Conceptos básicos de la fotografía con cámara DSLR: del modo automático al manual

1. Introducción: Te voy a enseñar los fundamentos de la fotografía para que puedas tomar fotos realmente mejores, y progresar como fotógrafo. Me llamo Evangelos Anagnostou, y soy un camarógrafo y fotógrafo al que le encanta disparar personas y paisajes. En el curso de hoy, discutiremos los fundamentos de la fotografía. Desde entender cómo funciona nuestra cámara, podremos entender qué es la exposición, y cómo podemos obtener la exposición óptima para una gran imagen. De verdad creo que la fotografía, no es ciencia cohete. No es tan difícil. Una vez que hayas descubierto lo básico, y con montones de práctica, ensayo y error, podrás tomar fotos impresionantes. Pero vamos a tener un retroceso. Ese soy yo, un niño de 14 años, comprando mi primera cámara compacta, y empiezo a documentar mi vida. En ese momento, mis fotos apestan. No sabía cómo establecer los ajustes de mi cámara. Estaba filmando en modo auto, mi composición era realmente mala, y no estaba contando ninguna historia. No fue hasta que entendí los fundamentos de la fotografía que empecé a mejorar mis fotos. Después de explorar qué es la composición, y una vez que aprendí el material técnico de la fotografía, qué es la apertura, qué es la velocidad de rotura, qué es la ISO, sólo entonces empecé a tener un control creativo sobre mis fotos. El objetivo es que tú debes ser quien decida cómo resultarán tus fotos. breve ahora, en este curso, descubriremos cómo elegir los ajustes de cámara adecuados para obtener una exposición óptima, cómo utilizar el enfoque manual y automático con éxito, qué es el balance de blancos y cómo podemos ajustarlo. Cómo conseguir una composición visualmente interesante, y en esta parte chicos, tendremos un proyecto de curso genial. Cómo manipular la luz. Además, te voy a dar algunos consejos de edición geniales mientras estoy editando fotos de cero a fin. También averiguaremos por qué es mejor rodar en RAW, y cuándo rodar en JPEG, y si es mejor comprar una cámara de fotograma completo o un factor de recorte uno si apenas estás empezando ahora. Para concluir, este curso está hecho para cualquier persona que quiera mejorar sus habilidades fotográficas y en realidad poder tomar mejores fotos. Ahora bien, si no tienes una DSLR o una cámara sin espejo, sigue bien. Tu smartphone también funciona ya que los fundamentos o la fotografía son los mismos para cada cámara. Celebremos la fotografía. Empecemos. 2. Proyecto del curso: Es hora de nuestro proyecto del curso. Yo hice el mismo proyecto en 2018 cuando estaba tomando un curso de fotografía en la Universidad de Laponia y este proyecto chicos me ayudaron masivamente a componer mejor mis fotos así que te lo recomiendo mucho también. El proyecto es mirar copias impresas de revistas o periódicos que ya tienes disponibles en tu domicilio. Encuentra cinco fotos que son llamativas y te inspira cortarlas con una tijera, pegarlas a la pared de tu habitación, o pegarlas en tu diario y puede ser cualquier tipo de foto, fotografía callejera, moda, retratos, paisajes, arquitectura, cualquier cosa que te guste. Poder ver diariamente algún arte fresco que te excita, hace que tu cerebro se familiarice con la composición de estas fotos. Eso te ayudará inconscientemente a aplicar este estilo de composición en tus propias fotos también. Creo que es realmente importante ver y sentir de vez en cuando alguna fotografía impresa. Desde estos días, la mayoría de la fotografía con la que interactuamos está en redes sociales. Además con esta forma estás creando un rincón de arte encantador en tu habitación. Cuando termines con las cinco fotos, toma una foto de ese collage que acabas de crear compártelo conmigo y con la comunidad al volver a este curso y publicar este collage fotográfico en la sección de proyectos. Me encantaría darte mis comentarios. Siéntete libre conforme pasan los tiempos para ampliar tu collage con nuevas fotos interesantes. Ve a impresionarme con tus tarjetas y tus selecciones. No puedo esperar a ver qué se te ocurrirá. 3. Cómo funciona tu cámara: Vamos a explicar rápidamente cómo funciona una cámara réflex digital y cómo funciona realmente una cámara sin espejo. Esta es una parte importante porque si entiendes cómo funciona tu cámara, puedes ser mucho más creativo con tu fotografía. ¿ Qué significa DSLR? DSLR significa cámara réflex digital de una sola lente. Digital porque, es una cámara digital y no estamos usando película. Lente simple porque sólo tenemos una sola lente delante de la central y luego refleja porque la luz que viene de la lente golpea un espejo, rebota en un prisma, y luego termina en el visor desde donde podemos ver precisamente lo que está viendo la lente en ese momento en particular. A partir del principio, ese es un cuerpo de cámara y eso es una lente. La luz entra a la cámara a través de la lente, luego las lentes tienen múltiples elementos de vidrio que pueden enfocar la luz en la película, o en nuestro caso, en el sensor de la cámara, que se coloca dentro del cuerpo de la cámara. Ahora, si giras el anillo de zoom, entonces los elementos de vidrio de la lente también se están moviendo y eso resulta en un cambio de magnificación de lo que estás capturando. Hay otro anillo en tu lente, el anillo de enfoque y cuando estás haciendo ajustes, se están moviendo otras partes de tu lente que controlan qué parte de tu foto está enfocada. Ahora en medio de la lente, hay otro mecanismo que se llama apertura. Aperture tiene múltiples cuchillas que pueden abrirse o cerrarse, permitiendo que entre más o menos luz en el sensor de la cámara. Cuando la abertura está muy abierta, entonces más luz está entrando y golpeando el sensor desde múltiples direcciones diferentes, creando una profundidad de campo poco profunda por otro lado, cuando estás cerrando esa abertura, menos luz está entrando, golpeando el sensor desde una dirección recta, creando una profundidad de campo más profunda pero profundizaremos en el siguiente capítulo, aprendiendo cómo funciona la apertura y cómo afecta a nuestra foto de forma creativa. Ahora cuando estás presionando el botón del obturador, entonces el espejo se da la vuelta permitiendo que la luz continúe su viaje al sensor de la cámara. Justo después de que el espejo esté arriba, se abre el obturador, exponiendo el sensor a la luz. Cuando termina la exposición, el obturador se cierra y el espejo retrocede a la posición anterior, lo que nos permite mirar de nuevo a través del visor como lo hicimos antes. En la etapa final, la luz está impactando en el sensor de la cámara y se graba la imagen proyectada. Ahora una cámara sin espejo funciona exactamente de la misma manera, pero no hay ningún espejo entre la lente de la cámara y el sensor de la cámara. También, en lugar del visor óptico que tenemos dentro del visor electrónico que utiliza el sensor real con el fin de previsualizar lo que vamos a capturar. 