve bien. Si quisieras
entrar y cambiarlo, puedes modificar estos puntos
vectoriales. Simplemente mantenga pulsada la opción o la
tecla Alt en su teclado. Selecciona el punto vectorial y
muévelo si es necesario. Voy a hacer clic derecho
sobre eso y luego
bajar a donde dice
rasterizar capa. Ahora eso es rasterizar y luego lo fusionaré
a mi capa de casa. Eso es ahora todo en una capa. Voy a hacer doble clic
en el nombre de la capa y llamar a
esta casa izquierda 1. Entonces voy a
pasar al siguiente. Lo que puedes hacer es crear algunas formas y
luego fusionarlas. Creo que eso es más fácil
en esta casa, sobre todo con estas formas
complejas. Creo que es más fácil
hacerlas una a la vez. Voy a simplemente rastrear
esta cabeza de lobo tallada [RISA] con la herramienta Pluma y luego puedo fusionarla de
nuevo hacia abajo cuando sea necesario. Como mencioné, este
proceso puede
llevar mucho tiempo y un
poco laborioso [RISA], y tal vez incluso un
poco tedioso. Pero creo que es muy
necesario pasar por esto. No sé si hay tantos atajos o si incluso
necesitas apresurar este proceso. Todo es parte de la pintura
al final del día. Todo este trabajo va a crear un fondo de
aspecto muy rico. Solo sigue adelante y tómalo paso a paso
como sigo diciendo, tómate muchos descansos. Asegúrate de
no cansarte de esto demasiado rápido o con demasiada facilidad. No hay mucho que
señalar en términos de técnica o consejos en esta etapa. Todo lo que estoy haciendo es
asegurarme de que mis colores permanezcan en un
registro cohesivo y que estén ligeramente diferenciados entre cada una de las
estructuras porque no
quiero que cada una de estas
casas sea exactamente la misma. Eso es lo único
que estoy haciendo es
realmente variar los
colores muy ligeramente. Estoy haciendo mucho uso de
la herramienta Pluma porque es útil que el color
ya esté establecido mientras estás
creando la forma. Sólo estoy siguiendo
el subdibujo lo más cerca posible
y rastreándolo. Si puedes superar todo
eso, entonces eso es genial. Tengo todas las casas hechas. Ahora que todos están
en sus propias capas, y sus propias formas distintas, incluso
puedo moverlas si es necesario y cambiar
la composición.
21. Colores planos para formas complejas: En esta lección,
voy a finalizar los colores planos para
la composición. Quiero moverme por
los elementos de primer plano, así
como las montañas
en el fondo. Nuevamente, continuar el proceso
y usar la herramienta pluma
tanto como sea posible y luego rasterizar o
convertir esa capa de una forma vectorial en una capa de pintura
normal. La razón por la
que hago eso es sólo para asegurar que pueda pintar sobre
esa capa más adelante. En realidad no se puede pintar
directamente sobre una capa vectorial así que siempre me gusta
hacer clic derecho y convertirla en una capa
rasterizada. En primer plano aquí,
a la hora de crear
la forma para este escudo, quiero mostrarte cómo me
acercaría a él y es agarrar la Herramienta
Marquesina Elíptica,
que es la segunda hacia abajo, mantén presionada la tecla Mayús en tu
teclado y eso
te permite crear un círculo perfecto. Después en una nueva capa, voy a rellenar
eso con un color, golpear Comando o
Control T para sesgarlo. Déjame moverlo a
su lugar y luego
puedo manipular los bordes. Estoy manteniendo pulsada Opción
o Alt en tu teclado, ahora quiero
duplicar realmente la capa. Si haces clic en la capa
donde está esa forma y presionas Comando o Control más J en tu teclado eso
duplicará la capa. Ahora tengo dos de
las mismas formas exactas, si haces clic en el pequeño icono de
miniatura de la capa, seleccionará esa forma entera y
pinchará ahí así, tal vez un poco más oscura. Mi capa superior es este color gris pero si hago
clic en la capa inferior, voy a sacar esa
capa y se puede ver que es como una manera muy
rápida y fácil hacer alrededor de la forma 3D. Con mi herramienta lazo, voy a entrar
y me gusta dibujar esto de nuevo pero solo
usando la herramienta Lazo. Voy a dibujarlo y luego voy a darle a Retroceso, que borra ese color y
eso es de la capa superior. Entonces voy a ir a
la capa inferior y tallar como otro ***** u otro
