Principes de base de l'art de fond pour l'animation : passer du débutant au pro | Siobhan Twomey | Skillshare
Menú
Buscar

Velocidad de reproducción


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Fundamentos del arte de fondo para la animación: pasa de principio a profesional

teacher avatar Siobhan Twomey, Artist, Illustrator, Instructor

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Fundamentos del arte de fondo para la Animation_SKILLSHARE

      3:05

    • 2.

      Introducción

      3:31

    • 3.

      Las herramientas de un artista de fondo

      4:13

    • 4.

      Resumen del espacio de trabajo

      8:36

    • 5.

      Uso de las herramientas de pintura y dibujo

      7:24

    • 6.

      La especificación de los trabajos del artista de fondo

      5:25

    • 7.

      Los principios de la puesta de escena y el enmarcado

      3:33

    • 8.

      El principio de composición

      3:32

    • 9.

      Crear la ilusión de la profundidad

      3:19

    • 10.

      El conjunto de habilidades clave de un artista de fondo

      5:55

    • 11.

      Habilidades de dibujo - líneas confiables

      7:34

    • 12.

      Perspectiva de dibujo

      5:19

    • 13.

      Dibujo duro

      7:46

    • 14.

      Cómo comprobar la perspectiva

      4:54

    • 15.

      Desarrollo de un boceto duro

      10:29

    • 16.

      Estructura de dibujo Parte 1

      8:40

    • 17.

      Estructura de dibujo Parte 2

      6:22

    • 18.

      Dibujo formas orgánicas

      3:51

    • 19.

      Dibuja el GF, MG. BG

      4:48

    • 20.

      Cómo iniciar el proceso de pintura

      8:44

    • 21.

      Colores planos para formas complejas

      6:22

    • 22.

      Comprobar las texturas de la nieve

      3:33

    • 23.

      Ajustar los valores y agregar cielo

      5:42

    • 24.

      Pintura de luz y sombra

      5:02

    • 25.

      Finalizar el bosque

      3:14

    • 26.

      Pintura de texturas Parte 1

      5:49

    • 27.

      Pintura de texturas Parte 2

      3:06

    • 28.

      Detalles de pintura para agregar riqueza

      3:25

    • 29.

      Pintura de los elementos de primer plano

      5:25

    • 30.

      El pase final

      3:36

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

777

Estudiantes

9

Proyectos

Acerca de esta clase

Arte digital, arte de concepto, pintura digital

Todos estos términos filtran en una carrera emocionante: una donde te conviertes en un artista de fondo para la animación

¿Quieres trabajar en Animación? ¿Quieres ser un artista digital que crea mundos imaginativos, fondos y entornos? Como artista digital o artista de fondo para la animación, puedes hacer impresionantes pinturas digitales, arte de conceptos e ilustraciones para una película animada o un espectáculo. Y el trabajo es fácil una vez que conoces los aspectos básicos del dibujo y la pintura, y los principios básicos del buen diseño.

Acompáñate a esta clase y aprende cómo el arte de fondo para la animación es el sector más emocionante de la industria de la animación, el mejor trabajo para aterrizar en un estudio de animación y una carrera que te permite acceder con la cartera adecuada.

Esta clase cubre los bloques básicos para un completo arte digital o arte de concepto. Aprenderás:

  • El trabajo exacto de un artista de fondo: lo que haces todos los días en un estudio de animación
  • Los principios de diseño que te asegurarán que siempre hagas un gran aspecto de fondo
  • Cómo mejorar tus habilidades de dibujo al centrarse en la estructura, la perspectiva y la profundidad
  • Cómo mejorar tus habilidades de pintura, al centrarse en la textura
  • Cómo hacer la investigación visual y dibujar desde la imaginación
  • Cómo redactar tus tiros para un efecto dinámico de narración
  • Cómo configurar tus archivos para los estándares de la industria profesional

Juntos en esta clase vamos a poner todo este conocimiento para usarlo y crear una pieza de arte de fondo totalmente terminada. Podrás dibujar un dibujo de LAYOUT completamente terminado basado en los principios de diseño cubiertos en la primera sección. Luego, te guiaré por todo el proceso de pintura y compartir los consejos y técnicas que he utilizado durante más de 15 años como artista de antecedentes profesionales.

He trabajado durante 15 años como artista de fondo en la industria de la animación, en Dublín. También tengo un máster en Estudios de Cine - por lo tanto, combinar el lenguaje de películas y el dibujo es mi pasión. Me encantaría enseñarte el conjunto de habilidades que he desarrollado a lo largo de mi carrera y darás las herramientas y los conocimientos para comenzar tu propio viaje en este emocionante campo.

Como artista digital o artista de fondo para la animación, puedes hacer impresionantes pinturas digitales, arte de conceptos e ilustraciones para películas animadas o espectáculos. Y el trabajo es fácil una vez que conoces los aspectos básicos del dibujo y la pintura, y los principios básicos del buen diseño y cómo hacer la investigación visual.

Acompáñate a esta clase y aprende cómo el arte de fondo para la animación es el sector más emocionante de la industria de la animación o los juegos, el mejor trabajo para aterrizar en un estudio de animación y una carrera que te permite acceder con la cartera adecuada.

Al final de esta clase tendrás dos piezas importantes para tu portafolio. Podrás mostrarlo a clientes o estudios potenciales. Mi objetivo no es solo enseñarte el conjunto de habilidades de un artista digital, sino también para apoyarte en los siguientes pasos para convertirte en un artista de fondo profesional para la animación.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Siobhan Twomey

Artist, Illustrator, Instructor

Top Teacher

My newly released The Gesture Drawing Workbook is now available to purchase. This guide will demystify Gesture Drawing and give you clear and detailed instruction on how to apply this transformative drawing technique to your Figure Drawing. Drawing the human body is about DRAWING LIFE: this guide to true gesture drawing is based on Kimon Nicolaides' groundbreaking work with students at the Art Student League in New York, and it will change the way you understand figure drawing.

Click here to purchase: The Gesture Drawing Workbook

Click here to purchase The Beginner's Guide to Figure Drawing

Click here to purchase High Resolution Fine Art Prints

I also offer 1:1 coaching for drawing.
I have over 20 years experience as Figure Draw... Ver perfil completo

