Transcripciones
1. Introducción: ¿Siempre has querido crear ilustraciones de personajes
únicos y dar vida a
personajes de ficción? Hola, soy Gabriele Shell, y hoy
te enseñaré a pintar tu propia ilustración de
retrato de personaje. Desde que era niño, me encanta crear
diferentes personajes y darles vida. Tuve la suerte de hacer esta pasión mi carrera y
llevo trabajando como
ilustradora profesional desde 2014. Desde entonces, he
trabajado en una variedad de proyectos en videojuegos, creando
ilustraciones de personajes para juegos como Star Trek, y trabajo con muchos escritores en sus portadas de libros en
libros ilustraciones. Me
apasiona mucho crear bellas ilustraciones de fantasía con personajes expresivos. Me
inspira mucho leer
diferentes libros y
viajar a nuevos países. Desde 2020, estoy viviendo un
estilo de vida independiente de la ubicación, lo que me permite
inspirarme en mis viajes, que puedo aplicar a mi arte. En esta clase,
te guiaré a través del
proceso de creación de tu propia
ilustración de retrato de personaje de
principio a fin. Aprenderás algunos principios básicos de diseño de
personajes y cómo planificar
tu ilustración, que podrás aplicar a una variedad de diferentes técnicas de
ilustración. También aprenderás
dónde encontrar buenas fotos de referencia y cómo crear un tablero de referencia. Esto ayudará a que
el proceso de ilustración sea más organizado y fácil de hacer. Te guiaré a través de
mi proceso de ilustración, que dividí en pasos
fáciles de seguir, que luego podrás aplicar a tu propio personaje para
el proyecto de clase. Por último, te mostraré algunos
consejos y trucos sobre cómo agregar algunos toques finales a ilustración de
tu personaje y cómo hacer que la
imagen final destaque. Estoy súper emocionada de dar esta clase hoy
porque dar vida
a los personajes es muy divertido y estoy muy feliz de compartir
mis conocimientos contigo. No puedo esperar a ver
todas tus hermosas ilustraciones de
personajes
en el proyecto de clase. Cuando estés listo,
comencemos.
2. Orientación de la clase: [MÚSICA] Al pintar una ilustración de
personajes, muchas veces
hay cosas a considerar
al mismo tiempo. En esta clase, te
ayudaré a
desglosarlo en unos pasos
muy claros que te
ayudarán a aplicar a tu
propia pintura de personajes. Para el proyecto de clase, crearemos una ilustración de
retrato de personaje. Los retratos son muy divertidos
de pintar, y poder crear
tu propio personaje a partir de imaginación abre las puertas
a una variedad de usos. Pinturas de personajes
como estas
suelen ser utilizadas en videojuegos, en publicaciones, en revistas
o como portadas de libros. Pintar un retrato nos da una manera única de expresar
quién es ese personaje sin tener que crear
una ilustración de cuerpo completo o agregar
complejidad innecesaria. Al mismo tiempo,
ya que sólo tenemos hasta el pecho para
visualizar un personaje, hay que ser mucho más
precisos en qué elementos
incluimos en la pintura para
expresar quién es ese personaje. Para el proyecto de clase, te animo a elegir
un personaje ficticio para ilustrar como un famoso
personaje de cuento de hadas a partir de historias antiguas. Probablemente todos
estén familiarizados con personajes
específicos de cuentos de
hadas, ya que han sido representados
innumerables veces y tienen rasgos
visuales muy característicos. Asociamos piel blanca, cabello
oscuro y
manzanas rojas con Blancanieves, una capucha roja con bosque
o ambientes calurosos con
Caperucita Roja, etc. Los personajes de cuento de hadas son
una buena opción para comenzar, si es la primera vez que creas una ilustración de personajes. Al mismo tiempo,
elegir un personaje de
un cuento de hadas puede ser
más fácil que elegir un personaje de
una película
existente ya un personaje no está vinculado
a un actor específico. Eso nos da mucha
más flexibilidad y libertad cuando creamos. De esa manera, podemos hacer que
nuestro personaje sea tan joven, viejo, bueno o malo como queramos. Me gusta mucho jugar
con eso ya que da una nueva perspectiva a personajes
conocidos. Algunos de mis personajes de
cuento de hadas sugeridos
para que los ilustren son Caperucita
Roja, menudo asociada
con un sombrero rojo o ambientes de bosque
frío, lobos, sombreros y canastas; Peter Pan con ropa verde, orejas
de elfo, pelo rojo y elementos mágicos; Blancanieves con piel muy clara, labios
rojos, cabello oscuro
y manzanas rojas. También puedes elegir
tu propio personaje o
un personaje de un libro
o cómic que te guste. Recomiendo elegir
personajes con rasgos visuales
muy específicos ya
que facilitará la
visualización en un retrato. Para la demo, estaré
pintando Caperucita Roja. Decidí tomar
una nueva aproximación
al famoso personaje y en lugar de recrear a la joven e inocente que le llevaba una
canasta a su abuela, crear una
femme fatale fuerte con el simbolismo que solemos
asociar con Caperucita Roja. Prepara tu tablet y tu software de pintura
digital, Gravity, y vamos a sumergirnos en algunos fundamentos del diseño de
personajes. [MÚSICA]
3. Diseño de personajes: [MÚSICA] Antes de
sumergirnos en la pintura, tomemos un tiempo
para pensar
en lo que realmente importa a la hora de
crear nuestros personajes. Antes de continuar
buscando referencias, es importante hacerse varias preguntas sobre el personaje
que estás ilustrando. Como artistas, sobre todo a la hora de
crear retratos de personajes, solo
tenemos una imagen para
describir a ese personaje. Por lo tanto, debemos usar
tantas señales visuales como podamos para describir al
personaje al espectador. Para ello, tenemos
que definir quién es nuestro personaje. ¿Él o ella es bueno o malo? O tal vez sea un personaje moralmente
gris. ¿Cuáles son los
rasgos más notables que tiene este personaje? lo mejor es un estilo de
ropa o accesorio específico, o tal vez es una mascota, o los colores que usa. ¿Qué pasa con el post? A pesar de que vamos a
