Dibujo de cómics: narración con palabras y fotos

1. Tráiler/avance de la clase: Hola, soy Christine Fleming, Ilustradora y escritora de Might Could Studios. Egresé de la Universidad Estatal de Carolina del Norte con un BFA en diseño gráfico. Ahora trabajo como Author Illustrator, creando libros ilustrados, novelas gráficas, y trabajo editorial. Actualmente estoy representado por Red Fox Literary, y estoy en proceso de crear mi primera novela gráfica. A esta clase se le llama dibujar cómics, contar historias con palabras e imágenes. Vamos a caminar a través de cómo usar palabras e imágenes juntos para contar una historia secuencial. Ya sea que te interesen los cómics, novelas gráficas o las tiras cómicas de los periódicos, todas comienzan como una historia secuencial y bisagra en el equilibrio de palabras e imágenes. Esta clase de 45 minutos, introduciremos los conceptos básicos de la narración secuencial, incluida la estructura de la trama, las transiciones de panel, el tiempo y el encuadre. En el camino, señalaré algunos de mis consejos y técnicas favoritos que son vitales para entender cómo dibujar una historia secuencial. El encargo del proyecto para esta clase es dibujar un cómic de una página inspirado en un recuerdo de infancia. También estaré haciendo la asignación del proyecto contigo durante la clase y te llevaré a través de mi proceso paso a paso desde la escritura, la planificación, el thumbnailing, el boceto, el dibujo y el entintado. Al final de esta clase, tendrás tu propio cómic de una página y todo lo necesario para hacer tus propios cómics y novelas gráficas. No se requieren conocimientos previos de escritura, dibujo , cómics o software para esta clase. Entonces, vamos a saltar. 2. Proyecto: dibuja un cómic de una página: El encargo del proyecto para esta clase es crear un cómic de una página inspirado en la memoria de tu infancia. Usando las plantillas del panel o dibujando sus propios paneles, estará dibujando su propia historia secuencial. Tienes dos opciones para completar tu cómic. Si apenas estás empezando, puedes usar mis plantillas de panel para darte un salto en la organización de tu cómic. O si te estás llenando para ello, puedes dibujar tus propios paneles y convertirlo tú mismo en todo el cómic. Esta asignación te ayudará a explorar cómo contar una historia tanto con palabras como con imágenes, y cómo organizar una historia secuencialmente en una página. Ya sea que decidas usar mis plantillas o hacer tus propios paneles, puedes subir tu cómic de una página a la galería de proyectos, haciendo clic en el botón “Iniciar tu proyecto” de la página del proyecto de la clase. También puedes echar un vistazo al cómic que hice durante la clase, admirar el trabajo de tu compañero estudiante y ver cómo hicieron sus cómics. Miro cada proyecto que está publicado en todas mis clases y siempre me emociona ver tu trabajo. El mejor modo de aprender es haciendo. Entonces vamos a darle una vuelta. 3. ¿Qué es una secuencia narrativa?: Intro a Historias Secuenciales. Entonces, ¿qué es una historia secuencial? Will Eisner, quien fue una gran parte de hacer populares los cómics, tiene algunas definiciones básicas de estos términos en su libro, Cuentacuentos Gráficos y Narrativas Visuales. Estas son algunas de sus definiciones. Dice que una narrativa gráfica es, “Cualquier historia que los empleados imaginen para transmitir una idea”. Esto incluiría cómics y cine. Define a los cómics como, “Una forma de arte secuencial, a menudo en forma de tira o libro, en la que se organizan imágenes y texto para contar una historia”. Definía el arte secuencial como, “Imágenes desplegadas en un orden específico”. Ahora veamos algunos de mis ejemplos favoritos de novelas gráficas y cómics. Te recomiendo mucho leer y empapar algunos de estos, y Si te interesa hacer tus propios cómics. En primer lugar tenemos a Scott Pilgrim de Bryan Lee O'Malley. This One Summer by Mariko y Jillian Tamaki. Nimona de Noelle Stevenson. Persepolis de Marjane Satrapi. Relish de Lucy Knisley. En la vida real de Cory Doctorow y Jen Wang. Jane, el Zorro, y Yo de Fanny Britt e Isabelle Arsenault. Hildafolk, de Luke Pearson, y Primates de Jim Ottaviani y Maris Wicks. Ahora veamos el proceso general de hacer cómics. Hay algunas formas diferentes de hacerlo. Todo artista de cómics tendrá su propia versión del proceso. Pero para