Transcripciones
1. Introducción: Hola, me llamo Isabelle, y soy fotógrafa autodidacta de comida. Según hemos visto a Instagram ganar popularidad en los últimos años, el mundo de la fotografía alimentaria realmente ha explotado. Lo que alguna vez fue un mundo algo esquivo y reservado de trabajo editorial, ahora
está algo democratizado, allanó el camino para toda una nueva generación de narradores realmente diversos y talentosos. Si bien todos podemos y más o menos hacer, tomar una foto rápida de nuestra comida en nuestro iPhone, hay que pedir la pregunta, ¿qué hace para una buena foto y esos factores se pueden
descomponer en un conjunto claro y digerible de lecciones? En esta clase de Skillshare, desmitificando la fotografía de alimentos, consejos y técnicas para encontrar tu estilo en un cambiante panorama de redes sociales, espero empoderar a los individuos para que se sientan más seguros detrás de la cámara. Vamos a lograr esto cubriendo temas relacionados con los conceptos básicos de la cámara, iluminación, el estilo y la composición. Si bien se recomienda algún conocimiento o experiencia con la fotografía de alimentos, esta clase es para todos los niveles de habilidad, todo lo que necesitas es un amor por la comida y un amor por la fotografía. Entonces, empecemos.
2. Proyecto final: Para tu proyecto final, fotografiarás un plato o comida de firma de tu elección utilizando de dos a tres conceptos de clase en tu fotografía. El primer paso en el proceso incluirá completar la clase y reflexionar sobre el contenido. Lo que más te destacó de lo que se describió. Trata de practicar algunos de los conceptos con objetos simples como fruta o flores. Pruebe diferentes ángulos, iluminación, ajustes de
cámara, e indicaciones. A continuación, elige una firma de plato favorito, comida o comida para fotografiar. Esto podría ir desde pastel, sopa, pasta, ensaladas, sándwiches, etcétera. No tengas miedo de usar tu imaginación. A continuación, desarrolla un tablero de humor en Pinterest o Instagram de tu inspiración. ¿ Tu estilo tiende hacia la luz y aireado o mal humor y oscuro? ¿ Gravitas hacia un montón de indicaciones o un estilo más minimalista. Contempla si la elección estilística funciona o no con tu platillo. Una vez que hayas creado tu tablero de humor más o menos bosquejar tu escena. ¿ Desde qué ángulo quieres fotografiar? ¿ Qué indicaciones desea utilizar? Por último, fotografía tu escena y opcionalmente edita a tu gusto en el software de tu elección. Dos ejemplos incluyen Adobe Photoshop o Adobe Lightroom. Publica tu obra en la galería de clase ya sea en formato de paisaje o retrato. Una vez que hayas completado tu proyecto, asegúrate de involucrarte con el trabajo de otros creadores. Si estás listo empecemos esta clase.
3. Conceptos básicos de cámara: Bienvenido a tu próxima lección donde estaremos discutiendo los conceptos básicos de la cámara. Vamos a discutir temas como el modo manual versus automático, enfoque
manual versus automático,
apertura, velocidad de obturación, e ISO. Hablemos primero del modo automático versus manual. En una cámara DSLR hay varios modos diferentes en los que puedes disparar, dos de los cuales son automáticos y manuales. modo automático decide para ti cuál será la apertura, velocidad de obturación, ISO, y balance de blancos, que son temas que vamos a discutir largamente más adelante. Piénsalo casi como las ruedas de entrenamiento en una bicicleta. Al igual que en, hace la mayor parte del trabajo por ti. Si bien esto puede ser conveniente, en última instancia
tienes menos control sobre el resultado de tus imágenes, lo que puede resultar en una falta de consistencia. Si bien el modo manual es sin duda más trabajo, en última instancia
tendrás un control más creativo, solo requiere un poco de atención extra, a los diferentes componentes de tu cámara. A continuación, hablemos de enfoque manual versus automático en una cámara. Hacia la parte frontal de la cámara cerca de la lente, debe