centrarnos principalmente en el retrato, hay una gran cantidad
de información que puedes transmitir cambiando ligeramente el poste o la
posición de la cabeza. Tu personaje puede ser representado
con el hombro recto, mirando desafiantemente
en el marco, o tal vez ella está
parada en una postura de 10 lista para defenderse
con un arma en la mano. La expresión facial también juega un papel importante a la hora de dar vida a
tu personaje. Un retrato de personaje puede ser un momento congelado de
la vida del personaje. Por lo tanto, en el momento
en que elijas representar diría mucho
sobre quién es ese personaje. Piensa en la época en la que vive el
personaje. ¿Qué clase de mundo es? ¿Estás pintando un personaje de
fantasía ambientado en un pueblo medieval? ¿O tu personaje
es ciudadano de una megapolis en un planeta
diferente? ¿Cuál es su
historia de fondo y su motivación? No tienes que planear
un verdadero detalle, pero tener una comprensión aproximada
de esas preguntas te
ayudará a crear una ilustración de
personaje creíble. Intenta también tener en mente
el estado
de ánimo general de la ilustración, ya sea que quieras ser colorido y brillante
o místico degradado. Establecer esas
cosas de antemano te
permitirá ahorrar tiempo a la hora de
buscar fotos de referencia. También puedes agregar algunos elementos adicionales de
narración
agregando lunares, cicatrices, suciedades, marcas
tradicionales y pequeñas imperfecciones
a tu personaje. Pequeños detalles como ese menudo hacen que un personaje sea más
creíble. Al decidir sobre la vestimenta de tu
personaje, considera el trasfondo social, la profesión, luego el estado
financiero y la tradición que
podría entrar en juego. Un personaje rico probablemente
usará materiales
diferentes a uno pobre, y tendrá
armaduras y ropa decoradas más ricas, o usará diferentes colores. Piense también en
los elementos culturales. Un personaje que vive en una gran ciudad se vestirá de manera diferente un personaje que vive en
una pequeña comunidad en un bosque mágico, por ejemplo. El diseño general
y el corte de la ropa también pueden decir
mucho sobre el personaje. Un hechicero vestido con un
vestido de corte alto y ornamentado creará una impresión muy diferente una bruja vestida y hace
jirones de tela usada por el uso. Piensa en la historia del
personaje que necesita contar. Antes de pasar al siguiente
capítulo de la clase, tómate un tiempo para
pensar realmente en quién
es ese personaje que quieres representar y qué lo
hace especial. Decide varios rasgos
fundamentales que quieres que tenga tu personaje
antes de empezar buscar referencias ya a
buscar referencias ya que te
permitirá ahorrar
mucho tiempo más adelante. En la sección de recursos, encontrarás un documento con algunos puntos básicos de
esta sección de clase. Antes de continuar
con la selección material de
referencia
en las próximas lecciones, tómate unos momentos para elegir
tu personaje e incluso escribir algunos puntos
sobre él o ella. Nos vemos en la
siguiente lección. [MÚSICA]
4. Trabajar con referencias: [MÚSICA] En esta
sección, vamos a echar un vistazo más de cerca a las referencias. Las referencias son una
parte importante para todos los artistas que
intentan lograr un aspecto realista
o semi-realista. Todavía parece
existir la idea errónea que usar referencias
es una forma de trampa, pero esto no podría estar
más lejos de la verdad. En un
entorno profesional, por ejemplo, en el desarrollo de videojuegos
o en la industria cinematográfica, los artistas tienen que recopilar y
utilizar referencias todo el tiempo. Es fundamental tener
una buena colección de fotos de referencia
bien iluminadas y detalladas para usar mientras
creas tu personaje. Dedicar algún tiempo a investigar el personaje que
quieres crear puede ayudarte
significativamente a
ahorrarte algo de tiempo más adelante en el proceso de
ilustración. Lo mejor que
puedes hacer es crear tu propia base de datos de fotos de
referencia. Puedes visitar museos, exposiciones
naturales, o simplemente dar un paseo
afuera con tu teléfono. El mundo está lleno de cosas
y objetos que pueden servir como fotos de referencia
para tu próxima ilustración. Pedir a tus amigos que posen para ti es otra gran manera de
crear ilustraciones únicas
adaptadas a tus necesidades. Incluso puedes crear fotos de
referencia tú mismo usando un
trípode y un disparador automático. Si planea vender la obra de arte
o usarla comercialmente, asegúrate de usar solo fotos de
referencia marcadas
para uso comercial. Aparte de eso, hay
muchos sitios web donde puedes comprar fotos de
referencia específicamente hechas para artistas. Algunos de esos
sitios web son Gumroad, ArtStation y DeviantArt. Aquí hay un ejemplo de una
gran referencia fotográfica de
vuelta de Gumroad por Howardlyon, hecha específicamente para artistas de
personajes en mente. También puedes usar sitios web de fotos
sin licencia, como Unsplash, Pixabay o Pexels para encontrar tus fotos. Todas las fotos de esos
sitios web son completamente libres de licencia y pueden ser utilizadas
en proyectos comerciales, pero muchos fotógrafos
piden ser acreditados en caso de vender o
publicar la obra de arte. Además, puedes usar
Pinterest para investigar temas
interesantes y crear mood boards
para inspirarte en tu ilustración. Por favor, ten en cuenta
que las fotos de Pinterest a menudo no están permitidas para ser utilizadas comercialmente, así que asegúrate de no
hacer una copia exacta. conseguir inspiraciones a
menudo está bien, especialmente si estás usando
Pinterest para buscar algo específico o
cómo se ve un detalle. Dicho esto, si
necesitas encontrar fotos de
referencia para un tipo
específico de ropa, asegúrate de encontrar
varias fotos de ellas. De esa manera, no se
copia el diseño para que coincida y el
