Transcripciones
1. Introducción: gran cinematografía es emocional y realmente puede hacer que tu público sienta cualquier cosa que quieras que sienta sobre la historia que estás contando. Ya sea misterio o tristeza, felicidad, todo va. Esta clase se trata de tomar las herramientas y técnicas de la cinematografía y aplicarlas a contenido de video en cualquier nivel. Hola, me llamo Oren. Hasta el momento soy director de fotografía, rodando predominantemente comerciales, videos
musicales, cortometrajes, y algunos largometrajes también. cinematografía es un punto de vista, es agregar una capa de narración visual a cualquier tema que estés filmando. He estructurado esta clase o bajo bloque de construcción
realmente fundacional que está configurando una entrevista. Vamos a iluminar y enmarcar esa entrevista de un par de maneras diferentes y a través de eso, demostrar cómo las diferentes técnicas de las que vamos a hablar hoy, realmente
pueden cambiar la naturaleza de la imagen e imbuir una imagen con un contexto emocional. Ya sea que seas un profesional en trabajo o filmando vlogs de ti mismo, espero que esta clase sea útil para cualquiera que esté buscando realmente elevar las imágenes que están creando y llevarlas al siguiente nivel. Estaremos utilizando equipos de nivel profesional, pero puedes aplicar estas técnicas con cualquier equipo en el que ya estés disparando. Mi cosa favorita de la cinematografía es sólo esa prisa de poder tomar una imagen que está en mi cabeza y trabajar algún equipo alrededor, ver que esa imagen cobra vida en el monitor frente a mí. me encanta. Estoy tan emocionado de que estés tomando esta clase. Vamos a sumergirnos.
2. El poder de la cinematografía: cinematografía es la forma artística de tomar el lenguaje visual y la estética y aplicarlos a cualquier tipo de contenido video visual. Porque es una forma de arte, el acto de ver cinematografía debería suscitar emoción, ese es el objetivo final, eso es algo por lo que siempre me ha atraído desde que era niño estaba pintando y dibujando a los cuatro años de edad y finalmente descubrió la fotografía y luego la videografía. Por lo que la cinematografía terminó convirtiéndose en la culminación de mis intereses estéticos de niño. Creo que hay una suposición de que las imágenes cinematográficas son
algo que está reservado para películas o programas de
televisión y que hay toda otra franja de contenido de video que no es inherentemente cinematográfica. Ya sea que estés filmando entrevistas corporativas de cabeza hablando, o trabajando en documentales, o rodando bodas, haciendo cualquier tipo de videografía, o incluso filmando un vlog o canal de YouTube, o incluso algo tan simple como haciendo videos para Snapchat o TikTok. Creo que tal vez hay una suposición ahí fuera de
que, ese tipo de contenido está separado del mundo de las películas y series de televisión y el cine, pero no estoy de acuerdo con esa premisa y creo que cualquier tipo de contenido de video tiene el potencial de utilizar técnicas cinematográficas con el fin elevar el lenguaje visual que se utiliza en él para contar su historia. He optado por estructurar esta clase alrededor de la iluminación y enmarcar una configuración de entrevista, y elijo esto porque creo que esta es una buena manera de demostrar todas las técnicas de las que vamos a hablar de una manera que sea aplicable a todos los diferentes tipos de contenidos por los que acabo de pasar. Mi esperanza es poder mostrarte cómo puedes tomar algo que empieza neutral,
aplicar técnicas cinematográficas, y elevado un lugar que se sienta imbuido de emoción y contexto. En entrevistas la configuración también tiene relativamente pocas variables, estamos hablando de un sujeto estático sentado en un lugar disparado desde una posición de cámara fija. Entonces a través de eso, somos capaces de enfocarnos realmente en
las técnicas de iluminación y encuadre y no tener que empantanarnos con ninguna otra variable que pudiera complicar eso. Vamos a iniciar esta clase con un poco de visión general de algunos conceptos teóricos de la narración visual y a partir de ahí, entraremos en el componente práctico de llegar al lugar, analizarlo y decidir hacia dónde vamos para configurar nuestra entrevista. El siguiente paso va a ser enmarcar nuestro sujeto y es en esa etapa que vamos a tomar nuestras decisiones sobre la colocación de la cámara, elección de
lentes y la relación entre todos esos, el sujeto y el fondo. Una vez que hayamos determinado nuestro marco, la siguiente capa va a ser iluminación y exposición. Los dos están interconectados y hablaremos de eso en esa clase. Pasaremos por algunos estilos diferentes de iluminación y mostraremos cómo las diferentes técnicas de iluminación realmente pueden cambiar el estado de ánimo y los contextos emocionales de tu imagen. Ya que estaremos filmando en un lugar práctico, también
nos vamos a centrar bastante en cómo usar y aprovechar la luz natural para crear tus imágenes. Las dos miradas principales diferentes que vamos a estar creando son una que es un poco más neutral y comercial,
y luego una que se describiría como más cinematográfica o malhumorada y a través del contraste de esos dos estilos, podrán demostrar todas las diferentes técnicas por las que vamos a pasar en esta clase. Esta clase está orientada a personas que ya están creando contenido en alguna capacidad y tienen una comprensión fundamental de la producción de video y una comprensión de conceptos básicos, estaremos usando equipos de nivel profesional, pero no dejes que eso te afectan en absoluto. Estas técnicas se pueden aplicar a cualquier equipo en el que ya estés disparando. Básicamente, te vamos a llevar justo al punto en el que estás presionando registro. Honestamente, la mayor parte del trabajo de un cinematógrafo se hace en ese punto. En realidad no vamos a hablar de grabación de sonido en esta clase, ni de edición ni de cualquier cosa que realmente suceda después de enmarcar, iluminar y dar forma a la imagen inicial. Mi esperanza es que al final de esta clase, puedas tomar las técnicas que discutimos y aplicarlas a tu propio trabajo y elevar las imágenes que creas a un nivel en el que tienes confianza y orgullo. Me emociona mucho ver cómo todos aplican estas técnicas a su propio trabajo. Entonces si estás siguiendo por la clase o ya la has tomado y has empezado a aplicar estas técnicas en tu contenido, muéstrame. Sube tus marcos a la galería de proyectos para que
todos podamos compartir y ver estas técnicas en acción. A continuación, vamos a empezar con una pequeña visión general de algunos elementos de la narración visual.
3. Planificación de tu proyecto: Antes de determinar el estilo visual, tengo que hacer algunas preguntas logísticas para poder determinar con qué estamos lidiando. Entonces la primera pregunta es, ¿quién es el tema que estamos filmando? ¿ De qué van a estar hablando? ¿ Cuál es el texto real del contenido que vamos a estar creando? La siguiente pregunta va a ser sobre la ubicación. ¿ Dónde estamos filmando esta entrevista? Qué elementos ya están en su lugar que puedo realzar o trabajar con
frente a qué elementos voy a tener traer para crear el look visual que quiero. Otra pregunta que tengo que hacer es, ¿cuál es el presupuesto? ¿ A qué tenemos acceso en cuanto a equipamiento? ¿ A qué tipo de lentes voy a poder tener acceso? ¿ Qué tipo de luces? ¿ Voy a poder conseguir una variedad, o tengo que quedarme con algo más mínimo y dar forma la luz natural
en contraposición a que puedas traer unidades de iluminación adicionales para realmente crear un look? Tener un presupuesto bajo no limita realmente las elecciones estilísticas que puedes tomar. En realidad es solo para poder estar al tanto de qué piezas específicas de equipo podrás tener acceso. Todas las técnicas de las que vamos a estar hablando en esta clase son alcanzables en cualquier nivel presupuestario, y con cualquier tipo de equipo. Después de haber pasado por estas preguntas básicas, entonces es trabajo del director de fotografía hacer realmente la pregunta final que es, ¿cuál es el estilo general que quiero imbuir a este rodaje? Hay un cierto proceso de pensamiento por el que paso
para determinar cuál quiero que sea ese estilo. Ese proceso de pensamiento es algo que deriva directamente del contenido que estoy disparando, y qué estacas emocionales quiero o bien elevar
o resaltar a la hora de crear las imágenes que acompaña al sujeto. Por ejemplo, se puede ver que las imágenes de este documental que filmé son bastante neutras. El documental trata de un tema muy sencillo. Estas entrevistas son todas con expertos o individuos que están presentando información más directa, fáctica sobre el tema del documental. Por lo que se puede ver que el estilo de iluminación en estas entrevistas es bastante neutral, y a esto me referiría como el look más comercial. En este proyecto, por otro lado, estábamos entrevistando a un sujeto que hablaba de la búsqueda de la perfección, y queríamos imbuir el estilo visual de la pieza con una cualidad estética que reflejara el contenido de lo que era de hablar. Es por eso que elegimos este tipo de look moody o más cinematográfico para esta entrevista porque pensamos que el alto contraste y precisión en las imágenes, además de usar blanco y negro, realmente ayudaron a demostrar los temas que hablaba de lograr en la entrevista. Para este proyecto, donde entrevistamos al elenco y al equipo de la película Glass, realmente solo queríamos imbuir a las imágenes con un estilo visual que remontaba a la propia película. Por lo que se
aplicaron diversas técnicas cinematográficas y una mirada más malhumorada y cinematográfica con
el fin de atar el estilo visual de estas entrevistas con el de la propia película. Una vez que tienes una idea de qué estilo visual crees que es apropiado para un proyecto en tu cabeza, el siguiente paso es realmente comunicar esas ideas con el resto de tu equipo. Ya sea que estés trabajando con un director o con un cliente, quieres compartir estas ideas y metas para que todo el mundo se meta en la misma página, y entras en tu proyecto con una idea realmente sólida de lo que vas a crear, cómo va a mira, y por qué lo estás haciendo de esa manera. A veces la idea de la persona ganada de humor o cinematográfico es diferente de la idea de otra persona, y compartir imágenes de referencia de proyectos preexistentes es una gran manera de simplemente entrar en la misma página, y asegurarse de que su visiones que están alineadas. Entonces esos son solo algunos ejemplos de cómo y por qué tomé ciertas decisiones sobre qué técnicas visuales y estética aplicar a diferentes proyectos. No quiero que nadie se aleje de esta clase pensando que hay una forma correcta o correcta de iluminar y entrevistar de una manera u otra, mi esperanza es realmente más de solo demostrar una variedad de técnicas, pero te animo a realmente sal ahí fuera y experimenta por tu cuenta, mezcla y combina. En ocasiones podría querer usar intencionalmente cierta estética para resaltar un contraste entre la materia y el estilo visual. A veces es posible que quieras simplemente mezclar las cosas y cambiar las cosas un poco. Realmente no hay forma correcta, o una forma de hacerlo, creo que todo va y el componente clave escuchar es simplemente divertirse y ser creativo. A continuación, vamos a hablar de equipos.
