Dibujar para storyboards

1. Introducción: Hola ahí. Bienvenidos a la clase. Estoy tan contenta de que te inscribieras y estoy realmente emocionada de que vayamos a hacer este viaje juntos para explorar el dibujo para la animación y los storyboards. En este video de introducción, voy a explicar cómo se presenta la clase para que sepas qué esperar. También te daré algunos punteros sobre cómo sacar el mejor provecho de ello. En los primeros videos, voy a hablar un poco sobre dibujar sobre papel. Muchos alumnos de mis otros cursos dibujan en papel, no en formato digital. Realmente quería aprovechar la oportunidad aquí para compartir algunos consejos y trucos que podrían ayudarte en tu proceso de dibujo, especialmente para storyboarding. También quería explicar cómo importar tu dibujo a Photoshop si querías tomar tu arte dibujado a mano y luego trabajar en él en formato digital. Entonces el resto de la clase está en tres secciones principales; personajes, fondos, y secuencias de dibujo. Cuando se trata de dibujar personajes, les voy a mostrar la taquigrafía y las convenciones de dibujo que son más utilizadas en toda la industria de la animación. Te mostraré cómo posar a tus personajes y también cómo dibujar emociones y expresiones de carácter fuertes. No necesitas ser diseñador de personajes, pero podrás tomar cualquier personaje que se te dé y redibujarlo en multitud de poses. Entonces en la sección sobre fondos, te mostraré cómo visualizar rápida y fácilmente una escena. También te daré una visión general de perspectiva del artista de storyboard. Qué perspectiva es, cuándo usarlo en tu trabajo y también por qué. En la última sección, entonces veremos cómo juntar todas estas técnicas de dibujo cuando estamos dibujando secuencias para storyboard. Eso significa qué tomas y ángulos puedes usar, qué patrones de guión gráfico son, y cuándo puedes usarlos. Entonces, en última instancia, formas en que puedes entender el lenguaje visual del cine que puedas idear tu propio estilo único para visualizar historias, para hacer películas, y para la animación. A lo largo de la clase, hay asignaciones para que hagas. Llegarás a dibujar una hoja planteada de personajes, además de dibujar fondos, y al final va a haber un proyecto de clase grande. Te voy a dar lo que se llama un pack divertido y un guión. Si estuvieras trabajando en un estudio de animación en un programa de televisión, probablemente esto sea lo que recibirías. Un divertido pack contiene diseños de personajes así como diseños. También te daré un guión de una página que llegarás a dibujar tu propio storyboard desde cero. Hay mucho que cubrir. Estoy muy emocionado de que estés aquí. Creo que esta clase va a ser una excelente adición a tu conjunto de habilidades visuales y creativas existentes. Esto te abrirá puertas para que realces tu trabajo e incluso tu trayectoria profesional. Gracias por acompañarme en este viaje de dibujo. Vamos a sumergirnos. 2. Dibujar en papel: Una parte muy grande de los estudiantes en ambos cursos de storyboarding en realidad hacen su trabajo en papel. Yo quería animarte a que si no tienes software o equipo para dibujar digitalmente, entonces todavía puedes hacer storyboards con lápiz y papel. Para los materiales, puedes usar cualquier cosa que realmente te guste. El básico sería papel viejo liso en tu cuaderno de bocetos y algunos lápices. Pero incluso puedes usar un bolígrafo, o un marcador, o un palo de carbón, lápiz de carbón, si eso te funciona. Tengo una goma de borrar amasada. Pero si tienes un borrador normal, regular, entonces eso también está bien. Quería compartir un consejo contigo para dibujar a mano si estás dibujando storyboards. Específicamente, es decir, en lugar de trabajar en tu cuaderno de bocetos, puedes usar solo una pila de papel de cartucho o papel de impresión. Este es papel de nuestra impresora doméstica. Es tamaño estándar, peso estándar. El asunto de esto es que puedes usar montones y montones de hojas de papel y no estás trabajando en caro papel de cuaderno de bocetos. Ahora, obviamente, lo que pasa con dibujar digitalmente es que sí tienes mucho margen para cambiar tu dibujo, o borrarlo, o incluso rehacerlo. Realmente no tienes esa opción con lápiz y papel. Mi consejo es esbozar tus líneas de construcción rugosas muy ligeramente o dibujar tus bocetos en bruto por separado y luego redibujarlos con detalles más precisos. Creo que la clave es trabajar a la ligera tanto como puedas. Podrás comenzar tus líneas de construcción. Ni siquiera sé si se puede ver esto, extremadamente a la ligera. Entiende a dónde vas, qué vas a hacer con tu dibujo. Entonces puedes volver a entrar y poner en una línea más definida. Lo que solíamos hacer mucho tiempo atrás en la escuela de animación, cuando estudiaba animación, es que si tuviéramos que dibujar sobre papel, solíamos usar ya sea un lápiz azul o rojo para el boceto inicial, y luego iríamos sobre ella con un lápiz de plomo. Ahora, la marca que usamos en aquel entonces se llamaba Col-Erase Pencils. Tenían una goma de borrar en la punta y podrías conseguirlas en diferentes colores. No estoy del todo seguro, no estoy 100 por ciento seguro por qué usamos lápices de colores, pero podría equivocarme aquí, creo que tiene que ver con eso atrás en los viejos tiempos de la animación dibujada a mano, solían fotocopiar mucho dibujos. Creo que si dibujas con un lápiz azul, las líneas no se copian cuando las fotocopias. No estoy 100 por ciento seguro. No me cites en eso, pero creo que de ahí salió la idea. Lo que haces es digamos que estamos dibujando un panel de storyboard y tenemos algunos paneles así. No tengo un lápiz Col-Erase, acabo de tener este rojo, pero es el mismo principio. Voy a bosquejar rápidamente en mi composición, ver qué es lo que quiero en este marco. Estoy haciendo lo estándar que siempre hago. Mira, aquí hay un paisaje con un árbol. No va a ser muy interesante, pero solo quiero que te hagas la idea. Entonces di que tal vez tenemos un primer plano del vaquero del curso anterior de storyboarding, consiguió su primer plano ahí. A lo mejor está mirando el arma en sus manos. Tenemos un extremo primer plano aquí de su arma. Entonces, ¿qué vemos en la final? A lo mejor volvamos al paisaje. Eso lo invento por completo. Eso no tiene nada que ver con nada, pero solo te estoy mostrando eso para que veas cómo puedes trabajar con un lápiz de color y luego repasarlo. Voy a tomar, esto es sólo un lápiz a B. Pero digamos que he resuelto lo que quiero en estos dibujos. Yo voy a ir, “Ahora sólo puedo escoger una línea y trabajé muy limpio, con mucho cuidado”. Tenemos colinas de fondo. Es una manera muy bonita de trabajar. Tienes una guía debajo en un color diferente. Incluso si dibujas lo suficientemente oscuro con tu trabajo de línea, probablemente podrías volver a entrar y borrar las líneas rojas. Bastante. Yo no haría los cuatro paneles completos. Esto es solo para darte una idea, tal vez haya una roca en el frente. Esa es también una de esas formaciones rocosas de tipo occidental. Mi último consejo para dibujar sobre papel es un poco extraño, pero es bueno saberlo porque en animación, lo que estás haciendo prácticamente todo el tiempo es volver a dibujar las cosas una y otra vez. Todos sabemos que ese es el proceso para la animación, para el storyboarding de todos modos. Es posible que tengas que volver a dibujar un fondo. Ciertamente, vas a estar redibujando personajes en paneles todo el tiempo. Si estuviéramos en un estudio y estás dibujando sobre papel, entonces lo que harías es usar una caja de luz. Pondrías tu dibujo hacia abajo en la caja de luces, encenderías la caja de luz y colocabas otra hoja de papel en la parte superior. Entonces podrías trazar tu dibujo y cambiarlo para el siguiente panel o agregar más caracteres en, cualquiera que sea el caso. Ya que no estamos en un estudio, si sí quieres trazar tu trabajo de línea, entonces te sugiero que uses este consejo muy extraño. En primer lugar, permítanme sólo hacer un dibujo. Para efectos de este ejercicio, sólo redibujaré este panel aquí del vaquero. Acabo de acelerar el video para que pueda superarlo y mostrarle el proceso si quería redibujar a este personaje o rastrearlo. Voy a hacer rápidamente lo mejor de un boceto que pueda. Por cierto, este también es un proceso extremadamente bueno si quieres trazar sobre tu dibujo áspero. Tengo mi dibujo. Lo voy a llevar a una ventana, lo creas o no, y simplemente pegarlo en la ventana o usar lo que estoy usando ahí, que es presionar tick y simplemente pegar una hoja de papel limpia encima de ella. Ahora bien, si me acerco, en realidad se puede ver lo claro que bajo el dibujo brilla a través de su hoja de papel. De verdad, es solo cuestión entonces de seguir el trabajo de línea y trazar tu dibujo. Ahora bien, no es el método más fácil del mundo porque estás de pie y tienes que dibujar en la ventana. Puede ser un poco agotador. No es ideal, obviamente, pero es un hackeo realmente bueno si estás en casa. Si necesitas limpiar tus dibujos o agregar más detalles a un dibujo existente o copiar un dibujo, entonces esta es solo una solución realmente buena si no tienes una caja de luz. Estoy tratando de mantener mi línea de trabajo súper limpia y crujiente, y no dibujar áspera. Esa es la belleza de esta forma de dibujar. En realidad, dibujar sobre panel de vidrio es una superficie muy agradable para trabajar en líneas agradables y limpias en realidad. Bueno, para mí de todos modos, mi segundo dibujo nunca va a ser exactamente como el primero. Siempre tiendo a perderme las líneas. Pero de todos modos obtienes la idea. Eso es más o menos. Si tomo este dibujo hacia abajo y los comparo uno al lado del otro, podrás ver qué tan efectivo es esto. De verdad sólo me tomó un par de minutos. Esos son mis consejos para dibujar storyboards sobre papel. Ahora bien, algunos de ustedes podrían preferir hacer sus dibujos en papel, y luego escanearlos en la computadora para que pudiera trabajar en ellos con color. Colorea tu obra de arte en un programa como Photoshop. 3. Demostración de cómo dibujar en papel: Esto es realmente solo un video de proceso rápido para dibujar personajes. Solo quería mostrarte cómo podrías acercarte si estás dibujando sobre papel. Más adelante en el curso, estaré entrando en mucho más detalle sobre el acercamiento adecuado al diseño de personajes, cómo construir tus personajes, cómo trabajar con formas básicas. Si quieres trabajar a mi lado en este video, quizá ve a revisar esos fundamentos, esos principios al principio y luego vuelve. Pero quería tener algo, algún tipo de dibujo sobre papel que pudiera usar para mostrarte cómo escanear tu trabajo y cómo preparar tu obra de arte desde el papel a un formato digital. Voy a hacer un boceto rápido de un personaje pirata. He estado trabajando en una alineación de personajes piratas para mi guión. Estoy dibujando muy a la ligera, muy gesturalmente, muy, muy suelto, y áspero. Se metió las manos en las caderas. Déjame ver. Podría hacer otra también, tal vez una forma de personaje contrastante. Estoy usando un lápiz de color sepia muy claro así que voy a repasar estos dibujos ásperos a continuación con mi lápiz de plomo. Pero esta es sólo una forma muy difícil de esbozar mis ideas iniciales. Déjame hacer una más. El tipo capitán. Ya he hecho este personaje una y otra vez por lo que podrías estar completamente aburrido de verme dibujar a este personaje pirata, pero es solo que es uno fácil para mí dibujar. Creo que por eso me vuelvo a caer sobre él con bastante frecuencia. Ahora que tengo un dibujo extremadamente rudo abajo en mi página, voy a cambiar a mi lápiz de plomo y empezar a dibujarlo de nuevo. Obviamente, no hay mucho detalle en el que trabajar, pero al menos en mi mente, he bajado una guía. He bajado algunas formas básicas que voy a seguir. Sólo estoy usando mi lápiz para ahora volver a dibujar eso. En realidad lo estoy inventando más o menos a medida que voy, pero siento que tengo alguna base sobre la que trabajar. Como dije, voy a hablarles a través de un proceso mucho más detallado más adelante. Si sientes que faltan algunos pasos, solo aguanta conmigo y llegaremos a eso en el video de diseño de personajes más adelante. Como puedes ver, solo lo estoy alando un poco y lo inventando. Pero sí quise señalar que cuando estoy trabajando con lápiz sobre papel, trato de variar un poco mi trabajo de línea. Dibujaré un poco ligeramente en algunas zonas y luego un poco más definido y más pesado en otras áreas. Esta es una buena práctica porque hace que tu línea funcione un poco variada, y te ayuda a practicar un buen trabajo de línea limpia también. Te ayuda a ganar confianza en tus linework. Este tipo tiene las manos en las caderas. Simplemente estoy bloqueando en algunas formas para la mano y siguiendo los hombros hasta el otro lado y dibujando este brazo. Se sale al codo y luego entra de nuevo a la cintura así. sencillos, básicos de forma realmente. La idea para este video de proceso es mostrarte cómo escanear tus dibujos en. Con eso en mente, no necesariamente necesito hacer un dibujo completamente terminado, totalmente definido sobre papel. Porque voy a escanear esto, hay una oportunidad para mí de rehacer esto en Photoshop y de ordenarlo en esa etapa. Va a tener pececitos, tal vez sin zapatos. Simplemente vemos sus dedos de los pies y sus pies así. Entonces piernas piernitas flacas. Voy a seguir adelante y hacer sólo un dibujo más. Creo que solo trabajaré hasta dos personajes. Este es el capitán pirata. Estas van a ser sus cejas. Me gusta tratar de bajar las características, las principales características de la cara para que el resto de la cabeza pueda caber alrededor de eso. Una vez que tengo la cara arreglada, entonces siento que sé más o menos y explorar el resto del dibujo necesita ir. Tiene un gran bigote. Tiene su gran sombrero pirata. Entonces su muy salvaje barba larga. Voy a indicar sus hombros, dibujar sus brazos bajando como este en adelante. Para las proporciones generales, voy a mantener sus pies bastante pequeños. Lleva botas. La idea es que la forma principal de este personaje es este gran vientre redondo, y tiene piernas pequeñas debajo, pies pequeños. Entonces su otro brazo simplemente va ahí así. Voy a acabar con la barba. No trabajaré mucho más en este dibujo. Yo solo quiero ponerlo lo más cerca posible para terminar. Eso es más o menos. Lo dejaré ahí por estos dos dibujos. Entonces en el siguiente video, te voy a mostrar mi proceso para escanearlos con el fin de poder colorearlos o al menos refinarlos en Photoshop. Acompáñame para eso en el siguiente video. 