Habilidades relacionadas

Animación y 3D Movimiento y animación
Level: Beginner

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Fundamentos del arte de fondo para la Animation_SKILLSHARE: Hola, bienvenidos a los fundamentos del arte de fondo para la animación. Una guía completa sobre cómo crear arte de aspecto profesional para una película animada o un programa de televisión. Esta clase también es una guía completa sobre las especificaciones exactas de trabajo de un artista de fondo en un estudio de animación. Mi nombre es Siobhan. Soy una de las mejores maestras aquí en Skillshare, y tengo más de 15 años de experiencia trabajando como artista de fondo en la industria de la animación en Dublín. He hecho esta clase para ayudarte si ya eres ilustrador digital, pero sientes que te faltan algunos bloques de construcción fundamentales en tu obra de arte. O quieres poder construir tu portafolio y mostrarlo a estudios de animación. También me he asegurado de que esta clase sea perfecta para principiantes que quieran sumergirse en el mundo del arte digital y comenzar su viaje hacia convertirse en un artista de fondo profesional. Hoy, vas a aprender exactamente cómo es trabajar en la industria. Aprenderás las especificaciones exactas del trabajo de un artista de fondo lo que harás todos los días en el estudio, así como lo que se espera de ti en términos de tu flujo de trabajo y el arte que produzcas. También aprenderás los principios básicos del buen diseño. Te voy a enseñar los conceptos que se utilizan en la producción cinematográfica, y estos conceptos formarán tu marco para el arte de fondo con el fin de asegurar que hagas arte que apoye la historia así como arte que sea hermoso a la vista. Después de eso, te voy a enseñar el conjunto de habilidades exacto que necesitas desarrollar. Aprenderás a hacer investigación visual. Aprenderás en qué habilidades de dibujo enfocarte y en qué habilidades de pintura enfocarte. arte digital puede ser extremadamente amplio, pero al enfocarte en el conjunto de habilidades adecuado, vas a poder construir tu cartera muy rápidamente. Juntos, vamos a ver las cuatro trampas principales en las que cae todo principiante, para que puedas evitar estos errores comunes y crear arte de aspecto más profesional. En la sección final de la clase, vamos a juntar todos estos conocimientos y trabajar en un proyecto de clase importante. Vas a llegar a dibujar el diseño así como pintar el fondo final de este Pueblo Vikingo. No solo esta será una enorme pieza de portafolio para ti, que va a ser algo que puedas mostrar a los clientes y a los estudios. Porque estos antecedentes demuestran todos los aspectos y habilidades importantes que necesitas para ser contratado. Mi objetivo en esta clase no es solo ayudarte paso a paso durante todo el proceso de aprendizaje de este conjunto de habilidades únicas y valoradas. Pero también quiero asegurar que al compartir mi propia experiencia profesional, puedas sentirte seguro avanzando en tu carrera artística y dando los siguientes pasos para convertirte un artista de fondo profesional para la animación. 2. Introducción: En esta introducción voy a explicar cómo está estructurada la clase, cómo acercarse a cada sección, y también quiero explicar el pack de pinceles que te he dejado. La primera sección de esta clase trata sobre las herramientas del oficio y por la especificación de trabajo real de un artista de fondo laboral. Te voy a explicar lo que vas a hacer en el estudio y voy a desglosar los principios clave de diseño con los que necesitas trabajar para crear arte profesional. Voy a explicar específicamente la diferencia entre ilustración y arte de fondo. Te explicaré términos comunes como artista de fondo , artista conceptual, diseñador ambiental, maquetadores para que no haya confusión y sepas exactamente lo que harás en el estudio cuando te contraten. Después en la segunda sección, quiero explicar el conjunto de habilidades básicas de un artista de fondo. Esto podría no ser lo que esperas. Lo volví a bajar a las habilidades básicas absolutas en las que necesitas trabajar y necesitas desarrollar. Cortaremos toda la pelusa, obtendremos súper claros sobre las principales cosas en las que debes enfocarte para poder mejorar rápidamente. Después en la sección final, tomaremos todos estos conocimientos y los pondremos en uso en una pintura de fondo importante. Ahora, no te preocupes si esto te parece un poco abrumador y detallado y complejo. Te voy a caminar paso a paso a lo largo de todo el proceso. En esta clase, primero hacemos un dibujo de maquetación, pero eres más que bienvenido cuando se trata de usar mi propio dibujo de maquetación si solo quieres practicar pintura. Soy plenamente consciente de que no todos los pintores de fondo están interesados en los dibujos de maquetación. Eso está completamente bien si decides enfocarte solo en el color y la pintura. Pero te animaría a que veas los videos de dibujo para que conozcas el proceso y para que estés al tanto de los pasos a la hora de trabajar en un entorno de estudio profesional. Si eres capaz de hacer tanto el dibujo como la pintura digital, entonces vas a tener dos piezas destacadas para tu portafolio. Esto va a demostrar a los estudios que puedes dibujar cualquier cosa y que tienes una comprensión muy clara de todo el proceso de producción. A lo largo del proceso de pintura, voy a estar usando una serie de pinceles de textura. Si has tomado alguna de mis otras clases de diseño de fondo, es probable que ya tengas la mayoría de estos pinceles. Pero he dejado los pinceles específicos que utilizo en esta clase en un paquete propio. Lo que puedes hacer es ir a la pestaña de proyectos y recursos en el escritorio, descargar el archivo allí, luego solo quieres arrastrar ese archivo a tu ícono de Photoshop y liberarlo. Cuando abras el panel de pinceles entonces, verás esa carpeta agregada en la parte inferior de la pila. Entonces, cuando termines tu proyecto, asegúrate de publicarlo en la sección de proyectos. Estaré muy feliz de darte tu opinión o responder cualquier duda que tengas. Ahora, solo una nota, he dejado mi pintura final a propósito vacía de cosas porque quiero que prueben y agreguen más cosas en. Al final de esta clase, te voy a dar un reto para agregar más parafernalia vikinga a tus antecedentes. Podrías poner en el barco largo del puerto por ejemplo o un vagón averiado o un montón de armas rotas, cualquier cosa que creas que este fondo necesita. Me encantaría ver su interpretación del breve y ver qué se le ocurre. 3. Las herramientas de un artista de fondo: En esta lección, te voy a explicar las herramientas que necesitarás tanto para esta clase como para cualquier trabajo que estés haciendo como artista de fondo. Las principales herramientas que quiero destacar son sus herramientas de software y hardware, y los pinceles. Personalmente, voy a estar trabajando en Adobe Photoshop para esta clase. Pero puedes usar cualquier app de pintura digital que te guste, y puedes seguirme conmigo. Ya que vamos a estar enfocándonos en habilidades y enfoques específicos que necesitas desarrollar como artista de fondo. El software no importa enormemente, siempre y cuando puedas aplicar esas técnicas a la app específica en la que estés trabajando. La razón por la que elijo Photoshop sobre algo como Procreate o cualquier otra aplicación, específicamente para esta clase en particular, es porque Adobe Photoshop es el estándar de la industria. Si quieres mostrar tu trabajo a un posible estudio, y conseguir un trabajo como artista de fondo, va a ser gracia poder demostrarles que puedes usar software de nivel profesional como Photoshop. El arte de fondo para estudios profesionales de animación casi siempre se realiza en Photoshop. La razón principal, aparte de que es un programa muy robusto, puede crear tamaños de archivo masivos con poco o ningún problema. Pero la razón principal más allá eso es que dentro de cualquier fondo dado, en realidad necesitas poder trabajar con múltiples, si no decenas de múltiplos de capas. Ahí es realmente donde creo que Photoshop está por delante de la curva en términos de su capacidad para manejar dinámicamente tantas capas. En animación, no sólo se hacen necesarias todas estas capas, para crear pinturas complejas, sino que muy a menudo algunos de los elementos dentro del fondo necesitarán ser animados ellos mismos, y por esa razón necesitan estar en capas separadas. Si estás comprometido con aprender el arte y la artesanía del diseño de fondo, entonces te animo mucho a probar Photoshop. No tienes que comprarlo. Puedes hacerte una prueba por un tiempo por un par de semanas y ver si te gusta. La otra herramienta que necesitarás y esta que realmente no puedes moverte es tener una tableta de dibujo y un bolígrafo. Si estás en el iPad, necesitarás un lápiz Apple. Pero si estás en una computadora portátil o una computadora de escritorio, entonces puedes obtener una tableta de dibujo barata. Pero de nuevo, podría animarlos a invertir en uno decente, de buena calidad como un Wacom. Mi configuración es muy, muy sencilla. Yo uso un Wacom Intuos Pro. No es nada elegante. años que tengo esto y simplemente nunca, nunca me ha defraudado, y es genial. Lo recomiendo mucho. Entonces la última herramienta que quiero destacar es tu pack de pinceles. Ahora, se ha dicho muchas, muchas veces que deberías poder pintar algo complejo con los simples pinceles predeterminados de Photoshop. Pero seamos honestos, si quieres tener una amplia selección de pinceles de textura para crear una amplia gama de texturas muy rápidamente. Para esta clase, te he dejado un par de packs de pinceles para que los descargues, y que experimentes y utilices en tu propio proyecto de clase, y en tu trabajo en el futuro. Pero también quiero que puedas saber dónde encontrar pinceles y dónde puedes empezar a construir tu propia biblioteca de pinceles. Mi mercado de referencia para encontrar increíbles paquetes de pinceles es Gumroad. Te recomiendo que compres tus packs de pinceles a artistas de allá. Otro lugar al que también puedes checar es ArtStation. Definitivamente haz tu investigación, invierte en paquetes de pinceles que crees que usarás, y solo debes saber que hay toneladas de recursos ahí fuera para ti. No tienes que estar limitado a lo que tienes dentro de Photoshop o dentro de la app en la que estás trabajando. No quiero que sientas que eso te está restringiendo. En la siguiente lección, te voy a dar una breve descripción de mi propio espacio de trabajo de Photoshop, y cómo puedes configurar el tuyo para que se vea igual que el mío. 4. Resumen del espacio de trabajo: En esta lección, voy a repasar mi espacio de trabajo específico de Photoshop, cómo lo configuro para que puedas hacer coincidir tu espacio de trabajo con el mío si tú mismo me estás siguiendo en Photoshop. Voy a seguir adelante y abrir mi Photoshop. Una vez cargado, se abre la pantalla de bienvenida predeterminada. Voy a subir aquí a Nuevo Archivo y simplemente haga clic en eso solo para comenzar. Voy a cambiar estos a, vamos con solo un tamaño de Canvas normal 1920 por 1080 es más o menos el tamaño de pantalla predeterminado estándar. Si quisieras ponerlos, podrías escribir los números aquí arriba. El único otro que quizás quieras cambiar es el color RGB. Solo asegúrate de que esté en RGB y no en CMYK ni en escala de grises ni nada por el estilo. El color RGB es el perfil de color para cualquier ilustración de pantalla. Trabajemos en RGB. Haga clic en “Crear”, y luego así es como se configura mi Photoshop. Quería señalar que si llegas aquí a este pequeño icono de aquí arriba y haces clic en este, este diseño se guarda como el espacio de trabajo de Siobhan. Digamos que te abres y estás en algo que se parece un poco a esto. Déjame cerrar esto. A lo mejor el tuyo incluso se vea algo así. Esencialmente, vas a tener todas tus herramientas de dibujo, pintura, manipulación, edición en el lado izquierdo de tu pantalla. A la derecha tendrás un montón de paneles. Mi preferencia personal cuando estoy creando obras de arte como diseños de fondo para animación es tener el mayor espacio de pantalla posible. Lo primero que hago es que tiendo a colapsar estos menús de nuevo a un lado. Todos estos iconos son más pequeños. Sin embargo, voy a agarrar algo así como capas y voy a simplemente hacer clic y arrastrar eso hacia afuera. Esto me aseguraré de que sea bastante visible. Voy a arrastrarlo hasta que vea esta línea azul a lo largo del lado derecho, y luego soltaré. Ahora eso va a ser por su cuenta doc si quieres. El otro panel que me gusta tener abierto es mi panel de color. Ya que no está aquí, y este es un buen ejemplo de qué hacer. Si ves que algo que quieres no está anidado ya en la derecha, simplemente puedes subir a Ventana y encontrarlo desde aquí, desde este menú desplegable. Aquí está el color. Voy a hacer click en eso, y se abre como una ventana flotante. De nuevo, voy a darle click y arrastrarlo. Esta vez lo voy a anidar en las capas superiores de arriba. Ahora tengo capas y tengo mi color. Esas son realmente las dos ventanas más importantes a las que necesito poder acceder durante todo el proceso. Ahora, solo ten en cuenta que tu ventana de color podría no tener el mismo aspecto que la mía. Eso no es un problema. El tuyo muy bien podría verse así. O a veces se puede exhibir así. Todo lo que es realmente es simplemente una forma de ver el espectro de colores. me gusta personalmente mirarlo en esta rueda de colores porque me da una muy buena comprensión rápida de dónde está mi color y también dónde la saturación de ese color está la saturación de ese color o el brillo u oscuridad de ese color. Este deslizador superior aquí donde dice H, ese es el matiz. Esencialmente, puedes arrastrarlo y notarás que este pequeño cursor va alrededor de la rueda. Digamos que querías un verde, está bien. Abajo en este deslizador, puedes establecer la saturación, para que puedas tenerla completamente desaturada o verde muy saturado. En este deslizador aquí donde dice B, se puede ajustar el brillo. Esencialmente, puede ser todo el camino hasta la versión más oscura, que es negra. Puedes arrastrarlo hasta la versión más ligera de ese matiz. Luego, en el lado derecho, estos son tus pinceles, tus herramientas de dibujo y herramientas de borrador. medida que avanzamos por la clase, y pasaremos paso a paso por todo el proceso tanto de dibujo como de pintura, explicaré cada paso que hagamos y explicaré todas las herramientas que se utilizan. Pero solo quiero que estés consciente de que las principales herramientas con las que vamos a trabajar son la herramienta de pincel. Si haces clic en eso o pulsas B en tu teclado, aparecerá el pincel. Aquí arriba, puedes establecer el tamaño o la forma del pincel, diferentes parámetros como ese. También puedes subir aquí y afectar la opacidad del pincel que estás usando. Se puede afectar el flujo. Generalmente nunca cambio el flujo del pincel, pero a menudo arrastraré la opacidad de mi pincel hacia abajo solo porque puede ayudar con pintura para dar algunos buenos efectos de acumulación. También puedes, cuando estés en el modo pincel, simplemente haz clic derecho en cualquier lugar del Lienzo con el pincel seleccionado, y eso te dará un acceso muy rápido a tu menú de pinceles. Más tarde estaré hablando los pinceles que te he dejado. Tengo un montón de pinceles de paisaje y algunos pinceles para pintar, romperla, o pinceles de pintura que te dejaré para descargues y podrás experimentar con ellos y probar diferentes y ver cuáles te van a dar los efectos que estás buscando. Cuando estás pintando y estás mezclando o mezclando colores sobre la marcha como puedes ver, si la opacidad es baja, puedes pintar sobre color y crear un color completamente nuevo esencialmente. Uno de los flujos de trabajo que me gusta mucho usar es mientras estoy trabajando con el pincel, puedo mantener pulsada la opción o Alt en tu teclado. Eso es un cambio entre cualquier herramienta que estés usando y el cuentagotas. Si estoy en el modo pincel y golpeo Opción o Alt, puedo seleccionar rápidamente el nuevo color en mi lienzo y pintar con eso, y eso proporciona una fusión realmente agradable. Otra herramienta que quiero señalar y solo asegurarme de que ya sabes, puede identificar dónde está en tu teclado. Bueno, otras dos herramientas, pero la una es la herramienta pluma de aquí abajo. Simplemente presiona P en tu teclado y eso debería abrir la herramienta de lápiz. La forma de trabajar con la herramienta Pluma es literalmente hacer clic y arrastrar en estos puntos vectoriales. Una vez que haces clic en cualquier espacio de tu Canvas, eso crea un punto vectorial. Si hace clic y arrastra al mismo tiempo, puede crear manejadores. Esos manejadores se pueden mover para afectar la forma de la curva que estás dibujando. Si te metes por aquí, hay una muestra blanca debajo de mis muestras, y por eso esta forma parece que no hay nada en ella, pero en realidad está llena de blanco. Para cambiar el color de eso, simplemente haz doble clic en el icono de la capa y elige nuevo color de tu seleccionador de color. Haga clic en “Bien”. La otra herramienta con la que trabajaremos mucho para pintar es la herramienta de lazo. Aquí arriba, puedes hacer clic y mantener presionado este ícono y verás que existe la herramienta de lazo en tres tipos diferentes. Ahí está el lazo regular, el lazo polígono y el lazo magnético. Nunca uso realmente el magnético. Acabo de trabajar entre el lazo regular y el polígono. Pero voy a estar explicando con más detalle cómo trabajar con estos cuando nos metamos en otra sección en una sección posterior de la clase. Avísame si tienes alguna duda sobre cómo configurar tu propio espacio de trabajo de Photoshop. Cuando estés listo, te veré en la siguiente lección. 