Del corazón a la página: interpreta tres emociones mediante la ilustración

1. Introducción: Las emociones están en el corazón de la naturaleza humana. No se puede contar una buena historia sin agregar un poco de alegría, un poco de miedo, o tristeza incluso cuando su historia se cuenta para imágenes. Soy Amandine Thomas. Cuando tenía cuatro años, anuncié a toda mi familia que me iba a convertir en ilustradora de libros infantiles. Bueno, unos años después, nada ha cambiado realmente. Soy autora e ilustradora galardonada de libros infantiles . Lo que más me gusta de mi trabajo es contar historias que son buenas para el planeta y para su gente. Para contar cualquier buena historia, hay, en mi opinión, un ingrediente esencial, y ese es la paleta de emociones. De la ira a la alegría a la melancolía, las emociones pueden influir en nuestras acciones, nuestras relaciones, nuestras creencias. Pueden reconciliarnos o dividirnos, inspirarnos o desanimarnos. Por eso los puedes encontrar en todas nuestras historias, desde la mitología griega hasta las películas de Disney. En esta clase, compartiré contigo todos mis consejos y trucos para dominar la paleta de emociones y explorar su increíble potencial en tus ilustraciones. A través de cada lección, aprenderás a aprovechar el poder emocional de los colores, a componer una imagen para evocar emoción y a usar una metáfora visual bien elegida para contarte una historia. También hablaremos sobre cómo usar las emociones como una poderosa herramienta de conexión ya sea en libros infantiles, revistas o ilustración comercial. Al final de la clase, podrás aplicar todos estos conocimientos a tu trabajo ya sea un ilustrador en ciernes o un profesional experimentado. Con demostraciones detalladas pero no prescriptivas y un método claro y fácil de seguir, tendrás todas las herramientas que necesitas para completar tu proyecto y crear una ilustración original que la emoción de tu elección en tu propio estilo. Todo lo que necesitas hacer para comenzar es reunir tus herramientas favoritas, ya sea tu iPad, tus lápices de colores o tu gouache. No te preocupes, aunque las habilidades de dibujo siempre son útiles, los conceptos que cubriremos en esta clase son accesibles para todos. Dicho esto, si quieres inspirarte y aumentar tu confianza antes de que empecemos, no dudes en revisar mis otras clases. Mientras tanto, pasemos a la siguiente lección donde cubriremos el proyecto con más detalle. Nos vemos ahí. 2. PROYECTO: ¿Estás listo para escuchar sobre el proyecto? En esta clase, te ayudaré a elegir, interpretar e ilustrar la emoción de tu elección. Aprenderás a usar los colores, la composición y los símbolos como una forma de comunicar mejor las emociones en tus ilustraciones, pero también a contar historias y transmitir mensajes convincentes para involucrar e imágenes impactantes porque las emociones crean reacciones. Por ejemplo, hay muchas historias por ahí que tendrían mucho menos impacto sin las emociones fuertes que mueven la trama hacia adelante. Soy parte de la generación que quedó un poco traumatizada por la muerte de Mufasa en El rey león. Es una escena que, por supuesto, crea ira y tristeza, pero también nos acerca a Simba. En Romeo y Julieta, es lo contrario. El alegre amor joven al inicio de la obra sólo sirve para acentuar la tragedia al final. Es gracias a estas fuertes emociones que conseguimos embarcarnos en muchas aventuras y viajar junto a sus personajes. Por supuesto, hay muchas emociones por explorar, pero en esta clase en particular, nos centraremos en tres fundamentales: la alegría y estas variaciones como el optimismo, la alegría, la euforia. El miedo y sus matices desde la timidez hasta el terror, y la tristeza con sus sutilezas como la melancolía o el dolor. Cada una de estas emociones se explorará en profundidad con demostraciones en 3D en azulejos. Desde las teorías del color hasta los conceptos básicos de la composición, tendrás todas las herramientas que necesitas para crear una ilustración original y significativa en tu propio estilo. ¿Qué necesitamos para empezar? Personalmente, voy a usar mis herramientas favoritas: acuarelas, pinceles, una simple punta Sergent Major sobre papel Bristol. Para mis bocetos, también tengo un lápiz mecánico básico, una goma de borrar y mi cuaderno de bocetos. Por supuesto, siéntete libre de usar tus propias herramientas favoritas, ya que el método y los principios de esta clase se pueden adaptar a cualquier estilo de ilustración. Una vez que hayas aplicado las habilidades enseñadas en esta clase a tu proyecto, podrás usar mi método para traducir toda una gama de emociones en tus ilustraciones, ya sean libros infantiles, en revista, o para un cliente con una visión específica. Finalmente, en la sección Recursos de la clase, tendrás acceso a hojas de trabajo que recapitularán todos los puntos clave de la clase: elegir tu esquema de color, componer tu imagen, agregando elementos clave para contar mejor tu historia, todos los elementos esenciales para crear tu ilustración. Por supuesto, una vez que hayas completado tu proyecto, no dudes en compartirlo en la galería de proyectos. No puedo esperar a ver lo que creas pero por ahora, profundicemos con las principales herramientas de tu caja de herramientas, colores, composición y símbolos. 