trozo que falta y luego con la herramienta Lazo, voy a empezar a
sacar el cráneo. Ahora la forma en que puedes
trabajar con la herramienta Lazo es mientras estás en
el lazo poligonal, si mantienes presionada Opción
o Alt en tu teclado, puedes alternar entre eso
y el lazo regular, lo que significa que puedes hacer líneas
rectas así como líneas
curvas y es un flujo de trabajo
muy útil. Estoy haciendo eso para simplemente trazar
la forma y luego solo voy a rellenar eso con un color y
luego para los cuernos, voy a cambiar
a la herramienta pluma y asegurarme de que
consiga esas curvas. Estos pequeños artículos, de nuevo, van a usar la herramienta Lazo y rastrearlos y no necesito
hacer nada demasiado complicado
que pueda estar bastante estilizado. Pasando al lado derecho, inicialmente había pensado que estas
iban a ser una barda pero creo que las voy
a dejar como solo estacas genéricas
en el suelo, como estacas de madera
o algo así como tablero y
llenarlas todas del mismo color. Ahora lo que voy a hacer es tratar de ordenar mis capas
antes de ir más lejos. Voy a agrupar esa
capa y voy a nombrar a esta OL derecha y se puede ver he nombrado el
lado izquierdo, OL izquierdo. OL significa, es un término de
animación, significa superposición y es
el término que se usa para elementos que
esencialmente van a superponerse
sobre la animación. Recuerda como mencioné
en el video anterior, cuando mantengas
tu primer plano distinto de tu
terreno medio y tu fondo, eso va a
ayudar a los animadores o dar la libertad
para que los animadores tengan personajes caminando detrás de
estos elementos de primer plano. Lo que también estoy haciendo aquí es que una vez que tenga
todo agrupado, hecho
voy a
separarlos en estas tres secciones distintas. Esta es una práctica muy buena y muy
común también, voy a hacer un
grupo grande para el primer plano, el midground, y
el
fondo y luego
dentro de cada una de esas carpetas o subcarpetas
que contienen capas.
22. Comprobar las texturas de la nieve: Lo creas o no, hemos
terminado nuestros colores planos. Hemos llegado al final de
esa parte del proceso, y voy a admitir que eso
lleva un poco de tiempo, y un poco de paciencia
para superarlo. Pero ya está hecho, y la siguiente fase
del proyecto puede llegar a ser
mucho más emocionante, e interesante cuando empezamos a agregar texturas y detalles. Quería
mostrarte cómo ajustar los valores de tu composición
en esta etapa temprana. Pero antes de hacer eso, he decidido agregar
algo de nieve en el suelo, porque creo que
solo quiero comenzar a probar cómo
va a quedar esto con
algunos pinceles de textura. Seguro que probablemente estés un poco cansado de
la fase de color plano. Pensé que solo vamos a sumergirnos y agregar algo de
nieve en el suelo y jugar
con algunas texturas solo para hacerlo casi
como una prueba de ejecución, y ver cómo nos lleva con eso. En una nueva capa, voy
a sumergirme en algunos de
estos pinceles de textura. Esta es realmente una
oportunidad para experimentar, no
hay una
regla dura y rápida sobre qué pincel
usar para qué textura
quieres crear. Realmente depende de ti, así que juega con
estos pinceles, y empieza a experimentar,
y ponte cómodo. Intenta entender lo que cada uno de los
pinceles de textura puede ofrecer. Literalmente solo estoy pintando con tal vez uno o dos
de estos pinceles de textura, solo para obtener esta sensación de
nieve. Creo que está funcionando. En primer plano, lo que
voy a hacer es
asegurarme de crear
capas por encima de las formas. De esa manera puedo cambiar el color subyacente
de las formas o puedo cambiar el color o valor
de la textura misma. Siempre es bueno tratar de
mantener tu textura separada, a la forma subyacente. Eventualmente, te darás cuenta, un pincel que realmente te guste, y un cepillo que funcione para ti. Eso se ve bien. Creo que esto va a
quedar muy bien, una vez que se agreguen todas las
texturas, estoy muy contento de ver esto. En la siguiente lección, hablemos de valores, y de cómo asegurar que tu pintura se va a leer realmente fuerte y
clara en términos de valores. Cuando estés listo,
te veré en la siguiente lección.