4. Ajustes de exposición: El término Fotografía deriva de las antiguas palabras griegas phos o luz y grapho o escribir. Fotografía significa escribir con luz, mientras que el arte de escribir, todo está a punto de contar una historia con un buen camino. Esa es la mirada con la fotografía también. En lugar de pensar estas palabras legibles sobre una historia, estamos eligiendo la cantidad correcta y la calidad de luz adecuada para que podamos capturar una gran foto. Aquí viene la exposición. La exposición es la cantidad de luz que llega al sensor de tu cámara. Determina qué tan oscuras o qué tan brillantes resultarán tus fotos y hay tres ajustes principales en tu cámara que afectan la exposición, la apertura, la velocidad de obturación y la ISO, para ser honesto, la exposición es un tema confuso incluso para fotógrafos experimentados. Recuerda que no sólo estamos tratando de tomar una foto con un brillo correcto porque esta cosa se puede hacer también desde nuestras cámaras cuando estamos grabando en modo auto, queremos lograr una exposición adecuada pero también al mismo tiempo, nosotros están aprovechando los efectos creativos únicos secundarios que tienen la velocidad de obturación y la abertura. Nuestra misión es equilibrar la velocidad del obturador, la apertura y la ISO. El resto de la foto se siente y se ve bien. Empecemos con la velocidad de obturación. velocidad del obturador es la cantidad de tiempo que el obturador permanece abierto, exponiendo el sensor de la cámara a la luz. Estamos midiendo la velocidad del obturador con segundos y el rango más común de velocidades de obturación corre desde 30 segundos hasta uno ocho milésimas de segundo. Según explicamos, cuando estamos presionando el botón del obturador, la luz está pasando por la lente, el espejo se está volteando y la primera cortina del obturador está cayendo hacia abajo, exponiendo nuestro central a la luz. Esto sucederá por la cantidad de tiempo que elegimos ajustando la velocidad de obturación. Cuando se realiza la exposición, se suelta la segunda cortina para cubrir nuevamente el sensor. Vamos a ver y escuchar ahora juntos, cómo es tener una velocidad de obturación rápida. Pondré mi velocidad de obturación a uno cuatro milésimas de segundo. Es bastante rápido. En este caso, no estamos permitiendo que mucha luz llegue a nuestro sensor. Ahora quiero demostrar cómo es tener una velocidad de obturación lenta. Ajustemos nuestra velocidad de obturación a dos segundos. Oigamos esto otra vez. Es mucho más lento así que estamos permitiendo que entre mucha luz a nuestro sensor de cámara. Veamos ahora cuál es el efecto creativo secundario que velocidad de obturación ofrece a una foto y este efecto es congelar o desenfocar el movimiento. Al usar una velocidad de obturación rápida, podemos congelar el movimiento sin tener ningún desenfoque en absoluto como este fotógrafo que fue capaz de congelar el momento usando una velocidad de obturación rápida y captando este chasquido de guepardo. Por otro lado, usando velocidad de obturación lenta, podemos mostrar el desenfoque de movimiento en las partes móviles de la escena que estamos filmando. Por ejemplo, estos grandes senderos necesitaban una velocidad de obturación lenta para poder ser capturados. Ahora este diagrama muestra la relación entre velocidad de obturación, luz y movimiento. Usando una velocidad de obturación rápida, menos luz está llegando al sensor y estamos congelando el movimiento. Usando una velocidad de obturación lenta ahora estamos dejando que más luz llegue a nuestra central pero estamos difuminando la cámara. Otra cosa que podemos controlar con la velocidad del obturador es el temblor de la cámara. Incluso si estamos tratando de mantener estable nuestra cámara para conseguir el disparo, siempre hay algún movimiento sutil de la cámara a menos que estemos usando el trípode. Si estás obteniendo unas fotos borrosas o cuando estás disparando de mano, entonces la solución es aumentar la velocidad de obturación. Tener una velocidad de obturación más rápida. Yo recomendaría algo así como ciento cincuenta de segundo para tener un resultado crujiente. Un consejo extra es que cuando estás disparando con una lente de distancia focal larga, como un teleobjetivo, debes usar una velocidad de obturación aún más rápida para evitar que la cámara se agite. No obstante, hoy en día, muchas lentes tienen estabilización óptica y algunos cuerpos de cámara, cuentan con la tecnología que se llama IBIS, como en la estabilización de imagen corporal, tecnología que mueve el sensor dentro la cámara en fin de compensar el temblor de la cámara. Combinar estos métodos de estabilización nos permite disparar con velocidades de obturación más lentas. A pesar de todas estas nuevas tecnologías de estabilización de imagen, te recomiendo encarecidamente que pongas las manos en tu cámara, juegues con tus ajustes de velocidad de obturación y los diferentes lentes que tienes para luego examinar las fotos que estás tomando . Cada cámara es diferente y con diferentes lentes crea resultados diferentes. Como dijimos, la apertura de una lente es la abertura a través de la cual pasa la luz en su camino al sensor. Al controlar la abertura estamos controlando cuánta luz se graba en una foto. Cuanto más grande es la abertura, más luz se registra, cuando la abertura es más pequeña entonces menos luz está llegando al sensor. Apertura se muestra con el símbolo F, F2.8, F3, F4, F6, F11, y si realmente examinamos una lente, podemos ver que al cambiar la abertura, se abre y se cierra, permitiendo que entre más o menos luz. Una cosa que causa mucha confusión a los fotógrafos nuevos es esa gran abertura donde pasa mucha luz, tienen números F stop más pequeños, donde menor apertura, donde menos luz está pasando, tienen más grandes Números f-stop. Ahora, excepto de la luz, la apertura controla secundaria y creativamente la profundidad de campo. profundidad de campo es la distancia que es, afilada alrededor de tu punto de enfoque. Como verá en el diagrama, las aperturas más grandes dan como resultado una profundidad de campo poco profunda, donde menos es afilada, mientras que las aperturas más pequeñas darán como resultado una mayor profundidad de campo donde más es afilada. Veamos un ejemplo aquí. Tomé esta foto con una amplia abertura 2.8 y ese es un pequeño número F creando un pequeño, una profundidad de campo poco profunda. Se puede ver que el fondo está borroso y solo nuestro modelo es afilado, saliendo de él. Volví a tomar la misma imagen pero ahora con un número F mayor, F16, y se puede ver que estamos consiguiendo una mayor profundidad de campo teniendo nuestro modelo y más de los antecedentes en foco. Podemos ver que la fuente ahora es más afilada. Veo a muchos fotógrafos nuevos disparando de par en par y yendo siempre por estas fotos rotas. Pero creo que debemos ser creativos y dispararlo con toda la gama de aperturas sobre todo al principio. Para la fotografía de paisaje, estamos utilizando aperturas más pequeñas con números F altos, generalmente desde F13 hasta F22, por ejemplo, sólo porque estamos necesitando enfocar todo desde el primer