Conceptos básicos de diseño de personajes Parte 3: color y linework

1. Introducción a la clase: quien no le encanta un buen diseño de personajes, quien no le emociona un personaje en pantalla que es cautivador visualmente y que realmente conecta con el espectador a nivel emocional. El impacto que tus diseños pueden tener en otros es algo verdaderamente único y especial. Casi como una superpotencia. Diseñar un personaje es divertido y emocionante, pero también puede resultar un poco desalentador si no te han enseñado las leyes fundamentales del buen diseño de personajes. Bienvenido a la serie fundamental de diseño de personajes. Mi nombre es Emma Gillette y soy una ilustradora profesional de tiempo completo con experiencia en las industrias editorial y de animación. Tengo un director de animación y arte BFA en el estudiante nominado al Emmy cortometraje tipo t2. Llevo cinco años trabajando como ilustradora y mis clientes han incluido Disney, random Penguin House y American Girl entre muchos otros. Esta es la tercera y última entrega de mi serie sobre fundamentos y conceptos básicos del diseño de personajes. Esta serie, te llevo a través de todas las reglas y principios fundacionales que aprendí en la escuela de arte. En la primera clase, aprendiste todo sobre construcción básica y el lenguaje de formas. Diseñaste dos personajes, un héroe y un villano. En la segunda clase aprendimos a poner tus diseños en gestos dinámicos y expresivos. Ahora en esta tercera clase, llegamos a tomar todos esos bocetos de las dos clases anteriores y hacerlos brillar con liner en color. Si no has tomado las otras clases de esta serie, adelante y presiona pausa, toma esas clases primero, y luego vuelve a esta porque vas a necesitar diseñar a tus personajes de héroe y villano para poder completar el proyecto de clase para esta clase, también recomiendo encarecidamente tomar mi segunda clase. La serie abarca todos los principios básicos y fundamentales diseño de personajes. Estos fundamentos son herramientas del oficio que todo diseñador de personajes experimentado y experimentado conoce de memoria. Y pronto tú también lo harás. En esta tercera parte de mi serie fundamental, aprenderás a pulir tus bocetos, hacerlos brillar con un hermoso color y un atractivo trabajo de línea. Hay tanto más que puedes comunicar a tu espectador sobre tus diseños de personajes solo a través de los colores que elijas. Y al usar intencionalmente el trabajo lineal, puedes tomar un boceto mediocre y convertirlo en una hermosa obra de arte, combinada con los principios que aprendiste en las otras dos clases, cuando termines con esta serie, podrás llevar una idea de concepto a boceto, y finalmente a una hermosa obra de arte que cuenta una historia clara y poderosa. proyecto de clase de hoy es terminar tus diseños de héroes y personajes con trabajo de línea y color. El estilo de trazador de líneas y técnicas de coloración depende de usted. Entonces no habrá dos proyectos iguales. Estaré compartiendo diferentes estilos, técnicas y trucos que puedes usar a la hora de decidir cómo quieres abordar tus diseños. Si estás comenzando tu propio viaje de diseño o estás buscando repasar algunas habilidades. Esta es la serie para ti. Si aplicas consistentemente estas herramientas que ganas en mi serie, podrás entrar cada nuevo proyecto de diseño con confianza, sabiendo que podrás contar historias claras y poderosas con tus diseños. Y que a medida que lo hagas crecerás como artista con cada nuevo proyecto al que entres. Estoy muy emocionada de ver tus diseños de personajes en su forma final. Entonces comencemos. 2. Tu proyecto: Al final de esta clase, demostrarás tu conocimiento del uso del trabajo lineal y los principios del diseño básico del color utilizando el héroe y villano que diseñaste en la primera parte, o los gestos que hiciste para ellos en parte a los dibujos que más te gustaron de los dos. Los vas a llevar a terminar con el trabajo de color y línea utilizando las herramientas que aprendas en esta clase. Si entiendes el material del curso, terminarás con hermosos y diseños de personajes de Rick que lucen pensativos y con un propósito. El proyecto para esta clase es emocionante porque es la culminación de todos los conocimientos y habilidades ganados con tanto esfuerzo que adquiriste a lo largo de esta serie, el objetivo es tener un diseño de personajes que sea cohesivo en su historia, usando todas las herramientas y habilidades que has adquirido a lo largo de esta serie, desde el lenguaje básico de formas hasta el gesto, y finalmente hasta el color y la línea funcionan a medida practicas y usas los principios que practicas y usas los principios que has aprendido en esta serie, continuarás creciendo y desarrollando tu oficio como diseñador de personajes para este proyecto de clase, estaré usando Procreate en el iPad Pro. Pero puedes usar cualquier programa digital o cualquier medio tradicional que te sienta más cómodo. Si tienes curiosidad por los pinceles que uso en mi proyecto de clase, podrás verme hacer una demo de eso al final de esta clase, los estaré vinculando a continuación en el cuadro de descripción. También voy a repasarlos un poco más tarde en la clase. Los consejos que comparto, aunque los pinceles no sean los mismos que en otros programas, serán transferibles a cualquier otro programa como Photoshop o Clip Studio Paint. La mayoría de los programas digitales tienen el mismo flujo que los demás. También estaré dando mis recomendaciones para alinear herramientas que puedes usar si estás haciendo lo tradicional. Y esos también se vincularán a continuación. Si tienes curiosidad, cuando termines tu proyecto, por favor comparte a continuación en la galería del proyecto, me encantaría ver tus diseños. Si buscabas una crítica, por favor pídete eso también. Recibir la crítica como siempre, es la mejor y más rápida manera de crecer como artista. Así que no seas tímido al preguntar. Además si compartes tu pieza en Instagram o en Twitter, no olvides etiquetarme con mi nombre de usuario. Me encantaría compartirlo con mis televidentes en esas plataformas. Y me encanta ver cualquier detrás de escena o bocetos ya que también estás trabajando en tus proyectos allí. Y como siempre, también estoy disponible para la crítica en esas plataformas. Me gusta dar sorteos y lo he hecho antes en mis historias de Instagram. Entonces hablemos de herramientas. 