Conceptos básicos de la fotografía de retrato: cómo usar la luz natural para crear dramatismo

1. Avance: Mi nombre es Justin Bridges y estoy enseñando fotografía de retrato dramático para Skillshare. El objetivo de esta clase es que lleves todas las cosas de las que iban a estar hablando y mostrarte y fotografiar a alguien que te sea muy interesante. A lo mejor un amigo y crear un retrato dramático de ellos. Hay cuatro grandes tomas que me gusta asegurar en cada tema: Uno es un movimiento, dos es ligero, tres está enfocado en profundidad, y cuatro está asegurándose de que tu sujeto se halaga. Te quieres alejar con una foto que no sólo sea atractiva sino también hace que no sólo el tema sino tu trabajo se vea muy halagada. Las ideas para crear drama no sólo usando su lenguaje corporal, su expresión, sus ojos sino también pintando la luz. El loco de la luz del día, es que a veces viene y va así que está como un poco oscuro ahora mismo, pero vamos a trabajar con ello posicionando su cuerpo más hacia la luz. Esta clase se trata de cometer errores pero aprender de esos errores se trata de ensayo y error. Se trata de agarrar emoción de un sujeto y realmente es por la experiencia hasta el novato. Es captar contraste sabes la diferencia entre luces y sombras capturando el lenguaje corporal, la expresión facial. Ya sabes que mi cosa favorita para filmar es la moda porque me gusta contar una historia. Retrato es una gran manera de explicar la emoción de esa historia. 2. Introducción: Mi nombre es Justin Bridges y estoy enseñando fotografía de retrato dramático para Skillshare. En realidad empecé a tomar fotos cuando era junior en la universidad. Solía tomar fotos de mis amigos y cosas así, pero en realidad nunca pensé que fuera un camino de carrera. Entonces, me mudé a Nueva York con sueños de convertirme en algún tipo rico de Wall Street y me divertí mientras lo hacía, pero simplemente no era la cosa para mí. Entonces, a dos años de mi trabajo, decidí irme y perseguir una mezcla de fotografía y moda. Entonces, he hecho un montón de cosas en el camino para averiguar lo que realmente, realmente quería hacer, que era ser fotógrafo, fotógrafo de moda. Entonces eso es lo que hago ahora. Lo he estado haciendo profesionalmente desde hace dos años. Mi cosa favorita para disparar es la moda porque me gusta contar una historia. Dentro de ese ámbito, el retrato es una gran manera de explicar la emoción de esa historia, y creo que todo fotógrafo debería al menos tomarse un momento para profundizar un poco en tomar fotos de personas y sobre todo retratos. Creo que realmente te ayuda a entender más tu tema cuando puedes interactuar, hablar, entender la forma del cuerpo, cómo el lenguaje corporal habla al tono de una imagen, y realmente solo interactuar con el sujeto es una habilidad que va a te duran para siempre. No solo en fotografía, sino que también te ayudará cuando estés interactuando con clientes, amigos y cosas así. Entonces, creo que la fotografía de retrato, pesar de que es un nicho dentro de una enorme gama de fotografía, es una de las más importantes por aprender. Esta clase, al menos en mi opinión, es para una gama de personas. Es para los aficionistas todo el camino al profesional que quiere agregar otra dimensión a lo que él o ella está haciendo. Esta clase se trata de cometer errores pero aprender de esos errores. Se trata de juicio y error. Se trata de agarrar emoción de un sujeto, y realmente es por la experiencia hasta el novato. En esta clase hoy o en general, te voy a llevar por una especie de prepararte para un rodaje, entendiendo tu ubicación y entorno. Voy a hablar de iluminación y por qué eso importa, especie de medición de la luz, así como de una especie de interpretación de la luz. Voy a hablar de los diferentes elementos dentro de la foto, como el estilo de la ropa de la modelo, expresión, cosas que están en el fondo que ayudan a hacer la imagen y sacarla. Entonces, también vamos a hablar de los diferentes ángulos y composiciones de las que puedes tomar una toma, y luego lo envolveremos todo hablando de algunas cosas básicas pero muy fundacionales que puedes hacer para editar tu foto una vez que hayas terminado con el rodaje. Son cuatro grandes para llevar que me gusta asegurar en cada rodaje. Una es una emoción, dos es luz, tres es foco en profundidad, y cuatro está asegurándose de que tu sujeto se halaga. En luz halagadora, emoción halagadora, y cosas así. Estos cuatro grandes comidas para llevar son muy importantes porque quieres irte con una foto que no solo sea atractiva, sino que también hace que no solo el tema sino tu trabajo luzca muy halagador. En esta clase, voy a estar filmando un proyecto de retrato personal. Por suerte, tengo a mi maravillosa amiga, Christina, que va a estar modelando para nosotros hoy, y vamos a tratar de capturarla en un sentido muy dramático usando su lenguaje de emoción y cuerpo, estilo y textura, y fondo en las fotos para realmente transmitir un mensaje de solemnidad desprendida si se quiere. Entonces, el objetivo para esta clase es que te quites todas las cosas de las que iban a estar hablando y mostrarte y fotografiar a alguien que te sea muy interesante, tal vez un amigo, y crear un retrato dramático propio. 3. Ubicación y sujeto: Encontrar la ubicación es el número uno para tu destino y retrato dramático. Lo número uno al buscar una ubicación es que básicamente tienes una idea y quieres hacer coincidir ese concepto con la ubicación. Entonces, si estás buscando usar luz dramática y quieres usar la luz ambiental, encontrar un lugar con techos altos, grandes ventanas, una gran iluminación que viene en una dirección realmente te ayudará a crear esa dramática configuración de iluminación. Entonces, la mitad de la batalla y el retrato es tener un sujeto al que disparar, podría ser la mitad batalla o podría haber como toda la batalla supongo pero, escoger a alguien que realmente crees que es interesante y divertido para disparar, no siempre lo harás tener una opción dependiendo del proyecto. Pero si sí tienes opción, siempre es importante trabajar con alguien con quien puedas construir una relación, alguien que se sienta cómodo frente a la cámara. Entonces, yo diría número uno, escoge a alguien que sea interesante. Realmente me gustan las personas con mandíbulas muy fuertes o diferentes rasgos en su cara que los hacen interesantes para fotografiar. Entonces, eso es una cosa. Encontrar a alguien que tenga una cara interesante, tal vez una personalidad interesante que pueda aparecer en cámara. El siguiente es que una vez que empieces a trabajar con esa persona es construir una relación. No puedes caminar en ninguna sesión de fotos y simplemente empezar a tomar fotos porque no es tan fácil, quieres construir una relación, quieres ponerte cómodo, quieres que el modelo se sienta bien frente a tu lente y una vez que tanto relajados como conocerse un poco, hace que todo vuele tanto más a la perfección. El tercero es dependiendo de tu modelo, quieres escoger ángulos que les vas a disparar que les son muy halagadores. Un ejemplo es, si tienes a alguien que es un poco más corto y estás disparando disparos de cuerpo completo y quieres que se sientan un poco más alto y no se sientan como si estuvieran aplastados en la página, es que quieres bajar un poco y disparar arriba hacia ellos. No es así, sólo te pones tan bajo que te estás disparando por las fosas nasales pero si tomas un poquito de ángulo inferior 30, 45 grados, puedes hacerlos aparecer y lucir más estatuescas y más altas, lo que los hará sentir realmente bien y voluntad hacer que nuestra imagen se vea realmente bien también. Nuestra modelo hoy Christina, conocí a través de amigos mutuos. Ella es blogger, y así es muy cómoda frente a la cámara, tiene un estilo realmente genial y simplemente una personalidad realmente impresionante. Entonces, sabía que quería disparar con ella, he disparado con ella antes en el pasado y ella tiene una muy buena expresión, se mueve mucho con la cámara, y realmente puede golpear las emociones que le lanzas. Entonces, fue realmente emocionante trabajar con su hermosa cara, hermosa tez, no muchos defectos en cuanto a la piel, y realmente solo tiene un buen look en general. Entonces, con Christina y muchos otros modelos, los ángulos son tan importantes porque quieres que la persona luzca halagadora. Para personas más cortas como dije antes, me gusta disparar un poco más bajo y hacerlas parecer un poco más altas. Para alguien como Christina que es buena en mover y usar ropa, me gusta crear ángulos. Entonces, tenerlos no sólo se mueven de formas que crean ángulos y contornos en la ropa, sino que también se mueven alrededor del sujeto para crear mi propio tipo de ángulos desde el sujeto hasta la cámara. Todo lo cual el objetivo es hacer que la persona luzca halagadora, la ropa se vea halagadora, y hacer que la imagen se vea muy complementaria a lo que está pasando en el material. 4. Equipo: Entonces, para esta clase y para la mayoría de mis sesiones fotográficas, me gusta tener cierto equipo conmigo en todo momento por lo que siempre estoy preparado. Es decir, sobre todo hace que sea más fácil capturar algunos retratos dramáticos. Entonces, para esta clase, estoy filmando con mi Canon 5D Mark III, profesional en cámara DSLR. Tengo dos lentes conmigo hoy, un 24-70 2.8L y un 200 2.8L. Normalmente tengo dos lentes en cada toma. Estos no son necesariamente con los que siempre viajo. Si tienes curiosidad, me gusta llevar ya sea un 35 milímetro o un 50 milímetros en el extremo corto del espectro de longitud focal, y también me gusta tener conmigo una lente de 85 milímetros. El lente de 85 milímetros es realmente bueno disparar un retrato sin causar distorsión en la cara. Entonces, por ejemplo, si disparas demasiado ancho, puedes hacer que tu modelo se vea un poco más ancha o más grande que ella o él es. Un 85 milímetro es como la distancia focal perfecta que realmente las hace lucir favorecedoras y lucir realmente bien. También llevo muy importante, un medidor de luz. Se trata de un Sekonik LiteMaster Pro L-478DR, que es sólo galimatías para como realmente caro. Utilizo esto para medir la luz como lo demostraré en la clase y realmente me haré una idea antes de que esté filmando cómo se va a ver la luz una vez que tome la foto. También llevo conmigo en la mayoría de los brotes, no siempre, no tengo un filtro para cada lente que llevo, pero llevo un filtro de densidad neutra variable. Este filtro va en la parte frontal de una lente y esencialmente ayuda a disminuir la cantidad de paradas de luz que están llegando a través de la cámara. Entonces, en términos de laicos, cuando pongo esto en la cámara, digamos que estamos disparando en un espacio muy brillante y quiero que parezca más oscuro, puedo poner a este tipo en la parte delantera de la lente y luego girarlo en grado variable a hacer la imagen más oscura y más oscura y más oscura, si no puedo controlar la luz de ninguna otra manera. Esa es una forma muy general de hablar de ello. Entonces, tengo la cinta de Gaffer. Esto viene en múltiples colores. Los verás mucho en las configuraciones de producción de videos y películas. Pero llevo una cinta de Gaffer a todas partes porque nunca se sabe, digamos que hay una cortina que quieres cerrar con cinta y no tienes otra forma de hacerlo, si estás disparando sobre un telón de fondo y necesitas cinta el papel sin costuras al tierra. Siempre hay una razón para tener cinta en el set y siempre viene muy bien y es muy fácil bajarse. Está hecho específicamente para que el adhesivo sea lo suficientemente fuerte como para sujetarlo pero no dejará residuos en cualquier superficie en la que lo pongas. El último gadget práctico que llevo conmigo en los brotes es un pequeño bebé navaja suiza del ejército. No lo uso todo el tiempo, pero es muy útil en caso de que tengas que cortar algo, arreglar