Digitaliza tu pintura de acuarela en Adobe Photoshop: una guía completa

1. ¡Hola!: Aprender a digitalizar mi obra fue un paso fundamental en mi viaje artístico. Me dio la posibilidad de trabajar en nuevos productos, combinar medios tradicionales con medios digitales y ampliar mis habilidades creativas. Hola, mi nombre es Althea y soy artista, diseñadora gráfica, educadora online radicada en Italia. Hoy, te voy a enseñar cómo puedes digitalizar tu obra de arte en Adobe Photoshop, pasando de una ilustración de la vida real a un activo digital que puedes usar para proyectos de analistas. Empezaremos creando un conjunto de ilustraciones en acuarela, desde la recolección de inspiración hasta la pintura de las flores de la pared. Con nuestras obras de arte listas para funcionar, entraremos directamente en el proceso de digitalización. Desgloso todos los pasos que necesitas para escanear tu obra de arte y ajustar los colores. Digitalizar piezas a veces puede perder su vitalidad, pero te daré todas las herramientas que necesitas para que tu arte vuelva a la vida. Después de eso, trabajaremos en eliminar el fondo y aislar cada elemento. Esta parte de la clase estará repleta de sencillos consejos y trucos de Photoshop. Aprenderemos a lidiar con acuarelas que no tienen bordes bien definidos o arreglando errores de pintura y después de tomar este curso, verás lo sencillo que es convertir tus hermosas pinturas en activos digitales excepcionales. Para el proyecto final de este curso, aprenderás a combinar tus elementos botánicos en una composición elegante. Crearás una hermosa inicial decorada con todos tus activos botánicos. Este proyecto puede ser un regalo perfecto, una bonita impresión artística, una imagen de redes sociales o cualquier otra cosa que puedas imaginar. Bueno, una comprensión básica de las acuarelas en Photoshop podría ser útil. Esta clase está pensada para estudiantes de cualquier nivel que quieran llevar su arte artesanal a un nuevo nivel. Doy la bienvenida a todos para que inicien este viaje conmigo. Te veo en clase. 2. Comencemos: Estoy tan feliz de que estés aquí. Bienvenidos a clase. Si bien la digitalización de su obra de arte puede abrir muchas oportunidades nuevas, inicialmente, puede resultar desalentador. Puede ser un desafío saber cómo escanear su trabajo o cómo usar softwares de edición de imágenes. Cuando empecé a digitalizar mi obra de arte en Photoshop, a menudo me sentía confundida y abrumada. Todo era nuevo para mí y tiene tantas características extrañas. Además, me estaba dando cuenta de que no había una sola manera correcta de digitalizar mi obra sino que cada artista tenía su propia forma de hacerlo. Esto me hizo insegura de cómo abordar el proceso de digitalización. Si puedes relacionarte, estoy aquí para mostrarte que con un poco de práctica y consistencia, comenzarás a sentir más confianza, y también desarrollarás las habilidades para digitalizar tu obra de arte. En la primera parte del curso, estaremos pintando elementos botánicos juntos, y luego te mostraré mi flujo de trabajo para digitalizar esa pintura. Si eres un principiante en la pintura, Photoshop o ambos, estaré desglosando tanto la pintura como método de digitalización en detalle, por lo que los estudiantes de todos los niveles son bienvenidos a unirse. Si ya tienes algunas obras de arte listas, siéntete libre de traerla. De lo contrario, puedes pintar conmigo. Estaré muy feliz de que te unas a mí para la sesión de pintura. Empezaremos por encontrar los elementos botánicos que pintarán. He creado un tablero en Pinterest que está lleno de fotografías de flores silvestres que compartiré contigo para encontrar inspiración, luego me gusta hacer bocetos rudos de los elementos botánicos a las que me puedo referir mientras pinta. Esto me hace sentir más seguro y también acelera mi flujo de trabajo. Los siguientes ejercicios de calentamiento con acuarelas también son geniales porque estarán creando paletas de colores y practicando diferentes pinceladas para pintar varias partes de las plantas. A continuación, pintaremos alrededor de 10 elementos botánicos. Una vez que estén secos, los escaneará e importará a Photoshop. El primer paso en la digitalización va a ser la corrección del color, ajustaremos la vitalidad de los colores, asegurándonos de que la versión digitalizada sea similar a nuestra pintura original. Después eliminaremos el fondo y aprenderemos a aislar cada elemento por separado. Esta lección estará repleta consejos y trucos para corregir errores, tratar con acuarelas donde los bordes no están bien definidos y convertir tus ilustraciones en archivos de imágenes prediseñadas que están listos para usar. Mi esperanza para esta clase es darte todas las herramientas que necesitas para comenzar a digitalizar tu arte, y por supuesto, presentarte un flujo de trabajo que hará que todo este proceso sea lo más fácil y rápido posible. En el proyecto final, aplicarás los consejos y técnicas aprendidas a lo largo de la clase para crear una tarjeta con la inicial de tu nombre decorada con acuarelas digitalizadas. Te sorprenderán las muchas cosas que puedes crear al hacer que tus pinturas en acuarela se conviertan en activos digitales. Bajo la pestaña de proyectos y recursos, he incluido algunos recursos a los que puedes hacer referencia para esta clase. Encontrarás un archivo que contiene mis bocetos botánicos, una lista de verificación de los materiales y herramientas que necesitaremos, una guía paso a paso sobre cómo digitalizar tu obra de arte y, por último, una página llena ejemplos para crea tu carta botánica. Sin más preámbulos, saltemos directamente a la siguiente lección donde te guiaré a través de los materiales y herramientas que necesitaremos para la clase. 