Transcripciones
1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi
nombre es Will Elliston, y hoy continuamos
nuestro viaje hacia teoría
del color
al centrar
nuestra atención en la magia de los colores secundarios naranja, verde y violeta En esta clase,
exploraremos cómo usar
estos tres tonos expresivos para estos tres tonos expresivos para desbloquear emocionantes
enfoques de la acuarela, convirtiéndose en una base
de pinturas expresivas y
armoniosas A través de una serie de
muestras y ejercicios, descubriremos la
belleza de limitar nuestra paleta mientras ampliamos
nuestras posibilidades La demostración final
será una llamativa pintura de rosas, creada íntegramente con colores
secundarios para mostrar cuánta profundidad, contraste y atmósfera se
puede lograr. He sido un
artista profesional durante muchos años, explorando muchos
temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad
y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando
empecé, no tenía idea dónde empezar o
cómo mejorar. No sabía qué
suministros necesitaba, cómo crear los
efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones
mundiales, aparecido en revistas
y he
tenido la suerte de
ganar premios de organizaciones
muy respetadas
como la Sociedad Internacional de
Acuarela,
la Alianza de Maestros de
Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora
para quienes empiezan, razón por la
cual mi objetivo
es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio
de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando
a través de una pintura completa, demostrando una variedad
de técnicas y explicando cómo uso todos
mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás
seguir a tu propio ritmo y mejorar
tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante
o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de
habilidad. Me gusta comenzar con un
enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas
emocionantes
para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y
hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas
complejos en formas más fáciles que
fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos
consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir
los errores en oportunidades, quitando el estrés de la
pintura para divertirte. También te proporcionaré
mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta
invaluable a la hora de elegir
y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de
discusión abajo. Me aseguraré de leer y
responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón de
seguir en la parte superior Esto significa que serás el
primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos También puedes seguirme en
Instagram en Will Elliston
para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y
descubramos cómo abrazar los colores
secundarios puede desbloquear nuevos niveles de creatividad
en tu trabajo de acuarela
2. Tu proyecto: Muchas gracias por
unirse a esta clase. Me emociona guiarte a través esta exploración de la
armonía
secundaria del color en acuarela. Trabajaremos exclusivamente con verde, naranja y violeta, sumergiéndonos en cómo se
relacionan entre sí, cómo se mezclan, cómo pueden
destacarse por sí mismos, para crear un trabajo expresivo
llamativo. Crearemos muestras usando diferentes combinaciones de
pigmentos. Exploraremos un triángulo de
color y una rueda de color secundaria para visualizar, equilibrar
y contrastar. Después aplicaremos esas
técnicas en una pintura final. Esta es una gran
oportunidad para impulsar tu creatividad y generar
confianza en la mezcla de colores. En la sección de recursos, he agregado una imagen
de alta
resolución de mi pintura terminada
para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a
seguir mi pintura exactamente o experimentar con
tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto
de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas
que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el
boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para
aprender a pintar. Es importante
tener el underdrawing correcto para que
puedas relajarte y
divertirte aprendiendo el propio medio
acuarela Cualquiera que sea la dirección
que tomes esta clase, sería genial
ver tus resultados y las pinturas que
creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis
alumnos, así que por favor tome una foto
después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto
y recursos. Siempre me intriga
ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar
sobre tu proceso y lo que aprendiste en el
camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del
otro en la Galería de Proyectos del
estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los
demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus
compañeros de Así que no olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro.
3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con el ejercicio y las pinturas, repasemos todos los
materiales y suministros que generalmente uso a
lo largo de cualquier pintura. Tener los materiales adecuados puede afectar
enormemente el
resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para
esta clase y más allá. Son muy útiles para
tenerlas a tu disposición y te
facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias
pinturas. Y como la mayoría de los materiales
que usaremos hoy en día, tiene mucho
que ver
con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que
lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre
amarillo, siena
quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul
Opramarne, azul cobalto, azul
serlean, lavanda,
morado, viridian, negro, y
al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca
en particular. Estos colores los puedes
obtener de cualquier marca, aunque personalmente
utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton
o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es
un cepillo sintético redondo como
este cepillo EscodaURL
o este cepillo Van Son muy versátiles porque
no solo los puedes usar para trabajos detallados
con su punta fina, sino que como pueden contener
mucha agua, también
son buenos para
lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes
en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas
amplias, rellenando áreas grandes y creando
transiciones o lavados suaves También tienen un consejo nocturno que se
puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa
que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético
tamaño cero. Todas las marcas las tienen,
y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas
y una punta muy puntiagudos. Son perfectos
para agregar textura o crear
líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes
avisarlos así para lograr
texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los
pinceles. Sobre papel. La mejor calidad
de tu papel, más fácil será pintar. papel barato
gruñe fácilmente y es muy implacable, no permitiéndote reelaborar errores Es más difícil crear efectos
atractivos y aplicar técnicas útiles
como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar
errores varias veces, sino que debido a que
el pigmento
reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de
errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear
mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible
en mi tienda de arte local. Un spray de agua es
absolutamente esencial. Al usar esto, te
da más tiempo para pintar las áreas que
deseas antes de que se seque. También te permite
reactivar la pintura si quieres agregar una
línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo
para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura
antes de
mojarla en el agua hará que el
agua dure mucho más Siempre es útil
tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar
el exceso de pintura. Además, nunca
se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura
o goteo no deseados que
necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas
para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es
importante que tengan una consistencia
similar a lo
que son en los tubos. De esta manera, es más fácil
recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil
para acelerar el tiempo de secado y controlar la
humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice
mientras pinta. Además, si planeas
pintar hasta el borde, te
permitiremos crear un borde
muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que
uso aún más allá de esta clase. Así que vamos a
comenzar los ejercicios.
4. Preparación de la rosa: Empecemos
dibujando estos ejercicios. Sólo voy a adivinar
o estimar aproximadamente dónde está el medio. No hace falta
que sea tan preciso. Apenas unas ligeras marcas de lápiz. Y luego en el lado izquierdo, ahí es donde voy
a dibujar mis filas, empezando por líneas giradas, un círculo para donde está
esa cabeza de rosa, y luego notar cómo estoy cambiando
el agarre de mi lápiz para lograr un bonito tipo gestual de movimiento suelto
con Sólo para repasar ligeramente
la forma de la rosa. Por supuesto, he incluido
el esquema que puedes usar para
trazarlo en tu papel si
quieres acelerar esto. De igual manera, con
las plantillas del otro lado. He optado por pintar
la rosa de la izquierda porque no
quiero mancharla con la mano del otro lado
porque soy diestro, pero si eres
zurdo, puedes, por
supuesto, pintarla
al revés Mi mano ni siquiera
toca el papel, así que lo mantengo bien, libre
y suelto. Esto también depende del tamaño que
estés pintando. Si estás pintando pequeño,
entonces tal vez tengas que usar más una acción de muñeca
en lugar de la acción de tu brazo. O si estás pintando más grande, quieres usar
todo tu hombro moverte y crear esas bonitas marcas sueltas y arremolinadamente porque ahí es donde entra
la energía Comenzamos con estas
líneas sueltas para crear la energía, y luego vamos con un poco
más de definición después de eso. A menudo empiezo con ese
grueso plomo a la derecha, se
puede ver al
lado del papel. Pero me imaginé que estaba bien. Sólo estamos haciendo esto
para un ejercicio. No va a ser
una pintura separada. decir, puedes, por supuesto,
hacerlo en un trozo de papel separado, pero me gusta cuando trabajo con una
paleta limitada como esta, me gusta hacer mis muestras y ruedas de
colores en la misma hoja, solo para que pueda observar
y tenerla como referencia Porque todo es un
viaje al final,
y en realidad estoy más
interesado en aprender acuarela y desarrollar
mis propias habilidades que en
crear obras maestras Por lo que me parece más interesante este tipo de ejercicio
que las pinturas separadas. Me gusta explorar y ver las profundidades de lo que
puede hacer la acuarela, su potencial. Así que ahora sólo voy a volver
con una línea más dura.