cualquier cosa que esté rota, podrías tener un tornillo que podría salir de algo, pero en realidad es solo bueno todo más usar un cuchillo funcional que te puede ayudar en un pequeño pellizco. Entonces, una de las otras cosas que me gusta traer en todos mis brotes cuando es posible es un cable de anclaje y una laptop y un disco duro. Entonces, sólo voy a explicar un poco sobre el flujo de trabajo. Lo que suelo hacer es atar esta cosa de color naranja brillante para que nadie se tropiece por encima de ella. Pongo uno en la cámara, Es un cable USB y el otro extremo entra en la computadora. Si te darás cuenta, aquí tengo un pequeño sujetador y esto evita, si alguien lo pisa, que se masturbe del cuerpo de la cámara lo cual puede provocar algún retrodisparo en tu software. Entonces, lo que pasa es que conectas esto a la cámara en el otro extremo de la computadora, y lo que haré es que mientras estoy tomando fotos, las imágenes fluirán directamente al ordenador y en lugar de capturar realmente todas las imágenes en una tarjeta, Sólo los capturo directamente en un disco duro de respaldo. Entonces, ¿qué tienes y también puedes configurar esto para hacer copias de seguridad de esos archivos directamente en el disco duro de tu computadora también. Entonces, tan seguro como quieras ser, puedes estar, puedes tener las fotos capturadas en la computadora y en el disco duro, solo en el disco duro. Incluso puedes tenerlos capturados en el disco duro y en una tarjeta flash compacta o cualquier tarjeta de memoria que tengas para tu cámara. De esa forma, puedes ver las imágenes en una pantalla completa y la representación exacta del raw en lugar de una vista previa JPEG que normalmente verías en la parte posterior del cuerpo de tu computadora o en el cuerpo de tu cámara. Honestamente, es una de esas cosas donde es elección del distribuidor. Con lo que sea que estés más cómodo y funcione mejor para ti es como te sugiero configurar tu sistema. No es una necesidad en cada toma sino el medidor de luz, como decía, es un dispositivo muy útil que te permitirá llegar a una imagen y visualizar cómo se va a ver la luz en tu tema y luego en el fondo antes de que incluso tomar una fotografía. Ahora, de nuevo si eres aficionado o simplemente inicias tu carrera profesional, puedes o no ser dueño de uno de estos, y definitivamente no es una necesidad. No obstante, si puedes ponerte las manos en uno, definitivamente es efectivo. Si no tienes alguno de estos, la alternativa es trabajar con tu cámara y prueba y error para obtener la exposición exacta que estás buscando. Lo que haría normalmente y sobre todo antes de que incluso invirtiera en el equipo es lo que uso es el medidor reflectante en la cámara. decir, apunto la cámara al sujeto, obtengo una lectura sobre la exposición que aparece en la pantalla superior de tu cámara, me meto para eso y luego veo lo que sale. Yo tomo una foto, a ver cómo se ve eso, mis sombras son demasiado oscuras? ¿ Mis aspectos destacados son demasiado brillantes? ¿ Mis tonos medios son buenos o no? Trabajo de ida y vuelta a partir de ahí. Entonces de nuevo, mientras estás disparando, si has establecido la idea que tienes para tu apertura y tu ISO, realmente solo estás jugando con velocidad de obturación. Apenas un poco de conocimiento sobre por qué elegí una DSLR. En general, en arte y fotografía, siempre y cuando sepas capturar una buena imagen, puedes crear una imagen hermosa, punto. Punto en blanco. No importa qué equipo tenga o no tenga. El motivo por el que voy con el DSRL es uno, es un estándar profesional, pero dos, porque me gusta el control. Cuando usas un DSRL versus, digamos, un iPhone o un apuntar y disparar, eres muy limitado en cómo puedes manipular lo que está pasando en el cuerpo de la cámara para crear esa imagen, controlando la luz, el obturador velocidad, la abertura, la ISO. Todas esas cosas están restringidas en ciertas cámaras que están por debajo de cierto grado salarial si así lo deseas. Pero definitivamente puedes sacar fotos de un apuntar y disparar si ese es tu objetivo. 5. Estado de ánimo y luz: Vamos a estar tomando un par de disparos en este maravilloso departamento del lado este. Tengo una hermosa modelo, Christina, que está dispuesta a ser el conejillo de indias hoy. Yo sólo voy a repasar un par de cosas que me gusta hacer para prepararme para cada rodaje. Uno de los componentes clave del retrato dramático es crear drama no sólo pintando con luz sino también trabajando con la expresión de la modelo. Por dramático, no quiero decir que tenga que ser extremadamente malhumorado, emocional, o triste, o feliz. Puede ser todo tipo de cosas. Se trata de transmitir idea en una imagen y en una expresión, todo en una foto impactante. Entonces, una de las razones por las que quiero medir la luz antes de empezar a disparar es porque tiendo a preferir que la luz sea un decaimiento nítido, imágenes de alto contraste. Entonces, me gustan las zonas de destaque que caen justo en la oscuridad, y porque me pasó a ser una especie de chico emo artístico, va a terminar siendo cool, el resultado final. Cuando entro en cualquier escena o incluso cuando estoy planeando para cualquier rodaje, me gusta pensar en qué tipos de luz estarán disponibles para mí. Hoy, hemos decidido disparar luz completamente ambiental, y por luz ambiental quiero decir, luz natural que viene de la fuente que llamamos el Sol. También está la idea de la luz disponible incluyendo la luz artificial así que, si tienes luces encendidas en el apartamento, una lámpara, cualquier cosa así sería una especie de esa luz artificial pero disponible. Entonces, si traes algún estroboscópico o destellos contigo, esa será tu luz artificial, tu luz de estudio estroboscópico. Entonces, hoy, vamos a estar usando toda la luz ambiental. Entonces, realmente tengo que manipular lo que viene por la ventana, lo que viene a través de la luz de las otras habitaciones, y trabajar con eso. Entonces, hago mucho trabajo de estudio y algunos en ubicación también. Puedes usar flash en la cámara, puedes usar flash fuera de la cámara, todos esos flashes diferentes están ahí para ayudarte a llevar algo de luz y modo a la escena. Rara vez alguna vez, casi nunca uso flash en cámara porque creo que es un poco demasiado duro, y me voy a estar metiendo como cuál es la diferencia entre luces suaves y duras también. Nunca uso flash en cámara, pero si usas algún estroboscópico de estudio o algo por el estilo, definitivamente tienes la opción de usar el medidor y especie de crear y pintar luz sobre tu sujeto, y tal vez vamos a ahorrar que para otra clase. En cuanto a luz dura y suave, como dije, me gusta crear una caída realmente fuerte y es que se puede hacer eso con luz dura, se puede hacer eso con luz suave, todo se trata de tus relaciones de luz. Lo que vamos a hacer hoy es que vamos a usar lo que yo consideraría luz suave. Tenemos una ventana grande y luz dura y luz suave es todo relativo al tamaño de la fuente de luz versus el tamaño del modelo y también la distancia. Eso son muchas matemáticas y demasiado pensamiento, así que lo mantendremos realmente fácil. Tenemos una ventana grande aquí. Entonces, entra mucha luz, y el modelo, en perspectiva es más pequeño que la ventana. Entonces, eso va a crear una luz suave que la está golpeando y bañando con luz en un lado de su cara, y luego porque no entra ni una tonelada de luz y porque está tan cerca de la luz misma, es va a caerse drásticamente una vez que gracias al costado de su cabeza. Entonces, eso creará una luz suave pero una luz muy dramática donde tenemos una transición de luz a oscura muy rápidamente. Entonces, estamos a punto de tomar un par de tomas pero con el fin de prepararme para las fotos, quiero asegurarme de que tengo un buen entendimiento de cómo van a salir antes de que siquiera lo filme. Una de las cosas que hago para prepararme para cada toma es que me gustaría reunirme con la luz y tener un buen sentido de cómo podemos crear algún drama con la modelo. Entonces, tengo mi medidor de luz Sekonic L4-7 ADR. Su gran material de leage que podrías usar cualquier tipo de medidor de luz, incluso consiguió una pantalla táctil. Entonces, lo que quieres hacer es que quieras tener un sentido de cómo está golpeando la luz, o ves tenemos hermosa luz de ventana entrando solo pastando el costado de su cara en un poco de su ropa, y tenemos sombra en el otro lado que llamamos el decaimiento de la luz. Entonces, con el fin de tener un sentido de cómo se va a ver eso en la cámara, queremos medir la luz. Entonces, lo que generalmente hago es sacar el medidor de luz y mayoría de ustedes chicos ya estarán familiarizados con los diferentes componentes a la exposición, que es apertura, velocidad de obturación, e ISO. Entonces, lo que quiero hacer es que quiero usar un modo donde pueda establecer las cosas que ya sé que voy a usar. Ya sé que quiero rodar a Christina con una apertura muy abierta de 2.8. Entonces, todo lo que tengo que hacer es cambiar la lectura del medidor, eso está bastante oscuro aquí por lo que vamos a filmar un ISO bastante alto, abrir esa sensibilidad, conseguir un poco de grano de película si se quiere. Entonces, me golpeo esto hasta 1250, y luego voy a usar esta lumisfera para medir la luz que le está golpeando la cara. Entonces, lo que quiero hacer primero es medir la luz que entra desde la ventana, luego medir la luz desde el costado que no está recibiendo ninguna luz, y luego dispararle desde el ángulo que voy a estar tomando la foto. Entonces, le puse esto en la cara justo debajo de la barbilla, y el metro, y obtenemos 1 sobre 200, que debería ser la velocidad del obturador en su lado izquierdo. Y luego del lado derecho, tenemos una caída bastante drástica, tenemos 1 más de 15. Entonces, lo que eso me dice en este momento es que por donde entra la luz, se va a resaltar, y luego por el lado de decaimiento, se va a poner realmente oscuro. Entonces, eso ya está creando un poco de drama con la luz, y puedes jugar con eso girando la cabeza hacia la luz, ajustando diferentes cosas en la habitación solo para abrir eso. Entonces, planeo tomar un par de tomas desde esta esquina y podría moverme un poco, pero primero, diremos, estoy empezando de nuevo aquí así que voy a medirla justo donde voy a estar disparando, y obtenemos 1 más de 80. Entonces, sé que voy a necesitar sostener esta cosa realmente quieta, y voy a disparar desde ese ángulo y esa es la velocidad de obturación que necesito bloquear en la cámara. Muy bien, así que mediqué ambos lados de tu cara. Entonces ahora, tengo una idea de cómo va a estar entrando la luz. Nuevamente, los medidores de luz, te va a dar una buena idea y una buena pauta de dónde necesitas estar, pero siempre puedes confiar en tu juicio mirando tu computadora donde estás capturando las fotos o mirando el parte posterior de tu pantalla si solo estás disparando directamente a una tarjeta de memoria. Entonces, voy a tomar la siguiente medida desde la dirección de donde voy a estar sosteniendo la cámara, que va a estar apagado a mi derecha, que fue- por lo que medidor está en 1 sobre 80. Entonces lo sé, sólo una pauta general, sé que para conseguir la exposición correcta, voy a estar necesitando disparar a una apertura 2.8, una ISO 1250, y una velocidad de obturación 1 sobre 80. Entonces, esa es solo mi pauta general, y de nuevo, puedes cambiar los componentes, puedes probarlo y errorarlo para obtener la exposición correcta. Ahora, que tenemos una especie de comprensión general de nuestra fuente de luz y cómo queremos rodar esto sobre todo en la forma en que quiero rodarlo, lo siguiente es que se prepare el modelo. Hay todo tipo de formas en las que puedes disparar a tus sujetos que pueden hacerla más halagadora, una etcétera más dramática, etcétera. Hoy en día, quiero realmente solo enfocarme en cómo creamos tomar una expresión y enfocarnos en eso y luego conseguir un montón de tomas usando diferentes composiciones diferentes encuadre. 