4. Escanea tu arte: Déjame mostrarte lo que haría si fuera a escanear este dibujo. En primer lugar, lo pondría boca abajo en mi escáner. Este es mi escáner particular que estoy usando, es parte de mi impresora. Después voy a las preferencias del sistema porque estoy en un Mac y abro impresoras y escáneres. Voy a dar clic en “Escanear” y luego abrir escáner. Una vez que el escáner se calienta, te da esta visión general aquí a la izquierda. Sólo para estar seguro, siempre hago clic y arrastro alrededor de la imagen que quiero que me escaneen, es más o menos lo mismo que toda la página. Puedes dejarlo en Color, pero aquí es donde cambiaría de cualquier cosa baja, como 75 a 300 DPI. Entonces tienes una opción de dónde quieres enviar tu escaneo. Puedes elegir otro si quieres ponerlo en una carpeta específica, pero para mí los documentos están bien. Lo único que cambiaría es esto, no quiero que se llame Escanear, así que solo teclearé el nombre del archivo y pincharé en “Escanear”. Es así como se va a enviar a mi computadora. Si no tienes escáner, solo puedes tomar una foto con tu teléfono o con una cámara digital y enviarla a tu computadora de esa manera. Ahora que se escanea el dibujo, lo voy a traer a Photoshop, ajustarlo un poco para que esté listo para trabajar en software de dibujo digital como Photoshop. Simplemente puedes arrastrarlo hacia abajo a tu aplicación y se abre así. Ahora viene en esta orientación, así que voy a ir a Imagen, Rotación de Imagen y Girar 90 grados en sentido horario. Lo que voy a hacer es intentar y simplemente aumentar el contraste, hacerlo un poco más oscuro. A lo mejor borrar estas líneas que no necesito porque al final quieres hacer una de dos cosas. Quieres o redibujar este boceto en Photoshop y hacerlo dibujo digital, usando esto como guía, o quieres mantener tu línea de trabajo y color debajo de él. Con la capa de fondo seleccionada, sólo voy a hacer un par de ajustes muy leves. Puedes jugar con estos tanto como quieras. Hay toda una carga de diferentes formas de aumentar el contraste en tu dibujo. Este es solo el flujo de trabajo que suelo hacer. Aumento el brillo, digamos a brillante ahí, tal vez no tan brillante. A lo mejor aumentar el contraste, Ver qué pasa. Basta con hacer click en “Aceptar”, por ahora. Lo que podría hacer es ahora intentar jugar un poco con los niveles de la imagen. Los niveles afectan la oscuridad y el brillo de tu dibujo. Se puede aumentar la oscuridad, y se puede ver ahí mi dibujo se está poniendo un poco más oscuro. También puedo ajustar el valor medio arrastrando ese deslizador, incrementalmente hacia adelante. Yo no iría en grandes pasos con tus niveles porque puedes perder mucha integridad en tu dibujo. Al igual que por ejemplo, si empujo al blanco todo el camino allá arriba, ya ves que estoy perdiendo mucho. Simplemente experimente en etapas graduales con eso. Voy a dar clic en “Aceptar” por ahora. Se ve un poco mejor. Otra cosa que podrías hacer es sacar al editor de curvas. Vamos a Imagen, Ajustes y elige Curvas o pulsa Command Control M en tu teclado. Una forma muy útil de hacerlo es simplemente arrastrar el gráfico de abajo a la izquierda y empujar hacia arriba la parte superior derecha. Tal vez alguna vez tan ligeramente. Entiendes la idea. Hace prácticamente lo mismo en esta instancia que los niveles. Ahora lo que voy a hacer es solo presionar M en mi teclado, clic y arrastrar sobre este Comando o Control C para copiar y Control de Comando V para pegar. Ahora puedo deshacerme de esta capa de fondo, y voy a llenar una capa debajo de ella, podrías elegir el mismo tono que tu página si quisieras. Pulsa G en tu teclado. No va a ser exactamente lo mismo porque el papel tiene diferentes tonos derivados, pero eso es lo suficientemente cerca. Después arrastra eso hacia el centro, ajústalo ligeramente. Ahora estás listo para, como dije, o bien pintar debajo de esto o redibujarlo. Si quieres redibujar esta imagen, solo tienes que crear una nueva capa encima de tu dibujo, bajaré un poco la opacidad de esta capa para que puedas ver lo que estás haciendo y literalmente entrar realmente súper cerca y con un cepillo para empezar a redibujar con una línea mucho más limpia, más suave. Pero como tienes debajo tu dibujo áspero, va a ser muy fácil. Esa es una manera. Si no querías hacer eso, si querías mantener tu trabajo de lápiz original y querías pintar debajo de él. Digamos que queremos darle un tono de piel. Voy a pintar debajo de esto. Ponga un pedido para que la pintura realmente se muestre por debajo del trabajo de línea. Necesito cambiar el modo de mezcla de mi capa de dibujo a Multiplicar. Básicamente la capa en la que está tu dibujo escaneado que necesita ir a Multiplicar. De esa forma tendrás tu dibujo de línea. Ahora bien, si quieres hacer eso, probablemente tengas que practicar mucho más esta imagen. Podrías ir a Imagen, Ajustes y subir la saturación del matiz. Yo bajaría la saturación y la ligereza un poco. Entonces volvería a mis niveles y muy lentamente apenas empezaba a arrastrar los niveles a los niveles correctos a la izquierda. Ahí te has deshecho de casi la mayor parte de la página. Ahora puedes seguir trabajando en la capa debajo de esto y pintar de lejos. Esas son solo algunas opciones básicas para ti para escanear tu obra de arte, ganar y prepararla en Photoshop. 5. Introducción a cómo dibujar personajes: Para los próximos videos, vamos a ver convenciones y técnicas para dibujar personajes ya sea para animación o para storyboarding. Simplemente te mostraré la forma en que configuro mi documento en Photoshop. Simplemente abriré Photoshop e iré a Crear Nuevo. Entonces puedes elegir ya sea presets anteriores o un conjunto de presets guardados o los que sean específicos para la foto o la impresión. Normalmente hago algo así como voy a ir por aquí y voy poner en 1080 para 1920, y eso son píxeles. Eso es simplemente porque ese tipo de resolución coincide con la grabación de pantalla que estoy haciendo. Pero si lo deseas, otro consejo práctico es ir a imprimir, elegir letra o A4, y simplemente voltear la orientación hacia horizontal. Golpea “Crear”. Entonces tienes un bonito lienzo grande y ancho en el que trabajar. Lo primero que siempre hago es crear una nueva capa sobre esta capa de fondo. Como puede ver, esta capa de fondo está bloqueada. Ahora puedes desbloquearlo simplemente tocando el candado. Pero ya está lleno de blanco. Lo que eso significa es que si sí dibujo en él, no puedo acceder a esas marcas en todo el camino que puedo si está en la capa superior. Si solo deshago eso y dibujo en la capa superior, puedes ver que en realidad solo puedo acceder a esa línea, que en realidad es muy útil. Entonces voy a deshacer eso. Incluso puedes eliminar esa capa por completo si lo deseas. Pero es agradable tener una capa de fondo para trabajar encima. Ahora bien, a algunas personas no les gusta trabajar sobre un fondo blanco marcado. Lo que puedes hacer es quizás cambiar el color. Entonces tengo un color aquí abajo que tal vez sea de color algo empapelado. Si voy a la herramienta de cubo y golpeo ahí, eso me da un bonito fondo tonificado para trabajar. Una cosa útil que hacer es volver a bloquear esa capa solo para que no dibujes accidentalmente sobre ella y simplemente subas a la capa encima para empezar a dibujar. En el siguiente video, vamos a entrar en algunas convenciones y algunas técnicas para dibujar personajes. Definitivamente hay un conjunto de convenciones que puedes seguir. Si estás tratando aumentar tus habilidades de dibujo y tratando de rampar tus habilidades de dibujo, entonces sabiendo escribir estas técnicas simples, estos sencillos enfoques para dibujar figuras y para dibujar personajes realmente, realmente te ayudan a conseguir buenos dibujando personajes de animación. Te veré en el siguiente video. 6. Lenguaje de formas: En este video, voy a explicar algunas de las convenciones de mano corta para dibujar personajes en películas que puedes aplicar a tu trabajo de storyboarding, a tu trabajo de diseño conceptual, y a la animación. De lo que voy a hablar se va a aplicar para estilizar personajes, personajes aspecto no realista porque en su mayor parte en animación, se está trabajando con diseños estilizados, personajes estilizados, y ambientes. Por varias razones, una de las razones es que los personajes estilizados son más fáciles de dibujar una y otra vez, y por lo tanto son más fáciles de animar y son más fáciles de posar. Para empezar, voy a explicar qué es el lenguaje de formas y cómo se usa eso en la animación y el storyboarding. El lenguaje de formas a menudo se conoce como ser realmente importante en tus diseños porque las formas comunican ideas. Eso es crucial para el diseño de personajes porque desde el principio, la forma o el diseño real de un personaje va muy lejos para contarle al público algo sobre ese personaje, dándoles un poco de perspicacia o algo visual pistas sobre su personalidad e incluso sobre su historia de fondo. Es realmente crucial cuando te sientas a dibujar personajes o a idear personajes para ti mismo, pensar en sus formas y lo que dicen las formas de su personalidad específica. Aquí tengo tres formas básicas, probablemente las formas más básicas en diseño. Tienes el círculo, el cuadrado, y el triángulo. En realidad, las formas se entienden más universalmente que los colores. Ahora, los colores pueden significar cosas diferentes en diferentes culturas, pero las formas comunican más o menos la misma idea a través de fronteras culturales. Por ejemplo, un círculo, si piensas en formas en la naturaleza, nubes esponjosas redondas, o flores redondas, o incluso en el sol en el cielo, todas estas formas transmiten ideas que son seguras, reconfortantes, amigables, y que puedes utilizar a tu favor en el diseño de personajes. De igual manera, un cuadrado tiene un conjunto específico de connotaciones. Si piensas en una plaza y miras a tu alrededor, inmediatamente piensas en objetos fuertes, inamovibles, robustos como edificios o grandes bloques de granito. Un triángulo puede implicar nerviosismo. Definitivamente en la naturaleza puede implicar peligro, como un erizo puntiaguda, o incluso pensar en un cactus. Edginess, y spikiness, y peligroso a menudo se asocia con formas triangulares, pero hay otro aspecto importante el triángulo que puedes usar en el diseño de personajes, y es que puede transmitir desequilibrio, o Debería decir desequilibrio. Si tienes un triángulo que está equilibrando en uno de los ápice entonces eso te muestra que este personaje es probablemente inestable, impredecible. Está bien. Lo que voy a hacer es tomar estas tres formas y voy a empezar a mostrarte cómo extrapolar, cómo sacar ideas de estas formas a diseños de personajes. Empecemos primero en caras. Para cada una de estas tres formas, voy a dibujar un rostro basado en esta forma en particular. Una forma redonda es muy fácil dibujar caras de personajes, solo dibujas un círculo, y ojos, y narices redondeadas. Entonces para un cuadrado, hay que pensar ahora en términos de más blockiness como una cabeza de bloque, cosas así, cabeza cuadrada