5. Preparación de los ejercicios: Entonces ahora tenemos esa rosa
bastante estirada. Podemos volver a ello más tarde si queremos arreglarlo un poco más. Podemos dibujar un pequeño
borde a su alrededor. Voy a estar usando mi regla. Solo para crear un
borde limpio y agradable, una bonita línea recta. Y estaremos usando
cinta adhesiva en realidad encima de esto, pero solo quiero mapear
todo solo para
saber que todo está
muy bien espaciado. Pero en realidad no estoy midiendo
nada con precisión. Solo estoy usando mi ojo para adivinar. Quiero dejar bastante espacio para la cinta
de enmascarar. No quiero que
esté demasiado cerca
del borde y que coincida con el tipo de distancia
de abajo a arriba. Y, por supuesto, en los lados. Así que solo estoy
agregando una cajita aquí. Así podemos poner cinta por ahí. Y quiero añadir
un pequeño hueco
entre el lado izquierdo y los pequeños
ejercicios de la derecha. Entonces ya tenemos dos mitades. Y ahora, dentro de esta
segunda mitad a la derecha, podemos pensar cómo sacarlo.
Voy a usar una plantilla. Usé cinta adhesiva para
ayudarme con la rueda de colores. No
dibujé a mano alzada el círculo. Puedes usar un vaso, una taza, cualquier tamaño que quieras hacer. Y entonces porque es una rueda, tenemos que crear
un círculo interno. Por suerte, la longitud
de esta cinta de enmascarar, el grosor de la
misma coincide bastante bien con el grosor
de la rueda que quiero. Entonces para mí, eso fue
bastante sencillo de hacer. Es posible que tengas que
encontrar un par de vasos o
vasos de
diferentes tamaños si quieres hacerlo. Y luego, nuevamente, estimo dónde quiero que esté el triángulo. Entonces miro la parte superior y está como un
centímetro hacia abajo, y luego claro, porque un triángulo está en tercios, estoy tratando de igualarlo a la
izquierda y a la derecha. Por supuesto, puedes ser muy ligero con tu
lápiz para empezar, solo para asegurarte de que
se vea bien. Nuevamente, tengo el esquema que subo a
la sección de recursos. Entonces eso va a ser muy preciso y
puedes usar eso para rastrear si no
quieres jugar así
6. Las pinturas que estoy usando: Así que ya tengo todo
grabado. Puedes pintar estos ejercicios en una hoja
de papel separada a la rosa. Si no es así, sugeriría pegar primero
la rosa y
luego estas muestra de color encima
de la cinta de
enmascarar para que podamos despegar la cinta después pintar esto y aún así tener
cinta ahí para la Además, sugeriría usar un
lápiz solo para escribir en las esquinas superiores izquierdas y las
esquinas inferiores de estas muestra, el color que vas
a usar incluso antes agregar la pintura solo para
que no te confundas en la prisa
de todo y para que
tengamos un bonito diseño a juego Entonces estoy usando
colores específicos para esto. Todos son Daniel Smith. Pero
lo emocionante de este ejercicio es que las violetas y los morados están en tantos
rangos diferentes y sutiles variaciones que no tengas que
usar lo mismo, y puedes ver
cómo diferentes tonalidades y colores afectan los resultados Pero te diré específicamente
qué colores estoy usando. Este color violeta violeta es de
Daniel Smith llamado
Cobalt Violet Deep. Y esto me encanta.
Voy a usar morado y el violeta
indistintamente
porque ambos son términos
similares y va a hacer las cosas más fáciles porque puedes
usar fácilmente un morado o un violeta No es tan estricto.
Y entonces la naranja que tengo es
naranja Pyl de Daniel Smith, que es una naranja
vibrante encantadora Se inclina hacia el rojo
en lugar de hacia el amarillo. Y voy a entrar en más sobre cómo estos colores secundarios son influenciados por las primarias y donde ellos, por ejemplo, van a más amarillo o
rojo para esta naranja Y luego para el turquesa, el verde que voy a usar, es azul turquesa cobalto de
Daniel Smith Me encanta esto porque es como
una especie de color turquesa. No es necesariamente una idea
definitiva de
lo que es un verde, pero eso es
lo emocionante de la teoría del color. Nos enseña cómo podemos romper las reglas o manipularlas.
7. Violeta y naranja: Así que estamos bien metidos en
esta primera muestra. Pero mientras repasaba
los colores que estaba usando, realmente no
expliqué cómo abordo esto. Pero va a ser lo mismo
con cada muestra. Lo uso directamente desde el tubo. Yo chorreo un poco
de pigmento puro en la esquina superior e inferior del
lado izquierdo, y poco a poco
lo mezclo hasta que se
encuentran en el medio. Y estoy manteniendo el
pigmento fuerte a
la izquierda y luego ligeramente desvaneciéndose al blanco
del papel a la derecha De nuevo, estoy exprimiendo más de ese pigmento
porque quiero
que sea tan rico en
el lado izquierdo Quiero ver cómo es
en su pura pigmentación opuesta a cómo se calibra y vemos algo de la
transparencia del otro lado Porque la naturaleza de estos
pigmentos son muy singulares. Algunos de ellos cuando
están secos como este violetas muy oscuras Sin embargo, este color naranja, incluso cuando está en su punto más grueso, no
es para nada tan oscuro Es muy vibrante y opaico. Entonces, cuando estos dos colores se mezclan en el medio, cómo reaccionan. Eso es lo que estamos tratando de hacer aquí para llegar a un entendimiento. Y son estos ejercicios los que van más allá de mis consejos y palabras. En realidad lo aprendes tú mismo haciéndolo y
sintiéndolo y viéndolo y
experimentándolo. Y esa es la
forma principal en la que podemos aprender sobre la acuarela
haciendo realmente estos ejercicios. Me resultaba
difícil mezclar ese pigmento puro en
el centro de ahí. Entonces en la
cinta de enmascarar junto a ella, realidad
estoy poniendo
pigmento puro y mezclándolo en la cinta de enmascarar para que
pueda quedar gruesa, pero no tengo que perder control de ella cuando
realmente toca el papel. Y quiero señalar un fenómeno muy interesante que está
pasando aquí, porque generalmente los colores
secundarios, todo
el nombre sugiere que están hechos de colores
primarios porque
son secundarios. Así que el naranja está hecho de rojo y amarillo y el morado está
hecho de rojo y azul. Entonces, ¿por qué por alguna razón, al mezclar estos dos colores, está haciendo un rojo en el medio Va en contra
de las reglas normales. Y son este tipo de cosas las
que realmente nos abren los ojos
y rompe nuestras nociones preconcebidas de cómo reaccionan los colores Y para ser sinceros, esto es
algo de lo que no me di cuenta hasta que hice
este mismo ejercicio.