haber un interruptor, que indique enfoque automático versus manual, usualmente anotado por M versus AF. enfoque automático son solo la lente focal de la cámara para ti, lo cual es conveniente para tomas de acción o de naturaleza. El saludo de este hecho es que no necesariamente enfocará en las partes de una imagen que tú quieras. enfoque manual, en contraste, implica girar la lente focal de la cámara hasta que los diferentes puntos de la imagen entren en foco. Nuevamente, esto requiere un poco más de esfuerzo, pero en última instancia te da un control más creativo. El siguiente componente de cámara del que vamos a hablar es la apertura. Apertura es la cantidad de luz que una cámara deja entrar físicamente. Se puede pensar en ello como la pupila del ojo de la cámara. Se dilata cuando está expuesto a ajustes más claros, y crece más grande cuando se expone a configuraciones más oscuras. La apertura se mide en ajustes de f-stop, que van desde f-1.4 hasta f-22. Cuanto mayor sea el número de f-stop, menor cantidad de luz dejará entrar la cámara. En contraste, cuanto menor sea el f-stop, mayor cantidad de luz dejará entrar una cámara. Además de la luz, la apertura también impacta la profundidad de campo. Los ajustes de f-stop inferiores corresponden con un campo de enfoque poco profundo, lo que significa que menos de una imagen será clara. Por ejemplo, si miramos aquí esta imagen, sólo
hay un pequeño punto que está claro. En contraste, un ajuste de f-stop más alto, dará como resultado un campo de enfoque más profundo, lo que significa que más de una imagen será clara. Para fines de fotografía completa, el punto dulce para la apertura, está en algún lugar entre f-4 a f-8, con rangos más altos recomendados para tomas aéreas. Habrá alguna variación en cuanto a cómo ajustas la apertura, dependiendo del modelo de tu cámara, así que asegúrate de mirar el manual de tu cámara individual. El siguiente tema que vamos a cubrir es shutterspeed. La velocidad de obturación, al igual que la apertura, también corresponde a la cantidad de luz que deja entrar una cámara,
pero en cambio es la cantidad de tiempo que el obturador está abierto antes de que la cámara tome una foto. Dependiendo del modelo de tu cámara, velocidad del obturador puede oscilar entre un octavo de segundo y una quinquinientas centésimas de segundo. Pero un buen rango para la fotografía de alimentos, está en algún lugar entre uno de segundo a una doscientas centésimas de segundo, dependiendo de lo brillante que sea tu fuente de luz. Para tomas de acción, se recomienda una mayor velocidad de obturación, ya que en última instancia obtendrás una imagen clara y más nítida. Si quieres usar una velocidad de obturación más baja, te recomendaría usar un trípode, ya que te ayudará a mitigar parte de ese desenfoque de movimiento que podrías obtener si dispararas la mano libre. El último tema que vamos a discutir que se relaciona con los conceptos básicos de la cámara es ISO. ISO es un ajuste de cámara que se ajusta por lo sensible que es una cámara a la luz. En otras palabras, puede aclarar u oscurecer una imagen. Cuanto mayor sea el ISO en número, más brillante será una imagen. Altos rangos de ISO se pueden utilizar
para imágenes nocturnas , por ejemplo, si fuera a disparar un paisaje urbano o algo así. Pero cuanto más alto sea
el ISO, más grano tendrá una imagen. Con fotografía ISO debería oscilar en algún lugar entre 160 y 400. Nuevamente, revisa tu manual de cámara individual para determinar cómo ajustar tu ISO. Para revisar, vamos a discutir rápidamente algunos de los temas relacionados con los conceptos básicos de la cámara. Hablamos primero sobre el modo manual versus automático, y cómo el modo manual permite una mayor flexibilidad creativa. Luego discutimos el enfoque manual versus automático, y apuntando a las partes de la imagen en las que quieres enfocarte. A continuación discutimos la apertura, y cómo impacta el campo inductivo de la luz. También discutimos la velocidad de obturación y cómo también impacta la luz que toma una cámara. Por último discutimos la ISO y cómo impacta la configuración de luz de una cámara.