puesta, hombros robustos. Simplemente comienzas a dibujar la forma y luego construyes la cara y las características alrededor de eso. Estos son muy rudos, por cierto no estoy haciendo ningún diseño de personajes. Simplemente estoy calentando y aflojando y enseñando cómo simplemente tirar hacia abajo una forma básica y construirla desde ahí. Lo que siempre hago es solo indicar la línea de los ojos y la nariz y la boca, para que sepa paradero en la forma son las características, luego empezar a construir características desde ahí. Para una cara triangular, veamos si solo caigo un triángulo como este y arrojo una nariz y un par de ojos hacia ahí. Ese ya es un personaje de aspecto bastante interesante. Simplemente practica con esto, dibuja tu forma básica primero de un par de maneras diferentes y luego simplemente comienza a construirla colocando características en esa forma y viendo lo que se puede llegar con. Ahora, puedes llevarlo un paso más allá y empezar usar estas formas básicas para construir todo un personaje. Si tuvieras que empezar con un círculo, otra vez, simplemente dibujando una forma ovalada redonda realmente rugosa y flojamente grande. Ahora, obviamente con formas circulares redondas como esta, el personaje que más inmediatamente me viene a la mente es un personaje rotundo, una figura alegre como Santa Claus o algo así. Simplemente trabaja con eso si puedes. Agrega en piernas, realmente no tienes que hacer ningún detalle en esta etapa. Se trata de ideas ásperas, bocetos conceptuales ásperos. Si tan solo indicas dónde están las extremidades y tratas de practicar el dibujo de esta manera, dibujando realmente suelto y áspero, tendrás mucho tiempo después para refinar tus ideas y dibujar en los detalles. Para este último personaje circular intentaré hacer un personaje femenino. Esto podría ser más o menos toda la masa del cuerpo realmente y yo podría incluso meter un par de pies diminutos al final aquí y eso estaría bien. Entonces en la parte superior una cara circularmente ish. A lo mejor lleva una bufanda sobre la cabeza y tiene un delantal puesto y lleva algo en sus manos, así como eso. Voy a hacer esto por el resto de las formas con un cuadrado y por el triángulo. Voy a seleccionar estos y reducirlos hacia abajo. Voy a ocultar esa capa y añadir otra encima, que pueda seguir dibujando grande y luego las escalaré hacia abajo. Pero quiero mostrarles al final de esto cómo se ven todos estos personajes en una alineación. Voy a seguir adelante y esbozar algunas ideas para la plaza y el triángulo y puedes seguir conmigo, eso sería genial y ojalá tengas algunas ideas mucho, mucho mejores que yo y tú eres capaz para hacer algunos personajes realmente geniales e interesantes a partir de estas formas básicas. La idea es que solo estás anotando ideas visuales, por lo que no tiene que ser perfecta ni asombrosa. Ciertamente, no tiene que ser detallado. El motivo por el que chicos de forma cuadrada, de nuevo, simplemente los voy a encogerlos hacia abajo, Command o Control T para la herramienta de transformación libre. Reducirlos, ponlos fuera del camino. Entonces voy a crear otra capa. Entonces voy a ocultar esas dos capas y poner otra capa encima y sólo hacer tres dibujos más para los personajes en forma de triángulo. Ahora, se puede ver que tengo todos estos personajes hechos. Eso no me llevó mucho tiempo en absoluto, tal vez 10 o 15 minutos. Usar una forma básica para empezar tu dibujo o tus ideas conceptuales para personajes es realmente fácil. Espero que hayan visto que es realmente fácil. Eso es una cosa importante a tener en cuenta sobre el uso de formas, pero hay otra cosa importante que quiero explicar, y es que si sí usas formas como esta en tus diseños, puedes agregar variación dentro de tus diseños y esa es una de las cosas clave. Si te mostrara ahora, si solo agarro, digamos, tres personajes aleatorios de todos estos, voy a poner todos en una sola capa y ponerlos en un poco de alineación. Entonces quiero darle la vuelta a este tipo para que esté mirando hacia la derecha. Entonces voy a silueta porque quiero que veas cómo si su silueta fuera así, inmediatamente se registran como personajes distintos y separados. No hay confusión, todas se ven totalmente diferentes y eso es lo que quieres en tus diseños de personajes. Se desea variación para que los personajes se puedan distinguir entre sí. No todos se ven exactamente igual, tienen variación cuando comparan uno contra el otro. En última instancia, se quiere tener variación dentro de un diseño en particular. Piensa en usar un círculo y agregar una cabeza triangular o una cabeza cuadrada. Piensa en usar un cuadrado y agregar una cabeza circular o piensa en usar un triángulo con un cuerpo cuadrado. En el siguiente video, voy a hablar de cómo ahora puedes empezar a posar a tus personajes y por qué posar es tan importante para el dibujo y la animación y el storyboarding, además de algunos consejos realmente fáciles y sencillos sobre cómo conseguir que tus poses sean realmente fuertes y dinámicas. 7. Poses de personajes: En este video, quiero hablar de cómo se puede practicar el dibujo de poses dinámicas. Esto es clave para un buen dibujo de storyboard así como para la animación e ilustración en general. Una pose es la forma en que se levanta un personaje o la forma en que él o ella hace una acción. El motivo por el que posar es tan importante en los storyboards es porque le dice al director, al animador, y a cualquier otra persona involucrada en el proceso cómo el personaje se mueve dentro de una escena. Se podría pensar, bueno, ¿no es ese realmente el trabajo del director y del animador determinar cómo se mueve un personaje? En realidad, la respuesta no siempre es. En realidad es más a menudo el trabajo del artista de storyboard. Si dibujas una pose convincente en tus storyboards entonces entregues eso a los animadores, los animadores sabrán exactamente cómo animar a ese personaje, si eso tiene sentido. tu dibujo se indicará la acción, se indicará la emoción, y en ocasiones se indicará la actuación de una escena. Ser capaz de dibujar poses dinámicas es realmente, realmente crucial. Es uno de los aspectos más importantes de un artista de storyboard de animación. Lo que voy a hacer es tomar esta idea de usar una forma básica como punto de partida para un diseño, y quiero mostrarles cómo se puede entender esto en términos de estructura porque conseguir la estructura correcta es lo que es va a ser lo único que te permitirá dibujar tu diseño en cualquier pose que quieras. Aquí mismo, tengo esta forma redonda básica. Yo quiero mostrarles cómo construir una vista de tres cuartos. Imagina que estamos viendo a este personaje desde una vista frontal de tres cuartos. Pensando en esto en un sentido 3D más que simplemente como un círculo plano, puedo estimar que los hombros del personaje están aquí y aquí. Tan solo imagina por un momento que esto es totalmente vero-a través para que uno esté por ahí de ese lado. Entonces las caderas están aquí en esto; una aquí y otra allá. Ahora puedo dibujar un brazo extendido así porque viene directamente desde el hombro, viene hacia mí un poco, y sé del otro lado exactamente dónde va a estar el brazo porque tengo identificado donde se encuentra ese hombro. Entonces solo dibujaré en boceto y muy rápido, la cabeza puede ir ahí. Ahora, en este caso, la cabeza se inclina hacia abajo hacia el hombro, por lo que realmente no se ve el cuello. Pero conseguir que los hombros se mapeen es tan importante. De igual manera, sé exactamente a dónde van las piernas ya que bajan directamente de las caderas. Quieres saber dónde están las caderas y dónde están los hombros; aquí y aquí. Al mirar esto, siento que la cabeza podría estar ligeramente apagada. Si dibujo una línea recta por la mitad de mi diseño, creo que esa es la línea central, puede ver que parece que la cabeza está ligeramente hacia atrás. En realidad está probablemente bien en este caso porque pensaría que su vientre redondo compensa eso y los equilibra un poco, pero haré un ligero ajuste, mueva la cabeza hacia adelante. Entonces así es como trabajas tu estructura, cómo entiendes dónde están las caderas y los hombros, luego obtener ese equilibrio dentro de la figura general. Ahora bien, recuerda que esto en realidad está en perspectiva. Te mostraré lo que quiero decir. Si dibujo un cubo alrededor de este personaje, se puede ver que en realidad estamos viendo parte de la vista lateral así como la vista frontal al mismo tiempo. Ya puedes ver si apago esa capa a lo que me refiero. No está perfectamente dibujado, pero obtienes la idea. Ahora puedo dibujar a este tipo en diferentes poses porque conozco la estructura. Digamos que quería dibujarlo inclinándose para recoger algo del piso. Empezaré con la gran forma redonda y pondré las caderas en donde estarían, y desde aquí puedo dibujar las piernas. Esta pierna no va a ser tan visible, está del otro lado de él. Haré lo mismo con los hombros y luego con los brazos. Es tan fácil. No creo que puedas equivocarte una vez que te identifiquen esas cosas; caderas y hombros. Hagamos otro boceto rápido. Digamos que esta vez corre a velocidad. le va a arrojar la cabeza de esta manera. Se puede ver que corre hacia adelante. Su única cadera va a estar yendo hacia adelante así, lo que significa que los hombros y el brazo correspondientes, va a volver atrás. Entonces esa pierna lejana va hacia atrás. Digamos que está en aire medio ni siquiera está tocando el suelo. Entonces ese antebrazo puede ir hacia adelante así. Ahí lo tienes. Ahí está corriendo realmente, muy rápido. Puedes aplicar esta idea de estructura a todas estas formas básicas. Obviamente, la forma cuadrada es la más fácil entender porque es una estructura fácil de ver en 3D. Déjame mostrarte cómo puedes acumularlo si solo identificaras primero las caderas y los hombros. Dibuja tus caderas y hombros así como así como círculos redondos con la línea, esos son los hombros. Entonces una cosa a saber es que los hombros y las caderas siempre se contraen. No sé si acabo de conformar esa palabra, contrapuesta, pero básicamente, si los hombros están en un ángulo, entonces las caderas siempre estarán en el ángulo opuesto. Es como si se pudiera pensar en un acordeón. Un lado se va a apretar y el otro lado va a ser largo. Una vez que bajes eso, podrás entonces acumular el cuerpo alrededor de esto. Esta pierna se doblará así. Dibujemos lo mismo con las formas de triángulo. Digamos que estamos dibujando un personaje femenino. Ahora si elijo un color azul, aquí es donde están sus hombros; aquí y aquí, y las caderas están aquí y aquí. Ahora, si estás luchando, siempre puedes empezar con la pose del brazo delantero si eso te ayuda a entender mejor la estructura. Ahora, con eso resuelto, puedes dibujarla en una pose mucho más dinámica. Digamos que haremos otro boceto rápido. Está apoyada en algo así para que un hombro esté más alto, eso le va a tirar las caderas hacia afuera así. Una cadera va a estar más alta que la otra, y eso significa que dicen que una pierna viene hacia adelante, la otra pierna va hacia atrás. Entonces, una vez que tengas tu boceto rudo resuelto, puedes repasar eso y refinar el dibujo añadir más detalle y hacerlo más acentuado. Acompáñame en el siguiente video y te voy a mostrar cómo llegar realmente bueno en hacer grandes expresiones faciales. 