3. Materiales y herramientas : Aquí están todos los materiales que necesitaremos para dibujar cualquier lápiz o bolígrafo y la hoja de papel funcionará. Voy a estar usando un cuaderno de bocetos. Estaré dibujando los elementos con forros finos. Para pintar los elementos botánicos, necesitarás papel de acuarela, pinturas y pinceles, junto con dos tarros de agua y paleta de mezcla, y algunas toallas de papel. Voy a usar el set de pintura Winsor y Newton, que es muy asequible y ofrece una variedad de colores para elegir. En cuanto al papel, estaré usando este de Art-n-Fly. Es prensado en frío de 300 gsm. Este trabajo también es muy asequible. Me parece perfecto para usarlo para ejercicios de calentamiento. Para la pintura final, estaré usando este papel de arcos, que es de mayor calidad. Los pinceles son de Princeton y ambos son pinceles marrones. La ventaja de estos cepillos es que las cerdas están en una punta fina. Esto me permite agregar detalles sin cambiar a otro pincel. A la hora de pintar con acuarelas, hay muchas opciones en cuanto a marcas y suministros. Si necesitas un poco más de orientación en esto, te recomiendo que veas mi clase de flores sueltas, donde puedes encontrar una lección dedicada a los materiales que uso. A continuación, para escanear la pintura necesitarás un escáner y una computadora con Photoshop instalado. Si no tienes un escáner, una buena alternativa puede ser usar una cámara o un celular que tome fotos de alta resolución. La tableta digital también puede ser útil, pero esto no es necesario. Solo uso la tableta digital cuando tengo que usar la herramienta de borrador o la herramienta de pincel y hacer ajustes precisos a mis pinturas. Pero puedes hacer todas esas cosas usando tu mouse. Estos son todos los materiales y herramientas que necesitas para la clase. También puedes encontrar una lista de verificación en la pestaña de proyectos y recursos. Ahora vamos a mezclar los elementos que vamos a pintar e inspirarnos. 4. Inspiración y bocetaje: Siempre que creo colecciones gráficas a partir de mis ilustraciones, siempre me gusta comenzar con un boceto rápido de los elementos que voy a pintar. Esto me permite tener más control y flexibilidad sobre lo que voy a crear. Siempre puedo volver atrás, borrar y hacer cambios antes de la pintura final. Para ayudarnos a esbozar los elementos botánicos, he creado un tablero de Pinterest donde he recopilado fotografías de flores silvestres. Puedes encontrar esta colección en la pestaña Proyectos y Recursos, y aquí está el enlace a la misma. Siéntase libre de recoger también inspiración de cualquier otro lugar; al aire libre, de leer un libro o de Internet. También puedes bosquejar los elementos desde tu propia imaginación o usar alguna inspiración de la vida real. Solo usaré estas fotografías como una fuente aproximada de inspiración, pero mi objetivo aquí no es reproducir toda la flor con todos sus detalles. El objetivo de esta lección es generar ideas para que podamos tener referencias cuando empecemos a pintar. Ten en cuenta que necesitaremos alrededor de 10 elementos botánicos para crear una composición agradable para el producto final. Consideraría bosquejar 3-4 tipos de ramas, tres tipos diferentes de flores, y un par de elementos individuales como hojas o cabezas de flores. Un consejo más antes de comenzar es variar tus elementos botánicos. Evitaría bosquejar sólo ramas, flores, o elementos botánicos muy similares entre sí. En cambio, piensa en cuánta variedad y rasgos distintivos puedes encontrar en la naturaleza. Tener una buena cantidad de variedad en tus ilustraciones hará que tu composición final sea más dinámica. Utilizaré un delineador fino como boceto para que puedan ver el contorno de mis dibujos. Después [inaudible] de la galería de fotos, comenzaré con un boceto de una rama de mi imaginación. Estoy trazando primero el tallo principal y luego estoy tocando los más pequeños y llenándolos de hojas. Para darle movimiento a esta rama, estoy haciendo hojas cortas puntiagudas en diferentes direcciones. La segunda rama tiene una estructura más simple. Simplemente trazo un tallo ondulado y ahora estoy dibujando las hojas en ambos lados de manera simétrica. A medida que trabajo mi camino hacia arriba, hago las hojas cada vez más pequeñas. Se puede imaginar que esta rama está contenida dentro de una forma imaginaria de triángulo. Al hacer bocetos, nunca me presiono ni espero que los elementos se vean perfectos. Mi enfoque es solo tener un plan general para después y obtener una vista previa de lo que estaré pintando. Con esto en mente, realmente quiero recordarte que tomes esta parte de la clase con facilidad, y todo el proceso de bosquejo y pintura debe ser divertido y relajante. Bueno, tamizando las fotos, me pareció esta interesante planta. Es muy diferente a la rama y hojas de aspecto habitual y creo que ayudará a embellecer la composición botánica final. Empiezo dibujando primero el tallo, uniéndole una segunda rama. En la parte superior, estoy agregando ramas pequeñas y ahora estoy dibujando círculos pequeños y parejos con los bordes irregulares en racimos. Estas, para representar las flores, o simplemente la parte superior de esta planta. Nuevamente, este es un boceto muy rudo y la foto me sirvió solo como guía e inspiración. Otro elemento entre todas estas flores que me llamó la atención fue este cogollo. Estoy rastreando el tallo. Estoy agregando dos hojas en la parte inferior y más hojas en la parte superior del tallo. Por último, voy a agregar los cogollos en la parte superior de los dos tallos. Ahora que ya tenemos suficientes bocetos de ramas y hojas, comenzaré a dibujar las flores. Encontré esta foto de la flor del Cosmos, que creo que es tan simple pero a la vez tan hermosa. Empecé creando el centro de la flor y ahora poco a poco estoy dibujando los pétalos uno por uno. Para el tallo, decidí ir con una simple línea curva sin agregar hojas. La siguiente flor va a ser un poco más compleja. Después de dibujar el tallo principal, agregué una segunda rama en el lado derecho y estoy dibujando una pequeña flor orientada a la derecha sobre esa rama. Para bosquejar la flor principal en la parte superior de este tallo, primero marqué cuatro puntos que compararán el centro de la flor y luego acabo de completar agregando cuatro pétalos redondeados alrededor de los puntos de referencia, de esta manera. Estoy agregando dos elementos más si acaso necesitamos rellenar ciertas áreas de la composición con algo que no tenga tallo largo o haya una rama completa. Espero que la lección de bosquejo haya sido realmente interesante y útil para construir su conjunto de ilustraciones. Ahora, puedes ir a la siguiente lección si tienes curiosidad por conocer la paleta de colores que voy a usar y si quieres hacer algunos ejercicios de calentamiento antes de empezar a pintar. 