4. Equipo esencial: Estas técnicas realmente se pueden aplicar a cualquier nivel de equipo de prosumer o de grado profesional. Hay un cierto umbral de equipos al que estas técnicas no serían aplicables. Vamos a estar discutiendo el uso de diversas longitudes focales. Para poder aplicar esas técnicas, vas a necesitar asegurarte de que en el mismo nivel base, tengas una cámara que tenga lentes intercambiables, ya sea una DSLR o una cámara sin espejo, o un video a nivel prosumer cámara. De cualquier manera, siempre y cuando la cámara tenga una montura de lente donde los lentes se pueden cambiar dentro y fuera, estás bien. Para los efectos de esta clase, estaremos utilizando un Sony FS7 con un lente zoom Fuji 18-55 milímetros. Las lentes de zoom frente a las lentes primos son una distinción importante para hacer aquí. Estamos utilizando una lente de zoom para los propósitos de esta clase, solo con el fin de demostrar rápidamente diferentes efectos de las longitudes focales. Pero las técnicas reales que estaremos discutiendo se pueden aplicar a lentes primos o lentes de zoom. Por el lado de la iluminación, vamos a estar utilizando una variedad de luces
LED con el fin de lograr los diferentes looks. Para poder seguir junto con esto, necesitarás acceder a un mínimo de tres tipos diferentes de luces. No todos tienen que ser iluminación a nivel profesional o personal. Algunos elementos pueden utilizar luces que podrías tener simplemente tiradas alrededor de tu casa o ubicación como lámparas, bombillas, linternas, ventanas, luces de trabajo, cualquier cosa en absoluto. Aquí los lugares importantes para llevar son la colocación, la conformación y el control de la luz en contraposición a las propias unidades de iluminación. Voy a asumir una comprensión básica de la iluminación de tres puntos. Si no estás familiarizado con ese concepto, habrá un enlace en los recursos de la clase. También estaremos filmando nuestra entrevista demo con el uso de un trípode. Esto no es necesario. Estas técnicas se pueden aplicar a cualquier tipo de movimiento de cámara, ya sea que estés disparando algo que sea un poco más de mano o pistola de correr, o una entrevista formal para sentarse. De cualquier manera, no dejes que el trípode te haga subir. Esos son realmente lo esencial que vas a necesitar para seguir adelante. Vamos a estar usando algunas otras piezas de equipo que quizás
sean un poco más del lado profesional. No necesitas ninguno de estos para poder crear
estas técnicas pero voy a pasar por ellas de todos modos a medida que lleguemos a ellas, y habrá una lista completa de equipos en los recursos de clase. Entonces si estás siguiendo, agarra cualquier equipo que tengas y vamos a
saltar a la siguiente porción de la clase en ubicación.
5. Evaluar la locación: Entonces estamos aquí en nuestra ubicación. Skillshare encontró este lugar para nosotros. Es una ubicación bastante típica de la ciudad de Nueva York. Todavía no he estado aquí, así que vamos a entrar por primera vez y voy a ir por la lista de cheques que pasaría al llegar a un lugar para un rodaje. Si tienes la oportunidad de explorar tu ubicación antes de tu sesión, esto es algo que puede ser realmente útil. Básicamente, te permite guardar el proceso por el que estoy a punto pasar en este momento por un tiempo antes de tus brotes, que cuando realmente llegues el día, ya
hayas pasado por mucho de la lista mental que estoy a punto de pasar ahora mismo. Si no tienes la oportunidad de explorar tus ubicaciones de antemano, como si aún no hubiera tenido la oportunidad de ver el espacio, es bueno tratar de llegar a tu ubicación probablemente unas 3-4 horas antes de tu sesión programada, solo para asegurarte de tener tiempo para pasar por todo, tomar las decisiones que necesitas tomar, configurar tu equipo, y luego, asegurarte de que estás listo para ir a tu sesión real. Esto es por aquí, así que veamos qué tenemos. Por lo que aquí estamos en nuestra ubicación y se ve realmente bonito. Mucha luz natural que ya puedo ver. Entonces lo primero que voy a hacer es sólo tratar de neutralizar la iluminación aquí tanto
como sea posible para bajarla a sólo la luz natural que está entrando por las ventanas. Entonces esto nos inicia en una posición neutra, naturalmente iluminada que sólo nos está dando lo que la habitación misma está brindando. Por lo que se ve bastante bien. Muchas ventanas grandes, luz natural, todo
esto es bueno que va a entrar en juego mientras tratamos de averiguar dónde configurar nuestra configuración de entrevistas real. Entonces ese va a ser el siguiente paso ahora, es explorar el espacio y averiguar dónde quieres configurar tu tiro y marco reales. Esta es una decisión bastante grande y algo que vale la pena tomarse tiempo haciendo y explorando. Entonces para hacerlo, voy a estar usando una app de visor llamada Artemis. He presintonizado esta app con la configuración de cámara y lente que vamos a estar filmando hoy. Entonces lo que puedo hacer es simplemente escoger una distancia focal genérica, algo bastante amplio, solo para que realmente pueda ver el espacio, y luego solo voy a empezar a caminar y a mirar algunas opciones diferentes de dónde configurar realmente nuestro marco. Entonces esta es la pared en blanco, estos son los malos ángulos. Entonces esto realmente no va a funcionar para nosotros. Es decir, incluso tratando de caminar por aquí todavía, esto es un potencial, pero el fondo sigue siendo bastante plano con esta pared blanca apenas llenando nuestro marco. Entonces en lugar de eso, me voy a centrar en encontrar un ángulo que funcione con este rincón de la habitación, sólo porque estas ventanas realmente van a ser lo que agrega mucha profundidad y fondo a esta toma. Entonces esta ventana aquí es decente, pero este edificio al otro lado del camino no es tan agradable. Estoy pensando que el ángulo final probablemente esté en algún lugar por aquí. Ahora de nuevo, realmente no hay forma correcta o incorrecta de hacer esto, esto realmente se trata más de la intuición y simplemente de confiar tus propios valores estéticos y en tu instinto para encontrar qué marco crees que es solo el más estéticamente agradable. Para mí, estoy empezando a aterrizar en un lugar como este donde básicamente estoy alineado con la pared trasera, pero estoy consiguiendo un pequeño pico de ventana en el lado derecho del marco justo por aquí también, y creo que al ver eso esquina agrega mucho volumen y profundidad a la habitación. Estoy pensando que vamos a terminar montando nuestro marco más o menos por aquí. Otra cosa que debemos mirar es la electricidad y disponibilidad de energía en el espacio ya que vamos a estar instalando luces, queremos asegurarnos de que podamos alimentar todo. Entonces una cosa que quieres hacer es simplemente hacer un resbalón rápido de la habitación y buscar las tomas de corriente. Veo que este espacio en realidad tiene bastantes. Hay uno aquí abajo, hay uno por aquí que va a estar en marco basado en el marco que dispersamos. Entonces probablemente voy a evitar esa. Aquí hay otra toma de corriente, así que hay bastantes opciones. Por lo que este espacio está bastante bien alimentado. No nos vamos a tropezar con ningún problema con el funcionamiento de la
electricidad desde otro espacio ni nada. Por lo que después de caminar por el espacio y encontrar nuestro marco, el siguiente paso es instalarlo en nuestra cámara real.