5. Uso de las herramientas de pintura y dibujo: En esta lección, quiero repasar algunas de las herramientas específicas que utilizaré a lo largo de este curso y solo darte una breve descripción al principio para que sepas qué esperar cuando llegues a usarlas, pero voy a estar explicando paso a paso a medida que voy, cada una de las herramientas a lo largo del proceso de dibujo y pintura más adelante. Pero es posible que desee marcar esta lección y volver a consultarla si una de las herramientas con las que trabaja no se ve exactamente igual que la mía. Las principales herramientas de dibujo y pintura que utilizo son la herramienta Lazo, la herramienta Pluma, la herramienta Pincel y la herramienta Bucket. Otra herramienta que me gustaría destacar es la herramienta Cuentagotas o selección de color. Vamos a repasar por cada uno de ellos ahora. La herramienta Lazo, que es L en tu teclado, está aquí arriba. Si pulsas “L”, verás que queda seleccionada. Simplemente vaya, haga clic y mantenga presionada la herramienta, y verá que hay tres tipos diferentes, regular, polígono y magnético. El lazo regular permite dibujar a mano alzada, dibujar curvas y es casi como dibujar con un lápiz o un bolígrafo. Lo que sucede es que obtienes una selección basada en lo que acabas de dibujar. Puedes llenar esa selección, presionar “G” en tu teclado para aparezca la herramienta Bucket y eso se llenará con cualquier color que esté en el primer plano de tus Muestras por aquí. Pero también puedes usar esto para hacer interesantes efectos de pintura. Si pulso “B” en su lugar en mi teclado y saco la herramienta Pincel y elijo uno de mis pinceles para pintar, verás que sí ofrece una forma única de pintar y crear formas. El polígono Lazo dibujará una forma de punto a punto, así que tienes que hacer clic hacia abajo en el Lienzo y eso crea los puntos y luego puedes cerrarlo cuando hayas terminado. Entonces tu selección está activa y puedes ir con eso exactamente de la misma manera que antes. Puedes usar la herramienta Pincel o la herramienta Cubeta de pintura , la que quieras. Ahora, hay una manera de combinar tanto el polígono el Lazo regular cuando estás dibujando. Es muy útil y es algo que uso mucho si estoy dibujando una forma compleja que necesita o requiere tanto una línea recta como una línea curva y me verás usando esto mucho en las etapas posteriores de mi pintura de fondo. Pero yo quería mostrarte cómo hacer eso ahora, así que déjame crear una nueva capa. Pulsa “L” en mi teclado y ahora mismo estoy en el modo Polígono de la herramienta Lazo. Voy a empezar a hacer clic en una forma y voy a conseguir mis lindas líneas rectas. Pero si en esta etapa quería hacer una línea curva, lo que voy a hacer es mantener presionada la opción o Alt en tu teclado y empezar a dibujar una línea curva así. Voy a soltar Option o Alt y luego vuelvo a la línea recta. Presionando hacia abajo Alt u Opción para obtener esa bonita curva. Esencialmente, mantener presionada la opción o la tecla Alt te permite alternar entre el Lazo regular y el Lazo Polígono. A ver. También va a funcionar si estamos en el Lasso regular. Estoy dibujando línea curva y ahora quiero ir por una línea recta y quiero mantener presionada Opción o Alt en tu teclado. Esa es la herramienta Lasso. Es muy útil dibujar y pintar con y la otra herramienta que utilizo para dibujar y pintar es la herramienta Pluma. Voy a presionar “P” en mi teclado y eso lo seleccionará ahí mismo. Si haces clic y mantienes presionada sobre él también, puedes ver que hay diferentes tipos de herramientas de Pluma , de la misma manera hay diferentes herramientas de Lazo. Generalmente me quedo solo con la herramienta Pluma normal. Es una herramienta maravillosa. Puede hacer clic en su Canvas para crear estos puntos vectoriales y luego hacer clic y arrastrar para crear estos manejadores. Una vez que hayas creado estos manejadores, puedes afectarlos manteniendo presionada la opción o la tecla Alt en tu teclado y luego puedes arrastrar tus puntos vectoriales alrededor. Una vez que hayas creado la forma y quieras volver a entrar y cambiar algunos de los puntos vectoriales, haz clic en la forma misma. Verás que la forma ya está activa y luego mantén presionada Comando o Control en tu teclado. Eso sacará a colación la herramienta de subselección y luego si haces clic en los puntos, podrás editarlos directamente, agarrarlos, mover los mangos si es necesario. Entonces esa es la herramienta Pluma. Ahora bien, lo único que sí quiero mencionar de la herramienta Pluma es que necesitas asegurarte de que tus parámetros sean los mismos que los míos. Sube a la cima aquí. A lo largo de la parte superior aquí están las propiedades de cada herramienta que selecciones. Siempre tengo el mío configurado para dar forma, no camino ni píxeles. La otra cosa entonces es asegurarse de que su relleno esté activo, pero su trazo no esté activo. Nunca dibujo con la herramienta Pluma con un trazo activado, así que siempre baja aquí y asegúrate de que se haga clic en ese cuadro para que el trazo no esté activo. Ahora, la herramienta Bucket es bastante fácil, muy sencilla. Es solo G en tu teclado y esencialmente llena todo el espacio o toda la selección. La herramienta Pincel, así que si haces clic en “Dash “o presionas “B” en tu teclado, aparecerá el pincel. Aquí arriba se puede establecer el tamaño o la forma del pincel, diferentes parámetros como ese. También puedes subir aquí y afectar la opacidad del pincel que estás usando y puedes afectar el flujo. Generalmente nunca cambio el flujo del pincel, pero a menudo arrastraré la opacidad de mi pincel hacia abajo porque puede ayudar con la pintura para dar algunos buenos efectos de acumulación. También puedes, cuando estés en el modo pincel, simplemente haz clic derecho en cualquier parte del Lienzo con el pincel seleccionado y eso te dará un acceso muy rápido a tu menú de pinceles. Cuando estás pintando y estás mezclando o mezclando colores sobre la marcha, como puedes ver, si la opacidad es baja, puedes pintar sobre un color y crear un color completamente nuevo esencialmente. Uno de los flujos de trabajo que me gusta mucho usar es mientras estoy trabajando con el pincel, puedo mantener presionada la opción o Alt en tu teclado. Esa es una alternancia entre cualquier herramienta que estés usando y el Cuentagotas. Si estoy en el modo pincel y presiono Opción o Alt, puedo seleccionar rápidamente el nuevo color en mi Lienzo y pintar con eso y eso proporciona una fusión realmente agradable. Avísame si tienes alguna duda sobre cómo configurar tu propio espacio de trabajo de Photoshop y cuando estés listo, te veré en la siguiente lección. 6. La especificación de los trabajos del artista de fondo: En esta lección, quiero darte una idea de cómo será exactamente tu trabajo cuando seas contratado por un estudio de animación y te conviertas en un artista de fondo laboral. En el día a día, un artista de fondo no necesariamente está creando grandes entornos y pinturas digitales. Realmente es más probable que estés pintando fondos basados en un entorno dado. Todavía estás creando nuevas obras de arte pero tus pinturas se basarán en trabajos existentes. Esencialmente hay una separación de deberes entre algo así como un artista conceptual o un director de arte, un maquetador y un pintor de fondo. El director de arte suele ser el artista al que se le ocurra el aspecto general del espectáculo y ese es alguien que estará pintando las principales ubicaciones clave. Las ubicaciones clave son las pinturas realmente grandes que determinan la combinación de colores, el estado de ánimo y la atmósfera. Suelen ser las tomas de gran angular de cada una de las ubicaciones donde se desarrolla la historia. En algunas producciones, no en todas sino en algunas producciones, llamar a una persona diferente podría llamar a una persona diferente llamada maquetadora para elaborar líneas detalladas de estas importantes escenas. Sin embargo, en la mayoría de los espectáculos, el artista de fondo podría ser llamado tanto para elaborar una toma o una escena en línea como también para pintarla. Su conjunto de habilidades definitivamente necesita poder cubrir trabajo de línea limpia, así como el color glorioso en su pintura. Digamos que en un programa, tienes algo así como 10 ubicaciones clave que ya se han determinado, han sido pintadas por el director de arte, y también tienes un storyboard bloqueado que se completó en preproducción y que muestra exactamente en cada toma dónde están los personajes y cosas así. Ese storyboard también dará una indicación, no siempre exacta, en su mayoría solo una indicación de cuál va a ser el fondo. Lo que sucede entonces es que se te asignará cada escena como se indica en el guión gráfico toma a toma y tendrás que hacer fondos para cada escena en función la dirección de arte y en función de las ubicaciones clave. Por ejemplo, en esta toma de aquí, esta es una ubicación clave de la cabina pirata a bordo del barco, pero en el storyboard, puede haber una toma, digamos, de esta esquina. Tendrás que poder visualizarlo desde ese ángulo, hacer un dibujo lineal de él, mostrarlo al director, obtener la aprobación y luego pintarlo usando los colores y los activos que ya están creados en esta pintura principal. Como artista de fondo, también necesitarás poder hacer cambios y revisiones rápidamente en tu trabajo y esa es una parte clave del trabajo. En el flujo de trabajo, suele ir algo así. Tomas un día para pintar un fondo. Luego enviarás esos antecedentes al director de arte para que lo apruebe. Lo marcas como hecho en la hoja de convocatorias y luego entras al día siguiente y revisas la hoja de llamadas para ver si esos antecedentes han sido revisados y si lo ha hecho, ¿cuáles son las notas? Podría haber algunas notas como mover la mesa a la izquierda porque el capitán tiene que tener más espacio para entrar, o podrías obtener una nota que diga que este fondo no se conecta al anterior porque es desde el ángulo equivocado y luego tendrás que cambiar eso. Tus revisiones nunca van a ser tan grandes, diría yo, pero sí necesitas poder darle la vuelta rápidamente a esas revisiones y pasar al siguiente fondo. Cuando tenga revisiones importantes, debe guardar ese archivo como un VO2, volver a colocarlo en la carpeta de producción y nunca guardar ni eliminar su versión 1 porque es posible que deban volver a ingresar y usarla nuevamente. Una vez hecho todo eso, puedes tomarte un descanso, tomar té o café, y luego puedes comenzar con el nuevo fondo para el día, que te estará esperando en tu carpeta para hacer y eso se basará en el siguiente panel del storyboard. Esa es una descripción muy breve de las especificaciones de trabajo de un artista de fondo y espero que desmitifice o aclare ciertos aspectos del trabajo. Esencialmente, cuando empiezas como artista de fondo, estás trabajando con pinturas predeterminadas, conceptos predeterminados. Realmente nunca estás creando completamente desde cero, pero en tu portafolio, sí necesitas demostrar a una casa de producción o estudio de producción que puedes dibujar algo desde cero, puedes hacer arte conceptual y puedes visualizar y crear un fondo completamente nuevo basado en solo una idea. Eso es ojalá lo que vamos a lograr en este curso juntos a medida que avanzamos haciendo el trasfondo de la Villa Vikinga. Pero antes de llegar a dibujar y pintar el Pueblo Vikingo, voy a repasar algunos de los principios fundamentales que siempre debes tener en mente. Cuando estés listo, te veré en la siguiente lección. 7. Los principios de la puesta de escena y el enmarcado: En esta sección, voy a cubrir los conceptos y principios más importantes que debes conocer al hacer arte de fondo para la animación. Estos principios no suelen ser discutidos como un marco cohesivo. Oyes hablar de uno o dos de estos de vez en cuando, o tal vez te encuentres con uno aquí, otro allá. Pero realmente pienso que es crucial ver cada uno de estos principios como literalmente tu marco para entender cómo crear un buen arte de fondo. Puedes pensar en estos exactamente de la misma manera que podrías pensar los 12 principios de la animación si eres animador. Voy a cubrir los tres principios más importantes. El primer y más importante principio que debes tener en cuenta cuando estás creando arte de fondo es el principio de puesta en escena. Junto a eso, también voy a añadir el principio de enmarcar. Voy a tratar a ambos como primer principio, básicamente. escena y el encuadre es el primero en la lista porque tu trabajo como artista de fondo es proporcionar una escena o escenario para los personajes. Tu trabajo realmente no es hacer una buena ilustración. Una ilustración es muy diferente al arte de fondo para la animación. Esencialmente, tu trabajo es crear un escenario para que la acción se lleve a cabo. En ese sentido, tu obra tiene que diseñarse de tal manera que dé espacio a los personajes, eso es puesta en escena y para escena y para señalar o dirigir la mirada de los espectadores hacia dónde están esos personajes, eso es enmarcar. La puesta en escena es literalmente la idea que tu fondo es un escenario. Se quiere dar espacio para que los personajes se muevan por ahí si es necesario. Siempre hay que saber dónde están esos personajes en una escena determinada. Para ello, o estarás dibujando desde un panel de storyboard, así lo sabrás, o te lo dirá el director. Recuerda que el arte de fondo es arte que ya está en producción. No es arte conceptual, es la pintura la que en realidad va a ser utilizada en conjunto con la animación. Si sabes que los personajes caminan sobre la pantalla y se paran en el medio, no dibujes ni pintes elementos justo en el medio de la escena, mucho que pienses que realmente funcionaría y sería muy agradable tenerlos ahí. Mantenga el espacio despejado y abierto para los personajes. Después enmarcando. Nuevamente, enmarcar significa cómo le muestras a la audiencia qué es lo que quiere que vean. La forma más sencilla de hacerlo, si estás pintando una toma estableciendo o una toma ancha o como un gran ángulo de una escena, es usar objetos alrededor los bordes de tu fotograma que literalmente enmarcan el punto focal central o el punto de interés donde sea que esté. Sin embargo, de otra manera, si estás creando una toma diferente, no necesariamente una toma de establecimiento, también puedes usar algo llamado líneas iniciales. Aquí es donde los elementos dentro del fondo se alinean para que estén apuntando en una dirección específica. Crean líneas que son casi imperceptibles para el público. No son obvias, pero trabajan poderosamente para atraer la mirada hacia esa zona de la pantalla que quieres mostrar. 8. El principio de composición: A continuación tenemos la composición, el principio de la regla de los tercios. Ahora la regla de los tercios es tan simple, pero quiero darte algunas ideas alternativas al respecto, o al menos darte algo más en lo que pensar. No hay duda en mi mente de que ya sabes cuál es la regla de los tercios. Simplemente se menciona constantemente como la forma de configurar tu dibujo. Pero si no sabes lo que es, simplemente empuja. Es una forma de dividir el marco o la pantalla en tercios iguales que realmente solo nos permite hacer una composición basada en estas distintas partes del marco. Tener su punto focal o su punto de interés en una de estas secciones o en una de estas intersecciones que dicen, que generalmente puede crear una imagen que sea agradable o interesante de ver, en lugar de simplemente centrar las cosas estáticamente en el medio. Ahora bien, la regla de los tercios funciona. Hace una buena composición. No me malinterpretes, siempre reviso mi trabajo contra la regla de los tercios. Sin embargo, cuando estás trabajando con un panel de storyboard o una miniatura sugerida, como artista de fondo, la mayoría de las veces, tu composición ya está determinada. Como ya discutimos con respecto a la puesta en escena y encuadre, su primera prioridad es hacer espacio para la acción. Cuando escuches hablar de la regla de los tercios y te digan siempre coloca tus puntos de interés en estos puntos, recuerda que eso no siempre va a ser aplicable a la obra de un artista de fondo. Quería explicar en esta lección que la regla de los tercios o el círculo mágico o el Fibonacci, lo que sea, pueden crear una imagen agradable a la vista. Pero como artista de fondo, no estás ahí para crear una imagen agradable en el vacío. Estás contando o ayudando a contar una historia mucho más grande de la que esta toma o esta escena es sólo una pequeña pieza. Sí, como artista conceptual o ilustrador, es una muy buena pauta a seguir. Pero como ya dije, estamos trabajando en producción o creando arte de producción, así que debemos ser muy conscientes de dónde encaja esto y qué se requiere en cuanto a la animación. Tu primera decisión en cuanto a componer la toma siempre necesitas decidir cuál es el punto de la historia de esta toma o de la escena. A veces, colocar su punto focal en el centro es en realidad más importante para el punto de la historia. Como regla general o pauta muy amplia aquí, una toma compuesta centralmente a veces puede leerse como más organizada, puede implicar tradición, estabilidad, status quo, mientras que una composición que favorezca solo a un lado u otro de la pantalla implica una escena dinámica, incluso un sentido de conflicto, o un sentido de viaje y emoción. Recuerda que al componer tu arte, quieres apoyar los puntos de la historia. Puedes hacerlo ingeniosamente usando el encuadre para señalar el ojo del espectador hacia la acción y siguiendo la composición que se configura en el guión gráfico que prioriza dónde está esa acción. 