6. Velocidad de obturación y tomas de prueba: Entonces, hoy nos vamos a centrar en una emoción, por falta de una mejor palabra llamada desligada. Contamos con una bella modelo que tiene una maravillosa gama de expresiones. Ella tiene esta especie de mal sentido parisino para ella, así que vamos a tratar de aprovechar esa ventaja y trabajar con ello. Entonces, le voy a decir a Christina, dale un poco de dirección y luego vamos a saltar a tomar un par de tiros. Entonces Christina, sé que es un día muy hermoso y no quieres actuar todo triste y emo pero intentemos hacerlo. Está bien. Tratemos de proyectar ojos huecos, enfriar mal culo pero sin importarle demasiado, revisamos un poco y trabajarlo desde ahí. Está bien. Entonces, de todos modos hoy, así que ya he discutido la emoción y la expresión con la modelo y antes de tomar un par de tomas de prueba, sólo quiero explicar. hoy, en realidad voy a estar disparando en una laptop, en un programa de captura. Entonces, voy a estar capturando digitalmente todas las imágenes que disparo en una computadora y de esa manera puedo obtener una imagen grande y ajustarme en el sitio. El programa de captura que estoy usando hoy es uno de los estándares profesionales llamados Capture One. También puedes utilizar el maravilloso programa Lightroom también. Ambos hacen más o menos lo mismo y presentan hermosos resultados también, y hacen que sea realmente fácil para ti ver lo que estás haciendo mientras estás disparando. Entonces, si no tienes medidor de luz, quiero simplemente caminar por un par de conceptos básicos de lo que pensaría antes de tomar el tiro con nuestro maravilloso modelo. Entonces de nuevo, hay tres cosas diferentes en las que quieres pensar, velocidad de obturación, apertura e ISO. La velocidad del obturador va a controlar qué tan rápido hace clic el obturador, que es el dispositivo que deja entrar la luz a la cámara. Entonces, sé que estamos en un espacio donde la luz sigue fluctuando pero es un espacio algo más oscuro. Entonces, quiero disparar un poco abierto o más lento, si se quiere, para dejar entrar más luz pero también quiero disparar lo suficientemente rápido como para que no me esté desenfocando cuando estoy con la mano sosteniendo la cámara. Entonces, estoy pensando que voy a disparar uno de más de 160, cual es lo suficientemente rápido para que un objeto fijo no se borre pero también vamos suficiente luz en la cámara que realmente tenemos una foto que tomar. El otro es la apertura. Apertura es el agujero en el que entra la luz, por lo que se abre y se cierra. Cuando tenemos una gran abertura, lo que significa que el número es realmente bajo, podemos crear el desenfoque en nuestra cámara y también podemos dejar entrar más luz. Justo al contrario, cuando tenemos una abertura muy baja o un número alto, podemos conseguir más cosas en foco pero para hacerlo, también necesitamos abrir el obturador aún más lento, que podamos dejar entrar más luz. Lo último es ISO. Con ISO o ISO, quieres pensarlo en cuanto a dos cosas, la cantidad de luz que viene en la cámara, así como la calidad de la imagen. Porque cuando subes la ISO, dependiendo de qué cámara uses, si tienes una cámara a nivel de consumidor y vas por encima digamos 400 u 800 ISO, vas a conseguir mucho más grano en la imagen. Si utilizas un modelo más profesional y disparas 1600 o 3200, podrías tener una imagen que tiene grano pero es muy bonita y de buena calidad. El motivo por el que usaría un ISO más alto en cualquier imagen es porque me permite disparar más rápido y con menos luz. Esta es una situación de poca luz. Entonces, si tengo un ISO más alto, todavía puedo disparar rápido y tener suficiente luz entrando en la cámara debido a esa sensibilidad a la luz. Cuando disparo una imagen ISO baja, es porque tengo suficiente luz y también porque quiero mantener el grano fuera de la película o fuera del resultado final. Simplemente ten en cuenta cuando filmes con ISOs más altos, pase lo que pase, siempre vas a conseguir un poco más de grano en la imagen o lo que la gente llama ruido. Lo siguiente más grande además de tu velocidad de obturación, tu apertura, tu ISO, es definitivamente el enfoque en el modelo. Puedes crear diferentes tipos de puntos focales simplemente cambiando tu ángulo o tu composición. Hoy, porque tenemos una modelo maravillosa, quiero asegurarme de que su rostro esté enfocado y tengo la opción de hacer hasta el fondo y las cosas a su alrededor en foco, o lo que puedo hacer es poder enfocarme en una parte de la modelo y luego difuminan el resto de la misma. El modo en que logramos esos diferentes tipos de efectos es que podemos cambiar la apertura de la cámara. Entonces, si disparamos una abertura más baja o me disculpa, una abertura más alta, lo que significa un número menor, sé que es un poco confuso, podemos crear un desenfoque en todo lo que está fuera del punto focal. Entonces, si señalo mi lente y me enfoco en sus ojos y uso decir una apertura 2.8 que es una abertura alta, lo que estará en foco son sus ojos y todo en ese plano focal y luego fuera de eso, todo caerá en un desenfoque. Cuanto más lejos esté algo del punto focal, más borroso se pondrá. No obstante, si quiero usar algo de esta rica textura en el fondo, capturar algunas de las plantas en foco, y tener una imagen generalmente en enfoque, lo que puedo hacer es tener una abertura más baja que es un número mayor, y traerá todo desde un plano focal todo el camino a través en foco. Entonces, vamos a quitarnos toda la ayuda suplementaria, sin medidor de luz, sin computadora. Qué quieres hacer como quieres enfocarte en tu tema a través de la cámara. Lo que hay en cada cámara es un medidor de exposición que te dice cuánta luz está rebotando de tu sujeto a la cámara. Entonces, lo que vas a hacer es que vas a apuntar la cámara a tu sujeto, media pulsando el botón, el botón del obturador y luego habrá un medidor que te dirá si necesitas aumentar o disminuir la cantidad de luz que entra en la cámara. Es así como vas a tener un sentido cantidad de luz que necesitas para capturar la imagen perfectamente expuesta. Entonces, lo que voy a hacer, solo muy rápido para mostrarte una prueba es sin medidor de luz ni nada, es que voy a apuntar al tema, me voy a centrar en nuestros ojos y parece que tenemos una buena exposición a 2.8 de apertura, uno sobre la velocidad de obturación 125 y una ISO de 1250. Entonces, eso generalmente me daría una imagen decente pero no será perfecta. Entonces, lo que vas a hacer después de eso, después de haber hecho una toma de prueba es ir a prueba y error, aumentando la velocidad de obturación, disminuyendo. Si no estás contento con la abertura, puedes ajustar eso y luego la ISO, suelo dejar solo. Está bien. Entonces, voy a empezar a tomar algunas tomas de prueba. El primer tiro de prueba que voy a hacer va a ser con una tarjeta gris, que me permitirá calibrar el balance de color después del efecto. Entonces, sólo voy a tomar un tiro, la modelo la va a sostener justo debajo de su barbilla, eso sólo va a establecer una medición de línea base y luego empezaremos a tomar un par de tomas de prueba. Bueno, sonríe, vamos, ahí tienes. Enfriar. Entonces, establecemos la línea de base con estas tarjetas de color. De nuevo, puedes usar una tarjeta gris, tarjeta blanca, tarjeta negra y eso solo me permite una mancha en mi computadora más tarde cuando estoy retocando para establecer el balance de color para ese rango de imágenes que acabo de disparar. Apunta tus ojos a la lente. Después apóyate hacia la ventana pero luego mírame. Está bien. Como viste, tomé un par de tomas de prueba. El motivo por el que la estoy moviendo y jugando con las direcciones que su cara está señalando y sus ojos están señalando es porque estoy tratando de manejar la luz que viene de la ventana. Entonces básicamente, quiero apuntar a que al menos tres cuartas a la mitad de su cara atrapando un poco de luz y luego el resto de ella atrapando la sombra, para que podamos crear ese contraste de forma natural. Entonces, la tenemos arriba en el brazo de la silla para acercarnos un poco a la ventana. Jugamos por ahí girando la cabeza hacia la ventana y también mirando hacia otro lado, para que más de su rostro esté en sombra. Yo jugué con ella teniendo esa mirada mirando por la ventana, mirando directamente a la cámara para unos efectos un poco más impactantes. Ni siquiera sé si impactante es la palabra, pero lo que sea y simplemente jugando un poco con sus movimientos corporales y cosas así. La idea es crear drama no sólo usando su lenguaje corporal, su expresión, sus ojos sino también pintando la luz en la escena. También estoy componiendo con diferentes ángulos, así que estoy haciendo tiros ajustados, verticales, horizontales. Estoy disparando, estoy dejando un poco de espacio líder para sus ojos, así que está mirando en una dirección, le estoy dando un poco de espacio en la cámara y también estoy tratando de capturar un poco de textura detrás de ella. Todas estas cosas diferentes, solo estamos tratando de hacer para llegar a la imagen perfecta, si se quiere. Entonces, cuando hago las tomas de prueba, suele ser solo el conseguir una idea de dónde estamos, no solo a la luz sino que también conseguir que la modelo esté lista para actuar su parte. ¿ Sabes qué? En la mayor parte de las veces, las tomas de prueba simplemente se convierten en tomas rectas y podemos llegar directo a un buen producto una vez que descubramos nuestra situación de iluminación, cómo va a quedar la escena. 7. Exposición y toma de ladrillo.: Pensando en la exposición, que es una especie de lo que necesitamos para crear un gran tiro. Además de todos los insumos como el modelo y tal y la ropa. Pensando en la exposición hay todo tipo de exposición, bajo exposición, sobreexposición, y luego está esa exposición perfecta de punto dulce. El modo en que me gusta pensarlo es ya que esto es arte, y todo es subjetivo. No necesariamente hay una respuesta incorrecta o correcta, pero técnicamente hay mejores respuestas que no. Entonces, cuando estoy filmando a Kristina, y tengo que decir mucha sombra en su cara, la imagen es oscura en general, eso es lo que llamamos bajo exposición, bajo exposición significa que no hay suficiente luz en la escena. Cuando subexpones esa imagen obtienes sombras más duras, sombras más oscuras, comienzas a perder detalles en las áreas que no son golpeadas por la luz, y te pones como una imagen plana especialmente como en los tonos medios y por tonos medios, me refiero a la piel textura, y partes de color de rango medio de la imagen. Entonces, tienes bajo exposición, luego hay sobreexposición. La sobreexposición es cuando estás dejando entrar demasiada luz. Donde la luz te está golpeando la cara, estás soplando la piel, estás perdiendo detalle en todas las áreas iluminadas de la foto, y termina siendo un poco de luz más dura, que es demasiado, y se puede decir como en cuanto lo veas. El problema con el bajo y la sobreexposición es que estás perdiendo detalles en la imagen, ya sea en las sombras, o en los reflejos y eso nunca es algo bueno. Se quiere capturar tanto detalle, a vez que se captura también mucho contraste, y es por eso que apuntar a una exposición perfecta es el objetivo para los fotógrafos. Entonces, lo que yo llamaría la exposición perfecta de manera objetiva, es un equilibrio de tus reflejos, tonos medios en tus sombras. Entonces, donde la luz está golpeando el modelo, donde en los aspectos más destacados, quiere tener ese bien iluminado pero también mucho detalle capturado. Donde la luz no está golpeando al sujeto, decir las sombras, quieres tener alguna oscuridad rica, pero quieres aún capturar el detalle en la piel, la ropa, lo que sea que esté incluido en esa zona de sombra. En los tonos medios quieres una imagen realista de cómo se ven los tonos de