8. Verde y violeta: Entonces creo que ya terminamos
con esa muestra. No hace falta que
sea agradable y limpio. Solo necesita demostrar
y mostrar una buena gama de todos los espesores y la mezcla
gradual del color Lo bueno de
la cinta de enmascarar es que mantendrá un borde limpio y
agradable. He pegado este turquesón con mucha fuerza porque
a través de la experiencia, sé que su potencia no
es tan fuerte en comparación con el morado que
usaremos abajo Entonces necesito agregar más de
lo esperado para esto. Así que acabo de comenzar
con el verde, solo para hacerme una idea de
cómo es y luego limpiar mi pincel completamente y simplemente
bloqueando todo el blanco del papel, pero aún manteniéndolo grueso
en el lado izquierdo, mezclándolo
gradualmente ahí. Y al igual que en la muestra anterior, donde de alguna manera creamos un rojo, notamos cómo esto está
creando un azul, que es, nuevamente,
un color primario, lo cual es muy extraño cómo podemos usar colores
secundarios para
crear colores primarios Ni siquiera necesitamos un azul. Sólo podemos tener
morado y verde. Por lo que estamos
viendo ahora mismo, esa es una posibilidad muy real, y voy a usar
esta información para la pintura que vamos a pintar
después con la rosa. Ahora que sé que
estos colores pueden hacer eso, voy a hacer uso de eso
y sacar ese azul. Y lo que tiene de
mágico crear este azul, no
es un
azul genérico de un tubo. Es un azul orgánico que
nos estamos mezclando. Entonces tiene esta armonía y conexión con el
resto de la pintura. Es una paleta limitada, pero dentro de esta
paleta limitada de colores libres, estamos creando todo un espectro. Entonces en esa muestra anterior,
creamos ese
tipo de rojo oxidado, casi como un carmesí isarin Y en este,
sin agregar azul, tenemos este tipo
de azul cobalto. Yo diría que es tal vez un
poco serlean ahí dentro. A pesar de que no hemos
agregado ese color, ese es el color que está hecho. Eso es por los
pigmentos que he usado, y si usas estos pigmentos
exactos, eso es lo que lograrás. Pero me intriga
ver si no
tienes estos colores y quieres
explorar tu propio verde, tal vez más de un
verde amarillo, cómo le afecta eso La razón por la que sucede es porque mi verde hace borde
hacia el azul un poco más, y mi morado, mi violeta
va un poco hacia el azul. No es el azul en sí, pero en cuanto a la rueda de colores, tienes colores más cálidos
y colores más fríos. Entonces un morado puede ser un poco más rojizo o
puede ser un poco más azulado
9. Naranja y verde: De igual manera, con los greens, podemos mirar la rueda de colores
y ver qué hay al lado, y puede ser de un verde amarillento o puede ser de un verde azulado Sigue siendo verde, pero
tiene influencia de
lo que está al lado. De igual manera, nosotros anaranjamos,
podemos tener, como dijimos, una naranja más amarilla
a una naranja más roja. Y la razón por la que logramos
crear rojo ahí es porque el naranja está muy cerca de un rojo
en lugar de un amarillo. Y el verde que hemos usado está más cerca de un
azul que de un amarillo. Entonces así es como sale de ella la
naturaleza azul. No sería lo mismo si
fuera más de un verde amarillo. Entonces, ¿qué pasará aquí cuando
mezclemos este verde con la naranja? Vamos a averiguarlo. Si se
vuelve demasiado desordenado, siempre
puedes limpiar tu pincel y sacar
la pintura con un pincel limpio y ponerte una toallita o una esponja como la que tengo aquí o
limpiarla en el agua Esto en realidad es crear una
especie de color monótona, un color gris, que es muy útil saber porque
no siempre queremos vitalidad en nuestras pinturas Queremos incluso dentro de una escena, tal vez esté lloviendo escena, y queremos luces de
calle vibrantes, pero el resto de la pintura
tal vez sea más gris, y ahora sabemos cómo
lograrlo Si mezclamos estos dos
colores juntos, tenemos este tipo de
interesante color apagado Eso podría decirse que es
más interesante que solo un color negro que
diluimos para hacer gris Al mezclar un gris como este, en realidad
tenemos dos pigmentos
diferentes dentro de él. Tenemos naranja y verde. Entonces, cuando miras una
pintura en la vida real, verás de cerca el
naranja y el verde. Y luego cuando te quedes atrás, simplemente
se verá como gris. Por lo que tiene este
efecto mágico que
sólo se puede lograr con
efectos como este. Ten cuidado al
mezclar colores en el papel de enmascarar que no toques
accidentalmente
la muestra anterior Estaba peligrosamente cerca de
tocar esa muestra anterior
ahí, como pueden ver No tengas miedo de
ponerte realmente espeso con tus pigmentos en
este lado izquierdo. Y mientras está mojado y húmedo, puedes simplemente desmentir gradualmente. No siempre es necesario
remolinar el pincel sobre el papel. Simplemente puedes agregar pequeñas
gotas en la brocha.
10. Crear primarias: Yo sólo voy a volver a la muestra del medio porque
en el lado izquierdo, no
parece lo suficientemente oscuro Y en realidad voy a mezclar estos dos colores
en la paleta, mezclar ese verde y morado ahí porque
quiero que sea muy grueso y no quiero
agitar demasiado lo que
ya hay ahí Y el morado que
tengo en mi tubo es exactamente el mismo morado
que tengo en mi sartén, así que simplemente lo tomé
de ahí en su lugar. Y mira qué azul es eso. puedes usar una paleta
o un plato si
prefieres mezclar por separado y
luego agregarlo a las muestras Tampoco estás necesariamente
limitado a un pigmento. Si quieres mezclar
varios greens, puedes hacerlo si tienes diferentes tintos en
tu colección, tal vez quieras
mezclar rojo Caban con rojo carmesí
Elazar para carmesí
Elazar Eso está perfectamente bien. Así que acabamos de usar tres pigmentos y los mezclamos en
cada combinación posible. Y al hacerlo, en realidad
tenemos seis colores ahora. Por supuesto, tenemos el violeta, el naranja y el verde, pero también tenemos ese rojo, ese azul, y ese gris. Yo solo estoy limpiando
mi paleta aquí porque esa naranja es
muy alta en manchas. Manchas mi paleta
así como el papel, así que tienes que tener cuidado
con esa vitalidad
11. El triángulo: Entonces comencemos con
este triángulo. Un proceso similar a
las muestras anteriores, pero claro, este es un enfoque de
tres ángulos Y yo diría que esto de los tres ejercicios es el más difícil porque al
menos con el anillo, es una transición limpia de
un color a otro. Con esta, estamos pensando en tres
cosas distintas al mismo tiempo. Pero es el mismo enfoque. Estamos usando
pigmento grueso del tubo, naranja en la parte superior,
verde a la izquierda y violeta a la derecha. Y en lugar de ir todo Brook de los colores de
inmediato, voy a activar
cada uno de ellos individualmente y
unirlos de una manera algo
controlada. Mezclando para ver el color
general en la paleta este es el verde que tiendo
a usar viridian, pero en realidad ese no es
el verde que voy a usar en este estudio Pero se puede ver como ambos
son colores verdes, pero tienen una
naturaleza diferente a ellos. El verde viridio en mi paleta en realidad es empujado hacia el
amarillo un poco, aunque no veas amarillo directamente ahí, tiene, como, el cálido o el resplandor
del amarillo más que el tipo de frescor del verde que he elegido
usar en estos ejercicios Pero
volvamos rápidamente a lo básico. ¿Qué son los colores secundarios y en qué se diferencian
de los colores primarios? Así que hemos establecido
los colores secundarios el verde, el naranja y el violeta, y generalmente se mezclan con dos colores primarios. Pero a diferencia de los colores primarios, que tienden a sentirse atrevidos, directos y dominantes, los colores
secundarios son un poco
más sutiles y complejos. Llevan consigo una especie
de recuerdo de sus naranjines. Al igual que, encarnan
la relación entre los colores en lugar de
estar solos por sí mismos Y eso los hace más
matizados y expresivos y abre un rango emocional más amplio cuando pintamos con ellos.