4. Iluminación: Bienvenido a tus próximas lecciones. Estaremos discutiendo la iluminación. Para fines de esta clase, sólo
vamos a estar discutiendo las fuentes de luz natural. Si actualmente disparas usando fuentes de luz artificiales o buscas una clase relacionada con esto, solo ten eso en mente avanzando. En estas próximas lecciones vamos a cubrir por qué utilizar luz solar como su fuente de luz primaria en fotografía de alimentos, fuentes de luz
directas versus indirectas, configuraciones de iluminación
lateral y configuraciones de retroiluminación. Quizás te estés preguntando por qué usar la luz solar como tu fuente de luz primaria en fotografía de
alimentos frente a la iluminación aérea regular en tu casa. Parte de ella tiene que ver con la intensidad relativa en potencia de la luz solar en comparación con una bombilla doméstica estándar. Si bien la bombilla entrega aproximadamente 800 lúmenes de luz, en promedio el sol entrega 9,800 lúmenes de luz por metro cuadrado en una superficie perpendicular. Por lo tanto, la luz solar entrega mucha mayor luz lo que en
última instancia resultará en una imagen mejor iluminada. Además de este hecho, mayoría de las bombillas tienden a emitir un tinte amarillo o azul especialmente cuando se fotografian. La luz solar tiende a parecer más neutra y tener un balance de blancos de aspecto más natural. Nuestro siguiente tema cubrirá las fuentes de luz
directas versus indirectas y su propósito en la fotografía de alimentos. Las fuentes de luz directas son aquellas que brillan sus rayos directamente sobre la escena u
objeto o están en
el camino directo del objeto o escena que estás fotografiando u observando. Para la fotografía, esto da como resultado sombras duras y reflejos y colores vibrantes, y una buena sensación de contraste. Esta puede sin duda ser una elección hermosa y efectiva para cosas como bebidas, pero a veces puede abrumar una imagen sólo en términos de lo duros que pueden ser los reflejos y las sombras. En contraste, la iluminación difusa implica la dispersión de la luz para que una escena se está iluminando indirectamente. Esto puede suceder en la naturaleza como en un día nublado o mediante el uso de un difusor fotográfico en días brillantes y soleados. Para la fotografía de alimentos,
generalmente se usa algún nivel de difusión ya que tiende a iluminar los objetos de manera clara y limpia. Pero ten en cuenta ambos métodos de iluminación sin duda se pueden usar solo depende del efecto estilístico que vas a buscar. Nuestro siguiente tema cubrirá la iluminación lateral y la retroiluminación. Side Side implica configurar una escena fotográfica paralela a una ventana para que la luz entre en el costado de los alimentos lo que crea una sensación dinámica de reflejos y sombras. Otra configuración de iluminación es la retroiluminación. retroiluminación es más una técnica de iluminación avanzada que implica colocar tu escena fotográfica frente a tu ventana o fuente de luz lo que crea un efecto dramático y de mal humor. retroiluminación se utiliza a menudo para tomas dramáticas de bebidas pero de nuevo, ten cuidado al usar esta técnica ya que a veces puede dominar la escena sólo en términos de cuán oscuras pueden aparecer las sombras. Términos para determinar qué horas del día son mejores para fotografiar, recomendaría fotografiar un artículo sencillo como una manzana en diferentes momentos del día y observar las diferencias. Repasemos. En primer lugar hablamos de por qué usar la luz solar en la fotografía de alimentos, hablamos de las diferencias entre las fuentes de luz directas frente a las indirectas, y por último, hablamos dos configuraciones de iluminación diferentes que incluyen la iluminación lateral y la retroiluminación.
5. Composición: Bienvenidos a sus próximas lecciones, que se relacionarán con la composición, o el diseño general o disposición de su escena. Algunos de los temas que discutiremos incluirán los diversos ángulos de cámara, como el disparo de techo, el disparo de ángulo de 45 grados, y el disparo directo, así
como algunas reglas de composición, como el regla de tercios, y la regla del triángulo dorado. Discutamos primero el disparo de arriba. Los disparos aéreos implican disparar directamente sobre tu escena. Esto se puede lograr disparando mano
libre o mediante el uso de un trípode o soporte de llave. Como se mencionó, antes de minimizar parte del desenfoque de movimiento, y para capturar adecuadamente los detalles de tu escena, generalmente se recomienda una
mayor velocidad de obturación y apertura. Los disparos superiores tienden a funcionar para objetos algo planos. Algo así como una ensalada, versus objetos con altura como un sándwich. Dado que las tomas aéreas a veces pueden leer planos, textura y el movimiento se pueden introducir mediante la colocación de avisos en capas e introduciendo curvas, que son algunos de los temas que discutiremos un poco más adelante. El siguiente ángulo de cámara del que hablaremos es el disparo de ángulo de 45 grados. Por lo que los disparos de ángulo de 45 grados se toman en un ángulo entre la parte superior, y rectos en los disparos. En consecuencia, permiten más dimensión en una imagen. Por lo que las tomas de ángulo de 45 grados se usan comúnmente para fotografiar bebidas, como se puede ver, tanto el perfil como la superficie del objeto, lo que permite algún contraste visual agradable. El siguiente ángulo de cámara del que hablaremos es el disparo directo. El disparo directo consiste en disparar en un ángulo de 90 grados, o en paralelo al perfil del objeto. Esto funciona mejor para objetos más altos como sándwiches o hamburguesas, ya que realmente puede mostrar la altura vertical de los alimentos. Esto también podría funcionar para cosas como