piel, cómo se ven la ropa, solo todo lo que está en esa gama media, y cuando combinas todo eso y todo está en equilibrio, tienes una gran exposición. Si eres nuevo en la fotografía, voy a hacer un par de cosas mal a propósito, sólo para que todos podamos tener una idea de cómo podría parecer eso. Soy un gran fan de probar muchas tonterías solo aprender de tus errores, y sacar todo eso fuera del camino mientras eres joven y es divertido jugar. Entonces, lo que voy a hacer es ir a una imagen subexpuesta y sobreexpuesta, y también te voy a decir una forma genial de hacerlo todo de una vez. Entonces, primero déjame tomar un par de tomas, y luego te mostraremos cuando hablemos de editar tus fotos, cómo se ven esas y luego tomaré una imagen perfecta luego te mostraré un pequeño consejo también. Enfriar, así que acabo de tomar tres fotos. Uno que es como súper oscuro, uno que es realmente brillante, y luego uno que está por el medio, y ojalá una buena foto, ya veremos. Entonces, un pequeño truco genial si solo quisieras jugar con diferentes niveles de exposición y ver cómo se ve en general, es que puedes entrar en la parte trasera de tu cámara y esto cambiará si estás en una Nikon y Canon y dependiendo de la cámara tienes diferentes ajustes de menú, pero en general todo se llama lo mismo. Entonces, hay una función de menú llamada compensación de exposición, y horquillado de exposición automática. Puedes entrar en eso, haz clic en él y te mostrará más brillante y más oscuro a gran escala. Lo que hace el horquiletado de exposición automática, es que te permite tomar tres imágenes, o dependiendo de lo que tu cámara establezca en múltiples imágenes un nivel de exposición diferente, todo a la vez. Entonces solo tienes que mantener pulsado el obturador y obtienes tres imágenes boom, boom, boom. ¿Fueron tres? De todos modos, para configurar esto, después de entrar en el menú, lo que vas a hacer es que vas a tomar tu rueda de obturación, y simplemente girar a la derecha o a la izquierda, y eso aumentará la distancia de un diferencial de exposición, y se puede escoger una parada, dos parada, tres parada. No te preocupes por lo que me detiene, pero solo estoy diciendo más brillante, más oscuro, y hacer que esa propagación sea más ancha o más pequeña. Entonces, voy a escoger un diferencial de una parada aparte. Entonces, se tomará una imagen a un valor de exposición que sea negativo que sea perfecto, y positivo, lo que significa demasiado brillante. Entonces solo tienes que hacer click bien, y luego puedo hacer una toma de prueba, donde solo miro el modelo. Yo sólo voy a mantener pulsado el botón, voy a hacer clic en el botón tres veces muy cerca juntos. Oyes tres tomas, y eso se abrirá automáticamente en tu pantalla en la parte posterior de la cámara. Tres imágenes que son tres lecturas de exposición diferentes, y que te permite un margen de maniobra para jugar con la forma en que estás disparando. Entonces, cuando tomé esas tres tomas de prueba, lo hice todo manualmente, para mostrarte bajo y sobreexposición. Lo que hice fue mantener mi ISO estable en 1250, mantuve mi avatar en 2.8, y luego cambio una velocidad de obturación para hacerlo más rápido y más lento. Entonces, filmé la imagen perfectamente expuesta a una sobre 160, o una sobre 200. Disparé la imagen sobreexpuesta a una de más de 40 años, y luego grabé la foto realmente oscura a una de más de 640. Entonces, tienes tres extremos, y la razón por la que te mostré que el horquillado auto exposición, fue que puedes hacer todo eso sin siquiera tener que pensar manualmente. Entonces, configuraste el soporte de exposición, y luego solo tienes que hacer clic en el botón y es realmente así de simple, y es una forma realmente atajo de jugar y aprender con exposición. Sólo por mencionar por qué estamos haciendo todo esto, conozco a mucha gente cuando están aprendiendo fotografía, sé que lo hice porque he mirado clases antes y el pasado, es que no quieres colgarte de los números que estoy usando, porque cada escena es diferente, cada situación es diferente. Entonces, solo hay que tener en cuenta relativo lo que estamos haciendo y los conceptos de nivel superior. Baja esa rodilla un poco, eso, sí. Ve, con el cuello recto hacia arriba, y luego abre un poco la boca, sí. Dame la cabeza hacia abajo hacia la izquierda, como si estuvieras mirando hacia abajo a la esquina, sí. Enfriar. Baja otra vez en el sofá, y luego mira hacia fuera en esta dirección. Sí. Trae tus pies más abajo de esta manera, como tobogán, sí. El fondo, la mitad de tu cuerpo y ahora lo haces, ahora inclina. Sí. Trae tu mano vuelta solo un poquito en tu frente para que yo pueda. Sí. Mira justo a la cámara. Aguanta, para otro. Uno más. 8. Toma de espejo: Entonces, como notaste, hemos cambiado de localizaciones. Estamos en una recámara, drama natural. También hice que el modelo se transformara en un top blanco. No te cuelgues de esto, pero si le estás disparando a alguien que lleva algún blanco, sólo tienes que saber que el blanco refleja más luz, el negro la menor cantidad. Entonces, cuando estás disparando y te encuentras por conseguir esa gran exposición en su cara y en su piel, lo más probable es que vayas a estropear la exposición de su camisa. El grandioso del retoque y todo el software de postproducción es que puedes volver a meter parte del detalle en una camisa blanca si le disparaste un poco demasiado brillante. Entonces, no te cuelgues de él. Está todo bien. Te darás cuenta en esta escena, no tenemos la rica textura del ladrillo que tuvimos en la última escena. Tenemos alguna madera interesante con algo de coloración ligera y algún detalle, y tenemos un espejo que está un poco sucio lo cual me gusta. Entonces, trataremos de jugar con los diferentes componentes en la parte posterior. También te das cuenta, porque tenemos menos textura y cosas menos interesantes en la habitación, probablemente voy a tomar mucho más tiros apretados y enfocarme principalmente en su cara y su parte superior del cuerpo para conseguir un disparo más impactante. También, como mencioné, la playera blanca. En la otra habitación, teníamos una pared de ladrillo menos superficies blancas, así que teníamos una luz de ventana brillando justo en el modelo. En esta habitación, y no se puede ver, pero tenemos dos luces de ventana que son bastante altas, rectangulares que están entrando y pintándola con luz por ambos lados. Entonces, tenemos una luz que tecleando el lado izquierdo de su cara y la otra luz está actuando como un poco de relleno, por lo que estás teniendo una situación de iluminación más pareja. Además, es muy suave y gentil. Todavía podemos hacerlo dramático trabajando con su lenguaje corporal, su expresión, y también disparando un poco menos expuesto de lo que estábamos filmando en la otra sala. Otra cosa que notarás o quizá puedas notar es que mientras sí tenemos las puertas marrones, tenemos paredes blancas de cuatro caras. Entonces, la luz entrará en la habitación y casi rebotará por todas partes, así que por eso estás obteniendo una luz más pareja. Esta madera será interesante porque es un poco más cálida, por lo que reflejará, cuando hablamos de equilibrio de color antes, reflejará parte de la calidez de la madera en la piel de la modelo especialmente en los lados de su cara que son expuestos a la madera. Entonces, debería ser una toma interesante. Gira la cabeza más así. ¿ Justo de esta manera? No. Hazlo otra vez, pero sólo mira más a tu, sí. Entonces, le estoy apartando la cabeza de la ventana para que aún podamos crear la sombra en la parte trasera de su cara. Dame tus ojos. Enfriar. Apóyate contra la puerta. Entonces, tenemos un espejo en esta sala, y siempre es divertido jugar con este tipo de elementos en la sala también porque simplemente hace las cosas más interesantes. Nuevamente, tenemos más de una configuración básica. Entonces, cuanto más interés puedas agregar a la foto, más personas serán receptivas a la imagen. Mírame ese espejo. Sí, perfecto. El único que tienes que recordar de los espejos es que quieres no estar en ellos porque es un dolor en el culo que Photoshop tú mismo fuera. También te das cuenta de que estoy tomando mucho más tomas verticales que horizontales porque quiero que sea más apretado, hay menos fondo que mostrar. El vertical literalmente corta la mayor parte del entorno porque solo tienes un poco de espacio para capturar el modelo. En la otra habitación, tenemos ese ladrillo ancho abierto. Entonces, quería capturar la textura, la dirección que buscaba. En este, me preocupa más la expresión que está dando y especie de esa zona apretada entre ella y el espejo. Sí. Enterrar toda tu barbilla. Sí, perfecto. Vuelve abajo una vez más y sólo dame un poquito de tus ojos. Perfecto. No metí en esta habitación, lo cual es genial. Entonces, ya sabes de arriba, no necesitas un medidor para hacer todo esto. Solo necesitas poder revisar la parte posterior de tu pantalla y entender lo que está pasando en la escena. Nuevamente, dentro de un par de estándares de desviación por la tecnología digital, puedes volver a lo que necesitas para tener una exposición perfecta después del hecho, también. Entonces, no te cuelgues de todos los números y esas cosas. Le estoy dando mucha dirección a Christina. Por suerte, no tengo que darle mucho porque ya es buena en estas cosas. Es esa vida blogger. Sólo está bromeando. Entonces, lo que quiero sacar de cualquier modelo que estés disparando ya sean una especie de rigidez como tabla o muy emotiva y fluida es que quieres que transmitan cualquier mensaje que intentes disparar. Nuevamente, vamos hoy por desprendido y más emo. Entonces, ella me está dando los ojos muertos y una gama de formas con su cuerpo que transmiten no sólo la forma de la ropa, la idea de la emoción, todo ese tipo de cosas. Entonces, solo conseguir que una modelo sea fluida es como la mitad de la batalla, y una vez que las tienes ahí, entonces puedes una especie de retocar para dar la emoción que estás tratando de obtener de ella. Una cosa voy a añadir. Si esto fue como más una sesión de moda, si te gusta rodar ropa y cosas así, dependiendo de lo que esté usando, quieres que la modelo dé forma a su cuerpo de una manera que no sólo sea halagadora para la ropa pero halagadora para ella, pero también muestra movimiento y muestra estructura en la ropa porque solo hace que una imagen de moda más hermosa cuando puedes resaltar esas cosas. Para esto, todo es literalmente lenguaje corporal y la ropa es secundaria, aunque, servicial y de cortesía. Otra cosa que no mencioné pero vale la pena mencionar, en muchos brotes sobre todo cuanto más profesional te vuelvas, siempre tienes un equipo a tu alrededor. Entonces, estilista del cabello, maquillista, y un estilista de ropa. Entonces, no tenemos nada de eso aquí porque somos como bajo presupuesto y así me gusta. Pero dependiendo de tu modelo, ella podría tener la piel limpia. Siempre es bueno tener como una base de fundación. Entonces, en cada toma, busco darle la imagen más halagadora para ella y también mostrar la más emoción que le da al tema. De todos modos, por suerte, es preciosa, tiene la piel bastante limpia. Entonces, no me preocupo demasiado por el maquillaje. Su cabello funciona perfectamente con el tema, así que no tengo que preocuparme realmente por eso. Entonces por la ropa, porque somos una especie de secundaria y sólo vamos con más de la idea de la ropa en lugar de como un reflejo preciso preciso de la ropa, entonces está bien que estén un poco arrugadas. Si estoy disparando a la moda o algo así, me gusta que todo esté adecuadamente al vapor. Todo sólo tiene que ser perfecto. Pero cuando puedes salirte con la tuya sin tener una imagen perfecta, creo que lo hace más real para la gente. Me encanta la imperfección de, quiero decir, la perfección de la imperfección. Entonces, esto funciona perfectamente. Pero son todas esas