Entonces es algo útil.
12. Paleta limitada: Entonces, lo que estamos haciendo con
esta clase es en realidad usar una paleta limitada, y eso es específicamente una paleta limitada de colores
secundarios. Y cómo esto mejora nuestra creatividad en lugar de limitarla
realmente,
que está en el título. Es irónico que
haga lo contrario porque usar solo colores
secundarios puede sonar como una restricción, pero en acuarela, en
realidad es lo contrario Al limitarnos solo
a verde, naranja, violeta, se convierte en
una especie de chispa creativa. Nos empuja a dejar de pensar tan literalmente y a comenzar a
interpretar de manera más expresiva Entonces en vez de simplemente
copiar lo que vemos, empezamos a preguntar,
¿Qué puedo usar aquí? ¿Cómo puedo cambiar este color
para que se adapte a la pintura? De esa manera, estiramos el
potencial de cada matiz. Y por matiz, quiero decir, el
título del color. Y cómo mezclar, acodar, ajustar valores
afecta el resultado Y como resultado de eso, aumentamos nuestra comprensión
del contraste, las relaciones de
color
y la armonía general. Estos relojes degradados, el
triángulo que estamos pintando y la rueda de colores que estamos pintando después de esto son algo
más que ejercicios estamos creando para mapas
visuales realmente de
cómo se comporta el color A medida que mezclamos de
violeta a naranja, verde a violeta, etcétera, estamos viendo este empujar y tirar este tipo de baile entre
calidez y frescor, luz y oscuridad,
intensidad y calma Y estas transiciones rara vez
son predecibles. Y eso es lo que
los hace tan poderosos. Entonces, al observarlos de cerca, aprendemos a usar estos
cambios con intención en nuestras pinturas para crear movimiento
y movimiento y contraste. Todo mediante el uso de una paleta muy
limitada. Cada color secundario hereda los rasgos de
ambos padres, por lo que la calidez o frescor de las primarias que escojamos
influirá Por ejemplo, si mezclas un rojo
cálido con un amarillo cálido, tu naranja será ardiente
e intensa, por ejemplo
13. El círculo cromático: Solo me aseguré de que todo estuviera completamente seco antes quitarme
la cinta porque
no quieres marcas de manchas, y necesitábamos
quitarle la cinta para pintar esta
última rueda de colores Hagamos un rápido repaso de la teoría del
color, volviendo a
los principios centrales
de los términos, los
nombres de las cosas Entonces ahora estamos haciendo la rueda de
colores. Esta es una rueda de color limitada, pero una rueda de colores típica
generalmente mapea 12 tonos. Tres primarios, tres colores
secundarios y seis colores
terciarios entre esos Y nos ayuda a ver cómo todos estos colores se
relacionan entre sí, básicamente. A menudo hablamos de
color en términos de tonalidad, y ese es el nombre real
del color como verde o violeta. Entonces tenemos valor. Eso puede pensarse como separal de color, pero es un rasgo
del color en sí, qué tan claro u oscuro es, se tiñe si agregamos blanco y
matices si agregamos Entonces tenemos
saturación o croma, qué tan intenso o
puro es el color Entonces, si queremos
pintar la vitalidad de neón, la saturación va a subir, pero si queremos pintar
un día brumoso, entonces
bajará la saturación Entonces tenemos temperatura
ya sea que un color se sienta cálido como naranja o rojo o
fresco como azul o violeta. Y luego están las relaciones
de color. Los colores complementarios se asientan uno
frente al otro en la rueda como el azul y el naranja
o el rojo y el verde. Y estos son geniales
para un alto contraste. Entonces tenemos colores oguros, y son vecinos
como el verde y el verde, el
azul, el turquesa, y luego Crean armonías más suaves
y cohesivas. Entonces tenemos colores triádicos, y están más
uniformemente espaciados. Y eso es lo que es esto. Estamos pintando con colores
triádicos ahora, que es naranja, verde, violeta, pero también se pueden usar
las primarias, amarillo,
rojo, azul, pero en
realidad no importa el paradero
en Podrías dividirlo en tres en cualquier lugar y
igualar esos tercios. Pero echemos un vistazo más de cerca uno por uno a los colores secundarios. Tenemos naranja, que es realmente el color de la
energía y el calor. Viene del rojo y del amarillo, que son ambos tonos cálidos, por lo que no es de sorprender que el naranja
en sí sea extremadamente cálido, vibrante y llamativo Todos estos colores tienen
una historia para ellos, y mucho simbolismo naranja simboliza
la creatividad, el entusiasmo, el tiempo de
cosecha e incluso Piense en mercados de especias o sol dorado
u hojas de otoño.
14. Variaciones de color: Luego hay variaciones
de naranja, también. Tienes una naranja roja
que se siente audaz, dramática y más como fuego. Entonces tienes el naranja amarillo, que se siente más soleado
y más acogedor El naranja es ideal para
sugerir cercanía, calidez e intimidad, especialmente cuando
se coloca junto al azul, que es su color
complementario Pasemos al verde. El verde es el resultado del amarillo y el azul. Y eso significa que su temperatura puede oscilar cualquier manera,
dependiendo de la mezcla. Entonces un verde amarillo se siente
fresco, cítrico, primaveral. Un azul verde es más profundo, más sofisticado, así, es un verde azulado, una especie de color de mar
profundo El verde es generalmente
calmante, conectado a tierra. Se utiliza para representar la
salud, el crecimiento, la estabilidad. Por eso mucha
moneda se usa como verde porque tiene esa
connotación con el crecimiento En la pintura,
los greens más fríos tienden a retroceder al fondo mientras que los verdes más cálidos
tienden a presentarse Entonces, cuando mezclas verde con
rojo, es de cortesía. Puedes neutralizarlo en hermosos grises terrosos
y tonos naturales, muy parecido
a esta muestra que hemos
hecho a la izquierda Entonces pasemos al violeta, que es un color muy
misterioso, que obviamente está hecho
de rojo y azul. Generalmente un color fresco, pero se puede cambiar
dependiendo de tu mezcla. Si tienes un violeta rojizo, se inclina hacia el
magenta y la pasión, mientras que un violeta azul, azul púrpura se siente un poco
más melancólico Podemos usar el violeta para
transmitir cielos crepusculares, escenas
imaginativas porque es un color
bastante artificial Puede transmitir mucho estado de ánimo. Y se mezcla bien con el amarillo, que es su color
complementario, y que puede silenciar la intensidad o crear
tonos terrosos suaves también Si volvemos a
los libros de historia, los emperadores
romanos solían
vestir de púrpura sus túnicas porque
era muy raro y lujoso Incluso ahora, está
asociado con la realeza.