5. Paleta de color y muelle de Warmup: Esta lección está dirigida a todos los que quieran sentirse cómodos con sus pinturas y pinceles antes de comenzar a pintar los elementos finales. Vamos a empezar creando una paleta de colores, y voy a mostrarte los colores que elegí para esta clase. Luego calentaremos un poco pintando hojas, tallos y una flor que puedes usar para la siguiente lección. Estoy preparando todos mis suministros de acuarela. Preparé dos frascos de agua porque voy a estar usando uno para los marrones y el otro para colores más claros. De esta manera los colores pueden mantenerse bastante limpios y no se fangoren entre sí. Aquí hay una carta de colores de Winsor y Newton, y estos son los colores que voy a estar usando. Amarillo ocre, siena quemada, rojo claro, umber quemado, marrón van dyck. Como se puede decir, fui por colores cálidos y supongo que todavía no he superado la temporada de otoño. Pero de todos modos, siempre animo a mis alumnos a que usen los colores que les hablen y aporten su propio estilo a cualquier creación. Si sientes que estos colores no vibran contigo, solo siéntete libre de elegir otros diferentes. Comenzaré colocando parches de color para los colores que elegí para que puedas visualizar cómo se ven y se sienten uno al lado del otro. Primero voy a poner el color siena quemada. Empiezo escogiendo una cantidad densa de pintura con mi pincel, y luego la diluyo con agua para crear un agradable degradado suave. Sólo voy a repetir este paso para el resto de los colores que elegí. Tener todos los colores depositados en papel, te va a ayudar a obtener una mejor visión de las elecciones de color que tomaste. Esto también es una gran parte del proceso cuando tengo que idear paletas de colores. Para elegir esta paleta de colores particular para la clase, experimenté colocando diferentes colores en papel y viendo cómo se ven juntos. Cada vez que había un color que no me convencía, lo reemplazaba por otro hasta que estaba contento con el resultado. Nuestra paleta de colores está lista. Si escogiste diferentes colores de mi parte, tengo mucha curiosidad por ver cómo quedará el proyecto final. Ahora podemos calentarnos un poco. Me gusta comenzar con líneas finas, que suelen ser las que más atención y esfuerzo requieren. Usar la punta del pincel me permite pintar las líneas finas y finas, y además solo estoy tocando el papel muy ligeramente, no presionando demasiado el pincel. Como vamos a estar pintando muchos tallos tanto para crear las ramas como las flores, decidí probar algunos de ellos. Para pintar un tallo, normalmente partiría de una línea principal, y después de eso le daría sentido más pequeño, asegurándome de que apunten en diferentes direcciones. Ahora mismo estoy pintando algunas hojas. Empiezo muy ligero, yendo con la punta del cepillo, y luego lentamente presiono hacia abajo con la barriga del cepillo y libero la presión. Esto ayuda a crear una hoja de un solo trazo. Para completar la hoja y tener una línea blanca en el medio, solo tienes que repetir este paso con el otro lado, asegurándote de que estás dejando un poco de espacio en blanco entre los dos lados de las hojas. Voy a añadir un par de elementos más, y también voy a mostrarte un método rápido y sencillo para pintar flores. Si nunca antes has pintado una flor, puedes usar fácilmente esta sencilla técnica. Si sientes que necesitas más de esta práctica, también te sugiero que revises mi clase de acuarela para principiantes. Allí encontrarás lecciones para aprender a pintar hojas, flores y ramas, usando la técnica suelta. Primero, comienza escogiendo un color y aplica una cantidad densa de él a tu pincel. Pinta algunos puntos o una línea diminuta para crear el centro de la flor. Asegúrate de dejar algunos espacios en blanco dentro de cada punto. Ahora enjuaga tu cepillo completamente y asegúrate de que esté bastante cargado de agua o simplemente con otro color. Ese es el centro de tu flor solo con la punta de tu pincel, y luego aplica presión para crear una forma de pétalo. Estamos listos para comenzar a pintar los elementos finales. Nos vemos en la siguiente lección. 6. Cómo pintar la mano: Voy a mantener cerca el cuaderno de bocetos que contiene los elementos botánicos. He incluido estos bocetos en los recursos de clase por si acaso prefieres mantener mis bocetos impresos o exhibidos en tu laptop como referencia. Para la primera rama, estoy recogiendo un marrón oscuro y estoy cargando el pincel con una buena cantidad de este color. Empecemos por rastrear primero el tallo principal. Voy en muy ligero y poco a poco para hacer la línea bastante delgada. En la parte inferior, voy a agregar una pequeña rama y llenarla de hojas. Para las hojas, quiero que se vean un poco secas al igual que las hojas en otoño o invierno así que cuando aplico presión para crear la forma de la hoja trato menear el trazo a propósito. Ahora vamos a pintar una rama más un poco por encima de la que acabamos de pintar. Nuestro primer elemento botánico está cobrando vida. Agreguemos más hojas a la rama restante. A medida que me acerco al final del tallo hago las hojas más pequeñas para darle a esta rama las proporciones adecuadas. Para la siguiente sucursal, estoy usando un café diferente. Estoy diluyendo el color con un poco más de agua a diferencia de la pintura que usé para la primera rama. De nuevo, empiezo pintando primero un tallo muy delgado y ahora voy a agregar las hojas solo de un lado. A medida que trabajo mi camino hacia arriba los hago más pequeños. Las hojas simplemente siguen la dirección del