6. Decorar el espacio: Ahora que hemos decidido dónde vamos a configurar nuestro marco, en realidad
necesitamos hacerlo, y colocar nuestra cámara en esa posición,
yempezar a y colocar nuestra cámara en esa posición,
y decidir nuestra distancia focal y colocación de la cámara, fin de realmente poner nuestro marco en sus pies. Esta cámara se coloca de una manera que
describiríamos como acababa de caer del camión. Lo que eso significa es, que acaba de colocarse donde nos fijamos en nuestra lección anterior, pero no he tomado ninguna decisión sobre la distancia focal real, el tamaño, la altura, o cualquier colocación específica de la cámara. Acabamos de ponerlo aquí abajo para empezar a subir un fotograma, y ver qué tenemos que hacer a partir de ahí para conseguir nuestro conjunto de imágenes final. Entonces lo primero que voy a hacer es empezar a montar y diseñar básicamente un poco de la colocación de muebles y lo que se conoce como puesta en escena, que se refiere a la colocación de los objetos frente a la lente, ya que nosotros empezar a construir nuestra imagen. Entonces nuestra pregunta principal primero es, ¿dónde se va a sentar nuestro sujeto de entrevista? Van a necesitar una silla o algún tipo de objeto en el que sentarse, con el fin de estar cómodos durante toda la entrevista. La otra cosa que voy a hacer es empezar a mirar apoyos y objetos de fondo, y sólo tratar de arreglarlos de una manera que se sienta un poco más estéticamente agradable. Hay un par de banderas rojas en esta imagen que ya me sobresalen, que quiero abordar. No me gustan los altavoces en la esquina ni estas sillas azules, el palo contra la pared, me voy a mover, y luego la otra pieza que no me gusta aquí es el aire acondicionado en la ventana. Entonces como eso va a ser un poco más difícil de mover, realidad
vamos a usar sólo algunos de estos apoyos para ocultarlo, que
podamos asegurarnos de que en nuestra imagen final vamos a poder enfocarnos en nuestro tema sin conseguir distraído por cualquier objeto feos en el fondo. Entonces, antes de hacer otra cosa, voy a simplemente mover algunas de estas cosas alrededor y poner nuestro marco en un lugar que se sienta un poco más estéticamente agradable. Entonces lo primero que voy a hacer es solo seleccionar una de estas sillas y áspera en, sobre donde creo que va a terminar la entrevista, y luego Lucas por qué no agarras estas sillas azules y simplemente podemos despejarlas, y luego nosotros agarraré esa estatua también. Ahora que eso ha estado vacío, solo
voy a ajustar un poco algunas de estas cosas. En realidad me gusta bastante este mobiliario, así que lo vamos a dejar como fondo, pero sólo voy a mover algunas cosas desde que quitamos esta silla,
esto ya no se siente relevante, probablemente mueva esta mesa como bueno, y luego así el aire acondicionado, voy a ver si sólo mover esto hace lo que quiero. Entonces como estás haciendo estos cambios, solo
quiero volver a tu cámara y comprobarlo. El lado derecho del marco se siente un poco vacío para mí. Entonces lo que creo que voy a hacer es mover en realidad toda
la sala de estar configurada hacia esa zona. Me di cuenta de que algunos de ustedes pueden estar trabajando en solitario, eso está totalmente bien. Solo tengo una mano de ayuda solo para mover un poco el proceso, y asegurarme de que pueda enfocarme en enseñar la lección. Este proceso no es para nada científico, puramente estético, no hay forma correcta o incorrecta de arreglar una habitación. Literalmente, sólo mirando el monitor y juzgando por gusto lo que se siente equilibrado e parejo, y asegurándose de que no haya nada en la imagen que sea súper distrayente o destaque. Entonces ahora es el momento de traer a nuestro tema de entrevista, y empezar a tomar las decisiones de dónde colocar realmente nuestra cámara.
7. Colocar la cámara: Las opciones por las que vamos a estar pasando en este momento están
descubriendo nuestra distancia focal y nuestra altura de la cámara. Básicamente, decidir cuál es la relación con la colocación de la cámara versus dónde va a estar sentado el sujeto. Este es Denali. Gracias por acompañarnos hoy. Denali se va a sentar y modelar como sujeto de nuestra entrevista. Entonces, ¿por qué no te sientas aquí,
y voy a empezar a mover la cámara y empezar a tomar nuestras decisiones de encuadre. La decisión principal que vas a estar tomando al enmarcar un tiro como este es,
¿cuál es el tamaño de nuestro cuadro y cómo realmente estamos enmarcando a nuestros sujetos? ¿ Vamos a estar en un tiro medio, un primer plano, o algo un poco más amplio? Por lo general, para una entrevista sentada como esta, voy a por defecto a algo medio. No quiero estar demasiado lejos del tema, pero tampoco quiero estar demasiado apretado de un primer plano porque podría perder algún lenguaje corporal o algo así. Dicho esto, hay un montón de ejemplos de entrevistas que se
han montado que se enmarcan
como una amplia, como hemos montado así. Es sólo algo un poco diferente y un poco más audaz, lo cual es genial si quieres hacer eso, y funciona para esa película. Pero vamos a ir por algo un poco más neutro para éste. El primero que quiero hacer demo con relación al tamaño del cuadro es elegir nuestra distancia focal. Por lo que enmarcar a un sujeto con una lente gran angular versus más de un medio neutro o lente teleobjetivo va a afectar
significativamente cómo se renderiza su cara en pantalla, y la forma en que su cara se renderiza pantalla afecta cómo nosotros el público percibimos ese tema. Entonces lo primero que voy a hacer es asegurarme de que mi lente esté ajustada a la distancia focal más ancha, que en este lente es de 18 milímetros, y luego voy a seguir adelante y enmarcar un tiro medio de nuestro sujeto con el 18 milímetros. Entonces vamos a ver cómo se ve eso. Genial. Entonces he encerrado la cámara en un poquito. Se puede ver cómo enmarcar un medio en una lente gran angular cambia bastante
la dinámica entre usted y el sujeto de la entrevista. La cámara y yo, lo [inaudible], bastante cerca del tema. Se puede ver bastante del fondo. La cámara siente que tiene una cercanía con el tema como, nosotros el público estamos realmente en el espacio con ella. Hay un sentido de intimidad que se crea con esto. Algo a tener en cuenta si estás optando por enmarcar este cierre es por la proximidad entre la cámara y tu sujeto, sí
necesitas asegurarte de que tu sujeto de entrevista se sienta cómodo con la cámara estando así de cerca. Si estás filmando Vlog o algún contenido que involucre ya sea a ti mismo o a alguien que sabes que es cómodo alrededor de cámaras y equipos, esto no debería ser un problema. Pero si estás disparando a una persona real que tal vez no está acostumbrada a estar en cámara, esto a veces puede hacer que una persona se sienta un poco incómoda. Así que solo asegúrate de que has comunicado tus metas con el sujeto de tu entrevista y que todos estén en la misma página sobre dónde está todo en relación entre sí. Entonces ese es un tiro medio de gran angular. Entonces ahora, voy a dar respaldo a la cámara y vamos a enmarcar el mismo tamaño de fotograma, pero en una lente más ajustada sólo para enfatizar las diferencias entre ambos. Entonces este es el mismo encuadre que teníamos antes, excepto que esta vez estamos en una lente de 55 milímetros en nuestro zoom. Por lo que el tamaño del cuadro es el mismo que nuestro 18 milímetro, pero al disparar con el 55 milímetro, que es realmente más de una lente neutra a teleobjetivo, se
puede ver cuánto cambia la dinámica entre el sujeto, el cámara, y el fondo. Esto es algo que se siente mucho más, tal vez removido, un poco más clínico, poco más limpio y ordenado, y neutral. El trasfondo está más fuera de foco. Entonces tenemos menor profundidad de campo porque estamos disparando en una distancia focal más estrecha, y también vemos menos del fondo porque una distancia focal más estrecha el ángulo de visión que el lente es capaz de capturar. Otra cosa que harán lentes más ajustadas es, comprimirán el sentido de percepción de profundidad. Entonces si comparas este marco con el marco de 18 milímetros, en el marco de 18 milímetros, podrías sentir una distancia mucho mayor entre el sujeto y el fondo. Entonces lo que eso hace es realmente crear un sentido más exagerado de profundidad y contrastes entre primer plano y fondo con tu encuadre. Cincuenta milímetro y más, el efecto que vas a conseguir con percepción de fondo es la distancia entre tu sujeto y tu fondo se va a sentir más comprimida. Para los efectos de esta demostración, voy a elegir una distancia focal que esté más o menos entre estos dos extremos. Por lo que voy a aterrizar en 35 milímetros de distancia focal. Quiero algo más ancho que esta distancia focal para que pueda ver un poco más del espacio. Pero no necesariamente quiero el completo en gran angular de proximidad que obtuvimos con 18 milímetros. Entonces desde nuestra posición de 55 milímetros, solo
voy a caminar un poco más cerca la cámara solo para compensar mi turno y distancia focal, y luego a partir de aquí, va a alejar nuestro objetivo y aterrizar sobre unos 35 milímetro. Entonces ahora, apenas nivelando la cabeza del trípode, ajustando nuestra sartén e inclinación aquí hasta que encuentre el marco que queremos.