8. Dibujar emociones: De lejos el aspecto más importante de la pose del personaje va a ser la expresión facial o la emoción. En este video, quiero mostrarles que no tiene por qué ser difícil dibujar emoción, ni su story-boarding, o animación. De hecho, hay una manera realmente fácil de conseguir que las expresiones faciales sean correctas, y eso es, primer lugar, mantenerlo muy sencillo. Me refiero a usar algunas convenciones de animación estándar o manos cortas. Lo que voy a hacer es, en primer lugar, voy a anotar algunas emociones que es más probable que te llamen a dibujar como artista de la historia. Obviamente cosas como feliz, triste, enojado, quizá susto, y tal vez miedo, algo así. Ahora, lo primero que hay que hacer si estás tratando de dibujar la emoción de un personaje es básicamente hacer un bosquejo áspero del aspecto más inmediato de esa emoción. Entonces más tarde podrás acumular a tu personaje a su alrededor. He anotado estas palabras. Lo que voy a hacer es sacar rápidamente los indicadores más básicos de cada una de estas emociones. Cuando estés haciendo esto, piensa en los emojis en tu teléfono cuando estés enviando mensajes de texto. Todo lo que necesitas para ver son los ojos y la boca. Por ejemplo, feliz. El absoluto básico que transmite feliz es una gran sonrisa y ojos brillantes. Para la triste expresión, la taquigrafía va a ser angular la parte superior de los ojos así. Imagina que las cejas se están tirando hacia abajo por los extremos y se inclinan hacia arriba en la parte superior, y tal vez los ojos están mirando hacia abajo así. Si piensas en la idea de triste, todo se arrastra hacia abajo, la boca incluida. Por enojado, piensa en cómo te sientes cuando estás enojado. Tus ojos se enfocan realmente con láser, por lo que podrías ordenar a las pupilas justo en el medio así. Entonces lo que vas a hacer es inclinar las cejas hacia abajo hacia el medio. La boca, si de verdad quieres empujar el diseño, es que puedes mostrar los dientes porque a veces tendemos a apretar los dientes cuando realmente estamos enojados y tal vez solo mostrar un rincón de la boca. De nuevo, es igual que los emojis simplistas en esta etapa. Simplemente lo estás guardando a tres elementos: los ojos, la nariz y la boca. Eso es todo lo que necesitas para dibujar en este momento. Por miedo, digamos que el personaje tuvo un susto? Bueno, con eso, estás tambaleando atrás o tirando hacia arriba y lejos de lo que te asustó. Hasta voy a inclinar los ojos un poco así. Las cejas así. Entonces la boca se cae hacia abajo, pero abre un poco en una expresión de jadeo o shock. Ahora, en realidad podría cambiar a los alumnos para que sean realmente pequeños pinpoints porque incluso los alumnos se están contrayendo aquí delante. A la última. Me acabo de dar cuenta de que bajé el miedo para el último, que en realidad es más o menos lo mismo que asustado. Entonces déjenme más bien hacer una emoción diferente por completo, decir algo en realidad como reír en voz alta. Esa es una buena de hacer porque es más extrema que feliz y en realidad es un dibujo diferente. Entonces hagámoslo. Por reírse, tal vez en realidad podrías cerrar los ojos por completo. Tan solo ten dos líneas como esta mostrando que están cerradas, que las cierren bien. Entonces una boca grande y abierta quizá mostrando sólo una línea de dientes en la parte superior, el interior de la boca así, y estos dos pliegues que muestran que las mejillas están empujando hacia arriba. Una buena idea es anotar estas emociones sólo trabajando con los ojos, la nariz y la boca. Ahora, una vez que hayas hecho eso, puedes aplicar estas expresiones a tu personaje. Digamos que estamos trabajando con un personaje muy genérico de un niño. Esta va a ser su posición neutral aquí mismo sólo para empezar. Rápidamente esbozaré la forma básica de la cabeza, colocaré en la oreja, los ojos. Su cabello va a subir y alrededor y otra vez. Esta es una línea de mandíbula y mejilla. Es una posición muy neutral, chico genérico, eso es bastante fácil. Ahora voy a dibujar la misma cara, pero intenta que se vea feliz. Empezaré con la misma forma general, la estructura subyacente del personaje, para luego recordar, las características de esta emoción simplificada de ojos felices o grandes mirando hacia arriba y una gran sonrisa con las mejillas siendo empujado ligeramente hacia arriba. Entiendes la idea. Simplemente trabaja a través de todas estas emociones dibujando primero la estructura de tu personaje realmente a la ligera, y luego aplica la taquigrafía o las convenciones de esa emoción sobre la expresión facial. Entonces puedes volver a entrar, apretar tu dibujo para que el personaje se quede en modelo y para que quede claro que es el mismo personaje. Recuerda por cada emoción, hay una pose o una postura al dibujo, como si el enojado pudiera estar viniendo hacia ti, tal vez quieras dibujar los hombros encorvados alrededor de las orejas. El susto se inclina hacia atrás, así que tal vez toda la pose del personaje se inclina hacia atrás y tal vez la cara misma se tira hacia abajo, se estira un poco. Por risas, tal vez la cara del personaje esté un poco aplastada. Las mejillas pueden empujar hacia arriba hacia los ojos. Se acabó para ti. Quiero que anotes algunas emociones en una hoja de papel o en Photoshop. Después dedique algún tiempo a tratar de destilar esa emoción sólo hasta los ojos y la boca; ¿cómo podrías describir esa emoción si solo tuvieras que usar primero los ojos, la nariz y la boca? Entonces una vez que hayas hecho eso, mira si puedes aplicar esa versión simplificada en la cara de un personaje y darle pose y a todo el personaje ese sentido de emoción. 9. Crear una hoja de pose de un personaje: Después de la emoción, lo siguiente importante a practicar es dibujar poses. He hablado mucho de poses de personajes. En este video, quiero mostrarte cómo trabajar la dinámica física de un personaje a través de diferentes poses. Lo que tengo aquí es, esto es sólo una línea áspera de ideas de personajes para mi historia pirata llamada la Reina del Metal. Esto va a ser parte de tu proyecto general de clase hacia el final de este curso donde llegarás a storyboard el guión. Esta línea aquí arriba es algo que a menudo encontrarás en una producción de animación. Estos dibujos siguen siendo muy rudos, aún no se limpian trabajo de línea final. Pero lo que quiero que hagas es escoger ahora uno de estos personajes y crear una hoja de pose. Una hoja de pose es donde dibujas el mismo carácter en una serie de poses diferentes. El motivo por el que haces eso es para explorar no sólo el rango de movimiento y acción que el personaje puede hacer, sino también para explorar si el diseño de tu personaje está funcionando o no. Si la construcción subyacente es algo con lo que puedes trabajar para poner a este personaje en diferentes poses. Si pones tu propio personaje original en el que te gustaría trabajar, entonces realmente te animo a que lo hagas. Simplemente toma a tu personaje y ponlo en poses distintas dinámicas completamente nuevas y a ver cuántas puedes hacer. Pero si no tienes tu propio personaje, entonces puedes llevarte uno de estos dibujos aquí, no tiene que ser el mismo que yo voy a hacer, pero elige uno y trata de arreglarlo de la manera que te voy a mostrar ahora. Para mí, digamos que voy a escoger al personaje capitán, así que lo que haré es solo copiar este dibujo y crear un nuevo lienzo por aquí y lo voy a pegar. Muy parecido a las expresiones faciales en el video anterior, este dibujo ahora es su pose neutral. Ponlo a un lado. Ahora voy a freestyle algunas poses de actuación dinámica. Esto significa dibujar muy áspero al principio como de costumbre. Digamos que lo voy a dibujar reuniendo a las tropas o llamando juntos a la tripulación para ordenar y entrar en batalla o algo así. Voy a empezar en esta pose con la cabeza y otra vez simplificaré la forma primero y sacaré la dirección de la cabeza con los ojos y la nariz, así que todo eso va a estar mirando así. Esta es su barba. En mi mente, veo esta pose, veo que su cabeza está mirando de esta manera pero va a estar una especie de girando y como si se dirigiera hacia la izquierda. Simplemente dibujaré la forma del cuerpo y de la pierna así, como si estuviera pisando algo, y este brazo va a estar arriba. Voy a dibujar eso ahí dentro y voy a tener este otro brazo mocionando para que los demás se unan a él. Ahora el resto del dibujo es realmente solo cuestión de llenar la ropa, averiguar cómo se mueve alrededor del cuerpo. Creo que el movimiento general de la pose está bien. Estoy tratando de mantener los elementos básicos iguales, los mismos volúmenes y la misma construcción. Eso es todo. Lo que voy a hacer ahora es dejarlo tal como está. Ya no voy a trabajar en esto, sólo bájalo hacia abajo. Voy a sacarlo del camino y trabajar en unas cuantas poses más. Para esta siguiente, pensé en querer dibujarlo a media zancada, como si estuviera caminando, sus manos están arriba. Conforme lo dibuje, la dirección general de la pose va a estar inclinada hacia atrás así, sus brazos estarán arriba en el aire. Esa forma de los grandes vientres redondos es tan importante para bajar. Puedo arreglar los detalles del disfraz más tarde. Entonces digamos que tiene una pierna yendo hacia adelante y una pierna hacia atrás. Ahora puedo acercarme y trabajar en los ojos y la nariz y conseguir algo de expresión en marcha. Es realmente importante no acercar demasiado cuando estás dibujando así porque es más probable que te metas en los detalles del dibujo y lo que quieres hacer es simplemente mantenerte rudo y suelto. Para hacer eso, siempre es mejor dibujar tus poses mientras te alejas y puedes ver toda la pose de una sola vez. Entonces de nuevo, cuando termine con esto, simplemente lo escalo hacia abajo, lo muevo hacia un lado, y voy a trabajar hasta tal vez dos o tres poses más. Entiendes la idea. Puedes usar emociones como, digamos, sorpresa, enojo, confusión o risas, cosas así, puedes usarlas como puntos de partida o trampolín para tus ideas para la pose si quieres. O simplemente puedes empezar a dibujar tu personaje y ver a dónde te lleva el propio dibujo. Creo que eso es realmente lo que hice mayormente con estos dibujos. Logré dejar emerger la pose mientras dibujaba el personaje. Eso en sí mismo fue en realidad un ejercicio realmente bueno en dibujar posturas interesantes dinámicas. Empiezas realmente rudo, no tienes ninguna expectativa de adónde vas, pero a medida que el dibujo empieza a tomar forma, entonces lo sigues realmente y ves si puedes llegar a una pose interesante. Al final de una media hora o una hora, creo que me tomé un descanso en medio de estos dibujos, pero en no tanto tiempo, pude llegar a una página de dibujos para un personaje. Si quisieras, entonces podrías limpiar estos dibujos, incluso colorearlos tal vez, y luego tendrías una gran hoja de pose lista para tu portafolio. Pero la razón principal por la que quería que hicieras este ejercicio es para que si alguna vez te dan una hoja modelo con la que trabajar o un diseño de personaje neutral, entonces este ejercicio es realmente bueno para ayudarte a dibujar tus storyboards, es algo que podrías hacer ya sea para calentar antes del storyboarding, o como una forma de construir realmente una biblioteca de poses con las que puedes trabajar durante todo el proceso de abordaje. Podrás volver a esta hoja y ver cómo se mueve y actúa el personaje, luego aplicar esas poses en tus paneles de storyboard. 10. Bloqueo en fondos: En esta siguiente sección de videos, te voy a llevar por el proceso de creación de entornos y fondos. Esto no solo ayudará a tus habilidades de storyboarding, sino que también te dará habilidades adicionales de producción de animación. Porque al igual que el diseño de personajes, arte de fondo y el diseño son en realidad conjuntos de habilidades distintos en los que puedes especializarte si vas a trabajar en la industria. En primer lugar, solo definiré un poco los términos. Un layout es un dibujo de línea bloqueada terminado. Por bloqueado, quiero decir que ha sido aprobado por el director. Muy a menudo un dibujante tomará un dibujo realmente áspero que hizo el storyboard y lo escalará y lo convertirá en un dibujo de línea de meta adecuado para el arte de producción. Entonces ese dibujo de línea irá al artista de fondo o al estilista de colores para colorear. Pero más a menudo que no, el artista de fondo también es el artista de maquetación. El artista de fondo tomará el panel de guión gráfico, dibujará el diseño y completará la coloración o pintura final. Si te interesa crear arte de fondo y pinturas para la animación, entonces en lo que debes enfocarte es conseguir realmente bueno dibujando en perspectiva, dibujando detalles en entornos, y cosas así. Voy a hacer un curso dedicado por separado sobre arte ambiental y diseño de fondo y en ese curso, te guiaré paso a paso por el proceso. Para este curso sin embargo, nos interesa aprender a dibujar escenas con el fin de llevar tu storyboarding a un nivel mucho más profesional. Lo que te voy a mostrar de los próximos videos te va a ayudar a lograr exactamente eso. lo primero de lo que quiero hablar en este video es cómo usar el bloqueo y el sombreado para iniciar tu proceso, para iniciar tu mente creativa, visualizando la escena, y ayudándote a elaborar tus composiciones. En lugar de saltar justo dentro con complejas cuadrículas de perspectiva y gobernantes y tramar cosas, siempre empiezo duro. A veces es realmente difícil simplemente visualizar la escena si comienzas a dibujar líneas rectas de inmediato. Siempre que estoy atascado, literalmente cierro los ojos, imagino la escena que quiero dibujar, y luego uso bloques de tonos muy grandes para trabajar hacia dónde irán los elementos dentro de esa composición. He hecho un nuevo lienzo en Photoshop. Este es de 1920 píxeles por 1080 píxeles, lo que es lo suficientemente grande como para dibujar un dibujo rugoso grande. Lo siguiente que haré es pulsar “M” en mi teclado para la herramienta de selección de marquesina y voy a dar clic y arrastrar un rectángulo. Entonces voy a subir a Editar y elegir Stroke y en este cuadro aquí, cambiaré el ancho del trazo a unos cuatro píxeles. El color ya es negro, así que lo voy a dejar en eso y pegarle a “Ok”. Después tocaré “Comando” o “Control D” para