plano hasta el fondo. Esto también se llama las aperturas de narración porque estamos revelando mucha información en la imagen de que potencialmente pueden contar una historia. Para fotografía callejera y sujetos en movimiento, estoy usando aperturas medias de siete aproximadamente a 11. Con esta forma, tengo una profundidad media segura de campo y esto me da flexibilidad porque más de mi foto estará en foco. Tengo más posibilidades de que mi sujeto esté en foco, y al mismo tiempo con esta abertura media, puedo conseguir también algún fondo borroso. Por último, cuando queremos crear aislamiento para nuestro sujeto, podemos disparar con una amplia apertura con un pequeño número F como de F4 a F1.2 y con esta forma estamos consiguiendo una profundidad de campo poco profunda, lo cual es realmente útil para retrato fotografía, por ejemplo. Esta técnica también es útil cuando nuestro fondo es feo o destructivo y queremos ocultarlo. Una regla que no es realmente popular es que tu selección de lentes puede impactar en la profundidad de campo. Cuanto mayor sea el aumento de la lente menor será la profundidad de campo que crea y viceversa. Esto prácticamente significa que si estás disparando del mismo sujeto con una lente de 24 milímetros a la F4 y con el 200 milímetros un teleobjetivo. Nuevamente, en F4, obtendrás una profundidad de campo más superficial, obtendrás un fondo más borroso cuando estés disparando con una lente de 200 milímetros. Hablemos ahora de ISO, el tercer factor que puede afectar nuestra exposición. ISO describe la sensibilidad de nuestro sensor de cámara. ISO está representado por un número a partir de ISO 100, un ISO bajo, y puede ir tan alto como ISO 25,000 o en algunos casos incluso más alto. Cuanto mayor sea el ISO, más sensible es esencial, por lo que nuestra foto resulta más brillante. Por esa razón, ISO puede ayudarte a tomar fotos en entornos más oscuros y a ser más flexible para tus ajustes de apertura y velocidad de obturación. No obstante, el aporte ligero de la ISO a la imagen viene con un costo, el ruido digital, cuanto más vamos aumentando el ISO, más ruidoso, más granulado se volverá nuestra imagen. Tomé estas fotos que están exhibiendo. Cómo al aumentar el ISO, nuestra imagen es cada vez más granulada y ruidosa. La regla general es que debemos dar la ISO lo más baja posible. Solo debes elevar tu ISO cuando no puedas darle brillo a tu imagen mediante el uso de apertura y velocidad de obturación. Ahora que hemos examinado qué velocidad de obturación, apertura e ISO es, y cómo están afectando nuestras fotos, examinémoslas todas juntas. En la siguiente lección, veremos cómo podemos equilibrar el triángulo de exposición combinando estos tres elementos. 5. Balanza de exposición: Ya que hemos entendido los elementos de exposición; la velocidad de obturación, la abertura y la ISO, entender cómo podemos equilibrar la exposición viene de forma natural. La pregunta ahora es, ¿cómo sabemos que la cantidad de luz que entra a la cámara es óptima? No demasiado, no muy poco? Bueno, la respuesta es con un medidor de luz, casi todas las cámaras hoy en día tienen un medidor de luz y podemos ver eso en la parte superior de la cámara, en el monitor de la cámara, y también en el visor de la cámara. Cuando el indicador está en el área menos izquierda, eso significa que estamos subexpuestos. Cuando está en el área más derecha, eso significa que estamos sobreexpuestos, y cuando está en el medio en cero, eso significa que nuestra exposición es teóricamente óptima. medidor de luz puede hacer esto tomando la parte más brillante de la escena y la parte más oscura de la escena, dándote el promedio. Cuando tu cámara está en modo automático, está usando el medidor de luz con el fin de darte fotos con la exposición adecuada. No obstante, nuestro objetivo es disparar en modo manual. Al echar un vistazo a nuestro medidor de luz, estamos recogiendo la cantidad correcta de velocidad de obturación, apertura, e ISO para nuestra foto. Pero ahora en ese paso debes estar preguntándote cuál es la combinación correcta de velocidad de obturación, apertura, e ISO. Tomémoslo paso a paso. Al principio, hay que preguntarte, cuál es el elemento de exposición más importante para la foto que quieres capturar. ¿ Es la velocidad de obturación? ¿ Es la abertura o es la ISO? ¿ Quiero manipular el movimiento con congelación o mostrando movimiento? O quiero exhibir la profundidad de campo; superficial o mayor profundidad de campo? Si el movimiento es más crucial para ti, empezarás ajustando esta otra velocidad. Por otro lado, cuando quieras resaltar tu profundidad de campo, empezarás ajustando tu apertura. Veamos ahora estos procesos de toma de decisiones con ejemplos reales. Tomé esta foto en el centro de Londres, fotografiando la propuesta de esta dulce pareja. Yo quería que la pareja estuviera aislada del fondo porque quería toda la atención sobre ellos. El tipo está listo para revelar el anillo y yo estoy poniendo mi cámara para tomar esta imagen.La apertura es el primer ajuste que me importa. Lo pondré en 2.8, el más ancho en mi lente. Esto le da mucha luz a la foto, y al mismo tiempo, una profundidad de campo poco profunda. La foto sigue oscura porque el sol acaba de ponerse. Estoy haciendo que esta otra velocidad sea más lenta, ajustándola en una a centésima de segundo. Esto permite captar más luz y al mismo tiempo, estoy congelando el movimiento, evitando también, el temblor de la cámara. Ahora aún necesito más luz, pero he maximizado mi apertura. Además, no puedo usar una velocidad de obturación más lenta porque entonces tendré desenfoque de movimiento no deseado en mi imagen. Para obtener ahora la exposición adecuada, aumentaré un poco el ISO, voy a establecer el ISO en 400 ISO. El indicador en el medidor de luz está en el medio ahora, mi exposición está balanceada, así que estoy presionando el botón del obturador para capturar el disparo. Vamos a equilibrar juntos ahora, una imagen más. Nuestro modelo está caminando fuera del mar y las olas están golpeando la orilla. Hay movimiento en este tiro y queremos congelarlo. Por eso estamos configurando primero nuestra velocidad de obturación. Lo pondremos en una quincena milésima de segundo. uso de una velocidad de obturación rápida congela la acción y nos está dando una imagen nítida. No obstante, no estamos permitiendo que mucha luz golpee la central porque la velocidad del obturador es realmente rápida, por lo que necesitamos más luz. Después estableceremos la abertura en 3.2, una abertura relativamente amplia que permite que mucha luz golpee el sensor. También separará el tema del fondo y del primer plano. Por último, ya que el medidor de luz muestra que ya tenemos una exposición equilibrada, estableceremos el ISO en 100. No necesitamos más luz. Recuerda que estamos usando la ISO sólo como último recurso. Eso son chicos, la mentalidad de equilibrar la exposición, consideran lo que es lo más importante para que tu disparo controle el movimiento o la profundidad de campo. En consecuencia, establece primero la velocidad de obturación o la abertura y la ISO al final, como último recurso, si quieres agregar más luz al disparo. 