cosas que quieres mantener los ojos puestos, arrugas, cabello, maquillaje, solo asegúrate de armar una imagen halagadora. Digamos que sí tienes un rodaje que como producción mínima, hay un par de consejos y trucos que me gusta ir con que te pueden ayudar a superar el rodaje. Entonces, si tienes una modelo que no tiene la piel más halagadora, y eso es normal, quiero decir, no todo el mundo tiene una piel perfecta y impecable, lo que puedes hacer es enfocarte menos en el tipo de tomas de retrato realmente apretadas y dar un paso atrás. Antes, hablamos de usar diferentes velocidades de apertura para crear como un plano focal donde una cosa está enfocada y todo cae en desenfoque, eso hará maravillas para la piel. Porque no te enfocas tanto en la textura de la mala piel, eres más así que captas la nitidez de los ojos y todo lo demás caerá de foco. Entonces, si disparas como 2.8 a 5.6, básicamente significa aperturas más altas. Podrás desenfocar parte de la mala textura en la piel, y eso también te ayudará. Entonces, dar un paso atrás y usar tu apertura a tu ventaja. Para el cabello, la mayoría de las chicas saben cómo arreglarse el cabello. La mayoría de los chicos al menos saben cómo hacerse una apariencia de buen cabello. Entonces, siempre puedes hacer que tu modelo trabaje con él o puedes tener un amigo en el set que pueda ayudar a tu modelo a ponerse una capa básica, capa base, añadir un poco de color a las cejas, labios, lo que sea, y luego el cabello también lo mismo. Lo único del cabello, una vez que tienes una idea de cómo debería ser el cabello, estás casi al 100 por ciento del camino ahí. Pero el último 10 por ciento final, porque retocar el cabello es tan difícil, cuando estás disparando a tu modelo, solo asegúrate de que si él o ella se mete con el cabello, se mueve demasiado, y sientes que estás consiguiendo mucho como pelos callejeros que van por todo el lugar o son como un gran grupo de cabello no está en un lugar que lo quieras, es mejor arreglarlo antes de tiempo que arreglarlo después. Hay gente a la que se le paga mucho dinero solo para retocar el cabello porque es así de difícil de hacer. Entonces, intenta sacar la mayoría de las cosas que quieres justo en la imagen o antes de que se tome la foto, por lo que tienes menos que hacer después del hecho. Digamos, solo estoy mirando la escena por primera vez incluso en tomar un par de tomas. Tenemos un poco de camisa arrugada, un poco descolorida, perfecta para el tema. Su cabello ya se ve genial. Yo le preguntaría como puedes palmaditas justo la espalda, solo un arreglo. Simplemente arregla todo lo que parezca loco o fuera de lugar, la piel se ve muy bien. Lo que haremos es tratar de conseguir mucho de su rostro y de la luz. Tenemos una luz suave que hará que la piel luzca muy pareja y agradable. Cualquier mancha que no te guste o cualquier tatuaje que no te guste, siempre puedes sacar después del hecho. En la moda, siempre tratamos de conseguir una imagen muy perfecta casi hasta el punto en que no es realista. Pero en cualquier momento estoy haciendo proyectos personales o disparando amigos o simplemente divirtiéndome , realmente me gusta la perfección de la imperfección donde se obtiene una imagen real. Es muy halagador, pero no es perfecto. Hay imperfecciones, hay cositas que están fuera de lugar. Todo ese tipo de cosas simplemente lo hace más interesante y más real. En realidad puedes levantar las rodillas. No, como abrazarlos. Sí, sí, exactamente. Exactamente. Perfecto. Enterrar la barbilla y luego dame tus ojos. Sigue mi dedo con los ojos. Trae tu barbilla en las rodillas. Ahora, sube solo un poquito. Endereza la cabeza, endereza la cabeza. Entonces, eres como una línea recta. Bajen a las rodillas. Siempre, esto es tan difícil para mí. Yo soy como, “¿Qué?” Ya sé, concéntrate. Está bien. Ahora, mira un poco hacia arriba, mantén la barbilla en las rodillas. Perfecto, así como así. Ahora, sigue mi dedo. Ahí mismo, no te muevas. El lente está abajo. Sólo mantén los ojos donde los tenía. Yo solo quiero asegurarme de que tengamos tu iris y menos de ese blanco, por un segundo. El loco de la luz del día es que a veces viene y va, así que ahora está un poco oscuro. Pero trabajaremos con ello posicionando su cuerpo más hacia la luz para conseguir lo que podamos en su cara. Entonces, gira un poco tu cuerpo así, diagonal. Enfriar. Lo que oyen, no sé si escuchan el pitido, pero lo que hago cada vez que tomo una foto es que he presionado el botón del obturador que permite la lente, el autofoco, y luego recompongo la imagen, es decir, muevo la lente al punto en el que quiero tomar la toma, y luego presiono el botón para tomar la foto real. Entonces, puedes escoger tu punto focal, cambiar la posición de la cámara y luego tomar la toma. Por eso estás escuchando primero el pitido y después el disparo, el sonido del obturador. También estoy disparando dos tomas cada vez que tomo uno porque estoy disparando una velocidad de obturación muy lenta, lo que significa que si se mueve incluso un poco o me muevo un poco mientras estoy de mano sosteniendo la cámara, podría salir de tiro de foco. Eso es lo último que realmente quiero es no tener unos ojos agudos. Eso me gusta, pero baje eso. Vuelve a hacer eso donde te pareces una especie de cruz. No, uno arriba y otro abajo. Sí. No te muevas, cierra los ojos. Impresionante. 9. Toma a contraluz: Entonces, estamos cambiando una última posición. Voy a poner a Christina en la esquina junto a esta cómoda. Yo quiero jugar con una fuente de luz más cercana, para que podamos crear un poco más de drama en las sombras. Voy a tomar un tiro, no sé si va a salir bien, ya veremos qué pasa. Aunque, sí sé lo que va a pasar, pero lo que sea. En esta escena, lo que hicimos fue poner a nuestro modelo frente a la fuente de luz, lo que significa que estamos creando un escenario retroiluminado. Por lo general, esto está bien cuando se tiene una segunda fuente de luz, al menos está iluminando la parte frontal del modelo, porque la luz de fondo actuará como una luz de pelo. Es decir, se iluminará, la sacará del fondo. Desafortunadamente, porque sólo tenemos esta única fuente de luz, tengo que medirla para ella, y también tengo que tratar de medir para la ventana, y eso es casi casi imposible. Entonces, lo que vas a conseguir como una silueta esencialmente. Donde podemos obtener una imagen oscura de la modelo, pero un telón de fondo muy brillante, y luego te mostraremos algunos ejemplos. Entonces, trataré de llevarme una pareja así, te mostraré lo que parece exponer solo para ella, y exponer solo para la ventana. Mira justo aquí, justo ahí, perfecto, y quédate así. Entonces, podrías estar pensando: “Bueno, no quiero sólo usar el Sol, tengo una luz en mi habitación en el techo, o tengo una lámpara en la esquina”. El motivo por el que tratamos de evitar el uso fuentes de luz artificiales que son como fluorescentes o tungsteno es porque, lo que hacen es, bañan el modelo en un resplandor desagradable, como naranja o lo que sea su temperatura de color esa luz es y cambia toda su tez de piel, y eso la convierte en una experiencia muy dolorosa después del hecho de corregir para eso. Entonces, lo único que quieres agregar a la luz ambiental como el Sol, es otra fuente de luz iluminada por día. Entonces, eso podría ser un estroboscópico que esté equilibrado para la luz del día, como un flash de cámara o una iluminación estroboscópica que puedes rentar en una tienda o comprar. Pero, no se quiere mezclar diferentes temperaturas de luz. Entonces, sólo vamos a tratar de trabajar con esta luz única, y corregir por el hecho de que esté retroiluminada girándola, y disparando en diferentes ángulos. Entonces, voy a hacer que te pongas de pie, pongas la espalda contra la cómoda, y usaremos esta luz entrando como la cosa que te va a atrapar, y luego voy a venir, así que tenemos menos de la ventana en el cuadro y más de este marco y la cómoda. Gira tu, inclina tu, así como así. Mira, ni siquiera tengo que darte ninguna dirección. Entonces, estoy tomando estas tomas y estoy notando que hay mucho, esta no es mi casa por supuesto, pero estoy notando que hay muchas cosas de fondo. Si bien a veces las cosas de fondo pueden agregar mucho interés en la toma, a veces puede ser un poco confuso, y alejarse del mensaje general que estás tratando de capturar. Entonces, lo que podemos hacer es o bien limpiar lo que no funciona. Al mirar esta escena lo que haría es, limpiaría todo excepto quizá los libros de fondo. Son agradables y ordenados y tienen una buena forma. Probablemente dejaría la vela. Sólo cosas que son limpias y fáciles y no demasiado distraen y saca todas las minutiae si quieres. En lugar de mover las cosas ya que, no vivo aquí y no quiero volver a ponerlo, voy a posicionar nuestra modelo para cubrir las cosas que no quiero ver, y mover un par de artículos de los que no puedo deshacerme muy fácilmente. Entonces, ven a la esquina y párate justo en la espalda, sí, perfecto. Entonces, estás escondiendo todo eso, y solo moveremos cosas que no quiero ver fuera de escena. Perfecto. Entonces, con poco o ningún esfuerzo, ya me he quitado la mitad de las cosas que fue una distracción y ella está usando su cuerpo para encubrir el resto, y ahora tenemos un telón de fondo muy sencillo y limpio. Saca esto también. Trae más tu brazo derecho a tu cuerpo, sí, perfecto, así como así. Dame una mirada de tres cuartos en esta dirección, un poco más a la izquierda, un poco más a la izquierda, a la izquierda. Sí. Un poco más correcto, perfecto. Igual que eso. Entonces, solo mueve un poco la parte posterior de tu cabeza, la parte superior de tu cabeza. Sí, sí, esta parte, sí, perfecta, perfecta. Dame la mirada por la ventana un poco. Sí, así como eso. Entonces, en efecto, lo que hemos hecho es, hemos cancelado la luz de fondo no sólo moviéndola de frente a la luz hacia un lado, dejando que la luz la golpeara desde un costado, sino que también hemos sacado la ventana del ecuación, por lo que no tenemos que exponer realmente para la ventana, sólo tenemos que exponer para el modelo. Entonces, la hemos movido para encubrir parte de la distracción que no queremos, y mantener la distracción que sí queremos, y después obtenemos una imagen limpia de eso. 10. Recorte (edición): Sólo un prefacio, estamos de vuelta en el estudio. Te voy a llevar a través de un par de imágenes. Disculpe el ruido de afuera, es viernes por la tarde en Nueva York, lo que significa que todo el mundo está tratando de salir de la ciudad pero aguanta con nosotros. Entonces, hemos hecho una rápida llamada de las imágenes del rodaje de hoy y solo voy a repasar algunos buenos puntos de discusión para darles una idea de lo que estoy buscando en las imágenes finales, luego mostrarles un poco sobre mi proceso de edición, si se quiere. Entonces, la primera imagen que estamos viendo es una imagen donde está un poco sobreexpuesta. A lo que me refiero con sobreexpuesta es que te das cuenta de que los reflejos en la cara están volados. Apenas se puede ver ningún detalle. Si empujas aquí, no puedes ver ninguna textura en la piel, mientras que aquí ves alguna textura rica toda la cara donde la luz no la está golpeando. Entonces, eso es una chatarra automática. Entonces, para esta siguiente imagen, este es un ejemplo de donde estoy subexpuesto. Es decir, no tengo suficiente luz entrando al cuadro. Se puede ver un poco de luz pastando su cara. En última instancia, este es un tiro muy oscuro, y no estás captando lo suficiente del detalle para hacer de esta una foto impactante. El ladrillo está un poco demasiado oscuro, la camisa está perdiendo detalle en las sombras, todo el lado derecho de su cara, no se ve mucho de nada. Entonces, esa es una de esas fotos que también desgarraríamos. Entonces, puse aquí una foto que me gusta porque casi parece soñar con el día. Podría no ajustarse necesariamente al tema pero trae