3. Suministros digitales y tradicionales: Hay tantos grandes programas de arte digital, pero principalmente uso Procreate y a veces Photoshop. Terminó el proyecto de clase y Procreate en el iPad Pro. Me verás colorearlos al final de esta clase. Si tienes curiosidad por los pinceles que utilicé, verás que utilizo principalmente los pinceles gouache flow y el flow rough brush del retro max pack by Max you listening. Los uso para la mayor parte de mi coloración. Para forro. Yo uso el lápiz Narendra, que es un pincel básico para procrear. Y para los momentos en los que quería poder comunicar la opacidad de mis colores mejor que lo que los pinceles max me permiten usar el cepillo de lavado, que también es un cepillo básico para procrear. Simplemente me permite cambiar la opacidad mejor que las otras. Personalmente me gusta la textura que proporcionan los pinceles simuladores de gouache, pero puede que no te gusten por tu estilo personal. Así que usa los pinceles que más te gusten. Dejaré un enlace en la pestaña de recursos a conjuntos de pinceles de Max si te interesa echarles un ojo, creo que hay un gran básico para cualquier Illustrator que use Procreate. Para aquellos de ustedes que estarán abordando sus proyectos tradicionalmente, contar con buenos bolígrafos de papel y suministros para colorear les ayudará a lograr los mejores resultados posibles. Para la mayoría de las medianas, un papel de media mixta de peso pesado funcionará bien. O si planeas usar marcadores a base de alcohol, un papel especialmente hecho para un marcador, marcas como Prismacolor o Cocopic te ayudarán a evitar el sangrado. Al tener una alta calidad en Cancún, haremos una gran diferencia al hacer el liner para el diseño de tu personaje. Hay muchas opciones para elegir, pero creo que el mejor y más fácil bolígrafo para principiantes es la serie Pentel point liner. Estos bolígrafos vienen en una amplia gama de tamaños, por lo que agarrar algunos diferentes te ayudará a lograr prácticamente cualquier suerte que quieras. Como se puede decir, tengo demasiados de estos bolígrafos. Los amo tanto. Si quieres probar algo un poco más basado en habilidades, es posible que quieras probar un bolígrafo de pincel de estilo japonés. Estos son excelentes para obtener líneas fluidas suaves que pueden cambiar el grosor sin problemas. También hay muchas marcas para estas, pero me gusta mi marca Pentel tanto como cualquier otra marca por ahí. Estos son geniales porque también puedes rellenarlos con cartuchos de tinta nuevos. acostumbrarse a usar Sin embargo, acostumbrarse a usar una pluma de pincel puede llevar muchas horas. Así que solo sé consciente de eso. Puede que no sea una gran pluma para este proyecto si recién estás comenzando. Si esperas hacer arte lineal coloreado en lugar de solo tinta negra simple para tu pieza tradicional, vas a tener que ser un poco creativo. Puedes usar un lápiz de color que mantengas muy afilado, o podrías usar un pincel de punta fina y usar aguada acrílica que realmente no aguaste mucho. O podrías ponerte elegante y usar una de las muy bonitas tintas de la India. Y estoy pensando en bolígrafos que están ahí afuera, Hay muchas opciones diferentes para que elijas. Cualquiera que sea la mezcla de esos funciona mejor para ti. Experimenta y diviértete. Los médiums tradicionales pueden poco de miedo de acercarse al principio, pero son muy divertidos y me ayudaron a salir de mi cabeza y tal vez un poco menos perfeccionista como lo hago con mi arte digital. Así que definitivamente lo recomiendo para cualquiera que a lo mejor quiera esforzarse. O si esta vez estás haciendo digital, regresa y vuelve a hacer la clase, pero con un medio tradicional. Al igual que con los pinceles digitales, todas las herramientas tradicionales que he mencionado se enumerarán a continuación. 4. Calidad de línea y cómo usarla: Una frase común que escucharás usar los diseñadores de personajes es la calidad de línea o el peso de la línea. Estos son lo mismo y simplemente se refieren al grosor o intensidad de una línea y un dibujo. Las líneas gruesas tienen más peso visual que las líneas delgadas. Lo mismo puede decirse de las líneas oscuras frente a las líneas claras. Un dibujo sin calidad de línea tendrá líneas que tienen el mismo grosor en todo el dibujo. ¿Ves lo soso y este dibujo se ve antes de que no hayas podido precisar por qué este dibujo parece mediocres Pero ahora vamos a compararlo un dibujo con buena calidad de línea. Las líneas a lo largo este dibujo varían en grosor y grosor. Cada línea tiene un propósito y su peso. El ojo se mueve suavemente de un lugar a otro en el foro parecen tener peso real e incluso parecen avanzar y retroceder en el espacio. No se equivoquen. Las decisiones de dónde colocar una línea gruesa y una delgada línea no se tomaron al azar ni arbitrariamente. Veamos el mismo dibujo con el peso de la línea hecho descuidadamente. Como puedes ver, el hecho de que tengas una variación en el peso de la línea y un dibujo no lo hace bueno ni atractivo. ¿Qué diferencia a estos dos dibujos? Bueno, el de la izquierda entiende que usar líneas gruesas y delgadas no agrega nada a un dibujo si no se usan en relación entre sí. Dibujar una línea realmente gruesa en el brazo de un personaje sin pensar en por qué o qué están haciendo las otras líneas que lo rodean en relación entre sí. Es sólo un hechizo para el desastre y el caos. El de la izquierda entiende que el liner es una práctica y organización que utiliza líneas gruesas para denotar importancia, proximidad, peso y sombra. Y las líneas finas para denotar falta de importancia, distancia, luz, conocer y comprender las aplicaciones prácticas del trabajo lineal es