6. Composición: Hablemos ahora de la composición de tus fotos. La composición es simplemente cómo arreglas los elementos en tu marco. La composición es realmente crucial porque es una forma de guiar los ojos de tu espectador hacia los elementos más importantes de tu foto. Una buena composición puede hacer una imagen brillante incluso fuera de un tema ordinario en un ambiente llano. Por otro lado, una mala composición puede arruinar una foto a pesar de lo interesante que puede ser el tema. Cuando se trata de composición, es algo difícil de enseñar, y se tarda mucho tiempo en aprender. Tiene una naturaleza subjetiva, y la mayoría de las veces no hay composición correcta o incorrecta. Todo está abierto a la interpretación. Hablemos ahora de algunos conceptos composicionales y consejos que pueden mejorar drásticamente tus fotos. En primer lugar, es importante mover tu cámara. Toda fotografía tiene dos factores clave; la posición del sujeto y la deposición del fotógrafo que es la misma con la posición del espectador. Ahora si cambias uno de estos, estás cambiando cómo se siente tu tiro, y qué historia cuenta. Siempre toma tus tomas desde diferentes posiciones y prueba diferentes ángulos. Si haces solo un paso a un lado, puede ser una hermosa forma se revelará en el fondo, y entonces tal vez esta cosa complementará tu tiro general. Además, piensa cuidadosamente en qué ángulo usarás. Esta es una manera realmente poderosa de determinar qué es lo que quieres que piensen y sientan tus espectadores cuando vean tu disparo. Disparar desde arriba del nivel de los ojos de tu sujeto puede hacer que tu sujeto se sienta vulnerable o débil, pero también puede hacer que el espectador se sienta realmente poderoso. El espectador es un observador privilegiado y no parte de la escena. No obstante, si disparas desde el nivel de los ojos, eres parte de la escena. Estás familiarizado con tu tema y te sientes cerca con tu tema. Una toma que se toma por debajo del nivel de los ojos del sujeto crea la impresión de que el espectador los está mirando desde una perspectiva más baja. Este tipo de disparo puede dar la impresión al espectador de que el sujeto es más poderoso, heroico, o incluso peligroso. Otro concepto interesante es la Regla de los tercios. Regla de Thirds tiene su origen en la pintura y fue inventada por el pintor inglés Joshua Reynolds. Reynolds se refiere a la Regla de los tercios como un principio general para el equilibrio de la luz y la oscuridad en una obra de arte. Posteriormente se transformará en el sistema de cuadrícula que conocemos hoy. En la Regla de los tercios se establece que cualquier foto debe romperse en una cuadrícula, con dos líneas verticales y dos horizontales creando nueve cajas igualmente proporcionadas. Entonces debes colocar los elementos importantes de tus shorts en las líneas o en sus intersecciones. Esto da como resultado composiciones dinámicas e interesantes que dibujan los ojos del espectador a través de la escena. Otro consejo para cuando estás aplicando la Regla de los tercios es que debes darle a tu tema espacio para mirar o pasar a la escena, porque de esta manera, se siente mucho más natural. En general, es extremadamente importante considerar cómo se siente tu foto como un todo. Regla de los tercios no se ve bien todo el tiempo. A veces tu sujeto quizá se vea mejor en el centro, y algunas otras veces tu foto podría resultar vacía y desequilibrada si no la contrarresta. Una cosa más que también puede mejorar tu composición es prestar atención a los bordes. Cuida siempre los bordes de tu marco. Trata de no cortar a la gente a la mitad cuando estén en los bordes. Trata de no cortar edificios, árboles, y otras partes del cuerpo. Estos se sienten anormales y pueden distraer al espectador del tema principal. La siguiente técnica de composición de la que quiero hablar son las líneas de liderazgo. Líneas líderes son una de las ideas más simples en composición, pero también una de las más poderosas. Eso se debe a que estamos utilizando elementos dentro de nuestro entorno para crear un camino visual que lleve a nuestros espectadores a los ojos del sujeto principal. El mundo que nos rodea está lleno de líneas y debemos ejercitar nuestros cerebros y nuestros ojos para distinguirlos e implementarlos en nuestras fotos. Por ejemplo, este camino no es una estructura concreta, sino más bien una serie de líneas paralelas que guían el ojo del espectador a las montañas de fondo. Nuevamente, todas estas líneas en este cuarto de fuego cielo están llevando con éxito al modelo. Otra cosa importante es que las líneas principales son más efectivas cuando son líneas diagonales o curvas, porque este tipo de líneas pueden romper el formato cuadrado de tus fotos y ayudan al ojo del espectador a cruzar todo el marco, haciendo que tu foto sea más poderosa. Una estrategia compositiva más poderosa es llenar el marco. Si tu disparo está en peligro de perder impacto porque el fondo está ocupado y ruidoso, recorta desde tu principal punto de enfoque. Al hacerlo, estás eliminando tus antecedentes por lo que toda la atención va en tu tema principal. Esto puede funcionar bien con retratos cuando intentas capturar algo más íntimo. Ahora, haremos exactamente lo contrario de llenar el marco. Viviremos mucho espacio negativo. Dejar mucho espacio negativo vacío alrededor de tu tema puede ser muy interesante visualmente, creando una sensación de minimalismo y sencillez. Utilizando la técnica compositiva del espacio negativo, podemos crear una foto que se sienta dramática llevando los ojos de nuestro espectador al área más pequeña, al área espacial positiva donde está nuestro sujeto principal. Deja espacio negativo y no tengas miedo de quitar elementos distraedores de tu marco. En conclusión, a la hora de dominar tu composición, creo que es realmente importante inspirarse en el trabajo de otros fotógrafos. Hacer nuestro proyecto de curso te hará familiarizarte poco a poco con el tipo de la composición que te excita porque tener esas fotos constantemente a tu alrededor te dará muchas oportunidades para verlas. También te aconsejaría que iniciaras una técnica compositiva a la vez y luego salgas a filmarla y la vuelvas a disparar, esta composición que estás estudiando actualmente, luego pasar a otras composiciones. Concéntrate en algo, domínalo y luego continúa con otra cosa. 7. Balance blanco: Entonces, ¿qué es exactamente el balance de blancos? Para responder a esto, primero necesitamos explicar qué es la temperatura de color. En primer lugar, cada fuente de luz tiene un color. Por ejemplo, una puesta de sol es cálida y dorada, mientras que un día lluvioso es azulado y frío. Las luces artificiales en nuestros hogares tienen diferentes otras temperaturas de color. Algunas luces pueden ser más frías, más cercanas al azul, y otras pueden ser más cálidas más cerca del naranja. Eso guía la temperatura del color. Se mide en Kelvin y