tallo. Voy a entrar con más color mientras la pintura aún está húmeda para crear un bonito efecto borroso en algunas de las hojas. Sigo pintando las hojas y utilizo la pintura que ya tengo en mi pincel. Sucursal número 3, aquí estoy diluyendo el marrón que acabo de usar con más agua. Quiero que este elemento sea muy claro. Cuando combinamos todos estos elementos juntos, tener las ramas pintadas con diferentes tonalidades realmente va a agregar profundidad y contraste así que realmente te animo a variar ligeramente tus colores y evitar usando el mismo color o intensidad de matiz consecutivamente. Al igual que las hojas en mi boceto, las estoy pintando simétricamente y las estoy escalando a medida que llego a la cima. Este elemento botánico va a parecerse a la planta seca que tengo a mi lado. Empiezo por crear el tallo que luego se pliega en dos ramas distintas Con el mismo marrón, primero lo hago solo unos pequeños puntos ligeramente por encima de la parte superior de las ramas. Ahora estoy recogiendo un ocre amarillo y repitiendo los pasos y agregando más puntos. Sólo los estoy posicionando más cerca de los que hice en marrón. Ahora, diluyamos estos colores para difuminar los puntos y agregar más volumen así que voy a volver con un pincel bastante limpio. Para completar este elemento solo estoy pintando algunas pequeñas ramas que conectan el tallo principal a la parte topper de esta planta. La estructura de esta nueva planta es similar a la anterior. Se quiere crear un tallo que se divida en dos ramas diferentes. Encima de los tallos, estoy agregando algunas líneas que servirán de ave para la flor. Entonces con el mismo color, estoy pintando una hoja más cerca del fondo de la rama. Porque quiero hacer esta flor un poco más dinámica, estoy diluyendo el marrón y estoy pintando hojas más pequeñas a cada lado del tallo en un color más claro. Por último para los cogollos, estoy recogiendo una buena cantidad de rojo vivo que me acosté cerca de la parte superior del cogollo. Entonces me aseguro de que mi pincel esté bastante cargado de agua y solo vuelvo a entrar y crear este efecto borroso. Siguiente Empiezo pintando algunos pétalos con siena quemada y estoy dejando algunos espacios en blanco dentro de cada pétalo. Estoy agarrando un poco de agua para limpiar mi cepillo y voy a volver a entrar para hacer que la parte interior del pétalo se encienda sin dejar un poco de espacio en blanco. Esto está agregando un poco de contraste a los pétalos haciéndolos más interesantes. Entonces estoy recogiendo un poco de café para el tallo y pintándolo empezando por el fondo, moviéndome hacia arriba. Puedes agregar algunas hojas si quieres pero solo voy a dejar este tallo muy sencillo. Voy a saltarme pintar el centro de la flor por ahora y volver a ella más tarde. Quiero esperar a que los pétalos estén completamente secos antes de agregar más color aquí. Para la siguiente flor, estoy usando un marrón oscuro para crear la estructura de la misma. Estoy usando una buena cantidad de color aquí y estoy empezando por trazar primero el tallo principal. Entonces estoy agregando dos hojas en la parte inferior del tallo usando la punta del pincel para hacerlas puntiagudas. También estoy agregando una pequeña rama donde colocaré una segunda flor después. Para la flor estoy recogiendo un rojo claro y estoy cargando el pincel con mucho pigmento y empezando a crear el centro de la flor. Sólo estoy pintando pequeños puntos y líneas para demarcar el centro. Después creando los pétalos usando el mismo grueso y luego este color, estoy pintando cuatro pétalos. De nuevo, estoy dejando algo de espacio en blanco. También estoy usando la punta de la brocha para hacerlas un poco dentadas y desiguales. Esto le dará ese bonito look otoño-invierno a nuestra flor. No quieres que estos pétalos se vean demasiado pequeños. Bueno la pintura sigue mojada, vuelvo a los pétalos con un pincel limpio para que pueda darle ese bonito efecto borroso. Si notas que tus pinceladas son demasiado acuosas, solo puedes tocar el cepillo en tu servilleta para liberar un poco de agua. Agreguemos aquí una flor diminuta. Estoy agregando tres pétalos para crear una flor que aún no ha florecido. Ahora que las flores están completamente secas, podemos crear los centros de ellas. Estoy recogiendo el marrón y estoy cargando el pincel con mucho pigmento y empiezo a tocar el color para crear el centro del mismo. Nuestro siguiente elemento botánico sería la cabeza de una flor. Estoy pintando éste guardando las cosas de nuevo, muy sencillo. Para los elementos anteriores, solíamos comenzar con un pigmento oscuro que luego diluimos para hacerlo más brillante. Pero para esta flor, voy a empezar con un color muy claro y después voy a dejar caer algo de color sobre ella mientras la pintura sigue mojada y voy a hacer que alguna parte de los pétalos sea más oscura y crearemos un degradado suave muy agradable. Primero con un color muy claro, delinear la forma de los pétalos dejando algo de espacio en blanco en el medio. Mientras los pétalos aún están mojados, poco voy añadiendo más pintura a la parte interna. Mientras pinto cada pétalo uno por uno, sigo acodando la pintura lentamente. Esto crea un hermoso degradado que da algo de sombreado a la flor. Ahora solo estoy agregando un par de hojas para completar nuestro conjunto de ilustraciones. Nuestras pinturas están terminadas, pero si lo deseas, también puedes agregar detalles a algunos de los elementos botánicos. Por ejemplo, aquí he añadido algunas líneas encima de estas hojas, y también hice que los cogollos salieran un poco más al agregar más color. Las ilustraciones están listas para ser escaneadas, solo espera a que todo esté seco y te veré en la siguiente lección. 