diseño se mantiene único. Te recomiendo encontrar
una foto principal para la pose y el rostro de tu personaje que te sirva de base para
tu ilustración. Estoy usando Unsplash para encontrar la foto principal de
la pose y la cara. Elegí esta en particular
para su rostro, porque me gusta mucho la
expresión y la iluminación. Además de la referencia del
personaje principal, buscaba alguna foto
de su abrigo y su sombrero. Todas las fotos que elijas para tu placa de referencia deben
tener una iluminación similar. De lo contrario, es posible que tengas situaciones de
iluminación
muy diferentes en tu ilustración,
lo que puede parecer extraño. Asegúrate de que las
fotos estén bien iluminadas y en una resolución lo suficientemente alta. No te preocupes si no tienes todas las referencias necesarias
desde el principio, siempre
podrías
buscarlas durante el proceso si te haces una idea de algunas cosas
adicionales para agregar. Por último, no olvide considerar el estado de ánimo general de
la ilustración. Muchas veces cuando sé que quiero que mi personaje esté en un entorno
sombrío y natural, buscaba fotos de claros de bosques
malhumorados y
también las descargaría o
grababa un guión para ponerlas en mi tablero de
referencia. De esa manera, puedo tener todo
el estado de ánimo en mente hora de buscar referencias específicas de
personajes. Ahora que tienes una idea de dónde encontrar algunas
buenas fotos de referencia, tómate un tiempo para navegar por
los sitios web mencionados y encontrar buenas
fotos de referencia para tu personaje. Puedes descargar tus fotos de
referencia, guardarlas en Pinterest, o incluso simplemente capturarlas. Yo uso un pequeño software
llamado VizRef en mi iPad para tener todas mis
fotos en un solo lugar. Pero puedes crear un
pequeño tablero fotográfico en el software digital
de tu elección. En la siguiente sección,
te mostraré cómo crear
un tablero de referencia. Siéntase libre de compartir
sus
fotos de referencia en el proyecto de clase. [MÚSICA]
5. Creación de una tabla de referencia: [MÚSICA] Ahora que ya
tienes algunas fotos de referencia, te
mostraré mi práctica
favorita para trabajar cómodamente con
referencias que encontramos. En esta sección, te
mostraré cómo creo un tablero de referencia fotográfico cuando no
estoy usando esta ref. Para eso, abro un nuevo archivo en el software de pintura digital
que estoy usando actualmente, en este caso, Artstudio Pro. Por lo general, 2,500 a 3,000
píxeles es un buen formato, pero siempre se puede
cambiar eso más adelante, si ese es demasiado pequeño. El DPI no importa ya que
no vamos a estar imprimiendo nada. Después de abrir el archivo, comience a sacar nuevas fotos
que previamente guardó
en su escritorio o buscarlas a su escritorio o buscarlas través de la
opción de entrada de fotos de su software. En caso de tener muchas fotos de
referencia, también
puedes crear un tamaño de lienzo
más grande. Me gusta arreglar mis referencias una
manera que me
ayude a mantenerme organizada pero como
no estoy trabajando con
demasiadas referencias aquí, voy a mantenerlo sencillo. Una vez que hayas terminado de agregar todas tus fotos de referencia, solo importa tu archivo como JPEG. La mayoría de los softwares de pintura digital actualmente tienen la función
de panel de referencia. En Artstudio Pro, puedes ir a la pestaña del
panel de referencia y simplemente ingresar la foto del
tablero de referencia recientemente guardada en esa ventana. De esa manera, siempre
tendrás tu referencia
flotando junto a tu pintura y podrás acercar y alejar cuando lo necesites. Guarde sus referencias
y cree el tablero. En la siguiente sección de clase, vamos a estar
configurando nuestro lienzo. No olvides compartir
tus referencias en la sección de clases. [MÚSICA]
6. Configuración del lienzo: [MÚSICA] Ahora que tienes
tu tablero de referencia, es momento de configurar el
Lienzo para pintar. El tamaño del lienzo suele depender de las necesidades
de la ilustración. Para el arte de juegos móviles, suelo trabajar en una
resolución de
2,500-3.000 píxeles con un DPI de
72 para tamaños de archivo más pequeños. Para la impresión,
recomendaría elegir tamaños de impresión
estándar
y un DPI de 300. DPI es importante para la impresión. Si no está seguro de
si
desea imprimir su obra de arte, te
recomiendo elegir
un DPI de 300. También puede simplemente usar
un tamaño de papel estándar. Para esta clase,
estaré trabajando en modo RGB de
2,500-3.000 píxeles y
300 DPI. Creo un nuevo Canvas
con esas dimensiones y presto atención a
tener dos conjuntos de capas, una para la
capa de fondo y otra para la capa de boceto ya que realmente no quieres pintar el ilustración completa solo
en la capa de fondo. Sigue adelante y configura el
Canvas para que podamos sumergirnos directamente en el
proceso de boceto en la siguiente clase. [MÚSICA]
7. Boceto básico: [MÚSICA] En esta parte, comenzamos con el primer
boceto rudo de nuestro personaje. boceto es un paso muy
importante en el
proceso de ilustración ya que
permite establecer rápidamente toda
la composición y
probar las cosas fácilmente. Ya tenemos nuestra configuración Canvas y nuestra referencia está lista. Tengo mis referencias flotando en la ventana de referencia
junto al Lienzo. Esto es súper práctico
porque podemos ver todo a simple vista
y trabajar de manera más eficiente. Es importante que
tengas una capa vacía por encima la capa de fondo para que no dibujes directamente
sobre el fondo. Elijo un
tono rojo más oscuro para el color. Esto podría conocerlo por la pintura
tradicional donde el underpainting se realiza
con un tono rojizo. Yo uso mi pincel favorito, que es básicamente
un pincel de tiza. Tiene un poco de textura
y además me permite dibujar y muy suavemente sin
aplicar demasiado color. Empiezo dibujando en la cara
y el torso de mi personaje. Empiezo muy bruscamente