extremadamente importante a la hora de diseñar personajes. Creo que hay principalmente cuatro formas de usar la manera liviana, de primera línea para enfatizar y desenfatizar. Grosor de segunda línea para expresar proximidad al espectador. Peso de tercera línea para expresar forma y esperar. Y por último, el peso de la línea para dar la impresión de luz y sombra. La primera forma en que puede usar el peso de línea es enfatizar o desenfatizar ciertas áreas de su diseño. Así como aprendimos a dirigir la atención de nuestro público usando elementos contrastantes en las dos clases anteriores. Lo mismo se puede hacer con line art. Cuando estableces una jerarquía visual dentro de tus dibujos, ayudas a tu espectador a saber qué es importante detenerse y qué hojear. Colocar líneas gruesas u oscuras rodeadas de líneas claras o delgadas creará contraste. Porque nosotros, los humanos, estamos cableados para buscar el contraste. Esto le indicará a su espectador que esta línea es muy importante en relación con las otras líneas que la rodean. Al decidir cuidadosamente dónde concentrar tus líneas gruesas y delgadas, claras y oscuras, podrás establecer un punto focal o área de interés para que tu espectador centre su atención. Un pequeño consejo. En el diseño de personajes, normalmente quieres que tu audiencia preste la mayor atención a cara y las manos de tu personaje. Sin embargo, esta no es una regla dura y rápida. Puede haber muchos casos en los que es posible que desee desenfatizar la cara para propósitos de historia. Como si quisieras que la identidad del personaje quedara oscurecida, o quieres que el espectador se concentre en un elemento de vestuario o en un objeto que sostiene. Quizás tu personaje esté en medio de una acción. A lo mejor él está balanceando una espada y quieres que se enfatice la acción de la espada cortando por el aire. Tómese siempre el tiempo para pensar en el mensaje y la historia que está tratando de comunicar y trazar sus líneas en consecuencia. La segunda aplicación del peso de línea es expresar proximidad y distancia. Así como puedes organizar tu dibujo de lo más importante a lo menos importante, puedes crear una jerarquía que transmita profundidad y perspectiva. Líneas gruesas y oscuras saltan al espectador. Esas líneas siempre aparecerán más cercanas al espectador, mientras que las líneas finas de luz parecen desvanecerse de la vista, dando así la impresión de estar lejos del espectador. Puedes usar esto a tu favor y darle tu personaje esa sensación de existir en el espacio y la profundidad. brazos y las piernas que se apartan del espectador se pueden dibujar un poco más claros, empujándolos hacia atrás. Esto ayuda a que el personaje se vea aún más como que se está alejando del espectador. Por el contrario, si tienes un personaje extendiéndose hacia el espectador, dibujar su mano en líneas oscuras y gruesas ayuda a dar la impresión de que está atravesando la cuarta pared y entrando en el espacio del espectador. Esta es una herramienta muy poderosa que te ayudará a basar tu personaje en realidad y hacer que se sienta como un ser vivo que existe en el mundo real. Te sorprenderá cómo esta sencilla aplicación realmente puede transformar y elevar tus dibujos. grosor de línea también se puede usar para hacer que un personaje parezca tener foro. O en otras palabras, parece que son un haz tridimensional. Esto es similar a la anterior aplicación de proximidad y distancia, pero se usa como un poco más matizada. Empecemos con un ejemplo sencillo de cómo puedes usarlo para expresarlo para este cilindro ya parece tener forma usando la construcción básica y el uso de la perspectiva. Sin embargo, puede ser de hasta una muesca mediante el uso de peso de línea. El área más cercana de este cilindro al espectador es esta sección aquí en el centro y amigo. Mientras que la sección central en la parte posterior y las líneas en los bordes exteriores se curvan alejándose del espectador o la más alejada. Podemos ayudar a que esa curvatura se sienta aún más real al estrechar las líneas para que el punto más grueso comience aquí en el medio y lentamente se vuelva más delgado a medida que un cilindro se curva. Para mayor efecto, podemos usar líneas interiores más cortas. Más largos y espaciados más apretados entre sí. Cuanto más se mueven a lo largo esta curva alejándose del espectador. Estas líneas interiores más pequeñas también se pueden usar para ayudar a expresar granjas suaves o peludas que podrían tener esquinas redondeadas. En lugar de trazar una línea dura que daría la impresión de una esquina afilada, estas líneas pequeñas, ligeramente enganchadas hacen que este borde se vea suave. Estas técnicas son buenas para dibujos que no serán coloreados o que tendrán un sombreado mínimo o nulo. Usando todas estas aplicaciones, ahora podemos dibujar una almohada cilíndrica de aspecto muy creíble. Tómate un tiempo para practicar este ejercicio con una variedad de formas y formas básicas. Porque en cuanto domines esta práctica en formas simples, ahora será fácil traducirla a la forma humana. El cuerpo humano es firme a partir de estas formas básicas, verás donde ahora puedes enfatizar la curvatura de las extremidades, el torso, las muchas características del rostro y más. Esta es una manera hermosa y sencilla de agregar un toque de sofisticación y belleza a tus diseños. Otra forma de hacer que tus diseños se sientan como objetos reales y carnosos es darles peso. La magia del liner es que podemos imitar gravedad simplemente con un grosor e intensidad de nuestras líneas. Simplemente agregar un poco de grosor a la parte inferior de un brazo o donde el cuerpo descansa sobre un objeto, inmediatamente dará la impresión de que ese lado de la figura es más pesado que el otro lado. O hacer que sienta que el personaje está poniendo mucho peso en el pie o la mano a diferencia de la otra. ¿Recuerdas el ejemplo pop hip de la clase anterior? Otra forma de enfatizar este pop es hacer que las líneas del pie portante sean más gruesas que las líneas del pie en reposo. Esta