9. Crear la ilusión de la profundidad: El tercer principio que quiero cubrir aquí es la ilusión de profundidades. Este es realmente un principio vital para el artista de fondo. Para mí, es aún más importante que la regla de los tercios. Necesitas estar siempre pensando constantemente en cómo puedes crear una ilusión de profundidad en tu trabajo por una simple razón. La ilusión de profundidad es lo que va a ayudar a tu espectador sentir que puede entrar en el mundo que estás creando. Ese es un aspecto muy importante de la animación. En un mundo animado, todo es posible y tu audiencia quiere creer que es real y que casi pueden entrar y experimentar este otro mundo. Hay muchas formas de crear la ilusión de profundidad, como dibujar una perspectiva fuerte, que cubriremos en la siguiente sección. Pero también puedes crear profundidad superponiendo elementos dentro de tu fondo. Cuando haces esto, inmediatamente se siente como si hubiera profundidad porque el ojo lee estas superposiciones como literalmente ocupando espacio y volumen. Eso crea espacio detrás de cada uno. Otra forma muy poderosa de crear profundidad es indicar escala. Escala significa lo grande o pequeño que es algo. En el fondo, se pueden tener cosas que obviamente se están haciendo más pequeñas en la distancia según las reglas de la perspectiva, donde algo que está más cerca del espectador es mucho más grande que algo que está más lejos. Recuerda que una de las formas más fáciles, o las formas más claras de establecer escala de perspectiva es usar el mismo ítem. Solo asegúrate de tener uno cerca del espectador y luego uno más lejos que sea más pequeño. El ojo va a leer las dos cosas y saber de inmediato la que es más pequeña está mucho más lejos y eso creará una sensación de profundidad. También quería mencionar que hay una cosa que siempre permitirá que el ojo del público entienda de inmediato la escala que intentas establecer dentro de tus antecedentes. Hay una cosa que si lo pones en tu pintura digital o en tu fondo, inmediatamente nos mostrará lo altas que son las cosas. Esa cosa es una persona o una figura. Debido a que somos personas nosotros mismos, inmediatamente podemos leer y entender escala en relación con una figura humana dentro de una escena. Es así de simple. Se puede ver la diferencia entre una figura pequeña versus una figura realmente grande. Pero como artista de fondo, realidad no estás tratando tanto con personajes. No siempre tienes personajes en tus tomas. A diferencia de un artista conceptual en arte de fondo, realidad no siempre podemos ponerlo en un vendedor ambulante de palos. Entonces, ¿qué más podemos hacer? Bueno, otra opción es simplemente implicar la actividad humana o mostrar algo que sabes que es fácilmente reconocible como algo que un humano usaría. Algo tan simple como una puerta, o incluso un vehículo, una bicicleta, o algo así. Si pones cosas así en tu arte de fondo, el espectador entenderá ese tamaño porque se relaciona con el tamaño de una figura humana. Por lo tanto, la escala se puede establecer casi de inmediato. 10. El conjunto de habilidades clave de un artista de fondo: Las tres habilidades de un artista de fondo son la investigación visual, el dibujo y la pintura. Si puedes hacer investigación visual, recolectar imágenes y recordar detalles basados en tus referencias, si puedes dibujar estructura, creíble, estructura sólida 3D, si puedes trabajar creativamente con el color, entonces eso es todo lo que realmente necesitas para ser un artista digital o un artista de fondo. Todo lo demás, el estilo, las texturas, los conceptos, todas estas son técnicas que puedes agregar y construir sobre ellas. Pero estos tres aspectos forman la clave absoluta subyacente, las habilidades fundamentales más importantes que necesitas desarrollar para ser un artista de fondo. Ahora, a lo largo del resto del curso, vamos a explorar y desarrollar tu dibujo, tu pintura, y te voy a entrenar en el camino en cómo practicar estas dos habilidades. Pero en esta lección, quiero hablar de investigación visual. En primer lugar, una palabra sobre investigación visual versus dibujar desde la imaginación. El gran artista, Kim Jung Gi, quien lamentablemente falleció recientemente, pero en una de las últimas entrevistas que dio, se le preguntó cuáles son los principales consejos que tiene para los artistas principiantes. Su primer punto fue que es muy importante recopilar referencias visuales y agregarlo a tu experiencia de objetos, lugares y personas del mundo real . Si ves a alguien sacando de su imaginación, debes saber que es hábil para poder recordar lo que ha investigado o lo que ha experimentado es lo que estás viendo. No es que la imaginación no solo se saque de absolutamente ninguna parte, se trata de su capacidad para recordar una experiencia. investigación visual es realmente la primera y principal habilidad que necesitas desarrollar. Aquí hay algunos consejos sobre cómo hacer investigación visual. El primero es obviamente comenzar desde donde estás y literalmente tomar en tu entorno. Intenta ser visualmente consciente e interesado en los objetos y lugares que estás viendo a diario. Solo mirar las cosas es una manera poderosa aumentar tu nivel de habilidad muy rápido. Recuérdate notar la luz a tu alrededor en diferentes momentos del día. Observe o mire la estructura de las cosas y cómo ocupan el espacio. Si puedes, empieza a sacar estas cosas de la vida. Comienza una práctica de cuaderno de bocetos si aún no tienes una y trata de dibujar de la vida tanto como puedas. No siempre es posible, pero si logras sacar de la vida, va a ser una de las formas más rápidas en las que mejorarás tu dibujo en general. Si eres bueno capturando imágenes, entonces puedes comenzar a acostumbrarte a tomar fotos de las cosas que ves y recopilarlas en una carpeta dedicada. Cuando se trata de dibujar y pintar fondos específicos o piezas de arte específicas, entonces obviamente el siguiente paso es investigar en línea para el objeto o el lugar que estás dibujando. Por ejemplo, para este proyecto, seguí adelante y escribí Viking Village en Google y basado en todas las imágenes que escupió Google, comencé a hacer un mood board, que es literalmente solo una colección de imágenes que me gustaron, imágenes que resonaban con lo tenía en mente sobre lo que quería hacer, y también imágenes que acabo de encontrar interesante mirarme a mí mismo. Un mood board no tiene que ser específico o no tiene que ser demasiado específico, puede ser solo una colección de imágenes que te gusten los colores que ves. Pinterest es genial para coleccionar imágenes. Mi recomendación es hacer un mood board como este, luego estudiarlo un rato solo mirar y notar las cosas que destacan o las cosas que quizás ni siquiera hayas notado en una imagen al principio. Entonces, cuando estés listo para comenzar a dibujar, guarda este mood board y trata dibujar en base a lo que recuerdes. Deja que tu recuerdo se apodere y trata de dibujar algo nuevo basado en cómo lo recuerdas. Esa es la forma en que abordo investigación visual para cualquier proyecto en absoluto. Traté de no mirar demasiado a otros artistas conceptuales terminados obras de arte, aunque sí tengo que mencionar un sitio web como ArtStation es un recurso increíble para los artistas y puedes obtener tanta inspiración al mirar el trabajo de otro artista. Pero trata de resistirte a encontrar obras de arte que creas que son tan increíbles que solo quieres replicar o duplicar. Intenta simplemente dejarte inspirar por lo que ves ahí. Haz tu investigación sobre los objetos físicos reales y las cosas que intentas dibujar. Entonces guarda toda esa investigación y trata de empezar a dibujar de tu memoria. En la siguiente sección, vamos a pasar al dibujo. Voy a hablar un poco sobre habilidades fundamentales fundamentales que los artistas de fondo necesitan conocer para dibujar. Específicamente voy a mencionar algunas de las trampas realmente importantes en las que veo caer a muchos artistas principiantes cuando se trata de dibujar. Cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente lección. 11. Habilidades de dibujo - líneas confiables: Hemos cubierto las especificaciones de trabajo de un artista de fondo. Analizamos los principios clave para crear arte de fondo, y he hablado sobre la habilidad que necesitas para desarrollar nuestra investigación visual y memoria visual. Todos estos temas deberían comenzar a formar una base realmente sólida para tu trabajo y ayudarte a ganar confianza en los próximos pasos que vas a dar. Esos siguientes pasos son desarrollar tu dibujo y tus habilidades de pintura. En esta sección de la clase, vamos a iniciar el proyecto de clase. Quiero mostrarte paso a paso cómo dibujar un diseño complejo como este. Tener este dibujo lineal en tu portafolio es una pieza realmente importante. Demostrará a los estudios que puedes dibujar cualquier cosa y que tienes una buena comprensión de las habilidades fundamentales que son tan importantes. Quiero mostrarte exactamente cómo hacer un dibujo como este. Pero en el camino, también quiero señalar algunos errores comunes que veo que los artistas principiantes cometen en su dibujo, y mostrarte cuáles son para que sepas mejorarlos en tu propio trabajo. Antes de sumergirnos en este dibujo, quiero darte algunos taladros de dibujo en los que quiero que trabajes. Si haces estos taladros de dibujo con regularidad, te sorprenderá lo rápido que mejorará tu dibujo. Voy a saltarme a Photoshop. He hecho un nuevo Canvas aquí. Esto realmente solo va a ser para estos simulacros de dibujo, pero voy a hacer una nueva capa por encima de la capa de fondo. Para el tamaño del pincel, solo voy con uno de los pinceles predeterminados de Photoshop aquí, solo este pincel redondo duro. El tamaño de píxel es de aproximadamente 12 para este Canvas, y también me he asegurado de que la opacidad sea de hasta 100. Estos taladros te van a ayudar a mejorar la confianza de tu línea. Tener un trabajo seguro y fuerte es realmente importante. Todo lo que tienes que hacer para estos ejercicios es llenar una página, hacer una serie de líneas rectas que van de izquierda a derecha o incluso de derecha a izquierda, y simplemente continuar haciéndolo hasta que sientas que puedes dibujar prácticamente una línea recta pareja en un solo movimiento de barrido. También se puede ir en diagonal. Te darás cuenta de que no voy a parar ni a empezar en el medio. No voy a ir como dash. Realmente es un movimiento de barrido. Estoy tratando de mantener mi brazo lo más firme posible. No estoy dibujando de mi muñeca ni de mi mano. De verdad casi estoy dibujando. Es como si estuviera dibujando de mi hombro. Así, así que cuando hayas hecho todo eso, quiero que hagas otro simulacro, y este es más o menos lo mismo. Pero lo que vas a hacer es hacer una serie de puntos en tu Lienzo así. Otra serie de puntos por aquí. Entonces voy a usar un color diferente solo por el bien de ello, y voy a hacer una nueva capa, y este taladro es todo sobre el control. Quieres poder dibujar una línea recta de un punto a otro. No importa cuál. Solo escojamos esta. Pero la idea es que empieces aquí y termines ahí, así que esta no es tan fácil. Pero tienes que intentarlo y en realidad es muy complicado hacer esto. No voy a conseguir ninguno de estos arroces. Oh, ahí vamos, casi. Aquí vamos. Supongo que si dibujas lo suficientemente lento, puedes. Pero el punto es tratar de dibujar rápido y tener el control. Si quisieras, hay una manera de que puedas rotar tu Canvas. Si sientes que te sientes cómodo solo dibujando en una dirección, como personalmente, me parece que puedo hacer hacer una línea bastante agradable incluso si voy de abajo a la izquierda a la parte superior derecha. Si eso es lo mismo para ti, y quieres dibujar, yendo por el otro lado. Puedes presionar R en tu teclado y rotar tu Canvas alrededor. Incluso tenerlo un poco de ángulo y eso podría ayudarte también. Dale una oportunidad a ese seguro. Otro, llena la página con círculos. Voy a tratar dibujar círculos perfectos rápidamente. No vayas muy despacio. Es mucho más fácil si vas más lento, pero luego verás que la línea se vuelve mucho más tambaleante. Intenta ser fluido, rápido y seguro con tu línea. El último simulacro de dibujo es entrenarte para dibujar sobre el mismo camino. Digamos, si dibujas una caja así, y luego vuelves e intentas dibujar sobre la línea otra vez. Este es un muy buen ejercicio para hacer también. 12. Perspectiva de dibujo: La siguiente habilidad vital que necesitas desarrollar para dibujar es el dibujo en perspectiva. Este es el primer gran escollo que veo caer a los principiantes y el mayor desafío que gente comienza con el diseño de fondo en particular, el mayor desafío con el que se encuentran. En esta lección, quiero mostrarte cómo puedes llegar a ser realmente bueno en perspectiva. Es increíblemente simple e incluso podrías evitar este ejercicio porque al igual que los ejercicios de dibujo que hicimos en la lección anterior para líneas seguras parece demasiado simple para tener algún efecto pero te garantizo que si dibujas cajas y cubos, vas a mejorar tu capacidad para dibujar en perspectiva muy rápidamente. Entonces podrás desarrollarlo aún más en perspectiva mucho más compleja de tres puntos o perspectivas extremas. Repasemos por los principales puntos básicos que debes conocer. En primer lugar, perspectiva de un punto. Comienza con una línea horizontal a través de tu lienzo así. Ahora bien, esta línea se llama la línea del horizonte pero efectivamente es tu línea de ojos o la línea de ojos de la cámara. En cualquier parte de esta línea, puedes dibujar un punto y este punto se llama punto de fuga. Ahora bien, el punto de fuga es la dirección en la que estás buscando. A partir de este punto, simplemente dibuja líneas radiantes que van directamente hacia afuera. Mantenga presionado Mayús en su teclado mientras hace esto y podrá dibujar una línea recta y luego una vez que lo haya hecho, dibuje líneas paralelas a esa línea principal del horizonte o línea de ojos como esta. Ahora, tienes una cuadrícula de perspectiva. Encima de esta cuadrícula, puedes comenzar a dibujar cajas y cubos siguiendo estas líneas. Puedes seguirlos exactamente o aproximadamente, realmente no importa. Este no es un curso de dibujo técnico. No me pondría demasiado rígido al respecto siempre y cuando sigas consistentemente la dirección de las líneas de rejilla debajo. Como dije, no estamos haciendo dibujos arquitectónicos o de ingeniería, estamos haciendo arte, así puedes dibujar a mano alzada y puedes estar un poco flojo con esto. Si haces eso, creo que te ayudará a ser más instintivo a medida que dibujas a la larga de todos modos. Esa es una perspectiva. Esencialmente un punto significa que estamos mirando al frente de estas cajas que nos están enfrentando. Veamos la perspectiva de dos puntos. Nuevamente, dibuja una línea de horizonte a través de la mitad de tu lienzo y esta vez coloca dos puntos a lo largo de esta línea. Ahora tienes dos puntos de fuga, ahí el término perspectiva de dos puntos. Nuevamente, dibuja líneas radiantes de cada uno de estos puntos. Si tienes problemas para dibujar una línea recta, toca tu bolígrafo en un punto, di en el punto de fuga, mantén presionado Mayús y tócalo en el punto final y eso te dará una línea recta. Ahora, una vez que hayas terminado de dibujar todas tus líneas radiantes de cada uno de estos puntos, en realidad no necesitas dibujar líneas paralelas porque estas líneas que se cruzan son esencialmente tu cuadrícula. Ahora empieza a dibujar cubos y cajas encima de esto tal como lo hiciste para una perspectiva de un punto. inmediato se puede ver que lo que estamos viendo aquí no es la parte frontal de la caja sino que en realidad estamos viendo ambos lados en ángulo y así eso es lo que caracteriza la perspectiva de dos puntos. Este ejercicio realmente sencillo para perspectiva de un punto y dos puntos, como dije, va a desarrollar tu capacidad para dibujar perspectiva en cualquier sentido. Ponte a trabajar con estos sencillos ejercicios. Practica dibujar cubos y cajas en rejillas de un punto y dos puntos. Creo que es muy importante dominar completamente estos dos simples dibujos en perspectiva antes de estos dos simples dibujos en perspectiva antes pasar a una perspectiva compleja de tres puntos o ángulos extremos. De verdad te animo a que dediques primero tiempo a trabajar en estos principios básicos. 