3. Colores, composición y símbolos: Antes de comenzar, tal vez te estés preguntando, ¿cuál es la paleta de emociones? Bueno, en los años 70, investigador estadounidense Paul Ekman identificó seis emociones universales que supuestamente podrían ser reconocidas incluso por las poblaciones más aisladas. Estas seis emociones donde la alegría, la tristeza, el asco, la ira, el miedo, y la sorpresa. Desde entonces la teoría ha sido revisitada y desarrollada por muchos otros investigadores que pasaron a crear su propia versión de la teoría. Algunos de ellos la adaptan para incluir más neuronas a las emociones. Pero todos tienden a estar de acuerdo en que hay al menos cinco emociones base; Alegría, miedo, tristeza, disgusto e ira, cada una con sus propias variaciones, que es por cierto, la base de la película de adentro hacia afuera y estas emociones clave son centrales para contar cualquier buena historia. No sólo hacen avanzar la trama dando sentido al personaje que a su viaje? Pero también fomentan la empatía al permitir que el lector se identifique con el personaje y sus experiencias. Por último, la ayuda a transmitir mensajes fuertes e impactantes. Piensa en historias morales como el chico que lloraba lobo, por ejemplo, así que ahora que hemos establecido la importancia de la paleta de emociones para contar una buena historia, exploraremos diferentes formas de ilustrar ello. Primero con colores, luego composición y símbolos. Por supuesto, hay otras herramientas más o menos efectivas, pero dominar estas tres será un muy buen comienzo para confiar en mí. Entremos con los colores, una verdadera mina de oro a la hora de comunicar emociones. Probablemente ya hayas visto en rueda de colores, que es un gráfico que muestra las relaciones entre colores sin entrar en demasiados detalles, los colores a la derecha de la rueda se llaman colores cálidos y sus evocan pasión, energía, emoción, pero también ira u hostilidad. Los colores a la izquierda de la rueda se llaman colores fríos, y a menudo se los describe como tranquilos y serenos. Aunque también pueden evocar sentimientos de tristeza o indiferencia. Estos colores cálidos y fríos en realidad tienen un efecto fisiológico en nosotros ya que son capaces de aumentar o ralentizar la frecuencia cardíaca. No es de extrañar entonces que sean tan útiles para evocar toda una gama de emociones. De hecho, incluso han entrado en nuestro vocabulario. Puedes ser verde de envidia, puedes ver rojo de ira. Puedes tener el blues. Dicho esto, ningún color es 100 por ciento positivo o negativo. Por ejemplo, el azul puede representar tanto tranquilidad como tristeza. El rojo puede evocar amor y enojo. naranja puede significar energía, pero también un peligro, etc. diferentes combinaciones de colores también pueden comunicar diferentes emociones, por ejemplo, el contraste entre colores fríos y cálidos evoca actividad, agitación, marca de fuego, colores primarios comunicarán diversión, emoción, energía. Los colores pastel evocan suavidad, mientras que los colores apagados pueden ser aburridos o deprimentes. Por supuesto, no tenemos que apegarnos a los códigos establecidos, como veremos en las demostraciones posteriores. Pero estas asociaciones están tan arraigadas en nuestras mentes que dan color de verdadero impacto emocional. Después del color, otra herramienta realmente efectiva para comunicar emociones es la composición en fotografía, por ejemplo, es un hecho bien conocido que la forma en que construimos nuestras imágenes, su estructura puede tener un gran impacto sobre lo que comunican. Bueno, es la misma ilustración. La composición en perspectiva influirá la forma en que reaccionamos ante una imagen y definirá su ritmo o su atmósfera. Por ejemplo, nosotros, como humanos, naturalmente atraídos por la simetría. Una composición simétrica evocará armonía, equilibrio, placer, mientras que una composición asimétrica, sobrecargada o desequilibrada producirá una sensación de caos o desorden. También podemos utilizar las líneas rectoras de una imagen para transmitir un sentimiento de apertura, de ligereza o por el contrario de confinamiento y opresión. También podemos variar el encuadre para evocar libertades, amplitud, o mejor dicho encarcelamiento o ansiedad. Por supuesto, podemos utilizar las relaciones entre los diferentes elementos en una imagen. Cercano o distante, pequeño o grande, igual o no. Esto ayudará al lector a posicionarse en la imagen y apelar a su capacidad de empatía, lo que por supuesto es realmente importante hora de intentar contar una historia. La tercera herramienta que vamos a discutir en esta clase son los símbolos, o lo que me gusta llamar metáforas visuales. ¿Qué significa eso? En cualquier imagen, uno o más elementos pueden ser utilizados para representar una idea abstracta. Estos elementos se convierten en metáfora visual de