15. Capa inferior de rosa: Vamos a
comenzar con algunas capas inferiores
ligeras para esta rosa y ver cómo estoy usando el amarillo
para mezclar mi propio verde aquí Encontré en retrospectiva,
esto fue un error. Realmente desearía dejarlo con el verde que usamos
para el ejercicio y lo mantuve puro y alineado con la paleta de colores y los ejercicios que
ya establecimos. Pero aun así no necesariamente está rompiendo las reglas
porque sigue siendo un verde. Todavía estamos usando
un color secundario, incluso si usamos amarillo para mezclarlo. Pero te verás a ti mismo cómo la elección de usar este color
hace que sobresalga en
lugar de mantenerse en línea y mantenerse en armonía con
el resto de la paleta. Pero esa es una lección en sí misma. Lo principal de
esta pintura es cómo cada uno de estos colores juega un papel específico y expresivo. Vamos a usar
sus personajes para amplificar y aprovechar al máximo lo que son porque el naranja actúa como fuente
de luz y calidez. Y, por supuesto, eso es lo que
vamos a usar para la rosa agregue brillo y energía, incluso sin usar el amarillo. Y entonces la violeta se convierte en
nuestro tipo de ancla. Lo trae a la
sombra, misterio. profundidad. Y
vamos a usar mucho de ese azul en esa muestra
media donde
creamos donde
mezclamos violeta y verde para crear ese
tipo de violeta azulado Nos permite alcanzar valores oscuros sin tener que volvernos
a blanco o negro porque se puede ver que el violeta que hemos usado es el
pigmento más oscuro que tenemos Entonces eso es lo más oscuro que
podemos lograr, que en realidad es lo suficientemente oscuro Cuando está tan concentrado
así, se ve negro. Y luego tenemos el verde,
que naturalmente
ya asociamos con
las hojas y el tallo. Pero aquí, vamos
a llevarlo más lejos. Vamos a hacer
que haga más que eso porque actúa como
una fuerza de equilibrio, y neutraliza las áreas,
y crea contraste, y ayuda a que el fondo se sienta arraigado y atmosférico, especialmente cuando
lo mezclamos con los otros tonos Podemos usarlo para hacer el gris
con el naranja, también. Entonces es interesante
cómo vamos a utilizar estos colores no
solo por sí mismos, sino como relaciones
con otros colores y la interacción y las sorprendentes
posibilidades de mezcla que surgen Una de las cosas más emocionantes de pintar con secundarias es cómo pueden volver a comportarse
como primarias Es casi como si
volvieran a dar vueltas en la rueda de colores. las habilidades y la
conciencia que estamos construyendo en esta clase no Sin embargo, las habilidades y la
conciencia que estamos
construyendo en esta clase no
solo se aplican a las rosas. Sólo estamos usando
eso como ejemplo. Este enfoque de trabajar
con secundarias y aprender a crear armonía
desde una paleta limitada, se puede aplicar a
tantos temas diferentes,
no sólo florales, sino paisajes, resúmenes, naturalezas
muertas, incluso retratos Nos da confianza
en la mezcla y nos ayuda a
entender el
valor de manera más intuitiva, cómo tomar
decisiones expresivas audaces con el color
16. Control de bordes: Observe cómo me referí a
la muestra en la parte superior izquierda para mezclar un rojo básicamente usando ese color naranja y violeta Las muestras y
ejercicios que hicimos, éramos muy libres y estábamos alentando empujándolo hasta sus límites sin
tanto control Pero la pintura
de esta rosa le agrega otro elemento
porque tenemos que
ser un poco más conscientes. Y ese es otro elemento
del proceso de pintura. No solo estamos pintando cosas al azar
al final del día. Así que tenemos que tomar lo que hemos aprendido en
esos ejercicios y enfocarlo y trabajar la
parte de nuestro cerebro, especie de músculo
en nuestro cerebro que piensa un poco más sobre
cómo aplicarlo y nuestras propias decisiones
personales y lo que queremos expresar. Y una de las formas en que
podemos hacer esto es a través del control de bordes y no solo haciendo uso de la
vitalidad de los colores,
sino usando colores neutros para cambiar la vitalidad y
hacer que ciertas áreas Entonces queremos que esté un poco más neutralizado en el fondo para hacer que las hojas y
la rosa realmente destaquen Porque no
sólo estamos pensando en color a la hora de pintar. Sé que esta es una clase de teoría
del color, pero en realidad el color
no se sostiene por sí mismo. Se ve afectado por todos
los demás elementos. Están interconectados con el tono, cómo interactúa con los bordes de
forma y espacio Y los bordes, de hecho, juegan un papel muy importante
en esta pintura. Los
bordes nítidos y definidos de los pétalos. Eso es lo que hace que los
espectadores se centren mientras tenemos bordes
suaves mezclados
del fondo para ayudar a que todo lo demás
se desvanezca suavemente. De manera que ese contraste
entre agudo versus suave es tan poderoso
como claro versus oscuro. Y podemos usar el color para llevar
eso al siguiente nivel. Se puede ver que ya estamos
experimentando con tono en el fondo de esa rosa
17. Comenzar con el fondo: Ahora todo está
prácticamente seco, especialmente las
hojas y el tallo. Los vamos a pintar
negativamente. Así que pintamos el contorno
un poco más lejos lo que
planeamos solo para que podamos llegar al borde, y ahora voy a
volver con un tipo de color oscuro, neutro para pintar
negativamente ese tallo. Entonces va a ser una especie
de luz sobre el tema oscuro. Mezclando un precioso
color neutro usando verde y violeta. E incluso podemos agregar un
poco de naranja ahí dentro. Al igual que en el centro
de nuestro triángulo, ahí está muy neutralizado
y gris Cuando mezclas colores secundarios
en las proporciones correctas, puedes obtener esos
hermosos
tonos grises como los grises azules ahumados, se siente etéreo o tienes
morados apagados o morados apagados Y son estos
colores sutiles los que crean equilibrio en la pintura porque todos
están hechos el uno
del otro. Tienen lo mismo no la genética, sino que tienen la misma herencia, por lo que trabajan juntos como
parte de una misma familia. Voy a usar
este fondo para ser muy expresivo y aprovechar al máximo la parte más
impredecible
de la acuarela, especialmente cuando los estamos mezclando
los tres juntos,
y estamos tratando de lograr
un tono silenciado de todos modos Así que es un
momento perfecto para estar un poco salvaje y dejarse llevar
con la acuarela, especialmente. Quiero decir, podrías hacer estas
cosas en acrílico y óleo, pero lo que
disfruto de la acuarela es la naturaleza expresiva
del agua y el pigmento y cómo
pueden moverse de maneras
fuera de nuestro control. No siempre controlamos
lo que hace el pigmento. A veces fluye, florece. Crea esas pequeñas explosiones de bordes
duros. Nos sorprende. Entonces, en
lugar de forzarlo en esta área, podemos aprender a responder, practicar ese lado de ella, donde realmente no importa. Podemos aprender