este video y esta clase, voy a repasar mi proceso porque eso es lo que sé y eso es lo que funciona para mí. El primer paso para hacer un cómic es escribir el esquema de tu historia. Después se miniatura un cómic con palabras. Miniatura el cómic con imágenes. Dibuja los paneles. Dibuja bocetos de lápiz ligero. Dibujos a lápiz apretados dibujados. Dibuja tus letras. Tinta tu cómic. Entonces está el paso opcional de colorear tu cómic si no quieres que sea en blanco y negro. Ahora saltemos a la clase y vamos a repasar todo este proceso paso a paso. 4. Búsqueda de nuestros materiales: Antes de saltar justo al proceso, repasemos algunas de las herramientas para hacer cómics. Estas son las herramientas que me gusta usar. Para idear, me gusta usar un cuaderno de bocetos delgado y barato. Esto mantiene la presión baja y permite dibujar sin temor a estropear un cuaderno de bocetos caro. También puedes simplemente usar hojas de papel de impresora baratas para hacer bocetos. Una vez que pases a la última página del cómic, probablemente querrás dibujar en algo un poco más grueso, sobre todo si vas a tinta. Me gusta usar tablero de Bristol y una caja de luz o ventana para transferir mi dibujo al tablero de Bristol. Esta es mi caja de luz caudal iPad. Es pequeño y relativamente barato, pero hace que transferir tus combinaciones sea mucho más fácil. Para dibujar bocetos, me gusta simplemente usar lápices mecánicos baratos. Si voy a terminar mi cómic sin entintar, entonces me gusta usar un lápiz 6B para hacer las líneas más gruesas y oscuras. Si voy a tinta mi cómic como estoy en esta clase, me gusta usar Bolígrafos Pitt Artist de Faber-Castell en las tallas medianas, finas, pequeñas, y extra pequeñas. Estas son las herramientas que me gusta usar, pero de ninguna manera son las únicas, o incluso quizá las adecuadas para ti. He experimentado con muchos tipos diferentes y definitivamente deberías experimentar también. Algunos ilustrados usan bolígrafos de pincel para tinta su trabajo, algunos usan bolígrafo y tinta con plumines, algunos tintarán con el pincel, algunos solo tinta con un bolígrafo regular, y otros hacen todo el cómic en el ordenador. También es posible que quieras tener una goma de borrar amasada y alguna cinta de enmascaramiento para este proyecto. 5. Técnicas de escritura: Técnicas de escritura. Hacer un cómic implica tomar muchas decisiones. Tendrás que decidir qué momento mostrar y no mostrar, cómo enmarcar ese momento, cómo dibujar ese momento, cómo integrar palabras con ese momento, y finalmente, cómo guiar al lector al siguiente momento. Pero antes de nada de eso, tenemos que tener una historia. Soy una especie de contenido es tipo rey de creador, por lo que la historia es la parte más importante del proceso para mí. Si tienes una mala historia, la obra de arte más bella del mundo nunca va a poder salvarla. Una historia fuerte hace un cómic fuerte. La buena noticia es que los cómics son como cualquier otra forma de narración, y las reglas básicas de narración se aplican aquí igual que en cualquier otro lugar. Aquí te dejamos un esquema de trama básica. En primer lugar tienes la introducción y el ajuste. Entonces tienes el problema o la acción. Entonces tienes el clímax donde te ocupas del problema. Entonces tienes la resolución o la solución al problema. Después tienes el final y el envolver. El consejo más grande que puedo dar al escribir tu trama es, no dejes que tu personaje se vaya fácil. Veamos un ejemplo. Diga que el problema de su personaje es que tiene frío y no quiere tener frío. Este sería un ejemplo de dejarla libre fácil y escribir una historia aburrida: “Chico, tengo frío. Ojalá pudiera calentarme”. Ella gira la cabeza. “ ¡Di, mira aquí, una manta! Ahora soy todo cálido y acogedor.” Fin de la historia. Ver? Completamente aburrido. Ahora veamos un ejemplo de no dejar fácil al personaje. “ ¡Vaca santa, tengo tanto frío que se me podrían quitar los dedos!” Ella gira la cabeza y ve agresivo perro de su compañera de cuarto durmiendo sobre la única manta de la casa. Ella se pone de puntillas, trata de tirar suavemente de la manta, y luego el perro abre un ojo y comienza a gruñir. Ver? Un poco más emocionante. Estamos haciendo las cosas difíciles para el personaje, y eso hace que tu historia sea mejor y más interesante. También le da a tu público la oportunidad de arraigar al