esa idea en particular. El significado simbólico podría encarnarse en un objeto, una persona, una acción, incluso un lugar. Por supuesto, si quieres evocar una fuerte emoción por las imágenes, puedes usar los símbolos comunes que ya están asociados a ella. Por ejemplo, un corazón para el amor, un arco iris para la felicidad, lluvia para la tristeza. Se trata de símbolos emocionales casi universales en los que todos compartimos conscientemente. Pero también podríamos elegir metáforas visuales menos obvias , por ejemplo, alegría puede estar representada por esa sensación de ligereza de tomar vuelo. Dibujar globos aerostáticos, confeti o pájaros también puede evocar esa emoción de una manera más sutil, menos cliché. Por supuesto, podemos utilizar nuestras propias metáforas basadas en nuestras experiencias y las asociaciones que hemos construido nosotros mismos. Esto nos permitirá evocar emoción sin ser demasiado literales y crear una ilustración más significativa, original. Por supuesto, vamos a entrar en más detalles sobre todas estas herramientas en las próximas lecciones con demostraciones en profundidad para cada emoción. Antes de comenzar, tal vez te preguntes qué emoción elegir para tu ilustración. En esta clase, utilizaré la alegría, el miedo y la tristeza para mis manifestaciones. Puedes elegir ilustrar una de estas emociones libres, o puedes aplicar mi método a la emoción de tu elección. Si quieres ir por la ira, melancolía o el terror, por favor ve a por ello. Si simplemente no puedes decidir, puedes hacerte las siguientes preguntas; ¿Cuál es el mensaje que quieres transmitir con tu imagen? ¿Hay alguna historia que quieras contar? Si es así, ¿cuál es la emoción dominante detrás de este mensaje o historia? Por ejemplo, si quieres ilustrar para niños, puedes intentar pensar en momentos recurrentes en muchos cuentos infantiles. Por ejemplo, ¿ quieres ilustrar que vivieron felices para siempre? O preferirías concentrarte en el gran lobo malo? Personalmente, elegí ilustrar alegría con una escena un poco caótica, con mucha energía, emoción y una sensación de euforia. Por miedo, elegí un clásico, una noche en el bosque, la cantidad justa de miedo y misterio. Por tristeza, elegí representar una escena solitaria con un toque de agitación y melancolía. Pero te voy a contar más en la siguiente lección donde empezaremos a trabajar en la alegría. Nos vemos pronto. 4. Demostración: alegría: Todo bien. En las próximas lecciones gratuitas, compartiré mi método para crear una ilustración en general y cómo traduzco las emociones en imágenes a través del color, las composiciones y los símbolos. Aunque solo vayas a ilustrar una emoción en esta clase, todavía te animo a que veas todas las demostraciones, solo porque comparto diferentes consejos y trucos en cada video. Voy a comenzar con la alegría, una emoción que es central en muchos libros infantiles, generalmente ya sea al principio de una historia antes del drama o al final una vez que la aventura haya terminado. Para esta ilustración en particular, quiero ilustrar la escena que podrías encontrar al inicio de una historia antes de emprender una aventura. Todos están contentos, corriendo, hay emoción, color, movimiento. Quiero plasmar alguna alegría infantil exuberante. Ahora, sea cual sea la emoción que elijas representar, verdad te animo a que empieces fijando tu intención. Para ello, puedes hacerte las siguientes preguntas. ¿Quién está sintiendo esta emoción? En mi caso, es un grupo de niños. ¿Por qué lo están sintiendo? Aquí, son completamente libres de hacer lo que quieran sin adultos alrededor. ¿Dónde lo sienten? En mi caso, será en esta colorida fanfarria. Para estas demostraciones, estaré usando acuarelas con pincel, pero también con mi punta de sargento mayor. Es mi técnica favorita, y en realidad es la que utilizo en casi todas mis ilustraciones. No obstante, te animo a que escojas una técnica que más te convenga. Los principios de esta clase se pueden aplicar con cualquier herramienta o técnica. No vayas por las acuarelas si simplemente no es lo tuyo. Cualquiera que sea la técnica que elijas, comenzaremos por crear una combinación de colores. Por supuesto, de alegría, inmediatamente pensamos en el amarillo, pero también en otros colores cálidos como el naranja o el dorado. Estos son colores cálidos, vivos, dinámicos que evocan clutch al sol. Pero no sientas que tienes que seguir ningún código preestablecido. Me gusta usar colores brillantes como el rosa, azul eléctrico o el verde brillante. Con estos colores, puedo crear una sensación de diversión de felicidad desenfrenada que se puede explotar para evocar alegría. Aquí están los colores que planeo usar. Rojo, amarillo y naranja como colores dominantes y toques de rosa, azul y verde brillante como colores secundarios. Es una paleta fresca y con mucha energía, igual que la escena que estoy tratando de representar. Una vez que tengo mis colores, siempre empiezo por crear un mini sketch, muy rápido, muy sencillo, que me permite elaborar mi composición. Aquí, realmente quiero centrarme en la