a escucharlo, experimentar. Se trata menos de
imponerle nuestra voluntad y más de
colaborar con la pintura. Esa mentalidad de trabajar con el medio
en lugar de en contra de él. Y eso es algo que nos
queda fuera
de la pintura, en realidad. Me estoy divirtiendo experimentando con pequeños
cambios graduales en el color Así se puede ver que es un poco
más oscuro en la parte inferior, a lo mejor un poco más azul, más fresco Y a medida que vamos subiendo, es violeta
casi puro
en esa sección. Y luego agreguemos un
poco de verde a eso nuevamente para variarlo un poco más. Tengo que hacerlo
particularmente oscuro porque no
quiero ver nada de ese fondo del tallo y
la hoja Deberías tener tu dibujo a
lápiz muy claramente dibujado para que
sepas qué partes dejar. Siempre es importante
experimentar con tus pigmentos
antes de trabajar en ellos en una pieza final real
porque va a haber desafíos y trampas que no
conocemos hasta que hayamos
interactuado con Ahora bien, si bien podemos mezclar colores
secundarios
con primarias puras, eso no es lo que
estamos haciendo hoy, lograr
vírgenes limpias y vibrantes no siempre
18. Sesgo pigmentario: Hay algo
llamado sesgo pigmentario, lo que significa que si queremos
crear o mezclar
colores vibrantes a partir de otros colores, no
es necesariamente
como dice la teoría. Por ejemplo, si quieres
hacer un bonito púrpura vibrante, mezclar rojo y azul teóricamente
sería como lo haces, pero no siempre
va a ser así Si mezclaste un
rojo cálido con un azul frío, el violeta en realidad
resultará fangoso o opaco Si querías un verde brillante, usar un azul frío y un amarillo
frío suele ser lo mejor en lugar de usar un
azul frío y un amarillo cálido o un azul cálido y
un amarillo frío. Entonces, es crucial comprender tus pigmentos
individuales, no solo los nombres de los colores, no solo los nombres de los colores,
sino cómo se comportan. Y a veces
puedes determinarlo. Como dije, si ves un
color como el verde y decides y observas si
es un verde cálido o un verde frío y así mismo, de cualquier pigmento, ya
sea un rojo cálido o un rojo
frío, un amarillo cálido , amarillo frío, puedes mirar una rueda de colores y
algo así distinguirla, saber con qué la estás mezclando, y puedes predecir
los resultados de eso. Pero si quieres
hacerlo de manera intuitiva, así es básicamente como
lo hacemos a través de prueba y error A veces la teoría puede
abrumarnos porque es
tanta información, y son solo reglas,
básicamente, reglas que
se sienten como limitaciones Entonces es fácil
abrumarnos,
pero claro, nos sentimos
atraídos por la teoría, y buscamos las reglas de teoría
y composición y todos los
conocimientos técnicos porque nos da algo
a
lo que aferrarnos, algo que podamos comprender mentalmente Entonces es tranquilizador, de esa manera. Está claro, es lógico, y nos da un framework
que nos hace o hace que el proceso creativo se sienta más
estructurado y manejable Y en muchos sentidos, eso es algo bueno porque
sí hay que
conocer la naturaleza y cómo se hacen
las técnicas. Como dice el famoso refrán, hay
que aprender las reglas
antes de poder romperlas. Hay un consuelo en
aprender las reglas, y es satisfactorio entender
por qué ciertos colores funcionan bien juntos o por qué una
composición se siente equilibrada. Y esa
comprensión intelectual nos da una sensación de progreso y nos hace sentir que
estamos haciendo las cosas bien. Pero hay un
poco de paradoja porque es algo que me
tomó mucho tiempo darme cuenta solo hace poco de que lo
que nos ayuda a sentirnos más en control también puede convertirse en
lo que nos detiene Cuando nos
enfocamos demasiado en la teoría, demasiado obsesionados con
hacerlo correcto, comenzamos a llenar nuestras mentes
de expectativas y listas de verificación
mentales en lugar de responder a la pintura
momento a momento
19. Romper las reglas: Cuando no respondemos al cuadro en
el momento, empezamos a juzgarlo y analizando cada movimiento que
apretamos, lo segundo adivinamos. Y entonces esa energía
expresiva natural, esa chispa que hace que una pintura se sienta viva,
empieza a desvanecerse. Podríamos pasar horas
pensando en las relaciones de
contraste de temperatura de
color, pero perdemos el contacto con
la voz intuitiva que simplemente sabe lo que necesita
la pintura. Puede que tengamos todas las
reglas memorizadas, pero aún así nos sentimos estancados porque no
hemos practicado ese lado
expresivo más intuitivo Porque el arte real, por así decirlo, del tipo que resuena con nosotros, del tipo que nos mueve,
no viene de seguir las reglas a
la perfección Viene de algún lugar más profundo, de una disposición a dejar ir, escuchar para sentir, rendirse, controlar y responder
al momento. De honestidad, y
suena un poco aireado hada y porque lo es. Viene de un área que no se puede
escribir en los libros de texto, y es el área con la que
me cuesta sobre cómo dejar de lado la
teoría a veces o
al menos dejar de aferrarme a Y ahí es cuando la magia comienza a suceder una vez que has interiorizado la teoría
para soltarla un poco Y dejamos de pensar demasiado, comenzamos a sentirnos
camino a través del trabajo, comenzamos a confiar en nosotros mismos, no solo en nuestras habilidades,
sino en nuestros instintos Empezamos a pintar desde la
presencia, desde la emoción, desde algo más crudo
y vivo, algo que, nuevo, no se puede anotar en los libros de texto, algo real Y muchas veces lo que emerge en esos momentos son las pinceladas
espontáneas, la inesperada mezcla de colores, el borde suave que no planeamos Es algo mucho
más poderoso que cualquier cosa que pudiéramos
haber calculado, porque es real, es
humano y tiene alma. Entonces la teoría no es el enemigo. Es una herramienta, y de
eso se trata esto, y tenemos que conocer nuestras herramientas. Es un lenguaje, una estructura de
soporte, pero no es el destino. Aprendemos las reglas para que
podamos movernos a través de ellas y
eventualmente pintar con libertad, con claridad y confianza. Porque al final
del día, estamos buscando lo que realmente nos
atraiga a pintar
en primer lugar. No es sólo para hacerlo bien. Es sentir algo y
expresar ese sentimiento
con honestidad. No obstante, imperfectamente puede ser, de
ahí viene el arte
real Y puede tomar
mucha valentía para hacer eso. Pero por eso lo desglosamos y experimentamos con paletas de colores
limitadas Experimenta con colores primarios, experimenta con colores
secundarios, practica con puntera,
practica con bordes. Aún trabajando en el
fondo, encontrarás que la mayor parte
de esta pintura es en realidad pintura negativa. Entonces, una vez que hemos pintado
el fondo, la rosa ha aparecido en realidad. Al pintar el fondo,
estamos pintando la rosa.