brownies o poffies. Ahora que hemos hablado de ángulos de cámara, discutamos rápidamente dos reglas importantes de composición, la regla de los tercios y la regla del triángulo dorado. El principio de los tercios es una directriz compositiva clásica, que implica visualizar dos líneas horizontales y dos verticales, que forman una cuadrícula, que rompen una imagen en tercios, siendo la idea que los puntos de intereses para una imagen, deben ocurrir en los puntos de intersección de la línea. La siguiente regla compositiva de la que vamos a hablar es la regla del triángulo dorado. La regla del triángulo dorado opera fuera de la misma idea que la regla de los tercios. Básicamente, que los puntos de interés de una imagen, se den en los puntos de intersección de las líneas. En lugar de una cuadrícula, sin embargo, la regla implica cuatro triángulos establecidos en una diagonal. Si bien ambas reglas son útiles en cuanto a crear una imagen balanceada composicionalmente, ninguna manera tienes que imprimir una cuadrícula, cada vez que quieras tomar una foto. Son, sin embargo, útiles en cuanto a la visualización de un tema, sobre todo cuando estás dibujando por primera vez tus ideas. Repasemos rápidamente algunos de los temas de los que hablamos relacionados con la composición. Hablamos primero de algunos de los diferentes ángulos de cámara, y algunas reglas generales de pulgar para cuándo usar las cuales, luego discutimos la regla de los tercios y cómo funciona para crear una imagen bien compuesta, y por último, discutimos la regla del triángulo dorado, y algunas de las similitudes con la regla de los tercios. Te veré en la siguiente-
6. Aplicar estilo: Bienvenido a tu próxima lección donde estaremos discutiendo el estilo. Algunos de los temas que cubriremos incluirán, S-curvas,
C-curvas, estratificación de utilería, y por último, consejos y técnicas de chapado. Discutamos primero la curva S. Crear curvas en la fotografía, es una forma en que puedes crear una imagen de aspecto sin fisuras. Ejemplo de eso incluye la curva S. Esta técnica de estilismo implica organizar apoyos u objetos en la forma rugosa de una S. S-curvas realmente dibujan la mirada hacia una imagen, creando una sensación de movimiento y definición. Esto puede funcionar muy bien en tomas aéreas, al volver a crear esa sensación de movimiento, pero también puede funcionar muy bien en tiros rectos o de 45 grados, en términos de jugar con tus elementos de primer plano y de fondo. La siguiente curva que discutiremos es la curva C. Nuevamente, las curvas C son otra técnica de estilismo y son similares a las S-curvas en cuanto a crear movimiento. No obstante, las curvas C más enmarcan una imagen o un sujeto, y pueden crear una sensación de cierre. Ejemplo, los objetos dispuestos en una C, enmarcan las esquinas de una imagen, y también proporcionan un buen contraste con el espacio negativo a la derecha. Pasemos a nuestro siguiente tema, apoyos y estratificación. Props, aka platos, cuencos, servilletas, etc., se
pueden pensar en las piezas del conjunto que realmente ayudan a dar vida a una imagen. Ten en cuenta, sin embargo, realmente no necesitas un millón de piezas caras, para hacer una imagen hermosa. Más bien solo un tazón o plato pensadamente colocado puede crear un tremendo impacto. En cuanto a qué apoyos usar, creo que un buen punto de partida sería un plato, un tazón, un juego de cubiertos, una servilleta, y opcionalmente, un vaso. Para crear una sensación de continuidad, movimiento y textura, se puede introducir estratificación en tus utilería. Esto se puede hacer apilando un tazón en un plato, envolviendo una servilleta alrededor de su tazón, o solapando varios ingredientes o elementos. En lo que respecta a los telones de fondo, el cielo realmente es el límite. Algunos de los telones de fondo de mi arsenal incluyen un fondo impreso final, unos pocos fondos de yeso DIY,
un telón de fondo de madera
DIY, incluso, un mantel de lino. Otros fondos sí existen en el mercado, que van desde más opción impresa en vinilo, hasta madera en telones de fondo, y también vienen en una variedad de puntos de precio. Nuestro último tema de estilismo se relacionará con consejos y técnicas de chapado. Ten en cuenta que el uso de curvas también puede aplicarse a las técnicas de chapado, como se ve en esta imagen aquí. Pero otra técnica de chapado es el abanico de verduras o ingredientes en tu plato o tazón, como con artículos como
manzanas, peras, aguacates, rábanos, etc. Esto implica rebanar finamente tus frutas o verduras, y presionar suavemente la superficie hacia abajo para crear un patrón como abanico. El ojo se dibuja naturalmente a los patrones y la geometría, que es solo una de las razones de por qué se trata de una técnica de chapado realmente efectiva. Otra cosa a tener en cuenta al chapar es
permitir algún espacio en blanco en el plato o tazón, lugar de llenar el recipiente hasta el borde. Esto permite cierto contraste visual, pero también da un sentido más natural del equilibrio, y también de escala. De acuerdo con este tema de geometría y patrones, los swoops y remolinos son otra técnica de chapado para cosas como salsas o heladas. Esto implica agregar una muñeca del artículo a tu plato, y arrastrar suavemente este giro a través de él para crear una sutil forma de C. Repasemos algunos de los temas relacionados con el estilo. Hablamos primero de algunas de las diferentes curvas y de cómo contribuyen a una sensación de movimiento en una escena, luego discutimos cómo construir una colección de utilería, y por qué los elementos de estratificación contribuyen a una imagen bellamente estilizada, y por último discutimos algunas técnicas de chapado y cómo contribuyen a una foto exitosa. Te veré en el siguiente video.
