Transcripciones
1. Introducción: Eres cineasta, tienes tu próxima gran idea temática
ya en el guión está hecho. Pero ahora, ¿cómo se logran esas maravillosas composiciones
simétricas llenas de narración visual como se ve en la pantalla grande? Has venido al lugar correcto. Hola, soy Alex. Ellos, un cineasta
con más de seis años de experiencia en este dominio. He hecho un montón de
campos comerciales. Y de mi experiencia aprendí ese
video storytelling de grafeno de tomate para marcar la diferencia
entre principiantes. Y aprendí este caso con una combinación de un montón de tutoriales y mucha práctica. Ojalá tuviera este vector de clase. Entonces vamos a discutir primero
cuál es la competencia. Entonces te va a enseñar las reglas fundamentales
de
la composición, como la regla de los
tercios, la
proporción áurea de
líneas principales y mínimos. Vamos a echar
un vistazo a los colores creando profundidades y
ángulos de cámara y moverlos. Al final, vamos a ver un montón de ejemplos de cómo
crear una
composición asimétrica y también contar una historia a través de ellos. Así que únete a mí en la clase de
cinematografía
más completa y amigable para
principiantes.
2. ¿Qué son las composiciones y la narración visual del libro?: Antes de crear
tomas asimétricas como en una película, debemos entender cuál es
la composición. Se quiere capturar algo, un sujeto, un objeto
o un paisaje. Hay cientos de
formas de llenar eso. La composición es la forma en que alineas los elementos dentro de tus
tomas usando diferentes reglas. La regla de los tercios, la proporción
áurea, 180 grados de reglas, líneas
principales y muchas más. También se refiere a cómo se está capturando la
toma, por ejemplo ,
el ángulo de la cámara, la distancia focal y otros
ajustes
de la cámara sobre todos ellos vamos a
hablar en la siguiente lección. La narración visual también es una gran parte de la cinematografía. La película es el
arte visual para contar una historia. La historia en el cine no sólo cuentan los actores
del guión, sino también la narración
visual visual. La forma en que combinas la composición con los
movimientos que la historia debería contar.
3. Regla de los tercios: Una regla fundamental
del cine, una que probablemente todos
conozcan es la regla de los tercios. La regla de los tercios
es una línea de cuadrícula construida por dos líneas horizontales
y dos verticales, lo que te ayuda a alinear elementos en sujetos en tu composición. Puedes superponerlo en la mayoría de las cámaras e incluso
los teléfonos inteligentes pueden hacer eso. Un ejemplo para su uso es con el horizonte
en un paisaje. Si tienes
elementos más importantes en el Skype, coloca el horizonte,
la línea de fondo. Por ejemplo, si tienes
algunas nubes interesantes. De lo contrario, si la acción
ocurre en el suelo, el horizonte debe estar
alineado con la línea superior. Si hay un objeto prominente
como un árbol o una montaña, debes equilibrar
tu composición alinearlo a una
de las líneas verticales. Otro ejemplo para su uso
es alinear el sujeto. Es que debería estar en la línea horizontal
superior. Esto instituirá crear un tiro
más simétrico y
profesional solo porque deja el espacio
perfecto para la cabeza, llamado Headspace, pero
también para el cuerpo, y crea un tiro neutral
general. Si los sujetos deben sentarse
en medio del marco, debes colocarlo
entre las dos líneas. Pero al mirar hacia un lado, los sujetos deben
colocarse en una de las líneas verticales opuestas a la dirección
que están mirando. Otra forma de usar esta regla es al
tener dos sujetos, puedes colocar uno en todas las líneas verticales mientras que el otro está entre líneas. Esto llamará toda la
atención a la primera persona, mientras que la otra no
es tan prominente. Si dos objetos deben estar en
el centro de atención, ambos se pueden colocar en
las dos líneas verticales. Esto creará una composición
equilibrada. Y si los objetos son
similares o incluso los mismos, crearán una composición
simétrica. Volviendo a la composición
central, se
puede ver que
toda la atención
del espectador se está
dirigiendo al tema, sin
dejar otro espacio
para nada más. Esto es bueno para
una presentación así. Pero para contar una historia, se
deben involucrar
múltiples elementos. Pero para que esto funcione, debes guiar al lado del espectador con la proporción áurea
o líneas principales.