oscila entre 2,000 Kelvin y 10,000 Kelvin. Con 10,000 Kelvin el más cálido y con 2,000 Kelvin el más frío, y con la temperatura de luz diurna estando en algún lugar del medio a 5,500 Kelvin, pero ¿por qué necesitamos el balance de blancos? Bueno, si estás nombrando a tu cámara en una superficie blanca que esté reflejando luz azulada, tus ojos la pueden ver como una superficie blanca, pero tu cámara la ve como luz azulada. Esto sucede porque nuestros ojos pueden adaptarse en los variados colores de la luz en un proceso que ni siquiera nos damos cuenta que está sucediendo. Por otro lado, tenemos que decirle a nuestras cámaras, a qué luz están mirando. Eso se debe a que sólo pueden grabar la longitud de onda real de la luz, golpeando lo esencial. En resumen, el balance de blancos es el proceso de equilibrar la temperatura de los colores en nuestra cámara para que pueda representar la luz con la misma precisión que parece en la vida real. Si una foto está demasiado caliente, tu cámara enfriará la imagen agregando más azul. Si tu foto está demasiado fría, la cámara calentará la imagen agregando más naranja. La mayoría de las veces tengo mi balance de blancos configurándolo modo auto porque está haciendo un buen trabajo. No obstante, cuando queremos tener el control total o cuando estamos fotografiando o filmando lugares con múltiples fuentes de luz con diferente temperatura de color, entonces tenemos que ayudar a nuestras cámaras y establecer el balance de blancos manualmente. En cada cámara se encuentra el menú de balance de blancos con la escala Kelvin donde podemos establecer manualmente el balance de blancos seleccionando el número exacto de Kelvin con el que queremos rodar. También están las opciones preestablecidas como la luz del día, la sombra, la nublado, la luz de tungsteno. No obstante, no hay reglas fijas de cómo debemos establecer nuestro balance de blancos. No existe ninguna obligación de documentar los colores con temperatura exacta. Entonces, por ejemplo, si estamos fotografiando una puesta de sol, podemos aumentar, en realidad el balance de blancos y la puesta de sol aparecerán aún más cálidas, doradas, más bonitas. No olvides que la fotografía es un arte y podemos romper cualquier regla si estas cosas nos ayudan a contar mejor nuestras historias. 8. Modos de enfoque: Hablemos ahora de modos de enfoque. Dependiendo de lo que estés fotografiando, necesitas usar un modo de enfoque diferente. En resumen, existen dos tipos de modos de enfoque; el enfoque automático y el enfoque manual. Con el enfoque automático, le estamos diciendo al procesador de la cámara que enfoque el objetivo por nosotros, mientras que con el enfoque manual, estamos haciendo el mismo proceso por nosotros mismos. Personalmente, la mayoría de las veces estoy usando enfoque automático porque hoy en día el enfoque automático es realmente preciso y confiable. No obstante, el enfoque manual viene útil cuando estoy grabando video y quiero el control total del foco manualmente para controlarlo con mis manos y ser realmente preciso y también cuando estamos fotografiando en situación de poca luz, entonces el auto focus la mayoría de las veces no pueden aguantar muy bien, y luego volvemos a utilizar el modo manual. Por ejemplo, me pareció muy útil el enfoque manual cuando tomé esta astrofotografía, foto de las luces del norte. Estaba realmente oscuro y tuve que hacer cuatro retomas, enfocando y reenfocando manualmente, hasta que tengo las estrellas en ese enfoque. Ahora examinemos un poco más del modo de enfoque automático. Podemos seleccionar el modo de enfoque automático único de un solo disparo o el modo Autofocus continuo Servo para el enfoque continuo. Todo fabricante lo llama un poco diferente, pero todos hacen básicamente la misma función. Un solo disparo o solo Autofocus significa que bloqueas tu foco y mientras estés presionando medio el botón del obturador, el punto de enfoque no se va a mover, se bloquea. Este modo es perfecto para sujetos estáticos como cuando estás disparando, retratos de estado, por ejemplo. Porque si quieres recomponer tu toma, puedes seguir presionando la mitad del botón del obturador y mover tu cámara sin perder el foco. No obstante, ten cuidado porque si el modelo que estás disparando se mueve incluso un poco hacia adelante o hacia atrás, entonces estás en peligro de perder el foco, y luego tienes que enfocarte de nuevo. Por otro lado, con el modo Servo o Autofocus continuo, siempre y cuando estés a la mitad presionando el botón del obturador, el foco se va a mover continuamente y estás rastreando a tu sujeto. Por lo que puedes usar este modo cuando estás disparando acción o deportes, o niños jugando alrededor o vida silvestre. Básicamente, en cada situación que necesites rastrear a tu sujeto. 9. Iluminación: Hablemos ahora de iluminación. La iluminación es un tema enorme complicado que no lo analizaremos a fondo en este curso. Mi objetivo aquí es darles algunas ideas y orientación en términos de luz. Para que puedas tener más confianza para salir, ver mejor la luz, entender la luz y maximizar su potencial. La luz es vital para la fotografía porque sentimos que no hay foto. El tipo de fuente de luz de tus fotografías afectará su carácter y su estado de ánimo. Generalmente, podemos categorizar la luz a la luz natural y la artificial. En este caso, en este curso, nos apegaremos a la luz natural por muchas razones. Porque en primer lugar, es gratis, el sol es abundante y muy fácil de encontrar. No tienes que comprar equipo extra, luces, fundentes, etcétera. El otro motivo por el que quiero que se concentren en la luz natural es porque nos da variedad. Tomar la misma foto durante la hora dorada y durante el mediodía, te dará resultados completamente diferentes y luego porque simplemente realmente se siente bien y natural. Es una luz realmente suave. Luz natural es cualquier luz que sea creada por la luz solar. Luz ambiental, ahora, también se considera luz natural. Es la luz, por ejemplo, en nuestras casas, entrando por la ventana. Para entender mejor que la luz natural, examinaremos sus atributos y cómo estos atributos afectan nuestras fotos. Señalaremos cuatro atributos de luz; la temperatura, la dirección, la intensidad, y la calidad de la luz. Empecemos con la temperatura. Como discutimos en la lección de balance de blancos, la temperatura de la luz se mide en la escala Kelvin desde el extremo azulado más frío del espectro hasta el naranja más cálido. temperatura del color cambia a lo largo del día dependiendo de la hora del día y la cantidad de nubes en el cielo. Al amanecer, el cielo aparece azul claro. Al atardecer, el cielo aparece naranja y al atardecer, el cielo aparece azul violeta. El intensidad de la luz, es una medida de su brillo y determina cuánta luz hay en una foto. Puedes estimar cuán intensa es la luz en función del equilibrio entre las sombras, las áreas más oscuras de tu imagen, y los reflejos, las áreas más claras de tu imagen. El hueco entre los reflejos y las sombras es lo que llamamos contraste. La luz