Cómo usar capas en tus acuarelas: crea obras de arte interesantes con profundidad y detalle.

1. Introducción: Hola. Mi nombre es Natalie Martin, y soy una artista australiana de acuarela. Este es mi tercer curso en línea llamado Lecciones en capas con acuarela. Si te has unido a mí por Welcome to Watercolor o la Magic of Color Mixing, bienvenido de nuevo directo a aquí, y si te unes a mí por primera vez, no puedo esperar a que saltes a bordo. Usar capas en acuarela es usar la acuarela a su mayor potencial. Se trata de una herramienta súper poderosa para crear profundidad, interés, y detalle en tu trabajo. De verdad quería llamar a este curso Paciencia Joven Saltamontes, porque la paciencia va a ser nuestro ingrediente secreto a lo largo de todo el asunto. El beneficio de que este sea un curso en línea es que seas capaz de parar, tomar un respiro, y guardar el trabajo y dejar que se seque a fondo para que podamos obtener el mejor resultado posible para nuestro proceso de estratificación. Es tan importante dejar que tu trabajo se seque a fondo. paciencia es el gran ingrediente secreto clave, y no puedo inculcarte lo suficiente lo importante que es, pero también tiene unas experiencias agradables también. Hay tantas formas de usar capas en acuarela y que el límite es verdaderamente interminable. Puedes usarlo para crear profundidad y contraste, mucho interés, y detalle, y creo que esta es la magia que realmente puede elevar tu trabajo al siguiente nivel. En este curso, vamos a cubrir los conceptos más básicos de estratificación y explorar dentro y alrededor de eso, luego expandirnos a diversas áreas como el espacio negativo, y luego cómo llevar las cosas al siguiente nivel y crear una serie de funciona. También vamos a cubrir vacíos en el conocimiento; cosas como una expansión sobre las ideas de adónde ir con materiales, arreglar diminutas áreas y pequeñas cosas que suceden en el camino por el giro de la trama, y trabajar desde fotos, porque creo que eso es algo tan importante y perdido que sucede en nuestros cursos cuando hacemos trabajo desde fotos. A partir de aquí, vamos a empezar, no puedo esperar, y estoy tan emocionado de traerles este curso. 2. Cuidado de materiales y equipos: Antes de conseguir la pintura, repasemos por los materiales con los que estamos trabajando en el curso de hoy. Los tengo todos dispuestos aquí frente a mí. Voy a empezar con nuestras pinturas. Todo es básicamente con lo que trabajamos en Welcome to Watercolor con unas pequeñas adiciones. Las pinturas que estaré usando son las mismas. Es el color que conozco, pinturas acuarelas aquí. Estos se desatascan en hermosos colores vibrantes. Contamos con cepillos redondos sintéticos. Me encantan estos pinceles y en realidad he, en mi rollo de pinceles aquí, tengo toda una gama de otros cepillos redondos, pero particularmente quería mostrarles estos dos pinceles porque estos son los dos que usé en Bienvenido a Acuarela. Son exactamente lo mismo, pero tuve que comprar otros nuevos porque están completamente desgastados. Si puedes ver aquí, podría que solo los cierres ahí, los nuevos consiguieron este hermoso punto y las cerdas se mantienen unidas, mientras que éste es completamente aburrido. Es por o a través de un uso excesivo que acaban de desgastarse por completo, y se pueden ver estos pedacitos volantes aquí. Está un poco cansado y necesita retirarse y lo mismo con estas talla aquí. Creo que el punto es aún más obvio. Se puede ver que he hecho muescas completamente la punta de esos pinceles. No van a estar teniendo la misma cantidad de control y precisión que tengo con estos nuevos. Es algo que sí tienes que reemplazar de vez en cuando. Todos estos pinceles aquí, básicamente, sobre todo estos de arriba, son cepillos redondos sintéticos. Cada marca tiene un cónico diferente a la punta, diferente capacidad de agua. Realmente me encanta explorar todos los tipos diferentes. Tengo algunos de Princeton, son mis propios pinceles Princeton Elite, algunos pinceles Micador Roymac. Estos son bastante más suaves que con lo que he estado trabajando. Tengo unos pinceles Princeton Velvetouch. Estos tienen un punto excepcionalmente fino. No es ideal para algunas situaciones, pero brillante para otras situaciones. Los uso ocasionalmente. Entonces he empezado a trabajar con estos pinceles que me encantan absolutamente. Son de otra compañera artista de acuarela llamada Polina Bright. Ella usa estas cerdas realmente largas. La capacidad de