algunos puntos clave en términos de encuadre y composición. Notarás, en esta foto, que hay mucho espacio negativo. Entonces, por espacio negativo, quiero decir, ahí está el sujeto aquí abajo y luego mucho espacio, no necesariamente contiene al sujeto ni nada por el estilo. Me gusta usar el espacio negativo sobre todo fuera cuando estoy disparando a alguien en un vasto entorno, pero también termina siendo cool también porque expresa la naturaleza de ensueño del disparo. Ella mira hacia arriba al cielo. No necesariamente sabes lo que está por encima de ella, pero sí sabes que está pensando y ese tiro lo transmite. Ese espacio negativo, ese espacio líder, te ayuda a visualizar eso. Entonces, en esa última foto, había mencionado hablar de espacio líder y espacio negativo, pero el espacio principal es la palabra que quiero clavar en esta foto. Te darás cuenta de que ella está mirando por la ventana. puede decir que es una ventana, porque la luz viene de esa dirección. Lo que hice fue permitirme espacio entre su cara y donde está mirando. Entonces, te empujan a la perspectiva de ver dónde está mirando. Te estás imaginando lo que ella está imaginando. Casi estás construyendo la imagen de lo que ella está viendo a través de tu propia visualización, y eso es lo que quieres hacer con la foto. No sólo quieres contar la historia sino que quieres darle a alguien un margen de maniobra para imaginar. Creo que esa es una gran manera de hacerlo, al crear este espacio líder frente a sus ojos. Además, este sería un buen momento para plantear la regla de los tercios. Eso lo voy a demostrar poniendo por encima de un desembolso de cultivos. Esta es una regla de tercios de los desembolsos de cultivos. En Lightroom, puedes tirar de esto hacia arriba al estar en tu módulo de desarrollo y usar el botón R para subir el cultivo. Entonces, lo que estás viendo es, es una regla básica de composición pero tienes tres cuadrantes igualmente espaciales, tanto en filas como en columnas. Cuando organizas tu foto, la composición de la foto, donde piezas importantes del tema están golpeando intersecciones u ocupando ciertos cuadrantes, creas una foto más agradable e interesante. En esta foto, hemos puesto sus ojos en ese cuadrante superior izquierdo, mucho del detalle del tema está todo el camino a la izquierda. Entonces, la estamos poniendo en un lado muy concentrado de esta cosa. Entonces, tenemos un punto en la esquina superior izquierda, y luego también tenemos un tercio entero de la foto con ella en ella. Hemos dejado los otros dos tercios para darnos imaginación, para permitirnos que nuestras mentes viajen. En la cosecha así, podría incluso entrar un poco más apretado, no tienes que tener nada exacto, pero solo una manera de minimizar estas cosas no necesitamos sino crear un enfoque. Entonces, ahora mismo estamos creando un foco desde el sujeto hasta la ventana y voy a presionar Enter para jalarlo. Entonces, automáticamente, sólo nos quitamos un poquito de esta foto. Entonces, voy a volver al original. Aquí es donde estábamos, tenemos un poco de espacio extra en el costado que realmente no necesitamos, un poco de espacio en la parte superior que no es necesario. Nosotros automáticamente, al usar la regla de los tercios y apuntar un poco el cuadro, podemos sacar un poco del fondo. Crea una imagen más enfocada y una imagen más ajustada y hazla más interesante solo sin siquiera intentarlo. Esto es sin edición real, simplemente cambiando la composición, cambiando la forma en que sus ojos miran la imagen. Entonces, te voy a mostrar dos imágenes diferentes, solo para que tengas una idea cuando estés en tu cámara y realmente tratando de componer tus tomas. Te dará algo en lo que pensar mientras estás disparando. Entonces, mucha gente tiene preferencia por disparar horizontal versus vertical. Realmente no tengo preferencia pero sé cuando algo es apropiado en base a lo que realmente estoy tratando de capturar en la imagen. Entonces, esta imagen que estamos viendo en este momento es una horizontal. Te diré lo que me encanta en la imagen. Amo su expresión, me encanta que solo haya un poquito de luz pintando su rostro. Me encanta la textura en el fondo, y la profundidad que se crea desde dispararle y enfocarse en la derecha, hasta caer fuera de foco en la izquierda. El motivo por el que disparé este horizontal porque quería llevar todas esas cosas del entorno a la foto. Es muy importante pensarlo así. Cuando se quiere incluir más entorno, suele ser más fácil hacerlo con una toma horizontal, porque se puede incluir mucho más detalle en la imagen y el marco, así como en el sujeto. Cuando estás disparando un tiro vertical, es un poco más dicioso atrapar cosas a la izquierda y a la derecha, aunque definitivamente puedes incluir cosas cada vez más bajas en la foto. Pero para esta toma, en particular, es sólo para ilustrar el punto. Puedo traer la textura del ladrillo, puedo captar la profundidad desde la longitud de sus piernas en ese tipo de área borrosa versus su cara en foco. Eso crea un gran ambiente, un gran retrato horizontal versus si tire hacia arriba un gran tiro vertical, es realmente apretado. No sabes dónde está sentada, en qué está sentada, no sabes la naturaleza de la habitación. El foco para esto está realmente justo en la cara, la expresión. Creo que eso es algo realmente grande en lo que pensar mientras estás tomando fotos. ¿ Quieres hablar directamente con la emoción? ¿ Quieres traer a tu sujeto a la vida justo frente a la cámara? ¿ O quieres pintar un cuadro del ambiente en el que se encuentra? ¿ Quieres describir y pintar una historia que tenga todos los componentes del ambiente, la emoción, el lenguaje corporal, la textura? Simplemente piensa en esas cosas antes de capturar, porque una vez que capture una horizontal versus vertical, esa es toda la información que va a tener. Una opción y un consejo rápido que me gusta decir es, si vas a poner a tu sujeto en un tercio de la foto verticalmente, así que si la pones abajo por el medio, arriba y abajo verticalmente, en uno de estos cuadrantes, uno de estos tercios, lo que puedes hacer después del hecho es siempre poder recortar la imagen. Pero esto solo sucede cuando disparas horizontalmente. Se puede recortar la imagen verticalmente y guardar, y recrear el encuadre. Entonces, esa horizontal se convierte en eso y es igual de preciosa de una foto como si fuera de toda la longitud, y lo hicimos de una manera diferente. Si disparas esto, desafortunadamente, voy a volver atrás y mostrarte. Si disparas algo verticalmente como esto y tratas de recortarlo horizontalmente, uno pierdes mucha información de píxeles y dos, no va a ser tan impactante de una foto. Tengo menos opción en la forma en que lo recorto y la forma que se presenta y termina siendo más una foto borrosa. Entonces, cuando tengas dudas, si puedes disparar horizontal y enmarcar a tu sujeto de una manera que él o ella trabajará bien en un cuadrante vertical así como encajar realmente bien con el entorno, haz eso, así que tienes opciones más adelante cuando estés editando tus fotos. Algo que quiero llamar la atención es donde te estás enfocando en tu tema y en la escena en general. Para la mayoría de sus retratos, y me atrevería a decir todos los retratos. Al menos empezando, quieres asegurarte de que tu foco va a estar en estos ojos. Los ojos son lo más importante para tener tachuelas afiladas y dejar que todo lo demás caiga en su lugar tal como está. Entonces, notarás como todo en la misma distancia focal que los ojos, así que los ojos, esta parte de la nariz, la mejilla, la camisa que está en esa misma distancia focal, está en foco. Pero, cuando te vas fuera de ese camino focal, así la mano justo delante de la cara, el brazo justo a la derecha de la cara y la pared de ladrillo y sofá detrás de ella, todos ellos caen fuera de foco. La forma en que haces eso es usar esa abertura abierta como un dos ocho, uno dos, y necesitas componer tu foco directamente en los ojos. Es importante tener esos ojos afilados porque, quiero decir, así es como estás respirando vida en tu sujeto, así es como tu sujeto está comunicando cómo se siente, su expresión, a través de esos ojos. De verdad honestamente, notarás la diferencia entre los ojos estar fuera de foco y no, porque eso es exactamente lo que la gente está mirando en tu foto. Le están mirando directamente a los ojos y luego van a examinar el resto de la foto. Entonces, quería señalar algo rápido sobre la textura. Absolutamente me encanta disparar cosas con textura, ya sea ropa, fondos. Apenas cosas que respiran vida y muerte al sujeto. La textura tiene una gran manera de darte la muerte porque la textura tiene superficies elevadas que tienen contornos y permite que la luz la golpee y contornee, al igual que está golpeando la cara y contorneando la cara. Entonces, en esta imagen, me encanta mucho y muchas de las imágenes lo cual es genial, me encanta que tengas múltiples puntos de textura. Tenemos la pared de ladrillo que está dando alguna gran textura de fondo, algo de calidez. Tenemos su cabello que es un poco más seco, por lo que está creando algo de textura rica cuando la luz lo golpea. Tienes la camisa que tiene los contornos, las sombras y que tú, puedes decir, solo puedes mirar la imagen y decir “Oh, eso es una camisa de algodón”. Textura trae muchas más cosas en el foco, lo cual es genial. Cuanto más compactes, eso sea de cortesía, mejor va a estar tu foto, al menos en mi opinión. Entonces, recuerda, si quieres capturar tu entorno, sacar la textura, crear este espacio líder o una historia alrededor de una imagen, ve con lo horizontal. Te da mucha más área, superficie con la que jugar en tu foto y realmente te ayuda a transmitir una historia. Si quieres llamar toda la atención sobre la expresión en la cara del modelo, va a ser más fácil usar una toma vertical. 11. Lightroom (edición): Entonces, estamos aquí en lightroom y te voy a mostrar brevemente algunas correcciones y ajustes rápidos que puedes hacer para realmente dar vida a tu foto. Cuando abras tus imágenes en lightroom, puede que esté en tu biblioteca, pero cuando estés listo para empezar a hacer algún trabajo, vamos a pasar al módulo de desarrollo. Entonces, he decidido ir con esta foto, me gusta que ella esté mirando por la ventana, es impactante, y así vamos a hacer un par de arreglos rápidos que como realmente ayuda a fortalecer la foto. Entonces, voy a pasar al módulo de desarrollo, voy a hacer clic derecho en la imagen o en esto, porque no tengo clic derecho, voy a presionar clic de control, y voy a abrir una copia virtual. Esto permite básicamente editar sobre la foto sin posibilidad de hacer ningún daño a la copia original de la foto. Entonces, voy a ir a abrir este módulo para que veas todo lo que está pasando. Entonces, a la derecha tienes todas tus características de ajuste. Lo que me gusta hacer es simplemente ir en orden, como mi mente funciona muy linealmente, discúlpame, y así es como vamos a trabajar en este módulo. Entonces, notan lo primero es el balance de blancos, ahora mismo está ahí como As Shot, a veces es fácil decirle a un auto aunque siempre pienso que se equivoca o no hace mucho de nada. Dependiendo de tu situación, al igual que en la cámara, puedes cambiar tu balance de blancos para reflejar la situación en la que te encuentras. Voy a ir con As Shot, y notarás que el deslizador de temperatura afecta tus calentamientos y enfrías y tu tinte afecta especie de las magentas y los greens. Voy a calentar un poco esta imagen, y para calentarla, solo vas a aumentar un slider. Ahora mismo estamos en 4,900, es una especie de temperatura diaria de rango medio, pero quiero darle a esto un poco más de una sensación cálida, así que sólo voy a subir esa temperatura, decir que voy a calentar la imagen. Entonces, subió 500, 600 puntos, y ahora automáticamente se siente un poco más caliente. Entonces