es más intensa en el medio día cuando el sol se enfrenta al sujeto arriba. Las fotos tomadas a esa hora del día, en su mayoría tienen alto contraste y sombras fuertes. No obstante, si tratamos de tomar fotos por la mañana o por la tarde, no serán tan contrastantes. Cuando se trata de calidad, la luz puede ser dura y directa o suave y difusa. Cuanto menor sea la fuente de luz, más dura será la calidad. medida que la fuente de luz se propaga y se hace más grande, la calidad de la luz se vuelve más suave. Otra cosa que afecta la calidad de la luz es la distancia entre la fuente de luz y el sujeto. Al mediodía, debido a que el sol está más cerca de la tierra, la luz es más caliente y directa mientras que por la mañana o por la tarde, la luz es mucho más suave. Hablemos ahora de la dirección de la luz. El sentido de la luz cambia por el movimiento del sol. Ya que el sol está por debajo del horizonte al amanecer y al anochecer, casi horizontal al atardecer y al amanecer, y es alto y vertical al mediodía, fotografiando en estos momentos completamente diferentes del día, produce completamente diferentes fotos. Mira, por ejemplo, estas enormes sombras que podemos tener sólo cuando se está poniendo el sol. En conclusión, no hay mala y buena luz. La luz es adecuada o no adecuada para ti. Para encontrar la mejor luz que puedas obtener, si solo tienes que determinar el tipo de imágenes que quieres crear, entonces solo decides qué hora del día te puede ayudar a tomar esas increíbles fotos que tienes en mente. 10. Consejos de edición de fotos: Ahora editemos juntos. La edición de fotos también es importante porque determina cómo se verá tu foto al final. La edición es una gran manera de diferenciarte y diferenciar tu trabajo del trabajo de los otros fotógrafos. Podemos decir que el con edición, estás creando emociones con colores. De verdad creo que con la edición, puedes amplificar el mensaje de tu historia. No hay edición correcta y equivocada, pero en general, una buena filosofía para editar es que tu resultado final debe ser lucir natural. Si alguien inmediatamente piensa que tus fotos se ven falsas, entonces tal vez haya un problema a menos que quieras que los colores se vean sobreprocesados. Para este caso, voy a utilizar Adobe Lightroom con el fin de editar, para recrear dos de mis fotos. Si no tienes el Lightroom, sigue bien porque la mayoría de los programas de edición de fotos tienen las mismas funciones básicas. Aquí estamos, quiero editar esas dos fotos. Abriré Lightroom y luego voy a archivar y crear un nuevo catálogo. Démosle un nombre, letsedit, y vamos a crearlo. Si vamos al escritorio, se crea una carpeta nueva, letsedit y en esta carpeta guardé toda la información, todos los cambios que vamos a hacer en nuestro nuevo catálogo de Lightroom. Ahora volvamos a Lightroom y arrastremos y soltemos nuestras dos fotos dentro del programa. Haga clic en la importación ahora y ahora nuestras fotos se importan en Lightroom. Tomé esta foto en Rodas Grecia en la playa de Anthony Quinn mientras tomaba fotos estos crucero. Tomé esta foto en Londres detrás la Catedral de San Pablo mientras hacía una toma de fotos de moda. Empecemos con este. Este fue un tiro desafiante porque mi asistente que encendería la modelo, no pudo lograrlo ese día. El fondo, la catedral es mucho más brillante que mi modelo, pero estoy decidiendo de todos modos tomar ese tiro. Estoy configurando mi exposición de una manera que pueda dar tanta luz como pueda en mi modelo mientras que al mismo tiempo, no estoy sobreexponiendo por completo. No estoy quemando mis antecedentes. Suficiente dicho, arreglemos esta foto juntos y vayamos a desarrollarnos. Aquí en el modo desarrollar, pasaremos la mayor parte de nuestro tiempo de edición ya que rara vez uso este mapa, libro, impresión de diapositivas, y secciones web. En esta barra lateral derecha, están los deslizadores de post-procesamiento donde estamos haciendo nuestras ediciones. Antes de empezar a cambiar tus deslizadores principales como la exposición, el contraste, los reflejos, las sombras, los blancos, bajan en las secciones de corrección de lentes aquí. Da clic quitar aberración cromática y encuentra la lente que tomaste esta imagen, para mí fue el Tamron SP 24-70 milímetro y con esta forma estás eliminando los inconvenientes de esa lente en particular, la distorsión y las más cosas. Ahora, como dijimos con este método, estamos eliminando por completo el viñetado y si queremos más viñeteado, es bueno volver al final de la edición y añadirlo manualmente moviendo este deslizador. Continuando ahora con las ediciones básicas, vamos todo el camino hacia arriba y aquí podemos ver la temperatura que establece ese calor de color en tu imagen de más frío a más cálido, pero cambiaremos la temperatura con otra forma más adelante en este editar. Dejaré la exposición en cero, el contraste en cero, luego disminuiré mi punto culminante para poder arreglar un poco mi fondo sobreexpuesto. Aumentaré mis sombras aproximadamente a 60, así que de esta manera estoy dando incursiones dinámicas a mi imagen. Aumentaré ahora mis blancos en 10, y luego también aumentaré un poco mis negros, digamos 10. Golpeando este último botón, podemos ver que antes y si lo volvemos a golpear, podemos regresar a donde estamos ahora mismo. Podemos decir que ya hay una gran diferencia en nuestra foto, pero sigamos con la edición. Ahora aumentemos sólo un poco la claridad por digamos 5, y dejemos la vibración y la saturación en cero por ahora. En este paso utilizaremos la herramienta recortar y enderezar para que podamos cambiar la relación de aspecto y el ángulo de nuestra foto. En este caso, no quiero cambiar mi relación de aspecto porque cambiará por completo mi composición, y no quiero eso así que la dejaré como tiro. Pero entonces en el ángulo podemos cambiarlo manualmente o mejor solo podemos golpear el auto y luego arreglar el ángulo automáticamente, luego click hecho. Ahora quiero que los colores salten un poco así que voy a aumentar sólo un poco, la vibración, algo así como 10 y no estoy haciendo esto con saturación porque es mucho más halagador si hacemos eso con vibrancia. Te recomendaría jugar con saturación solo cuando quieras hacer tu foto en blanco y negro. Aquí está la herramienta de curva de tono que representa todos los tonos de tu imagen. Al agregar estos puntos, puedes manipular tu curva de tono con diferentes resultados. No obstante, cuídate de no exagerar porque puedes tener algunos resultados locos. En este escenario, no voy a hacer nada con curva de tono ya que la foto ya está recuperada porque tenía sobre exposición. No tengo tanto espacio para hacer cambios en la curva de tono. En ese punto, podemos ver que nuestro modelo aún necesita un poco más luz para poder equilibrarse con la exposición del resto de la fotografía. Tenemos que hacer un cambio parcial y vamos a utilizar el Filtro Radial, este de aquí, hacemos clic en él. Después trataremos de crear un círculo y luego moveremos el círculo hacia abajo. Observe que si golpeas el