23. Ajustar los valores y agregar cielo: Si tuviera que señalar
o resaltar dos de las principales áreas donde veo a
los principiantes luchando, sería en las áreas de valor y en las
áreas de texturas. Puedes tener una composición muy bien
compuesta, puedes tener muchos detalles
y un sentido muy fuerte de la historia, pero si los valores están equivocados y no
funcionan bien juntos, realmente puede dejar caer
esa composición o defraudar esa
pintura de fondo. La otra zona de texturas, voy a explicar un poco
más cuando nos metamos en ella. Pero en esta lección, quería mostrarte cómo
ajustar tus valores, cómo asegurarme de que tus
valores se lean muy claramente. Valores se refiere al contraste
dentro de tu pintura. Los elementos dentro del
primer plano tienen mayor contraste y los elementos en el fondo
tendrán menos contraste. A veces depende la configuración de iluminación específica
que tengas, pero esa es una muy
buena pauta. Aquí tienes una manera muy práctica, muy rápida de ajustar
los valores en tu pintura. Si selecciona una capa y
presiona Comando o Control U, aparece este cuadro de diálogo, este diálogo de saturación de tono. A partir de aquí, estos deslizadores
son muy útiles. Si arrastra el
deslizador de saturación por ejemplo, puede ajustar la saturación, puede arrastrar también la luminosidad o
el brillo de la capa. Es una
manera realmente rápida y fácil de ajustar los valores. Voy a hacer
esto mucho más oscuro. Eso se ve mejor. Todos estos elementos en
el frente deberían ser un poco más oscuros
así que estoy arrastrando el deslizador hacia abajo sobre todos
ellos solo para que sientan en el fondo
y sean mucho más dramáticos. Es mucho más fácil
cambiar el valor que cambiar el
matiz en mi opinión, así que me aseguraría de
que el color base, estés lo suficientemente contento con
dash y luego solo trabajas con ligereza y saturación. El cielo necesita
ser mucho más ligero. Pero lo que voy a hacer ahora es crear una
nueva capa por encima de ella. Este es un pincel redondo grande y suave, uno de los
pinceles predeterminados de Photoshop y solo voy a agregar en este tono muy claro
a través del fondo del cielo. Eso es genial, eso te está
dando esa sensación de gradiente en el cielo. Incluso tal vez pueda oscurecerlo a
lo largo de la parte superior. Pero incluso ese ligero
ajuste ha hecho una gran diferencia en
la pintura en general. De inmediato se le
da una sensación de profundidad. Quedarme con el cielo, creo que voy a
agregar otra capa, darle un poco de resplandor
porque quiero que el sol aquí y que esto sea como un cielo del amanecer con un hermoso amanecer brillando
justo sobre el horizonte, así que voy a dar
un toque de guión. Todo esto se hace con un cepillo redondo muy suave
y muy ligeramente. No hay que ser demasiado pesado
con este efecto. Simplemente puedes simplemente
darle un toque muy sutil. De hecho, este es uno de
esos casos en los que menos es más así que podría incluso
dejarlo así
y no hacerlo más. Me gusta cómo se ven las nubes. Sin embargo, una cosa que podría hacer como
hice con el bosque, es estilizar un poco las
nubes, agarrar la herramienta Lazo y simplemente dibujar una
forma muy simple como esta. Luego con la herramienta de pincel, y solo vamos a cepillar en el borde mismo de mi selección. Si selecciono, se puede
ver que eso le crea un bonito borde estilizado. Literalmente solo estoy
cepillando el borde solo para darle esa
definición en el cielo. Ya estamos listos para la fase final de esta pintura de
fondo, que va a ser
la fase de textura. Cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente lección
y vamos a profundizar en cómo aplicar
texturas reales y
realistas a cosas como estas cabañas de madera
y cosas como Dash.