8. Encuadrar al sujeto: Una de las próximas cosas que vamos a tener que determinar es cuál es el ojo para nuestro tema. Una opción es simplemente hacer que Denali mire directamente a la cámara. Si tengo a mi sujeto mirando directo a cámara, probablemente
voy a elegir enmarcarlo centrado, así, solo para darle una sensación de equilibrio. Ahora bien, si tengo un entrevistador que está sentado junto a la cámara, ojo de
Denali va a estar justo a un lado. Si ese es el caso, lo que voy a hacer en realidad es enmarcar esta toma, así. Esto tiende a abrir la línea del ojo y simplemente crear una imagen que se siente un
poco más abierta y equilibrada cuando la línea del ojo de tu sujeto está mirando hacia un lado. Esta composición se basa en el principio de la regla de los tercios. Tengo a Denali enmarcado en nuestra tercera vertical izquierda. Si no estás familiarizado con este concepto, tendremos un enlace a alguna información más en los Recursos de Clase. Una cosa que veo bastante en las entrevistas es un poco demasiado espacio para la cabeza. Esto puede incluso ser algo bastante sutil y no hay nada intrínsecamente malo en ello. Simplemente, para mí personalmente, se siente un poco desequilibrada. Otra cosa que sucede a menudo es, podrías enmarcar a tu sujeto con poco margen de cabeza, lo cual de nuevo no está mal, pero solo hay algo que se siente un poco desequilibrado de tener la cara de tu sujeto esta cerca de la parte superior del marco. Entonces solo voy a aterrizar en algún lugar justo en el medio, para que la parte superior de mi marco esté justo encima de la parte superior de su cabello, sin darle demasiado espacio de una manera a la otra. Estoy bastante contento con este marco, pero sí solo quería demostrar otra cosa que realmente podría cambiar la dinámica de tu imagen y esa es la altura de la lente. Entonces en este momento tengo mi lente básicamente ajustada de manera uniforme con el ojo de Denali, pero solo para demostrar cómo esto puede repercutir en la imagen, voy a seguir adelante y pegarme en la cámara y mostrarte cómo se ve desde un ángulo más alto. Convencionalmente, esto se utiliza en el cine para transmitir una posición de poder sobre algo o un personaje que se siente débil. Esto no es normalmente algo que quisiéramos hacer en una configuración de entrevistas, pero solo para que sepas cómo se usa esta técnica en el cine,
esa es una forma en que se implementa. Por lo que ahora demostremos un tiro de ángulo bajo sobre el personaje. Lo que un disparo de ángulo bajo tiende a hacer es crear una sensación de poder o control en tu sujeto, hace que tu sujeto se sienta grande y encuadre, confiado, poderoso, creando un ángulo que le tenga un poco más de una energía dinámica,
a diferencia de a una cabeza neutral en ángulo. Entonces eso es solo para demostrar cómo puedes usar diferentes ángulos. Vamos a volver a un ángulo más neutral, sólo por el bien de esta manifestación. Por lo que nos hemos asentado en nuestro ángulo neutral. Tiendo a colocar la lente ligeramente por encima de la línea del ojo del sujeto. Esto tiende a darle a tu sujeto un ángulo un poco más halagador al tiempo que mantiene una sensación de neutralidad para la composición general. Por lo que estoy bastante contento con este marco y ahora podemos pasar a
la siguiente etapa que está sumando en nuestra iluminación.
9. Ajustes iniciales de la cámara: Dos cosas más que necesitamos poner en nuestra cámara antes de empezar a traer nuestra iluminación son nuestra exposición y nuestro balance de blancos. El ajuste del balance de blancos en la cámara básicamente está dejando
saber a la cámara en qué ambiente de luz de temperatura de color está grabando. El balance de blancos, como todo lo demás, es una elección creativa que podemos estar haciendo. Obviamente, diferentes balanzas blancas afectarán la imagen y el estado de ánimo que crea y las emociones que podría suscitar en tu audiencia. este momento, tengo la cámara puesta en 3,200 Kelvin, que es un balance de blancos más cercano a la temperatura de color de la luz de tungsteno. Debido a que esta ubicación está completamente iluminada con luz natural en este momento, esa luz diurna, que corre a una temperatura de color mucho más fría, está leyendo como muy azul en el monitor. Esto obviamente crea una imagen que se siente mucho más melancolía o oscura, malhumorada, sombría, emocional, sombría. Hay muchas emociones diferentes que puedes asignar a este tipo de look y esto podría ser algo que estás buscando. Para los efectos de este rodaje, voy a seguir adelante y fijar nuestro saldo de blancos a 5 mil 500 Kelvin. Esto está bastante cerca del balance de blancos de la luz natural del día que hay aquí. Por lo que como resultado, la imagen en nuestro monitor se ve bastante neutral. Podemos ver sus tonos de piel y fondo tienden a coincidir con lo que se ven en la realidad, porque nuestras cámaras configuradas para que coincida con el balance de blancos de la luz que está en el espacio escriben ahora. Lo siguiente que vamos a establecer es la apertura de nuestra lente. Esto va a afectar un par de cosas, primer lugar la exposición. Voy a meterme un poco más en la exposición en la demostración de iluminación, pero por ahora, centrémonos también en el otro elemento que ajustará el f-stop, que es la profundidad de campo. Tan sólo para demostrar cómo los f-stop van a afectar nuestra profundidad de campo, voy a seguir adelante e impulsar el ISO en esta cámara, luego empezar a detener la lente a cerca de un cinco, seis. Entonces en este momento se puede ver esta imagen es
más o menos la misma exposición que nuestra imagen anterior, he potenciado el ISO, que añade un poco de grano a la imagen. Tiendo a disparar entrevistas en una apertura abierta más amplia. Esto específicamente con el fin de evitar este escenario donde el fondo está quitando la atención del primer plano. Entonces lo que voy a seguir adelante y hacer es bajar nuestro ISO y luego abrir nuestra lente hasta un 2.9. Lo que se puede ver esto hace es arrojar nuestros antecedentes fuera de foco y asegurarse de que nuestra atención esté en nuestro tema en primer plano. Una de las herramientas que vas a querer usar para controlar tu f-stop son los filtros ND. Esta cámara cuenta con filtros ND internos integrados. Yo puedo recorrer por aquí y ustedes pueden ver como los quito, cuánta más luz está viendo esta cámara frente a lo que realmente estoy grabando. Entonces vamos a seguir adelante y a añadir eso de nuevo. Con cámaras que no tienen ND internos, lo que vas a querer usar nuestros
ND de filtro de vidrio que puedes colocar frente a tu lente. En las lentes de fotografía fija, esas tienden a atornillar en la parte delantera, y en las lentes de cine como la que estamos usando aquí, esos ND de filtro de vidrio simplemente van a ir justo al Mapbox. Una herramienta de exposición a la que quiero presentarnos antes de sumergirnos en la demostración de iluminación es la principal forma en que voy a estar juzgando la exposición mientras continuamos con esta clase, y esa va a ser la Herramienta False Color. False color es una herramienta interna de monitoreo de exposición que se puede encontrar a veces integrada en ciertos modelos de cámara o en ciertos monitores. El color falso que hace es básicamente toma una muestra de toda
la imagen y mapea diferentes regiones de la imagen a la escala IRE. Siendo la escala IRE la escala que juzga la exposición de una imagen digital de cero, significa negro completo, a 100, lo que significa blanco completo. Los valores que vamos a estar viendo aquí en esta imagen son, podemos ver mucho azul,
que como podemos ver en la escala de exposición, está básicamente justo por encima de la subexposición completa. Otro color que vemos mucho aquí es el verde. El verde está aterrizando alrededor de 40 IRE, que es básicamente donde vamos a querer valores precisos para aterrizar. Entonces volveremos a eso cuando metamos nuestra iluminación. Pero por ahora, solo quiero cambiar las cosas solo para mostrarte cómo es la sobreexposición. Entonces voy a seguir adelante y quitar nuestra filtración ND de la cámara, o vas a ver cómo se ve eso. Entonces así es como se ve nuestra imagen sin filtración de ND y podemos ver que tenemos muchas regiones de este marco que son de blanco caliente. Esto es lo que nos referimos como soplado, lo que significa que estamos perdiendo información. Si cambiamos al falso color, podemos ver eso en acción. Por lo que todas estas áreas blancas brillantes del marco están leyendo en rojo, lo que como nos muestra la escala, significa que estamos golpeando el sellado de los niveles 100 de IRE, lo que significa que en realidad estamos perdiendo toda esta información y no grabándola. Entonces lo principal que miro cuando estoy mirando el color falso es asegurarme de que no haya ningún rojo en mi imagen. Eso me da la confianza de saber que la cámara
realmente está grabando toda la información ahí dentro, y que voy a tener la flexibilidad en posproducción para tal vez mover algunos valores en el grado de color aquí y allá si Necesito hacerlo. Entonces voy a seguir adelante y volver
a añadir esos filtros ND y podemos empezar a ver que desaparece ese rojo. Genial. Aquí es donde dejamos las cosas apagadas, volviendo a la vista normal. Ahora podemos pasar al siguiente paso, que es sumar en nuestra iluminación y esas herramientas de exposición van a
volver a entrar en juego una vez que nuestras luces golpeen el campo.