abundancia, que muy a menudo se asocia con la alegría. Celebramos momentos felices con abundancia de amigos, familia, comida, regalos, así que voy a tener muchos pequeños elementos por todas partes para darle energía y movimiento a mi composición. La alegría también suele asociarse con una sensación de ligereza, como vimos en la lección anterior. Voy a favorecer una composición abierta y respirada con elementos que van a tomar vuelo para llevarnos hacia arriba. Por la misma razón, también me aseguraré de mantener un poco de blanco alrededor de la página para evitar que me pesen la imagen y para mantenerla liviana. Una vez que tengo mi pequeño boceto, me gusta crear una viñeta de color, que guiará el estado de ánimo general de mi imagen. Esto es algo que hago con todos mis libros, es realmente parte de mi proceso, y me ayuda a encontrar un poco mejor el ambiente de cada ilustración, lo cual es especialmente importante cuando se quiere evocar emoción. Una vez más, no entro en demasiados detalles, la viñeta es realmente solo una forma rápida de probar mi paleta antes de comenzar. Me está permitiendo comprobar cómo interactúan mis colores, si quiero usar lavados de acuarela, versus dibujo lineal. Aquí, creo que el dibujo lineal es mejor para representar alegría y exuberancia. Es solo que un poco más animado y dinámico. Una vez que tenga mi mini sketch y mi viñeta, estoy listo para saltar a mi ilustración final con intenciones claras. Me gusta comenzar mi ilustración trazando los diferentes elementos de mi composición muy a la ligera con el lápiz. La idea es estructurar un poco la página antes de comenzar. A veces incluso solo dibujo formas para delaminar un poco el espacio, pero eso es todo. Ahora estoy saltando con mi plumín. Como vimos en la viñeta, quiero usar el color de una manera dinámica sin perder todos los matices que aporta la acuarela. La punta es simplemente la herramienta perfecta. Además me permite trabajar en muchos detalles pequeños y muy finos con trazos animados animados animados. Ahora en la lección anterior, hablamos mucho de simbolismo. Creo que muchos de nosotros tenemos recuerdos felices de la infancia asociados con la feria de verano o carnaval. Llegamos a comer helado, vamos de paseo, hay movimiento de color. Voy a usar esta asociación positiva en mi ilustración para reforzar el mensaje que estoy tratando de transmitir. Por supuesto, ¿qué mejor manera de sugerir alegría que usando las expresiones y el lenguaje corporal de mis personajes? Muchas sonrisas, saltando, aplaudiendo dando vueltas. Nuevamente, quería capturar aquí una energía exuberante un poco desenfrenada. También voy a usar la asociación que mencionamos antes entre euforia y volar o flotar, con metáforas visuales más o menos obvias. Aquí tenemos un cañón de confeti que explota con mucho color, también tenemos una noria que nos da una mejor vista de toda la escena, y luego por supuesto, los globos aerostáticos no sólo para tirar de la composición hacia arriba, sino también para permitir que un personaje literalmente se vaya volando, como si sus pies ya no estuvieran tocando el suelo. En rápido, otra cosa que me gusta hacer en mis ilustraciones es crear muchas escenas dentro de la escena principal. Detrás de cada uno de mis personajes, hay una pequeña historia que enriquecerá el mensaje estoy tratando de transmitir. Aquí se puede ver que los niños han detonado el cañón de confeti y apenas se están divirtiendo. También te habrás dado cuenta de que gracias a la punta, mi estilo tiene un poco más de impacto visual que lavados suaves o una línea metálica. Por otro lado, si quisiera representar una alegría más tierna y delicada, podría diluir mis colores o entrar en pasteles. Pero para esta escena, que está llena de energía, quiero usar colores puros directamente en la punta. Si utilizas otras herramientas, también se aplica el mismo principio. Podrías variar la presión cuando dibujas para tener un trazo más suave o áspero, podrías tener movimientos asertivos o fluidos, tus texturas podrían ser más o menos gráficas, todo esto tendrá una impactar en los colores y en las emociones que transmitirán. Para terminar con esta ilustración, estoy agregando un montón de globos que llevarán a uno de mis personajes hacia arriba de alguna manera, permite poco guiño a la alegría, que a veces puede darnos alas. Estos pequeños detalles también le darán a la imagen un toque de fantasía, un poco de magia, que funciona muy bien en el contexto de la literatura infantil, donde casi todo es posible, incluso tomando vuelo con un montón de globos. Otra ventaja de tener mi viñeta y mi boceto preparados de antemano es que sé cuando mi ilustración está terminada. Porque de lo contrario uno de los riesgos aquí es seguir agregando detalles, colores, texturas, etc. Esto no solo podría modelar tu historia, sino que también hacer que la imagen se vea pesada y a veces incluso simple arruinarlo. Voy a parar aquí antes de ir demasiado lejos y terminar borrando mi sketch. Porque si me conoces, sabes que podría seguir embelleciendo durante horas. Aquí está mi ilustración final de alegría. Si decides ilustrar también la alegría, ya sea la dulce y tierna dicha de abrazar a un bebé, o el simple placer de beber una gran taza de té, no puedo esperar a ver lo que se te ocurre en la galería de proyectos. Si prefieres ilustrar el miedo, entonces te veré en la siguiente lección. 