24. Pintura de luz y sombra: En esta lección, lo que
quiero hacer es cambiar la nieve en el suelo
antes de ir más lejos. Eso fue un poco de un
experimento para ver cómo van
a funcionar
mis texturas y estoy lo suficientemente
feliz con eso
pero no creo que la capa de nieve esté
funcionando como capa de nieve. Voy a borrarlo. Quiero volver a dibujar una
forma, una
manera bastante estilizada, la misma manera que hice las nubes y la lección
anterior. Comando o Control se
desplazan a esa capa. Voy a crear una
nueva capa por debajo y luego aquí puedo
empezar a pintar mi nieve. Voy a crear sombras
usando la herramienta lazo y simplemente tallando sombras debajo
con un pincel redondo suave. Me aseguraré de que estoy pintando un bonito color suave debajo
en esas selecciones. Entonces puedo hacer lo
mismo de este lado. Una vez que tenga todo
en una capa, ahora
voy a cambiar a mi pincel de textura y me gustó
ese cepillo de cerdas redondas. Voy a agarrar
eso y solo pagar, romper los bordes aquí siempre tan ligeramente para que se
vea un poco más
pictórico y no así
quiero asegurarme que esos bordes no sean
realmente duros y definidos. Lo siguiente es ahora
he decidido
que voy a agregar nieve al techo
de estas casas. Quiero volver a usar la
herramienta pluma para hacer esto. Quiero seguir la forma de
la casa o seguir la
forma del techo debajo y asegurarme de darle
esa sensación que es muy
obvio o es un look muy icónico en una animación como
digo Klaus si has visto esa película donde
la nieve en el techo de estas verdaderas secciones de nieve muy
estilizadas. Casi. Ahora que empieza a verse muy diferente, realmente
me encanta la
nieve y los techos. Creo que esta es una idea
mucho mejor que tenerlos solo como techo de paja. Se ve muy bien. Como dije sobre
la estructura en detalle. No quiero que la nieve sea
simplemente plana como una sábana flash. Quiero que tenga dimensión. Lo que voy a
hacer es rasterizar la capa y luego entrar con mi herramienta Lazo y
seleccionar el borde de la misma. Este es el borde que
quiero tener, nosotros, enfrentando un poco la luz
y luego voy a golpear Comando o Control+M
en mi teclado, y eso trae a colación
el editor de curvas. Esta es una herramienta fabulosa para usar. Si quieres cambiar rápidamente el valor o
cambiar
el color, puedes usar el deslizador de
saturación de tono. Esto es sólo otro. Simplemente empuja esta curva
hacia arriba y verás en mi pintura que la
selección va mucho más ligera. Déjame correr
por el resto de los trozos de nieve y darles ese poquito de profundidad
extra y dimensión
extra y
eso funciona increíble, eso tiene un efecto fantástico y es tan simple,
tan rápido de hacer.
25. Finalizar el bosque: En esta lección, quería
señalar la diferencia entre usar algo
así como un pincel estampado para, digamos el bosque versus
dibujar árboles individualmente. Voy a hacer una capa
en la parte inferior aquí, y sólo voy a tirar hacia arriba el pincel relevante que
quería mostrarles. Está en tus
pinceles de paisaje y se llama Bosque de
abetos e inmediatamente
puedes ver que el pincel en sí es una
imagen de un montón de árboles. Estarías tentado a sacar todo
tu bosque de esto. Pero lo que quería señalar
es que en su mayor parte, vamos por
una imagen bastante estilizada y algo así como esta especie de pincel estampado donde realmente
es una silueta de una imagen
real de un árbol. Va a destacar
enormemente si solo usas eso,
porque lo que puedes hacer es usar algo como esto
en conjunto con tu estilización y te
recomendaría usar esto como
fondo para dar la sensación de un bosque retrocediendo hacia
esa
montaña lejana y puedes
crear eso con literalmente dos tipos
de tu stylus. Has creado todo un bosque. También decidí que mi bosque
necesita mucha más variación. Es un poco plano y
soso y poco interesante. Voy a ir por un
tercer tipo de árbol. Voy a sacarlo con mi herramienta de lazos así como esta. Seleccione esto. Déjame
sacarlo al frente aquí. Se puede ver mucho mejor. Esto va a
contrastar enormemente con los árboles existentes
al tener que ser mucho más flacos con
estas ramas distintas, realmente
va a
destacar en comparación con los otros árboles. Quiero agregar nieve a
este árbol. Esencialmente, con
la herramienta de lazos, voy a dibujar, lo que me imagino es, acumulación de nieve en
cada una de estas ramas. Lo estoy haciendo en la
misma capa que el
propio árbol para no tener que
usar una máscara de recorte. Simplemente se llenará hasta
el borde del árbol del
dibujo existente debajo.