retención de agua es tan impresionante, me encantan absolutamente estos. hoy, estaré usando mis pinceles Princeton Elite. Estos son simplemente pinceles de fuerza de trabajo impresionantes y no me necesitaban mucho más que eso. Al lado de nuestras pinturas y nuestros pinceles, tenemos papel. Tengo dos tallas aquí porque voy a hacer un par de ejercicios en papel más pequeño. Eres más que bienvenido a trabajar sólo en formas o lo que tengas. Definitivamente recomiendo usar papel de acuarela. Yo sí profundizé en estos un poco más en la sección Materiales de bienvenida a la acuarela. El papel es obviamente tan grande basado en acuarela y realmente define el resultado del trabajo por lo que definitivamente trabajar en papel de acuarela. Evite usar solo su papel de impresora estándar. Sí tengo algo de eso ahí aunque así puedo hacer algunos bocetos y no estoy desperdiciando mi buen papel cuando solo estoy presentando ideas. Además de eso, tengo mi paleta de pintura. Ya lo he limpiado. Normalmente lo tengo todo desordenado y nivelo mi pintura ahí porque la acuarela es reconstituible. Pero a propósito de hoy así se puede ver con qué me estoy mezclando, acabo de limpiarlo. Tenemos nuestra toalla de papel. La toalla de papel es tan útil para tantas cosas diferentes. Normalmente lo meto debajo de mi paleta para que no se mueva a ninguna parte. Normalmente tengo todo el papel cerca en caso de emergencia. Por aquí, algunas de las cosas adicionales que necesitaremos para hoy, tenemos el lápiz, borrar y sacapuntas, solo para nuestros bocetos y guardar algunas de nuestras ideas. Tengo esta cinta de pintor o cinta de enmascaramiento de la ferretería. En realidad es como la cinta de un pintor comercial en lugar de enmascarar cinta como la cinta de tu reloj que la mayoría de la gente usaría para este tipo de cosas. Encuentro que tiende a tomar la superficie del papel y el riesgo de rasgar un papel es realmente extremo, pero con la cinta de este pintor, puede entrar, éste es amarillo. Se llama Frog Tape y acabo de conseguirlo de la ferretería local. Viene en morado, azul. Simplemente quieres conseguir el más bajo tuck uno como sea posible porque eso significa que hay menos problema potencial con él desgarrando el papel. Puede salir mal, pero también crea los resultados más bellos. No puedo esperar para mostrarles lo que vamos a hacer con eso. Lo último que tengo aquí es el limpiador de cepillos. Limpiador de cepillos es tan bueno para mantener la longevidad de tus pinceles. Al final de una gran sesión de pintura cuando realmente los he usado bastante poco, lo que tiendo a hacer es simplemente agarrar mi pincel, mojar eso hacia abajo. Es casi como una cosa de crema de afeitar donde corres tu cepillo así. Yo quiero convertirlo en la forma que quiero que mantenga y eso va a acondicionar y conservar ese pincel y los guardaré planos así de la noche a la mañana. Para mi configuración, en realidad voy a mover eso hacia lado porque no necesito eso al alcance inmediato. Cuando estoy configurando mi estación de trabajo, quiero poner mi papel a un lado porque quiero evitar alguna salpicadura ahí. Voy a tomar dos hojas de toalla de papel, y esta es solo mi preferencia personal. A mí me gusta doblarlos por la mitad porque con capas completas de papel ahí, es excepcionalmente absorbente por lo que no tienes que reemplazarlo tan regularmente como lo que harías si solo tuvieras una sola forma. En realidad meto eso debajo de mi paleta y luego desenganche mis pinturas en parte superior aquí así que tengo esta bonita tira aquí para trabajar cuando la estoy configurando. Soy diestro así que voy a armar todo a mi derecha. Entonces si eres zurdo, haces todo igual justo al revés. Se mueve todo hacia la izquierda aquí. No necesito estos conmigo ahora mismo. En realidad suelo guardar mis cepillos ahí porque es un buen lugar para mantenerlos a salvo. Los mantendré bastante cerca. No necesito ese ahora mismo y tampoco necesito mi gobernante ahora mismo. Esa es mi configuración. Entonces conseguiré un papel de pasta y esa es más o menos yo lista para irme. Cuando hablamos de pintar en casa, encuentro una de las grandes cosas que tal vez no se da cuenta es que necesitas luz realmente de alta calidad. Cuando estás trabajando, no quieres tensar los ojos ni estar trabajando en una situación aburrida donde realmente no puedes ver en qué estás trabajando. Buenas luces naturales, probablemente tu mejor opción y si esa no es una opción, recomiendo una