7. Escanea: Acabamos de concluir la sesión de pintura, por lo que ahora podemos iniciar el proceso de digitalización. Al digitalizar tu trabajo, tienes dos opciones para llevar tus obras de arte hechas a mano en tu computadora. En primer lugar, se puede utilizar un escáner, que es el método que recomiendo encarecidamente. O puedes usar una cámara o un celular en su lugar. Si eliges usar una cámara para el paso de escaneo, aquí tienes solo un par de consejos que quizás quieras considerar antes de tomar la foto. Primero, encuentra una ubicación con luz uniforme y no directa. Los días nublados suelen ser los mejores porque la luz es muy neutra y suave en tu papel y no altera los colores de la ilustración. Evita disparar con luz solar o en cualquier situación que cree sombras en tu papel. Cuando estés filmando, asegúrate de sostener tu cámara desde arriba y de que no estás recortando ninguna parte de tu papel. Si tienes un trípode, te recomiendo usarlo para evitar cualquier distorsión y temblor. Aquí hay una hoja de papel blanco para devolver la luz a tu arte para una iluminación más uniforme. Para digitalizar mi obra de arte, utilizo un escáner y el modelo es el Canon LiDE 400. Es una buena cosa Scanner para empezar si necesitas alguna recomendación porque no es tan caro como los profesionales y hace el trabajo a la perfección. Realmente no necesitaste el más caro para empezar. Entonces, antes de comenzar a digitalizar mi obra de arte, siempre me aseguro de que la pintura esté seca. Lo segundo que hay que hacer es asegurarse de que la cama del escáner esté limpia, aunque no pueda manchar ningún polvo, siempre lo limpio con una toalla. No ha habido muchas veces que escaneo mi trabajo y noté polvo en mi pintura al editar en Photoshop. Esto es solo un trabajo extra que queremos evitar en la medida de lo posible. Cuando estés listo, puedes colocar el papel, cerrar la tapa y sostener tu mano sobre la tapa o colocar un par de libros encima de ella. El papel de acuarela suele ser desigual, por lo que un poco de peso puede ayudar durante el proceso de digitalización. Dentro del software del escáner en su computadora, tiene varias opciones para su configuración de escaneo. Estos dependerán de tu escáner específico y tu cuadro de diálogo puede ser ligeramente diferente, pero las opciones que vamos a establecer deberían estar ahí. Al escanear ilustraciones, siempre selecciono el modo de fotografía, y luego configuro la resolución. Si quieres conservar la ilustración para proyecto web entonces 72 DPI está bien. Si planeas imprimir la ilustración, te recomiendo que comiences desde al menos 300 DPI. Normalmente escaneo a 600 DPI porque tiende a ser más fácil escanear a una resolución más alta. Si necesito que mi archivo sea más pequeño entonces siempre puedo exportarlo con menor calidad en Photoshop. Después verifico dónde se va a guardar el archivo y por último, selecciono el formato en el que quiero que se guarde mi archivo. Aquí tengo PNG, TIFF y JPEG. Si estás estresando sobre qué formato usar, cualquiera de estos servirá, pero solo ten en cuenta que los archivos TIFF almacenan muchos más datos que los archivos JPEG. Esto significa que habrá mayor calidad, pero esto también se traducirá en archivos de mayor tamaño. El formato JPEG utiliza compresión con pérdida, lo que significa que estos archivos reducen calidad de imagen para lograr un tamaño de archivo más pequeño y más manejable. Así que a pesar de que mi archivo será más grande, siempre selecciono el formato TIFF para obtener la mejor calidad de imagen. Todos estamos listos. Ahora podemos hacer clic en “Bien”. Ahora estoy dando click en “Foto” para iniciar el escaneo. Una vez que tengas tu ilustración escaneada, puedes abrir Photoshop e ir a la siguiente lección donde trabajaremos en la corrección de color. 8. Ajustes de color: Lo primero que hago después de haber escaneado mi trabajo es corregir los colores. En primer lugar, abramos Photoshop. Haga clic en “Archivo”, “Abrir”, y luego seleccione el archivo que acaba de escanear desde donde lo guardó. Ahora, es posible que necesites rotar tu imagen. Si es así, vaya a Imagen, Rotación de Imagen. Si mantienes pulsada la barra espaciadora en tu teclado, aparecerá una manita y te permitirá mover tu área de trabajo alrededor. Voy a usar esta función bastante a menudo, así que solo quería mostrártelo. Como probablemente hayas notado durante el proceso de escaneo, nuestra obra de arte perdió un poco de brillo. Puede aparecer un poco amarilla o en el lado opuesto, puede parecer un poco fría. Esto realmente depende del escáner que tengas. Para corregir este cambio de color, necesitamos equilibrar el fondo blanco con la imagen general, así que haga clic en “Imagen”, “Ajustes”, “Niveles”. Aquí ves tres cuentagotas y necesitas dar click en el tercero. Amplíe una parte clara del fondo haciendo clic en “Control más” y muestree un punto blanco del papel. La diferencia en el cambio general de color puede ser leve, pero en general, el aspecto de la imagen debería ser más natural. Otra opción interesante que tenemos en el panel de niveles son los niveles de entrada. Hay más triángulos que ves debajo de la gráfica son manejadores para que puedas moverte para ajustar los colores de diferentes maneras. Siempre uso el primero para agregar contraste a las ilustraciones y solo moverlo un poco es suficiente. Si te excedes en esto, tus ilustraciones podrían verse un poco dramáticas. No suelo mover las otras dos asas porque no quiero alterar demasiado mi pintura. Pero claro, cada cuadro es diferente, así que a veces podría agregar brillo arrastrando este último mango hacia la izquierda. Pero otra vez, sólo un poquito. Creo que las acuarelas se ven bien ahora y más naturales pero voy a hacer una cosa más. A veces los colores en tus pinturas escaneadas pueden parecer un poco planos, así que me gusta agregar un poco de vibración y saturación. Vamos a dar click en “Imagen”, “Ajustes” y “Vibrancia”. Como mencioné, sólo voy muy a la ligera en estos ajustes. Mi objetivo es hacer que la foto escaneada se vea tan similar a mi pintura, vuelta al original, tal vez con solo un toque de contraste y saturación. Al final, cómo haces las correcciones de color se reduce a cada obra de arte individual, el color que usaste y cómo quieres que se vea. Esto fue con respecto a la corrección de color. En la siguiente lección trabajaremos en eliminar el fondo y aislar cada uno de los elementos botánicos. 