10. Establecer la luz principal: Ahora que hemos establecido nuestro marco y ajustes, es hora de empezar a iluminar. Entonces vamos a empezar centrándonos en nuestra luz clave, que va a ser la luz principal que está proporcionando la iluminación para nuestro sujeto. Vamos a hacer demo un par de versiones diferentes de una luz clave solo para mostrar unas cuantas miradas diferentes, hasta que aterricemos en un par de diferentes con las que voy a
empezar a pegarme a medida que nos movemos por el resto de la demo. Entonces lo primero es lo primero, vamos a montar una luz de llave dura. Para ello, vamos a utilizar esta apertura 120D. Esta es una luz LED dura. Sólo asegúrate de que todo esto esté remendado, lo
alinearemos con nuestro actor, entonces solo voy a
aterrizar preventivamente por aquí y luego vamos a seguir adelante y ponerlo en marcha. Entonces al iluminar, lo primero que vamos a hacer es
asegurarnos de que mi luz esté en su máxima salida. Por lo que me he asegurado de que el atenuador aquí esté fijado al 100 por ciento. Ahora, voy a caminar de regreso a monitorear aquí y empezar a ver qué ha hecho esto. Lo que podemos ver con esta iluminación es que la luz dura crea algunas sombras muy duras. Nuevamente, esta podría ser una elección creativa que vas a estar haciendo. En cuanto a la exposición, una vez que tenga mi juego de luces, solo
voy a deslizar de nuevo hacia nuestro color falso y ver dónde estoy aterrizando. Entonces puedo ver que mi luz clave aquí está empezando a leer un poco de verde, que es exactamente lo que quiero. Quiero que esa luz clave se siente alrededor de 40 IRE, y de nuevo, no
hay forma correcta o incorrecta de exponer esta imagen, solo uso esto como punto de referencia a mi nivel de gusto personal. Acabo de encontrar con el tiempo que tiendo a gustarme iluminar a esta relación, pero al final del día, la elección es tuya. Entonces así es como se va a ver una luz dura. Algo que puedo hacer para mejorar el look duro es elevar un poco el ángulo de la luz. Entonces vamos a seguir adelante y ponernos arriba en eso, y sólo hará que el ángulo de la luz
al bajar a la cara de Denali sea un poco más halagador. En realidad también puedo ver la luz en la reflexión de fondo. Entonces vamos a seguir aguantando hasta que eso esté fuera de marco. Perfecto. Entonces tal vez usaría esto si mi tema es algo muy dramático o misterioso, si tengo a alguien hablando de un misterio, o de una investigación, o algo así. Creo que esta es una mirada que ves en un montón de verdaderos documentales de crimen y cosas así. Una vez que hayamos visto esto, voy a seguir adelante y apagar esta luz y vamos a cambiar a nuestra luz de llave suave, que va a ser algo un poco más en el rango de lo que personalmente busco aquí . Lo que he hecho es cambiar la luz clave por un LiteMat 4 que es una luz LED suave. Básicamente, la forma en que funciona es esencialmente sólo una matriz de diodos LED. Aquí se pueden ver las luces individuales. Cuando estas luces se juntan todas debajo de este material de difusión, terminan creando esta agradable, incluso suave exposición que sale de esto. Una vez que tenga mi configuración de luz clave, el siguiente paso es determinar dónde quiero colocarla. El ángulo de la luz va a afectar el estado de ánimo que inflige sobre la escena y la forma en que percibimos y conectamos con nuestro sujeto emocionalmente. Entonces ahora mismo, he aterrizado en este ángulo de 45 grados. Voy a volver a esto pero primero, llevemos la luz a un lado para que quede perfectamente paralela con Denali. Sigue adelante, sigue adelante. Perfecto, y luego simplemente angularlo lejos de la ventana para que aún pueda ver el reflejo de la ventana. Entonces sólo voy a angularlo para que no lo veamos más. Perfecto. En realidad divide la diferencia ahí, angularla un poco solo para que esté más en ella. Genial. Ahora mismo que la luz viene directamente del lado de Denali y podemos ver que esto está creando una mirada bastante dramática. La calidad de la luz sigue siendo agradable y suave. Hay un gran decaimiento desde el lado claro hasta el lado oscuro. Entonces eso es realmente una diferencia entre la luz suave y la luz dura que degradamos antes es la transición de la luz a la oscuridad es mucho más agradable, mucho más suave, y mucho más suave en la cara, que termina creando algo que se siente un poco más neutral, un poco más acogedor. Pero en cuanto a colocación, nuestra luz está un poco apagada a un lado. Lo que eso hace, es que el lado oscuro de la cara sea bastante contrastia. Vamos a seguir moviendo nuestra luz clave y lo que estoy buscando ahora es algo llamado el triángulo de Rembrandt. Entonces esta es una buena pauta para ayudarte a encontrar una colocación para tu luz clave, que sea realmente neutra, pero también muy estéticamente agradable y crea un decaimiento realmente agradable de la luz, algo que uso bastante para encontrar un colocación específica para mi luz clave. Entonces lo que vamos a hacer es empezar a traer esa luz alrededor, y lo que busco es un triángulo de luz para formarse debajo del ojo izquierdo. Entonces eso es todo ahí mismo. Ahora vamos a caminar eso en un poquito solo para la exposición y luego paseemos un poco a la izquierda. Entonces otra vez, lo que estoy vigilando por aquí es esta pequeña área de aquí. Es el triángulo debajo del ojo izquierdo. Entonces eso me queda muy bien. Adelante y balanceemos esa lámpara un poco a la derecha sólo para que esté perfectamente frente a ella. Excelente, genial. Simplemente voy a deslizar hacia mi color falso y ver dónde estamos aterrizando. Entonces esto es leer un poco debajo de donde quiero que viva. Yo sí quiero ver un poco más verde aquí, así que empecemos a caminar eso en un poquito. Genial, eso es bastante bueno. Ahora bien, esto podría ser algo muy viable para un look de entrevista corporativa o comercial más tradicional, pero lo que quiero demo ahora es algo un poco más natural y un poco más moodioso, y la forma en que van a lograr eso es simplemente ablandando aún más la luz. La suavidad de la luz es realmente un factor
del tamaño de tu fuente en relación a su distancia al sujeto. Básicamente, cuanto más grande sea la fuente y más cerca esté de tu sujeto, suave
será la luz que está en la cara de tu sujeto y más suave que se caiga. qué quieres pensar es, qué tan grande de una fuente de luz puedo conseguir envolvente y
envolvente alrededor de mi tema con el fin de crear la luz más suave posible. Entonces para hacer eso, vamos a usar algún material de difusión. Hay tantos tipos diferentes de difusión, pero en el set hoy tenemos lo que se llama muselina. Esta es mi pieza de difusión favorita. Se trata básicamente de un tejido grueso que apenas suaviza la luz con una calidad tan grande. Entonces lo que voy a hacer ahora es esencialmente colocar esto
frente a nuestra luz clave de una manera que no invada nuestro marco. Lo que eso va a hacer es básicamente ampliar el tamaño de nuestra fuente de luz y crear una luz mucho más suave sobre nuestro tema. Entonces acabamos de poner nuestra muselina. Hemos agregado nuestra capa de difusión entre nuestra luz y nuestro sujeto, se
puede ver lo que eso se hace es simplemente realmente suavizado la caída aquí entre el lado de la luz y el lado de la sombra del rostro de Denali. Aquí las sombras están apenas, apenas presentes. Solo hay una transición y gradiente realmente, realmente gradual de la luz a la oscuridad. Esencialmente, lo que está pasando aquí es que he hecho de esta fuente de luz real mucho, mucho más grande. Este marco de difusión es ahora la fuente de luz. Entonces la luz que está detrás del marco realmente no importa. Lo que importa es el tamaño de la propia fuente en relación con el tema. Entonces en este momento, tomamos una fuente que mide unos cuatro pies de ancho, que es el ancho del LiteMat, y lo hemos convertido en una fuente de luz de ocho pies de ancho por ocho pies de alto. Entonces esto para mí es lo que normalmente
busco cuando estoy iluminando en entrevistas configuradas así,
esto se siente muy naturalista y muy real, que son cualidades que normalmente busco cuando estoy iluminando una configuración como esta. Entonces el siguiente paso de aquí es que he colocado esta fuente. me gusta la calidad de la misma, pero puedo decir ya de mi ojo que no
me está dando suficiente salida y si me desliza hacia nuestro falso color, podemos ver que el lado clave aquí
no está realmente consiguiendo mucha exposición estamos consiguiendo subexposición a la ropa de Denali aquí. Quiero ver un poco más de textura aquí y quiero encontrar una manera de equilibrar
un poco nuestro primer plano y fondo para que podamos traer nuestros niveles de exposición y olvidado para que coincida con lo que tenemos pasando en segundo plano. Entonces ahora que nuestra luz clave se ha convertido en esta gran pieza de difusión, básicamente
puedo agregar más unidades detrás de ella con
el fin de aumentar la iluminación general que está saliendo del material de difusión y aterrizando sobre nuestro tema. Entonces lo que vamos a hacer ahora es agregar una luz adicional. Vamos a volver a nuestra apertura 120 que estábamos utilizando antes para demostrar la luz dura y simplemente
añadirla junto a nuestro LiteMat para duplicar la exposición de nuestra luz clave. Veamos cómo va esto. Genial. Para que pueda empezar a ver que donde me estaba poniendo mucho azul en las mangas aquí, estoy recuperando mucha de la información que me faltaba ahí. Entonces ahora mirando esta imagen aquí, esto a mi ojo se siente muy agradable y muy equilibrado. Creo que hemos terminado en un buen lugar donde tenemos un gran equilibrio entre primer plano y segundo plano. El posicionamiento y direccionalidad de nuestra luz clave es suave, naturalista, estéticamente agradable. El decaimiento y gradiente entre la luz y oscuridad se siente realmente agradable y natural y estamos en un buen lugar para ahora añadir en nuestra iluminación adicional con el fin de construir el resto de nuestro look.