desseleccionar. Básicamente, ahora tengo ese rectángulo, ha sido creado en mi capa de fondo, que está bloqueada. Hago esto simplemente para darme un marco en el que trabajar. No solo estoy empezando en un lienzo completamente en blanco. Es muy útil tener siempre un límite de encuadre. Crearé una nueva capa por encima de la capa bloqueada y luego elijo un pincel grande y suave. Estos son todos los pinceles por defecto dentro de Photoshop 2020, pero estoy eligiendo este que en realidad descargué todo el conjunto de pinceles de la página web de Adobe. Te dejaré estos pinceles para que los puedas tener también en la sección de descargas. Ahora, cuando estaba haciendo este video, traté de pensar en ejemplos de arte de fondo en los que podría trabajar para mostrarte ese proceso y pensé en usar como un cuento de hadas estándar como ejemplo. Algo así como Caperucita Roja, porque todos conocemos esa historia. Todos estamos familiarizados con ello. Digamos que tienes un guión de Caperucita Roja y necesitas tu storyboarding en toda la historia y necesitas dibujar una escena para la casa de la abuela que está en el bosque. Ahora lo que haría es tomar este pincel y bloquear muy crudamente en balanceos de tono. No estoy dibujando ningún detalle, solo bloqueando en parches de tono. Sé que quiero algo en primer plano. Necesito un carbono, obviamente para el bosque. Algunos espacios abiertos, un gran árbol en primer plano. Árboles tal vez y elementos forestales en el fondo. Entonces solo puedo sombrearlo en el bloqueo de valores tonales. Sé que estás pensando, esto se ve absolutamente terrible, pero aguanta conmigo. Lo siguiente que voy a hacer es por aquí en la pila de capas, voy a arrastrar la opacidad de esta capa hacia abajo alrededor de 1/2, o 50 por ciento, y luego agregar una nueva capa por encima de ella. Ahora de vuelta en mi lienzo, puedo cambiar los pinceles a algo que sea un poco más lineal y empezar a elaborar algunas de mis ideas. Sobre los tonos y el sombreado, sólo voy a bosquejar en esos elementos compositivos en los que estaba pensando. Entonces dibujando muy áspero en una cabaña por aquí, tal vez tenga un porche que sale así. Todavía no voy a entrar en ningún detalle, nada en absoluto, sólo tratando de mantenerlo suelto. La idea es que estoy usando estos valores tonales que pongo en bloques para guiarme hacia la creación de algo más definido, como los árboles, por ejemplo, o esta subida del cerro en primer plano. A lo mejor puedo meter algunas rocas también y simplemente poblar el bosque de fondo con troncos de árboles y frondoso doso. Eventualmente, cuando llego a cierto punto y luego fusionar estas dos capas juntas y puedo repetir el proceso aquí si quiero. Bajar la opacidad para que pueda hacer otra capa encima y luego simplemente afinar un poco mejor el dibujo ahora que estoy entendiendo que la composición está funcionando y estoy conociendo qué detalles y qué elementos yo quieren escoger dentro de la composición. En esta etapa, no quiero hacer un dibujo final adecuado. Sigue siendo exploratorio. Por ejemplo, la cabaña, tal vez pueda hacer esto un poco más alto, tal vez hacerlo tener más de un porche definido, hacerlo más estructurado. No estoy seguro. Es decir, para mí en esta etapa, se ve un poco demasiado grande dentro de la competencia, pero voy a ver cómo va y tal vez cambiarlo más tarde. Ahora este árbol y esta subida en primer plano, este enmarca la sección media. Voy a añadir un poco de sombreado de nuevo en. Aquí realmente estoy cambiando entre el cepillo suave grande para áreas de tono y el cepillo de carbón más pequeño para línea y detalles. Usar el bloqueo y el sombreado para empezar tu arte de fondo siempre es una manera realmente buena solo de desatascarse. No hay que estar atado a ninguna parte de este dibujo en absoluto porque es todo movible en esta etapa. Todo es realmente rudo. Simplemente estás experimentando con elementos y con la composición. Ahora voy a cambiar la casa porque realmente no me gusta la forma en que es, también en realidad simplemente eliminarla por completo y volver a dibujarla. Yo quería que esta fuera una típica cabaña de leñadores, tal vez con unos escalones subiendo al porche delantero. Yo quiero que tenga un techo de tono realmente grande como este. Eso se ve mucho mejor, mucho más caricatura. Ese es el final de mi fase áspera en este dibujo. Esto en sí mismo podría formar parte de un guión gráfico. Dependiendo del estilo del espectáculo o del guión gráfico que estés dibujando, no tiene por qué ser más detallado que éste. Pero si quisiera, podría llevarlo un paso más allá y dibujar una versión más limpia. Pero sólo cambiemos de marchas por un minuto y quería mostrarte cómo es dibujar un interior porque a veces paisajes fondos boscosas son bastante fáciles. Pero, ¿y si quisieras o te llaman a dibujar un interior? Por ejemplo, tengo mi historia de piratas pasando con mi personaje pirata y hay un tiro interior de la habitación del capitán. Bueno, yo podría hacer exactamente lo mismo. Empezaré con sombreado blocky. Sé que quiero un escritorio aquí, quiero esas cosas de estructura de agujero de nave interior, y también una ventana trasera. Entonces obviamente, quiero algo en primer plano para enmarcar. Ni siquiera estoy seguro de qué es esto en el escenario. Simplemente estoy bloqueando en algunos tonos, algo en primer plano a la izquierda y a la derecha. Entonces de nuevo, voy a bajar la opacidad de esto y voy a dibujar sobre esto y tratar de averiguar cuál podría ser cada uno de estos elementos compositivos. El escritorio es bueno. Es sencillo. Eso está bien. Hay cosas en la parte superior del escritorio. Pondré una silla en la parte trasera y esas ventanas de barco muy ornamentadas que ves al frente de la nave. Entonces estas vigas estructurales tipo costilla para la curva de la nave. Observe que ni siquiera estoy considerando perspectiva todavía. En realidad solo estoy trabajando cómo van a quedar las cosas y cómo van a encajar. Pondré un bonito barril de madera, ese siempre es un gran elemento compositivo sin importar cuál sea la historia, y el cofre del mar, y obviamente algunos mapas enrollados, de aspecto muy piratey. En esta etapa, ese es un dibujo bastante rudo y creo que lo dejaré en eso. Si estás atascado a la hora de dibujar fondos o escenas, prueba este método de empezar muy suelto, muy garabateado parejo, y trabaja tus elementos con trazos amplios. Realmente te ayudará a liberar tu visualización así como a dibujar realmente rápido y dinámico. En el siguiente video, voy a mirar el aspecto todo importante de la perspectiva. 11. Aspectos básicos de perspectiva: En este video, es hora de hablar de perspectiva. Ahora, cubrí perspectiva en los otros cursos de storyboarding, así que esto realmente va a ser un simple refresco. Pero sí quería señalar algunas cosas importantes que hay que tener en cuenta a la hora de aprender a dibujar en perspectiva, porque algunos de estos puntos han sido planteados por estudiantes en esos otros cursos, y pensé que esto sería ser una muy buena oportunidad para abordarlos. Pero antes que nada, repasemos exactamente qué es la perspectiva y qué aspectos del dibujo de perspectiva necesitas dominar como artista de storyboard. Como artista del tablero, vas a necesitar saber dibujar en dos tipos principales de dibujo en perspectiva. El primero es la perspectiva de un solo punto. Aquí es donde solo tienes un punto de fuga en la línea del horizonte. Se puede pensar en esta línea del horizonte y el punto de fuga como la dirección en la que se está mirando. En este caso, solo estás mirando hacia adelante, estás en el medio del marco, o en el visor, y tu ojal o cámara es un poco más alto que el punto medio. Desde este punto de vista, los objetos en tu marco se volverán visualmente más pequeños cuanto más lejos estén de ti. Cuanto más cerca esté el objeto de ti, más grande aparecerá en el marco. Para dibujar esa escala de grande a pequeña, sólo podemos usar una cuadrícula. Hacemos una cuadrícula mediante el uso de líneas radiantes que salen del punto de fuga, debajo de la línea del horizonte y por encima de ella. Estas líneas van a ser nuestras guías para la escala de los objetos en nuestra escena. De la forma en que estoy dibujando estos, solo estoy tocando el pincel en el centro y luego manteniendo presionada la tecla Mayús en mi teclado, y tocando el pincel en el borde azulado. Eso me dará una línea recta. Después para completar la cuadrícula, dibuje líneas paralelas que van también desde el frente del marco hacia el horizonte. Ya empiezas a tener una sensación de profundidad en tu marco. Ahora para dibujar esta línea recta, simplemente puedes mantener presionada la tecla Mayús mientras dibujas de un lado a otro. Ahora que tienes tu cuadrícula, puedes empezar a rellenar tu dibujo siguiendo líneas diagonales y líneas paralelas. Digamos que estamos dibujando una calle de la ciudad. Eso es lo más fácil de visualizar de esta manera. Basta con seguir la grilla. Dibuja rectángulos así. Estos van a ser los edificios. Lo que estás viendo es, ves un lado del edificio que va hacia el punto de fuga. El lado frontal es paralelo a nosotros, al espectador, al plano de imagen, o a la cámara. No importa lo grandes o lo pequeños que sean tus edificios. En tanto sigan la cuadrícula, se representarán para escalar correctamente. Por ejemplo, digamos que hay algunas luces de calle que recubren la carretera, todas ellas tienen exactamente la misma altura, y en perspectiva, las que están más alejadas son más pequeñas que las que están cerca de ti. Eso es bastante sencillo. El segundo tipo de perspectiva que más te llamarán para dibujar, como artista de storyboard es la perspectiva de dos puntos. Asumamos que estamos mirando exactamente la misma escena, esta escena callejero por aquí. Pero ahora en lugar de pararnos en medio de la calle y mirar derecho hacia abajo, imaginemos que nos vamos a un costado para que veamos los edificios desde un ángulo. Voy a dibujar exactamente la misma línea del horizonte. Pero esta vez, para dibujar los edificios desde un ángulo, voy a hacer dos puntos de fuga, uno a la izquierda y otro a la derecha. Antes de ir más lejos, quiero hacer el punto ahora que casi siempre debes colocar estos puntos de fuga fuera del marco de imagen cuando estés dibujando en perspectiva de dos puntos. Simplemente porque si no lo haces, tu dibujo se volverá realmente aplastado y distorsionado. En casi todos los casos, es una buena idea colocar estos dos puntos de fuga lo más alejados posible. Eso a menudo significa colocarlos más allá del marco del marco en el que estás dibujando. Tengo uno aquí y aquí, y de cada uno de estos puntos, voy a dibujar mis líneas radiantes. Ahora bien, en realidad no hay necesidad de dibujar líneas paralelas, porque cada conjunto de estas líneas irradiantes se cruza y forman la cuadrícula así. Entonces voy a seguir adelante y empezar a dibujar los edificios. Imagínese que ahora la calle corre del lado derecho punto de fuga a través de la pantalla, viniendo hacia nosotros, en un ángulo como este. Realmente estoy siguiendo la cuadrícula por completo para dibujar estos rectángulos. Cada lado del edificio ahora va hacia uno de los puntos de fuga. No hay lado paralelo, como lo tuvimos en perspectiva de un solo punto. Pero el mismo sentido de escala sigue funcionando. A medida que las cosas se alejan hacia la distancia a la derecha, se hacen cada vez más pequeñas. De igual manera, si el lado izquierdo fuera visible, entonces veríamos que los objetos o, en este caso, los rectángulos, se volverán más pequeños a medida que viajan hacia el punto de fuga izquierdo. Eso es una perspectiva de un punto y dos puntos. Las dos siguientes cosas que debes saber son si tu punto de vista es o no un ángulo alto o es un ángulo bajo. Este concepto puede ser complicado al principio porque si piensas en un ángulo alto, entonces podrías visualizar que estás mirando algo. Pero en realidad hay que visualizar que la cámara o tú mismo estás muy arriba y tu punto de vista está mirando hacia abajo. Entonces estarías mirando hacia abajo en algo. La línea del horizonte y el punto de fuga está en lo alto. Pongamos ligeramente el punto de fuga a la izquierda. Estoy usando perspectiva de un punto para este ejemplo. Ahora digamos que la escena que estamos dibujando es una mesa en una habitación. Yo sólo voy a seguir la cuadrícula, dibujar la mesa así. Incluso utilizaré la rejilla para dibujar el piso e indicar el plano del piso y las paredes. Una buena manera de recordar cómo dibujar ángulo alto, es que siempre ves la parte superior de las cosas, cuando estás dibujando ese ángulo. Por ejemplo, la parte superior de una silla o la parte superior de la mesa. Para un ángulo bajo, piensa en ti mismo o en la cámara como estar baja casi en el piso y está mirando hacia arriba. Tu punto de vista esta