13. Dibujo duro: Como expliqué en la lección anterior sobre la descripción del puesto de un artista de fondo. Cuando estás trabajando en el trabajo, casi siempre tendrás una guía o una ubicación pegajosa para trabajar, si no un panel de guion gráfico, por lo que no necesariamente comenzarás un dibujo desde cero a menos que, por supuesto seas parte de un equipo de preproducción y estés trabajando en una pieza de arte conceptual o estés desarrollando el proyecto. Dicho esto para el proyecto en esta clase, quiero que esto sea para una pieza que puedas tener en tu portafolio. Quiero mostrarle cómo iniciar un dibujo desde el principio y cómo llevarlo todo el camino a una pintura terminada terminada. Esta es la forma en que suelo abordar un proceso de dibujo como este. de haber hecho toda mi investigación visual y haber creado un mood board, estudiarlo, ahora tengo una idea de la composición general en mi mente. Esta parte es realmente importante. Antes de comenzar tu dibujo, debes intentar visualizar tu toma o escena y tener muy claro cómo quieres que se vea, incluso si eso va a cambiar a medida que avanzas en la pintura. Apenas comenzando, teniendo como una imagen en tu mente. Intenta entrenarte para estar pensando visualmente así. El primer paso entonces en todo el proceso es simplemente hacer un boceto realmente rudo. Por aquí en la pila de capas, voy a crear una nueva capa por encima de esta capa de fondo bloqueada. No quiero dibujar en eso, y luego voy a elegir un color oscuro. El negro es fino, y solo un cepillo redondo muy simple. Ahora puedes usar el pincel predeterminado de Photoshop o un pincel pequeño de textura si prefieres que se vea más como un lápiz, no importa para este boceto rudo. Entonces me gusta dibujar siempre un marco en mi página solo para comenzar y esto me ayuda a componer el boceto inicial, y también se siente como una buena manera de comenzar porque ya hay algo en la página blanca en blanco. Entonces eso es lo que hago. Siéntete libre de hacer eso. Entonces comenzando por la izquierda, en realidad solo estoy dibujando algunas formas simples. Quiero una forma para la casa o una cabaña. Voy a dibujar uno detrás de este y lo estoy manteniendo realmente bloqueada y muy simple. Si tuviera que hacer una miniatura realmente aproximada para mostrarte qué es lo que estoy visualizando en mi mente, esto es más o menos como lo estoy viendo. Estoy pensando en casas aquí. Tal vez algunas montañas de fondo, y un terreno medio abierto, y también algunos elementos de primer plano solo para enmarcar la escena. Siento que estas cabañas o estas casas podrían tener escalones bajando al suelo, o al menos están levantadas un poco en algún terreno y tienen estos techos vikingos de aspecto muy icónico con detalles. Pero por ahora, no voy a entrar en detalles súper minuciosos en absoluto. Yo sólo quiero bloquearlo realmente. Aquí atrás, podría haber un bote en el puerto. Sé que la C va a estar ahí atrás. Podría ser agradable tener uno de esos icónicos barcos vikingos. Así es como voy a trabajar a través de la idea del boceto. Y en cualquier momento, si quieres cambiar tu trabajo de línea, en lugar de borrarlo y comenzar de nuevo, solo usa tu herramienta de selección. Pulsa L en el teclado, selecciona parte de tu trabajo de línea. Una vez que esté seleccionado, entonces puedes presionar V y moverlo y luego presionar Comando o Control D para deseleccionar y volver al dibujo. Por aquí a la derecha, va a haber más de estas casas, tal vez una más cercana a nosotros. Va a ser más grande. No quiero tener esto tal vez teniendo escalones bajando. Quiero que el techo tenga un poco de fuerte y pienso, y luego ahora voy a agregar solo una indicación del primer plano, como si el suelo se estuviera levantando aquí arriba. Vamos a estar mirando hacia abajo en esta escena o en este pueblo. Ahora en este punto, he seleccionado el dibujo usando Comando T y eso trae a colación la herramienta de transformación libre. Solo lo estoy moviendo para ver si realmente hay una mejor composición, o si necesito cambiar el ángulo que nos estamos despreciando. A veces es difícil mover el dibujo lineal simplemente usando V o la herramienta Selección. A menudo uso la herramienta de transformación libre para mover líneas, ya que eso selecciona todo y es mucho más fácil de mover. Otro buen consejo para mencionar en este punto es voltear tu lienzo horizontalmente para ver tu dibujo en una versión espejada. Eso realmente puede ayudar a identificar esos errores de composición que tu ojo podría no captar porque está acostumbrado a ver de una manera. Si le das la vuelta, destacan, realmente en las primeras etapas, te ayuda a equilibrar tu dibujo. Bueno, eso se ve bien. Creo que voy a bosquejar e indicar el fondo aquí, montañas y bosques. Eso es muy sencillo, unas pocas líneas solo para indicar esos elementos de fondo y llenan el espacio muy bien. Solo voy a trabajar sobre esto otra vez, sigue siendo muy rudo y suelto y este realmente es el primer paso en mi proceso. Ahora, quería decir que hay muchas maneras de comenzar una pintura. Puede bloquear con valores en escala de grises. Puedes empezar a pintar con colores. Ni siquiera tienes que hacer un dibujo real. Esto no quiere decir que esta sea la única manera de comenzar tu trasfondo. Pero sí quería enfocarme en las habilidades de dibujo en la sección del curso. Porque creo que es muy importante entender cómo dibujar la estructura subyacente de cualquier fondo y comenzar con un dibujo de líneas aproximadas. Vamos a refinar este dibujo algunas veces solo para conseguir que sea un layout terminado. Pero va a hacerlo mucho más fácil si iniciamos todo el proceso así. Mantén tu boceto inicial muy simple. Aún no compliques demasiado las cosas. Sé que quiero tener mucha parafernalia vikinga en los tejados, en las puertas. Quiero escudos y cosas así, pero de ninguna manera voy a empezar a dibujarlos ahora. Este es un comienzo realmente simple y puedes llegar mucho más complejo paso a paso a medida que avanzas. 14. Cómo comprobar la perspectiva: En esta lección, quiero mostrarte cómo puedes revisar tu perspectiva sobre un dibujo rudo como este. Esta es mi forma preferida de trabajar. La razón detrás de esto es simple. Si tuviera que haber empezado con una cuadrícula de perspectiva muy estructurada e intentar dibujar la escena en la que estoy trabajando o que estoy visualizando mi mente encima de esa cuadrícula o de acuerdo con esa perspectiva, me estaría restringiendo mucho en términos de simplemente dejar pasar la composición y conseguir generar ideas para la pieza final. Quiero poder acercarme a este trasfondo desde un enfoque más natural, instintivo o intuitivo en lugar de intentar comenzar muy rígido y estricto sobre cosas como la perspectiva. Encuentro que cuando empiezas a dibujar perspectiva primero, realmente aprieta la composición y te impide ser un poco más imaginativo. Así es como lo haría yo. A mí me gusta comenzar intuitivamente y luego agregar estructura y perspectiva encima de eso. Lo que voy a hacer, voy a hacer una nueva capa encima de la capa rugosa. Ya sé que a lo que me refiero aquí es una perspectiva de dos puntos. Puedo ver que voy a tener dos puntos de fuga a cada lado de este dibujo y una línea de horizonte que está en algún lugar en el medio. Voy a elegir un color rojo para mis líneas de cuadrícula y empezar a dibujarlas. Ahora lo importante a tener en cuenta sobre la perspectiva de dos puntos es que casi siempre preferible tener tus puntos de fuga fuera de tu Canvas o de tu marco. Si ambos puntos de fuga están dentro del marco o dentro del dibujo, realmente tiende a deformar el dibujo porque está demasiado apretado. Lo que estoy haciendo aquí es que voy a golpear C en mi teclado. Eso trae a colación la herramienta de cultivo. Voy a arrastrar el tamaño de este cultivo. Ahora tengo un dibujo de Lienzo mucho más largo en el medio, y tengo mucho espacio a cada lado para los puntos de fuga. A continuación, voy a seguir las líneas generales que se establecen en el dibujo como este edificio de aquí a la izquierda, seguir esas líneas que ya han sido trazadas. Ahora para dibujar una línea diagonal recta en Photoshop, debe tocar su punto de inicio, mantener pulsado la tecla Mayús en su teclado y tocar el punto final de su línea. Esto funciona mejor con un cepillo duro muy redondo uno de los pinceles predeterminados. Tiende a no funcionar realmente tan bien con un pincel de textura debido al efecto ahusado que tienes en los pinceles de textura, hace que la línea sea imperceptible a veces. Lo que a menudo hago es simplemente dibujar una línea horizontal recta muerta, que parece parecer mucho más fuerte. Entonces golpearé Comando o Control T y simplemente usaré la herramienta de transformación libre para rotar esa línea al ángulo exacto que quiero. Entonces puedo dibujar una línea recta horizontal por aquí. Esa es mi línea de horizonte. Ahora sólo voy a completar las diagonales hasta el segundo punto de fuga siguiendo desde esta casa principal, esta es como mi unidad básica para la perspectiva. Como pueden ver, estoy teniendo cuidado de emparejar las líneas diagonales con primero las líneas diagonales con el lado izquierdo del dibujo. Creo que elige una cosa en tu dibujo que sepas que va a ser esa unidad básica contra la que puedas medirte. Descubrirás que puedes cambiar fácilmente el resto del dibujo para que coincida en lugar de intentar que tu perspectiva se ajuste a todo a la vez. En otras palabras, estoy acercando mi perspectiva lo más posible al dibujo. Pero sé que por ejemplo estos edificios de la derecha, van a tener que ser ajustados en la siguiente fase. Pero eso es genial, está bien. De eso se trata este proceso. Lo que estoy haciendo aquí es simplemente mapear la cuadrícula encima del dibujo aproximado para que en la siguiente iteración o en el siguiente pase, pueda hacer una versión limpiada que vaya a estar coincidiendo con estas líneas. Una vez que hayas establecido tu cuadrícula simple, puedes volver a pulsar C en tu teclado y volver a recortar tu dibujo al tamaño original. 15. Desarrollo de un boceto duro: El siguiente paso en este proceso es desarrollar este concepto o esta idea aproximada un poco más lejos ahora que tenemos una cuadrícula de perspectiva más establecida. Lo que voy a hacer es bajar la opacidad tanto en mi capa de dibujo áspero como en la cuadrícula. Simplemente haz clic en la capa , baja la opacidad y luego asegúrate de hacer clic en este ícono de candado para bloquear la capa para que no termines dibujando en ella por error. Entonces voy a hacer una nueva capa por encima de ella. Pero quiero que esta capa esté por debajo la cuadrícula y voy a bloquear esa capa de cuadrícula también. Ahora puede empezar a ponerse un poco más interesante. Básicamente voy a volver a dibujar todo este dibujo. Aunque sigue siendo muy rudo y suelto. No obstante, ahora me voy a dar un poco de margen de maniobra para empezar a agregar detalles y afinar algunas de las cosas que quiero desarrollar. Sólo para señalar, esta no va a ser la parte final. Todavía voy a tener que repasar este dibujo quizá por tercera vez otra vez. Pero en esta parte, realmente quiero desarrollar el boceto en algo un poco más concreto. Porque tengo algo en lo que trabajar, en realidad es un proceso muy fácil. Solo estoy rastreando este dibujo realmente rudo. Además porque tengo las líneas de perspectiva, sé que puedo seguirlas y puedo estar seguro que el dibujo va a empezar a estructurarse más. En esta etapa, sigo dibujando de la memoria. Aún no estoy haciendo ninguna referencia exacta per se. Sólo quiero reiterar lo que vengo diciendo mucho, es decir que este sigue siendo un enfoque intuitivo y de forma libre para dibujar. Me parece que eso es mucho más divertido, una forma mucho más interesante de crear fondos en lugar de salir de la puerta teniendo que ser precisos y detallados. De esta manera puedes ser mucho más imaginativo. Ahora puedes ver si apago la capa rugosa, cuanto mejor ya esta empezando a verse esta. Aquí tengo las tres casas. Están mucho más definidos, mucho más claramente expresados, y están empezando a parecerse a casas reales. Voy a seguir adelante con el barco de fondo. Pero ya lo he decidido, no estoy muy seguro de estos elementos. Puede que no lo pinte en la iteración final, pero voy a dibujar esto de alguna manera. Podría ser una opción para más adelante si decido que es necesario tenerla. Voy a dejarlo adentro si quieres agregarlo. Si vas a usar este dibujo lineal, digamos para tu fondo final entonces veamos qué se te ocurre. Ahora bien, en el lado derecho, recuerden, este es el lado que no tiene la perspectiva correcta pasando en el dibujo áspero. Eso está totalmente bien. Lo que voy a hacer es trabajar con lo que hay aquí y adaptar esto a las líneas de la cuadrícula para que sea más correcto, digamos. Ahora, para el área de primer plano, quiero que el suelo se eleve en el plano de primer plano aquí. Quiero enmarcar la escena. Voy a poner en el costado un grande, estoy pensando como un poste o una estructura de algún tipo, una de esas cosas de aspecto monolítico. No estoy seguro de qué va a ser esto en realidad todavía, pero necesito algo que vaya a equilibrar el resto de la composición, algo muy alto e imponente por aquí. También me voy a meter en algunos postes de barda. Nuevamente, estos van a funcionar muy bien como líneas de liderazgo dentro de la composición. Van a estar apuntando hacia adentro hacia el centro. Todavía no tengo que ser muy específico sobre ellos. Sólo hay que poner algunas formas. Por este lado, sí quería ser específico. Quiero tener una calavera en un poste. Nuevamente, esta noción de una estructura muy alta para dar ese sentido de escala. Voy a dibujar primero el poste recto arriba y abajo y luego transformarlo con la herramienta de transformación y moverlo a su lugar. Entonces aquí arriba, por ahora, sólo voy a dibujar una forma vaga para una calavera, una calavera de animales con cuernos largos. Eso se ve bien. Entonces en la base, pongamos un escudo, tal vez algunas armas rotas, una espada o algo así, algunas flechas, algo así. Bueno, esto se ve muy bien ahora. Siento que casi estamos en esa última etapa para nuestro dibujo de maquetación. Estoy muy contento con esto. Estoy contenta como resultó. Te puedo decir ahora mismo que todo el arduo trabajo que está hecho. El arduo trabajo está realmente siempre en cómo redactas tu toma y cómo te metes en la página, lo que tienes en mente. Después de eso, solo es cuestión de rellenar las cosas y ser paciente y comprometido con un proceso bastante largo y laborioso a veces. Pero esta etapa inicial temprana es la etapa más importante. Si has llegado hasta aquí con tu propio dibujo, bien hecho, es una buena parte del trabajo terminado. A pesar de que esto sigue siendo áspero, nuestra base para el fondo está aquí en este boceto inicial. Todo lo que realmente necesito hacer es hacer un pase más en este dibujo e ir a él con una línea más limpia. Eso es lo que voy a explicar cómo hacer en el siguiente video. Cuando estés listo, únete a mí en la siguiente lección y desarrollaremos esto hacia un dibujo de maquetación terminado. 