7. Conclusión: Llegamos hasta el final de nuestras lecciones. Enhorabuena, espero que hayas aprendido mucho. Pero antes de separarnos, vamos a discutir rápidamente algunos de los temas, nos repasamos en esta clase. Hablamos primero de los conceptos básicos de la cámara y tocamos el modo
manual versus automático en una cámara DSLR. También hablamos de enfoque manual versus automático, y tocamos la apertura, la velocidad de
obturación, y la ISO. Familiarizarse con los diferentes componentes de la cámara realmente hace una gran diferencia en la calidad general, de las imágenes que elegirás. Asegúrese de consultar su manual individual de la cámara para entender cómo realizar esos ajustes. A continuación hablamos de iluminación, específicamente, por qué usar la luz solar como tu fuente de luz primaria. También hablamos de fuentes de luz directas versus indirectas, cuál es la diferencia entre esos dos. Por último discutimos dos ajustes de iluminación diferentes, Iluminación
lateral y retroiluminación. Nuevamente, les dimos algunos ejemplos de lo que parece eso, algunas de las diferencias y algunos roles de ellas. Después discutimos la composición, específicamente, los diferentes ángulos de cámara, incluyendo el disparo de arriba, el disparo directo y el disparo de ángulo de 45 grados. También hablamos de dos reglas compositivas diferentes, entre ellas la regla de los tercios y la regla del triángulo dorado. Al entender estas teorías compositivas básicas, realmente
podrás reducir parte
del trabajo invitado que implica organizar tus escenas, lo que realmente ayudará a agilizar tu proceso fotográfico. Por último, discutimos el estilo. Hablamos de algunos consejos y técnicas diferentes, relacionados con el uso de curvas, específicamente, la curva S y la curva C, y cómo realmente ayudan a crear movimiento y geometría, en tus imágenes, algo que es realmente visualmente atractivo para el ojo humano. También hablamos de consejos y técnicas de chapado, selección de
prop y estratificación de prop. Styling realmente ayuda a contar la historia del plato, o del objeto, o incluso del retrato que estás tratando de fotografiar, por lo que es realmente útil tener algunas de estas técnicas en tu cinturón de herramientas avanzando. Pasos siguientes, asegúrate de compartir tu proyecto en la galería de clases, y deja cualquier comentario que tengas para mí. De verdad espero con interés escuchar de ustedes. Si quieres consultar más de mi trabajo, puedes encontrarme @the_balancedapron en Instagram,
o puedes encontrarme en el delantal equilibrado en Pinterest, y por último, puedes encontrar mi sitio web en www.thebalancedapron.com. Ahí, comparto recetas, se pueden
ver algunas de mis publicaciones de blog, así
como mi portafolio de trabajo. Para cerrar, realmente espero que esta clase te
empodere para sentirte más cómodo detrás de la cámara, para entender lo que pasa en hacer una hermosa imagen de comida, y también te inspires para encontrar tu estilo único. Cada vez que fotografías, es una oportunidad para aprender algo nuevo, Ve qué fue bien, ve qué tal vez no salió bien, y aplica eso a tu trabajo avanzando. Realmente bien hecho, y espero ver todos y cada uno de los proyectos.
Isabelle Namnoum, Hi! I'm Isabelle, a food photographer