personaje y esperar que consiga lo que quiere. cómics tienen múltiples usos diferentes para las palabras y se escriben de manera diferente a lo que sería una novela o un solo texto historia. Estas son las diferentes formas en que puedes eslingar palabras para contar tu historia gráfica: primero tienes diálogo, que es el texto y el habla burbujas. Entonces tienes narración, que también es como subtitulaciones y también es una forma de punto de vista omnisciente en tercera persona, como un narrador que habla. Entonces tienes efectos de sonido como bang, ding, y pam. A continuación te presentamos algunos otros consejos para escribir a tener en cuenta mientras estás trabajando en tu historia: número 1, muestra, no cuentes. Si puedes mostrar algo con imágenes en lugar de palabras, generalmente es mejor en los cómics usar imágenes. Entonces en lugar de que tu personaje diga: “Me siento triste”, muéstrale al lector que están tristes. ¿ Está llorando? ¿Le cuelga la cabeza? ¿ Se está revolcando en el sofá? Punta número 2, cuantas menos palabras, mejor. Si una palabra no es necesaria, sácala. No necesitas palabras descriptivas cuando tienes fotos. Consejo número 3, mantén tu conteo de palabras en burbujas de habla por debajo de 30 palabras. Esta es una pauta y no una regla dura, y definitivamente puedes romperla si funciona, pero es un buen recuento máximo a tener en cuenta y obligarte a editar un poco tus palabras. Después de 30 palabras, tu burbuja del habla comenzará a hacerse cargo de todo el panel muy probablemente. 6. Escritura del esquema: Entonces ahora vamos a sumergirnos en hacer nuestro propio cómic. El primer paso en el proceso es escribir el esquema de tu historia. El proyecto aquí es hacer un cómic de una página inspirado en un recuerdo de infancia. Entonces, empecemos por la lluvia de ideas de los recuerdos de la infancia. Ahora escojamos el recuerdo que queremos usar para nuestro cómic. El mío va a ser un recuerdo de infancia que tengo de conducir por una colina empinada para llegar a la cabaña de mi abuela en el bosque. Entonces ahora hagamos una lista de lo que pasó en nuestra memoria. Este es esencialmente nuestro esquema de historia. No te preocupes por escribir oraciones completas en este momento o incluso tratar de que tu escritura suene bien, solo nos estamos centrando en la idea de la historia y la línea de la trama ahora mismo. 7. Combinación de palabras e imágenes: Combinando palabras e imágenes. Entonces ahora tenemos nuestro esquema de historia y estamos listos para escribir. Pero escribir un cómic se trata de correr con palabras e imágenes. Entonces veamos cómo los dos pueden trabajar juntos para comunicar un mensaje. En el libro de Scott McCloud, Making Comics, que recomiendo mucho leer, expone cinco maneras en que se pueden combinar palabras e imágenes. En primer lugar, tenemos palabra específica. En este combo, las palabras te dicen todo lo que necesitas saber mientras que las imágenes resaltan parte de lo que se está diciendo. El segundo combo es específico de imagen. En este combo, las imágenes te cuentan todo lo que necesitas saber mientras las palabras resaltan parte de lo que se está diciendo. En dúo específico, las palabras e imágenes prácticamente dicen lo mismo. Al entrecruzarse, las palabras y las imágenes ayudan a comunicar el mismo mensaje, pero cada uno también dice algo que el otro no dijo. Por último, en interdependiente, las palabras y las imágenes trabajan juntas para decir algo que ninguno podía decir solo. No necesariamente hay un cierto combo que funcione mejor que otros, y todos tienen su lugar para ciertos usos. Pero en general, tu cómic será más fuerte si usas combos que permitan que tus palabras e imágenes trabajen juntos para contar la historia, en lugar de que uno cuente la historia y el otro simplemente repitiendo lo dicho. También es una buena idea mezclarlo y usar diferentes combos a lo largo de tu historia. 