indicando la cabeza con un óvalo y marcando el centro de la cara con dos líneas, así
como la
posición de los ojos. Dibujo en la clavícula, sus hombros, el pecho, y la rotación del torso. Puedes mover la
figura más tarde y ponerla en la imagen
mejor si quieres. Quiero darle
hermosos rizos y dibujar en el
contorno del cabello. En la parte superior, dejo algo de espacio para el sombrero que
quiero que use. Una vez que tengo el contorno aproximado, empiezo a dibujar en su cara. Como una pequeña punta los ojos
se sientan a la mitad la cara y la nariz está a medio camino entre los
ojos y la boca. Usé fotos de referencia
para obtener señales sobre la luz, sombra y los diferentes tonos sin pintar directamente de
la imagen. Cuando estoy contento con la
cara dibujo en el pelaje. Para mí, el primero pretendía
representar al lobo
de los cuentos de hadas. Dibujo aproximadamente en la
dirección creciente de los primeros pelos. El pelaje
suele tener una línea central como la corona de la cabeza, donde los pelos caen en
diferentes direcciones. Ella necesita algo para sostener
el pelaje en su hombro. Para eso, dibujo el cinturón que sujeta
todo junto. Dibujo en el vestido mostrando la dirección de los pliegues de
la tela. En el medio, quiero
dibujarle un pequeño broche. Solo para agregar algunos pequeños detalles. Decidí bajarlo un poco para que puedas ver más de ella. Como puedes ver, el boceto
sigue siendo bastante áspero y sencillo para que podamos ver si ella se sienta bien en la imagen. Ahora le voy a dar la gorra, para ello vuelvo a observar
mis fotos de referencia. Aquí es importante que todas
las fuentes de luz coincidan. De lo contrario, esto puede parecer gracioso
rápidamente si la luz de los
elementos individuales es diferente. No tengas miedo de
probar cosas nuevas. Lo bueno de la
pintura digital es que podemos probar las cosas fácilmente
y borrarlas de nuevo, si algo no le queda, agrego unos mechones más de
pelo y dejo que eso caiga suavemente
sobre el pelaje. Una cosa que me gusta hacer es
darle al fondo
un tono diferente. Esto nos sirve para meternos en el estado de ánimo de la pintura
desde el inicio. Además, suele ser
más agradable a la vista si no dibujas
sobre un fondo blanco. Para ello, selecciono el tono gris azulado con la herramienta bucket y coloreo
la capa de fondo. Ahora tenemos que figurar más o menos
bosquejados en este punto. Se puede ver la
posición del torso, los
rasgos faciales ásperos, algunos detalles, y en el siguiente paso pasamos a limpiar el boceto. Comienza
dibujando aproximadamente en los contornos de tu personaje,
redefiniendo la anatomía, la posición de la cabeza y
los brazos de tu
personaje y cualquier complemento que pueda tener el
personaje. En la siguiente sección
continuaremos definiendo
el boceto. [MÚSICA]
8. boceto detallado: [MÚSICA] Ahora que tengo
mi boceto rudo con la forma general y la forma de la figura en posición, es momento de limpiarlo un
poco y agregar más detalles. Esta parte es bastante corta, pero creo que es
igual de importante. En la segunda vuelta,
duplico el boceto primero como precaución para que siempre
pueda volver a mi primera idea si
quiero empezar de nuevo. A menudo dibujo justo sobre
mi boceto original, pero hoy voy a agregar una nueva
capa para mi boceto más limpio. Pondré un boceto aproximado debajo mi capa madre de nutrientes y reduciré la transparencia para poder ver mejor
lo que estoy dibujando. Empiezo redefiniendo los rasgos faciales y
dibujándolos un poco más limpios. dibujar en los ojos, la nariz, los labios Vuelvo a dibujar en los ojos, la nariz, los labios,
las cejas, y
defino el cuello, especialmente
los músculos del cuello. Le he estilizado un poco
el cuello y
lo dibujé un poco más de
lo que está en la foto. Eso depende de ti hasta
qué punto quieres distorsionar la realidad y lo
estilizado que quieras trabajar. Dibujo en su sombrero y empiezo a definir sus fortalezas
un poco mejor. Particularmente me gusta este
mechón en su cara, así que lo voy a refinar un poco mejor. Adicionalmente, le agregaré
algunas hebras sueltas. Una buena manera de dibujar aquí es
pensarlo como una cinta sedosa. Una parte refleja
la luz de vuelta a tus ojos mientras que otra
parte está en la sombra. Adicionalmente, agrego algunos mechones de cabello más sueltos para que todo sea
más realista. [MÚSICA] Nuevamente
definí su escote y dibujé algunos pliegues de tela en
este punto también. Vuelvo a definir su rostro y
le doy una pequeña marca de nacimiento. Poco a poco, reduje el tamaño de mi pincel para tener líneas más finas. En la parte inferior, le
indico más o menos su brazo. El mayor detalle que suelo hacer es cuando voy con un color, pero el dibujo me
ayudará más adelante para ver dónde necesito
poner las sombras. Guardo ambos bocetos
y fusiono ambas capas. Depende de ti si
quieres mantener solo un boceto limpio o usar
ambos bocetos como base. Me gusta borrar lugares
que determinan, por ejemplo, líneas
para perspectiva, trazos de
dos tictac,
lugares que se superponen, y en general tratan de dejar
el mayor espacio posible. El propósito del
boceto es
darnos una guía para el color más adelante. Entonces en este punto, no
me importa si el boceto funciona
solo o se ve bonito. En este punto, estoy contento
con el boceto y estoy listo para pasar al
color en la siguiente parte. Un boceto más limpio puede facilitar todo
el
proceso de ilustración más adelante, pero en última instancia depende tus preferencias en cuanto a qué tan
limpio quieres tenerlo. Personalmente, me gusta trabajar con bocetos
más aproximados
y prefiero pasar
rápidamente a la fase de color, donde luego detalle más
y defino elementos ahí. En última instancia, depende de ti
cómo quieres hacerlo. Una vez que estés satisfecho
con tu boceto, podemos pasar al siguiente
paso. Bloqueo en el color.