16. Estructura de dibujo Parte 1: En esta lección, quiero repasar algo que para mí ha sido un tema un poco destacado con muchos artistas de fondo principiantes, muchos pintores digitales principiantes, y así es como abordan o dibujan una estructura en su trabajo. Este es un muy buen lugar en el proceso para explicar cómo pensar sobre la estructura del dibujo. Porque realmente es lo único estándar que va a hacer que tu dibujo parezca exitoso o no se vea exitoso y te explicaré exactamente a qué me refiero en esta lección. Lo primero que quiero hacer, sin embargo, es simplemente ordenar un poco mis capas. Tengo cosas en diferentes capas, lo cual está bien porque en realidad me da el margen de maniobra o la libertad de tal vez mover las cosas si es necesario. Tengo mi dibujo de primer plano en una capa diferente. Entonces creo que esto está empezando a verse bien. Lo que puedo hacer ahora es agrupar todas estas capas juntas. Selecciónalos todos manteniendo presionada la tecla Mayús y luego Comando o Control G para ponerlos en un grupo. Entonces lo que puedes hacer es simplemente hacer doble clic en el nombre de dash y escribir. Vamos a escribir el dibujo en bruto. También se puede bajar la opacidad de todo el grupo , lo cual es útil. Ahora bien, lo que quiero señalar es que si salto a mi referencia o a mi mood board, quiero platicar un poco sobre cómo buscar realmente la estructura en tu obra que va a dar esa impresión de realismo. Cuando estás dibujando algo tan simple como el techo de un edificio, por ejemplo, lo que hacen muchos principiantes es simplemente dibujar la forma exterior. Quiero animarte a que empieces a pensar en las cosas que están en 3D. Si miras esta imagen de aquí, está este plano exterior, pero también hay un lado inferior e incluso hay un área debajo de esa con estos pilares y postes allá atrás. En lugar de simplemente dibujar un marco A sencillo, empieza a pensar en los bordes de las cosas y la estructura 3D y si puedes dibujar eso, entonces tu dibujo va a tener mucha más solidez. Va a parecer mucho más real y mucho más creíble. Si volvemos a mi dibujo, verás que no tengo eso en este dibujo, de verdad. Acabo de indicar una forma triangular para el techo, pero ahora quiero entrar y definir realmente la forma de ese techo triangular. Si empiezo aquí en la parte superior, digamos con la parte superior del techo aquí, voy a asegurarme de que estoy dibujando esto con un sentido de estructura. Podría haber aquí este avión que podamos ver. Pero también hay un aspecto 3D a esto que voy a indicar. Eso realmente le va a dar la estructura sólida que busco en mi línea de trabajo. Cuando estaba empezando como principiante en cuanto me di cuenta de este factor en mi dibujo, todo simplemente mejoró mucho. Esto creo que junto con esa cosa estaba hablando de tener un trabajo de línea seguro esas son las dos cosas que si esas son las dos cosas que si eres principiante y quieres mejorar como artista o mejorar como ilustrador enfocarte en conseguir un trabajo de línea segura y fuerte y enfocarte en dibujar tus objetos 3D con la mayor claridad que realmente puedas dar expresión a la objeto como es en el espacio, como lo verías. Realmente espero que esto tenga sentido. Es difícil de explicar y ojalá estés viendo a lo que me refiero en este dibujo mientras lo trabajaba. Se ve que en realidad ni siquiera estoy siendo muy preciso en absoluto, pero sigo dibujando muy rudo y suelto. Pero estoy empezando a pensar realmente cómo se ven estas cosas en un sentido 3D. Incluso en este techo si pienso que en esta etapa va a ser un techo de paja, todavía voy a intentar indicarle el hecho de que tiene una calidad 3D específica para ello. Entonces aquí abajo, voy a indicar el fondo de todo el techo para que se sienta muy sólido. Se siente como un grueso techo de paja. En esta etapa, voy a seguir adelante otra vez. Aquí quiero estas piezas de madera que van a estar enmarcando mi puerta o enmarcando el frente de la casa. Quiero asegurarme de que estos parezcan sólidos, que parezcan que tienen dimensión y no son solo dos líneas planas. En otras palabras, si lo dibujo aquí así, puede ver que es sólo una forma de destello. Mientras que si dibujo el lado de ella así y le doy un poco de perspectiva de inmediato, es algo que tiene esa dimensión de la que estoy hablando. Puedes ponerle textura si quieres pero creo que esto es mucho más importante, es simplemente dibujar un poco de estructura en tu trabajo. Hace falta tiempo y puede parecer un poco laborioso y voy a rehacer este dibujo una vez más después de esto. Si necesitas tener un poco de paciencia con el proceso. Pero creo que si estás en este curso conmigo, entonces te encanta el arte de fondo, te encanta dibujar, y vas a disfrutar haciendo esto de todos modos. También quería simplemente hacer el punto que tenga cuidado con su peso de línea. Como pueden ver aquí, acabo de dibujar en estos pilares mi casa y la línea es muy pesada y eso no me gusta. Creo que deberías tener un poco cuidado con tu peso línea porque si tu línea es pesada y gruesa así, realmente va a restarle valor al dibujo general y realmente no quieres tener líneas muy gruesas en tu diseño, especialmente si hay un área con mucho detalle. La forma en que mantengo mi línea de trabajo ligero es que no estoy realmente poniendo una gran cantidad de presión en mi tableta con mi lápiz óptico. En realidad puedes variar la presión de tu pluma y eso varía mucho el peso de la línea. Estoy tratando de mantenerlo bastante ligero y no presionar demasiado en mi tableta Wacom. Voy a apagar la capa rugosa y se puede ver como esta casa se ha unido tanto como está casi completamente terminada, diría yo. Eso es solo una pasada después del dibujo muy rudo. Voy a seguir dibujando la estructura. Voy a seguir enfocándome en asegurarme de que tengo tridimensionalidad en mi dibujo. Voy a moverme metódicamente paso a paso por todo el resto del dibujo. Te veré en el siguiente video. 17. Estructura de dibujo Parte 2: Bienvenido de nuevo. En esta lección, voy a continuar mi versión limpiada de mi diseño o al menos tal vez creo que esta podría ser la última parte. Parece que viene bien. Como pueden ver, ahora estoy trabajando en el frente de esta casa. Yo sólo quiero rematar los escalones. Nuevamente, hablando esa tridimensionalidad de la que estábamos hablando en la lección anterior. Estoy asegurándome de que estos tablones tengan estructura y sientan que no son solo líneas en la página, realidad se sienten muy 3D y sólidos. Estoy empezando a ponerlo en pequeños detalles ahora de esto para asegurarme de que se lee correctamente. Eso es un soporte debajo de las tablas. Postes debajo de la escalera soportan la plataforma frente a la puerta. Por debajo de aquí en el nivel del suelo está bajando. Esto va a ser todo nieve de todos modos, así que no necesito conseguir muchos detalles ahí, pero ahora quiero dibujar los pasos. La forma en que abordo los pasos de dibujo, lo cual puede ser complicado, especialmente en algo así como una perspectiva de dos puntos, siempre tiendo a pensar primero en la llanura superior del paso. Lo que voy a hacer es dibujar el rectángulo para la parte superior del escalón y luego dibujar los lados del mismo hacia abajo así. Ahora, sólo voy a dibujar unos cuantos puestos en la parte de atrás allá que van a estar apoyando estos pasos. Entonces dibujaré mi segundo. Se puede ver si apago el dibujo en bruto, se ve bien. Probablemente no sea, desde una perspectiva de ingeniería, el más estable de pasos [Risas], pero creo que para este dibujo, eso funciona muy bien. Al menos, como dije, parece que es una estructura sólida. Ahora bien, en esta segunda casa allá atrás, tengo en mente una forma bastante compleja para los dos postes que están apoyando el techo. Quiero que tengan la forma de un perro tallado o lobo o sabueso de algún tipo. Si lo dibujo en un lado regular a la vista, solo para mostrarte a lo que me refiero, va a quedar un poco así. Dibujarla aproximadamente así me está ayudando a visualizar la forma de la misma. Esta va a ser la cabeza del lobo y las mandíbulas se abrirán así. La idea es que se trata una turridad de madera muy tosco labrada, o no sé cómo la llamarías, una cosa tipo gárgola, pero aún así quiero que se lea con claridad. Va a verse así, pero va a estar inclinado hacia arriba y [Risas] va a ser en perspectiva de dos puntos, lo que suena muy difícil de hacer, pero creo que va a ser fácil. Eso funciona. Se va a leer como una cabeza de lobo que ha sido tallada en una tabla de madera. Ponlo de esa manera. [Risas] Estoy tratando de pensar en términos de bloques que se construyen uno encima del otro. Si puedes visualizar eso, va un largo camino para ayudarte a dibujarlo. Entonces voy a volar por el resto de la casa. No tienes que verme hacerlo paso a paso, no lo creo. Entonces este va a ser mi techo de paja bajando. Este techo va hasta el suelo. Solo para variar la forma de las casas, un buen consejo es tratar de tener contraste y varianza en tus diseños para que no sea lo mismo. Cada casa es ligeramente diferente. Eso va a hacer que tu dibujo o hacer que tu maquetación o tu fondo se vean muy interesantes y visualmente agradables. Aquí están los pasos. Nuevamente, estoy cambiando los escalones para éste. No quiero que sea exactamente lo mismo que la casa anterior, pero me estoy acercando a ella exactamente de la misma manera. Dibuja cada uno de los pasos dibujando primero el plano superior y luego dándole esa estructura para los lados. 18. Dibujo formas orgánicas: Avanzando. En este trasfondo, es más de lo mismo. Como dije, es todo un proceso pasar por un dibujo como este. Pero solo estás rastreando las cosas y agregando esos detalles más pequeños a medida que avanzas. Puede ser un proceso divertido. Simplemente puedes ordenar la música y escuchar música mientras trabajas y simplemente tomarte tu tiempo. Lo que diría a lo largo este proceso es que no lo apresures. Si sientes que lo estás apurando puedes empezar a cometer errores o puedes empezar a saltarte cosas y también tomar algunos descansos. Es decir, puedes cansarte muy rápido haciendo un trabajo así. Ciertamente me cansé mucho al final de este proceso y pude ver que para cuando llegué a la última casa o a la última parte del dibujo estaba empezando a dejar las cosas fuera y empezando a tomar atajos en el proceso. Toma descansos tantas veces como puedas. Este dibujo de maquetación no debería llevarte días y días. Simplemente le dará el tiempo que necesita. Depende de tu propia velocidad por supuesto. Pero asegúrate de tomar descansos y que puedas moverte paso a paso por él. En esta etapa se está uniendo. Siento que al menos, definitivamente la composición está terminada o la composición está completamente resuelta, está completamente funcionando. Estoy muy contenta por eso. Creo que los detalles están empezando a funcionar muy, muy bien. Estaba un poco preocupado de que este dibujo pudiera ser demasiado detallado y difícil entender como en términos de escala. Pero pienso, no, creo que está empezando a ser cohesivo. Solo quería mencionar a la hora de, después de todo este detallado dibujo estructural y digamos de estilo arquitectónico, a la hora de dibujar algo así como formas orgánicas puedes ser mucho más libre y mucho más estilizado si quieres, sobre todo sobre un fondo como este. Por ejemplo árboles en el fondo. Literalmente solo estoy dibujando en estas formas triangulares. Eso es todo lo que necesitas hacer para indicar como un bosque entero. Lo mismo con la montaña, no voy a hacer nada detallado. Simplemente estoy dibujando literalmente en estas formas así. Si esto fuera cualquier otro tipo de fondo con un bosque que fuera ligeramente diferente, solo me aseguraría de que los árboles permanecieran lo más sueltos y orgánicos posible porque va a contrastar muy bien y funcionar muy bien con todas las estructuras que están en su lugar en el medio al primer plano. De nuevo, eso vuelve a este principio de tener contraste en tus fondos o en tus diseños. Si el foco de tu pintura es una especie de estructuras hechas por el hombre, entonces trata de equilibrar eso con algunas formas orgánicas de forma muy libre. Ese es el final de eso. Creo que estamos casi al final de este proceso. Todo lo que voy a hacer a continuación es trabajar en primer plano. Voy a platicar en el siguiente video sobre la importancia entre separar los planos de tu fondo en un primer plano, medio suelo, y el fondo. Cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente lección. 19. Dibuja el GF, MG. BG: En esta lección, voy a trabajar en los elementos de primer plano de esta pintura. Quiero explicarte cómo debes tratar de mantener muy claros tres planos distintos en tu fondo. Esos diferentes planos o secciones de tu pintura son el primer plano, el medio suelo y luego el fondo delantero. Si vuelvo a mi dibujo en bruto, se puede ver que empecé en la fase aproximada ya haciendo los elementos de primer plano en una capa separada. Ahora voy a dedicar algún tiempo a trabajar sobre estos. Mientras hago eso, sólo voy a explicar por qué pones elementos de primer plano como este en una capa separada. La razón principal es que en la animación, es probable que quieras tener estas estructuras o estos elementos para estar por encima de los personajes. decir, si un personaje está en esta escena, posible que tenga caminar en la pantalla de izquierda a derecha, y no quieres que estén caminando sobre tus elementos de primer plano. Mantienes todos estos elementos de primer plano en una nueva capa o en una capa separada, que cuando vaya a la fase de edición o a la fase de composición, el editor podría entonces tomar esa capa y colocarla encima la animación y aún así tener la animación misma por encima la capa de fondo, si eso tiene sentido. Por eso es realmente bueno poner siempre tus elementos de primer plano en su propia capa distinta o incluso en su propio grupo. Verás para cuando lleguemos a la fase de pintura, vamos a tener capas sobre capas pero al menos se agrupará, y al final del día, puedes simplemente flak en ese grupo en una sola capa. Otra cosa que a menudo se hace en animación es que si se trata de una toma de establecimiento, es muy común tener lo que se llama un movimiento de cámara en una toma como esta. Podría haber un zoom muy pequeño en la escena o un shock en. La forma en que eso se hace en la animación es hacer que estos elementos de primer plano se acerquen a una velocidad diferente al fondo. Da el efecto de que la cámara se está moviendo hacia la escena. Nuevamente, eso solo se puede lograr si sus elementos de primer plano están en una capa separada. Entonces detrás del primer plano va a estar lo que se llama tu medio suelo, y ese es el plano de tierra, esas son las casas. Ahí es donde se va a llevar a cabo la acción principal de la animación. Detrás de eso hay una sección de su pintura que llamaremos el fondo. Eso es básicamente sólo el cielo. En este caso la cordillera posiblemente. Creo que el bosque y esto probablemente estarían incluidos en el suelo medio, así que en ese caso, solo sería el cielo de fondo. Nuevamente, eso puede ser manipulado en post o manipulado en la fase de composición, si es separado y distinto del resto de las capas en el fondo general. Nuevamente, todo esto va a quedar claro como barro para cuando lleguemos a la fase de pintura real y cuando empecemos a crear capas, entonces todo tendrá sentido. Pero ahora mismo, incluso en la fase de dibujo, quería asegurarme de que pueda comenzar a comprender todos sus antecedentes en términos de estos tres planos distintos, su primer plano, su medio suelo y su fondo. Estoy terminando aquí. No estoy 100% seguro de cuál es este tipo de estructura de tótem de aquí a la derecha. Es un poco como uno de esos elementos vagos que a veces pongo cuando tengo una idea de lo que debería ser esto, pero no estoy 100% seguro. En esta etapa, voy a seguir adelante con esto. Sé que necesito tener un elemento grande y alto a la derecha aquí para equilibrar la escala y enmarcar realmente toda esta escena. Puede o no tener todos estos detalles para cuando lleguemos a pintar, pero creo que eso queda bien por ahora. 20. Cómo iniciar el proceso de pintura: En esta lección, vamos a pasar a pintar y agregar color. Lo que voy a hacer es que creo que puedo deshacerme de este dibujo rudo. Yo sólo voy a eliminar ese grupo por completo. Este es mi dibujo final. Voy a bajar la opacidad sobre esa capa y voy a bloquearla. Entonces voy a crear una nueva capa por encima de esta, porque lo primero que quiero hacer es elegir algunos colores. Si has estado en mis otros cursos de pintura de fondo, entonces sabrás que me gusta enfocarme en una paleta limitada. Lo que tengo aquí son solo unos colores que creo que van a funcionar para la imagen que tengo en mente. Voy a mantenerlos en una capa separada y utilizarlos como mi punto de partida. Ahora estos colores pueden cambiar a medida que me muevo. Pero una de las razones por las que es tan importante limitarse a [RISA] una pequeña cantidad de colores al principio es porque A, le quita el abrumador. Te quita esa sensación de por dónde empiezas. B, te ayuda a relacionar tus elecciones de color con un esquema existente, lo que significará que tendrás un aspecto más cohesivo en general. En otras palabras, no estás eligiendo colores al azar. Simplemente es muy útil. También es una forma muy eficiente de moverse a través de lo que puede ser un proceso bastante largo y laborioso. Lo primero que quiero hacer es bajar un color cielo. Voy a agarrar mi herramienta Carpa para fiesta, asegurándome de que sea la marquesina cuadrada o rectangular y simplemente haga clic en un área. Lo siguiente que voy a hacer es que quiero crear algunas formas para el área de primer plano. Eso lo voy a hacer con la herramienta Pluma. Puedes presionar “P” en tu teclado, hacer clic y arrastrar tus puntos. Como pueden ver, cuando hago eso, tengo esta línea negra muy grande sube aquí a donde dice, Fill, cámbialo al color que quiero. Donde dice Stroke, asegúrate de que esté apagado así. Eso asegurará que solo tengo el color rellenado aquí y no ningún contorno. Voy a hacer tres grandes formas redondas en la frontera. Podría variar ligeramente el tono con un matiz para asegurar que se vean distintos y separados. El tercero ahí. De nuevo, haz doble clic en el icono y simplemente cambia el color si quieres. Cambia cualquier color de tu forma vectorial. Por encima de mi capa del cielo, ahora voy a usar mi herramienta Lazo Polígono, y apenas voy a empezar a trazar este plano de tierra. Ahí está lo que parecen rocas al fondo. El resto sólo viene aquí así. Tengo una nueva capa por encima de mi capa del cielo, y simplemente la llenaré con ese color. Tengo mi cielo, mi plano de tierra y mis tres formas en primer plano. Para la siguiente sección o la siguiente fase