4. Proporción áurea: La proporción áurea es la ecuación
matemática que dispositivo el
cribado dos partes 11.6 veces más grande que la otra para el infinito formando
un infante inspirado, definido por los números de
Fibonacci. Podrías preguntarte, ¿por qué necesitamos que nos cumplan? Incluso en el cine, este Dios, el número 1.618 aparece en
todas partes del mundo. La parte inferior del antebrazo, brazo es 1.6 veces más grande de lo que la mano necesita en nuestro
ADN y muchas más. La proporción áurea es
la forma natural de cómo nuestros ojos son guiados
a través de la toma. Es necesario agregar
objetos guiadores a través la proporción para tener una
guía para los ojos. Y en sus extremos,
debería haber el tema principal. La proporción áurea puede estar en
todas partes en el marco, diferencia de la regla de los tercios, a
diferencia de la regla de los tercios,
alinearse con la regla de los tercios puede ser fácil y
después de alguna práctica, podrás memorizarlo. La proporción áurea,
por otro lado, es una
forma más simétrica de composición. En esta toma, el punto
de partida de la relación es el lugar donde el sujeto se queda al
final, su destino.
5. Líneas principales: Como dije en la lección
con la regla de tercios estimar la composición debe guiar los ojos
del espectador a través de la
toma al sujeto. Podemos usar la
proporción áurea para esto, pero hay una cosa más que nos
puede ayudar, líneas principales. Estas líneas están
formadas por objetos. Se siente, por ejemplo, un camino, el horizonte, una barda, o cualquier cosa que
forme nuestro tipo de línea. Las líneas principales suelen
utilizar
un plano de establecimiento largo para guiar los ojos del
espectador hasta cierto punto. Yo tiro cinematográfico es barba. Al combinar las reglas
anteriores
con las líneas principales en esta toma, tenemos el tema sobre
la regla de tercios, pero hay algunas líneas
en el mendigo formadas por los márgenes
del bosque que guían
los ojos hacia el sujeto. Lo mismo sucede en esta toma. Los márgenes de la
carretera guían el camino
del sujeto y también el final
del camino está en la
línea vertical de la regla de tercios. Con estas técnicas,
has hecho que tu repentino sea mucho más interesante y pueda permanecer más
tiempo en la pantalla
sin que te aburra.
6. Profundidad del campo: Otro aspecto importante de la cinematografía es la
creación de profundidad. Escuchas esta palabra profundidad en cada
tutorial de cinematografía. ¿Qué es lo que en realidad nos
referimos como la tercera dimensión? No, no estamos
creando una película en 3D, pero ahora a la toma, necesitamos hacer que el espectador vea el entorno 3D
que filmamos. Esto significa que necesitamos
crear tres capas, sujeto de
primer plano y más grandes. El sujeto es el punto de enfoque
principal, mientras que las otras dos capas
son ambas autofocus, estas separan al sujeto
de las otras capas, aportándole ante todo, la interpretación, pero también creando profundidad, haciendo que el
plano general sea mucho más simétrico para separar completamente el tema y otras
listas entre sí. También podrías agregar
movimiento de cámara sobre eso. Vamos a hablar
más tarde en esta clase. En esta toma, podemos
ver claramente las tres capas. El sujeto está enfocado, aportándole toda la tensión, mientras que el fondo
y el primer plano están ambos desenfocados, con la cámara moviéndose lateralmente. Es Chris, el efecto de paralaje. Cuando los sujetos más sabrosos en las otras capas se mueven ligeramente. Esta creación de profundidad
me permitió en la edición vivir
más tiempo y más flaco.