9. Color base: [MÚSICA] Ahora que tu
boceto está listo, pasemos a la siguiente fase. En el siguiente paso,
comenzaremos a pintar en los colores base
para la ilustración. Esta parte es genial para
probar colores y esquemas de
color y
decidir rápidamente qué funciona
y qué no. A menudo tengo
en mente un esquema de color
específico al
principio pero me doy cuenta durante el proceso creativo de que otros tonos y colores también
podrían funcionar bien. No te preocupes si no es
perfecto desde el principio. Como trabajamos digitalmente, siempre
podemos cambiar los colores. También más tarde, cuando hayas
terminado con la ilustración, te
mostraré cómo
ajustar fácilmente los colores de tu imagen. hora de elegir colores, también
debes
pensar en los elementos
de fondo de tu ilustración. A pesar de que más tarde estaremos
diseñando el fondo, aún así
recomiendo tener una idea
aproximada de lo
que tienes en mente ya que pueden afectar el esquema
general de color de la
ilustración de tu personaje. Si no estás
seguro del fondo, puedes obtener algunas ideas
en la lección de clase 11 antes de continuar con esta combinación
de colores de tu figura. Antes de comenzar a
bloquear los colores, crearé una capa en blanco y la moveré por debajo de la capa de boceto. De esta manera, podemos comenzar a pintar mientras nuestro boceto
está encima de él. También puedes sentirte libre de
bajar un poco la opacidad de la capa de boceto para que
puedas ver mejor la capa de color. Para el bajo color, siempre elijo el
tono medio más oscuro de todos los elementos. Empiezo con su piel y
empiezo a pintar en el tono. Como pueden ver, siempre
empiezo primero con el cuerpo, porque el pelo y la ropa
siempre vienen encima de él. [MÚSICA] Yo creo capas adicionales para la ropa y
repito el proceso, pintando en la ropa
con un tono rojo medio. Este
paso de pintura de color es importante porque nos
permite verificar rápidamente si un
esquema de color en particular está funcionando. Si me gustan los colores planos
que elegimos para esta figura, y si
hay que cambiar algo. Aunque es tentador, no agregues ninguna variación de color
todavía ya que esto hará que el proceso de ilustración sea
mucho más fácil más adelante. Realmente querías enfocarte
en los colores básicos aquí. [MÚSICA] Repito lo mismo con el abrigo de piel que
lleva y su pelo. Elijo un
tono gris azulado para el pelaje. [MÚSICA] Es muy
útil mantener todas las capas de color
separadas al principio. De esa manera, puedes agregar fácilmente máscaras de
recorte más
adelante y así probar las cosas sin
miedo a pintar sobre otros elementos
de la ilustración. [MÚSICA] Ocasionalmente,
pinto todo en una capa cuando elijo
un proceso pictórico. No obstante,
esto solo lo recomiendo para
trabajo personal y no para comisiones de
clientes porque
si necesitas hacer cambios, puede complicarse bastante. Para el cabello, elijo un tono
de castaño que tiende hacia rojizo y lo uso para pintar la capa debajo del boceto del cabello. [MÚSICA] Después de eso, pinto el sombrero, que está encima de
todas las capas. Comienza a aplicar el color plano. Mira de cerca tus fotos de
referencia y elige el tono medio más oscuro
que
usarás como base para la imagen. Esto se puede hacer en la misma
capa o en capas separadas. Como mencioné anteriormente, prefiero hacer esto
por separado ya que es mucho más fácil hacer cambios
si es necesario de esa manera. Aquí viene el cinturón
para el que elegí un tono más fresco de marrón
con mucho gris. Si aún no lo has hecho, aún puedes probar
diferentes opciones de color para la capa de fondo. Si no estoy seguro de qué color quiero usar para
el fondo, muchas veces solo
voy
con un tono grisáceo, ya sea claro u oscuro, dependiendo del estado de ánimo que
quiera lograr. Si estás listo,
podemos pasar a
la parte divertida, al menos para mí, y elaborar las variaciones de
color y ver a nuestro personaje
cobrar vida. Te veré en la
siguiente sección. [MÚSICA]
10. Renderización de color: [MÚSICA] Finalmente hemos llegado
al punto en el que comenzamos a aplicar más colores
encima de nuestro color base. Es muy importante
mantenernos rudos
al principio porque a
menudo tendemos a trabajar en
un elemento en particular
y
descuidamos completamente otras partes y
nos perdemos en los detalles. Trabajo en toda la
ilustración al mismo tiempo sin terminar una
parte en particular antes que la otra. De esta manera,
evitamos sobretrabajar las piezas mientras que otras aún no
están terminadas. Esto también nos permite
detectar errores antes. Para comenzar, puedes crear una máscara de recorte sobre
cada capa de color plana. Las máscaras de recorte le permiten
crear una nueva capa sobre una capa específica donde
solo puede pintar en el área
de esa capa debajo de ella. De esta manera no pintas
accidentalmente otras áreas y podrás
trabajar de manera limpia y precisa. En cuanto al color
y a la pintura, empezaré por la piel. Para ello, seleccionaré la capa de máscara de
recorte recién creada. Comenzaremos añadiendo tonos
más oscuros para las sombras y tonos más claros para las zonas donde
el vuelo falso. Elijo un marrón oscuro
para las áreas de sombra y la base rosada para las áreas
más claras de la piel. Una manera fácil de seleccionar
tonos es volver a usar el seleccionador de color para
seleccionar el tono base. Luego muevo el punto en
la ventana de color un poco más hacia abajo a los tonos más oscuros
y saturados. Opto por un tono de sombra más cálido ya que quiero hacer que la fuente de
luz sea un poco más fría. Este contraste no es imprescindible, pero es un pequeño consejo si te estás decidiendo
por una combinación de colores. Si las sombras son
cálidas entonces generalmente se ve bien elegir
tonos más fríos para las áreas más claras. Empiezo pintando
en las sombras para definir el volumen
de la figura. Vamos lugares son
contornos faciales debajo de la cara, en el cuello, entre
el pecho y junto a la ropa que
arrojan sombras de oclusión. Para dibujar de nuevo en
áreas más claras, selecciono el tono base y
mueva el punto hacia arriba hacia la izquierda para lograr un tono beige
más claro. Dibujo aproximadamente en todos los
lugares donde cae la luz. La frente, la nariz, el mentón y las mejillas captan más la luz. Baso el on location en
mi foto de referencia y la
utilizo como mi guía para la
situación de la luz en mi ilustración. Personalmente prefiero
empezar por la piel y la cara, pero depende de ti con
lo que empezaste. Pinto en el blanco
de los ojos eligiendo un blanco grisáceo
porque el blanco
de los ojos nunca es del
todo blanco. Sigo con la ropa
eligiendo un tono más oscuro de rojo y empiezo a dibujar en
las sombras del vestido. lugares que están cubiertos por otra ropa o
pelo serán mucho más oscuros que lugares como el cofre donde
más luz cae. Para el tono más claro,
elijo unos tonos rojos rosados. Si un color no te funciona, siempre
puedes simplemente cambiarlo. [MÚSICA] Solo prueba diferentes
colores y mira cómo se ve. También puedes usar capas
separadas para
las sombras y los reflejos