11. Agregar la iluminación de relleno: Hemos terminado de configurar nuestra luz clave y estamos contentos con la colocación y calidad y brillo. Entonces ahora es el momento de mirar el resto de los elementos de nuestro marco, y ver si necesitamos agregar alguna iluminación adicional para poder cambiar la dinámica alrededor. Entonces este marco para mí es bastante agradable, es natural, pero el lado de sombra del rostro de Denali sí se cae bastante bruscamente en la oscuridad. Se puede ver en nuestro falso color, que estamos bordeando el borde de la subexposición en el lado de sombra de su rostro. Para contrarrestar esas sombras oscuras, necesitamos agregar lo que se conoce como luz de relleno o luz ambiental. El motivo por el que prefiero el término luz ambiental es que creo que a veces hay un concepto erróneo con el término luz de llenado, que esta luz es una unidad que necesita estar
golpeando a tu actor de la misma manera que es tu luz clave. En una gran cantidad de ajustes de iluminación de tres puntos que llenan la luz está configurada de esa manera. Pero encuentro que ese arreglo a veces también se encuentra como un poco demasiado ardiente, y que se puede sentir la direccionalidad y artificialidad de esa luz de llenado. Entonces la forma en que me gusta evitar eso es tratando la luz de relleno como más un nivel de luz ambiental que está levantando la luz general en toda la habitación en
contraposición a algo que específicamente está impactando a mi actor. Entonces un truco rápido que me gusta usar para elevar el nivel ambiental general de luz en una habitación, es brillando una luz directamente en el techo del espacio en el que estamos. Entonces vamos a traer
este panel de luz LED uno por uno y colocarlo justo a la izquierda de nuestro sujeto. Todo lo que va a hacer es simplemente levantar los niveles generales de sombra en Denali y elevar el nivel ambiental del espacio en su conjunto. Entonces vamos a acercarlo un poco más. Genial. Enfriar. Vamos a seguir adelante, [inaudible] fuera de él. Genial. Entonces esto es sin la luz de relleno y se
puede ver ahora que las sombras aquí un poco más duras, la caída es un poco más nítida, y con la luz encendida, se pueden ver esas sombras llenarse y la caída se vuelve un poco menos pronunciado, el rostro se vuelve un poco más lleno. La luz de llenado es algo que normalmente usaría en más de una configuración de iluminación comercial o neutra. Entonces voy a cambiar rápidamente nuestra luz clave de nuevo a eso sólo para demostrar el efecto general de ese look con y sin una luz de relleno. Lo que vamos a hacer para eso es simplemente abrir rápidamente la difusión y luego
volvamos a reponer el marco en la colchoneta de luz. Por lo que en nuestra configuración comercial neutral, la luz de relleno va a jugar un poco más importante, contrarrestando la salsa de nuestra luz clave. Adelante y apaguemos la luz de relleno desde aquí. puede ver que sin ella, nuestra luz clave aquí tiene una direccionalidad muy específica hacia ella, y la caída entre luz y sombra es bastante dura y rápida. Cuando volvemos a añadir la luz de relleno, a medida que se enciende, solo
puedes ver esas sombras poco a poco se llenan y esa caída se vuelve un poco menos pronunciada a medida que avanzamos. Es así como colocaría alguna luz de relleno en un look más neutro o comercial. Lo que quiero hacer ahora muy rápido es simplemente demostrar cómo se ve la luz de relleno directamente sobre el tema solo para mostrarte la diferencia entre los dos. Adelante y bajemos eso y lo apuntaremos a Denali. Puedes traerlo un poco de frontera, porque lo que estamos haciendo con esto es realmente llenando las sombras. Por lo que queremos asegurarnos de que pueda cavar todo el camino en el costado de su mejilla y asegurarnos de que llene todos esos. Ahora, con nuestra luz apuntada directamente a nuestro tema, podemos ver que a medida que empezamos a agregar relleno, se mete muy rápidamente en una gama de ser bastante notable. Incluso se puede ver el reflejo de ella en la parte superior de su frente y nariz, se
puede ver que crea una sombra adicional en el otro lado de su nariz que contrarresta la luz clave. Esta es una mirada que realmente trato de tender a evitar. Se siente muy antinatural y muy ardiente. Es por ello que tiendo a tomar un enfoque de mantener nuestra luz de relleno como más de un ambiente general en contraposición a algo dirigido directamente a nuestro tema. Aunque baje un poco los niveles, podemos terminar en una proporción que se siente un poco más natural, pero aún puedo ver una sombra adicional en el costado de su nariz que no me parece muy particularmente agradable. Para un look más moodioso, en realidad
tiendo a no usar ninguna luz de relleno en absoluto. De hecho, en algunos casos donde tengo mucha luz ambiental naturalmente en un espacio, usaré lo que se conoce como relleno negativo con el fin de realmente derribar niveles de luz
ambiental que podrían estar rebotando alrededor en algunas de las otras superficies en el espacio. Entonces voy a seguir adelante y demo tan rápido sólo para mostrarte lo que eso hace. Entonces para eso, sólo volvamos a volver a nuestra gran
luz clave de fuente suave y vamos a matar nuestra luz de relleno y traer el relleno negativo para contrarrestarlo. Los niveles ambientales aquí son bastante bajos, por lo que agregar esta pieza de equipo no va a cambiar demasiado nuestra imagen. Pero sí solo quiero demostrar cómo usar relleno
negativo solo para mostrar los usos del mismo y creo que podría afectar un poco la imagen. Entonces vamos a sacar eso. Traeremos este C-stand. Lo que vamos a añadir ahora es una Bandera de Floppy cuatro por cuatro. Nuevamente, esto es algo que puedes hacer con cualquier material sólido, es solo un tejido negro oscuro. Lo que está haciendo este relleno negativo
es, básicamente es derribar cualquier luz ambiental que esté rebotando fuera del techo o de la pared a la izquierda de nuestro sujeto. Al crearlo en este ángulo y asegúrate de que
no esté siendo golpeada por demasiada luz ambiental que viene de la parte superior, y la parte disquete está bajando cualquier luz ambiental que pudiera estar entrando por el costado. En este espacio específico y debido a que es un día nublado, nuestros niveles ambientales ya son bastante bajos. Pero si fuera un día mucho más brillante, soleado, podríamos tener mucha más luz rebotando por aquí por la habitación que quizá quisiéramos derribar para crear un poco más de contraste en su imagen. Yo sólo tiendo a sentir que eso se siente un poco más naturalista, un poco más cinematográfico, y ciertamente un poco más moodioso ya que realmente estás dejando los niveles de sombra de tu imagen existan en ese más oscuro, zona sombría, donde realmente estás perdiendo información, y eso está bien. Para una mirada de mal humor o cinematográfica en mi color falso, realidad
me gusta ver mucho azul porque eso me dice que mi imagen tiene mucho contraste en ella,
que mis áreas de sombra son realmente oscuras y a esos negros son ricos. Por lo que el elemento final de iluminación que vamos a tocar es la luz de fondo o la luz de borde.