7. Colores: La cinematografía también juega
con los colores. Un ejemplo que me gusta tomar es con nuestro buen viejo
amigo, la rueda de colores. Para separar el tema
del fondo, puedes elegir diferentes colores en lados opuestos
de las calorías. Por ejemplo, azul con amarillo, verde con un
género, y así sucesivamente. En esta toma, el sujeto tiene algo de ropa oscura y la
luz en el ligero tinte azul. Mientras tanto, el
fondo es anaranjado. Además, estos anuncios crean contraste
de color. El tema es el vestido azul, y la naturaleza tiene un color
amarillento. El color también se puede utilizar para llamar
la atención sobre un determinado
sujeto u objeto. En esta toma, el sujeto está en contraste con la escena
mientras que los demás vestidos de colores oscuros dibujan la tensión siendo diferentes
al entorno. Las mismas drogas llamadas llaman
nuevamente
la atención sobre el tema, en esta toma. Los colores también pueden contar una historia. Un ejemplo de ello
es crear un estado para los personajes del cine
a través de este código de vestimenta. En esta escena, tenemos
un personaje vestido con colores
más brillantes y el
segundo en la oscuridad, sin siquiera saber de
qué
trata la película o quiénes son los personajes. Entender
de inmediato el amanecer es un mal personaje y 18 Bueno. Otro ejemplo de mi película, las dos fases de la alerta de spoiler
Furman. El personaje principal interactúa
con él en el pasado. Entonces hay dos
personajes, el color, están vestidos y siendo Lytton muestran cómo se visten
sus personalidades, un personaje,
el pastel , ¿por qué
iluminado brillante? Esto demuestra una buena persona,
un buen carácter. Mientras tanto, el personaje
actual se viste de colores oscuros, elite y menos, mostrando exactamente lo contrario en
cambiar de personaje.
8. Regla 180º: Hay una regla más a la
hora de hacer cine, la regla de los 180 grados. Esta regla se utiliza cuando se filma con dos sujetos desde
diferentes ángulos. Debes imaginar tu entorno
como una vista de pájaro, líneas
indirectas e imaginarias
a través de los dos sujetos. Si tienes un punto entre los dos sujetos
a igual distancia, hay un ángulo de 180 grados. Después arrastras otra línea entre la cámara
y ese punto. La cámara puede girar, pero nunca se te permite
cruzar ese ángulo de 180 grados. Esta regla te ayuda
a no confundir al espectador. Un diálogo con la regla de 180
grados
establece claramente la posición
de los dos sujetos. Pero al cruzar esta línea, ya no entenderás
¿dónde están los asientos de los sujetos?
9. Movimiento y ángulos de la cámara: Puedes tener la
alineación perfecta de elementos en tu composición y aún
no tener tiro asimétrico. Si no usas el ángulo correcto de la cámara y
mueves la cámara a la derecha. Hay cuatro ángulos de
cámara importantes. El ángulo bajo, el nivel
alto, el ángulo alto y la vista de pájaro. Además de esos, también están los puntos de vista sobre el hombro
tiro en ángulo holandés. El ángulo desde el que estás filmando debería decidirse
dependiendo de la historia. Un ángulo bajo nos da confianza
a un sujeto mientras que un ángulo alto lo hace
pequeño y no tan potente, eso demuestra que el algo no
está bien, también la distancia de los medidores de
la cámara. Se puede tener un
primer plano extremo, primer plano, tiro
medio, plano ancho o largo,
y también un tiempo extremadamente largo. Estos fueron solo algunos
recordatorios sobre ahora, hablemos del
movimiento de la cámara. Primero, lo dividimos en movimiento
suave y portátil. Ambos contando historias
diferentes. Los movimientos suaves muestran que
no hay nada malo y le da al espectador una sensación de lo que la
mano muestra lo contrario. Pero lo de la historia del autobús en la que
vamos a
profundizar más adelante en esta clase.
10. Tipos de composición: Antes de sumergirnos en la narración
visual, hablemos de algunas composiciones
diferentes aplicando las reglas
que acabamos de aprender. Primero, echemos un
vistazo a la composición central. Este tipo de composición utiliza la regla de los
tercios al colocar al sujeto en el medio en la línea con la línea
horizontal. Al hacer esto,
toda la atención se dirige al tema. Otro tipo de composición es
una composición simétrica. Esto se usa a menudo cuando se
muestra algo perfecto. Esta toma comienza con un
sujeto y composición normal, pero después de pintar,
el segundo sujeto no es una composición centrada y
simétrica. Esto demuestra que la segunda
persona merece más la
pena probablemente
las malas composiciones también están formadas por los ángulos en los tipos
de tomas que estás usando.