si prefieres de esa manera. El siguiente es el cinturón. Dibujo en un tono más grisáceo aquí en las zonas más claras y dejo
el tono base como sombra. En este punto,
continúo con el abeto. Aquí utilizo un pincel
redondo normal y dibujo en las sombras en la
dirección del pelaje. Para el tono más claro elijo un tono azulado, gris
claro. No necesariamente
tienes que elegir el tono más claro porque
al final agregaremos más tonos y reflejos para que tenga más
sentido trabajar
de oscuro a claro. Pasando al cabello, elijo un tono más oscuro y empiezo a dibujar en
las áreas más oscuras. Las partes más oscuras del pelo
largo suelen estar
justo al lado del sombrero. Dibujo en las fortalezas
colocando los trazos de pincel
en la dirección
del cabello y definiendo mechones
individuales y los
espacios entre los mechones. Para seleccionar un tono más claro, procedo de la
misma manera que para las otras partes. Empiezo desde el tono medio
y voy a las partes más claras, donde quiero
darle un tono de error
y por lo tanto entrar un poco
en lo amarillento. Dado que el cabello tiene
mucho volumen, las partes que enfrenten a la luz
serán las más ligeras. Los dibujo con pinceladas
cortas en la dirección del cabello. Se definen algunos
nuevos reflejos
al mismo tiempo y se
ve más realista. Sigamos con el tope. Aquí quiero elegir un tono
ligeramente diferente de rojo para que la diferencia
con el vestido. Para el tono más claro,
elijo un rojo más grisáceo, ya que después quiero poner a mi personaje en un ambiente sombrío. De vez en cuando
apago la capa de boceto para ver cómo
se vería la imagen sin líneas. Como puedes ver, necesitamos definir mejor los contornos
faciales. Lo fusioné recortando máscaras con las capas subyacentes para tener los colores todos en capas
individuales. A pesar de que estoy empezando a
mezclar el tono un poco ahora, todavía
trato de dejar todo lo más rudo
posible. Trato de no enfocarme demasiado en una parte de la ilustración, sino pasar rápidamente a otras partes como tu
ropa y tu cabello. En este punto, me gustaría
agregar más variación de color. Recuerda, la piel nunca es
solo dos apreciaciones, tenemos una increíble variedad de colores en nuestros
tonos de piel y agregar diferentes
rosados beige amarillos e incluso azules y verdes puede ayudar crear unos retratos más vibrantes. Una manera fácil de agregar
múltiples tonos es usar un pincel suave y sobre una nueva capa, simplemente pintar de tonos rojizos
en las mejillas por ejemplo. He reducido un poco la visibilidad
del boceto porque quiero enfocarme en
los colores en este punto. Empiezo definiendo su rostro. Las caras son mi parte favorita de la ilustración y también la parte en
la que dediqué más tiempo. Apunto a una mezcla de elementos realistas
y estilizados. Qué realista o no
quieres hacer esto hasta ti. A menudo, basta con
elaborar ciertos elementos que son más visibles para que la imagen
se vea completamente terminada. Empiezo a agregar
reflejos más pequeños a la cara. Estos inmediatamente hacen que la cara se vea más realista. [MÚSICA] En este punto, a menudo cambio pinceles de mi pincel de tiza a un pincel húmedo redondo
que puedo usar para mezclar
suavemente los colores
mientras pinto sobre ellos, como un pincel de aceite digital. Alternativamente, puedes aplicar
capas de colores uno encima del otro y seleccionar el tono
intermedio resultante con
el seleccionador de color, y volver a pintar sobre él, cual es muy común cuando se
trabaja en Photoshop. Especialmente si trabajas en
una PC y usas un teclado, esta técnica es
muy conveniente. Otra opción es
la herramienta de manchas, pero úsala con precaución
ya que la imagen puede volverse
rápidamente fangosa
y sin textura. Pinté dibujando aproximadamente en las sombras del
pelaje de fruta con un pincel de textura. Para ello, uso un gris azulado
y encima de eso,
recubro algunos
mechones gris claro del pelaje. La capa de boceto aún
se puede ver en este punto. A pesar de que reduzco
la opacidad de la capa para que no
interfiera con mi pintura. Después de haber agregado todos los elementos de
sombra y luz, suelo reducir aún más la opacidad de la capa de boceto y
comienzo a definir más detalles. Cuando estés satisfecho
con el resultado, puedes fusionar la capa con
la capa principal sobre la
que estás pintando. Sigue estratificando los colores, aunque aún no se
vean mezclados. Siempre puedes mezclar después, pero es mucho más difícil recuperar la sobrepintura y las pinceladas. También personalmente pienso
que alguna textura se ve mejor que las ilustraciones sobrepulidas y
sobrecargadas de trabajo. Cuando estoy contento con
los colores principales, empiezo a elaborar
las partes pequeñas como definir sus ojos, nariz y labios con más claridad. La parte de detalle de la
ilustración suele tardar más y el nivel de detalle depende de cada persona. En algún momento, apago completamente la capa de
boceto para
que todo lo que vemos sea la
capa de color de la ilustración. A pesar de que es muy tentador, trata de no entrar en
muy pequeños detalles demasiado pronto y trata de mantener
el tamaño del pincel más grande. En este punto, continuaré
con los detallamientos. Todo el proceso de detallar me
llevó varias horas, razón por la
cual aumenté
la velocidad del video. [MÚSICA] Sigo trabajando en la ilustración general
al mismo tiempo, entrando
lentamente en más detalles. Si sé que algo está mal, a menudo uso la herramienta de lazo para mover
rápidamente la parte
de la cara a su lugar. [MÚSICA] Como pueden ver, tiendo a voltear la imagen
de vez en cuando. Esto es muy útil para detectar errores que
podrías haber perdido. Cuanto más a menudo lo
hagas, mejor. Elijo un marrón oscuro para
las sombras del vestido y sombrero y algunos rojos claros
para las partes más claras. [MÚSICA] Ahora que estoy contento con
la figura en general, [MÚSICA] empiezo a agregar
algunas sombras adicionales en el área del piso y a definir sus mechones de cabello con mayor precisión. Esta es la parte del proceso de
ilustración que suele
tardar más tiempo. Me gusta dejar
las cosas pictóricas para que aún se
puedan ver las diferentes pinceladas. Defino las diferentes
fortalezas del pelaje y agrego algunos reflejos de
vez en cuando defino la correa de cuero
que mantiene
unida la piel y empiezo a definir
los pliegues del vestido. Una manera buena y fácil tener más variaciones de color la piel es tomar
un pincel suave con una opacidad muy baja en el tono rosado y pintado sobre sus mejillas, labios y nariz. A mí me gusta hacer esto en
una capa separada. En este punto, también
agrego algunas sombras frías. Para ello, elijo
algunos tonos azules y los
pinto en las zonas de
sombra de su piel. inmediato se puede ver cómo esto hace que la ilustración
se vea más real. Añado algunos reflejos
en el rostro, pinto en los
reflejos de luz en la nariz, alguna sombra debajo de sus párpados, y algo de luz en sus labios. En algún momento de la ilustración, incluso
podría fusionar todas
las capas
de dibujo y dejar solo la capa de
fondo separada. Por eso
tienes el personaje en una capa y el fondo por separado en otra.