26. Pintura de texturas Parte 1: Al mirar esta pieza ahora, sé que va a haber mucho trabajo que se
necesitará para crear la
textura de timbre en las casas. Te voy a mostrar mi método
para hacer estas texturas, que es esencialmente pintar a mano cada
una en lugar simplemente usar una
textura de pincel sobre todo. Es un poco más detallado y requiere un poco
más de tiempo, pero de esta manera tendrá un efecto mucho
más rico. Lo que voy a hacer es, antes que nada, en mi pila de capas, quiero resaltar
la capa en la que está
mi color base para que
sepa que no pinto sobre ella. Para ello, basta
con hacer clic derecho y agregar un color a esa capa. Entonces voy a
apuntar tanto como pueda para pintar mis texturas
encima de esto. La razón por la que hago esto es en caso de que no
funcione o en caso de que quiera cambiar mis texturas o incluso cambiar el color
base más adelante. Estoy siguiendo el dibujo
ya que creo que el dibujo es claro y probablemente va
a ser una muy buena guía. Esencialmente, el
proceso es el siguiente: haré una selección
con la herramienta Lazo, agarraré un pincel de textura y luego pintaré con
un tono ligeramente variado. Algo ligeramente diferente
al color base, tal vez un poco más oscuro
o un poco más claro. Ahora un par de puntos a
tener en cuenta a lo largo de este proceso. Primero, se necesitará algo de experimentación para encontrar
el pincel de textura adecuado. Personalmente, comencé
probando algunos pinceles de
textura diferentes y luego me instalé
al final del proceso en solo dos pinceles específicos, la veta de la madera y
la cerda redonda. El otro punto que
quiero hacer a lo largo este proceso es que puedes seguir adelante y hacer tus selecciones para cada uno de estos
tablones de madera a la vez, pero la textura
podría no
parecer que está en
los tablones individuales si haces eso. Lo que quiero intentar
y lograr es parezcan
que son tablones separados, distintos de madera. Entonces, si encuentras que
estás pintando tus texturas y
simplemente se ve un poco monótona, intenta hacer los tablones uno por uno. A veces, también puedes
cambiar el color. No siempre
tienes que estar trabajando en marrones, por ejemplo, puedes agregar en un color resaltado o contrastante solo aquí y allá que
realmente lo hará pop. Entonces el siguiente paso, una vez que haya hecho los tablones
individuales, quiero agregar en tiras realmente
delgadas de color oscuro. A este elemento se le llama, o el término técnico
es una sombra de oclusión. Una sombra de oclusión es donde
dos bordes de un objeto se entrelazan. Quiero poner eso
, es muy importante tener ese elemento. Para eso, solo voy a usar la herramienta de cubo de pintura y
aprovechar la selección. Genial. Ahora voy a usar exactamente
el mismo método para agregar las vigas que atraviesan
esta base de madera. Tengo aquí esta larga viga de
soporte que quiero
indicar que es redondeada. Añadiendo en esta textura, también
estoy considerando la
caída de luz a lo largo de la parte superior. Ya que
sobresale del resto de
la casa en la parte delantera
quiero que capte la luz. Estoy agregando un
color más claro a lo largo de la parte superior y un poco de un
color más oscuro a lo largo de la parte inferior. En la parte superior de la casa estas vigas
también necesitan tener ese mismo sentido de dimensión ya que están en la
parte superior de la base. Voy a asegurarme de
darle esa consideración, hacer que la sombra más oscura de
estar a la izquierda para que
parezcan robustos y
pesados y que sobresalgan de la casa. Ese es el frente de la
casa, más o menos hecho. Si me alejo el zoom, puedes ver de
inmediato el efecto. Toma un poco de tiempo y un poco de paciencia pero
realmente vale la pena, y puedes tener una estructura
realista, o al menos creíble, partir de un proceso realmente
simple de seleccionar con la herramienta Lazo y agregar textura
con un pincel de textura. El último punto que sí
quiero hacer en esta lección antes de
pasar a la siguiente, es que cuando
bajas a la base de la casa donde
la
estructura se encuentra con el suelo, y esto se puede aplicar a cualquier edificio que
estés pintando, siempre piensa en
cómo esas estructuras o
edificios se encuentran con el suelo, cuáles son los bordes,
o la transición. En otras palabras,
no quiero tener solo la casa flotando
sobre la nieve. Voy a pintar en algunas marcas para indicar
esa transición áspera y pintar algo de nieve
subiendo la base y eso va
a quedar mucho mejor. En la siguiente lección,
continuaré pintando estas texturas. Cuando estés listo,
encuéntrame ahí.