12. Terminar con la luz de fondo: Ahora vamos a sumar el elemento final de nuestra iluminación, y eso va a ser una retroiluminación. Para un look comercial, o corporativo, o una entrevista documental, luz de fondo o la luz de pelo puede ser una manera realmente genial que tu sujeto salga del fondo de tu toma, crea separación entre primer plano y
fondo, atención sobre tu tema para asegurarte de que tus audiencias realmente se enfoquen en ellos, y solo agrega una capa de la espinilla estética a tu imagen que simplemente la eleva y la estiliza un poco. Por lo que estamos en nuestro look corporativo neutral comercial en este momento. Solo vamos a sumar en nuestra retroiluminación a esto solo para darle esa capa extra de pop. Para esto, estamos usando un tubo aislado, que es un pequeño tubo LED que funciona con batería. Algo que quiero mencionar es que realmente se puede usar cualquier tipo de unidad para una retroiluminación. Simplemente me gusta este por su pequeño tamaño y bajo perfil. Pero puedes usar cualquier tipo de unidad siempre y cuando puedas montarla de manera que
puedas colocarla detrás de tu sujeto para que el soporte en el que está montado no esté invadiendo tu marco. Entonces vamos a seguir adelante, y ponerlo en marcha, y lo vamos a subir hasta el 100 por ciento. Nuevamente, siempre queremos iniciar nuestra luz en su nivel más brillante, solo para que podamos ponerla a partir de ahí. Por lo que al 100 por ciento de brillo, podemos ver lo que la luz del cabello ya está agregando a nuestro marco aquí. Es solo crear una agradable separación entre nuestro sujeto y el fondo. En realidad voy a modificarlo un poco, creo que podría ser aún más brillante. Entonces sigamos adelante y solo caminemos más cerca de nuestro tema, y luego bajarlo en marco también, solo para que quede justo fuera de marco, y simplemente dándonos nuestra máxima luz para el cabello. Sigue bajando sigues fuera, y justo ahí está bien. Entonces, solo sigamos adelante y empecemos a caminar todo a la derecha. Entonces no se va a colocar exactamente detrás de ella, sino un poco fuera a un lado sólo para que empiece a agarrar el hombro. Entonces lo que esto está haciendo es crear un bonito contrapeso entre la luz clave y la retroiluminación. El retroiluminación no se coloca exactamente detrás de su cabeza, sino un poco fuera a la izquierda, solo para que atrapa aquí el borde del hombro y el cabello también, creando esta agradable sensación de profundidad y separación. Tan sólo para demostrar lo que eso parece sin, vamos a seguir adelante y apagarlo. Entonces eso es sin, y luego volvamos a encenderlo solo para que veamos qué está agregando. Perfecto. Para que veas cómo eso atrapa el hombro, la luz del cabello, y recoge un poco de la silla en la que también está sentada. Aquí es básicamente donde lo llamaría hecho. Todas nuestras unidades están colocadas, nuestros niveles están establecidos. Nos gusta nuestra composición y exposición en general, y yo estaría listo para rodar desde aquí. Entonces lo primero que vamos a hacer para
volver a nuestro look más moodioso es apagar la luz de fondo. Vamos a encontrar una posición diferente para eso, y sólo reiniciemos el resto de nuestra iluminación sólo para volver al lugar en el que estábamos antes, y luego podemos ir de ahí. Entonces para un look más moodioso o más cinematográfico, tiendo a encontrar luces de pelo como la forma en que lo teníamos configurado para que el look comercial fuera un poco artificial y corriendo antitético a todo
el estilo naturalista de eso más look cinematográfico. Dicho esto, hay una manera de que me gusta jugar una luz de borde que sí le agrega un poco más de volumen y profundidad al tiro sin comprometer la estética general. Entonces lo que vamos a hacer es mover nuestra luz de pelo hacia un lado, configurar nuestro C-stand verticalmente, y luego girar nuestras luces para que esté frente a nuestro sujeto. Entonces probablemente querremos acercarme un poco más. Puede estar un poco delante del material de difusión. Entonces lo que hemos hecho aquí es básicamente tomar la unidad que estaba jugando como nuestra luz de pelo, y la colocó junto a nuestra luz clave como una fuente más brillante, más pequeña y más dura. Lo que está haciendo es que en realidad está creando un poco de extensión de la luz clave alrededor
del lado lejano de la cara y una especie de aumento
del contraste entre el lado de sombra de la cara y el lado brillante de la cara. Es una adición sutil, pero lo que hace es solo agregar un poco de volumen extra, y un poco de captura de luz del cabello y luz de borde que solo le da a toda la imagen un diminuto borde extra que no
tendría si solo estuviéramos iluminando con nuestra gran luz clave. Entonces una de las cosas que quería intentar sumar a este look de humor o cinematográfico es ver si puedo tocar una luz de pelo o retroiluminación, que sí se sienta un poco más natural, y orgánica, y encajando con esta estética general. Entonces lo que vamos a hacer es tomar nuestra segunda apertura 120D, que es nuestra luz LED dura, y colocarla en el fondo de esquina fuera de pantalla, como si estuviera jugando motivado desde una ventana en el fondo que está justo fuera de la cámara. Entonces lo que vamos a hacer es inclinar esa luz hacia abajo, y meterla un poco arriba. Yo quiero que atrape algunos de los muebles de fondo también sea. Aquí la idea es que estamos tocando esta luz como si viniera de una de las ventanas que aquí están fuera de pantalla. Dentro del ethos de la mirada naturalista o cinematográfica, me gusta que toda la iluminación se sienta motivada para que nada se sienta artificial, que es lo que tipo de rompe la ilusión de esa estética más naturalista. Entonces ahora que hemos golpeado nuestra luz, puedo empezar a ver qué elementos están funcionando, y qué elementos aún necesitan algunos ajustes. Entonces me gusta cómo está jugando en el hombro derecho de Denali, y me gusta cómo está iluminando la mesa detrás de ella, el piso y solo dándole a todo un poco más de textura. Hay un par de cosas que no me gustan tanto. Entonces vamos a utilizar algunas de las herramientas que tenemos para controlar algunas de las cosas que no están funcionando tan bien. Entonces lo primero es la luz que agregamos es llenar este sofá un poco más de lo que me gustaría. Entonces lo que vamos a hacer ahí es solo usar las puertas del granero para asegurarnos de que esa luz no esté llenando realmente el lado izquierdo de su marco, eso es perfecto. Otra cosa que no está funcionando del todo en este marco ahora mismo con el elemento que hemos agregado es, la luz es un poco demasiado baja en el ángulo de aproximación. Eso es una especie de quemar nuestra imagen que se puede ver en la parte superior izquierda aquí. Entonces lo primero que vamos a tratar de hacer para contrarrestar esto es elevar la luz y cambiar su ángulo. Entonces, en realidad volvamos a inclinarnos un poco hacia abajo, y luego vamos a aguantar bastante eso. Genial. Entonces eso ya se ha hecho bastante. Sigo recibiendo un poco de acción de bengalas. Entonces lo otro que voy a hacer es usar esta pequeña pieza de equipo aquí, que es sólo una extensión a mi caja mate. Entonces lo que esto está haciendo es solo crear una bandera que va a cortar la luz que está golpeando directamente la lente. Ahora hay todo tipo de formas de hacer esto si no tienes acceso a una caja mate. Lo que harán algunas personas es en realidad simplemente usar un trozo de cinta
gaff extendido frente a la lente, y usar eso de la misma manera que esto está haciendo, solo para cortar la luz que está golpeando directamente la lente. Entonces el último elemento aquí es solo establecer el nivel de luz en un lugar que nos sienta estéticamente agradable. Ahora mismo, sigue sintiéndome un poco brillante y artificial para mí. Entonces solo para que se sienta un poco más naturalista, sólo
vamos a empezar a atenuar en ello a, digamos alrededor del 50 por ciento. Tan solo para derribar esa nitidez de la misma aquí a algo que se sienta un poco más en línea con la luz general. Perfecto. Entonces eso es todo. Esa es una forma de jugar una luz adicional con el
fin de simplemente darle un poco más de volumen y textura a tu imagen. Simplemente quiero reiterar que utilizamos dos miradas hipotéticas como puntos de nuestro banco para demostrar todas estas diferentes técnicas de iluminación y colocaciones de luz. Sin embargo, al final del día todos estos diferentes elementos se pueden utilizar indistintamente dependiendo del estado de ánimo general que busques para tu imagen. Puede ser algo que cabe en algún lugar entre estos looks. Puede parecer un poco más artificial, un poco más escenificado, o incluso más naturalista y suave. De verdad solo depende el tipo de estado de ánimo y emoción que quieras crear con tu imagen. A continuación, sólo vamos a ver un escenario de iluminación común más que creo que muchos de nosotros vamos a tener que lidiar.