es una forma pequeña pero reflexiva de ayudar a comunicar este gesto incluso mejor que antes. Esta técnica realmente es útil si estás dibujando algo grande y fuerte y realmente quiere que el espectador sienta ese peso. También se puede utilizar para hacer que algo se sienta ligero y aireado siempre que las líneas utilizadas sean delgadas y ligeras. A diferencia de las líneas debajo de él, aparecerá plumosa y tardía. La cuarta forma en que puedes usar liner es dar la impresión de luz y sombra. Las líneas oscuras, gruesas y continuas indicarán sombra o falta de exposición a la luz. Mientras que la luz delgada y la lente rota parecerán tener una alta exposición a una fuente de luz. Esta técnica es particularmente útil para dibujos que son liner desenfocados o que tendrán poco o ningún sombreado. Algunos artistas como Mike Mignola apagarán áreas enteras en negro para denotar áreas de sombra. No obstante, si eso es demasiado extremo para tu gusto, puedes usar solo unas pocas líneas y la siguiente y grietas de tu diseño. El disfraz de este personaje tiene muchos pequeños lugares donde el vestuario se aleja de la piel, incluso áreas que están protegidas de la luz. También hay lugares en su cuerpo como en tus oídos, debajo de su barbilla, y en su gesto de mano que pueden recibir unas pequeñas líneas juntas que pueden dar la apariencia de sombra y forma. Esta es una manera fácil de agregar una capa de profundidad e intereses a tus diseños. Si esto parece mucho para asimilar y no estás muy seguro de cómo vas a aplicar todas estas técnicas a tus diseños de personajes. A lo mejor ahora es un buen momento para presionar pausa y practicar el trabajo de línea un poco. Para ello, he incluido en la pestaña de recursos cinco ejercicios para que los descargues y los uses. Estos archivos pueden imprimirse para la práctica tradicional o dejarse caer en un lienzo digital. En primer lugar, haz que practiques tu habilidad para lograr grosores e intensidad variables de tu luz. Y el segundo ejercicio, tratar de hacer que el cúmulo de formas aparezca para retroceder en el espacio correctamente y relacionarse entre sí. El tercer ejercicio estudia dónde están las luces apuntando a cada objeto, qué tan cerca o lejos están. Y agrega arte lineal que coincidirá. Y el cuarto ejercicio, haz tu mejor esfuerzo para que las diferentes almohadas luzcan tridimensionales y esperando. Y luego el ejercicio final, combina las cuatro aplicaciones en el diseño del personaje para obtener resultados óptimos. Una vez que hayas terminado los personajes empiezan de cero y ven si puedes mejorar tu técnica por segunda vez. 5. Estilización: Entonces, ahora que estás familiarizado con estas aplicaciones para el peso de línea, es importante tener en cuenta que no todos los dibujos de arte lineal que sí necesitas usar, todos ellos. Puedes usar todos o ninguno de ellos realmente dependiendo de cuál sea tu proyecto y cuáles sean tus necesidades, realmente lo más importante a recordar de todo esto es que se trata de jerarquía. Puedes ordenar tu jerarquía. Entonces no importa qué técnicas uses, va a parecer intencional. Esto puede ayudarte en tu búsqueda personal tu propio estilo o explorar nuevas formas de estilización, por ejemplo, en esta pieza, la jerarquía en su lugar tiene solo tres o cuatro variaciones diferentes y el peso de línea. Las líneas más oscuras más grandes son las líneas exteriores que trazan el perímetro del personaje. Luego están las segundas líneas más grandes que delinean las formas principales dentro. Y luego los pequeños detalles se hacen en la línea de menor tamaño. Este diseño no utiliza realmente ninguna de las técnicas que acabamos de discutir. Y sin embargo sigue su propia jerarquía, y por lo tanto se ve cohesiva e interesante. Una vez que hayas decidido la jerarquía de tu línea de trabajo, entonces realmente el mundo se abre a ti en términos de estilización y formas en que tu pieza te vea única e interesante. No hay una manera correcta o incorrecta hacer liner y es posible que te atraigan ciertos estilos de trabajo de línea más que otros estilos, puedes ir completo en cómic, blanco y negro, trabajo de línea de sombreado realmente intenso. O podrías ir por un trabajo de línea de color más sutil con fines ilustrativos. O puedes ir a algún lugar entre esos dos. O puedes hacer algo parecido a mí donde empiezo con un bloque de color y luego agrego líneas en donde creo que se ven bien. Entonces es como una mezcla de arte lineal y arte sin sentido. Como sea que elijas estilizar, tu arte lineal funcionará bien. Siempre y cuando seas congruente con las elecciones que tomes al principio. 6. Consejos y trucos de Lineart: Antes de concluir esta sección sobre arte lineal y pasar al color, me gustaría dar algunos consejos que te ayudarán a lograr trazos mejores y más seguros. Y luego también algunos consejos para usuarios digitales que pueden ayudarte a lograr algunos looks diferentes para tu arte lineal. Estaré usando Procreate, pero casi todas las técnicas que les mostré son transferibles a cualquier otra plataforma digital. No obstante, el primer paso que voy a compartir con ustedes es aplicable tanto a los artistas digitales como a los tradicionales. Y es para usar trazos rápidos y seguros en tu arte lineal. Si estás dibujando control digitalmente, Z se convertirá en tu mejor amigo. Secar trazos rápidos y seguros y rehacer la misma línea varias veces antes de aterrizar en la correcta es mejor que hacer líneas temblorosas y tremendamente tímidas. Eres competente, brilla en tu arte cuando eres valiente con tus líneas, dibuja audazmente. El siguiente consejo es para artistas tradicionales y digitales, pero los métodos para hacerlo serán un poco diferentes. Mi consejo es hacer tres pases totales diseño de tu personaje. El primero será tu primer boceto enérgico que resuelva la línea de acción, las formas básicas y la sensación general de tu diseño. Este será un boceto muy rudo y enérgico que tiene como objetivo capturar la energía general y la sensación de tu diseño. El segundo pase será tu boceto apretado. Y este pase, intentas conseguir que tu diseño al 80% de terminación ella misma. Aquí trabajas la anatomía, expresión y los detalles finos de tu diseño. Básicamente, quieres asegurarte de que no tienes que hacer ningún invitado trabajando en el pase final de arte de línea. Como querrás estar solo enfocado en el arte lineal en lugar de redactar. Entonces finalmente, en la tercera pasada, completarás tu diseño con un hermoso arte lineal pulido. Eso puede parecer muchos pasos, pero trabajar a través de un dibujo y pases te permite trabajar cada problema en fases. En lugar de tratar de resolverlo todo de una sola vez. Lo último que quieres hacer es pasar horas en un dibujo de arte lineal, habiendo saltado los bocetos de construcción y luego darte cuenta de que su construcción está todo mal y luego tener que desechar y hacerlo todo de nuevo. Si estás dibujando tradicionalmente no es tan fácil. O vas a necesitar una mesa ligera, que es una mesa que tiene un material translúcido en la parte superior con una luz debajo. Y luego cuando lo enciendas, puedes poner tu papel de boceto encima con un papel nuevo sobre eso y la luz te permitirá ver el papel debajo de tu rodilla uno. Sin embargo, si no tienes uno de esos, a menudo puedes comprar mesas ligeras baratas en línea por no demasiado en los acentos de una mesa ligera, siempre puedes juntar tus papeles y pararte en una ventana para obtener el mismo efecto. Mis siguientes consejos van a ser solo para artistas digitales, y van a ser formas de lograr diferentes looks con tu line art. El suavizado de líneas es una función que utilizan muchos programas como Procreate que alterará tus líneas después de haberlas dibujado para darles un defecto suave. Para algunos proyectos y estilos, esto puede ser muy útil. Pero para los efectos de esta clase, te recomiendo que no uses tu proyecto. Es importante para tu crecimiento artístico dominar el control de línea. Y no podrás hacer eso si tienes una computadora alterando tus líneas por ti. Así que apágala y acostúmbrate al botón de deshacer. Encontrarás que cuanto más caigas audazmente y sin ayuda tu precisión y precisión mejorarán lentamente con el tiempo. La forma más fácil de colorear tu arte lineal es dibujar tu liner en un canal alfa. Los canales alfa son capas pero no tienen un color de fondo. Parecerá tener este fondo a cuadros blancos y grises. Eso significa que no hay absolutamente ninguna información de píxeles en esta capa. Entonces, cuando dibujas tu liner sobre él, la única información allí serán las líneas de tu dibujo. Esto es lo que hace posible que coloques diferentes imágenes una encima de la otra y aún así puedas ver lo que hay en la capa inferior. Todos los programas de arte digital tienen esta función. Y todos los programas de arte digital permiten bloquear estos canales alfa. Cuando bloqueas tu capa de canal Alfa, bloqueas la información de píxeles, lo que significa que no podrás colorear fuera de las líneas y colores que estaban en el canal alfa antes de bloquearlo y simplemente elige qué color quieres colorear tu ancho de arte lineal y colocarlo sobre tu dibujo. Mira lo sencillo que es eso. Puede elegir manualmente los colores a medida que avanza, o para una manera rápida y efectiva de cubrir su trabajo de línea al hacer una pieza completamente coloreada. Llena todas las líneas con un solo color, generalmente los rojos, los rosas y los púrpuras funcionan mejor y establecen el estilo de capa para que se multiplique. Ahora tienes línea coloreada, coincide con sus colores interiores. Eso es alrededor con la opacidad y el color para diferentes efectos. Y una manera fácil de agregar un hermoso efecto a tu arte lineal es duplicar primero tu capa de arte lineal. En la primera capa usa un efecto Desenfoque Gaussiano y establece el estilo de capa para que se multiplique, ajuste la opacidad a. También fui y borré todo el efecto borroso en el exterior de mis líneas. Para que puedas jugar con eso y ver qué es lo que más te gusta. Pero ahora verás que tu arte lineal tendrá un hermoso efecto brillante que agregará una capa de profundidad e interés a tu dibujo. puedes jugar con el color de esta capa y ver cómo afecta el aspecto del diseño. Este es un truco pulcro que aprendí hace poco. Es decir, para diseños como este que compartí antes, este diseño solo usa tres o cuatro variaciones de líneas. Podría intentar mirarlo cada vez que necesitaba cambiar mi línea. Pero si realmente quisiera mantener una mirada consistente a través de mi diseño, tener una manera de guardar las líneas quiero sería de mucha ayuda, lo que puedes hacer precisamente eso en Procreate. Cuando toque el deslizador para el tamaño del pecho, puedo darle a este signo más y fijará ese pincel en el deslizador. Puedo agregar tantos como necesite y luego saltar entre ellos como tenga necesidad. La solución alternativa para esto en Photoshop sería tomar notas del número del tamaño de mi pincel y luego teclearlo en el deslizador cuando necesite saltar entre tamaños. Espero que estos consejos y trucos te sean útiles. Experimenta con él, diferentes estilos y técnicas que te he enseñado y ve qué funciona mejor para ti. Y si tienes una técnica especial que realmente te gustó y no viste compartida en este video. Compártelos en la pestaña de discusiones. Me encantaría ver qué técnicas usas y me encantaría compartirlas con los demás alumnos de la clase. Ahora que hemos aprendido todo sobre el arte lineal, sigamos adelante y saltemos al color y veamos cómo podemos usar eso para contar aún más las historias de nuestros personajes. 7. Esquemas de color y diseño de personajes: Ahora podemos pasar a la segunda parte de esta clase y aprender a aportar vitalidad a tus diseños de personajes con color. Este no será un curso integral de teoría del color, pero repasaremos lo básico. Al final de esta sección. Tendrás las herramientas necesarias para poder tomar decisiones informadas e inteligentes sobre qué colores se adaptarán mejor a tus necesidades para tus diseños de personajes. Para tomar esas decisiones inteligentes, vas a necesitar entender la rueda de colores y los términos saturación, matiz y valor. Aquí hay una rueda de color básica. Cada color diferente en esta rueda representa un tono diferente. Quizás estés familiarizado con el acrónimo Roy G Biv, que significa rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta. Así es como se ve la rueda de colores y Photoshop. Cuando seleccionamos un matiz, tenemos esta caja que tiene dos ejes. Valor y saturación. El valor es lo claro u oscuro que es el color con el blanco y el negro estando en las extremidades. Y la saturación es lo puro que es el matiz con su forma más pura, más brillante, y gris en las extremidades. Así se ve la rueda de colores en Procreate, que es el mismo concepto, pero en, vamos a formar. A medida que juegues con estos deslizadores, aprenderás rápidamente que las variedades de color y valor son innumerables. Quizás te estés preguntando, cómo en el mundo se supone que debo elegir cualquier color para mis diseños cuando hay tantos para elegir, qué colores se ven bien juntos y cómo sabré que son la elección correcta para mi personaje antes de que te llevar por una avalada de confusión de colores, Vamos a ofrecerte una rama para aferrarte a la forma de una herramienta especial llamada esquemas de color, o también conocidas como paletas de colores. Un esquema de color o paladar, es simplemente una combinación diferente de colores. Hay tipos específicos de arreglos que fueron bajo. Un diseñador puede conectar colores casi como un problema matemático cuando se hace correctamente. Estos esquemas de color crean paletas que se ven cohesivas y atractivas. Hay muchos, muchos tipos diferentes de esquemas de color. Pero para los fines de esta clase, solo estaremos cubriendo seis de las más comunes. El primero y más simple es un esquema de color monocromático. Para crear uno, todo lo que haces es seleccionar un solo tono en la rueda de colores. Colores ajustando el valor y la saturación, verás que esto crea una nota muy cohesiva y una nota, un movimiento para tus pinturas. Entonces, si quieres comunicar un mensaje o característica muy fuerte sobre tu personaje, un esquema monocromático podría ser adecuado para que uses un esquema de color análogo. Escoge un matiz y los dos tonos a su lado en la rueda. Muchos diseñadores aplican la regla 16º 3010 para lograr el equilibrio. Eso significa que el color principal se utilizará el 60% del tiempo, y los otros dos colores, generalmente los del perímetro, deben llenar el 40% restante como colores de acento con uno quizás reservado para pequeños detalles y reflejos, al igual que en el monitoreo. Nuevamente, todos los demás esquemas de color, eres libre con estos tonos para elegir diferentes valores y saturaciones. Cubriremos cómo podrías tomar esas decisiones un poco más tarde. Pero por ahora, sigamos cubriendo los esquemas básicos de color. El esquema de color complementario requiere que elijas una cola y luego elijas el tono directamente opuesto en la rueda de colores. El color base se va a usar como color principal en la imagen, pero son colores complementarios utilizados como acentos. Un split complementario es similar a su predecesor, pero forma un pequeño triángulo en la rueda, pero el color principal y dos colores equilibrados frente a él. Un esquema de color triádico es una variante del esquema complementario dividido, pero los tres colores se dividen uniformemente a través de la rueda de colores, creando un triángulo equilátero. Este puede ser difícil de equilibrar, así que es mejor dejar que uno sea el color principal y dejar que el otro tubo trabaje en papeles secundarios. Y por último, está la tétrada, que también se puede llamar el esquema de color doble complementario. Tiene dos pares de colores los cuales tienen un color correspondiente opuesto, creando un rectángulo en la rueda de colores. Esto generalmente resulta en un polen vibrante y audaz que también puede desprenderse agresivamente. Así que pise con precaución y apunte a usar un color principalmente con el otro sirviendo como acentos. Notarás que en cada una de estas paletas, hay una amplia gama de valores entre los tonos. Rara vez vas a ver una paleta que tiene todos sus diferentes tonos también tienen la misma intensidad y brillo. ¿Por qué? Bueno, pretendamos que nuestros colores están cantando en un campo grande. Si todos nuestros colores estuvieran cantando en lo alto de sus pulmones. Si bien terminamos con es un curso muy caótico sin ningún lugar en el que enfocarnos. No habría armonía. Y dijo que si nuestros colores silenciaban sus voces para que fueran más silenciosas y menos saturadas, ya podemos ver que están empezando a gelarse ya podemos ver que están empezando a un poco mejor y aún mejor aún, si permitimos que una voz cante más fuerte que otras, tenemos un resultado mucho más interesante ya que ahora hemos introducido el contraste. Y como he mencionado a lo largo de la serie, a los humanos les encanta mirar el contraste. La aplicación real de esto es buscar formas de introducir contraste en sus paletas de colores. Al elegir algunos colores para cantar en voz alta y otros colores dos jorobas suavemente en el fondo. Esto te ayudará a lograr la armonía dentro de tus paletas de colores. Ahora que conoces los esquemas de color y cómo crear uno, podrías estar pensando que esto es genial. No puedo esperar a elegir uno para mis personajes, pero ¿cómo sé qué combinación de colores es la adecuada para mi personaje? Aquí es donde puedes ponerte tu gorra de pensamiento y pensar en tus personajes a través de la lente de sus historias y sus personalidades. Y luego intenta ver si puedes extrapolar esas historias son personalidades a través de los diferentes esquemas de color que has aprendido, qué combinación de colores coincide mejor con la personalidad de tu personaje? ¿Estás diseñando un enfoque, carácter y cuerpos de OneNote , un rasgo singular Piensa en la tristeza de Pixar de adentro hacia afuera, ella es la encarnación de un rasgo singular, la tristeza. Y así una paleta de colores monocromáticos se ajusta perfectamente a su personalidad. O tal vez tu personaje está lidiando con creencias o deseos opuestos y necesita tomar una decisión. Tal vez un esquema de color complementario podría ayudar a mostrar esa dicotomía dentro de la personalidad de tu personaje. Puedes ser realmente creativo con cómo interpretas los diferentes esquemas de color y cómo puedes interpretarlos a través de la lente de tus diseños de personajes. Al diseñar personajes para televisión o cine, los diseñadores de personajes a menudo harán que todo el elenco comparta una paleta similar. O al menos se asegura de que haya dos o tres colores que recorren todo el elenco para que todos parezcan existir dentro del mismo mundo. Una manera tan sencilla de evitar tener algún personaje de vino y tu elenco parece que no pertenecen a tu historia. Otra herramienta sumamente importante para que uses a la hora de elegir los colores de tus personajes, es recordar la importancia y poder de la psicología del color. El diseño de personajes se trata de contar historias. Y la narración de historias está en el negocio de manipular los sentimientos y emociones y pensamientos de tu audiencia para lograr que tus espectadores se relacionen y sientan de cierta manera sobre tus diseños es saber cómo funciona el cerebro de tus espectadores y cómo puedes usar eso para obtener esas respuestas que estás buscando. Por ejemplo, el rojo es un color que ha sido programado en nuestro cerebro para exigir atención y también puede advertir del peligro. Es un color apasionado y puede evocar sentimientos de determinación, amor, poder y fuerza. Este color es genial para protagonista y antagonista, pero tal vez no tanto para alguien que es perezoso o que no tiene mucho que hacer en su vida, o muchas pasiones. Cada color tiene cualidades asociadas. Y he vinculado a continuación un recurso que tiene cada color y sus cualidades asociadas. Esta lista se hizo pensando en las culturas occidentales. Es muy importante tener en cuenta que cada cultura tiene diferentes asociaciones para diferentes colores. En Estados Unidos, el blanco es un color que a menudo se asocia con el matrimonio, la pureza y la inocencia. Donde en la India, el amarillo puede asociarse con cualidades muy similares. Si estás diseñando un personaje de un país específico, podrías dar el paso extra y aprender qué asociaciones de color tiene ese país para los colores que podrías estar eligiendo. Otra forma para que veas psicología del color sería mirar categorías de colores en lugar colores individuales y algunas categorías que quizás quieras considerar. O tonos naturales, tonos joya, tonos pastel y tonos cálidos y fríos. Estar familiarizado con estas categorías puede ayudarte a orientarte hacia la dirección general a la que quieres que vayan tus personajes. Entonces puedes estrecharlo a partir de ahí. Por ejemplo, si estuviera diseñando un rey o una reina, podría decidir mirar los colores que serían categorizados bajo tonos joya. Y luego escoge mi esquema de color a partir de ahí. 8. Sombrero, textura y patrones: Una vez que haya completado su arte lineal, elija sus esquemas de color, coloque sus colores planos. Estás muy cerca de que termines con el diseño de tu personaje. El último paso es agregar textura, sombreado y patrones a tus diseños de personajes. Estos pequeños detalles harán brillar tu diseño y agregarán poco de intereses y narración a tu diseño. Aquí también es donde puedes experimentar con este estilo y métodos para los que usarás el sombreado. Puede usar gradientes de la herramienta Lazo o pinceles grandes y suaves para agregar suavemente capas de color. También puede optar por hacer cel Shading y usar pinceles redondos duros para bloquear en grandes áreas de sombra. Estos diseños de personajes no pretenden ser pinturas digitales altamente renderizadas. Así que trata de no perderte al intentar pintar cada forma de una manera hermosa y realista. Deja que tu línea funcione, haz el trabajo pesado por ti y tu sombreado y color acentúan y apoyan la textura y el patrón también pueden ser herramientas realmente poderosas para agregar capas adicionales de profundidad e intereses a tu narración. Las pegatinas y logotipos en la lonchera de una colegiala realmente pueden decirle mucho a un espectador sobre sus intereses y pasatiempos. Los intrincados patrones cosidos a una capa de la Realeza realmente pueden desprender la sensación de lujo y decadencia, a diferencia de una capa sucia, fangosa y sucia que un campesino podría usar. Una vez más, una planificación reflexiva y cuidadosa de tus personajes y conocer sus historias por dentro y fuera te permiten tomar decisiones simples pero poderosas a través de cada etapa del proceso cuando los estás diseñando todos uniéndose para hacer un hermoso diseño. Un diseño que trabaja partes se unen para contar una historia poderosa y clara. 9. Demostración: Bienvenido a la parte demo de nuestra clase. Voy a mostrarte cómo completé mis diseños de villano y héroe. Entonces verás aquí que en realidad fui e hice algunas miniaturas en color de mis personajes solo para asegurarme de que todos los colores iban a funcionar juntos. Para que no tuviera que averiguarlo ya que los estaba terminando. Es como un poco lo que estaba diciendo acerca de hacer tu dibujo y pases. Hacer una miniatura de color puede ayudarte a hacer mucho trabajo pesado y pensar en la concepción antes de que realmente pases mucho tiempo coloreando y luego sintiendo como, Oh no, elijo el color equivocado. Ahora tengo que volver atrás y cambiarlo de todos modos. Entonces hice una variación en el esquema complementario dividido. Tengo mis tres colores más del lado más cálido, y luego tengo una cruz de ellos, este color verde azulado que utilizo a lo largo del resto de las paletas. Entonces esa es la combinación de colores que voy a por. Y los voy a usar tanto para mi héroe como para mi villano. Lo primero que voy a hacer es alinear las áreas de color más grandes. Verás aquí es muy sencillo. Alineé el área y luego los voy a colorear con el pincel gouache flow del pack Max. Simplemente haré esto para cada color del personaje. Porque este cepillo es bastante translúcido. Hace falta un par de capas para llegar a la opacidad que quiero. Entonces, en lugar de ir a través y hacerlo manualmente cada vez, solo duplico la capa y luego entro en los puntos parcheados y los rellené. Es una manera fácil de hacerlo. Entonces ahora que tengo todos los colores elaborados, verás que los tengo cada uno en una capa separada. Y lo hago porque es más fácil bloquear esas capas y luego sombrearlas individualmente después. Pero por ahora voy a empezar en el line art y lo estoy haciendo todo en negro. Y luego volveré y escogeré los colores para mi capa de arte lineal más tarde. Pero aquí estoy usando el lápiz Narendra y sólo voy a entrar y aquí. Aquí verás que estaba tratando de averiguar si podía agregar algo más de sensibilidad a la presión a este cepillo porque básicamente es un cepillo redondo con variación conocida. Yo no logré hacer eso. Y entonces yo, verás que no me dan esos trazos rápidos, como he mencionado antes en la clase. Me gusta mucho este pincel, pero no me permite hacerlo. Entonces estoy pensando que probablemente necesite hacer mi propio pincel que se sienta como el lápiz Narendra, pero me permita tener esos trazos rápidos y seguros que normalmente quieres cuando estás haciendo liner. Ahora una vez que mi liner esté completo, voy a empezar a colorearlo. Sólo voy a ir a bloquear mi capa de arte lineal. Y voy a escoger los colores locales para cada zona. Y normalmente voy a elegir algo que esté un poco más saturado y un poco más oscuro que la zona que va a rozar. Y sólo voy a empezar a rellenar mi arte lineal para que coincida con los colores que rodea. En mi estilo personal, prefiero que mi arte lineal varíe en color. Entonces no sólo va a estar en su piel no sólo va a ser de este color durazno. De hecho voy a entrar y las áreas que estarían blindadas de la fuente de luz. Voy a hacerlas más oscuras, voy a hacerlas más saturadas. Encuentro que esos mismos cambios de color realmente se suman a mi, mi línea de arte. Y entonces realmente recomiendo probarlo. También es muy divertido de hacer. El forro está hecho. Aquí es donde consigo entrar y poner al ras el sombreado, las sombras y la textura. Estoy usando de nuevo, el pack max Retro, el pincel max pack retro gouache. Y solo voy a entrar y poner reflejos básicos, sombras y rubor a través de la granja. Nada loco. Pero lo hace, como se puede decir, realmente le da vida y solo le agrega un toque final de pulido que necesitan estos diseños. También voy a agregar patrones, y verás en un minuto que voy a agregar cosas como suciedad en sus botas y en su vestido que ayuda a dar la impresión de que esta chica es una aventura y no le preocupa ensuciarse la ropa. Ella está más en ello por solo disfrutar de la vida y estar en la naturaleza. También le voy a agregar un poco de esa suciedad al villano también. Y voy a prestar especial atención a su caparazón de escarabajo y asegurarme de que haya suficiente textura en mi sobre ella. Entonces parece una concha de escarabajo iridiscente y brillante. No se vería como un bicho ni se encontraría como un bicho si no tuviera esa textura y los reflejos. Entonces ahí es donde la textura realmente puede servir y ayudarte a que tus diseños se vean y se sientan como los materiales reales que quieres que usen. También verás que le agregué algunos efectos mágicos al villano. Y después de eso, mis diseños de personajes están hechos. Así que gracias por acompañarme. Espero que esto haya sido útil para ver cómo trabajo y posiblemente pueda ayudarte con tu flujo de trabajo. 10. Reflexiones finales: Tú lo hiciste. Enhorabuena por completar mi serie fundamental de diseño de personajes. Realmente deberías darte una gran palmadita en la espalda. O si no has tomado la primera o segunda clase de esta serie, realmente te animo a que vuelvas y te las lleves. Hay tanto que aprender y procesar a lo largo de todo este viaje. Y estoy muy orgullosa de ti por seguir adelante y hacer el trabajo duro para hacer crecer tus habilidades de diseño. Estoy muy orgullosa de todo tu arduo trabajo y espero que tú también lo estés. Estoy muy emocionada de ver tus diseños de personajes terminados. Este ha sido un viaje así, llevando a tus personajes desde el concepto hasta el final. Y realmente espero que las herramientas que ganaste en esta serie creen un diseño del que estés muy orgulloso y emocionado de mostrar. Espero que sientas una gran sensación de logro y que también sientas que estás un poco estirado en el proceso. El crecimiento artístico es difícil de ganar a través de la determinación y la determinación. Entonces déjenme darles una ronda de aplausos por hacer tan buen trabajo. Todas las técnicas y principios que has aprendido en esta serie serán herramientas valiosas en el kit de herramientas de tu diseñador. Y cuando los revises a menudo, seguirás creciendo en tu camino artístico. El viaje del artista nunca termina. Entonces, si alguna vez sientes que te encuentras con un bloqueo en tu viaje por delante, asegúrate de regresar y revisar algunas cosas que podrían volver a vivir en tu oficio y ayudarte a llevar tus diseños a un nivel completamente nuevo. Por favor, comparta sus proyectos terminados y la galería a continuación. Y si quieres pedir crítica antes de eso, pediste en la pestaña de discusiones, o me preguntaste en Instagram o Twitter, me encanta dar comentarios. Y si los compartes en línea, también, no olvides etiquetarme en el post que compartes. Esta fue la tercera y última parte de mi serie sobre los fundamentos del diseño de personajes. Muchas gracias por acompañarme en este viaje. Si por favor deja una reseña que realmente ayude a mis clases a salir a futuros alumnos. Y si quieres estar al día de mis futuras clases, asegúrate de seguirme aquí en Skillshare y también seguirme en mis otras plataformas de redes sociales también. Gracias otra vez, y te estaré viendo en la próxima.