5. Demostración: miedo: [MÚSICA] ¿Listo para ilustrar el miedo? En esta lección, voy a pasar por los mismos pasos que la demo de la alegría. Primero, vamos a elegir nuestra paleta de colores, luego vamos a trabajar en nuestro mini sketch antes de pasar a nuestra viñeta de color y luego obviamente nuestra ilustración final. Por supuesto, el miedo es una emoción que destaca en muchas historias clásicas. Es el miedo lo que va a hacer una historia sea emocionante y sin ella, realmente no puede haber ninguna aventura. Para esta imagen, decidí seguir con los clásicos con una noche fría en el bosque. Obviamente, el bosque tiene su propio simbolismo misterioso, que está realmente presente en la mitología o en los cuentos de hadas. Entonces, la noche, que siempre se ha asociado con el peligro y lo desconocido. Al asociar el bosque por la noche, tenemos la receta perfecta para un buen susto. Por ejemplo, es en el bosque donde Blancanieves es perseguida por el cazador, Hansel y Gretel se encuentran con una bruja, Little Thumbbling escapa de un ogro, Caperucita Roja del lobo. Mi intención es recrear esa atmósfera particular. Comenzando por la combinación de colores, con miedo, inmediatamente pensamos en el negro, el color de lo desconocido, la ausencia de luz, la noche en la que los monstruos podían esconderse fácilmente. También está ese toque de misterio, de peligro, de aventura que podemos encontrar en muchas historias. Para esta ilustración, voy a usar un casi negro-verde. Sabiendo que en acuarela tradicionalmente no usamos ni negro ni blanco puro, así que tienes que crear tu propio negro con los colores a tu disposición. Aquí estoy mezclando un verde mar con Jane's Grey y un toque de naranja quemado, lo que me dará un hermoso color negro. Más allá del negro, podemos incluir otros colores oscuros, un morado muy profundo, por ejemplo, que puede contrastarse con colores más cálidos como el amarillo o el rojo. Por supuesto, para una escena diferente, por ejemplo, el espeluznante laboratorio de un científico loco, elegiríamos diferentes colores, como un verde fluorescente, un amarillo agresivo, un gris metálico. Es importante recordar que la paleta de colores es un elemento esencial de la historia que estamos tratando de contar. Para este esquema en particular, estaré usando un azul profundo, algo morado, mi color negro claro y para contrastarlo todo, estaré agregando un toque de amarillo y algo de naranja brillante. Una vez que tengo mi esquema, voy a pasar a mi boceto. Aquí, a diferencia de la composición que usé para la alegría, voy a estar usando encerrando pautas opresivas. Quiero que el lector se sienta un poco incómodo. Hasta la luna cuelga pesada y los árboles están entrando para asfixiar la imagen. También están estos pequeños ojos malvados esparcidos por toda la tienda, espeluznantemente mirando. La composición estará apoyada por el uso del color, como veremos con la viñeta. Sé que a algunos artistas les gusta saltar directamente a la ilustración sin pasar por estas fases de investigación. Antes de trabajar en la publicación, en realidad solía hacer lo mismo. Me gustó ver la ilustración emerger por sí misma de alguna manera, pero tener bocetos y viñetas para presentar a un editor o cliente es de mucha ayuda. Te va a permitir compartir tu visión y darle a la otra persona la oportunidad de entrar y mejorar tus ideas originales. Este proceso colaborativo me pareció particularmente positivo cuando estoy trabajando en un libro con mi editor, por ejemplo. Para esta imagen, voy a hacer pleno uso de las texturas por las que es famosa la acuarela. Quiero dejar un poco más de espacio para la imaginación y por lo tanto mantener los detalles borrosos, nebulosos, excepción de algunos elementos clave como la carpa por ejemplo, que no es del todo tragada por la noche y sus misterios, y que servirán de faro en la ilustración. Por otro lado, quiero que los árboles se conviertan en una forma oscura, misteriosa. Voy a usar mis pinceles para evocar sombras amenazantes que realmente no se pueden identificar. Por cierto, aquí realmente se puede ver el tinte verde que le di a mi negro, que es perfecto para los árboles, y que se oscurecerá a medida que le agrego capas de color. Al final, los únicos elementos que podremos ver claramente en el bosque son los ojos amarillos y anaranjados que están reflejando la luz de la carpa. El resto queda totalmente dejado a la imaginación. Aquí está mi viñeta. Una vez hechos la viñeta y el mini boceto, podemos pasar a la ilustración final, comenzando por colocar nuestros elementos ligeramente en la página con un lápiz. Vamos a por ello. Voy a comenzar con la pequeña carpa, este frágil refugio contra la noche. Esa luz en la oscuridad es otro símbolo universal muy