9. Eliminar el fondo: Hay muchas maneras en las que puedes hacer lo mismo en Photoshop. También hay varias formas diferentes disponibles para usted sobre cómo eliminar el fondo. En esta lección, te voy a mostrar los pasos doy para aislar cada elemento y crear un bonito archivo PNG limpio listo para usar para cualquier tipo de proyecto. En el camino, voy a compartir algunos consejos sobre cómo lidiar con acuarelas que no tienen bordes bien definidos. También voy a demostrar cómo deshacerme de imprecisiones o errores de pintura. En los recursos de clase, he incluido una guía sobre todos los pasos que estamos a punto de tomar. Es posible que desee verificar eso. Bloqueemos el nivel donde tienes tu foto haciendo clic en el candado. Crea un nuevo nivel y arrástralo por debajo del primero. Asegúrate de seleccionar el nuevo nivel y luego en la sección de herramientas, tienes en tu lado izquierdo, haz clic en el primer cuadrado de la sección de color, elige cualquier color oscuro y luego haz clic. “Bien”. Ahora selecciona la herramienta de cucharón y haz clic en cualquier parte del lienzo. Esta capa de color oscuro nos vendrá muy bien cuando eliminemos el fondo. Agrega un marcado contraste y nos ayuda a identificar lugares dentro de nuestros elementos de acuarela que, por ejemplo, no hemos borrado bien o manchas blancas que aún requieren limpieza. Para mantener las cosas ordenadas, podemos darle un nombre al nivel que acabamos de crear haciendo doble clic en el nombre actual y cambiándolo a fondo. También estoy cambiando el nombre del nivel que contiene el archivo skin. Ahora asegúrate de estar en el nivel principal y en una barra de herramientas, encuentra el símbolo del borrador. Haga clic hacia abajo y manténgalo pulsado para ver más opciones pop up, y entre estas, seleccione el Magic Eraser. Aquí arriba tenemos un valor que se llama tolerancia. El valor que le damos a la tolerancia definirá el rango de colores que elimina el borrador. Una tolerancia menor borra solo el píxel con un color muy similar al que seleccione. Una mayor tolerancia borra los píxeles con un rango más amplio de similitud de color. Voy a demostrar los diferentes efectos a medida que variamos la tolerancia. Pero antes de hacer eso, se asegura de que contigua esté marcada para que solo se borre el fondo. Si contigua está desmarcada, entonces se borrarán todos los píxeles de ese color en cualquier lugar de la imagen. Ahora pongamos la tolerancia a un número alto como 60 como ejemplo. Ahora voy a dar click sobre el fondo blanco que quiero quitar. Como puedes ver, muchas partes de nuestras ilustraciones han sido borradas y esto porque el valor de la tolerancia se fijará bastante alto. Reiniciemos pulsando “Control Z”. Esta vez voy a probar un número bajo. Como puede ver, la ilustración en sí está intacta, pero gran parte del papel no se borró. Esto porque el papel tiene textura y algunas variaciones de color. El objetivo aquí es encontrar un valor que funcione bien con nuestras pinturas. Vamos a llevar el número a alrededor de 30. Este valor parece funcionar bien y lograr un buen equilibrio entre mantener los elementos y quitar el fondo. Solo tenemos que traer de vuelta algunas partes de los elementos botánicos, pero como puedes ver, el resultado general es bueno. Ahora voy a acercar y mirar cada uno de mis elementos botánicos en detalle. Si hay alguna zona blanca que quiera borrar, hago clic en ellas con un Borrador Mágico. Hay algunas áreas blancas que no borro porque quiero que esas sean parte del aspecto final del elemento. También puede ver algo de textura de papel residual la izquierda o algunos puntos blancos a lo largo del lienzo. Puedes hacer clic en los píxeles que veas un par de veces y algunos de ellos desaparecerán. No te preocupes si aún puedes ver algunos puntos e imperfecciones, nos desharemos de ellos al final de esta lección. Ahora hemos quitado el fondo, pero en algunos lugares hemos quitado un poco demasiado. En los siguientes pasos, vamos a traer de vuelta algunas de las partes de los elementos que fueron borradas. Para ello, primero, doy clic en la herramienta Pincel histórico, puedes encontrar en una barra de herramientas. Una vez seleccionado, puedes ir en la parte superior derecha de tu pantalla y hacer clic en esta flecha. Esto abrirá una historia o una cronología de todas las acciones que tomamos. Si la ventana aparece demasiado pequeña, puedes expandirla y redimensionarla arrastrándola hacia abajo. Dentro de la historia, desea seleccionar “Paint Bucket”. Esto esencialmente crea un pincel que trae de vuelta las partes de las ilustraciones que has borrado. Si necesitas ajustar la dimensión de este pincel, haz clic derecho con el ratón, y aquí podrás elegir el tamaño y también la dureza. Siempre asegúrate de estar en el nivel principal, entonces puedes acercar el zoom para hacer ajustes más precisos. Esta parte del proceso de edición sí requiere un poco de paciencia y precisión, pero no te vuelvas loco por los extremos dentados que tienen tus acuarelas. Los suavizaremos más tarde, pero si ves algo que realmente te molesta, puedes escoger la goma de borrar y borrar los bordes para suavizar tu forma. Estoy moviendo mi lienzo alrededor y voy repasando las partes de los elementos que requieren esta edición. La tableta digital viene muy útil para esta pestaña. Entonces, si tienes uno, te animo a que intentes usarlo. Otro truco útil que puede necesitar es una herramienta que le permita corregir errores. A veces sucede que el escáner recoge algunas partículas de polvo que no notaste, o simplemente que una de tus ilustraciones tiene una mancha o una marca en ella. Para corregir estos errores, podemos usar la herramienta Clonar sello aquí mismo. Voy a acercarme muy cerca para ver si puedo encontrar algún polvo o imperfección. Aquí hay un buen ejemplo de cómo podría ser una partícula de polvo. Para ajustar la dimensión de la herramienta Clonar sello, haga clic con el botón derecho del ratón tal como