cero, esta cosa roja puede desaparecer y esto es solo un indicador sobre dónde estás aplicando el efecto. Haremos más estrecho el círculo, lo giraremos un poco, moveremos, lo haremos más alto, más ancho. Aumentemos la exposición en esa zona roja en particular, digamos por 0, 38 y podemos ver aquí en el navegador cómo esto afecta a nuestra foto. Si hacemos zoom ahora podemos ver que nuestro modelo es mucho más aligerar. Pero aún necesito encenderla en la cara, así que volveré a hacer clic en el Filtro Radial y le añadiré un círculo justo en la cara. Intento emparejar el círculo con su cara. Eso se ve bien. Voy a aumentar aquí la exposición con 032, por ejemplo. Aumentemos también la nitidez en ocho. Haga clic en “Hecho” y vea su mucho mejor. Un consejo aquí es no exagerar con un filtro radial porque puede parecer realmente anormal. Ahora, quiero hacer mi foto un poco más de ciervo sacando algo de luz del cielo y hacerla más oscura. En este caso, usaré el filtro graduado aquí y dibujaré una línea y luego giraré la línea y nuevamente en esta zona redish aplicaré mi efecto. Aumentar y disminuir esta línea hace que el filtro sea más o menos gradual. Dejémoslo en algún lugar aquí. Hagámoslo recto. Nuevamente, si miras al navegante, puedes ver el resultado. Aquí está el sobreexpuesto y aquí está el subexpuesto. Disminuyémoslo a medida que establecemos la exposición sólo por menos 036. También disminuyamos los reflejos en menos 21. Golpea “Done” y ya puedes ver esa diferencia ahora. Pasemos ahora por la HSL. HSL significa Saturación Enorme en la Luminancia. tono se ocupa de los tonos de color reales de la imagen, como cambiar los tonos de color a un rango tonal diferente. saturación se ocupa de la potencia o la saturación de un color específico, mientras que la luminancia se ocupa del brillo de un color determinado. Para este cuadro, me gustaría cambiar el tono del azul y hacerlo algo así como menos 20, no demasiado. Voy a aumentar sólo un poco la luminancia en cinco. Podemos ver aquí cómo el tono de color de su ropa ha cambiado sólo por el tono. Pasemos ahora al color rojo. Podemos ver que la construcción es mayormente redish y vamos a aumentar la luminancia. Hagámoslo 60. Eso se ve bien. Ahora, de vez en cuando te recomiendo encarecidamente que toques el botón L una vez y una más, dos veces, para que veas sin distraerte, qué es lo que has creado hasta ahora. Ahora usaremos la tonificación dividida para que podamos ajustar el balance de blancos solo de los reflejos o de las sombras. Esa es una gran herramienta creativa porque crea un look cinematográfico. Básicamente ahora voy a aumentar al máximo mi saturación para poder ver el efecto completo de la tonificación split. Entonces seleccionaré mi matiz y vamos por este precioso amarillo. Entonces por supuesto ahora disminuiré mi saturación, algo así. Ahora terminemos nuestra edición agregando un poco de viñeteado que dibujan nuestros ojos hacia el centro. También ahora aumentaré apenas un poco el grano para poder realzar este look de película. Volvamos a subir de nuevo en los deslizadores básicos y quizá aumentemos solo un poco más las sombras. Eso se ve bien. Si le damos ahora este último botón podemos ver el antes y el después, y creo que esa diferencia es obvia. Yo soy feliz. Vamos a editar nuestra siguiente foto. Ahora editemos esta imagen. A mis ojos, ya se ve bien, pero haremos algunos ajustes menores para que sea aún mejor. Empecemos con una herramienta de recortar y enderezar, y luego movamos un poco el ángulo para que podamos hacer aún más dinámica la composición. Golpea el enter. Veamos qué podemos hacer con la temperatura. Creo que me gustaría un poco más caliente. La exposición está bien. Ahora rebajemos los aspectos más destacados porque podemos ver aquí en el barco que está un poco sobreexpuesto. Al arrastrar hacia abajo los reflejos estamos quitando un poco de luz. Aumentemos un poco las sombras para dar granos más dinámicos. Dejemos así a los blancos y aumentemos ligeramente el negro. Aumentaré la claridad en ocho y luego usaré la vibrancia para hacer que los colores salten un poco. Sólo un poco, algo así como seis. Eso está bien. No vamos a estropear con la curva de tono. ir ahora a la HSL, quiero cambiar los colores del mar y hacerlos así, menos 25, está bien. Ahora voy a aumentar un poco la saturación en algo así como 15, y la luminancia en algo así como 20. No voy a meterme con la tonificación split porque ya me gusta la temperatura de la foto. Bajando a las correcciones de lentes, eliminaré la aberración cromática pero no habilitaré ninguna corrección de perfil porque ya estoy contento con el resultado. Ahora, volveré a subir en el tono en realidad y volveré a revisar el tono porque creo que se ve un poco falso el agua. Quiero disminuir menos el matiz en algo así como 13. Sí, creo que eso se ve mejor. Ahora en este paso, quiero hacer que el rojo sea un poco menos poderoso. Iré al rojo y disminuiré la saturación y aumentaré ligeramente la luminancia. Ahora, sigo pensando que el barco está un poco sobreexpuesto. Usaré esta herramienta, el pincel de ajuste, y por supuesto aumentaré el tamaño para poder cubrir el barco y lo arrastramos. De hecho pintaré con este pincel el barco y luego lo haré un poco más pequeño para llegar a esta parte de aquí. Ahora disminuiré sólo un poco los aspectos más destacados y solo un poco la exposición, sólo menos diez, nada demasiado. Se ve mejor. Ahora, quiero centrarme un poco más en estas personas aquí y aquí, y quiero hacerlas un poco más claras. Voy a utilizar de nuevo el cepillo de ajuste. Yo los marcaré y voy a aumentar ligeramente la claridad, digamos 35, haga clic en “Hecho”. Pongamos ahora este último botón para ver el antes y ahora el después. Estoy realmente feliz y voy a exportar esta foto. Bingo, estamos listos. Eso fue chicos el proceso de edición de mis fotos. Recuerda que no hay edición correcta y incorrecta. No obstante, ten cuidado de no sobreeditar tus fotos para que no parezcan falsas. 