vez es al alza. Si fueras a dibujar de nuevo la mesa desde un ángulo bajo y seguir la cuadrícula, como puedes ver en este ángulo, realidad vamos a ver la parte inferior de la mesa, no vemos la parte superior. Esa es la forma en que siempre recuerdo cómo dibujar ángulos bajos, es que no estoy viendo las superficies superiores de las cosas, estoy viendo cosas desde abajo. Estas cuatro cosas, perspectiva de un punto, perspectiva de dos puntos, ya sea un ángulo alto o si es un ángulo bajo, estas representan yo creo, los conceptos más importantes que hay que entender, para practicar y aplicar a tus dibujos. He tenido estudiantes ahora me preguntan cómo dibujar o por qué no estamos dibujando esos ángulos extremos usando perspectiva de tres puntos mirando completamente hacia abajo en algo o mirando hacia arriba, como los disparos que ves en Spider-Man o películas de acción así. El asunto que yo diría es que la mayoría de las veces los estudiantes que buscan intentar dibujar tiros extremos hacia abajo con múltiples puntos de fuga complejos aún no han dominado ni comprendido un simple dibujo de perspectiva de un solo punto. Te estoy mencionando que no para ser crítico, sino solo para señalar que realmente necesitas poder entender y dibujar un simple dibujo de perspectiva de un solo punto antes de que puedas ir por algo que es extremo, complejo de tres puntos perspectiva. Si de verdad quieres dibujar tomas complejas así, pero no sabes dibujar perspectiva de un solo punto, nunca lo harás bien. Tienes que entender primero la perspectiva de un punto y de dos puntos. Entonces cuando se trata de dibujar perspectiva de tres puntos o tiros extremos hacia abajo, subidas extremas, podrás dibujarlos sin tener que enseñarles nada, porque estas cuatro cosas primero son los simples bloques de construcción. De verdad quise mencionar eso, y espero que tenga sentido y espero que entiendas de dónde vengo. Además, lo otro de lo que quiero hablar de perspectiva es que hay que pensar en perspectiva en términos de punto de la historia. Simplemente no hay necesidad de dibujar un tiro extremo hacia abajo con perspectiva de tres puntos si la historia no lo pide. Conozco en algo como Spider-Man, obviamente, al tipo balanceándose entre los rascacielos de Nueva York, y sí, definitivamente necesitarás esos tiros. Pero piensa en cuando estás haciendo un guión gráfico, de qué punto de vista estás mostrando? Piensa siempre en tu punto de historia cuando elijas tus tomas, y piensa en tu punto de historia cuando elijas tu perspectiva. Ahora que esos fundamentos están cubiertos, quiero ahora saltar de nuevo a ese dibujo realmente rudo que hice en el último video. Yo quiero mostrarte cómo puedes trabajar tu perspectiva en tus dibujos rudos. Es proceso realmente fácil. En primer lugar, cuando miro este dibujo, voy a determinar dónde están la línea del horizonte y los puntos de fuga. Ahora para mí en este dibujo, miraré el dibujo en bruto y puedo ver muy ásperamente que estaba dibujando desde un punto de vista donde la línea del horizonte estaba justo por encima de la mitad del marco. Sé que porque puedo ver un poco de la parte superior del escritorio, puedo ver la parte superior del barril y el pecho, cosas así. Entonces puedo dibujar mi cuadrícula. A pesar de que tengo estas líneas en el piso que parecen como si estuvieran siguiendo perspectiva, realidad las voy a ignorar por completo y simplemente hacer una cuadrícula que sea distinta del dibujo. Yo quiero que sea distinto del dibujo en este punto en todos los aspectos excepto el punto de vista. No estoy ajustando la rejilla al dibujo áspero. Voy a dibujar mi cuadrícula en y por sí misma, y luego ajustaré el dibujo a la cuadrícula. Una vez hecha esta rejilla, bajaré la opacidad de la capa, luego voy a bloquear la capa y crear una nueva encima de ella. Entonces también bajaré la opacidad hacia abajo del dibujo áspero que está en este grupo de aquí. En realidad se puede bajar la opacidad de un grupo así como de sólo una capa. Ahora encima de esto, voy a dibujar los elementos que trabajé en mi composición. Esta vez voy a seguir exactamente la grilla. La mesa puedo trabajar así. Ahora bien, este dibujo sigue siendo áspero. De ninguna manera es mi trabajo final de línea. Pero este es mi siguiente paso si estaba dibujando esto para el panel de guión gráfico. Al seguir este método de trabajo, más importante para hacer bien es el plano de piso. Una vez que meto eso, y me arreglan las paredes y el techo, entonces sé que el dibujo va a estar bien. En esta instancia sí tengo paredes curvas, pero realmente no voy a preocuparme por eso todavía. Es más importante que primero se trabaje la forma básica del cubo de la habitación. Una vez hecho eso, todos los elementos también pueden seguir la rejilla, como el cofre, los barriles. Eso es realmente lo básico de cómo conseguir que la perspectiva trabaje en un dibujo áspero. Una vez que tienes las líneas de construcción descubiertas, y como dije, la forma básica de cubo de la habitación, todo lo demás entonces puede caer en su lugar si solo redibujas los elementos con estructura ahora. Este ejemplo tenía la intención de mostrarte cómo aplicar una cuadrícula a tu dibujo en bruto. En realidad no se pretende mostrarte cómo dibujar un diseño complejo. Porque por un lado, si estaba haciendo eso, en realidad debería estar usando imágenes de referencia. Para este dibujo, acabo de ordenar esto y conformé todos los elementos del dibujo. Téngase en cuenta eso. Usa este ejemplo como una forma de entender el proceso de elaborar primero tu imagen aproximada para tu composición, y luego aplicar perspectiva encima de ella. 12. Profundidad, escala y tangentes: El siguiente tema del que quiero hablar es cómo abordar el dibujo con sentido de profundidad y espacio sin tener que estar atado para dibujar en diseños precisos y tener que usar una cuadrícula de perspectiva cada vez. Porque muy a menudo cuando estás dibujando paneles de storyboard de forma rápida y furiosa, realmente no tienes tiempo para escalar un diseño adecuado o un diseño de fondo usando una cuadrícula. Pero al mismo tiempo, sí quieres poder dibujar de manera realista con un sentido creíble de escala y profundidad. En este video voy a hablar un poco de eso y a explicar algunas convenciones y desde cortos con los que se puede trabajar para hacer justamente eso. Tengo un lienzo estándar aquí en Photoshop. Es alrededor de 1920 por 1080. De nuevo, voy a pasar a la herramienta de selección de marquesina aquí arriba, marquesina rectangular, y solo tienes que hacer clic y arrastrar hacia fuera un área como esta. Sube a “Editar” y elige “Trazo”, y luego toca Comando o Ctrl D para anular la selección. Ese va a ser mi marco en el que voy a dibujar nuestros casilleros y crear una nueva capa por encima de eso. En el curso anterior de storyboarding, di una asignación a los alumnos para poner a prueba tu capacidad de dibujar con profundidad y escala. El reto fue dibujar una escena de granja utilizando algunos elementos simples como un granero. Sólo voy a bosquejar rápidamente en un granero por aquí. Digamos que tiene puerta. De eso se trata. Entonces otro elemento que se podía utilizar era colinas rodando al fondo. Simplemente haremos que unos cerros se pasen así. Entonces obviamente si es un patio de labranza, va a tener campos. Simplemente dibujaré en alguna esgrima aquí. Digamos que vemos cercas llegando por ahí. Digamos que esto es un portón y sólo podemos tener el camino saliendo así. En cuanto a superposición, he usado los cerros de fondo, he usado el granero y la barda. Eso todo funciona muy bien para crear una sensación de perspectiva estratificada sin tener que, como digo, ir todo full on dibujando una cuadrícula. Se puede ver que este granero está siguiendo una perspectiva de dos puntos muy simple sin tener que trabajar demasiado. Al menos podemos ver el frente y podemos ver el lateral. No sé si hay ventanas en un granero. No estoy seguro. Solo pongamos una ventana solo para estar del lado seguro. Ahora para dar este paso más allá, también sugeriría que se puede dar una sensación de escala mediante el uso de dos o tres objetos similares. Entonces dos o tres cosas que son exactamente iguales. Un ejemplo obvio de eso es usar un árbol. Por aquí, si apenas bosquejo rápidamente en un árbol, así, voy a golpear “E” en mi teclado. Disminuya el tamaño del mismo usando los corchetes abiertos y simplemente saca esa línea ahí. Voy a golpear “B”, volver a la herramienta de pincel, rematar el árbol. Digamos que ese árbol está ahí. Ponemos un árbol ahí. Ahora si fuera a poner un elemento en primer plano así, la forma en que funciona esto es que el ojo instantáneamente va a leer esto como un árbol, pesar de que sólo vemos un poquito de él, porque hay un árbol ya establecido a plena vista allá atrás en el fondo, el ojo del público va a saber que este elemento aquí que estamos viendo de cerca es lo mismo parecido, es un árbol. Eso de inmediato va un largo camino composicionalmente a establecer profundidad y escala para el espectador. Es una técnica composicional realmente fácil utilizar dos o tres elementos que son más o menos iguales, y luego sólo usar parte de uno porque ya se muestra la extensión completa de los demás. Otra cosa que puedes hacer es tener elementos como este cerca del primer plano ayuda a enmarcar tu composición. En cierto modo, este árbol es, si te gusta enmarcar aquí esta zona, las ramas y las hojas apuntan hacia abajo hacia nosotros porque el ojo del espectador viaja a lo largo de este árbol y hacia esta zona de interés. En esta escena muy sencilla, podría incluso hacer lo mismo con decir la barda, podría empezar a escalar la barda y tal vez poner, no estoy seguro, realmente no he resuelto del todo de qué está hecha esa barda. Digamos que está hecho de estos postes de madera y algún alambre atravesando, así. Un poco de alambre de púas. Pero ahí tienes la idea. De nuevo, sólo está llevando la vista como un dispositivo de encuadre, y también se está relacionando con estos lejanos de elementos aquí, y diciéndole al público que esto está cerca de nosotros y eso está muy lejos. Sí suena un poco simplista, pero creo que composicionalmente es un concepto importante tomar a bordo y tratar de trabajar en tus propios dibujos tanto como puedas. Ahora algunos estudiantes me han preguntado si usar el concepto de perspectiva atmosférica también puede ayudar a establecer o describir profundidad y escala en tu composición. Perspectiva atmosférica es cuando las cosas que están más lejos parecen más claras y las cosas que están más cerca de la cámara o más cerca de ti aparecen más oscuras. También podría pensar en las cosas que están más cerca de ti tienen mayor contraste y las cosas que están más lejos tienen un contraste menor, y eso es lo que las hace lucir más claras en tono. Yo personalmente diría que solo uso esto para pintar. Para el trabajo de línea, realmente no va a leer exactamente de la misma manera. Simplemente en realidad se verá un poco extraño si tu trabajo de línea es de ocio en ciertas áreas de tu dibujo y luego oscuro para las cosas que están más cerca de la cámara. Simplemente te mostraré lo que quiero decir si selecciono esta sección del dibujo, por lo que estos elementos están en el seguimiento en segundo plano un poco, así que con eso seleccionado, voy a golpear “Command” o “Control X” en mi teclado para cortar fuera de esa capa. Voy a golpear “Command Shift V” para pegarlo en su lugar, y ahora está en una capa completamente nueva por encima de la superior. Si bajo la opacidad, digamos, a alrededor del 60 o incluso al 70 por ciento, se puede ver a lo que me refiero. Se ve un poco extraño. Entiendo que estás tratando de dar la impresión de que las cosas están más lejos. No obstante, para mí, realmente no funciona necesariamente. Lo que yo pensaría sería un uso mucho más efectivo de dar la impresión de profundidad en tu trabajo de línea es realmente hacer que las cosas que están más cerca de ti tengan una línea más gruesa. Elementos que están en primer plano como este, podrías hacer que estas cosas tengan un poco más de una línea más gruesa, y luego los elementos que están más lejos tendrán una línea más delgada o más ligera a medida que se alejan hacia la distancia lejana. Para este árbol, solo podríamos hacer que esta línea sea un poco más gruesa, sin exagerar por completo. Es decir, todavía quieres que la imagen tenga un poco de cohesión y legibilidad en todo, pero es bueno enfatizar estos elementos de primer plano mediante de una línea un poco más gruesa en comparación el trabajo de línea que en el resto de la composición. Esto es especialmente cierto para las cosas que se repiten. Por ejemplo, digamos que tenías hojas de hierba en primer plano. Podrías usar una línea más gruesa para tus cuchillas de hierba como esta, y luego líneas más delgadas