lo hicimos con la herramienta Pincel histórico. Ahora se puede ajustar de nuevo la dureza y la dimensión. Se quiere mantener la dureza de esta herramienta a cero. Ahora, mantenga pulsada la tecla Alt y haga clic en el área cerrar donde está la marca. El pincel reproducirá el área que acabamos de recoger. Da clic en la parte superior de la marca y la verás desaparecer. Puedes repetir este paso para todas las piezas que necesites. Estamos casi listos para guardar cada ilustración por separado, pero antes de hacerlo, vamos a dar un paso menos para los toques finales. Como siempre, asegúrate de que el nivel principal esté seleccionado y que estés ampliado en tus ilustraciones. En el panel de capas vaya a la capa principal, haga clic con el botón derecho dentro del pequeño rectángulo de vista previa, entre las opciones que aparecen, elija seleccionar píxeles. Ahora vamos a crear una máscara y ajustar los contornos de tus ilustraciones en la ventana sobre el panel de capas, que podrás expandir a tu gusto. Quieres hacer click en “Seleccionar y Enmascarar”. Ahora haga clic en “Ver” y seleccione en capas. Esta opción te permitirá ver cualquier cambio que realices de inmediato en tiempo real. Entre las opciones que ahora se muestran, solo utilizaremos las barras en la sección de refinamientos globales. Cada barra, editará el contorno de las ilustraciones de una manera ligeramente diferente y cómo quieres que vean tus elementos al final realmente se reduce a preferencias personales. Yo sugeriría simplemente jugar con los mangos y ver los cambios que producen sus pinturas. Cuando mueves los manejadores, es posible que no veas ningún cambio sino que solo dale a tu computadora unos segundos para que lo compute porque estamos trabajando en múltiples ilustraciones. Esto puede llevar un poco de tiempo. Una vez que estemos contentos con el resultado, hagamos clic en “Bien” y luego para aplicar la máscara, haga clic en este pequeño icono que tiene una pequeña flecha hacia abajo. Ya estamos listos para guardar nuestras ilustraciones. Nos vemos en la siguiente lección. 10. Exportación: Bien. Estamos a un paso de trabajar en nuestro proyecto final. Exportemos y guardemos nuestro conjunto de ilustraciones. Vamos a poner cada elemento en una capa separada. Con la herramienta Lazo que puedes encontrar en la barra de herramientas, seleccionemos esta rama. Ahora haga clic en “Control Shift J”, y el elemento que acaba de seleccionar ahora está en una nueva capa. Podemos ocultar esta nueva capa para ver qué elementos aún nos quedan por aislar, y vamos a repetir este paso para los elementos restantes. Vuelve a la capa principal. Con la herramienta Lazo, haz una selección alrededor de tu ilustración y, nuevamente, haz clic en “Control Shift J”. Si quieres anular la selección de un elemento, simplemente presiona “Control D”. Se necesita tiempo para terminar esto. Yo aceleré un poco la lección, pero siempre que estés listo, puedes eliminar la nueva capa porque es una capa vacía y ya no la necesitamos. Ahora podemos pasar por cada capa y guardar nuestras ilustraciones. Estoy empezando desde la Capa 1. Antes de guardarlo, solo hago una comprobación rápida acercando el zoom. Yo uso la herramienta borrador para deshacerme de cualquier pixel blanco que quede, si hay alguno. Para guardar esta ilustración, hago clic derecho en el nivel y elijo Guardar como PNG. Asegúrese de guardar el archivo en la carpeta correcta y luego haga clic en “Bien”. El archivo se guardará en formato PNG con un fondo transparente, y está listo para ser utilizado. Se puede proceder guardando las ilustraciones restantes. La parte técnica ha terminado y finalmente podemos crear nuestra tarjeta botánica. Sé que puede ser bastante trabajo, sobre todo si eres nuevo en Photoshop, pero una vez que empieces a hacer esto un par de veces, definitivamente se sentirá como menos trabajo y algo que viene más naturalmente. 11. Proyecto final: Esta es la parte que más me gusta. Tengo todas mis ilustraciones listas, y esto me permite trabajar en una variedad de proyectos, desde la creación de plantillas de redes sociales, tarjetas de felicitación, invitaciones y cualquier cosa que pueda imaginar personalizada con las mías ilustraciones. Para este proyecto de clase, quiero crear contigo una pequeña tarjeta cuadrada que contendrá la inicial de un nombre con tus ilustraciones botánicas dibujadas a mano y digitalizadas en la parte superior. Tarjetas como estas son muy versátiles. Puede ser un regalo muy especial para alguien, puedes usarlo para escribir en el reverso y usarlo como tarjeta de felicitación, o incluso puedes usarlo para decorar tu hogar. De hecho, voy a estar poniendo mi tarjeta en este marco y guardarla para decorar mi estudio de arte. Volver a Photoshop. Vamos a crear un nuevo documento haciendo clic en Archivo, Nuevo. En el lado derecho, puedes establecer el ancho y alto de tu tarjeta. Voy por un formato cuadrado, y estoy seleccionando centímetros como las unidades. Quiero que mi tarjeta sea 12 por 12 centímetros y quiero establecer un margen de tres milímetros. Estoy dejando la resolución a 600 DPI, pero si escaneas tus pinturas a 300 DPI, puedes ir con 300 DPI. Para mí, el modo de color RGB está bien. Solo estoy planeando imprimir esto con mi propia impresora, pero si necesitas este gráfico para uso profesional, quieres establecer el modo de color CMYK. Primero queremos hacer un cuadro de texto para mostrar la primera letra de la inicial. Para escribir en el Lienzo, vaya a la barra de herramientas, seleccione el símbolo de texto y haga clic en cualquier parte del Lienzo para comenzar a escribir. En el lado derecho, hay una columna, y aquí puedes establecer el tipo de fuente, dimensión y color. este momento puedo ver lo que acabo escribir porque el color está puesto en blanco. Para cambiar esto, destaco el texto que escribí y hago clic en este rectángulo blanco en el menú para seleccionar un nuevo color. En las propiedades de la capa de tipo, también puedes encontrar este icono que te permite capitalizar tu texto. Ahora