Esto depende de usted. Si quieres ir a lo seguro
y cambiar las cosas después, puedes dejar todos
los elementos en capas
separadas hasta el final. También agrego algo de luz de habitación
en su choza, pelo y pelaje. Posteriormente quiero crear una fuente de luz más brillante a
sus espaldas al fondo, que resalta y
perfila
muy bien su silueta para que destaque. Siempre que necesito referencias
adicionales para ver cómo cae la luz
sobre un objeto específico, utilizo los sitios web de referencia que
mencioné y muchas veces Pinterest. En este punto, se trata
principalmente de trabajo de detalle. Pero si se hace bien,
realmente puede llevar la obra de arte
a otro nivel. Empieza a agregar más colores a tu ilustración y a
elaborar tu personaje. No olvides
compartir tu proceso en la sección de proyectos. [MÚSICA] El siguiente paso, veremos algunas opciones de
fondo.
11. Fondo: [MÚSICA] Ahora que ya casi has
terminado con la ilustración de tu
personaje, echemos un vistazo a algunas opciones de
fondo que tenemos. Probablemente ya
tengas una idea de qué elementos quieres
incluir en tus antecedentes. En esta clase, te mostraré algunos ejemplos de otros
artistas y qué formas fáciles hay de crear fondos de
aspecto profesional para la ilustración de
retratos de tu personaje. Dependiendo del tipo
de ilustración que haga, podría tener una idea
muy clara de qué fondo quiero para mi pintura antes
incluso de empezar a dibujar. O puede que desarrolle una mejor idea
durante el proceso mismo. Ya que nos estamos enfocando el retrato mismo
en esta clase, recomiendo mantener el
fondo bastante simple. Dependiendo de lo que quieras
hacer con la ilustración, puedes agregar algunos elementos
para que el personaje
destaque o dar algunas
señales adicionales sobre él o ella. Algunos fondos simples que
puedes hacer y que siempre ven bien son algunos degradados de color
simples, degradados de varios colores y algunas texturas simples. También puedes ir más complejo
y agregar algunos contornos, por
ejemplo de árboles, hojas, o incluso algunos elementos
arquitectónicos. Como queremos mantener el
foco en el protagonista, no
crearía un fondo demasiado complicado
con demasiados elementos. Dicho esto,
si quieres agregar
otros elementos a tu fondo, puedes ir por un fondo más
detallado con árboles completamente
renderizados, casas, montañas, o incluso
otros personajes y animales. Otra buena manera de
crear profundidad y contar una historia es usar elementos
naturales. El fuego, la lluvia, la nieve e incluso las chispas se ven geniales y
crean interés visual. Ten en cuenta la dirección de la luz y la situación general de la
luz a la hora elegir un fondo
ya que tienen que coincidir con el tono general
de tu personaje. Desde mi personaje de
Caperucita Roja, decidí crear ambientes
forestales, pintando algunos árboles ásperos
y sencillos algo de luz de fondo para iluminar el contorno del personaje. Para eso, miré
algunos árboles muertos o árboles los puedes encontrar en el
invierno sin hojas. Después de pintarlos y llenarlos de un color gris
oscuro, los
transformé para que
coincidieran con la perspectiva de la ilustración y además creara un mejor
claro en el medio. [MÚSICA] Agregué varios colores para la sección de limpieza
alrededor de su cabeza para crear un contraste con su cabello
y oscurecí
la parte superior de la ilustración mientras resaltaba la parte inferior. Esto hará que tu
destaque aún más. Puedes hacerlo usando un pincel suave sobre una capa
diferente, pintando en diferentes tonos. En la siguiente clase,
seguiré trabajando en algunos detalles de
los personajes. [MÚSICA]
12. DETALLES: [MÚSICA] En este paso, nuestra ilustración está
casi terminada. Ahora, es el momento de agregar algunos
pequeños detalles y corregir cosas que nos molestan para que
la ilustración sea aún más bella. Voy a acelerar el video de
manera significativa en este punto. [MÚSICA] En esta etapa, una vez más
agrego algo
más de fuerza a la luz del borde marcando las hebras
individuales del pelaje. También creo una nueva capa en el color bastante claro, pinto en algunos mechones de cabello separados para que
destaquen frente de su cabello. También agrego algunos detalles de
acabado, corrijo lo que
todavía me molesta, y también agrego algunos reflejos a los ojos y cualquier
otra cosa que sea necesario. [MÚSICA] Aprovecho esta oportunidad para corregir cualquier cosa
que todavía me molesta. Adicionalmente, agrego
algunos detalles finales. Este paso es opcional, pero muchas veces veo algunos
lugares que necesitan mejoras después de que casi he terminado con la ilustración. En la siguiente sección,
veremos algunas
opciones interesantes que están disponibles para ordenar nuestra obra de arte juntos muy bien para
que se destaque.