y obviamente más pequeñas como si quisieras indicar hierba a medida que se mueve de nuevo al plano de la imagen. Así lo trataría yo. Haría que las cosas que están más lejos tengan una línea más delgada y los elementos que están más cerca un poco más de una línea más gruesa y pronunciada. lo último de lo que quiero hablar son tangentes, y esto es algo de lo que no hice un gran punto en el curso de storyboarding anterior, pero sí surgió un par de veces, así que pensé que esto sería ser una buena oportunidad para abordarlo. Yo quiero explicarte qué son las tangentes, cómo puedes evitarlas en tu obra de arte, y también quiero hablar de si realmente son tan importantes. Una tangente es un elemento compositivo, o debería decir que es un error en tu composición. Es donde dos líneas se encuentran y crean una nueva línea recta. Es donde tocan, pero no se cruzan. Permítanme que explique esto un poco más claramente. Estas líneas aquí, tienes una línea que va así y otra que va así. En realidad, debería poner esto en una nueva capa. Esta línea encontrando esta línea, es una intersección, así que no es una tangente, pero si fuéramos a agarrar, digamos la línea que crea la montaña, si sólo agarro eso, y si fuera a moverla hasta ahí así digamos dibujé mi imagen inicialmente con la montaña un poco más alta de este lado, donde la línea de la montaña se encuentra con la cima del granero, eso es una tangente. Estamos de vuelta a la capa superior. No cruza el granero, lo cumple y crea una nueva línea recta. Lo que esto hace es que tiene el efecto de aplanar tu composición, y por eso se considera que las tangentes son tan malas. También se puede ver un poco de tangente aquí, donde hay un vertical. Uno de los montantes de la barda está encontrando esta línea allá atrás, que creará una tangente. Cualquier cosa que se cruza está bien, por lo que estas líneas están todas bien. No ver realmente ninguna otra tangente aquí, pero ojalá, se te ocurre la idea. Eso es lo que quieres evitar en tu obra de arte en todo momento. Ahora te voy a decir algo que no escuchas a menudo, pero sí quiero que entiendas. tangentes son en realidad sólo errores muy pequeños, insignificantes en tu dibujo. No te voy a decir si has hecho un dibujo realmente bueno, que tu composición es mala simplemente porque hay una tangente. En realidad no son tan grandes de un trato en cuanto a tu dibujo. No obstante, lo que sí necesitas saber es que cualquier otro que sepa cuidar de las tangentes va a detectarlas de inmediato e inevitablemente te llamará sobre ellas. Esa es en realidad la razón por la que más quieres evitarlos, es porque podrías trabajar todo el día en un fondo realmente encantador, extremadamente bien compuesto, muy detallado, y tener solo una pequeña tangente podría en realidad significan que tu trabajo sea enviado de vuelta para revisiones de tu director de arte , tu supervisor o tu director. La mejor estrategia posible es saber de tangentes y asegurarse de que no estén en tu dibujo para que cuando lo entregues, puedas estar seguro y seguro de que no vas a conseguir ninguna revisión porque es justo como digo, más fácil y lo más simple de detectar en la obra de arte de alguien y enviarla de vuelta, así que solo evítalos por esa razón solo. 13. Introducción a las secuencias de dibujo: En lo que va de este curso, te he recorrido por algunas de las convenciones de dibujo comunes para personajes y para fondos. Como artista del tablero, debes poder dibujar ambos elementos de forma rápida, clara y dinámica en tus storyboards. Yo sí quiero abordar un punto que a menudo surge sobre esto y es, ¿tienes que poder dibujar diseños completos detallados y fondos para cada panel de guión gráfico? De igual forma, ¿tienes que poder dibujar hojas de modelo y diseños de personajes totalmente terminados? La respuesta es no. En términos generales, realmente solo tienes que dibujar fondos sugeridos en tus storyboards o si estás trabajando en un programa de televisión animado, realidad es probable que te den el diseño que ya ha sido diseñado y elaborado y también se te darán los personajes y sus hojas de modelo. Entonces tu trabajo va a ser usar tanto esos diseños esas hojas modelo con el fin de dibujar el storyboard. Recuerda que tendrás que dibujar el diseño que se te da desde diferentes ángulos y vas a tener que dibujar los personajes que se te da en diferentes poses. Además, tendrás que poder dibujar todas estas cosas muy rápido y muy correctamente. Todo eso significa que aunque no tengas que dibujar diseños detallados para tus storyboards, realmente deberías al menos poder hacerlo. Ahora sigamos adelante y veamos cómo puedes llevar todas tus habilidades de dibujo a soportar en storyboards. ¿ Cómo aplicas tus habilidades de dibujo a un guión? En esta sección de videos, voy a recapitular los ángulos básicos de cámara y tomas que se utilizan en el cine narrativo y en la animación. También voy a compartir con ustedes algunos consejos que los directores suelen dar a los artistas de la historia. Además, veremos cuántos paneles debes apuntar a estar dibujando por escena. Entonces, por fin, repasaremos algunos tableros de muestras y haremos una revisión del trabajo de los estudiantes. 14. Revisión de tomas y ángulos: En este video, te voy a dar una rápida revisión de los diferentes tipos de tomas que podrías usar para contar tus historias visuales. Esto va a ser un refresco de lo que cubrí en mucho más profundidad en el primer curso de storyboarding. Pero sí quería aprovechar para recapitular ahora ya que sí se relaciona mucho con el dibujo porque hasta ahora has estado construyendo tus habilidades de dibujo para personajes y fondos y necesitas ahora aplicarlas a visual narración de cuentos. Necesitas afinar esas habilidades de dibujo contar una historia de una manera convincente y para hacerlo, necesitas entender los diferentes tipos de tomas que están a tu disposición. Estas seis tomas que tengo aquí son más o menos las principales tomas narrativas que se utilizan en cine o animación. Pasaré por cada una de ellas brevemente y solo te explicaré cuándo y cómo las usas. El tiro establecedor se utiliza obviamente en el inicio mismo de las películas. Es ese tiro muy amplio que se ve al inicio de una película. También se puede utilizar al inicio de una secuencia también. Si has estado teniendo una carga de acción y quieres respirar orientado al espectador en cuanto a dónde están, puedes volver a establecer tiro. Eso es realmente lo que hace esto. Le dice al espectador dónde se está llevando a cabo la acción. El siguiente arriba es el tiro ancho. El ancho se utiliza de la misma manera que el tiro establecedor, en que le dice al público algo sobre el paisaje o algo sobre la ubicación. Pero esto se puede utilizar con más frecuencia a lo largo de la secuencia que el disparo estableciendo. Se puede pensar en esto ya que hay un patrón visual de narración que se conoce como progresar hacia adentro, por lo que se puede pensar en el tiro ancho como el siguiente paso hacia la escena después de la toma estableciendo. De hecho, todos estos son más o menos llevando al espectador progresivamente hacia adentro y a menudo verás el tiro ancho usado directamente después de la toma estableciendo. Ahora que hemos establecido dónde está la escena, entremos un poco más a la escena y empecemos la historia en otras palabras. Sí mencioné en el último curso de storyboarding que estas dos tomas están más o menos asociadas con el paisaje y con el entorno de la historia, como dónde están las acciones que se están llevando a cabo y que las siguientes cuatro tomas se utilizan para personajes. No es una regla dura y rápida, como puedes tener tiros largos o primeros planos medianos y extremos de objetos en una escena, o partes del paisaje, o partes de la sala donde se está llevando a cabo la acción. No tiene que relacionarse sólo con personajes. Pero es una buena manera de pensar en contar historias porque siempre estás volviendo al hecho de que el personaje impulsa la historia. En cada película o cada historia visual que se pueda pensar, suele ser el personaje el que impulsa la historia. Es por eso que estas tomas son importantes de entender en términos de arcos de personajes e historias de personajes porque pueden ser utilizadas para reforzar tu tema y lo importante para establecer la identificación del público con tus personajes principales. Dicho todo eso, el tiro largo que está después de la ancha está relacionado con el personaje. Muestra la longitud completa del personaje. Verás al personaje de pies a cabeza. A menudo se le llama un disparo de cuerpo entero. Esto se usa si hay mucha acción en la escena o si hay movimiento, si el personaje está caminando. Se desea poder mostrar la longitud completa del personaje para que la acción sea legible. Entonces después de eso es el tiro medio. El tiro medio es más o menos el tiro absoluto de personaje estándar, diría yo. Muestra un personaje desde justo debajo de la cintura y hasta la cabeza y se utiliza porque con esta configuración, todavía podemos leer la emoción claramente en el espacio del personaje, pero sigue siendo lo suficientemente amplia para que el personaje actuar si lo necesita y lo importante es usar sus manos. En cualquier momento hay un disparo o una escena donde el personaje tiene haciendo algo con las manos, luego vas por el tiro medio. El primer plano generalmente se asocia solo con la cabeza y los hombros. Esta toma es la más importante para establecer la emoción en el rostro del personaje y permitir al público leer esa emoción y comenzar a identificarse con el personaje. Diré que mucha gente tiende a ir un poco demasiado cerca cuando están dibujando primeros planos y te animaría a tener presente el hecho de que algo como esto quizás está demasiado cerca. Se quiere dar al cuarto del personaje, ver la parte superior de la cabeza, ver sus hombros, y también darle espacio si tiene que caminar en el tiro. Entonces por fin, el primer plano extremo, ahí es cuando se puede ir muy cerca. Incluso podrías entrar tan cerca como los ojos si realmente quisieras conducir a casa la emoción o acrecentar la emoción en la escena. Es una toma muy claustrofóbica, por eso ir tan cerca de un primer plano regular no funciona porque tiende a hacer que el público se sienta un poco sofocante o desorientado si llega en ese cierre. Realmente se utiliza para subrayar la emoción de la escena. Nuevamente, solo para repetirme, se puede usar en un objeto o en una parte de una escena o algo por el estilo. No es sólo para personajes. A menudo me escuchas a mí y a otras personas hablar de ángulos de cámara, tomas de cámara y parece que es un término un poco intercambiable. Una toma de cámara describe el tamaño de la vista que vemos. Piensa en si se trata de una vista amplia, una vista de primer plano, una vista extrema de cerca y un ángulo de cámara describe la colocación de la cámara en relación con lo que vemos. En cada una de estas tomas, el ángulo de la cámara está simplemente recto. Es muy genérico. El horizonte está en medio de mi tiro en casi todos y cada uno. Esto es tal vez un poco de tiro hacia abajo. mí me parece que lo dibujé como si estuviéramos mirando hacia abajo. Pero volviendo a éste, éste, y éste, todos estos son ángulos regulares. Como expliqué en el video anterior sobre el dibujo en perspectiva, se puede tener un ángulo alto y un ángulo bajo. Tan solo para recapitular, el ángulo alto es cuando tu cámara está en lo alto mirando hacia abajo en la escena. Si tuviéramos un ángulo alto de un tiro establecedor, mi rango de montaje estaría aquí arriba, mi horizonte estaría ahí arriba, y vería mucho más del plano terrestre. Todavía vería mi árbol y puedo tener el cactus en primer plano, pero hay mucho más vista del plano de tierra así. Después un ángulo bajo, si tuvieras tu cámara abajo abajo, entonces veríamos menos del suelo. El plano de tierra sería mucho más bajo hacia abajo. Digamos que si estoy dibujando este tiro ancho, tendría mis montañas muy bajas en el horizonte y el árbol. Estamos mirando hacia arriba desde abajo al árbol de ahí y luego otro ángulo que puedes usar se llama el ángulo holandés o inclinado y es entonces cuando la línea del horizonte se inclina, algo así. Si realmente quieres desorientar al espectador, podrías hacer algo así. En realidad, este ángulo inclinado es una opción realmente agradable de usar cuando se quiere simplemente mezclarlo y no tener que todo se vea tan aburrido y directo. Simplemente puedes inclinar el ángulo así y de inmediato, esto da mucho más de un sentido interesante. Es mucho más dinámico. Composicionalmente, funciona muy bien. De hecho, para las personas que quieren usar esos tiros muy extremos en alto arriba o extremos en ángulo bajo de los que hablé anteriormente, tal vez en su lugar podrían considerar usar un ángulo holandés o inclinado para