nos vamos a desplazar hacia abajo, no me voy a meter con el deslizador de tinte, dependiendo de si tu imagen se siente como si tuviera un poco de un fundido de color, poco a rosa, poco a verde, puedes ajustar eso a lo que crees que se sienta bien. Entonces, lo siguiente que estamos tratando es una especie de las cosas con las que tratamos de lidiar en la cámara, pero a veces no siempre lo consigues perfecto por lo que siempre puedes ajustarlo después del hecho. Lo primero que estoy notando es la exposición en los deslizadores de contraste. Me gusta mucho la forma en que salió esto, pero quiero agregar solo un poco más de luz en general y a la imagen solo para trabajar con ella y luego la vamos a disminuir usando otros factores. Entonces, solo voy a aumentar la exposición en 0.3. No te preocupes en cuanto a las matemáticas sobre esto, solo quiero decir que lo estoy incrementando. Voy a aumentar el contraste sólo un poquito. Sólo para que entiendas el contraste es básicamente una relación, es como la diferencia entre las luces y los oscuros o diferentes píxeles. Entonces, cuando aumentas el contraste, estás aumentando la diferencia entre píxeles lo que hace que el, creo que un área de luz y un área oscura, la diferencia es cada vez mayor, y eso crea un punto de enfoque, crea apenas relaciones diferentes en la foto. Entonces, sólo lo voy a aumentar un poco, y luego voy a bajar a nuestros reflejos, sombras, blancos, y negros. Entonces, lo que debes saber aquí son los reflejos y las sombras de lo que vas a ajustar para o bien recuperar los reflejos. Al decirlo así, si te sobreexpones a la imagen, cuando te mostré esa imagen antes, si sobreexpones puedes guardar los reflejos. Voy a arrastrarlo a la izquierda y a la derecha para que veas a lo que me refiero. Entonces, estas son tus áreas de reflejos, por lo que las áreas donde ves golpear la luz, esas son tus áreas más destacadas. Si arrastro esto hacia la izquierda, decir quiero recuperar los reflejos, lo que hace es bajar las luces en esas áreas y especie de trae la textura y el detalle de vuelta. Si quiero sobreexponer esos reflejos, verás que la imagen se pone mucho más brillante en esas áreas. Creo que hicimos un muy buen trabajo en capturarlo. Entonces en realidad voy a traer los aspectos más destacados solo un poquito porque me gusta ese pop, la diferencia entre las sombras y las luces, y así voy a sacarlo solo un poquito para crear algunos efectos drásticos. Entonces voy a hacer lo mismo con sombras, de nuevo, estas son las áreas de sombra donde se ve el cabello, cualquier lugar que la luz no esté cayendo directamente, se crea una sombra, y se puede deslizar esto hacia la izquierda para hacer esas sombras más oscuras o puedes deslizar hacia la derecha para sacar algún detalle sobre la sombra. Se puede ver automáticamente que hay un poco más de textura entrando en el cabello, un poco más de textura entrando y detalle entrando en la camisa. Pero en esto, porque de nuevo estamos haciendo retrato dramático, quiero aumentar la diferencia entre mis reflejos en mis sombras, y estoy bien si pierdo un pequeño detalle en la camisa, eso está bien para mí. Entonces, voy a disminuir esa zona de sombra y hacerlo un poco más oscura y más impactante, y simplemente dejarla caer un poco. Ahora, los blancos y los negros, no necesariamente tienes que lidiar, realmente controla tu punto blanco y eres punto negro, y aquellos de ustedes familiarizados con Photoshop pensarán en eso como eso es algo que tú se puede hacer fácilmente con el ajuste de curva , pero básicamente, tienes un punto blanco en la imagen si quieres aumentarlo solo arrastras hacia la derecha, si quieres disminuirlo, vuelve a ver lo drástico que es eso, lo arrastras hacia la izquierda. Nos saltaremos eso con el propósito de esto porque no es algo que siempre hago, y luego bajará a la claridad, y a la vibración, y a la saturación. Entonces, me gusta hacer saturar mis fotos sólo un poquito porque para el retrato dramático, no estoy realmente preocupado por las imágenes coloridas, eso es un poco demasiado feliz y para esta imagen en particular, quería sentirse dramático pero de una manera más emocional, más triste. Entonces, quiero sacar algunas de las luces, sacar algo del color, pero seguirá siendo muy impactante. Entonces, lo que suelo hacer es caer esto en cualquier lugar del negativo 10 al 20, no te dejes atrapar por los números, no es importante. Simplemente me gusta sacar un poco de esa calidez y sacar un poco de ese color y mantener la dirección en la cara, el mensaje de la emoción, y cosas así. No te preocupes por la vibrancia, lo puedo explicar pero estás mejor solo leyendo un término de glosario sobre eso. Es decir, porque estamos desaturando, es menos una característica importante para lo que estoy haciendo aquí, así que he caído un poco la saturación, y la claridad es como el contraste pero es un poco más micro. Entonces, te darás cuenta, si arrastro esta claridad hacia la derecha, ves cómo las cosas se vuelven un poco más oscuras alrededor de los bordes, eso es lo que hace la claridad, suaviza o especie de endurece esos bordes. Lo que hay que recordar, un consejo rápido, es que no quieres aumentar la claridad en alguien que tiene muchas caídas en la piel o cosas así, porque va a sacar esas caídas aún más, quieres suavizar el imagen un poco. Para esto tiene una piel realmente bonita, quiero hacer estallar un poco la imagen, así que voy a subir solo moderadamente. Otra cosa que puedes hacer en Photoshop, un consejo rápido, es si subes aquí a este tipo de panel de herramientas, hay un pincel, y en realidad puedes pintar en lo que quieras. Entonces, si quieres pintar con claridad, di: “Quiero que esa pared de ladrillo salga mucho y no tengo un stylus conmigo, lo cual es realmente genial para editar con, pero voy a usar mi ratón. Si quiero pintar con claridad, solo a una porción de la foto, puedo cambiar la claridad aquí, empezar con el pincel nuevo y simplemente pintarlo. Ahora tienes un muro que está estallando, tal vez te guste o tal vez no. Algunas personas, quieren todo el enfoque en la mitad de la foto y no en el telón de fondo, lo quieres en la persona. Entonces, encendiendo y apagando esto, y te mostraré cómo se ve, esto está encendido, esto está apagado, encendido, apagado. Creo que es un poco distraído que el fondo me salte más que la cara, entonces, vamos a dejar eso apagado por ahora, pero sólo para que sepas que hay opciones para pintar. Todas estas diferentes correcciones que estamos haciendo, podrías hacerlo individualmente usando pincel de ajuste. Entonces, volveré a los ajustes globales. Entonces, aquí dentro, esta curva de tono, es esencialmente que estás haciendo lo mismo con los deslizadores, es sólo otra forma de hacerlo. Ahora, para principiantes, sugiero, solo para hacerse una idea de lo que está sucediendo, puedes usar la curva de tono preestablecida que tienen para ti, tan lineal, de contraste medio y fuerte contraste. Si de verdad te sientes, me gusta ir a medio camino, medio, y verás cómo ese tipo de automáticamente trae las luces y los oscuros y más de una juxtaposición aguda, y realmente crea un enfoque en su rostro. Esto me gusta, si querías hacer cambios individuales usando la curva, siempre puedes arrastrar las diferentes partes del gráfico, también puedes hacerlo usando deslizadores. Estos deslizadores, ya he explicado en la parte superior pero es más tener que ver con los tonos frente a la imagen general, realmente no se sumergen en lo profundo. Si quieres jugar con estas cosas, es realmente divertido hacerlo por tu cuenta y puedes tener un sentido de lo que está pasando. Si te desplazas hacia abajo, hay diferentes formas en que puedes ajustar el color en lightroom. Creo que esta foto se ve realmente bien. todo caso, bajaría la saturación de esta playera roja, así que no es tan distrayente, otra vez, no es lo más importante, pero también hay que hacer una nota que cuando sacas el rojo de algo, muchos tonos de piel tienen rojo, así que si desaturas demasiado, vas a desaturar sus labios, podrías desaturar algunos tonos de carne. Entonces, ten mucho cuidado como trabajas con eso. Yo sólo voy a bajarla una cantidad muy pequeña solo para que la camisa salga un poco menos, pero aún así mantenemos el color en los labios. Muchas de estas cosas que querrás hacer en Photoshop para que puedas conseguir correcciones de manos muy individuales, y no lo estás haciendo a toda la imagen. Entonces, de todos modos se ilumina la saturación de matiz, esas son todas formas de jugar con el color. Nuevamente, rara vez me meto con el color, en lightroom, suelo hacer ediciones realmente tópicas solo para hacer que la foto salga un poco más y asegurarme de que el énfasis esté donde la quiero, y ahí es donde también hago mis cultivos. Tonificación dividida, eso es algo más avanzado, nuevo, para otra clase, pero puedes sentirte libre de jugar con eso, y eso tiene que ver con los colores que estás viendo en los tonos y los reflejos versus el sombras. Por lo tanto, en realidad se puede cambiar el color de la sombra y el color de resaltado arrastrando alrededor del tono y la saturación. Entonces en detalles, puedes lidiar con afilar la imagen, realmente no quieres jugar con la imagen afilada hasta que estés listo para exportar la imagen final, así que sea cual sea esa imagen de tamaño final que vas a usar, es cuando ajustas el afilado. De nuevo, ese es un tema más detallado que realmente no necesitas conocer, no es tan profundo. Ahora, una de las cosas grandes, y hablamos antes de qué tipo de cámara estás usando. Entonces si estás usando una cámara realmente profesional y estás disparando a un ISO alto. Entonces, no vas a tener tanto ruido como lo harías si disparas con un ISO muy alto, o con luz muy baja con un punto y disparar, o un iPhone que no tenga la capacidad de corregir para esas cosas. Entonces, lo que pasa es, digamos que estás disparando con un punto y dispara, no hay mucha luz, y necesitas reducir parte del grano y parte del ruido que está pasando. Lo que vas a hacer es que vas a entrar en Reducción de Ruido y vas a aumentar el control deslizante en función de lo que estás viendo en la imagen. Esto ayudará a reducir el ruido, ayudará a limpiarlo. Se puede ajustar en función del color y del tamaño del detalle. Todo esto es cosas muy minuciosas con las que lo más probable es que no tengas que lidiar. Pero si lo haces, solo debes saber que esa herramienta está disponible para ti en Lightroom, y podrás experimentar con eso más adelante. Otras dos cosas, y luego vamos a seguir adelante y exportar esto porque creo que se ve como una foto realmente genial. Aquí hay otras dos herramientas que son realmente útiles. Corrección de Lentes. Las características de Corrección de lentes están aquí para ti si las necesitas. Nuevamente, corrigen algunos de los problemas mientras disparan en aperturas más amplias, disparan con lentes que tienen problemas naturales de destellos de lente, y cosas de esa naturaleza. De nuevo, lee sobre él, echa un vistazo experimento en tu propio tiempo. No muy esencial para esta clase, pero está ahí si lo necesitas. El último es, y esto es genial, si quieres agregar una viñeta que no tenías cuando estabas disparando, definitivamente puedes agregar eso después del hecho, y también puedes hacerlo con grano. Entonces, para este disparo, le disparé a la ISO 600. Disparé con una apertura muy abierta 2.8 y disparé a una velocidad de obturación algo lenta de uno sobre 400. Ya hemos puesto algunos contrastes. Tenemos algo de oscuridad natural alrededor de los bordes de la foto. Pero si quieres, digamos, hacer que eso sea un poco más drástico, en realidad podemos aumentar la cantidad de viñeteado que está sucediendo en las lentes. Probablemente hayas visto esto si usas Instagram. Agregar viñeta a un objeto puede hacer que los bordes sean más anchos, más