11. RAW vs JPEG: RAW versus JPEG, ¿cuál es la diferencia? Ambos tienen sus ventajas y desventajas. Pero averigüemos qué es mejor para ti. Lo más probable es que JPEG sea el formato predeterminado de tus cámaras porque el fabricante no quiere molestar al fotógrafo principiante con los pasos extra de la edición de fotos. JPEG se procesa dentro de la cámara y luego está completamente listo para ser utilizado. Puedes publicar la foto de inmediato en redes sociales, puedes imprimirla y puedes usarla como quieras. Cuando estás grabando en JPEG, la cámara agrega bloques, contraste, reducción de ruido, nitidez, y luego ingresa el archivo fotográfico en un JPEG, un JPEG comprimido. ¿ Por qué ya está procesada? No tienes mucha flexibilidad para editar además tu foto y hacer cambios. Una gran ventaja del formato JPEG es que es mucho más pequeño del RAW. La mayoría de las veces, el JPEG es tres veces más pequeño y eso significa que puedes ahorrar mucho espacio en tus tarjetas de memoria y en tus discos duros. Además, puedes disparar muchas más fotos en modo ráfaga antes de que tu búfer de memoria esté lleno. Hablemos ahora del formato RAW. Bueno, cuando disparas en un RAW, estás capturando casi toda la información del sensor. Por lo que terminaste con tu disparo, estás transfiriendo tus archivos al equipo, y descubrirás que los archivos RAW son planos y oscuros y no puedes usarlos de inmediato. No puedes imprimirlas y no puedes subirlas a tus redes sociales. Tienes que editarlos primero. Esa es también la mayor ventaja de un archivo RAW. Eres capaz de procesar una imágenes RAW de muchas maneras. Se requiere que utilice una aplicación de edición de fotos como la Adobe Lightroom o Photoshop, para que pueda editar sus RAWs y luego finalmente exportarlos a archivos JPEG. Shooting RAW te da una imagen de mayor calidad y mayor flexibilidad cuando estás editando. También con RAW, estás obteniendo rango dinámico y gama de colores más amplia. Para resaltar y recuperar sombras ahora, cuando tienes más o menos expuesta una foto, el archivo RAW puede hacer un gran trabajo. Pero probemos esto juntos. Tomé esta toma de fotos tanto en formato RAW como JPEG y la sobreexpongo intencionalmente. Entonces, traté de arreglarlos a ambos. Como pueden ver, pude recuperar mi archivo RAW sobreexpuesto pero no mi archivo JPEG. La diferencia es enorme y esa es la magia del rodaje en RAW. Lo que estoy haciendo personalmente es que siempre estoy rodando en RAW. Si bien no hay duda para mi trabajo de cliente, estoy disparando en RAW incluso cuando estoy disparando para amigos y familiares. Eso se debe a que nunca sabes cuándo obtendrás una foto increíble que querrás editarla además. La única situación que estoy filmando en JPEG es cuando quiero entregar las fotos al instante, en una competencia en vivo por ejemplo. Si también a veces necesitas rodar en JPEG , asegúrate de que estás usando la configuración correcta de fondo blanco y la exposición correcta porque entonces estarás limitado en la posproducción. 12. Cuadro completo y Factor de recorte completo: Factor de fotograma completo versus cultivo. ¿ Cuál es la diferencia entre los sensores de cuadro completo y los sensores de factor de recorte? Pero, ¿qué es el cuadro completo? El término full frame se refiere al tamaño del sensor que tiene las mismas dimensiones que el formato de película de 35 milímetros desde el tardío predigital, mientras que el formato de película de 35 milímetros ha sido el estándar en la industria cinematográfica desde 1909 debido a su equilibrio en costo y calidad de imagen. Por otro lado, un sensor de factor de recorte es cada otro sensor que es más pequeño que el sensor de cámara de fotograma completo de 35 milímetros. Tipos comunes de sensores de cultivos son el APS-C y el sensor Micro de cuatro tercios. Examinemos ahora las otras diferencias entre un sensor de cámara de fotograma completo y el sensor de cámara de factor de recorte, aparte de sus diferencias en tamaño físico. Una diferencia importante es el campo de visión. Las cámaras de marco completo tienen un campo de visión más grande. Si tomas una foto desde la misma distancia con el mismo objetivo, con una cámara de fotograma completo y la con un factor de recorte uno, la cámara del sensor de recorte captará un campo de visión más estrecho. Pero veamos eso en la práctica. Usé mi lente de 50 milímetros en mi cámara de fotograma completo, tomando una foto de este pulverizador. Entonces me fijé la misma lente de 50 milímetros en la cámara del sensor de recorte y descubrí que la cámara de fotograma completo me está dando un campo de visión más grande. También en general, una cámara de cuadro completo puede proporcionar un mejor rendimiento con poca luz. Con el sensor de fotograma completo siendo más grande que el de recorte, eso también significa que cada píxel individual en el sensor de fotograma completo también será más grande. Si bien en un sensor de cultivo, los fabricantes tienen que encajar la misma cantidad de píxeles en un área mucho más pequeña, y esto posiblemente provocará más ruido digital en circunstancias de iluminación desafiantes. No obstante, a medida que avanza la tecnología, estamos viendo cámaras de factor de cultivo que pueden manejar mejor el ruido digital en condiciones de poca luz. Otra ventaja de una cámara de fotograma completo es que tendrá una profundidad de campo menor que una cámara de factor de recorte. Profundidad superficial de campo significa, como dijimos, que tendremos una foto con Boca, con un fondo borroso. Eso sucede porque con el fin de llegar a una unidad de conjunto y campo de visión, la lente con una distancia focal más larga cuando estamos usando cámaras de cuadro completo. Desde el otro lado, usar una cámara de factor de recorte puede ser muy efectivo para fotografía teleobjetivo y eso se debe a que estamos ganando lecturas extra del multiplicador del sensor de recorte. Una lente de 50 milímetros en una cámara de cuadro completo da un campo de visión de 50 milímetros, pero la misma lente de 50 milímetros en un cuerpo de factor de cultivo nos dará 50 veces 1.5 es un campo de visión de 75 milímetros. Esto puede ser muy útil cuando estás disparando deportes, vida silvestre, fotoperiodistas, y en general, qué quieres acercarte a tu tema. Otra ventaja de una cámara de factor de cultivo de gama alta es que puede proporcionar una calidad similar con una de cuadro completo a un precio más barato. En conclusión, no sólo hay una respuesta en la pregunta, ¿ debo comprar una cámara de fotograma completo o una cámara de factor de recorte? Aconsejaría a los principiantes que comiencen con una cámara de sensor de cultivo. Los modelos de nivel de entrada son más baratos, ligeros, y aún puedes tomar algunas fotos geniales. Aprende cámara y saca el máximo partido a ella antes de considerar actualizar a un modelo de fotograma completo. No obstante, si quieres más características pro, mejor ergonomía y mejor rendimiento general, entonces debes elegir un modelo de cuadro completo. 13. Conclusión: Enhorabuena, lo han hecho hasta el final del curso. Ahora que hemos hablado de los elementos de exposición, la iluminación, de la composición, y en general de lo básico, tienes una base sólida que puedes trabajar encima de ella. Ahora es el momento de que salgas a disparar y volver a grabar y ver tus fotos y publicarlas, compartir tus fotos, obtener comentarios y luego mejorarlas. Imprime tus fotos, pégalas a la pared, dales como regalo, y además, supuesto, inspírate por otros fotógrafos. Esa es la única forma en que los chicos pueden mejorar como fotógrafo. Para mí, fue súper divertido trabajar en este proyecto y espero que hayas disfrutado también. Además, no olvides hacer tu proyecto, hacer tu collage, compartirlo con nosotros, inspirarte e inspirarnos. Si tiene alguna pregunta, estaré más que feliz de responderlas. Además, de verdad agradecería que me diera sus comentarios y dejara una reseña para este curso. De verdad ayuda de esta manera, su credibilidad para crecer. Gracias chicos por tomar esta clase. Cuídate, sigue disparando, y nos vemos pronto.