transmitir eso inestabilidad y transmitir esa calidad dinámica a sus tomas sin tener quedar demasiado atrapados en complicadas cuadrículas de perspectiva. Eso es algo a tener en cuenta. Definitivamente sugeriría hacer eso. No estoy seguro de por qué se llama ángulo holandés, pero ese es el término cinematográfico, y solo recuerda que es el ángulo de la cámara o la cámara está inclinada. Ya que estás tomando este curso y es probable que hayas tomado mis otros cursos de storyboarding, entonces sé que ya tienes un sentido visual muy agudo y una muy buena comprensión del lenguaje visual fílmico. Probablemente de manera muy instintiva sabes leer una película y puedes visualizar historia en términos de tomas. Ciertamente he visto que en los últimos meses con asignaciones estudiantiles, que incluso con personas con habilidades de dibujo muy rudimentarias, aún tienen este increíble sentido de narración visual y son capaces de ver tomas y cámara ángulos de una manera muy sofisticada. Es importante saber por qué funcionan las tomas que eliges para tus storyboards y cómo encajan. Esto es lo que te va a ayudar a crear buenas secuencias porque una vez que tienes fluidez en estos motivos visuales de tomas y ángulos y una vez que sabes por qué funcionan, entonces puedes empezar a crear patrones y desarrollar tu propio particular como cineasta, como animador, y como artista de la historia. Lo más importante a recordar es que cada disparo encaja en una secuencia general, y cada secuencia encaja en una sección más grande o actúa dentro de tu guión, y cada una de esas encaja en la historia general. Esto te va a dar una idea de cómo elegir tus tomas para tus puntos de historia. Como dije antes, si quieres un tiro extremo abajo, solo pregúntate, ¿cuál es el punto de la historia de la escena? ¿ En realidad encaja en el punto de la historia? A lo mejor hay otra toma que en realidad de manera más hábil subraya las ideas de las que quieres hablar o la idea que estás explicando. En el siguiente video, voy a hablar de algunos de los mejores consejos que con mayor frecuencia se dan a los artistas de storyboard con el fin de mejorar su trabajo y realmente todo vuelve a esta idea de usar tus tomas para contar a la punto de historia. 15. Consejos de directores para artistas de storyboard: Ahora quiero compartir unos consejos contigo sobre cómo puedes acercarte tu storyboarding desde un nivel más profesional. Estos son consejos que muy a menudo son dados por directores a artistas de storyboard. No son unos pocos, creo que sólo me dieron unos cuatro consejos para ti pero son bien vale la pena saberlo. Se aplican en todo el tablero a cualquier guión gráfico en el que quieras trabajar y creo que muchos artistas de storyboard principiantes no son plenamente conscientes de los simples hacks que realmente puedes usar para mejorar tu storyboard. Conocer estos te ayudará a dibujar tus storyboards y también te ayudará a adelantarte a cualquiera de los requisitos de tu director. Conocer de antemano lo que el director va a querer de ti también es muy bueno saber. Mi primer consejo es ir realmente por el disparo por encima del hombro cuando estás abordando secuencias de diálogo. Veo esto muchas veces para principiantes artistas de storyboard donde tienen, digamos por ejemplo, algo así lo que tengo aquí, dos personas hablando y van a mostrar el diálogo o van a abordar el diálogo mostrando solo un personaje a la vez. Obviamente, si miramos esta secuencia podemos decir que este tipo está haciendo todo el hablar y este tipo sólo está escuchando. Pero piensa cuidadosamente en la dinámica que está en juego entre dos personajes cualquiera. Uno que realmente ayudará a establecer la dinámica y la interacción es mostrar un poco de la cabeza y los hombros del otro tipo. Simplemente conduce a casa al público la relación entre estos dos y es una muy buena manera de establecer esa relación. Además también se puede utilizar para subrayar cualquier tensión entre ellos. Si yo fuera a arreglar esto, tal vez movería un poco a este tipo y añadiría en la cabeza y los hombros de este otro personaje inmediatamente cambia la dinámica de esta simple escena que la hace mucho más fuerte. Creo que realmente agrega a esta interacción lo que está sucediendo. Este tipo está charlando y este tipo está escuchando e incluso aquí, todavía puede estar hablando lejos y tener a este tipo sólo escuchando, una mejor comprensión y una mejor conexión entre los dos personajes lo que luego ayuda al público a leer la escena mucho mejor. El otro es que esta dinámica que se establece con un disparo sobre el hombro puede realmente subrayar cualquier tensión entre personajes. Por ejemplo, si nos fijamos en este conjunto de miniaturas que hice en el curso de storyboarding anterior, esta secuencia de diálogo aquí entre el sheriff y el hombre del bar va en camino a demostrar eso. Este tiro de aquí probablemente sea más técnicamente llamado de dos tiros, por lo que ambos personajes están en el tiro por igual, pero luego nos movemos a un poco de un disparo por encima del hombro, cortamos de nuevo a su reacción y luego tenemos esto por encima del hombro . Esto me gusta porque sí ayuda establecer que este tipo está en una posición un poco más débil. Si solo creo una nueva capa, voy a agarrar otro color. Ya verás que Appleby, el barman, casi en cada disparo ocupa esta zona del marco. En tanto que el alguacil ocupa la parte superior izquierda del marco, y en esta instancia aún más de nosotros. Eso es sólo una señal visual sutil para el público que la dinámica en juego aquí es camino debería hacia este cielo. El disparo sobre el hombro muestra al público lo que está mirando el personaje además de que muestra de manera decisiva al personaje en el acto de mirar. Simplemente mejora la identificación del personaje. Ahora el siguiente consejo es uno que a menudo lo dan los directores al artista de storyboard y que es cortar más ancho en la acción. A lo que quiero decir con eso es que si hay acción sucediendo en una escena, por ejemplo aquí, creo que estas dos tomas deberían ser un poco más anchas. Es muy apretado y casi claustrofóbico cuando miras estos dos tiros. Tienes tres personajes aquí dentro, algo está pasando. Se están dando la vuelta porque entraron estos tipos, pero en realidad no se lee muy bien. Si miramos aquí este ejemplo, ahora esto es mucho mejor. Pasamos de la sucesión o una serie de primeros planos y en este tiro Tucker, el sheriff, va a pisar frente a Gretta y tratar de manejar la situación recortando más ancho. Simplemente tienes mucho más espacio para que los personajes actúen y se muevan. Eso es lo que se entiende por recortar más la acción, y es sólo algo a tener en cuenta. Mucha gente va a entrar por los primeros planos automáticamente, tal vez sea porque quieren realzar la historia o realzar la emoción de la escena, pero en general hablando por algo como esto, cortar más ancho permitirá en realidad que el acción para jugar en una distancia mucho clara. Mi tercer consejo es algo que mencioné en el último video y eso es usar el ángulo inclinado o el ángulo holandés. Nuevamente, usar directamente en ángulos compositivos ordinarios donde la cámara está directamente frente a los personajes puede tender a ser un poco aburrido. Este es un ángulo bastante bonito. Es un poco de bajada. El asunto de un ángulo inclinado o holandés es que crea líneas diagonales, y esos son los elementos compositivos que interesan a un espectador o involucran al público. Tengo un conjunto de miniaturas ásperas aquí y solo quería mostrarles lo efectivo que es este tiro de aquí abajo. Pasamos desde tomas muy estándar, primeros planos, cámaras todas en el mismo nivel, y luego aquí ha inclinado ligeramente la cámara para que veamos un poco del piso y estas líneas aquí que conducen hacia la puerta. Simplemente tiene el efecto de sumar al drama y crear esa sensación de desequilibrio y tensión. Como digo, estas líneas diagonales son realmente buenas en cualquier dibujo, en cualquier composición para ayudar a llevar los ojos del espectador a donde es el área de interés que en este caso es la puerta. Están corriendo por la puerta. Recuerda ir por un ángulo inclinado o holandés siempre que quieras realzar tu composición o añadir un poco más de interés a tus paneles. El último consejo que es más o menos estándar en el trabajo de todos es recordar usar elementos de tu composición para enmarcar a tus personajes. Esto solo siempre va a hacer para una imagen mucho más fuerte y un tiro mucho más fuerte. Si pones en primer plano algunas cosas o usas objetos dentro de la toma para enmarcar a tu personaje, entonces lo estarás haciendo muy bien. Por ejemplo, en este tiro de aquí, esta línea diagonal de la barandilla y este personaje aquí enmarca perfectamente esta área de interés. Nos lleva los ojos hacia el personaje del alguacil luego camina por la escena y continúa hasta el siguiente panel. De qué está haciendo esto, esto y como digo, su mirada direccional está en primer plano, el Sheriff la llevó caminando. Eso es muy bonito contar historias visuales. Es solo un ejemplo sencillo, pero me has visto hacerlo una y otra vez incluso aquí arriba donde usé elementos en las esquinas para enmarcar lo que está sucediendo en el centro. Nuevamente, en esta sección o en este panel, aquí está la barandilla subiendo las escaleras, creando esa línea diagonal realmente bonita y enmarcando el ojo del espectador hacia estos dos personajes. Es una configuración perfecta para la secuencia de diálogo que sigue. Esos son mis mejores consejos para dibujar storyboards y construir tus secuencias. En el siguiente video, vamos a echar un vistazo a algún trabajo estudiantil y revisar algunos de los storyboards arriba y llegando en términos de construir secuencias y crear una narración dinámica a través de tus decisiones de toma. Te veré en el siguiente video. 16. Proyecto de clase: Bien hecho por llegar al final del curso. Estoy muy orgullosa de ti por ver esto todo el camino. Espero que lo hayas disfrutado y espero que hayas aprendido algo útil. Yo quiero presentarles ahora el proyecto de clase final. Como mencioné antes, este va a ser un proyecto muy divertido para que aceptes y aplique todo lo que hemos cubierto hasta ahora en el curso a storyboarding un guión desde cero. Lo que he hecho es que te he dejado una carpeta en tu sección de descargas. Podrás encontrar todos estos activos. En primer lugar, encontrarás tu guión. He dejado tanto una versión PDF como una versión de Word doc. Si no puedes acceder a ninguno de esos, avísame y te enviaré un formato de ordenamiento diferente. Lo que encontrarás es que es más o menos una página de guión. Ahora, solo quiero señalar que no tienes que guiar esta página entera. Una vez que empieces a marcar hacia abajo en los detalles, verás que hay bastante que está involucrado en solo un solo pager directo. Siéntete libre de tomar parte de esto, si sientes que es suficiente, o tomar todo el guión, eso será genial. Esencialmente, tienes tu guión y tienes algunos diseños de personajes. He dibujado este personaje, este es el capitán Barnaby. También he armado una alineación de su tripulación pirata. Como verán, he hecho poses para el capitán Barnaby, pero no he dibujado ninguna pose de estos tipos. Esperemos que hayas tenido una oportunidad de practicar poner algunos de estos personajes en poses tú mismo. Pero deberías poder usar cualquiera de estos para tu storyboard. También tienes un diseño de muestra. Este es el layout que va con la primera escena del guión. Si vuelvo al guión de Metal Queen donde dice noche de muelles exteriores, ese es ese layout. El resto depende de ti. Yo quiero que se te presente un sugestivo fondo para la cubierta del barco. Puedes referirte a mi dibujo áspero para la cabaña del capitán si quieres, cuando bajes hasta el final de la misma. Mi consejo es leer el guión, anotar tus ideas, tus pensamientos, y poner cómo visualizas la historia, hacer pequeñas notas en el guión, y luego formular esas ideas. Quieres estar pensando en ángulos, tiros, y cómo encajarán esos disparos para contar la historia. Cuando tengas el thumbnailing hecho, entonces puedes volver a entrar y redibujarlo como un guión gráfico final terminado. También te he dejado algunas plantillas de storyboard que puedes usar para terminar tu proyecto. Aquí hay algunos archivos, tanto JPEG como PDF. Esta plantilla cuenta con tres paneles. Tengo otra plantilla que tiene seis paneles en una página. Depende totalmente de ti. Si tienes alguna pregunta, claro, me puedes hacer saber, mandarme un mensaje y con gusto te ayudaré. Pero espero que puedas divertirte con este proyecto. De verdad espero que seas capaz de aplicar a tu dibujo cosas que has aprendido en este curso, para este proyecto y avanzando hacia el futuro. Mantengámonos en contacto. Espero verlos en el próximo curso.