fuerte. Representa esperanza, y seguridad en un ambiente hostil. Naturalmente, el lector sentirá que puede relacionarse con las personas que están en la carpa, aunque no las vean. Quizá quieran advertirles o protegerlos y aquí es donde entra en juego la empatía de la que hablamos antes en la clase. Así es como los lectores se invierten en la historia. Al identificarse con las personas en la carpa, el lector también se va a sentir observado rodeado de criaturas desconocidas ocultas y sus ojos brillantes. Por supuesto, es mucho más aterrador revelar solo partes de lo que se esconde en el bosque, lugar de ilustrar un monstruo literal, por ejemplo. Así es como le damos más poder a la imaginación, que es extremadamente potente cuando se asocia con el miedo. También permite que la amenaza sea ligeramente diferente para cada lector. Entonces tenemos la luna llena, que en este contexto también se asocia con hombres lobo, magia, brujas. Es en luna llena donde suceden muchas cosas extrañas, como la aparición de estas criaturas que acabamos de discutir. Solo una nota rápida aquí, es posible que hayas notado que estoy usando técnicas de acuarela más tradicionales aquí, como mojado sobre mojado. Esto creará el tipo de texturas que busco en esta imagen. Estoy trabajando directamente con un pincel sobre mi papel Bristol, lo que me dará un efecto muy fluido. No es muy común trabajar con acuarela sobre papel Bristol, pero me gusta tener lavados luminosos y fluidos. La forma en que el agua reacciona en el Bristol me dará el efecto que busco. Para volver a los símbolos, ya hemos hablado del bosque y de la noche, que tienen asociaciones universales. Piensa en cuentos de hadas, Señor de los Anillos, Princesa Mononoke, etc. En términos de metáfora visual, estamos en un terreno muy rico, muy fértil ahora imaginación colectiva. Por eso le estoy dando al bosque y la noche el papel protagónico aquí. Como vimos en el boceto, quiero que los árboles dominen, que casi choquen la tienda. También se recortarán contra el cielo, lo que hará hincapié los principales lineamientos de cierre en la imagen. A diferencia de la ilustración anterior, no dejo ningún margen, ni blanco para respirar, solo la luna y la nieve brillando en la oscuridad. Me encanta volver a la punta antes de terminar una imagen para agregar los detalles finales como aquí en los árboles, le dará más textura a mi ilustración y la refinará un poco. Recordarás que desde que planeé antes de comenzar mi ilustración, sé cuándo parar antes de ir demasiado lejos en mi embellecimiento de flujo creativo, pero estoy trabajando en ello. Antes de finalizar mi ilustración, quiero trabajar un poco más en el color, ya que el estado de ánimo aquí es realmente importante. Para realizar estos cambios sutiles sin comenzar de cero, Photoshop es una gran herramienta. A menudo trabajo solo en dos capas de ajuste, los niveles y la vitalidad. Por lo general, con los niveles, solo traigo el deslizador en blanco y negro de vuelta al borde del histograma y traigo la vitalidad hasta 20. Eso es suficiente y es mucho más sutil que la saturación, por ejemplo, sobre todo cuando se trabaja con una ilustración analógica. Todo esto será suficiente para darle un poco más de profundidad y riqueza a mis colores. Eso es todo por miedo. Recuerda, si decides ilustrar el miedo, te animo a que compartas no solo tu ilustración final sino también el proceso detrás de ella, los mini bocetos, las viñetas de color, todo ello. Mientras tanto, te veré en la siguiente lección con el demo final, tristeza. Nos vemos ahí. 6. 06 de tristeza: Aquí sale el último demo; tristeza. Una vez más, vamos a estar moviéndonos por los mismos pasos, el mismo método. Primero el esquema de color, luego nuestro mini boceto, luego nuestra viñeta de color, y luego finalmente la ilustración real. Pero estoy seguro de que a estas alturas ya estás muy familiarizado con todos estos, así que me iré moviendo un poco más rápido en esta lección. Estoy seguro de que eres consciente de que la tristeza también es una emoción muy importante en muchas historias. A menudo, la narración comenzará incluso con un triste acontecimiento para acentuar mejor la trayectoria positiva de los héroes. Para esta imagen, quiero enfocarme en mi personaje ella misma sin agregar demasiados detalles en el fondo. Quiero crear un poco más de una imagen introspectiva, emotiva sin bits y bobs innecesarios. Tendremos a este personaje solo, atormentado, deprimido bajo la lluvia como todo el lote. Sé que suena cliché, pero a veces los clichés funcionan. Solo piensa en la cantidad de escenas lluviosas en las películas. Ahora que he establecido mi intención, obtendré mis acuarelas, mi plumín y mis pinceles, y comenzaré por crear mi esquema de color. Obviamente, son asociaciones muy fuertes entre los colores fríos y la tristeza. Azul en particular y todas sus molestias evocarán soledad, indiferencia, pero también promoverán la introspección. Dicho esto, también podemos representar la tristeza mediante uso de colores grisáceos apagados y lavados , que simbolizarán la