8. Thumbnailing con palabras: Ahora podemos empezar a miniaturas nuestra historia visualmente en la página. En primer lugar tomaremos nuestra lista y la desglosaremos en grupos, rodeando las partes más importantes de la historia. Ahora combinaremos partes juntas. Piensa en estas cosas para combinar partes: ¿Qué se puede mostrar en un solo panel? ¿ Qué hay que mostrar? ¿ Qué se puede mostrar pero no se dice? ¿ Qué se puede eliminar? Ahora el número de partes importantes que has girado en círculo será el número de paneles que tengas en tu cómic de una página. Para un cómic de una página como este proyecto, cinco paneles es probablemente un buen número para filmar. Pero de nuevo, tu historia debería ser el conductor y tú debes hacer lo que sea correcto para tu historia. En mi ejemplo aquí, empecé a pensar que tendría cinco paneles, pero como seguía trabajando, en realidad terminé con ocho paneles. Entonces, solo mantente flexible mientras estás trabajando. Después de haber girado en círculos tus partes importantes, dibuja un rectángulo rápido para representar tu papel. Después dibuja algunos paneles en tu rectángulo. Solo estamos dibujando diseños en este momento y no tienes que preocuparte por mantener tus líneas súper rectas o formas consistentes. Llegaremos a todo eso más tarde. Puedes usar mis plantillas de panel en la página de asignación del proyecto como pauta aquí si lo deseas, o puedes hacer las tuyas propias. Ahora voy a empezar a colocar en mi historia. Primero solo escribiré en mi esquema de trama en las cajas para ver cómo encaja en los paneles. Probablemente haré este paso varias veces hasta que sienta que he roto la historia de la mejor manera. Es por eso que hacer bosquejos pequeños es agradable para que puedas iterar rápidamente. Una vez me gusta cómo se rompe la trama y me gusta la disposición de los paneles, realidad puedo empezar a escribir un poco más. Ampliaré la escritura en cada caja, posiblemente escribiendo en diálogo, narración, o efectos de sonido. Esta etapa también se repetirá muchas veces hasta que se sienta bien. De nuevo, ten en cuenta que estás escribiendo puede y probablemente cambiar a medida que seguimos adelante. Una vez que empecemos a agregar en imágenes, es posible que encuentres que algunas palabras y oraciones ya no son necesarias, o puede que necesites algunas más. Así que mantente flexible y no te cases con una sola idea. 9. Transiciones de panel: Transiciones de panel. Cuando comienzas a dibujar tus paneles, es importante considerar la transición entre paneles, lo que significa cómo se van a leer los paneles en secuencia. Scott McCloud ha nombrado cinco transiciones de panel que creo que ayudan mucho a la hora de planear sus dibujos. A la primera transición del panel se le llama momento a momento. La definición de McCloud es una sola acción retratada en una serie de momentos. Entonces un ejemplo sería cepillarte los dientes. Se puede ver en estos tres paneles que estás viendo pasar la acción mientras mueve su cepillo de dientes de derecha a izquierda. Esto es útil para frenar el ritmo de tu tensión cómica o de construcción. El segundo panel de transición es acción a acción. Un solo sujeto en una serie de acciones. Esto es útil para acelerar el ritmo y mostrar mucha acción en una pequeña cantidad de espacio. Entonces tenemos sujeto a sujeto, una serie de sujetos cambiantes dentro de una sola escena. Esto permite enfocar la atención del lector solo mostrándoles a qué deben estar prestando atención en cada panel. A menudo se usa cuando dos personas están hablando de ida y vuelta en conversación. Después tenemos escena a escena, transiciones a través de distancias significativas de tiempo y o espacio. Esta transición te permite saltar detalles sin importancia y saltar adelante en el tiempo. El transición final es de aspecto a aspecto. Transiciones de un aspecto de un lugar, idea, estado de ánimo a otro. Esta transición ayuda a crear emoción y estado de ánimo y le da al lector tiempo para absorber. 10. Thumbnailing con bocetos: Ahora tenemos toda nuestra historia tramada en palabras y paneles, así que empecemos a dibujar. Esto es de nuevo sólo un proceso de prueba y error, dibujando los mismos paneles en páginas una y otra vez hasta que sienta que funciona. Experimenta y juega alrededor. Estos son solo bocetos, así que no te preocupes por dibujar a la perfección. Enfócate en averiguar lo mejor para dibujar en cada panel, no la mejor manera de dibujarlo. Solo estamos colocando sujetos y personajes en este momento. Enfócate en colocar personajes, sujetos y escenas en los paneles. Te recomendaría quedarte a pequeña escala como antes, para que puedas iterar rápidamente y no te tentarás a dibujar con muchos detalles. 