11. Mirar el punto del espectador: Ahora es el momento de sumergirse en el mundo de la
narración visual. Hablamos un poco sobre los diferentes escenarios
de la narración visual. Pero además de mostrar los
movimientos del personaje, podemos controlar cómo el
espectador se ve impactado por ellos. Esto se hace colocando
al espectador más lejos o más cerca de la acción que filmas en una lente ancha y estando objeto
más cercano se encuentra con el
espectador siente emoción. un ligero movimiento si También se puede agregar un ligero movimiento si
el catering lucha con
algo. Hacer lo contrario filmando en un teleobjetivo en un préstamo o lugares
extremos de tiro largo que estamos lejos de lo excelente
dejando solo al personaje. Esto se puede hacer también
usando el primer plano. El truco aquí para mantener
al espectador lo más importante
es
acercarlo al tema en un momento que el
personaje lucha. Pero antes de
momento realmente importante que deberíamos darle son liberados llevando
la cámara muy lejos. Si sostienes al
espectador siempre atado al personaje o la
figura se volverá aburrida. Pero al liberarlo
de vez en cuando, le agregas más engagement.
12. Narración visual: Ahora en la última lección, repasemos algunos ejemplos
de narración visual. En esta escena. Al principio, no
estamos tan cerca del tema porque
acabamos de conocerlo. Pero justo al final, el espectador se acerca a él justo antes de que muera
el personaje, haciendo que su papá sea mucho
más impactante. En esta toma, la cámara
empuja ignorar al sujeto, haciendo que el espectador se
interese más en el caso. Además, esta es una infamia de
efecto común en verdad, me gustaría llamar a
la barra de progreso. Esta porción es
como una barra de progreso antes de que el personaje
necesite tomar una decisión. Aquí hay que hacer algo
en la misma escena. El espectador se mantiene estable
y cierra el personaje. Al final, lucha
y para que el espectador
sienta sus sentimientos, movemos la cámara
junto con el sujeto, incluso agregando algo de movimiento
Hinton. Esta escena de diálogo también tiene algo de excavación, narración
visual profunda. El estado del
personaje se puede mostrar
fácilmente a través de
ángulos y movimientos. El primer personaje es que se siente esposado y
desde un ángulo alto, el segundo personaje se siente firme y también desde
un ángulo ligeramente bajo, mostrando confianza y
poder sobre el otro. También la forma en que
se colocan su historia. Una mancha en un asiento, lanzando, siendo una más
cómoda en la otra. Ahora, lo mismo sucede
en estos diálogos en que el personaje
más
seguro vuelve a ser aleta de un trípode, mientras que por otro lado aquí, también los elementos en su colocación dentro del
plano pueden contar una historia. Tenemos aquí un
tiro desequilibrado entre un tres, y significan las
luchas principales y el árbol es
un símbolo de protección, algo que el dominio necesita. También porque el
disparo está comenzando
, muestra un gran lanzamiento. También están presentes la ruta de
composición, la proporción áurea que
lleva del principal al árbol y
líneas conducentes a un tres. En esta toma, un personaje
tiene un discurso emotivo. Esto se ve reforzado por los ángulos bajos que piensas
FIN de El Movimiento. Para este ejemplo, elegí de
nuevo una barra de progreso. Esta barra de progreso
los acerca al tema. Esta vez no por
las luchas, sino hacia el procesamiento, acercándolo como
un buen personaje y anticipando el
final de la película. Estos son solo algunos ejemplos, pero la forma en que
vas a implementar narración
visual
en tu película es el estilo único
que vas a desarrollar con mucha práctica.
13. Conclusión y proyecto de clase: Enhorabuena por
completar esta clase. Ahora tienes todo lo que necesitas para empezar a crear tu propio miedo. Es hora de
que salgas y dispares tu propio campo, pero ten paciencia. Antes de dominar
estas técnicas, necesitarás mucha
práctica al principio, sacar tus notas
y trabajar con ellas. Pero después de un tiempo,
ya no los
vas a necesitar tanto como
puedas para el proyecto de clase
enviando un cortometraje, estaré encantado de
darte tu opinión al respecto. Espero que aprendas
algo nuevo y como siempre, no
dudes en contactarme
con más preguntas. Que tengas un gran día.
Alex Sofonea, Filmmaker & Full-Stack Developer