estoy ajustando las dimensiones de mi inicial, aumentando el tamaño hasta que sea lo más grande que quiero. Estoy haciendo clic en el primer símbolo de la barra de herramientas para mover la letra y colocarla en el centro del Lienzo. Ahora voy a cambiar el tipo de fuente. Voy por una fuente serif, algo con clase que pueda ir bien con mi personalidad y mi estudio también. Estoy dejando el color para más tarde así que de esta manera encontraré el tinte perfecto que también coincidirá con las ilustraciones. Ahora vamos a abrir la carpeta que contiene nuestras ilustraciones y vamos seleccionar las que queremos usar. Puedes usarlos todos, pero voy a estar seleccionando varios elementos. Para seleccionar los elementos, estoy manteniendo pulsado el control y haciendo clic en el elemento que quiero elegir. Seleccioné siete elementos, ahora los estoy arrastrando en Photoshop, haz clic en “Enter” para cada ilustración para insertarla en tu área de trabajo. Para seleccionar todas las capas que contienen tu ilustración, comienza seleccionando la que está en la parte superior, mantén el turno y selecciona la última. Ahora, pulsa “Control T” para escalarlos hacia abajo. Este es el momento en el que puedes empezar a decorar tu carta y aquí no hay reglas. El objetivo es organizar tus elementos botánicos alrededor de la inicial una manera que te sienta bien y si necesitas ideas para comenzar, aquí tienes una colección gráfica que me he dado cuenta este otoño y he incluido la letra del alfabeto junto con números decorados con acuarelas. Puedes encontrar esta colección en la pestaña de clase y recursos. Estoy moviendo solo elementos en la esquina superior izquierda para que pueda tener una habitación para trabajar. Puede elegir un elemento simplemente haciendo clic en una capa específica o haciendo clic en el grupo de elementos. Si necesitas escalar o rotar el elemento, haz clic en “Control T” y cuando hayas completado los ajustes, quieres hacer, simplemente haz clic en “Entrar” [MÚSICA] Otra cosa que quizás quieras tratar es reordenar las capas, entonces, por ejemplo, aquí quiero mover esta flor encima de todos estos elementos. Solo voy al panel de capas y estoy arrastrando la capa que contiene esta flor encima de todas las demás capas. También quiero intentar voltear este elemento para ver si se ve mejor y puedes hacer lo mismo haciendo clic en el control T y luego haciendo clic derecho con el mouse, la ilustración volteará al seleccionar voltear horizontal. Aquí también puedes encontrar la opción voltear tu elemento verticalmente [MÚSICA] Chicos, seguiré colocando los elementos hasta que esté contento con la composición. Durante este paso, muchas veces voy y vengo, rotando y escalando los elementos, reordenándolos y moviéndolos alrededor. Por lo general, me lleva un par de intentos y algunos experimentos. Voy a acelerar el video, pero como siempre, siéntete libre de hacer una pausa y trabajar a tu propio ritmo [MÚSICA] Estoy muy satisfecho con cómo ven los elementos botánicos encima de mi carta así que ahora es hora de elegir un color para mi inicial. Voy a seleccionar la capa que contiene mi letra. Voy a dar click en el rectángulo. Aquí, puedo elegir en qué color quiero establecer mi carta. Estoy buscando ir con un marrón ya que la paleta de colores que elegí para crear la ilustración es temática de otoño y cálida. Ahora voy a seleccionar todos los niveles excepto el fondo y los voy a fusionar haciendo clic en control E. De esta manera tenemos todo, la inicial y la ilustración todo en uno capa. Voy a hacer una cosa más antes de exportar la tarjeta. En lugar de mantener el fondo blanco puro, quiero que sea de un color ligeramente diferente con un borde blanco a su alrededor. Para lograr este efecto, voy a crear una nueva capa y seleccionar el color que quiero para mi fondo en la barra de herramientas. Entonces voy a usar el cubo de pintura en la misma barra de herramientas para rellenar esta capa con el color [MÚSICA] Para hacer un borde blanco, voy a seleccionar el color de fondo haciendo clic control T y luego lo escalo un poco hacia abajo y lo coloco en el centro. Estoy contento con el resultado así que fusioné el fondo junto con mi carta haciendo clic en el control E y ahora ya estamos listos para exportar el archivo. Haga clic en “Archivo” Guardar una copia, cambie el nombre de su archivo, y luego seleccione el formato PDF si desea imprimir esta tarjeta o simplemente puede seleccionar formato JPEG si desea compartirlo en redes sociales. A partir de aquí, las posibilidades de lo que puedes hacer con tu composición digitalizada final están en tus manos. A lo largo de este proceso, aprendiste y adquiriste muchas habilidades, desde dibujar y pintar hasta editar y componer tus activos digitales. Realmente puedes usarlos en un sinfín de proyectos. Puedes aplicar estas habilidades a cualquier obra de arte hecha a mano, no exclusivamente a acuarelas realmente no puedo esperar a ver qué se te ocurre. Has llegado hasta el final de la clase tan enormes felicidades para ti por llegar hasta aquí. 12. Gracias: [MÚSICA] Muchas gracias por elegir pasar hoy tu tiempo conmigo. Espero que esta clase te haya resultado útil y que te sientas inspirado para convertir más obras de arte en activos digitales para usar en nuevos proyectos. No puedo esperar a ver tus zanahorias botánicas. Yo uso la mía como decoración en mi estudio y creo que se ve preciosa. Asegúrate de ir a la Sección de Proyectos y Recursos para subir tu trabajo y no dudes publicar cualquier parte de tu proyecto. Estaré muy feliz de echar un vistazo y dejar comentarios. Además, si publicas tu proyecto en redes sociales, no olvides etiquetarme. Por último, si te sientes atrapado en cierto paso de la clase, especialmente con Photoshop, o si tienes preguntas, no dudes en usar la pestaña Discusión, y estaré más que feliz de ayudarte. También puedes seguirme aquí en Skillshare para obtener actualizaciones tan pronto como libere una nueva clase. Muchas gracias de nuevo por acompañarme hoy y espero verte pronto. [MÚSICA]