11. Sincronización: El cronometraje. Los cómics son diferentes a otros tipos de escritura y dibujo porque hay que considerar el sentido del tiempo en tu historia. De esta manera, es casi más parecido a escribir una película o animación que a una novela o libro de capítulos. Will Eisner, en su libro, Comics and Secuential Art, habla sobre la diferencia entre el tiempo y el tiempo. En sus palabras, el tiempo es una acción simple cuyo resultado es inmediato como lo sería en la realidad, y el tiempo es una acción simple en la que el resultado sólo se extiende más allá de su duración real para realzar la emoción. Entonces el tiempo es como visto que algo sucedió en tiempo real, y el tiempo es como visto sucedió algo que se ha acelerado o ralentizado para comunicar algo, despertar emoción, o llamar la atención. Veamos un ejemplo. Diga, estamos hablando de un momento en el que una chica inesperadamente ve al chico del que le enamora. el tiempo, ella caminaba, pasándola bien, después ve al chico, oleaba, y él volvía hacia atrás. Prácticamente en tiempo real. Pero veamos el mismo momento si lo ampliamos usando el tiempo para despertar emoción y llamar su atención sobre esta acción. En el momento, ella anda caminando, pasando un buen rato, luego ve al chico. Su expresión facial cambia, se ruboriza, hacemos zoom en su cara. Ella ondea tímidamente, y él regala hacia atrás. Por lo que se puede ver que el momento se ha extendido y exagerado aquí para cruzarse con la sensación de que realmente le gusta este chico, y para poner énfasis al momento. No siempre se debe usar el tiempo para cada momento en tu comentario. Pero es una buena herramienta para enfocar la atención del lector, y decirles: “Oye, esto es importante, así que presta atención”. También hay otras formas en que puedes afectar tiempo además de cómo dibujas a tus personajes en acción. El número de paneles que elijas usar en una página puede cambiar el tiempo y el ritmo de tu historia. Generalmente, más paneles comprimirán y acelerarán el tiempo, mientras que menos paneles se expandirán y ralentizarán el tiempo. La forma y el tamaño de cada panel también afecta el ritmo. Los paneles más pequeños pueden acelerar el tiempo y el ritmo, mientras que los paneles más grandes pueden ralentizar el tiempo y el ritmo. Cambiar los tamaños y formas de sus paneles también puede agregar tensión e interés si se hace bien. Por último, las burbujas del habla también pueden ayudar a marcar el ritmo de tu historia. Mucho diálogo o narración en un panel va a frenar físicamente al lector sólo por tener que leer todo ese texto. Si bien menos diálogo le permitirá a su lector leer más rápido. También hay diferentes tipos de formas de burbuja del habla que puedes usar. Hay una burbuja normal del habla, que se utiliza para el diálogo típico. La burbuja en forma de nube que a menudo se usa para pensar, y una burbuja de borde dentada que a menudo se usa para gritar o tecnología como alguien que habla por un teléfono celular. Por último, las letras pueden ayudar a acelerar tu historia. Las letras pequeñas ralentizarán tu historia, y las letras expresivas grandes, como si tu personaje estuviera gritando histéricamente, pueden acelerarlo. 12. Dibujo de los paneles: El siguiente paso en nuestro cómic es refinar nuestros bocetos. Hay muchas formas diferentes de hacer esto, y cada cómic podría requerir un proceso ligeramente diferente. Pero esto es lo que generalmente me gusta hacer. Tomo mi boceto de miniaturas favorito y lo escaneo en mi computadora. Entonces lo vuelo hasta 8.5 por 11 o lo que sea mi tamaño final va a ser en un Photoshop u otro programa de edición. Después redibujo los paneles con la herramienta de rectángulo para asegurarme de que todo esté recto, alineado y espaciado uniformemente. No tienes que hacer este paso en absoluto si prefieres tener líneas incómodas, solo depende del estado de ánimo y estilo que vayas a buscar. Entonces a veces escribiré mi texto para que después pueda tenerlo espaciado correctamente, y a veces lo haré a mano alzada por completo. Después imprimiré el boceto y las líneas del panel a tamaño completo. En este caso, te recomiendo dimensionar tu cómic de una página en 8.5 por 11. Entonces colocaré el boceto de soplado en mi Lightbox, o puedes pegarlo a una ventana si no tienes un Lightbox. Colocaré una hoja de tablero de Bristol arriba y luego trazar ligeramente los paneles a lápiz sobre el tablero de Bristol. Puedes usar una regla si quieres mantenerlos completamente rectos, pero me gusta solo un poco de imperfección, así que en este punto, lo hago a mano alzada. 