13. Trabajar con luz natural: Lo último que quería tocar fue qué hacer cuando no
tienes ninguna de las herramientas que estábamos usando en esta demo hasta este punto. Si no tienes acceso a luces artificiales ni nada por el estilo,
todo lo que tienes eres tú, una cámara y un espacio, ¿cómo aplicamos los mismos principios de los que acabamos de hablar
aprovechando lo que la ubicación real que estamos disparando en nos está brindando? Ahora mismo, nuestra cámara y todo está configurada exactamente de la forma en que acabamos de dejarla. Acabamos de sacar toda nuestra iluminación artificial. Podemos ver esto que la calidad de la luz no es tan mala por sí misma. Este espacio en el que estamos ahora mismo pasa a tener mucha luz natural
muy buena y grandes ventanales que están dejando entrar mucho. También está nublado actualmente, lo cual siempre es algo agradable para disparar con luz natural. Simplemente asegura que tengas consistencia durante todo el día y no vas a ver muchos grandes cambios entre la exposición a medida que el sol se mueve por todo el cielo. Dicho esto, una cosa a tener en cuenta cuando se ilumina con luz
natural es que el sol realmente es tu fuente de luz. Por lo que realmente vas a querer saber dónde está en un momento dado con
el fin de entender la mejor manera de aprovecharlo para tus propósitos. Por lo que uso una aplicación llamada Sun Seeker con el fin de rastrear el sendero del sol a lo largo del cielo. Lo que puedes ver es que en realidad te da una superposición encima de tu espacio real. Por lo que la app traza algunos caminos de sol diferentes dependiendo de ciertas fechas. Creo que éste tiene los solsticios en este momento, y entonces el medio es el camino del sol actual como lo es ahora mismo. Entonces lo que haría ahora con esto es simplemente caminar por las ventanas y echar un vistazo a dónde está aterrizando el sol en relación con el espacio. pueda ver que estas ventanas están orientadas hacia el Norte, así que en realidad no están recibiendo ningún sol directo en absoluto en este momento. El sol en realidad está sobre de este lado del edificio. Entonces solo voy a caminar por aquí y comprobar, ¿hay algún punto a lo largo del día en el que voy a conseguir algo de luz solar directa por esta ventana, o siempre va a estar escondido detrás de edificios, o no realmente afectando directamente nuestra escena? En este caso, estamos totalmente claros el sol ya
está puesto detrás de este edificio, como mencioné, ya que hoy está nublado, de todos modos, realmente no
vamos a conseguir ningún sol directo en esta escena para realmente afectar nuestros niveles en absoluto. Entonces lo que busco aquí es encontrar una manera de usar la luz natural para recrear la relación entre primer plano y fondo que teníamos con nuestra iluminación artificial y el control que eso nos brindó. Al mirar esta imagen ahora, la calidad de la luz en Denali se ve muy bien, pero podemos ver que hay un poco de desconexión entre los niveles de brillo y exposición de su fondo y primer plano. Entonces mi ojo ahora mismo va al sofá y a las ventanas de fondo. Pero estoy perdiendo el foco en nuestro tema. Por lo que para aprovechar
la luz natural, lo principal que vamos a hacer es tratar de encontrar una posición en nuestro espacio donde la luz natural de la ventana esté en su máximo brillo sobre nuestro tema sin comprometer en nuestro estética general en cuanto a su relación con el fondo. El modo principal que vamos a hacer eso es básicamente
acercando nuestro sujeto a una ventana. Entonces Denali, te voy a hacer saltar y
sólo vamos a mover de manera preventiva esta silla hacia atrás, justo aquí y un poco más cerca de
la ventana para asegurarnos de que esa luz de ventana se envuelve alrededor de la cara de Denali y no crea esa luz lateral como miramos en la lección anterior al hablar de colocación de nuestra llave. Por lo que he desbastado esto con sólo adivinar. Denali, quiero que sigas adelante y te sientas, y voy a saltar de nuevo a la cámara y sólo replantear nuestra toma para ver cómo se ve esto. Por lo que acabo de acercar a Denali a la ventana y mover la cámara para coincida con el mismo encuadre que teníamos antes.Los niveles de luz son bastante buenos. Estamos consiguiendo una calidad muy similar a la que teníamos antes. El caerse es realmente agradable, muy suave, muy naturalista, pero todavía hay suficiente diferencia de exposición entre fondo y el primer plano para asegurarse de que Denali realmente salga. Al cambiar el ángulo, hemos revelado este tapón de la unidad de aire acondicionado. Entonces vamos a seguir adelante y mover a la izquierda ese helecho que estaba bloqueando nuestro aire acondicionado. Otra cosa que va a hacer es derribar esta franja blanca otro lado del camino sólo para llamar la atención hacia la cara de Denali. Entonces sigue yendo un poco más, ahí
mismo, de vuelta a la derecha un poco. Simplemente lo estamos bloqueando perfectamente, ahí mismo. Excelente. Entonces vamos a rotarlo un poco solo para que los helechos cubran un poco más la pared blanca, ahí mismo. Al igual que con la luz artificial, todavía
puedes usar modificadores para cambiar y ajustar la iluminación natural para que se ajuste a tus necesidades, incluso sin usar fuentes de luz artificiales. Por ejemplo, si estuviéramos consiguiendo luz dura a través de esta ventana, todavía
puedo vomitar un trozo de difusión, sábana de cama, o cortina de ducha solo con el fin de derribar el brillo de esa ventana y asegurarme de que la luz que es golpear a mi tema es la cualidad que quiero que sea. Básicamente, se trata un poco más de un enfoque de chatarra y uno que requiere que aproveches los elementos naturales en los que te encuentras. Pero aquí también se aplican los mismos principios y técnicas. Entonces eso es más o menos. Muchas veces en rodajes, solo
tienes que aceptar las cosas en un lugar lo suficientemente bueno, o un lugar que te sientas lo suficientemente satisfecho con la imagen para poder convivir más tarde para venir el camino. Muchas veces también estás limitado por limitaciones de programación. Solo tienes cierta cantidad de horas en el día de
luz del día o disponibilidad de un sujeto. Por lo que todas esas cosas tienden a entrar en juego y ser tomadas en consideración. Pero al final del día, siempre y cuando se sienta
satisfecho en general con su imagen y sus niveles, debe estar listo para salir. Entonces eso es todo para nuestro trabajo de ubicación. Volvamos al estudio ahora sólo para algunos pensamientos finales.
14. Reflexiones finales: Felicidades por llegar hasta el final de la clase. Espero que esto sólo pueda servir como una visión general de algunas ideas y conceptos diferentes que
luego puedes tomar en tu propio trabajo y construir a partir de ahí. Creamos un par de diferentes configuraciones de iluminación de entrevistas para demostrar estas diversas técnicas y mostrar las diferencias entre ellas y cómo diferentes decisiones puedes tomar con iluminación, encuadre, y distancia focal elección puede afectar el estado de ánimo y el contexto emocional de su imagen. Algunas cosas que no tocamos en esta clase son disparar multicámara, movimiento de
cámara, ya sea con un slider o un dolly,
o incluso simplemente disparar de mano, y usar diseño de producción y vestuario con el fin de agregar más elementos de contraste y narración visual en tus imágenes. Hay muchos lugares diferentes donde se puede aprender sobre estos diversos conceptos, por lo que voy a enlazar con algunos de mis favoritos en los recursos de la clase. Espero que puedas tomar estos conceptos de los que hablamos y aplicarlos a tu propio trabajo, y encontrar formas de construir sobre ellos, experimentar, mezclar y combinar, cambiar las cosas, probar las cosas a tu manera. Justo como recordatorio, me encantaría ver el trabajo que todos
ustedes están creando usando las lecciones de esta clase. Por lo que por favor siéntete libre de subir tus imágenes o videos a la galería de proyectos, que todos podamos ver estas técnicas puestas en acción. Gracias de nuevo por tomar esta clase. Estoy tan emocionado de ver qué vas a crear usando estas técnicas. Así que salir por ahí y crear algunas imágenes cinematográficas.
Oren Soffer, Director of Photography