27. Pintura de texturas Parte 2: Ya que todas las casas son
del mismo material, es decir, todas son estructuras de
madera de madera. Lo adivinaste,
es exactamente el mismo proceso en
todos los sentidos. Sólo quiero señalar de
nuevo que por cierto no tienes que ser demasiado torpe con
estas texturas. Por eso tengo una base
de color plano debajo. Porque quieres
que la textura sea un poco sutil
y tenerla asentada encima del
color base y que ese color base
pase ligeramente. Las texturas realmente solo necesitan ser indicadas
a la ligera. Demasiado de eso va
a empezar a parecer discordioso. Por eso también es
una buena idea tener solo dos o tres
pinceles que uses y no tener un montón de texturas
variables en el material de
una superficie, en este caso, las casas de madera. Dicho esto sin embargo, lo largo de toda la
pintura en su conjunto, sí se quiere tener cuidado,
o ser consciente, debería decir, de agregar tipos de texturas variables o
diferentes. No pintes exactamente la
misma textura ni uses exactamente el mismo pincel
en absolutamente todo. Es muy agradable tener un aspecto
cohesivo y general. Pero trata de sobre
cómo puedes tener áreas dentro de tu pintura que
tengan diferentes texturas. Si usas el mismo
pincel, por ejemplo, al menos cambia
tus trazos de pincel
a medida que te mueves del primer plano de
vuelta al medio suelo, e incluso de vuelta al fondo
muy lejano. Haga que sus marcas de pincel sean
más pequeñas a medida que se aleja y haga que el tamaño del pincel más pequeño a medida que se mueve
a través de la pintura. Esta pintura es grisácea porque la nieve realmente
agrega ese contraste entre las estructuras
de madera muy detalladas con muchas texturas pequeñas muy
específicas, un contraste con la nieve
blanca suave en el techo. Me gustó mucho esa variación. Lo mismo puede decirse de los
árboles de fondo. Mantenerlos planos y estilizados realmente funciona para
agregar ese contraste visual, y
eso es algo que realmente
quieres tener en cualquier pintura. Esto lo he visto mucho
en el trabajo de los comienzos donde tienes una composición muy
bonita, todo está funcionando muy bien, pero las pinceladas y
las texturas son
exactamente las mismas a lo largo de toda
la pintura. Hace las cosas muy, muy planas. Con eso en mente, cuando
empiece con la textura de paja, en realidad
voy a
cambiarla por completo, y ahora voy a dibujar en líneas
simplemente muy simples con un pincel redondo duro
y eso es todo. Podría ir a buscar un pincel de
textura para paja, pero siento que
este efecto
destaca mucho mejor
porque es muy simple. Contra la madera realmente
funciona, y contra la nieve es agradable. Es realista y
es muy rápido y fácil dibujar a mano estas
pocas líneas para indicarlo.