13. encuadre: Encuadre. Después de haber elegido en qué momento quieres dibujar dentro de tu panel, tienes que decidir cómo lo vas a dibujar, y aquí es donde entra el encuadre. El encuadre es seleccionar qué elementos específicos mostrar e incluir en el marco de su panel. Estas son algunas cosas a considerar. La forma de los paneles que enmarcan tus dibujos también puede afectar la participación del lector. Estos son algunos ejemplos de cómo puedes usar formas de panel para dibujar a tu lector y comunicar emoción y estado de ánimo. Paneles largos aluden a la altura y potencia. Los paneles en forma de nube suelen indicar un flashback o memoria del pasado. Elementos que atraviesan el panel crean tensión y aluden al poder o a la emoción alta. Ninguna línea de panel alude al espacio amplio, límites ilimitados y puede ayudar a configurar la atmósfera. Incluso puedes usar un elemento de tu dibujo como marco de panel, incluyendo una puerta, ventana o árboles. Esta es una gran manera de involucrar al lector en la historia y dibujarlos. 14. Dibujo de la historia: Después de trazar mis paneles, paso a trazar el boceto. Hago esto muy a la ligera porque realmente sólo estoy tratando de conseguir la composición general que ya trabajé en el boceto. Una vez que tengo eso abajo, apago la caja de luz, quito el tablero de Bristol y empiezo a refinar y finalizar el dibujo, agregando en detalles y trabajo de línea. 15. Entintado y lettering: Una vez que tengas tu dibujo final completo, recomendaría escanearlo en tu computadora a 600 DPI, si acaso te estropeas la etapa de entintado. De esa forma siempre puedes imprimirlo e intentarlo de nuevo, o al menos tener el dibujo original a mirar. Ahora podemos romper las plumas que mencioné en el video de materiales. Me gustaría empezar entintando los paneles para saber exactamente por dónde empezar mis otras líneas entintadas. Se puede experimentar con entintado los paneles y líneas gruesas o delgadas, y ambos pueden funcionar muy bien. Entonces empezaré con mi pluma de tamaño mediano y comenzaré a entintar los contornos mayores. Todo esto es solo una parte de mi estilo y de la forma de entintar que me gusta. ninguna manera se te requiere tinta de esta manera. Experimenta con todo tipo de diferentes formas de entintado y ve qué funciona mejor para ti. Después de terminar las líneas medias, usualmente pasaré a las líneas pequeñas y luego terminaré con las líneas extra pequeñas. Entonces pintaré mis letras. Un consejo aquí es que puedes hacer que algunas de tus palabras audaces para crear sonidos en el oído interno de tu lector. Cuando alguien lee un cómic, realidad lo está oyendo en la cabeza. Por lo que darles pistas como palabras audaces, tener algunas palabras en todos los gorros, o con líneas jaggedy puede ayudar a dar al lector pistas sobre cómo escuchar las palabras. Esto es generalmente mal visto en la mayoría de la escritura, como en las novelas, pero en los cómics, todo va y funciona totalmente. Después de que mi letra esté entintada, borraré todo el lápiz. Puedes parar aquí y tu cómic está hecho con los contornos, o puedes seguir adelante y rellenar algunas formas negras para darle un poco más de profundidad y contraste a tu cómic. Muchos cómics son en blanco y negro, pero también puedes elegir colorear tu cómic si quieres. Algunos artistas hacen esto a mano tradicionalmente, pero muchos artistas del cómic escanearán en su trabajo en este punto y lo colorearán digitalmente. Consulta algunas de mis otras clases si te interesa más información sobre coloración digital. 16. Para terminar: Muchas gracias por tomar esta clase y espero que aprendas algunos consejos para dibujar cómics. Espero que decidas hacer cómic tu propia página web y no puedo esperar a ver qué se te ocurre. Puedes subir tu proyecto a la galería de proyectos, haciendo clic en el botón Iniciar tu proyecto en la página del proyecto de la clase. También puedes revisar el trabajo de tus compañeros estudiantes y ver cómo abordaron la narración secuencial. Miro cada proyecto que está publicado en la galería de proyectos y siempre me emociona ver tu trabajo. Diviértete escribiendo y dibujando, y no puedo esperar a ver qué se te ocurre.