13. Toques finales: Ahora que ya
casi has terminado con la parte principal
de pintura de tu personaje, veamos algunos ajustes
finales que puedes hacer para que tu
ilustración se vea aún mejor. Todavía quedan algunas
pequeñas cosas que me
molestan en las que
decido mejorar. Una vez más, voy a
acelerar el video significativamente ya que este proceso me
llevó bastante tiempo. Decidí ajustar
ligeramente los árboles. También agrego algo más de textura
al cinturón sujetando
su abrigo unido. Agregar algunos pequeños detalles
como pequeños cortes y bordes
ásperos de placer puede agregar a la sensación de realismo. También pinto en una pequeña cicatriz
sobre su ceja y encuentras algunas
marcas de nacimiento en su rostro. Para el sombrero, utilizo un pincel de textura
suave para que el sombrero parezca
suave y esponjoso. Una vez que estoy satisfecho
con la ilustración, fusiono todas las capas, dejando solo el carácter y el fondo
en capas separadas. Cuando trabaje con capas, pruebe
siempre diferentes perfiles de
capa ya que pueden mejorar enormemente el aspecto de su ilustración. En mi ilustración de
Caperucita Roja, agrego un poco de niebla suave
detrás y alrededor de ella. De esa manera logro dos cosas. Hago el fondo
más suave y la
hago mezclarse mejor
con el ambiente. Puedes usar cepillos de
niebla específicos para eso, que están fácilmente disponibles en formatos
ABR o incluso usar un cepillo suave con
menor transparencia. Otra cosa que me encanta hacer es agregar algunas partículas
y chispas. Dependiendo de lo mágica que sea
tu ilustración, puedes optar por chispas de
aspecto muy brujo o simplemente simples partículas de polvo. Para eso, utilizo algunos cepillos de polvo
y partículas. Hay muchos disponibles libremente en diferentes plataformas para
su software de elección. Ahora cuando estoy contento
con la ilustración, me muevo a la parte donde
agrego algunos filtros. Como los filtros funcionan solo
en una sola capa, aquí
tienes dos opciones. Puedes
compactar todas las capas para crear toda la pintura
en una sola, o mi opción favorita, para exportar la
ilustración terminada como PNG e importarla de nuevo en el Lienzo en la parte superior de todas las capas. Dos de mis
filtros favoritos para usar son el filtro de ruido y la aberración
cromática. El ruido crea una textura suave que es muy
agradable a la vista. Hace que los parches de
color de aspecto muy plano se vean interesantes y texturizados. Yo uso cualquier cosa
entre 2 por ciento y 5 por ciento y juego
entre tono gris y color. Puede encontrar el filtro de ruido en mayoría de los softwares de
pintura digital. Otro filtro que me encanta usar
es la aberración cromática. En Photoshop, RStudio Pro y Procreate, los
puedes encontrar en el área de filtros del software. Recomiendo primero usar
el filtro de ruido, ya que le dará al
filtro de aberración
cromática más textura con
la que interactuar. La aberración cromática es una distorsión de
color que a menudo se encuentra en la fotografía y el cine y hace que la ilustración
se vea más real. Generalmente hay dos formas
de filtro de ese tipo que puedes usar;
circular y lineal. La circular
actuará como lente y distorsionará los bordes de la obra de arte más fuerte que el medio, mientras que el lineal
separará los colores por igual. Yo uso una cantidad muy pequeña de eso lo suficiente para
dar una sensación de profundidad pero sin
dificultar el reconocimiento de los
detalles de la cara. Personalmente, primero uso la
aberración cromática circular para crear un poco de distorsión y luego
usar la lineal para agregar algunos colores más en
el centro de la imagen. Lo mejor que puedes
hacer es probarlo y jugar con él hasta encontrar la
opción que más te convenga. Una vez que estoy satisfecho con el aspecto general de
mi ilustración, una cosa que siempre hago es
jugar con diferentes ajustes de
color. En RStudio Pro y Photoshop, puedes crear capas de
ajuste, como curvas para mejorar el aspecto general de
tu ilustración. Tiendo a probar diferentes
opciones de saturación de tonalidad, balance de
color y temperatura. Para eso, creo una capa de
ajuste encima de la ilustración y juego
con la configuración para
ver qué se ve bien. Bueno, en esta parte,
considero que mi ilustración
está hecha. Estoy súper emocionada de ver tus ilustraciones en
el proyecto de clase. Así que no olvides
compartirlos conmigo y además dudes en hacerme cualquier
duda que puedas tener.
14. Conclusión: [MÚSICA]
Felicidades por terminar esta clase. Puedes estar realmente orgulloso
de ti mismo porque pintar personajes puede ser
bastante desafiante a veces. Pero con esos pasos claramente
divididos, espero haber
podido
facilitarte creación de
tu propio personaje. Aprendimos algunas habilidades básicas de diseño de
personajes, aprendimos dónde encontrar
buenas fotos de referencia y cómo dividir
el
proceso de ilustración en simples pasos. También aprendimos a usar algunos detalles para realmente darle vida
al personaje, y a usar efectos y capas de
ajuste para
editar la imagen final. Espero que el conocimiento
de esta clase te haya ayudado. Puedes abordar cualquier
ilustración de personajes en la que te
propongas y crear un mundo lleno de hermosas
ilustraciones de personajes. Sin embargo, lo más importante es recordar para divertirse. No olvides compartir
tu ilustración en la sección de proyectos de clase. Hazme cualquier duda que puedas tener para que te pueda dar tu opinión. [MÚSICA] Gracias por
acompañarme en este viaje. Espero que te hayas divertido.
Pintura feliz.
Gabriela Shel, Illustrator and Concept Artist