28. Detalles de pintura para agregar riqueza: En esta lección, voy
a agregar los escudos de casa a las casas y comenzar a agregar un poco más de detalle. Para hacer un escudo, voy a clic y arrastrar
un círculo perfecto, convertirlo en un color oscuro, y luego usar la herramienta de transformación
libre para sesgarlo y
moverlo a su lugar. Entonces encima de eso, duplicaré la capa. Ahora tengo dos
capas iguales. Voy a escalar este
hacia abajo y quiero
hacer este un color un poco más
lusher, así que le da ese
sentido de que
tiene como una pieza metálica en la parte superior. Después fusionaré estas dos capas solo seleccionarlas, haga clic con el botón derecho y
elija Fusionar capas. Para agregar los detalles, nuevamente, voy a optar por simplemente
pintarlos a mano. No voy a entrar en exageración con los
detalles de este escudo. Debido a que este escudo
en realidad va a ser tan pequeño cuando alejas el zoom, realmente no
verás ningún pequeño
detalle en el que trabajes. Sólo voy a añadir rápidamente en estos pedacitos biselados
aquí y allá para que se vea como escudo. Debajo del escudo,
voy a añadir en una cruz, tal vez haya alguna armadura debajo o dos
espadas cruzadas. Ahora el último detalle esta casa va
a ser la calavera, y la sacaré
con la herramienta Lazo. Después haré mi procedimiento habitual, agregaré un poco de color plano y usaré un pequeño pincel redondo para
solo marcar en algunos detalles. Sólo para repetirme de nuevo, esto se va a
ver desde muy lejos así que aquí no hay detalles masivos. Si pones en muchos detalles, realmente no
van a
leer muy bien. Ahora todos estos elementos
que comienzas a agregar,
encima de tu diseño o
encima de tu pintura, puedes duplicarlos fácilmente
y usarlos en todo momento, no
tienes que dibujar
todo desde cero, no
tienes que rehacer todos y
cada uno de los
elementos individualmente. Pero solo quiero hacer
dos comentarios al respecto, si estás duplicando elementos. El primero es
asegurarse de mantener
sus capas organizadas. Si duplicas, por ejemplo, el escudo de una casa para
colocarlo sobre otra, entonces asegúrate de arrastrar
esa capa de tu pila sobre la otra casa
o ponerla en ese grupo. Va a hacer la vida
mucho más fácil más adelante. Si mantienes todo
organizado a medida que avanzas, en vez de tener un montón de capas y
realmente no están agrupadas. Entonces el segundo punto a hacer es cuando haces duplicar algo, solo asegúrate de cambiar el elemento
duplicado muy ligeramente. Añádele algo pequeño o
elimine algo fuera de él, rotarlo o voltearlo. Solo asegúrate de hacer algún pequeño cambio
para que no
destaque por ser exactamente lo mismo. Si dos cosas son exactamente
iguales en tu pintura, destacarán. Será bastante obvio. Simplemente haz cualquier pequeño cambio que te guste y
eso funcionará perfectamente.
29. Pintura de los elementos de primer plano: Pintar los
elementos de primer plano ahora es realmente la segunda última fase
de todo este proceso. Una vez que he pintado estos elementos de
primer plano, la última fase es solo cuestión
de agregar toques finales. Esto realmente está empezando a
unirse como fondo
y se ve genial. Estoy emocionado de superar estos elementos de primer plano
y terminar esta pintura. Ahora puedo empezar a ser un
poco más detallado y
un poco más variado aquí en primer plano
porque estos elementos están tan cerca del
espectador que realmente
quieres sacar
algunos de esos detalles. Por ejemplo, creo que quiero
añadir un poco de color aquí. Nada discordante, pero
realmente algo que va a dar
un poco de contraste. Entonces tal vez agregando este
tono rosado o rojizo en el escudo. Eso podría funcionar muy bien. Hay tanto azul, tantos colores fríos a lo largo toda
la pintura que
aquí en primer plano, este ligero toque
podría funcionar muy bien. Estaré agregando un
poco más de saturación al cielo en la fase de
toques finales. Eso está en la siguiente
lección, pero por ahora, solo
quiero mantener los colores
y tonalidades bastante sutiles. Para pequeños detalles
como la espada, voy a usar de nuevo, un pequeño pincel redondo y
simplemente muy básicamente añadiendo el mango y darle esa dimensión de la que estaba hablando de esa
tridimensionalidad. Si quieres
enfatizar la espada o puedes seguir adelante y
poner muchos más detalles en. Para mí. En realidad
quiero que la espada aquí solo sea más una
silueta que cualquier otra cosa. Ahora el cráneo es una
oportunidad para pintar un precioso toque de
resaltado alrededor los bordes para que
parezca que está captando la luz porque es
tan alto y tan alto. Eso va a ser muy agradable. Parece que estaría captando la luz del sol mientras el sol
sale sobre el horizonte. Voy a mantener la parte posterior
del cráneo en un color muy oscuro porque
eso va a estar en la sombra. encima del lado derecho, ahora estos postes también pueden tener un toque de luz en la parte superior. Sólo están captando un poco
la luz. Nuevamente, estas son formas aleatorias
siluetadas. Van a
funcionar muy bien, como dije anteriormente, para crear líneas principales que apunten a la composición, al área focal
en el medio, pero eso es todo lo que no
tienen que ser demasiado detalladas. Es sólo para dar
esa impresión de postes
sobresaliendo de la nieve. En el pilar, me voy
a imaginar que está frente a la luz de este lado y voy a añadir en un color
más claro como ese. Esta va a ser
una estructura de madera. Estoy usando exactamente las mismas
técnicas y proceso que
hice en las casas usando
el mismo proceso de selección y pincel de
textura. Lo único a tener en cuenta
aquí es que estoy usando una máscara de recorte con
la textura y eso es simplemente
permitirme poder pintar fuera del borde
y que no
se muestre porque está recortada
a la forma debajo. Ahora el último detalle es agregar una capa por encima de estos
elementos y sobre esa capa, quiero que parezca que la nieve se está
construyendo en la base. Nuevamente, esto es de lo
que me refería con las casas. Quieres ser consciente de cómo están
las cosas sentadas en
el suelo y cómo puedes indicarlo
al hacer rugosas los bordes alrededor de la
base de estos elementos. Eso es. Creo que
esto se ve increíble. No puedo creer que estemos aquí. Estamos casi al final de
este proceso muy largo. Esto es muy emocionante de ver. Entremos en la última
lección y terminemos
esta pintura con
los toques finales y le demos ese aspecto renderizado
final.