pérdida, el luto o la depresión. Para esta imagen, voy a utilizar un esquema casi monocromático con tonos verdes, azules y grises, no sólo para captar el ánimo de un día lluvioso, sino también para evocar la soledad, la melancolía, y una toque de estado de ánimo tormentoso. Para ello, utilizaré un número limitado de colores que mezclaré para crear todos mis tonos. Esto me permitirá conseguir un palé armonioso sin llegar a ser demasiado aburrido. Aquí estoy mezclando turquesa, Jane Grey, y azul ultramarino, para crear un verde agua, un gris coloreado y dos tonos de azul. opaco y lavado y uno mucho rico y brillante para darle profundidad al esquema. Para mi boceto, quiero mantener la composición lo más simple y despejada posible. Los pocos elementos que tendré en la página serán un poco desequilibrados, un poco caóticos, para evocar agitación o agitación. Una composición simple también centrará realmente la atención en mi personaje y reforzará la impresión de soledad, de aislamiento. También la colocaré en la parte inferior de la página para crear una sensación de peso, de presión. Una vez más, con mi viñeta de color, estoy apuntando a apoyar la composición. La sensación de agitación, de presión se acentuará azules y grises siniestros, para añadir peso a la imagen. La textura de la acuarela jugará el mismo papel con una sensación tumultuosa, caótica, que por supuesto refleja los pensamientos internos de mi personaje. Para esta parte, quiero favorecer lo abstracto; dejar que los colores se mezclen poco al azar para crear una nube orgánica más natural. Por otro lado, me gustaría darle a mi carácter una sensación algo frágil. Ella está sola a merced de los elementos, así que la dibujaré con mi plumín y le daré una mirada etérea, frágil que contrastará con la nube. También estoy usando la punta para la lluvia, que es fina y delicada, pero un poco agresiva, casi apuñalando a mi personaje. Terminé con mi viñeta y mi boceto poder pasar a la ilustración final. Empezaré una vez más colocando aproximadamente mis elementos en la página con mi lápiz. Entonces voy a virar toda mi gran nube oscura, que por supuesto es un símbolo muy poderoso para la tristeza. Las nubes suelen anunciar mal tiempo, malas noticias, y también cambian constantemente de forma y color, lo que ayuda a reflejar la agitación interior de mi personaje. Su dolor, tal vez no completamente procesado, por ejemplo, después de una pérdida. Además, la mañana es en realidad el punto de partida de muchas historias. Piensa en todos esos héroes a menudo como ejemplos. También notarás que para estas nubes, vuelvo a usar técnicas mojadas sobre mojadas, para crear texturas interesantes. También estoy usando mis colores un poco al azar y realmente dejando que la acuarela haga lo suyo sin preocuparme demasiado por el resultado. Esta técnica se presta muy bien a un cielo tormentoso. Lo que terminamos es un efecto emocional muy delicado, sensible, que por supuesto es perfecto para la tristeza. Entonces es el momento de enfocarse en el personaje. Al igual que con alegría, la expresión y la posición del personaje jugarán un papel importante para evocar emoción. Podrías tener exactamente la misma imagen, pero comunicar un sentimiento completamente diferente solo variar su posición y expresión. Ella podría ser decidida y poderosa, enfrentando los elementos. Ella podría estar feliz y llena de vida bailando bajo la lluvia. Pero aquí está encorvada, abatida, desmoralizada. Voy a tratar de plasmar ese sentimiento con mi plumín de unos simples trazos. No quiero hacer demasiado y caer en la caricatura aquí, así que estoy tratando de ser lo más sensible posible, con una vibra un poco poética. dibujo lineal para mí es la técnica perfecta para este propósito particular y para representar las emociones en general. Incluso para el rostro, que es un lienzo para nuestra emoción, quiero mantener mis trazos refinados, delicados. No hay necesidad de exagerar. Prefiero apenas insinuar la nariz y los ojos y confiar en la lluvia la tormenta para expresar los sentimientos del personaje de una manera más demostrativa, porque, por supuesto, el simbolismo detrás de la tormenta es muy fuerte. Asociamos lluvia con lágrimas y tormentas con agitación interna. Una vez más, sólo hay que pensar en la cantidad de escenas en las películas de Hollywood que tienen lugar bajo la lluvia. No sólo agrega drama, sino que también refleja y acentúa las emociones del personaje. Escena funeraria; lluvia, adiós desgarrador; lluvia, revelación impactante, lo adivinaste; lluvia. Ahora podría seguir agregando lluvia, charcos y nubes, pero mi intención original era mantener la composición simple y despejada, así que me detendré aquí. Eso es; mi ilustración para la tristeza. Espero que estas demostraciones gratuitas hayan sido de ayuda y que estés saliendo de ella con muchas ideas nuevas sobre cómo capturar emociones en tus ilustraciones. Ahora claro, en la siguiente lección, voy a recapitular todos los puntos clave de la clase y te voy a dar algunos consejos y trucos sobre cómo llevar la paleta de emociones al siguiente nivel, ya sea en libros infantiles, revistas, o en ilustraciones comerciales. Nos vemos en la siguiente y última lección. 