20. Colores complementarios: En realidad no estamos usando los colores complementarios de los colores secundarios
en esta pintura. De ahí por qué es una paleta de colores
limitada, pero deberíamos
hablar de ellos de todos modos, porque cuando los usamos, pueden ser utilizados para la
armonía y el contraste. Cada uno de los colores secundarios tiene un color primario complementario
que no contiene. Entonces el naranja no contiene azul porque está hecho
de amarillo y rojo. El verde no tiene rojo porque está hecho
de amarillo y azul, y el violeta no
tiene amarillo en él. Entonces estas combinaciones
crean el máximo contraste. Perfecto para cuando avanzas con esto fuera de paletas
limitadas, y quieres crear
un punto focal fuerte
o un momento emocional de alto impacto en tu pintura Cuando tienes estos dos colores uno al
lado del otro, no mezclados, porque cuando se mezclan, es cuando creamos
esos grises o los marrones o los
tonos neutros de los que hablamos Eso nos ayuda a controlar
la vitalidad, traer equilibrio y los tonos. Estos colores secundarios también funcionan bien con combinaciones de anoglus Por ejemplo, verde,
azul verde y violeta. Eso crea una especie de paleta suave y naturalista A. Ahora mezclando otra combinación
oscura de colores hacia abajo en la parte inferior. Entonces va a ser mucho
más oscuro en la parte inferior y se desvanece hasta una mezcla más clara en la
parte superior. Mira lo gris que es. Una de las
suposiciones más comunes en la pintura, especialmente para
quienes empiezan, es que necesitamos el negro o incluso azul para crear
sombras fuertes o valores oscuros. Se siente natural alcanzar
esos pigmentos profundos cuando queremos agregar este
fuerte contraste o estructura. Pero lo que esta clase
demuestra es que bien, la verdad es que no los necesitamos. Dentro de una paleta limitada, incluso, todavía
podemos lograr una gama expresiva
completa de valores, desde los tonos
más suaves y claros hasta las sombras dramáticas
profundas sin siquiera tocar
el negro o el azul Todo se reduce a
entender cómo
funciona el valor y aprender a confiar en
el poder de nuestros colores, incluso cuando estamos trabajando con combinaciones
inesperadas. Puede parecer un poco
incorrecto inicialmente usar pigmento oscuro
tan grueso
en acuarela porque
generalmente lo asociamos con lavados
ligeros o ilustraciones que son solo para
bocetos en lugar pinturas finales
terminadas que
requieren profundidad tonal completa
21. Tono sin negro: Todavía podemos manipular tono y el drama sin
usar negro o azul, como dije, y obtener
el rango tonal completo Todavía podemos dar forma a la forma
con luz y sombra. Y estamos usando capas
para hacer mucho de esto. Digamos que queremos crear sombras en un lado de la rosa. En lugar de alcanzar el
llamado azul o negro, podemos usar violeta, y lleva esa calidad
fresca y malhumorada Y al
construirlo gradualmente con una capa delgada y
translúcida, capa delgada y
translúcida, podemos empujar el valor cada vez
más oscuro mientras mantenemos
esa transparencia sutil
que es única de la acuarela. De igual manera, si estamos trabajando
en el tallo o fondo, podemos profundizar en el verde Un verde que puede comenzar suave y fresco puede volverse
rico y terroso cuando se coloca en capas Con este verde que
estamos usando hoy, este verde azulado cobalto,
no se vuelve demasiado oscuro. Podemos ver en nuestras muestras. Pero si miras mi sartén, ese verde viridio verde, eso va muy, muy oscuro Eso tiene un gran rango tonal. Y entonces queremos mezclarnos en
naranja con eso o violeta, entonces puede que no
nos dé un negro sólido, pero nos da
algo mejor, y lo mantiene
más atmosférico. Agrega complejidad a las
sombras en lugar de solo un negro opaco e inmóvil Entonces este enfoque
nos enseña algo importante que la oscuridad no
tiene por qué significar embotamiento Las sombras no tienen que
ser planas o incoloras. Cuando construimos nuestros oscuros
desde dentro de la paleta, ya los
tenemos, se sienten conectados con el resto
de la pintura Armonizan con
las zonas de luz. Llevan la misma energía y estado de ánimo porque están hechos
de los mismos colores. Y en cierto modo, es más
honesto, más unificado. Todo el cuadro se siente como que pertenece al mismo mundo. Entonces, en lugar de
confiar en los negros o blues como atajos fuera
de esta clase incluso, podemos empezar a ver el valor como algo que creamos, no
algo que agreguemos Es un proceso de observación, de estratificación de cambios sutiles Ahora que hemos terminado
el fondo aquí, puedes ver qué azul es, a pesar de no usar el azul en absoluto, usando ese
verde azulado cobalto y el violeta Una vez que hayas experimentado
cuánta profundidad y riqueza puedes lograr
con solo unos pocos colores, te das cuenta de que no necesitas
esos pigmentos adicionales Es increíblemente empoderador. Y siempre iremos a la tienda de arte e
inspirarnos en un nuevo pigmento
y comprarlo de todos modos. Pero eso también está bien, porque tienen
diferentes cualidades a ellos aparte de solo
el matiz y el color. Y podemos hablar de
eso en la siguiente lección. No se trata de tener
más colores, en última instancia. Se trata de usar lo que tienes con claridad
y confianza. Y cuando aprendes a hacer eso, puedes empujar valor dentro de
una paleta limitada, y todo tu enfoque de la
pintura comienza a cambiar, y entonces sabes
que tienes mucho más poder con pigmentos
frescos que compras. Así que empieza a confiar en ti mismo y empieza a ver el color como
algo fluido y expresivo. Y luego encontrarás
tus ganancias de trabajo, unidad, sutileza,
profundidad emocional sin siquiera necesitar una gota de negro.
22. La naturaleza de los pigmentos: Tomemos un momento
para cambiar nuestro enfoque directamente de la teoría del color y pensar en algo
un poco más sutil dentro de este elemento de pigmento. Algo que es
fácil de pasar por alto, pero juega un papel muy importante a la
hora de elegir nuestros colores y cómo nuestras
pinturas cobran vida Específicamente en acuarela y cómo
se comportan los pigmentos en el agua. Porque a menudo hablamos de
color en términos de tonalidad, naranja, verde,
violeta, y cómo mezclar o aplicar capas de las pinturas. Pero en acuarela, los pigmentos
no son sólo colores. En realidad son sustancias
reactivas vivas, especialmente estos pigmentos de
Daniel Smith, se
puede ver que
utilizan rocas y
minerales reales de elementos reales. Y todos ellos tienen
su propia personalidad. Y aprender
a trabajar con ellos como realmente con ellos puede
transformar la forma en que pintamos. Algunos pigmentos son
audaces. Cargan a través del papel en el
momento en que tocan papel mojado, como la naranja en esto
es simplemente súper untable Simplemente lo tocas y es
potente casi con impaciencia. Y mancha mi paleta. Es como si quisieran
ocupar el mayor espacio
posible porque los
pigmentos son tan delgados, simplemente viajan con el agua. Sin embargo, el verde, este verde
azulado, es bastante tranquilo. Necesitan un poco
más de ánimo. Se asientan con bastante delicadeza. Se quedan donde
están. Apenas se mueven a menos que se les anime. Y entonces como este verde, está muy granulado.