30. El pase final: Como he estado diciendo todo el tiempo, usar texturas sutiles
y variar tus marcas es mucho más
efectivo que usar texturas de mano dura
exagerada y usar el mismo trazo
de pincel durante toda
tu pintura. Quiero que pienses en
eso para este último paso. Voy a seguir adelante
ahora y solo añadir un toque de luz a
lo largo de esta pintura. Pero quiero ser muy
sutil al respecto. Voy a añadir un resplandor
del amanecer en la parte de atrás. Pero tiene que ser un toque bastante
ligero, nada pesado. Lo que voy a hacer
es agregar una nueva capa, y luego con un pincel predeterminado muy
simple,
el pincel redondo grande y suave, voy a agregar el
más mínimo toque de color. Literalmente eso es todo, quiero agregar más. Me encantaría ponerme un poco
salvaje con este cielo del amanecer, pero no voy a hacer eso. Voy a refrenarlo
y simplemente dejarlo así. Creo que ya es suficiente. A continuación, voy a
seleccionar la forma de la montaña y quiero agregar algunas texturas aleatorias y también darle un poco más
de ese color de brillo suave. Lo que esto está haciendo
es que está dando esa perspectiva
atmosférica tan importante. Lo que quiero decir con eso
es que la idea o el concepto de
que las cosas que están
más lejos tienen más aire o más cielo
entre
ellas, entre usted y
ellos y así tienen mucho menos contraste
y mucha menos saturación. Mi último toque
ahora va a ser solo un barrido de textura a
través del término medio, así como así y
creo que voy a dar un paso atrás por el momento y simplemente
dejar este cuadro ahora. Creo que ya está. De hecho voy a dejar que sigas
con esto si quieres. Me encantaría ver tu
pintura final y me encantaría
ver si agregas más
elementos de aquí en adelante. O sea, podrías
seguir adelante y agregar en el bote que hicimos en el dibujo de
maquetación. Puedes meterlo
y pintarlo, o incluso podrías agregar
armas adicionales, tal vez algo así como
un vagón o un carro. Hay muchas
cosas que
aún podrías agregar y me encantaría ahora entregártelo y ver qué se te ocurre,
qué puedes pintar en
base a todos los pasos y
el proceso
que hemos cubierto hasta ahora. Cuando esté listo, publique su trabajo terminado en
la sección de proyectos
o en la sección de preguntas y respuestas para que todos
podamos
inspirarnos en su visión. Realmente espero que hayas
aprendido mucho en esta clase. Quiero agradecerles por
realizar este viaje conmigo. Me siento honrado de ofrecerte mi
perspectiva realmente sobre las cosas. Realmente
espero sinceramente que esto
te ayude en tu carrera artística
y que un día pronto, puedas mostrar tu portafolio a un estudio de animación y
ser contratado como artista de fondo. Eso va a ser increíble. Por favor, mantente en contacto conmigo, envíame un mensaje y
hazme saber cómo te
va y siempre sé que estoy aquí para responder cualquier duda
que tengas. Gracias de nuevo por
estar aquí y gracias por tu contribución
a esta clase. Te cuidaré
en la sección de proyectos y espero verte también en
la siguiente clase.