claros , se desvanezcan, o pueden hacerlo más oscuro y agregar un poco más de impacto, y dirigir la atención a su sujeto. Entonces, para este retrato dramático, normalmente no hago esto con demasiada frecuencia. Pero solo para agregar algún efecto, voy a añadir un poco de viñeta. Voy a hacerlo un poco más drástico. Entonces, justo alrededor de este negativo 26, estás empezando a enfocarte mucho más en la cara y los ojos. Estás empezando a conseguir áreas más oscuras alrededor de la foto, y está llamando a tu enfoque sólo a esta área, que es yo creo muy importante. Podrás jugar con tu viñeta. Se puede cambiar el punto medio, siendo el punto medio el área media donde comienza a tener lugar la viñeta. Se puede cambiar la redondez de la misma. Se puede cambiar el emplumado, es decir, el detalle alrededor de los bordes. Puede ser una pluma más suave o una pluma más dura. Justo como ejemplo, esta sería una pluma dura, donde obtienes este óvalo. Eso nunca es bueno. Quieres asegurarte de que se mezcla con los tiros. Entonces, se ve lo más natural posible. Entonces, más suave siempre es mejor. Simplemente lo dejaremos en medio de la gama, cómo lo tenían. Entonces, lo último que hacemos, último de lo que quiero hablar para esta edición, porque creo que realmente se pueden lograr algunos grandes resultados sin hacer demasiado trabajo, es agregar el grano en. Nuevamente, disparé a 1600 ISO. Entonces, eso significa que hay algún buen grano en el sensor. Si estás filmando película, va a haber realmente buen grano en esa película. Pero si quieres agregar alguna textura de grano al final de la misma, también puedes hacerlo. Te voy a mostrar lo que parece agregar demasiado grano y mostrarte lo que parece agregar solo un poquito de buen grano para complementar el grano y la textura que ya está en la imagen. Si arrastramos este grano todo el camino hacia la derecha, esto es extremo, esto sería como si estuvieras filmando un ISO de 3200 en una cámara de cine. Es realmente agresivo, y nadie va a creer que este es un buen tiro, y solo alejar el zoom. Es decir, esto es de grano pesado. Se puede ver tanto en el primer plano como en el lejano. Vamos a acercar de nuevo. Hagamos algo un poco más manejable. Entonces, yo diría, hay algo realmente buena textura aquí ya. A lo mejor para darle un pequeño impulso, lo haremos alrededor de los 20. Es posible que no puedas recoger esto en tu pantalla. Pero si estás trabajando en estas imágenes en casa, podrás ver las diferencias a medida que arrastras el deslizador. También se puede ajustar el tamaño del grano y la rugosidad del grano, y eso es literalmente lo que significa. Entonces, si aumenta el tamaño del grano, los círculos que están causando el grano se hacen más grandes. Voy a volver. Si cambias la rugosidad del grano, los bordes a lo largo de las moléculas de grano, si quieres, no sé cómo describirlo mejor, cambiar en cuanto a la rugosidad, y esa es la mejor manera que puedo explicarlo. Pero alejemos el zoom. A modo de resumen rápido, hemos pasado por esta imagen, la calentamos, hemos añadido un poco de exposición para agregar algo de luz a la cara y al fondo, y luego aumentamos el contraste, lo que bajó esa luz apenas un poquito. Otra forma de alterar el contraste es que jugamos alrededor con los reflejos y las sombras, lo que significa que hicimos los reflejos un poco más brillantes, y también oscurecemos las sombras para crear cierto énfasis en las áreas oscuras y para dibujar tu foco hacia Cristina. Agregamos un poco de claridad. Bajamos un poco la saturación. Entonces, esta carta no es demasiado amapola. Si miras una saturación más alta, toda la imagen se calienta, el rojo se vuelve un poco demasiado sobresaturado y no real. Pero queremos ir con un 10 negativo. A mí me gusta retroceder un poco. Crea ese drama. Después, sacamos un poco más del rojo, y luego acabamos de añadir un poco de grano y una viñeta alrededor para dibujar tu foco. Ahora, esa es una imagen en color. Creo que es perfecto ahí mismo. Creo que estarías muy contento con un retrato si saliera así, y estoy muy contento con él. La única otra cosa, lo que haría, es si realmente quisieras ir a blanco y negro, esa siempre es una opción, hay diferentes presets que puedes usar en tu Lightroom. Simplemente llamaré su atención hacia el costado. Tengo muchos filtros VSCO que normalmente no uso. Pero Lightroom también viene con presets de filtro. Entonces, siempre puedes entrar aquí y jugar. Tienen filtro de contraste alto, contraste bajo. Ahí están todos estos looks diferentes con los que puedes jugar. Solo voy a dar clic a una de ellas solo para que tengas un ejemplo de cómo se verá una imagen en blanco y negro de esto. Cambiará totalmente todos tus ajustes aquí, y eso está bien. Simplemente estás jugando alrededor, solo tratando de tener un sentido de lo que se verá bien. Estoy previendo esto, y creo que me gusta el blanco y negro look cinco. Entonces, voy a dar click en eso. Entonces, ahora tenemos un blanco y negro muy impactante. Parte de la viñetada se ha ido, pero eso es fácil. Simplemente baje aquí y agregue esa viñeta de vuelta. Ahora todavía tienes una muy fácil de hacer, y ahora son dos clics. Entonces, Lightroom es una aplicación muy potente. Es muy fácil de usar. El mejor modo de aprenderlo es jugar con los deslizadores. Pero puedes hacer literalmente un millón de cosas y conseguir la foto justo a tu gusto. Hay un millón de formas de acercarse al blanco y negro. Puedes hacerlo a través de un preset. Puedes hacerlo a través del deslizador de saturación, luego afectar el resto de las cosas. Voy a llevarme todo esto a menudo, y vamos a ir con la imagen final aquí. Pero hay un millón de cosas diferentes que puedes hacer para hacer estallar tu imagen como quieras. 12. Efectos dramáticos (edición): Entonces, sólo les voy a mostrar un ejemplo más rápido, muy, muy rápido y breve sólo para que puedan entender en qué nos estamos centrando realmente cuando hablamos de retrato dramático. Es decir, esta es una toma vertical rápida de Christina luciendo un poco triste, y por la ventana y poco mal humor. Voy a tomar esto como lo hicimos antes. Entra al módulo desarrollar, discúlpame. Voy a hacer mi click de Control y voy a crear esa copia virtual aquí. Entonces de nuevo, quiero calentar los elementos, cambio muy rápido. Voy a aumentar la exposición sólo un poquito solo para que podamos conseguir un poco más de detalle alrededor de los lados, aumentar mi contraste. Entonces, cuando hablo de aumentar el contraste, la diferencia entre las luces y los oscuros, estos son como tres o cuatro elementos en los que realmente solo necesitas clavar cuando estamos hablando del retrato dramático. Todas las demás cosas son muy buenas de hacer y muy buenas de saber para este tipo de retrato, y cualquier otro tipo de trabajo que estés haciendo. Pero quiero aumentar un poco el contraste en esta imagen. De nuevo, me gusta la diferencia, creando esta diferencia entre los reflejos y las sombras. Entonces, voy a impulsar los reflejos un poco y luego bajar las sombras un poco más. Si puedes ver, se le hizo ese tatuaje en la parte posterior del brazo, pero voy a dejarlo caer en sombras para que sólo puedas ver un indicio de ello. Entonces, automáticamente tenemos unos oscuros más oscuros, blancos un poco más brillantes. Voy a reventar un poco la claridad. En realidad podría incluso ir un poco más. Está bien. Entonces, como hablamos antes de la curva de tono, antes de usar la media de la carretera, voy a usar una curva de contraste medio. Automáticamente, incluso los puntos más oscuros que estábamos empujando antes, se vuelven un poco más oscuros con esta curva. Puedes ajustarlo al gusto, si quieres sacar un poco más las sombras, puedes aumentar en la curva o puedes hacerlo aquí. Puedes meterte con ella como quieras. A mí me gusta adónde vamos aquí. Me gusta el impacto de su rostro atrapando la luz y todo lo demás siguiendo la sombra. Todas las cosas de fondo no son tan importantes. Entonces, lo que vamos a hacer es volver a la viñeta de la que hablamos antes y simplemente vamos a aumentar el foco. Ahora, porque esto es una vertical y se pueden ver esos bordes y queremos que esto se vea lo más natural posible, no puedo ir hasta aquí. Eso sólo se ve totalmente antinatural. Entonces, lo que voy a hacer es engañarlo, y voy a ir a mitad de camino. Entonces, se siente como si fuera una viñeta natural, pero también me está ayudando a dar forma al foco de esta imagen sin ser exagerado. Entonces, tenemos un poco de viñeta natural, las esquinas se están poniendo un poco más oscuras y eso está bien. Lo último que olvidé mencionar fueron los ruidos. Considero que el ruido y el grano son aproximadamente lo mismo, pero ruidos, más referidos como los pequeños puntos y puntos coloridos que aparecen al rampar el ISO de una imagen. Es lo mismo que sucede en la película, es grano, pero también está en un sensor como una SLR digital. Es el ruido que verías por decir, una pantalla de TV cuando se apaga la imagen y la pantalla parpadea. Ese es esencialmente el ruido y que viene cuando disparas a un ISO muy alto, que el sensor de tu cámara no puede manejar. A lo que me refiero con ruido de grano es sobre lo mismo excepto esto va a ser monocromático o una mezcla con los colores de la foto. Entonces, sólo estamos agregando la parte textural del ruido y no la parte de color del ruido. Entonces de nuevo, vamos a hacer un agregado de grano muy suave, solo estoy golpeando como 20 en una escala de 100. Entonces, cuando acercas zoom, puedes capturar parte de esa textura, puedes ver algo del grano. Esto es sin, es una diferencia muy fina porque disparé a 1600 ISO, solo lo estoy haciendo subir apenas alguna vez tan ligeramente, no es un gran problema. Entonces ahora, tenemos este retrato dramático. De nuevo, te mostraré el antes y el después. Además, no mencioné esto, puedes hacerlo en Photoshop. Es donde prefiero hacerlo. Si sientes que tienes un lugar que quieres mover aquí mismo y no quieres hacer nada más en Photoshop, como este poco, supongo pedazo de glitter o algo que está en su brazo, puedes hacer click aquí arriba, mismas barras de herramientas donde encontraste tu pincel de ajuste, también hay un pincel de clonación, puedes sanar o clonar. Para esto, vamos a hacer el pincel curativo. Puedes ajustar tu tamaño usando el ratón o el deslizador, emplumado literalmente solo cambia los bordes del pincel. Para esto, realmente no necesitamos preocuparnos por ello. opacidad muestra cuánto del pincel estamos usando. Entonces, por ejemplo, si lo pongo en 40 opacidad y hago clic en algo, el objeto desaparecerá, pero no desaparecerá por completo. Entonces, voy a restablecer esto, moviéndome un poco despacio. Perdón por eso, chicos. Voy a poner un 100 por ciento de opacidad porque realmente quiero intercambiar pixel por pixel. Voy a acercarme a esta cosa, para deshacerme de ella, haga clic en ella. Eso se abrirá y tomará muestras de otra zona junto a ella y entonces ahora nos hemos deshecho de ese píxel, antes y después. Muy bien, así que solo una macro toma de lo que terminamos haciendo aquí. Retrocedamos. Tocamos el contraste, las sombras, y los reflejos. Subiendo un poco la exposición, añadió un poco de viñeteado y como lo hice en el último, especie de sacó un poco la saturación. Entonces, aquí está el antes y el después. Antes, después. Antes y después. Ese es un retrato dramático en cinco segundos después de que lo filmaras. Entonces, es muy rápido y fácil y duplicativo, puedes hacerlo en todas tus fotos si quisieras agregar ese poquito de drama. Simple. Espero que hayas disfrutado hoy de la clase sobre retrato dramático. Te animo a compartir tanto como trabajamos como puedas, y experimentar tanto como puedas, también. No hay verdadero secreto para el éxito excepto seguir practicando y experimentando. Gracias. 13. Explora las clases de fotografía en Skillshare: