Transcripciones
1. Introducción: Hola. Soy Karim Darwish, artista de
teatro y creador de contenidos, y esto es introducción a la creación de personajes. En este curso, aprenderemos los bloques de construcción para crear un personaje tanto para el escenario como para la cámara. Aprenderás a analizar un guión, construir una historia de fondo de personaje, comprender las metas y desafíos del personaje, y construir la fisicalidad y cualidades vocales del personaje. Tengo Licenciatura en Bellas Artes en Actuación. He actuado en el escenario, en cámara, y estoy tan emocionado de estar impartiendo este nuevo curso en línea. Cada lección de este curso te presentará un paso en el proceso de creación de personajes, e incluirá una hoja de trabajo y una actividad opcional para que completes. Cada actividad se construye sobre la anterior, y para el final del curso, habrás construido una base para un personaje que está listo para cobrar vida de las páginas del guión. Este es un curso de nivel introductorio. Si eres nuevo en la actuación, pensando en actuar, o necesitas un refresco después de mucho tiempo lejos de actuar, este curso es para ti. Si estás listo para empezar, te
veré en la lección 1, la historia de fondo.
2. Elaborar una historia de fondo: Bienvenido a la lección 1 del curso de creación de personajes. Antes de empezar, hablemos de qué herramientas tienes como actor para construir el personaje. El guión es la principal fuente de información sobre tu personaje y cada elección que haces como actor tiene que honrar en última instancia el guión y las intenciones del escritor. Tú como actor necesitarás hacer más investigaciones sobre la hora y el lugar donde
se desarrolla la historia y cualquier otro factor que pudiera formar parte de la educación y desarrollo de tus personajes, como los tiempos y la ubicación, cuándo, y dónde se lleva a cabo la historia. Cuanta más información tengas sobre el personaje, más rico será tu personaje. Pero no todo estará disponible para ti en el guión o en la investigación, especialmente para personajes ficticios o de historia antigua, y ahí es cuando tu imaginación de actores entra en juego. Tendrás que usar tu imaginación para llenar los espacios en blanco y
tomar decisiones que aún honran el guión y el mundo creado por el escritor. El primer paso para construir un personaje como actor es saber quién es realmente el personaje. El guión te proporcionará información esencial sobre el personaje,
esto incluye el nombre del personaje, la
relación, las ocupaciones, el estatus social, etcétera. En primer lugar, lee el guión y toma nota de cada detalle sobre tu personaje con el que te encuentres, no importa lo pequeño que sea. Si está en el guión, está ahí por una razón y un buen actor encontrará la manera utilizar cada pedacito de información que tengan para el personaje. Después de los guiones, haz tu investigación sobre los tiempos y lugares donde nació, se
crió y vive tu personaje en la historia. Descubre qué factores influyeron en su desarrollo, cuál fue la cultura en la que crecieron como. Lo que pasaba alrededor de tu personaje social, política ,
económicamente, fue allí guerra, penurias económicas, revoluciones, cambios políticos, cómo fueron los tiempos, y qué efectos podría tener alguno de estos factores en tu carácter. Después del guión y la investigación y ahí es donde se obtiene la oportunidad de co-crear con el escritor. Usa tu imaginación de actores para llenar los espacios en blanco donde el guión y la investigación no proporcionaron información. Esta es una de las cosas que separa a los buenos actores de los grandes actores, los detalles y la profundidad del personaje que crean. Por ejemplo, el guión puede no incluir suficiente información sobre los padres del personaje, pero tú como actor puedes hacer una elección educada y decidir en base a lo que tiene más sentido y honra el guión, si los padres tenían un feliz matrimonio o divorcio, o si alguno de ellos muriera, y lo que afecte alguna de esas opciones puede tener sobre el personaje, y cualquiera de estas opciones tendría sentido con lo que ya sabes sobre la vida y el comportamiento del personaje a partir del guión. De igual manera, puedes tomar decisiones respecto a las experiencias infantiles, las relaciones,
los sueños y las aspiraciones del personaje , pero no te dejes llevar demasiado y termines escribiendo una historia completamente nueva diferente a la que el escritor tenía en mente. Todas las elecciones que hagas deben respetar las intenciones del escritor y honrar el guión. En esta lección, exploramos las herramientas de actor para construir un personaje,
el guión, la investigación y la imaginación de los actores. Tu actividad es encontrar una obra de teatro o un guión de cine que te guste, escoger un personaje que te gustaría tocar, leer el guión, usar tu investigación e imaginación y escribir una biografía de tres a cuatro páginas sobre tu personaje desde su nacimiento hasta muerte. Encontrarás una hoja de trabajo de análisis de guiones para ayudarte a guiarte a través de esta actividad. Si quieres verme pasar por esta hoja de trabajo, puedes ver el siguiente video. De lo contrario, espero verte en la lección 2 cuando
hablemos de los objetivos y retos del personaje.
3. Actividad: escribe una biografía: Hola otra vez. Espero que hayan disfrutado de la lección 1 y estén emocionados por esta primera actividad del curso. En esta actividad, escribirás una biografía sobre tu personaje explorando tres dimensiones de la vida del personaje; física, social y psicológica. Si aún no lo has hecho, asegúrate de descargar el folleto de actividades del curso de la sección de recursos del curso y seguir adelante. Puedes imprimirlo o tenerlo abierto en tu computadora
, lo que funcione para ti. En la hoja de trabajo de actividades, verás tres tablas o casillas. Uno para la dimensión física, dimensión
social, y la dimensión psicológica. Empezando por un físico, esto describe el lado externo del personaje, todo lo que se puede ver y cómo aparecen. Cosas como nombre, género, coloración de
edad, que se refiere al cabello, los ojos y los colores de la piel, marcas como marcas de nacimiento, cicatrices, tatuajes, afecciones de
salud que son visibles como una extremidad o una lesión. Este final es por diversión, pero aún dice mucho sobre el personaje, las mascotas. ¿ Tienen alguna mascota? ¿ Son un gato o una persona de perro o son de esas personas que tienen un tigre en el sótano? Por lo que para cada uno de estos puntos, asegúrate de elaborar tanto como sea posible. Asegúrate de que tus respuestas sean específicas y detalladas tanto como puedas. Social describe un personaje en su comunidad y cómo encajan. Esta dimensión incluye el estatus, la ocupación, la educación, la familia, la nacionalidad, la raza y las creencias. El estatus es su posición en su sociedad. ¿ Ocupa una posición alta o baja y qué tan respetados son en su trabajo y comunidad? La ocupación es lo que hacen para ganarse la vida y cómo se sostienen financieramente. Educación es qué nivel de educación tienen, cuántos años escolares han concluido, ¿cuál es su mayor grado o licenciatura? Familia es quién es su familia, cuántos hermanos tienen, están casados, ¿viven con alguien? De igual manera, se puede abordar su nacionalidad, raza, qué creencias espirituales y políticas tienen. En la dimensión final, la psicología, describe el lado interno del personaje, cómo se ven a sí mismos y su lugar en la vida. Cosas como la vida romántica. Generalmente puedes describir cómo es su vida amorosa. ¿ Tienen algún sentimiento romántico por alguien? ¿ Cómo son esos sentimientos? Si no tienen ningún sentimiento por nadie, ¿cómo les hace sentir eso? Muchos sentimientos en este, los estándares
morales son sobre tus personajes, carácter, y lo que representan,
lo que es importante para ellos. No se limiten a decir estándares altos o bajos, sino a describir más a fondo lo que el personaje valora y vive. ¿ Valoran, honestidad, calidad, justicia, por ejemplo? O están de acuerdo con mentir o engañar a otros para conseguir lo que quieren? O tal vez tienen dobles raseros sobre algunos de estos valores morales. No aceptan ciertas cosas que se les hacen, pero se las hacen a otros. Un pequeño indicio. Un personaje bien escrito será complejo y será multicapa. No van a ser todos buenos ni todos malos. Esos son todos buenos o todos los malos personajes no tienen suficiente profundidad. Entonces aunque estés interpretando al villano en la historia, descubre también su lado bueno, y qué significan cuando se trata de sus reglas sobre la vida, su familia y sus seres queridos. Los objetivos personales son cualquier sueño y aspiraciones que tenga tu personaje, cómo se sienten por ellos. ¿ Están emocionados por lograrlos o se sienten intimidados por ellos? Lamentaciones son las cosas por las que tu personaje está decepcionado. Estas pueden ser cosas como esperar demasiado tiempo para lograr un objetivo y ahora los perdieron la oportunidad y es demasiado tarde o decisiones
equivocadas que tomaron y desearían no haberlo hecho. O meterse en una mala relación, lamentan tener o romper una buena relación en la que desearían quedarse. Peeves de mascotas son todas las cosas que molestan a tu personaje. Aunque creas que estas son tontas, cosas pequeñas, son importantes para las personas que tienen esta mascota peeves y será importante para tu personaje. Entonces, ven unas cuantas cosas que molestan a tu personaje. A lo mejor es un vecino con un auto de motor ruidoso que despierta a todos temprano en la mañana, o ese amigo que siempre come tus papas fritas, o gente que siempre hace preguntas durante las películas. Por último, fortalezas y debilidades son sobre lo el personaje siente en que son buenos y no buenos. ¿ De qué aspectos de ellos se sienten orgullosos y en qué aspectos quieren mejorar? Piensa en fortalezas como las cualidades que hacen que el personaje tenga éxito en vida y las debilidades son aquellas que mantienen al personaje de resolver sus problemas. fortalezas pueden ser cosas como creatividad, flexibilidad, fuertes habilidades de liderazgo, y las debilidades pueden ser cosas como autocrítica, inseguridades, miedo a socializar o hablar en público. Debilidades no significa que tu personaje esté condenado y nunca
podrá lograr nada por estas debilidades. No, las debilidades son simplemente áreas donde tu personaje solo necesita mejorar. Las debilidades son oportunidades de crecimiento. Entonces como te estás dirigiendo estas tres dimensiones, puedes garabatear, escribir viñetas o cualquier otra forma que funcione para ti. Entonces cuando termines, reorganice todas las notas que recogiste y escriba una biografía de 3-4 páginas sobre la vida de tu personaje desde su nacimiento hasta su muerte. Obviamente, no puedes caber todo en un 3-4 páginas, así que concéntrate en los aspectos más destacados de
la vida, los detalles importantes sobre la vida de tu personaje en los
que puedes construir cuando estás creando tu performance. No te preocupes si no eres un buen escritor, esto no es una clase de escritura y no tienes que ser un buen escritor. Como actor, no es necesario mostrarle esto a nadie. El carácter biográfico es sólo para darte una base fuerte para crear tu personaje. No te enfoques demasiado en la gramática o la estructura de escritura, solo escribe como si estuvieras contando un amigo sobre tu personaje en una conversación casual. Tan solo asegúrate de escribir en primera persona usando declaraciones I. Yo tengo, quiero en lugar de mi personaje tiene, mi personaje quiere. Esto ayuda a conectarte con el personaje cuando estás realizando el rol. Tómate tu tiempo completando esta actividad y consulta nuevamente la lección si es necesario. Puedes ir a la lección 2 cuando estés listo.
4. Identificar los objetivos y los desafíos: En la lección uno, construiste una historia de fondo para el personaje y escribiste una biografía. Si hicieras la actividad sobre su vida desde el nacimiento hasta la muerte, incluyendo tanta información sobre el personaje como pudieras reunir del guión, la investigación, y tu imaginación y decisiones informadas. Esta lección, nos pondremos más específicos al enfocarnos en las metas y desafíos del personaje en la historia. Grandes historias atractivas son sobre conflictos y resolución de conflictos. Nadie quiere ver una película sobre la familia feliz que vive en el pueblo feliz y tiene cubiertos todos sus deseos y necesidades y nadie quiere nada. Eso sería aburrido. Queremos ver historias que reflejen nuestras vidas. Personajes que tienen necesidades y deseos, que se enfrentan a retos y obstáculos, y cómo superan esos retos. Incluso en comedia o caricaturas, cada personaje quiere algo que aún no pueden conseguir porque hay algo o alguien en su camino y tienen que tomar alguna acción para superar eso lo que hay en el camino para conseguir lo que ellos quieren. Pueden tener éxito o fracasar, pero es ese jalar y empujar, ese contraste, lo
que hace que una historia sea atractiva, a veces inspiradora, y definitivamente más entretenida que la familia feliz del pueblo feliz. Cada personaje desde la estrella de la historia hasta el papel más pequeño tiene un objetivo, algo que quieren lograr. A esto se le llama el objetivo. Enfrentan un reto que les impide cumplir su objetivo, el obstáculo, y hacen algo para superar ese reto y que algo se llama la táctica o la acción. El objetivo es lo que motiva al personaje a decir sus líneas y comunicarse con otros personajes. Se puede desglosar en objetivos más pequeños, contribuyendo a lo que se llama el super-objetivo. Este super-objetivo es el objetivo final el personaje quiere lograr en toda la historia. Los objetivos más pequeños son lo que el personaje quiere lograr en la escena para llegar eventualmente a su súper objetivo. Entonces para tu personaje, pregúntate, ¿qué quiere mi personaje? ¿ Por qué están siquiera en la historia? ¿ Por qué dicen lo que dicen? De nuevo, si está en el guión, está ahí por una razón. Si el personaje se repite, vuelve a decir lo mismo, no es un error o redundancia, por una razón. No importa lo grande o pequeño, importante o tonto que diga el personaje, aún
necesitas saber cuál es el objetivo para cada escena y cómo estos objetivos menores contribuyen al súper objetivo del personaje. El objetivo necesita ser específico, un verbo de acción específico que pueda expresarse físicamente, como
inspirar, manipular, desafiar. No debe ser una emoción como ser feliz o general, como no ser despedido. Esos no son específicos y no son actables. Pero como las buenas historias son sobre conflicto, el personaje no estará consiguiendo lo que quiere de inmediato, o tal vez nunca. Tenemos que saber qué se interpone en el camino del personaje para lograr su objetivo. ¿ Cuál es el obstáculo? Por cada meta que identificaste para tu personaje, pregúntate, ¿qué está impidiendo que logren estas metas? ¿ Es una persona, una circunstancia, una creencia, una falta de habilidad o conocimiento? Ahora cuanto mayor sea el obstáculo más atractiva es la historia. No queremos ver una película de dos horas sobre un personaje que dice quiere una taza de café y todos sus problemas son que olvidó su cartera. A lo mejor sí, no hay juicio aquí, pero tiene que haber algo grande en la línea. Tiene que haber una sensación de urgencia o peligro de Algún tipo si el personaje no se pone a su manera porque los buenos escritores no escriben historias sobre otro día en la vida para un montón de personajes, escriben historias sobre el momento en que ocurrió esta cosa enorme. Pregúntate, ¿cuáles son las apuestas? ¿ Qué pasará si los personajes no consiguieron lo que querían, no cumplieron el objetivo? ¿ Van a perder su trabajo, perder dinero, perder relaciones o morir? Cada escena tendrá sus propias apuestas. Ahora conocemos el objetivo y conocemos el obstáculo, y sabemos lo que está en juego. A continuación, necesitamos saber ¿qué hará el personaje con respecto a todo eso? ¿ Qué acción o táctica tomará el personaje para superar el obstáculo para lograr el objetivo? La acción será tu elección siempre y cuando tenga
sentido a lo que el personaje está diciendo, y a la historia. No hay una acción correcta porque el personaje puede superar el obstáculo a través de una múltiples maneras diferentes. En esta lección, aprendimos sobre los objetivos del personaje, obstáculos, estacas y tácticas. Tu actividad es elegir una escena del guión que usaste para la actividad 1 de la lección e identificar los de tu personaje, objetivos, obstáculos, estacas y tácticas. Encontrarás una hoja de trabajo de análisis de caracteres para ayudarte a guiarte a
través de esta actividad y si quieres verme pasar por esa hoja de trabajo, puedes ver el siguiente video. De lo contrario, espero verte en la lección 3 donde hablamos de la fisicalidad del personaje.
5. Actividad: analiza una escena: Para esta actividad, practicarás la identificación de tus personajes, objetivos, obstáculos, estacas, y acciones. Al igual que de lo que hablamos en la lección 2, escoge una escena del guión que usaste para la biografía de personajes en la primera actividad. Te sugeriría que escojas una escena donde está sucediendo alguna buena acción, tal vez alrededor del medio del guión, donde los personajes han sido completamente introducidos y ahora
se encuentran en un lugar acentuado en la historia. No escojas la primera escena donde aún no está pasando mucho, pero eso es solo una sugerencia, puedes escoger la escena que funcione para ti. Basta con tener en cuenta que la escena que escojas ahora, seguirás trabajando para las próximas actividades cuando añadas la fisicalidad y la voz del personaje. Una vez que tengas la escena, léala varias veces, luego contesta las preguntas de esta hoja de trabajo, encontrarás una hoja verbo activa en este curso, asegúrate de usarla cuando estés identificando el objetivo. Digamos que Bob se mete en un accidente automovilístico, está bien, pero el auto no lo es, pérdida total. Este auto era nuevo, solo se compró el mes pasado. Hay un pequeño problema, este auto no era el de Bob, era el de su papá. Otro pequeño problema, Bob en realidad se llevó el auto a espaldas de su papá. Quería impresionar a algunos amigos. Ahora Bob tiene que irse a casa y darle la noticia a su papá de que acaba destruir el auto nuevo de su papá el cual conducía a espaldas de su padre. Bob está seguro cuando el suyo que sabe que estará tan enojado que podría castigar a Bob impidiéndole ir al baile de graduación, pero Bob no puede ir al baile de graduación. Ha estado reuniendo su coraje todo el año y justo el otro día finalmente le pidió su enamoramiento al baile de graduación. Ahora puede que estés juzgando a Bob y diciendo que eso es una tontería, pero para Bob, es un gran problema. Podría ser el amor de su vida. Bob decide esconderse de la situación y colarse hasta altas horas de la noche cuando todos duermen. De esta forma, evitará un enfrentamiento con su papá hasta que piense en una mejor solución. Su papá estaba despierto y pregunta ¿por qué Bob llega tarde y por qué el auto no está en el garaje? En este punto, Bob decide mentir y dice que no manejó el auto. Para sorpresa de Bob, su papá dice que estuvo al teléfono antes con
un amigo de la familia que vio a Bob pasear en coche en el coche de su papá. Bob decide entonces venir limpio y poseído de sus acciones y asume la responsabilidad y le dice la verdad a su papá. El papá de Bob es impresionante, todo lo que le importa es que Bob esté sano y seguro y está orgulloso de que Bob asumiera la responsabilidad. Decide no mantenerse al día de ir al baile de graduación. Después del baile, sin embargo, Bob no tendrá su teléfono durante un mes, pero eso es un obstáculo para otra escena. De esta escena tonta que hice, podemos decir que para Bob, el objetivo de esta escena es evadir el castigo. El obstáculo es que papá está despierto y quiere escuchar lo que le pasó a su auto. ¿ Qué está en juego? A Bob se le podría impedir ir al baile de graduación con el enamoramiento de su vida. ¿ Tácticas? Bob primero intenta negar sus acciones, después aceptar la responsabilidad y pedir perdón. Para esta escena, pudo evadir el castigo del baile de graduación. Para la escena que escojas, asegúrate de hacer lo mismo, encuentra cuáles son los objetivos, obstáculos, estacas y tácticas. Asegúrate de que el objetivo esté en un verbo de acción que pueda ser actuado. Cuando estés listo, te veré en la lección 3.
6. Construir los rasgos físicos del personaje: Ahora lo que hemos hecho todo el trabajo de preparación en las lecciones uno y dos, estamos listos para empezar a sacar a este personaje las páginas explorando la fisicalidad de este personaje. fisicalidad es todo sobre lo que hace el personaje con su cuerpo, cómo se paran, se sientan, caminan, cómo se expresan no verbalmente, cómo se comunican, emociones de felicidad, ira, frustración, todo lo que el personaje lo hace con sus expresiones faciales, manos, pies, y todo su todo. Hay dos formas en que puedes acercarte la fisicalidad del personaje, hacia adentro hacia afuera, o hacia afuera hacia adentro. El camino interior-exterior comienza con explorar primero la psicología del personaje, cómo se sienten por dentro,
y eso influye en cómo su cuerpo se mueve hacia afuera. El camino hacia afuera hacia adentro comienza con mover primero el cuerpo, y eso influye en cómo se siente el personaje por dentro, qué forma eliges depende de ti y qué funciona para ti y para la historia y puedes usar una mezcla de ambos. A partir de toda la información que recopilaste y construiste sobre el personaje tendrás una gran cantidad de datos con los que trabajar como marco de partida sobre el que podrás construir. Por ejemplo, ¿qué edad tiene el personaje? ¿ Cómo es su salud? ¿ Hacen deporte? Trabaja un trabajo de oficina? ¿ Tienen alguna discapacidad física? Las respuestas a todas estas preguntas te darán una idea de cómo este personaje podría comportarse físicamente. ¿ Cómo es la vida del personaje? ¿ Son ricos, pobres, en una relación feliz o mala? ¿ Tienen un problema financiero, perdieron a un ser querido? ¿ Tienen algún problema de adicción o enojo? Las respuestas a estas preguntas te darán una idea de cómo este personaje podría comportarse emocionalmente. El tema de la fisicalidad es enorme y puede tomar múltiples cursos para cubrir, pero quiero darte algunas herramientas como iniciador. Para esta lección, exploraremos tres elementos de fisicalidad, peso, plomo y ritmo. Peso se refiere al peso emocional de un personaje que puede ser ligero o pesado. Cuanto más feliz y relajado sea el personaje más ligero se siente su cuerpo y su movimiento fluye libremente. Cuanto más triste y tenso sea el personaje más pesado se siente su cuerpo y su movimiento se pesará desde el cuello o los hombros, los brazos. El plomo se refiere a qué parte del cuerpo dirige el movimiento del personaje. ¿ Conducen de la cabeza, del pecho, la pelvis, los pies? ¿ Cómo se siente y se ve cada uno de esos movimientos, posturas? ¿ Qué podemos decir de una persona que se mueve así? Pace se refiere a qué tan rápido y repentino o lento y continuo se mueve el personaje. ¿ Se mueven rápido o lento? ¿ Tienen un fuerte impulso fiscal o están más contenidos? En base a la información que tengas sobre el personaje, juega con estos tres elementos, mezcla y combina peso, lidera y ritmo y ve lo que descubres. Camina en tu espacio y siéntate y ponte de pie en diferentes pesos. Explora cómo se siente conducir desde diferentes partes del cuerpo. Intenta cambiar tu ritmo y toma decisiones basadas en tus experiencias y en lo que las hace más sentido para el personaje y la historia. Otra herramienta de bonificación es la memoria muscular. Nuestros cuerpos recuerdan cómo se movieron durante ciertas experiencias, especialmente experiencias con emociones acentuadas como alegría o dolor. Podrás recordar estos recuerdos y llevarlos a la fisicalidad de tu personaje. Recuerda lo pesado que se sentía tu cuerpo cuando estabas enojado con alguien, o lo ligero que se sentía cuando estabas enamorado de alguien. Qué lento era cuando estabas cansado o triste y lo
repentino y rápido que se movió cuando recibes emocionantes noticias. Recuerda cómo se sentían tus hombros, cómo se balanceaba tu brazo, cómo apuntaban tus pies. Tienes una experiencia de primera mano como
ser humano a tu disposición cuando estás construyendo tu personaje. A menos que, tu personaje sea un extraterrestre o un animal, lo que requiere un nivel diferente de habilidades físicas e imaginación del actor. Elegir la memoria muscular permite recrear la fisicalidad de la emoción sin revivir necesariamente la emoción. Pero nuestros cuerpos y mentes están conectados y muchas veces, la forma en que nos movemos afecta cómo nos sentimos y la forma en que nos sentimos afecta cómo nos movemos. Asegúrate de cuidar tu bienestar emocional y físico y no utilices recuerdos o emociones que aún no hayas resuelto del todo. No intentes nada para lo que no estés listo ni cómodo. ¿ Cómo nos aseguramos de que estas emociones y fisicalidades no se sientan demasiado ensayadas y antinaturales? Una forma de hacerlo es enfocarse en la acción, no en la emoción de un personaje. Por ejemplo, el personaje podría estar animando a otra persona. Podrás elegir el sentimiento de felicidad e intentar actuar feliz, que podría parecer natural. Los sentimientos no son acciones que puedes actuar, son los subproductos de la acción. Además, la felicidad no es la única emoción que puedes tener mientras animas a alguien. Podrías estar emocionado,
orgulloso, o llorando alegremente. Entonces en lugar de elegir una emoción, elige la acción que mejor se ajuste a la escena,
para animar, para apoyar, para
alabar, y dejar que las emociones fluyan de forma natural, y que influyan en tus expresiones faciales e inspiren tu físico opciones. En esta lección, aprendimos tres elementos para el movimiento, peso, el plomo y el ritmo. Exploramos las herramientas de la memoria muscular y discutimos cómo hacer que tu rendimiento sea más natural. Tu actividad es usar la biografía del personaje que has escrito para la lección uno y construir un perfil físico para el personaje. Asegúrate de incluir todos los elementos que has aprendido hasta ahora en las lecciones pasadas. Encontrarás una hoja de trabajo de análisis físico para ayudarte a guiarte a través de esta actividad, y si quieres verme pasar por esa hoja de trabajo, puedes ver el siguiente video. De lo contrario, espero verte en la lección cuatro donde hablamos de la voz del personaje.
7. Actividad: crea una secuencia de movimiento: En esta actividad, practicarás construir la fisicalidad del personaje. Para la escena en la que trabajaste en la actividad de la Lección 2, vas a construir una secuencia de movimiento para tu personaje. Piensa en dónde se encuentra físicamente el personaje al inicio de la escena. ¿ Están sentados? ¿ Están de pie? ¿ Se están acostando? A lo largo de la escena, ¿a dónde se mueven? ¿ Se ponen de pie, caminan? ¿ Se acercan a los demás personajes de la escena en momentos y se alejan más en otros momentos? Trata de trazar un plan de movimiento que tenga sentido a la escena y a lo que el personaje está diciendo y sintiendo. Si están lastimados o excitados, ¿qué patrón de movimiento podrían estar teniendo? Si están teniendo una conversación divertida o una discusión con alguien, ¿qué tan cerca o lejos estarán parados el uno del otro? Para cada línea, el personaje dice en la escena, haga una elección sobre cómo se mueven o no se mueven, y luego comience a agregar más capas a su fisicalidad desde las cajas de peso, plomo y ritmo aquí. Piensa en lo pesado o ligero que se siente su cuerpo durante cada línea en la que se sincronizan. Si se mueven, ¿qué partes del cuerpo lideran el movimiento? Alguien que conduce de las cabezas tal vez en un pensamiento profundo o herido o es mayor en edad. Pueden tener dolor de espalda que hace que se inclinen hacia adelante. Alguien que conduce del pecho tal vez tratando de expresar coraje o confianza, que puede ser lo que realmente están sintiendo o podrían estar fingiendo. Alguien que conduce desde la pelvis se sentiría un poco cómico al principio, si lo intentas, como alguien que está tan
tranquilo, relajado , caminando por la playa. Pero pruébalo y ve lo que descubres. ¿ En qué podría hacer que alguien camine de esta manera? Para los pies, ¿los pies de tu personaje apuntan hacia adentro o hacia afuera cuando caminan? ¿ Caminan los dedos primero después los tacones, o los tacones primero después los dedos de los pies? Tu personaje estará usando múltiples de estos en sus movimientos. Podrán iniciar un movimiento desde la cabeza y luego se funde en un plomo en el pecho. Juega y experimenta con estos movimientos. Por supuesto, para algunos personajes, estos movimientos serán exagerados, sobre todo en comedia. Para otros personajes, será sutil. Por último, el ritmo, qué tan rápido o lento es cada movimiento. Nuevamente, el personaje utilizará diferentes ritmos durante diferentes momentos de la escena. Piensa en todos estos elementos de peso, plomo, y ritmo como una escala, arregla. Cuanto más exagerado sea, se sentirá y
se verá más cómico y poco realista, lo que funciona muy bien en la comedia. Cuanto más precisos y específicamente sean, más realistas se verán y se sentirán, lo que funciona muy bien en drama. Diviértete. No tengas miedo de parecer un poco tonto cuando estés probando estos movimientos, y empieza a ser más consciente de cómo se mueve la gente a tu alrededor, pero no seas demasiado espeluznante y acecha a la gente ni nada. Cuando estés listo, te veré en la Lección 4.
8. Expresar la voz del personaje: Bienvenido a la Lección 4. Espero que hayan estado disfrutando de este proceso de creación de personajes hasta el momento. Ya deberías conocer la historia, la personalidad y la fisicalidad de tu personaje. En esta lección, exploraremos la voz de un personaje. Al igual que la fisicalidad en la lección 3, voz es otro tema enorme que puede tomar múltiples cursos para cubrir completamente. Para esta lección, repasaremos algunos de los conceptos básicos de la voz. La voz se puede dividir en dos categorías, física y performativa. En una categoría física se incluyen todas las partes físicas reales que forman los sonidos que hacemos para hablar. Estos son los labios, los dientes, la lengua, las paletas bucales, que se llaman los articuladores, así
como sus cuerdas vocales, los músculos de la mandíbula, y todas las diferentes partes de la anatomía humana involucradas en una creación de voz. Tú como actor, necesitarás entrenar estas partes justo cuando un atleta entrena sus músculos. Esto se puede hacer mediante ejercicios vocales, técnicas de
respiración, trabalenguas, y muchos más enfoques. He incluido recursos adicionales para ti con esta lección. Obviamente, estarás expresando a tus personajes, por lo que sean las herramientas físicas
que tengas, traerás al personaje y luego tendrás que identificar o hacer una elección que tenga sentido sobre qué cualidades únicas adicionales, caso, su personaje puede tener. ¿ Tienen un ceceo? ¿ Llevan aparatos ortopédicos? ¿ Son los viejos, no les quedan dientes? Una vez que estés al tanto de tus herramientas vocales físicas e identifique cualquier herramienta adicional que tu personaje pueda tener, empieza a practicar enganchando todas estas herramientas mientras hablas. Ten en cuenta cómo se mueve tu mandíbula, cómo tu lengua golpea el techo de tu boca, cuándo y cómo se juntan tus dientes, cuántas palabras puedes decir antes de sentir la necesidad de tomar otro respiro. Toca y activa todas tus herramientas vocales físicas. En la categoría performativa es donde mucha de la diversión y la creatividad entran en juego. Esta categoría incluye tempo, articulación, dicción, volumen, tono, énfasis, pausas. Repasaremos algunos de esos brevemente para darte una idea de todas las diferentes formas en que usamos nuestras voces para
expresarnos y comunicarnos con los demás. En primer lugar, aliento. Respirar es como nos mantenemos vivos y hacemos todo lo demás. En el discurso, es tan importante entender la relación entre nuestro aliento y nuestra voz. Hablamos en nuestra exhalación. El aire que sale es de lo que utilizamos nuestros articuladores para dar forma y hacer sonidos. Cuanto más efectivo, nuestro aliento, más fuerte y más efectivo se vuelve nuestro discurso. Así que explora tu respiración. Toma conciencia de cómo inhalas y exhalas. ¿ Utilizas principalmente la nariz o la boca para respirar? ¿ Cuántas palabras puedes decir cómodamente antes de quedarte sin aliento? ¿ Cómo
afecta tu movimiento mientras hablas tu aliento y cómo afecta eso a tu habla? Articulación o enunciación es lo claro que
pronuncias tus palabras y lo bien que la gente puede entenderte. Algunos personajes pueden tener menos articulación ya que el papel puede requerir, como Jack Sparrow, de Piratas del Caribe. Otros podrían tener una articulación afilada como Snape de Harry Potter. De cualquier manera, solo asegúrate de que el público aún te pueda entender. Dicción es el estilo de expresión vocal. Esto incluye acentos y dialectos y vocabulario y slangs. Dicción puede decirnos mucho sobre el estado del personaje, educación, y el nivel de inteligencia. tempo es la velocidad a la que habla el personaje. Esto refleja la energía de los personajes. Más velocidad puede indicar una mayor energía, menos velocidad puede indicar una menor energía. La alta energía puede ser alegría o enojo. La baja energía puede ser calma o tristeza. ritmo es el momento y el ritmo de las palabras y sonidos en un discurso. Esto incluye cuando el personaje hace una pausa, cuántas palabras dicen antes de tomar un nuevo aliento. El ritmo se nota más en poesía y versos
clásicos como algunas de las obras de Shakespeare. El tono es el estado de ánimo del discurso. ¿ Suena serio el personaje, o están bromeando? ¿ Están siendo reales o están siendo sarcásticos? El énfasis es una forma de resaltar vocalmente información importante en un discurso. Qué palabra se enfatiza puede cambiar el significado de lo que está diciendo un personaje. Un famoso ejemplo de esto es de Hamlet de Shakespeare ser o no ser. Esa es la pregunta. ¿ Qué palabra enfatizan en esta frase no cambiará ese significado de una frase? pausas son la ausencia de sonido, que si se usa sabiamente, son herramienta muy eficaz de comunicación. pausas ayudan con el ritmo y musicalidad de los textos. pausas también pueden ayudar a enfatizar palabras y frases. pausas pueden crear tensión entre personajes o pueden romper la tensión. Permiten que el personaje procese información y también le dan tiempo al público para tomar en lo que acaba de suceder. No obstante, con pausas, es importante tener en cuenta dos cosas. Pausar no es detener tu actuación. pensamientos de tu personaje y el monólogo interno siguen en marcha, y aún te estás comunicando de manera no verbal con tu cuerpo. Tienes que ganar esas pausas. Si exageres, la actuación se arrastrará y será lentista y si debajo lo haces, tu público no tendrá tiempo suficiente para procesar completamente está
sucediendo en la escena y puede que te pierdas información importante. Una pausa aún comunica algo. No es un descanso de hablar y no es aleatorio. Cuanta más experiencia de rendimiento obtienes, mejor obtendrás al usar esas pausas. En esta lección aprendimos las cualidades físicas y performativas de la voz, la importancia del control de la respiración y la comunicación no verbal. Tu actividad para esta lección, es usar los elementos de voz que aprendiste en esta lección y la actividad que completaste para la Lección 3, grabar video de 30-60 segundos de ti mismo como tu personaje, y tener el personaje presentarse. Haz que el personaje hable de su carrera o metas en la vida o lo que decidas por el personaje. Te veré en la lección 5 cuando hablemos de la apariencia del personaje.
9. Actividad: filma tu actuación: Estamos a punto de hacer una película de una escena. Ahora mismo, si completaste las actividades anteriores, ahora
debes conocer, para esta escena los objetivos, obstáculos, acciones, y los antecedentes del personaje. Debiste haber construido una secuencia de movimiento con elementos de espera, ventaja y ritmo. Pero aún no hemos escuchado la voz del personaje, así que hagámoslo. Para cada línea de la escena y de las categorías físicas y performativas que aprendiste en la lección 4, crea una expresión vocal que corresponda a la fisicalidad del personaje que construiste en la última actividad. Si el personaje está emocionado o ansioso, cómo puede cambiar su voz. Piensa en tempo, dicción, todos los elementos de los que hablaremos en la lección 4. Si el objetivo del personaje es inspirar, por ejemplo, frente a intimidar, cómo puede cambiar su volumen. Una vez que crees la expresión vocal, solo
juntemos todos estos elementos y veamos lo que has creado hasta ahora. Encontrarás una hoja de ejercicios vocales en los recursos del curso. Cabezas arriba, te sentirás tonto haciendo la mayoría de ellos. Otras personas a tu alrededor pensarán que algo anda mal contigo. No dejes que eso te llegue. Todo es normal. Todos los actores, yo incluido, hacen estos ejercicios y nos divertimos tanto siendo tontos con él. Si no es divertido, lo estás haciendo mal. Sólo pocos son cómodos y quisieran participar en esta actividad. Puedes filmarte en personaje hablando y moviéndose como tu personaje hablaría y se movería. Puedes elegir una parte de la escena en la que trabajaste y realizar esa parte o elegir cualquiera de los temas enumerados en esta hoja de trabajo. No lo hagas demasiado complicado. Tan solo unas simples líneas que te permitirán mostrar tu trabajo físico y vocal que has realizado hasta ahora. Esto no es un rendimiento, esto no es un producto terminado. Quítate la presión de ti mismo para ser un nivel de Broadway u Oscar todavía. Esto es sólo trabajo en curso y para darte un punto de referencia al que puedes mirar atrás. Tendrás más tiempo para desarrollar tus habilidades en la actuación. Cuando te filmes, puedes usar tu teléfono. Ponlo en algún lugar que pueda mostrar tu cuerpo completo. Es posible que mires directamente a la cámara como tu compañero de escena o mira un punto fijo en una pared detrás de la cámara como si estuvieras mirando a los ojos de alguien. Nadie tiene que ver este rodaje si no te sientes cómodo mostrárselo a nadie. Esto es solo práctica y referencia para ti mismo para seguir tu progreso. Cuando estés listo, te veré en la lección 5, cuando le demos a este personaje algún estilo de moda.
10. Comprender vestuarios y accesorios: Espero que tu personaje ahora esté cobrando más y más vida con la historia de fondo, la fisicalidad, y la voz. Ahora este personaje sólo necesita el estilo de moda. Ahora tú como actor, no
tendrás que preocuparte por cómo se ve el personaje. Ese sería el papel del diseñador de vestuario que estará a cargo del vestuario, utilería, cabello, y maquillaje de tu personaje. No obstante, en algunas producciones de menor o menor presupuesto, se puede pedir a los actores que traigan su propia ropa o hagan su propio maquillaje, pero no suele ser así. A pesar de que tú, el actor, no
estás a cargo de cómo se ve tu personaje, es importante saber cómo debe verse tu personaje. A partir de tu trabajo sobre el guión y construyendo la fisicalidad del personaje, deberías poder decir cómo es el sentido de la moda de tu personaje? ¿ Qué colores les gusta llevar? ¿ Qué peinado son más propensos a tener? Si tienen algún accesorio, ¿qué podrían ser? ¿ Llevan reloj, gafas? ¿ Tienen un accesorio favorito? ¿ Tu personaje usa tacones altos o sostiene un bastón? ¿ Tienen algún tatuaje o cicatrices? Conocer las respuestas a estas preguntas, te
ayudará a construir un personaje más rico, y podrás empezar a ensayar la fisicalidad de tu personaje con estas cosas en mente. Practica caminar en los zapatos que tu personaje tenga más probabilidades de llevar. Practica tu discurso con accesorios o accesorios que tu personaje tiene más probabilidades de tener puesto. Incluso si terminas no usando ninguno de estos elementos en la actuación real, seguirás obteniendo muchas ideas para construir los rasgos físicos y emocionales del personaje. También es bueno venir preparado a las reuniones de producción y discutir con el director y los diseñadores cualquier idea que puedas tener sobre el desarrollo de tu personaje. Un buen director estará abierto a escuchar los pensamientos del actor sobre los personajes. Sólo tienes que saber que en última instancia es la decisión
del director al final que debes respetar porque es la visión del director para la producción. No te lo tomes personal si tus ideas no fueron aprobadas. En esta lección, hablamos sobre la apariencia del personaje, la
moda, el estilo, el cabello y el maquillaje, los accesorios, y los accesorios. Tu actividad es usar la hoja de trabajo de disfraces incluida en esta lección y diseñar un look para tu personaje. Piensa en cuáles son los colores del personaje, su peinado, accesorios, y accesorios. Podrás dibujar, colorear, o piezas juntas artículos de Internet o revistas.
11. Actividad: diseña un estilo de moda: actividad de la lección 5 es bastante directa. He incluido múltiples figuras puedes imprimir y liderar al artista dentro de ti diviértete creando looks de tu personaje. Puedes dibujar directamente en la figura, puedes dibujar el cabello, los atuendos, cualquier accesorio o utilería que tengan, puedes colorear, puedes usar muestras de tela y pegarlas en el papel, o cortar y pegar cualquier artículo de disfraz que te guste de cualquier revista que pueda tener. El propósito de esta actividad es que consigas una mejor comprensión de tu personaje y cómo se presentan públicamente. Cualquier elección artística que hagas necesita darle sentido a todo el trabajo que has hecho hasta ahora para el personaje en este curso. Siéntete libre de buscar en Internet ejemplos de diseños e ideas de vestuario cuando estés completando esta actividad.
12. Recapitulación y próximos pasos: Enhorabuena, has completado el curso introductorio de creación de personajes, y ahora conoces los bloques constructivos de crear un personaje para la performance. Aquí te dejamos un breve recapitulación de lo que aprendimos juntos en este curso. Para crear un personaje, necesitas cinco cosas, historia de fondo de personaje, que puedes obtener del guión, investigación y la imaginación de tu actor. Análisis de caracteres, que es identificar los objetivos del personaje, desafíos, estacas
y acciones, y encontrarás los del guión. fisicalidad del personaje, que puede construirse hacia adentro, hacia afuera, permitiendo que las emociones del personaje influyan en la fisicalidad, o hacia afuera, hacia adentro permitiendo que la fisicalidad influya en las emociones. Voz de carácter, que se divide en categorías físicas y performativas. El físico incluye tus articuladores como labios, lengua, dientes, y el performativo incluye tempo, articulación, dicción, volumen, tono, énfasis, pausas. Por último, la apariencia del personaje, que incluye el disfraz, el cabello, el maquillaje, los accesorios, y los accesorios. En el guión se encontrarán los elementos esenciales de apariencia y elementos
adicionales se basarán en la elección artística del diseñador. Recuerda que cualquier elección artística que hagas debe tener sentido a la historia y debe honrar las intenciones del escritor. Ahora que tienes algunas herramientas para empezar a crear tu personaje, tu siguiente paso es conseguir tanta experiencia como puedas. A continuación te presentamos algunos consejos sobre cómo obtener esta experiencia. leer obras de teatro o guiones de películas y empezar a crear personajes. Podrás encontrar una gran cantidad de scripts en línea de forma gratuita en el dominio público. Puedes rentarlos desde tu biblioteca pública o campus escolar. También puedes comprarlos, usados o nuevos, si lo deseas. Mira películas que tienen personajes que han sido interpretados por diferentes actores como Batman, James Bond, y compara cómo cada actor se acercó al papel. Piensa en lo que cada actor hizo de manera diferente al crear su versión de ese personaje. Obtén experiencia de actuación unirte a grupos de teatro y cine en tu comunidad o audicionando para películas estudiantiles en los campus universitarios. Los estudiantes de cine siempre buscan actores para sus proyectos de campo. Tomar una clase de actuación en un teatro local. Es una gran oportunidad para obtener educación de calidad, experiencia
actuante, y construir una red de actores. Filma tus propios monólogos. Es una gran manera de seguir practicando tus habilidades, incluso cuando no estés actuando en ningún proyecto. Lee en voz alta. Trabajar en diferentes fisicalidades y cualidades vocales. Por último, buscar retroalimentación constructiva. La retroalimentación es tan importante. No tengas miedo de pedirle a la gente en la que confías, a tu familia y amigos, comentarios
constructivos honestos. Estar abiertos a escuchar lo que funcionó y lo que no funcionó. Pregúntales si tu actuación fue clara, si fueron capaces de contar cómo se sentía o pensaba el personaje. Muchísimas gracias por ver. Espero que te haya resultado útil este curso y espero que te sientas un poco más emocionado y listo para crecer tus habilidades de actuación. Sigue contando historias y sigue creando arte. Todo lo mejor.
13. ¿Cómo memorizar tus líneas? (Extra 1): Una de las preguntas más formuladas por los nuevos actores es, ¿cómo memorizan todas estas líneas? Esa es una pregunta válida. Los actores tienen muchas palabras que recordar. Aquí te presentamos siete pasos para ayudarte a memorizar tus líneas. El primer paso para memorizar todas tus líneas es no intentar memorizar tus líneas en absoluto. Familiarícese primero con la historia antes de intentar memorizar cualquier línea. Ve a algún lugar relajante, toma tu café, y lee el guión una vez de principio a fin y simplemente disfruta la historia sin ninguna presión para memorizar ninguna línea. Léelo por diversión como leería una novela que te guste. No te preocupes por nombres, ubicaciones y otros personajes y
ni siquiera pienses en tu actuación aún. Basta de leer y familiarizarse con los guiones. Deja pasar algún tiempo después de tu primera lectura del guión. Puede ser unas horas más tarde o al día siguiente. Después lee el guión por segunda vez. Esta vez, diviértete con las palabras. Sé juguetón mientras lees. Cambia tu volumen, cambia tu tono. Usa una voz seria o una tonta, habla en voz alta o susurra. Estar por encima de lo más dramático o relajado. Juega y diviértete. No intentes memorizar tus líneas todavía. Al anotar el guión se identifica por qué los personajes dicen y hacen lo que dicen y hacen. Este es un paso esencial para memorizar tus líneas, crear el personaje, y realizar el rol. Al memorizar tus líneas, primero
debes entender lo que dice
tu personaje y por qué lo dicen. Sin entender lo que estás diciendo, será como aprender una lengua extranjera. La memoria muscular es una poderosa herramienta que puede ayudarte a recordar tus líneas más rápido. Al practicar tus líneas, empieza a añadir algunas acciones físicas que sentido al personaje y cómo se comportan. El acto físico puede ser un gesto de mano, un movimiento como caminar por una habitación, sentarse o usar un accesorio como un reloj, un bastón o un teléfono. Cuando vincula tus palabras a la acción física, tu cuerpo te recordará con tus palabras cada vez que realices esta acción. Simplemente ten cuidado de no dirigir todos tus movimientos ya que este es el papel del director. Cuando bloqueas tus escenas y añades más acciones durante los ensayos, memorizar tus líneas será más fácil. ¿ Cómo sabes cuándo decir tus líneas? El guión te indica si tu personaje reacciona a un evento o responde a la línea de otro personaje. Hay una razón por la que tu personaje dice cada palabra que dice. Tu personaje no habla sólo porque le apetezca. Cuando practicas con alguien, escuchas las líneas a las que tu personaje está respondiendo y te familiarizas con las pistas para entregar tu línea. Conocer lo que pasa antes de decir tus líneas y escuchar tus indicaciones te ayudará a memorizar tus líneas. Ya estás familiarizado con la historia, entiendes lo que dice tu personaje, y por qué estás ensayando y agregando acciones físicas y movimiento a los textos y probablemente casi completamente memorizado todas tus líneas. Tu siguiente paso es seguir practicando tus líneas cada oportunidad que tengas. Puedes practicar en el auto mientras estás atascado en el tráfico, puedes practicar mientras esperas a alguien, puedes practicar en un largo paseo en la ducha en un largo trayecto y puedes practicar cada vez que estés sola y puede practicar. Eso te puede sonar extraño, pero eso es lo que hacen los actores. Ensayan sus líneas cada
oportunidad que tienen y no siempre hay que practicar en voz alta. También puedes repasar tus líneas en la cabeza. Durante tu actuación, no puedes perderte en
pensar en tu siguiente línea y asegurarte de que aún lo recuerdas. Esto agrega mucha presión y estrés en ti y puede provocar que olvides tus líneas y no estés completamente presente en la escena. Confíe en cambio en el proceso y en el arduo trabajo que ha realizado, estudiando y ensayando el papel y suelta. Estar presente en el momento y
diviértete compartiendo la historia con tu público. Todos son diferentes y cada actor tiene su proceso de memorizar sus líneas. Algunos de los pasos de este video pueden ser familiares para ti y otros pueden no y eso está bien. No hay formas correctas o incorrectas, haces lo que te funciona. Cuanta más experiencia de actuación consigas, más podrás
desarrollar tu proceso.
14. ¿Naciste para actuar? (Extra 2): ¿ Está actuando por ti? ¿ Debería ser actor de tiempo completo, medio tiempo, o debe seguir actuando como pasatiempo y perseguir otra carrera? Aquí te dejamos cinco señales a
buscar al tomar esta decisión. Cuando la gente habla de un evento, por lo general solo dicen lo que pasó, no tú. Demuestra lo que pasó. Traes tu cuerpo, tu voz, y tu imaginación dentro de él. Lo conviertes en una historia elaborada con un principio, un medio, y un final. Disfruta introduciendo a los personajes, construyendo suspense y recreando el estado de ánimo del evento, usa tus gestos de mano y interpreta a todos los personajes la historia imitando cómo sonaban y actuaban. Dondequiera que vayas, eres el hablador del grupo. En la escuela, en el trabajo, en casa, en el auto, en la mesa de la cena, ahí estás, expresándote con
confianza y compartiendo historias con familiares,
amigos, y con todos los que conozcas. Disfrutas de tener conversaciones y te sientes cómodo hablando con grupos de personas. A veces la gente piensa que hablas mucho, pero está bien. Es posible que seas artista interpretativo y aún no lo sepas. Cada historia tiene sus personajes y cada personaje tiene circunstancias de vida únicas, relaciones, metas, retos, y cualidades físicas, y emocionales. Como actor, usarás tu cuerpo, tu voz e imaginación para dar vida a cada personaje. Cada desempeño viene con sus propios retos y demandas. Para ser un actor exitoso, necesitarás disfrutar este proceso de creación de personajes y encontrar formas de hacer que cada performance sea única y memorable. Busca señales en tu vida donde disfrutes ser otros personajes, incluso por poco tiempo. ¿ Te gusta hacer impresiones de personas que conoces? ¿ Ves películas luego realizas tu escena favorita después para ver si puedes hacerlo mejor? ¿ O la fiesta de disfraces es divertida para ti? Sé honesto contigo mismo antes de que decidas hacer de la actuación tu carrera. Te uniste a un grupo dramático en tu escuela y audicionaste para sus obras. Te emocionas tanto cuando ves tu nombre en la lista de elenco y comienzas a prepararte para el papel de inmediato. No tienes problema perderte en eventos familiares o saltarte las noches con amigos porque tienes ensayos, y no puedes esperar a probar los disfraces y
los apoyos por primera vez y entrar en el look final. No te importa si no te van a pagar nada porque simplemente te encanta actuar. Tu amigo cineasta te pide estar en su cortometraje. De inmediato dices que sí, pesar de que tu pago será pizza y crédito en IMDb. Eso no te detiene porque la experiencia de estar en un set de cine es emocionante para ti. Simplemente disfrutas del proceso de ensayo, creación de
personajes y performance. Si eso suena como tú, reflexiona sobre tus experiencias de actuación pasadas. ¿ Cómo te sentiste? ¿Te importaba no recibir el pago suficiente?. Si eres nuevo en la actuación, pregúntate, te
parecería bien que no te paguen al principio y solo te centres en conseguir experiencia en la actuación? Si quieres ser actor sólo por el dinero, probablemente no tengas éxito en esta carrera. No hay nada de malo en querer dinero, actuar es una profesión y te deberían estar pagando por tu trabajo y ganarte la vida. Sólo asegúrate de que el dinero no sea tu fuerza motriz. El dinero no debe ser tu razón número uno. Si disfrutas de actuar con y sin dinero, eso es una señal de que una carrera de actuación podría ser para ti. [ MÚSICA] Todo artista
quiere ser reconocido por su talento. Quieren que su trabajo sea visto y apreciado. Tú también como actor debes sentirte empoderado para mostrar tu talento y compartir tu trabajo con tu público. No hay nada malo en querer fama y reconocimiento. Al igual que con el dinero, fama no puede ser tu fuerza motriz ni tu objetivo número 1. De lo contrario, no lograrás como actor y probablemente no deberías perseguir esta carrera. En cambio, deberías estar enfocándote en crecer como artista. Actúas porque quieres expresarte artísticamente y compartir
historias empoderadoras con tu público. Actuar te da cumplimiento creativo y no
te importa cuánta gente sepa al respecto. Eres artista y seguirás haciendo arte. Deberías enfocarte en conseguir tan bueno en lo que haces, y el dinero y la fama serán una consecuencia natural. No deben ser el objetivo principal. Como artista escénico, tienes un papel significativo e influyente. Puedes usar tu arte para inspirar, educar, empoderar y entretener a personas de todo el mundo, rompiendo barreras culturales y lingüísticas. La narración es universal y todos, sin importar quiénes sean, de
dónde vengan, o en qué crean, pueden relacionarse e inspirarse en las historias que ven. Los artistas exitosos no solo piensan en sí mismos, piensan en su público y los ponen primero. Como actor, necesitas conectarte con las personas y compartir historias que aporten valor a tu público. Si esto suena como tú, considera ser actor y usar tu arte para hacer del mundo un lugar ligeramente mejor. Por supuesto, estas señales no son las únicas señales para saber si debes perseguir actuar a tiempo completo. Todo el mundo es diferente y puede que tengas otros pensamientos y experiencias que guían tu decisión, eso está bien. Este video te muestra la mentalidad que debes tener antes de decidir hacer de la actuación tu carrera. También está totalmente bien seguir actuando como un concierto de medio tiempo o incluso simplemente como un pasatiempo.
Karim Darwish, Marketing Guide