de este cuadro, quiero bloquear en colores planos. Es muy importante bajar tus bloques de colores tus bloques de colores antes de empezar a agregar texturas, porque esa es la base de tu pintura. Va a ser cuestión de simplemente ir a trazar diligentemente cada una de las formas principales en el fondo. Esas van a ser las casas de la izquierda, las casas de la derecha, los elementos de primer plano, el bosque y las montañas. Vamos a tomarlo paso a paso. Lo que tiendo a hacer es usar la herramienta Lazo, pero si quieres, también puedes usar la herramienta Pluma. Entonces apenas empieza a tallar la silueta general. No voy a entrar en detalles o no estoy tratando de dibujar nada más aquí. Solo estoy tallando una silueta básica de la casa porque quiero llenarla de un color plano. Ahora voy a elegir un color marrón oscuro y llenarlo. Ahora para el elemento superior de esta casa, porque hay grandes curvas en ella, quiero usar la herramienta Pluma. Es mucho más fácil hacer formas curvas con la herramienta Pluma además de usar la pluma, automáticamente llena los colores por ti. Depende de usted si desea continuar trabajando con la herramienta Pluma durante todo el proceso. Tiendo a usar tanto la Pluma como la herramienta Lazo. Pero para formas como esta, para formas curvas donde quieras que sea bastante precisa, entonces definitivamente usa la herramienta Pluma. Eso se ve bien. Si quisieras entrar y cambiarlo, puedes modificar estos puntos vectoriales. Simplemente mantenga pulsada la opción o la tecla Alt en su teclado. Selecciona el punto vectorial y muévelo si es necesario. Voy a hacer clic derecho sobre eso y luego bajar a donde dice rasterizar capa. Ahora eso es rasterizar y luego lo fusionaré a mi capa de casa. Eso es ahora todo en una capa. Voy a hacer doble clic en el nombre de la capa y llamar a esta casa izquierda 1. Entonces voy a pasar al siguiente. Lo que puedes hacer es crear algunas formas y luego fusionarlas. Creo que eso es más fácil en esta casa, sobre todo con estas formas complejas. Creo que es más fácil hacerlas una a la vez. Voy a simplemente rastrear esta cabeza de lobo tallada [RISA] con la herramienta Pluma y luego puedo fusionarla de nuevo hacia abajo cuando sea necesario. Como mencioné, este proceso puede llevar mucho tiempo y un poco laborioso [RISA], y tal vez incluso un poco tedioso. Pero creo que es muy necesario pasar por esto. No sé si hay tantos atajos o si incluso necesitas apresurar este proceso. Todo es parte de la pintura al final del día. Todo este trabajo va a crear un fondo de aspecto muy rico. Solo sigue adelante y tómalo paso a paso como sigo diciendo, tómate muchos descansos. Asegúrate de no cansarte de esto demasiado rápido o con demasiada facilidad. No hay mucho que señalar en términos de técnica o consejos en esta etapa. Todo lo que estoy haciendo es asegurarme de que mis colores permanezcan en un registro cohesivo y que estén ligeramente diferenciados entre cada una de las estructuras porque no quiero que cada una de estas casas sea exactamente la misma. Eso es lo único que estoy haciendo es realmente variar los colores muy ligeramente. Estoy haciendo mucho uso de la herramienta Pluma porque es útil que el color ya esté establecido mientras estás creando la forma. Sólo estoy siguiendo el subdibujo lo más cerca posible y rastreándolo. Si puedes superar todo eso, entonces eso es genial. Tengo todas las casas hechas. Ahora que todos están en sus propias capas, y sus propias formas distintas, incluso puedo moverlas si es necesario y cambiar la composición. 21. Colores planos para formas complejas: En esta lección, voy a finalizar los colores planos para la composición. Quiero moverme por los elementos de primer plano, así como las montañas en el fondo. Nuevamente, continuar el proceso y usar la herramienta pluma tanto como sea posible y luego rasterizar o convertir esa capa de una forma vectorial en una capa de pintura normal. La razón por la que hago eso es sólo para asegurar que pueda pintar sobre esa capa más adelante. En realidad no se puede pintar directamente sobre una capa vectorial así que siempre me gusta hacer clic derecho y convertirla en una capa rasterizada. En primer plano aquí, a la hora de crear la forma para este escudo, quiero mostrarte cómo me acercaría a él y es agarrar la Herramienta Marquesina Elíptica, que es la segunda hacia abajo, mantén presionada la tecla Mayús en tu teclado y eso te permite crear un círculo perfecto. Después en una nueva capa, voy a rellenar eso con un color, golpear Comando o Control T para sesgarlo. Déjame moverlo a su lugar y luego puedo manipular los bordes. Estoy manteniendo pulsada Opción o Alt en tu teclado, ahora quiero duplicar realmente la capa. Si haces clic en la capa donde está esa forma y presionas Comando o Control más J en tu teclado eso duplicará la capa. Ahora tengo dos de las mismas formas exactas, si haces clic en el pequeño icono de miniatura de la capa, seleccionará esa forma entera y pinchará ahí así, tal vez un poco más oscura. Mi capa superior es este color gris pero si hago clic en la capa inferior, voy a sacar esa capa y se puede ver que es como una manera muy rápida y fácil hacer alrededor de la forma 3D. Con mi herramienta lazo, voy a entrar y me gusta dibujar esto de nuevo pero solo usando la herramienta Lazo. Voy a dibujarlo y luego voy a darle a Retroceso, que borra ese color y eso es de la capa superior. Entonces voy a ir a la capa inferior y tallar como otro ***** u otro trozo que falta y luego con la herramienta Lazo, voy a empezar a sacar el cráneo. Ahora la forma en que puedes trabajar con la herramienta Lazo es mientras estás en el lazo poligonal, si mantienes presionada Opción o Alt en tu teclado, puedes alternar entre eso y el lazo regular, lo que significa que puedes hacer líneas rectas así como líneas curvas y es un flujo de trabajo muy útil. Estoy haciendo eso para simplemente trazar la forma y luego solo voy a rellenar eso con un color y luego para los cuernos, voy a cambiar a la herramienta pluma y asegurarme de que consiga esas curvas. Estos pequeños artículos, de nuevo, van a usar la herramienta Lazo y rastrearlos y no necesito hacer nada demasiado complicado que pueda estar bastante estilizado. Pasando al lado derecho, inicialmente había pensado que estas iban a ser una barda pero creo que las voy a dejar como solo estacas genéricas en el suelo, como estacas de madera o algo así como tablero y llenarlas todas del mismo color. Ahora lo que voy a hacer es tratar de ordenar mis capas antes de ir más lejos. Voy a agrupar esa capa y voy a nombrar a esta OL derecha y se puede ver he nombrado el lado izquierdo, OL izquierdo. OL significa, es un término de animación, significa superposición y es el término que se usa para elementos que esencialmente van a superponerse sobre la animación. Recuerda como mencioné en el video anterior, cuando mantengas tu primer plano distinto de tu terreno medio y tu fondo, eso va a ayudar a los animadores o dar la libertad para que los animadores tengan personajes caminando detrás de estos elementos de primer plano. Lo que también estoy haciendo aquí es que una vez que tenga todo agrupado, hecho voy a separarlos en estas tres secciones distintas. Esta es una práctica muy buena y muy común también, voy a hacer un grupo grande para el primer plano, el midground, y el fondo y luego dentro de cada una de esas carpetas o subcarpetas que contienen capas. 22. Comprobar las texturas de la nieve: Lo creas o no, hemos terminado nuestros colores planos. Hemos llegado al final de esa parte del proceso, y voy a admitir que eso lleva un poco de tiempo, y un poco de paciencia para superarlo. Pero ya está hecho, y la siguiente fase del proyecto puede llegar a ser mucho más emocionante, e interesante cuando empezamos a agregar texturas y detalles. Quería mostrarte cómo ajustar los valores de tu composición en esta etapa temprana. Pero antes de hacer eso, he decidido agregar algo de nieve en el suelo, porque creo que solo quiero comenzar a probar cómo va a quedar esto con algunos pinceles de textura. Seguro que probablemente estés un poco cansado de la fase de color plano. Pensé que solo vamos a sumergirnos y agregar algo de nieve en el suelo y jugar con algunas texturas solo para hacerlo casi como una prueba de ejecución, y ver cómo nos lleva con eso. En una nueva capa, voy a sumergirme en algunos de estos pinceles de textura. Esta es realmente una oportunidad para experimentar, no hay una regla dura y rápida sobre qué pincel usar para qué textura quieres crear. Realmente depende de ti, así que juega con estos pinceles, y empieza a experimentar, y ponte cómodo. Intenta entender lo que cada uno de los pinceles de textura puede ofrecer. Literalmente solo estoy pintando con tal vez uno o dos de estos pinceles de textura, solo para obtener esta sensación de nieve. Creo que está funcionando. En primer plano, lo que voy a hacer es asegurarme de crear capas por encima de las formas. De esa manera puedo cambiar el color subyacente de las formas o puedo cambiar el color o valor de la textura misma. Siempre es bueno tratar de mantener tu textura separada, a la forma subyacente. Eventualmente, te darás cuenta, un pincel que realmente te guste, y un cepillo que funcione para ti. Eso se ve bien. Creo que esto va a quedar muy bien, una vez que se agreguen todas las texturas, estoy muy contento de ver esto. En la siguiente lección, hablemos de valores, y de cómo asegurar que tu pintura se va a leer realmente fuerte y clara en términos de valores. Cuando estés listo, te veré en la siguiente lección. 23. Ajustar los valores y agregar cielo: Si tuviera que señalar o resaltar dos de las principales áreas donde veo a los principiantes luchando, sería en las áreas de valor y en las áreas de texturas. Puedes tener una composición muy bien compuesta, puedes tener muchos detalles y un sentido muy fuerte de la historia, pero si los valores están equivocados y no funcionan bien juntos, realmente puede dejar caer esa composición o defraudar esa pintura de fondo. La otra zona de texturas, voy a explicar un poco más cuando nos metamos en ella. Pero en esta lección, quería mostrarte cómo ajustar tus valores, cómo asegurarme de que tus valores se lean muy claramente. Valores se refiere al contraste dentro de tu pintura. Los elementos dentro del primer plano tienen mayor contraste y los elementos en el fondo tendrán menos contraste. A veces depende la configuración de iluminación específica que tengas, pero esa es una muy buena pauta. Aquí tienes una manera muy práctica, muy rápida de ajustar los valores en tu pintura. Si selecciona una capa y presiona Comando o Control U, aparece este cuadro de diálogo, este diálogo de saturación de tono. A partir de aquí, estos deslizadores son muy útiles. Si arrastra el deslizador de saturación por ejemplo, puede ajustar la saturación, puede arrastrar también la luminosidad o el brillo de la capa. Es una manera realmente rápida y fácil de ajustar los valores. Voy a hacer esto mucho más oscuro. Eso se ve mejor. Todos estos elementos en el frente deberían ser un poco más oscuros así que estoy arrastrando el deslizador hacia abajo sobre todos ellos solo para que sientan en el fondo y sean mucho más dramáticos. Es mucho más fácil cambiar el valor que cambiar el matiz en mi opinión, así que me aseguraría de que el color base, estés lo suficientemente contento con dash y luego solo trabajas con ligereza y saturación. El cielo necesita ser mucho más ligero. Pero lo que voy a hacer ahora es crear una nueva capa por encima de ella. Este es un pincel redondo grande y suave, uno de los pinceles predeterminados de Photoshop y solo voy a agregar en este tono muy claro a través del fondo del cielo. Eso es genial, eso te está dando esa sensación de gradiente en el cielo. Incluso tal vez pueda oscurecerlo a lo largo de la parte superior. Pero incluso ese ligero ajuste ha hecho una gran diferencia en la pintura en general. De inmediato se le da una sensación de profundidad. Quedarme con el cielo, creo que voy a agregar otra capa, darle un poco de resplandor porque quiero que el sol aquí y que esto sea como un cielo del amanecer con un hermoso amanecer brillando justo sobre el horizonte, así que voy a dar un toque de guión. Todo esto se hace con un cepillo redondo muy suave y muy ligeramente. No hay que ser demasiado pesado con este efecto. Simplemente puedes simplemente darle un toque muy sutil. De hecho, este es uno de esos casos en los que menos es más así que podría incluso dejarlo así y no hacerlo más. Me gusta cómo se ven las nubes. Sin embargo, una cosa que podría hacer como hice con el bosque, es estilizar un poco las nubes, agarrar la herramienta Lazo y simplemente dibujar una forma muy simple como esta. Luego con la herramienta de pincel, y solo vamos a cepillar en el borde mismo de mi selección. Si selecciono, se puede ver que eso le crea un bonito borde estilizado. Literalmente solo estoy cepillando el borde solo para darle esa definición en el cielo. Ya estamos listos para la fase final de esta pintura de fondo, que va a ser la fase de textura. Cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente lección y vamos a profundizar en cómo aplicar texturas reales y realistas a cosas como estas cabañas de madera y cosas como Dash. 24. Pintura de luz y sombra: En esta lección, lo que quiero hacer es cambiar la nieve en el suelo antes de ir más lejos. Eso fue un poco de un experimento para ver cómo van a funcionar mis texturas y estoy lo suficientemente feliz con eso pero no creo que la capa de nieve esté funcionando como capa de nieve. Voy a borrarlo. Quiero volver a dibujar una forma, una manera bastante estilizada, la misma manera que hice las nubes y la lección anterior. Comando o Control se desplazan a esa capa. Voy a crear una nueva capa por debajo y luego aquí puedo empezar a pintar mi nieve. Voy a crear sombras usando la herramienta lazo y simplemente tallando sombras debajo con un pincel redondo suave. Me aseguraré de que estoy pintando un bonito color suave debajo en esas selecciones. Entonces puedo hacer lo mismo de este lado. Una vez que tenga todo en una capa, ahora voy a cambiar a mi pincel de textura y me gustó ese cepillo de cerdas redondas. Voy a agarrar eso y solo pagar, romper los bordes aquí siempre tan ligeramente para que se vea un poco más pictórico y no así quiero asegurarme que esos bordes no sean realmente duros y definidos. Lo siguiente es ahora he decidido que voy a agregar nieve al techo de estas casas. Quiero volver a usar la herramienta pluma para hacer esto. Quiero seguir la forma de la casa o seguir la forma del techo debajo y asegurarme de darle esa sensación que es muy obvio o es un look muy icónico en una animación como digo Klaus si has visto esa película donde la nieve en el techo de estas verdaderas secciones de nieve muy estilizadas. Casi. Ahora que empieza a verse muy diferente, realmente me encanta la nieve y los techos. Creo que esta es una idea mucho mejor que tenerlos solo como techo de paja. Se ve muy bien. Como dije sobre la estructura en detalle. No quiero que la nieve sea simplemente plana como una sábana flash. Quiero que tenga dimensión. Lo que voy a hacer es rasterizar la capa y luego entrar con mi herramienta Lazo y seleccionar el borde de la misma. Este es el borde que quiero tener, nosotros, enfrentando un poco la luz y luego voy a golpear Comando o Control+M en mi teclado, y eso trae a colación el editor de curvas. Esta es una herramienta fabulosa para usar. Si quieres cambiar rápidamente el valor o cambiar el color, puedes usar el deslizador de saturación de tono. Esto es sólo otro. Simplemente empuja esta curva hacia arriba y verás en mi pintura que la selección va mucho más ligera. Déjame correr por el resto de los trozos de nieve y darles ese poquito de profundidad extra y dimensión extra y eso funciona increíble, eso tiene un efecto fantástico y es tan simple, tan rápido de hacer. 25. Finalizar el bosque: En esta lección, quería señalar la diferencia entre usar algo así como un pincel estampado para, digamos el bosque versus dibujar árboles individualmente. Voy a hacer una capa en la parte inferior aquí, y sólo voy a tirar hacia arriba el pincel relevante que quería mostrarles. Está en tus pinceles de paisaje y se llama Bosque de abetos e inmediatamente puedes ver que el pincel en sí es una imagen de un montón de árboles. Estarías tentado a sacar todo tu bosque de esto. Pero lo que quería señalar es que en su mayor parte, vamos por una imagen bastante estilizada y algo así como esta especie de pincel estampado donde realmente es una silueta de una imagen real de un árbol. Va a destacar enormemente si solo usas eso, porque lo que puedes hacer es usar algo como esto en conjunto con tu estilización y te recomendaría usar esto como fondo para dar la sensación de un bosque retrocediendo hacia esa montaña lejana y puedes crear eso con literalmente dos tipos de tu stylus. Has creado todo un bosque. También decidí que mi bosque necesita mucha más variación. Es un poco plano y soso y poco interesante. Voy a ir por un tercer tipo de árbol. Voy a sacarlo con mi herramienta de lazos así como esta. Seleccione esto. Déjame sacarlo al frente aquí. Se puede ver mucho mejor. Esto va a contrastar enormemente con los árboles existentes al tener que ser mucho más flacos con estas ramas distintas, realmente va a destacar en comparación con los otros árboles. Quiero agregar nieve a este árbol. Esencialmente, con la herramienta de lazos, voy a dibujar, lo que me imagino es, acumulación de nieve en cada una de estas ramas. Lo estoy haciendo en la misma capa que el propio árbol para no tener que usar una máscara de recorte. Simplemente se llenará hasta el borde del árbol del dibujo existente debajo. 