A ellos les gusta granularse. Se rompen en
pequeñas motas y se asientan en la textura
del papel o los dientes del papel como
generalmente se le conoce como Crea un efecto suave,
arenoso y mágico. A diferencia, nuevamente, de la naranja, que es delgada, es
lisa, sin costuras. Fluye como la seda, básicamente. El problema con esta
naranja, tan vibrante como es, como dije, se mancha. Una vez que tocan el papel,
están ahí para siempre. O sea, puedes sacarle el
grosor, pero va a ser
papel naranja pase lo que pase. Sí, otros se levantan muy fácilmente, y podemos usar
eso para remodelarlo o
ablandarlo o incluso
eliminarlo por completo si cometemos Y si miras en el tubo de la pintura acuarela
tubos acuarela o las pinturas, tienen pequeños logotipos que te
dicen la naturaleza
del pigmento. Es como un pequeño
mundo oculto de acuarela. No es sólo lo que pintamos, sino cómo se comportan nuestros materiales. Y cuanto mejor
entendamos esto, más podremos soltar
el control y pintar en
armonía con el
medio en lugar estar constantemente combatiendo contra él.
23. Verde complicado: Y luego está el verde,
un color que se puede hacer a partir de una gran variedad
de combinaciones de pigmentos. Algunos greens son lisos
y transparentes, perfectos para la colocación,
como viridian Otros tienen una
granulación hermosa como la que estamos usando hoy Creo que deberíamos
hacer una inmersión más profunda en el verde y la naturaleza del mismo, porque si hay un color que causa más
congelación que cualquier otro, especialmente para
los principiantes, es Eso tiene sentido porque el verde aparece por todas partes
en paisajes, flores, naturalezas muertas, pero no es realmente
sencillo En acuarela, el verde
no es sólo un color. Es como todo un
espectro dentro de sí mismo. El verde suele ser complicado porque nuestras expectativas
al respecto son muy fuertes. Vemos verde en
la naturaleza todo el tiempo, pasto, árboles, plantas, musgo. Pero en realidad, los greens más
naturales son silenciados, complejos y
cambian constantemente en lugar de
solo el mismo tono Están llenos de sombras, cambios de
temperatura y variaciones sutiles. Pero muchos de los greens los
sacamos de un tubo, especialmente
los sintéticos, son increíblemente fuertes,
artificiales y abrumadoras Entonces, cuando
los usamos directamente de la sartén o del tubo
sin ninguna modificación, los resultados pueden parecer antinaturales, planos o discortantes y
casi caricaturescos Entonces ahí es donde comienza la
lucha. De hecho, hay más
variaciones de verde disponibles que casi cualquier
otro color en la paleta. Y cada uno se comporta
de manera diferente. Algunos son cálidos, se inclinan
hacia el amarillo, como el verde savia, el
verde dorado o el olivo. Y luego tenemos
unos verdes frescos que se inclinan hacia el
azul como el verde palo, viridiana o verde cobalto Y de hecho, algunos
greens se secan mucho más fríos de lo que parecen mojados. Entonces, por supuesto, en el
contexto de esta pintura, podemos calentar un verde fresco agregando un toque de naranja
y podemos enfriarlo,
enfriar el verde amarillento hacia abajo
mezclando un poquito de violeta Y con solo estos
pequeños pequeños turnos, podemos tomar un verde de parecer artificial a sentirnos
bastante terrosos El verde en esta pintura es
muy artificial, en realidad, pero debido a que está dentro de
la paleta limitada, como
que funciona.
Simplemente tiene sentido. Pero si estuviéramos tratando de
crear una escena más natural, de aspecto
realista, tendríamos que ser un poco
más conscientes de eso. Si estuviéramos trabajando fuera de una paleta limitada
con cualquier color, podríamos usar el rojo. Es color
complementario. No lo estamos usando en
este elenco, por supuesto, pero podemos crear efectos
similares agregándolo dependiendo del verde
que estemos usando.
24. Observa la naturaleza: La idea principal con
los greens es
usarlo solo en mezclas,
no de forma aislada. En lugar de pensar en el verde como un color independiente, ese solo
debería ser la base. Siempre debes mezclarlo con
violeta o naranja o rojo, o cualquier color, solo
puedes experimentar. Puedes mirar mis cartas de colores y ver la
versatilidad de todo. Y una buena práctica que puedes hacer en tu día a día es observar más de
cerca la naturaleza porque la naturaleza nunca usa un verde. Incluso una sola hojita puede contener un poco de verde amarillo para los reflejos o
un verde fresco para los medios tonos y una especie de
verde violetazo
más profundo para las sombras o incluso como tallos de
naranja y rojo Entonces, ser observador y evaluar si
es un verde fresco o
un verde cálido en la
vida real simplemente podría ayudar a que lo entiendas, lo
cual es algo útil Estoy agregando algunos reflejos a esta rosa en este momento,
solo usando el blanco. Entonces eso todavía está permitido
porque es blanco. No tiene nada que ver con el matiz. Se trata de tono. Siendo
siempre tan sutil con eso ,
sin embargo, no
quiero exagerar. Sólo unos pequeños indicios de reflejos solo lo hacen pop. Es muy fácil
exagerar con reflejos. Lo he
hecho muchas veces. Pero es esa contención, esa pequeña indicación de
dónde todavía es visible, pero solo agrega un poco de
claridad, un poco de precisión, un
poco de fnesse solo hace que
se vea un poco más
sofisticada que si solo agregáramos grandes
manchas de ella. Como esta hojita. No estoy seguro de que se llame una hoja que viene de la
parte inferior de las filas, una pequeña línea delgada. Sabemos que es un punto culminante,
pero tiene esa nitidez.
25. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo, y
felicitaciones por completar esta clase de teoría del color de desbloqueo
usando colores secundarios Espero que hayas disfrutado el proceso
de jugar con naranja, verde y violeta tanto
como yo. Desde muestras y teoría hasta
nuestra pintura floral final, vimos cómo una paleta
restringida puede abrir posibilidades más
expresivas, mejorando nuestra comprensión de la armonía del color, la
temperatura y el contraste Recuerda, la acuarela
no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo
personal. Te animo a que sigas
explorando, experimentando y superando tus
límites para crear tus propias obras maestras de
acuarela únicas Al llegar al
final de esta clase, espero que se sienta
más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en
acuarela. La práctica es clave
a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando
y experimentando. Quiero expresar mi gratitud
por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la
acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de
ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me
encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la
galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes
compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta
ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también
en Skillshare Después de poner
tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda
o comentario sobre la clase de
hoy o quieres algún consejo específico
relacionado con la acuarela, comunícame en
la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te
gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería
recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me
llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor
experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en
el botón de seguimiento arriba para que pueda
seguirme en Skillshare Esto significa que serás
el primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos Espero que salgas de esta
clase sintiéndote inspirado para usar estas técnicas en tus
propias pinturas de acuarela y usar la acuarela nuevas formas
interesantes hasta entonces pintura feliz Adiós por ahora.
Will Elliston, Award-Winning Watercolour Artist