7. 07 de recuperación: Enhorabuena, has completado esta clase. Espero que te haya ayudado a entender mejor y dominar el increíble potencial de la paleta de emociones en la ilustración. Ahora, en esta lección, vamos a recapitular los puntos clave de la clase y vamos a explorar algunas formas de aplicar todos estos conocimientos a libros infantiles, revistas, comerciales y en cualquier otro lugar donde quieras contar historias. En primer lugar, hemos visto lo importantes que son las emociones: para hacer avanzar la historia dando sentido a los personajes y su viaje, fomentar la empatía al permitir que los lectores se identifiquen con el personajes y sus experiencias, y transmitir mensajes fuertes e impactantes. Ahora, para aprovechar mejor el poder de las emociones, podemos usar colores que están tan conectados a nuestro estado de ánimo que impactan en nuestra frecuencia cardíaca. Hemos visto que con un esquema bien elegido, podemos aprovechar el poder emocional de la emoción de una manera muy efectiva. Composición, que nos permite definir la atmósfera de una imagen y promover la empatía poniendo al lector en los zapatos del personaje. Gracias a la composición, pueden sentirse atrapados o liberados, fuertes o débiles, pesados o ligeros. Los símbolos son lo que se llaman metáforas visuales, que profundizan en nuestro imaginario colectivo para evocar emociones fuertes. Ya sea que usemos clichés o metáforas sutiles, el símbolo puede transmitir mensajes fuertes sin tener que decir demasiado. Con estas nuevas herramientas en tu caja de herramientas, ¿cómo puedes llevar tus ilustraciones al siguiente nivel y explotar el increíble poder de las emociones en tu trabajo profesional? Hemos establecido que las emociones son clave para conectar con tu lector, pero esto es incluso cierto para un público más joven. Esto quiere decir que si quieres ilustrar un libro infantil, seas autor del cuento o no, tendrás que traducir las emociones en imágenes. Un triste comienzo con un héroe huérfano, una escena aterradora con un gran lobo malo, o un final feliz para siempre, estas imágenes serán esenciales para involucrar a un lector más joven. Ser capaz de crear ilustraciones significativas y expresivas es una gran ventaja como ilustrador. Incluir una imagen como la que acabamos de crear en su portafolio le mostrará a un editor que puede ilustrar una historia de una manera sensible, reflexiva y efectiva. Por supuesto, es exactamente lo mismo cuando se trabaja en ilustraciones editoriales. Ya sea que estés ilustrando para un adulto o una revista infantil, tu trabajo también es contar una historia. Puede que sea una más corta y tal vez solo tengas una imagen para contarla, pero de hecho sigue siendo una historia y muchas veces tendrá un mensaje súper fuerte y poderoso detrás de ella. Para comunicar ese mensaje, mayor parte de las veces tendrás que depender de las emociones. Es ese fuerte impacto emocional que mantendrá la atención del lector, que los desafiará o los moverá, y en última instancia te permitirá establecer una conexión rápidamente. Una vez más, incluir en tu portafolio ilustraciones que demuestren que puedes transmitir emociones alto y claro demostrará a un director de arte que puede confiar en ti para crear significado, Ilustraciones que invitan a la reflexión. Por último, cada vez son más las marcas que hoy en día confían en la narración de historias para comunicarse sobre sí mismas o sus valores. El objetivo, por supuesto, es llamar la atención del consumidor, y una buena manera de hacerlo es, ya lo adivinaste, las emociones. La ilustración puede ser herramientas de comunicación y narración muy efectivas para que estas marcas encarnen una emoción particular. Podría ser una alegría desenfrenada, infantil, un espíritu de inclusión y colaboración, o un sentimiento de bienestar. Capturar estas emociones en tus ilustraciones es una excelente manera hacer que tu cartera destaque para estos clientes potenciales. En conclusión, realmente te animo a trabajar en resaltar las emociones en tus ilustraciones, y a incluir en tu portafolio imágenes que van a tener ese impacto emocional súper fuerte sin importar para quién quieres trabajar o con qué medio estás trabajando. Esto te ayudará a responder mejor a un breve, ya sea de una editorial, un director de arte o un cliente, contar mejor historias o transmitir mensajes, y crear imágenes más impactantes. Antes de ir a prospectar con tus nuevas ilustraciones, no olvides compartirlas en la galería de proyectos de la clase. Tengo muchas ganas de ver cómo interpretaste las emociones en tus ilustraciones y el proceso detrás de tus elecciones gráficas. Si quieres ver más de mi trabajo, no dudes en seguirme en redes sociales y en Skillshare y echa un vistazo a mi sitio web. Mientras tanto, muchas gracias por tomar esta clase y felicitaciones nuevamente por completar su proyecto. Espero que esto sea de ayuda en el futuro y nos vemos pronto.