26. Pintura de texturas Parte 1: Al mirar esta pieza ahora, sé que va a haber mucho trabajo que se necesitará para crear la textura de timbre en las casas. Te voy a mostrar mi método para hacer estas texturas, que es esencialmente pintar a mano cada una en lugar simplemente usar una textura de pincel sobre todo. Es un poco más detallado y requiere un poco más de tiempo, pero de esta manera tendrá un efecto mucho más rico. Lo que voy a hacer es, antes que nada, en mi pila de capas, quiero resaltar la capa en la que está mi color base para que sepa que no pinto sobre ella. Para ello, basta con hacer clic derecho y agregar un color a esa capa. Entonces voy a apuntar tanto como pueda para pintar mis texturas encima de esto. La razón por la que hago esto es en caso de que no funcione o en caso de que quiera cambiar mis texturas o incluso cambiar el color base más adelante. Estoy siguiendo el dibujo ya que creo que el dibujo es claro y probablemente va a ser una muy buena guía. Esencialmente, el proceso es el siguiente: haré una selección con la herramienta Lazo, agarraré un pincel de textura y luego pintaré con un tono ligeramente variado. Algo ligeramente diferente al color base, tal vez un poco más oscuro o un poco más claro. Ahora un par de puntos a tener en cuenta a lo largo de este proceso. Primero, se necesitará algo de experimentación para encontrar el pincel de textura adecuado. Personalmente, comencé probando algunos pinceles de textura diferentes y luego me instalé al final del proceso en solo dos pinceles específicos, la veta de la madera y la cerda redonda. El otro punto que quiero hacer a lo largo este proceso es que puedes seguir adelante y hacer tus selecciones para cada uno de estos tablones de madera a la vez, pero la textura podría no parecer que está en los tablones individuales si haces eso. Lo que quiero intentar y lograr es parezcan que son tablones separados, distintos de madera. Entonces, si encuentras que estás pintando tus texturas y simplemente se ve un poco monótona, intenta hacer los tablones uno por uno. A veces, también puedes cambiar el color. No siempre tienes que estar trabajando en marrones, por ejemplo, puedes agregar en un color resaltado o contrastante solo aquí y allá que realmente lo hará pop. Entonces el siguiente paso, una vez que haya hecho los tablones individuales, quiero agregar en tiras realmente delgadas de color oscuro. A este elemento se le llama, o el término técnico es una sombra de oclusión. Una sombra de oclusión es donde dos bordes de un objeto se entrelazan. Quiero poner eso , es muy importante tener ese elemento. Para eso, solo voy a usar la herramienta de cubo de pintura y aprovechar la selección. Genial. Ahora voy a usar exactamente el mismo método para agregar las vigas que atraviesan esta base de madera. Tengo aquí esta larga viga de soporte que quiero indicar que es redondeada. Añadiendo en esta textura, también estoy considerando la caída de luz a lo largo de la parte superior. Ya que sobresale del resto de la casa en la parte delantera quiero que capte la luz. Estoy agregando un color más claro a lo largo de la parte superior y un poco de un color más oscuro a lo largo de la parte inferior. En la parte superior de la casa estas vigas también necesitan tener ese mismo sentido de dimensión ya que están en la parte superior de la base. Voy a asegurarme de darle esa consideración, hacer que la sombra más oscura de estar a la izquierda para que parezcan robustos y pesados y que sobresalgan de la casa. Ese es el frente de la casa, más o menos hecho. Si me alejo el zoom, puedes ver de inmediato el efecto. Toma un poco de tiempo y un poco de paciencia pero realmente vale la pena, y puedes tener una estructura realista, o al menos creíble, partir de un proceso realmente simple de seleccionar con la herramienta Lazo y agregar textura con un pincel de textura. El último punto que sí quiero hacer en esta lección antes de pasar a la siguiente, es que cuando bajas a la base de la casa donde la estructura se encuentra con el suelo, y esto se puede aplicar a cualquier edificio que estés pintando, siempre piensa en cómo esas estructuras o edificios se encuentran con el suelo, cuáles son los bordes, o la transición. En otras palabras, no quiero tener solo la casa flotando sobre la nieve. Voy a pintar en algunas marcas para indicar esa transición áspera y pintar algo de nieve subiendo la base y eso va a quedar mucho mejor. En la siguiente lección, continuaré pintando estas texturas. Cuando estés listo, encuéntrame ahí. 27. Pintura de texturas Parte 2: Ya que todas las casas son del mismo material, es decir, todas son estructuras de madera de madera. Lo adivinaste, es exactamente el mismo proceso en todos los sentidos. Sólo quiero señalar de nuevo que por cierto no tienes que ser demasiado torpe con estas texturas. Por eso tengo una base de color plano debajo. Porque quieres que la textura sea un poco sutil y tenerla asentada encima del color base y que ese color base pase ligeramente. Las texturas realmente solo necesitan ser indicadas a la ligera. Demasiado de eso va a empezar a parecer discordioso. Por eso también es una buena idea tener solo dos o tres pinceles que uses y no tener un montón de texturas variables en el material de una superficie, en este caso, las casas de madera. Dicho esto sin embargo, lo largo de toda la pintura en su conjunto, sí se quiere tener cuidado, o ser consciente, debería decir, de agregar tipos de texturas variables o diferentes. No pintes exactamente la misma textura ni uses exactamente el mismo pincel en absolutamente todo. Es muy agradable tener un aspecto cohesivo y general. Pero trata de sobre cómo puedes tener áreas dentro de tu pintura que tengan diferentes texturas. Si usas el mismo pincel, por ejemplo, al menos cambia tus trazos de pincel a medida que te mueves del primer plano de vuelta al medio suelo, e incluso de vuelta al fondo muy lejano. Haga que sus marcas de pincel sean más pequeñas a medida que se aleja y haga que el tamaño del pincel más pequeño a medida que se mueve a través de la pintura. Esta pintura es grisácea porque la nieve realmente agrega ese contraste entre las estructuras de madera muy detalladas con muchas texturas pequeñas muy específicas, un contraste con la nieve blanca suave en el techo. Me gustó mucho esa variación. Lo mismo puede decirse de los árboles de fondo. Mantenerlos planos y estilizados realmente funciona para agregar ese contraste visual, y eso es algo que realmente quieres tener en cualquier pintura. Esto lo he visto mucho en el trabajo de los comienzos donde tienes una composición muy bonita, todo está funcionando muy bien, pero las pinceladas y las texturas son exactamente las mismas a lo largo de toda la pintura. Hace las cosas muy, muy planas. Con eso en mente, cuando empiece con la textura de paja, en realidad voy a cambiarla por completo, y ahora voy a dibujar en líneas simplemente muy simples con un pincel redondo duro y eso es todo. Podría ir a buscar un pincel de textura para paja, pero siento que este efecto destaca mucho mejor porque es muy simple. Contra la madera realmente funciona, y contra la nieve es agradable. Es realista y es muy rápido y fácil dibujar a mano estas pocas líneas para indicarlo. 28. Detalles de pintura para agregar riqueza: En esta lección, voy a agregar los escudos de casa a las casas y comenzar a agregar un poco más de detalle. Para hacer un escudo, voy a clic y arrastrar un círculo perfecto, convertirlo en un color oscuro, y luego usar la herramienta de transformación libre para sesgarlo y moverlo a su lugar. Entonces encima de eso, duplicaré la capa. Ahora tengo dos capas iguales. Voy a escalar este hacia abajo y quiero hacer este un color un poco más lusher, así que le da ese sentido de que tiene como una pieza metálica en la parte superior. Después fusionaré estas dos capas solo seleccionarlas, haga clic con el botón derecho y elija Fusionar capas. Para agregar los detalles, nuevamente, voy a optar por simplemente pintarlos a mano. No voy a entrar en exageración con los detalles de este escudo. Debido a que este escudo en realidad va a ser tan pequeño cuando alejas el zoom, realmente no verás ningún pequeño detalle en el que trabajes. Sólo voy a añadir rápidamente en estos pedacitos biselados aquí y allá para que se vea como escudo. Debajo del escudo, voy a añadir en una cruz, tal vez haya alguna armadura debajo o dos espadas cruzadas. Ahora el último detalle esta casa va a ser la calavera, y la sacaré con la herramienta Lazo. Después haré mi procedimiento habitual, agregaré un poco de color plano y usaré un pequeño pincel redondo para solo marcar en algunos detalles. Sólo para repetirme de nuevo, esto se va a ver desde muy lejos así que aquí no hay detalles masivos. Si pones en muchos detalles, realmente no van a leer muy bien. Ahora todos estos elementos que comienzas a agregar, encima de tu diseño o encima de tu pintura, puedes duplicarlos fácilmente y usarlos en todo momento, no tienes que dibujar todo desde cero, no tienes que rehacer todos y cada uno de los elementos individualmente. Pero solo quiero hacer dos comentarios al respecto, si estás duplicando elementos. El primero es asegurarse de mantener sus capas organizadas. Si duplicas, por ejemplo, el escudo de una casa para colocarlo sobre otra, entonces asegúrate de arrastrar esa capa de tu pila sobre la otra casa o ponerla en ese grupo. Va a hacer la vida mucho más fácil más adelante. Si mantienes todo organizado a medida que avanzas, en vez de tener un montón de capas y realmente no están agrupadas. Entonces el segundo punto a hacer es cuando haces duplicar algo, solo asegúrate de cambiar el elemento duplicado muy ligeramente. Añádele algo pequeño o elimine algo fuera de él, rotarlo o voltearlo. Solo asegúrate de hacer algún pequeño cambio para que no destaque por ser exactamente lo mismo. Si dos cosas son exactamente iguales en tu pintura, destacarán. Será bastante obvio. Simplemente haz cualquier pequeño cambio que te guste y eso funcionará perfectamente. 29. Pintura de los elementos de primer plano: Pintar los elementos de primer plano ahora es realmente la segunda última fase de todo este proceso. Una vez que he pintado estos elementos de primer plano, la última fase es solo cuestión de agregar toques finales. Esto realmente está empezando a unirse como fondo y se ve genial. Estoy emocionado de superar estos elementos de primer plano y terminar esta pintura. Ahora puedo empezar a ser un poco más detallado y un poco más variado aquí en primer plano porque estos elementos están tan cerca del espectador que realmente quieres sacar algunos de esos detalles. Por ejemplo, creo que quiero añadir un poco de color aquí. Nada discordante, pero realmente algo que va a dar un poco de contraste. Entonces tal vez agregando este tono rosado o rojizo en el escudo. Eso podría funcionar muy bien. Hay tanto azul, tantos colores fríos a lo largo toda la pintura que aquí en primer plano, este ligero toque podría funcionar muy bien. Estaré agregando un poco más de saturación al cielo en la fase de toques finales. Eso está en la siguiente lección, pero por ahora, solo quiero mantener los colores y tonalidades bastante sutiles. Para pequeños detalles como la espada, voy a usar de nuevo, un pequeño pincel redondo y simplemente muy básicamente añadiendo el mango y darle esa dimensión de la que estaba hablando de esa tridimensionalidad. Si quieres enfatizar la espada o puedes seguir adelante y poner muchos más detalles en. Para mí. En realidad quiero que la espada aquí solo sea más una silueta que cualquier otra cosa. Ahora el cráneo es una oportunidad para pintar un precioso toque de resaltado alrededor los bordes para que parezca que está captando la luz porque es tan alto y tan alto. Eso va a ser muy agradable. Parece que estaría captando la luz del sol mientras el sol sale sobre el horizonte. Voy a mantener la parte posterior del cráneo en un color muy oscuro porque eso va a estar en la sombra. encima del lado derecho, ahora estos postes también pueden tener un toque de luz en la parte superior. Sólo están captando un poco la luz. Nuevamente, estas son formas aleatorias siluetadas. Van a funcionar muy bien, como dije anteriormente, para crear líneas principales que apunten a la composición, al área focal en el medio, pero eso es todo lo que no tienen que ser demasiado detalladas. Es sólo para dar esa impresión de postes sobresaliendo de la nieve. En el pilar, me voy a imaginar que está frente a la luz de este lado y voy a añadir en un color más claro como ese. Esta va a ser una estructura de madera. Estoy usando exactamente las mismas técnicas y proceso que hice en las casas usando el mismo proceso de selección y pincel de textura. Lo único a tener en cuenta aquí es que estoy usando una máscara de recorte con la textura y eso es simplemente permitirme poder pintar fuera del borde y que no se muestre porque está recortada a la forma debajo. Ahora el último detalle es agregar una capa por encima de estos elementos y sobre esa capa, quiero que parezca que la nieve se está construyendo en la base. Nuevamente, esto es de lo que me refería con las casas. Quieres ser consciente de cómo están las cosas sentadas en el suelo y cómo puedes indicarlo al hacer rugosas los bordes alrededor de la base de estos elementos. Eso es. Creo que esto se ve increíble. No puedo creer que estemos aquí. Estamos casi al final de este proceso muy largo. Esto es muy emocionante de ver. Entremos en la última lección y terminemos esta pintura con los toques finales y le demos ese aspecto renderizado final. 30. El pase final: Como he estado diciendo todo el tiempo, usar texturas sutiles y variar tus marcas es mucho más efectivo que usar texturas de mano dura exagerada y usar el mismo trazo de pincel durante toda tu pintura. Quiero que pienses en eso para este último paso. Voy a seguir adelante ahora y solo añadir un toque de luz a lo largo de esta pintura. Pero quiero ser muy sutil al respecto. Voy a añadir un resplandor del amanecer en la parte de atrás. Pero tiene que ser un toque bastante ligero, nada pesado. Lo que voy a hacer es agregar una nueva capa, y luego con un pincel predeterminado muy simple, el pincel redondo grande y suave, voy a agregar el más mínimo toque de color. Literalmente eso es todo, quiero agregar más. Me encantaría ponerme un poco salvaje con este cielo del amanecer, pero no voy a hacer eso. Voy a refrenarlo y simplemente dejarlo así. Creo que ya es suficiente. A continuación, voy a seleccionar la forma de la montaña y quiero agregar algunas texturas aleatorias y también darle un poco más de ese color de brillo suave. Lo que esto está haciendo es que está dando esa perspectiva atmosférica tan importante. Lo que quiero decir con eso es que la idea o el concepto de que las cosas que están más lejos tienen más aire o más cielo entre ellas, entre usted y ellos y así tienen mucho menos contraste y mucha menos saturación. Mi último toque ahora va a ser solo un barrido de textura a través del término medio, así como así y creo que voy a dar un paso atrás por el momento y simplemente dejar este cuadro ahora. Creo que ya está. De hecho voy a dejar que sigas con esto si quieres. Me encantaría ver tu pintura final y me encantaría ver si agregas más elementos de aquí en adelante. O sea, podrías seguir adelante y agregar en el bote que hicimos en el dibujo de maquetación. Puedes meterlo y pintarlo, o incluso podrías agregar armas adicionales, tal vez algo así como un vagón o un carro. Hay muchas cosas que aún podrías agregar y me encantaría ahora entregártelo y ver qué se te ocurre, qué puedes pintar en base a todos los pasos y el proceso que hemos cubierto hasta ahora. Cuando esté listo, publique su trabajo terminado en la sección de proyectos o en la sección de preguntas y respuestas para que todos podamos inspirarnos en su visión. Realmente espero que hayas aprendido mucho en esta clase. Quiero agradecerles por realizar este viaje conmigo. Me siento honrado de ofrecerte mi perspectiva realmente sobre las cosas. Realmente espero sinceramente que esto te ayude en tu carrera artística y que un día pronto, puedas mostrar tu portafolio a un estudio de animación y ser contratado como artista de fondo. Eso va a ser increíble. Por favor, mantente en contacto conmigo, envíame un mensaje y hazme saber cómo te va y siempre sé que estoy aquí para responder cualquier duda que tengas. Gracias de nuevo por estar aquí y gracias por tu contribución a esta clase. Te cuidaré en la sección de proyectos y espero verte también en la siguiente clase.