lámpara LED de luz diurna que puedes usar para que puedas iluminar brillantemente tu espacio porque poder ver y no tensar tus ojos va a ser así importante para el resultado de tu trabajo y tu disposición para llegar a la mesa en primer lugar, porque si estás trabajando en la oscuridad, probablemente te estés sintiendo menos. Interesado de todos modos. Cuando hablamos de medio ambiente, de verdad está aquí dentro tengo al odiador puesto. Está bastante cálido. Hoy se está congelando afuera en Victoria, pero con el calentador encendido, voy a tener que trabajar bastante rápido porque la temperatura en la habitación va a afectar lo rápido que se seca ese agua a medida que llegue a la página. Si estoy trabajando en un ambiente frío, el agua tarda mucho más en secarse y esto va a ser una gran parte de donde vamos con este proceso de estratificación y una de las partes brillantes de este ser un curso online es que puedes parar pausa el video y asegúrate de que tu trabajo esté completamente seco antes de pasar a la siguiente etapa porque es tan importante que tu trabajo esté correctamente, completamente seco al hueso antes de aplicar la siguiente capa. Por lo que por favor tome en cuenta el trabajo que tiene delante y no sólo lo que estoy haciendo. Probablemente voy a estar deteniendo la cámara y corriendo y dibujándola rápidamente para que podamos seguir moviéndonos, así que asegúrate de que esté totalmente seco. Si quieres calentarlo con un secador de pelo, eso también está bien. Encuentro que en realidad, es un poco arriesgado, sobre todo si trabajas mojado porque solo puedes soplar pigmento por toda la página, que sin duda es menos que ideal. También encuentro, si estás trabajando en una pieza final, tiende a hacer el papel un poco más quebradizo y mejora las reacciones químicas que están sucediendo en la página y las hace más dramáticas. Yo encuentro, prefiero sólo practicar paciencia, paciencia en saltamontes y ponerlo a un lado y tal vez distraerme y trabajar en otra cosa, también esperaremos a que eso se seque. Creo que a medida que nos estamos familiarizando más con esa práctica, traer paciencia en realidad va a ser el ingrediente clave de gran secreto en toda esta mezcla. Ese es el medio ambiente. Voy a hacer un poco más en el cuidado de equipos porque creo que hay una brecha realmente grande en el conocimiento sobre cómo cuidar tus materiales lo mejor posible. Estas pinturas, me hacen tantas preguntas porque como puedes ver, son bastante aburridas y oscuras y como las sartenes están justo al lado de la otra, se ven bastante oscuras. Primero lo primero, voy a agarrar un poco más de toalla de papel aquí. Si están empezando a parecer desordenados y muy poco claros y potencialmente contaminándose unos a otros, sólo voy a tocar un poco de toalla de papel en mi agua y en realidad sólo voy a limpiar esa superficie hacia abajo. Podría tomar un par de pedazos de toalla de papel porque obviamente esa es una justa cantidad de pigmento que acaba de salir ahí mismo. Dale un poco de toallita. Pero básicamente, puedes limpiar toda esa zona y descontaminarlas. Encuentro que lo que tiende a pasar es que la pintura se atasca en los bordes de los pozos de ahí y de ahí viene la contaminación. Si golpeas eso y lo límpias bien hacia abajo, conseguirás que se limpie de nuevo a blanco. No me importa tener un poco de lío ahí, pero si se pone demasiado y no puedes ver con qué estás trabajando, eso es un problema. Tengo dedos azules ahora también. El otro asunto con estos discos es que si los apilas en el camino cuando has empacado para el final del día, problema realmente grande con estos, si están mojados y los vuelves a meter juntos, se atascan. Si sí se atascan, en lugar de tratar de desenroscar, lo cual es realmente difícil, tiendo a usar una técnica de garra, así que casi las estás abriendo como una concha. Por lo que solo puedes abrirlos así y se rompe el sello y de esa manera sólo puedes separarlos así. Podría tomar un poco de músculo, pero vale la pena hacerlo. Ahí vamos. Está bien, así que ahí están esos. Lo que tiendo a no hacer es dejar estas abiertas de la noche a la mañana porque el polvo puede caer en esas sartenes y lo que tiende a pasar es que estás trabajando fuera y entonces de repente tienes estas fibras en tu trabajo y eso puede ser súper molesto porque son difíciles de salir. Entonces tienes que usar tu pincel e interferir con tu pintura para sacar estas fibras o pedacitos de partículas de polvo, así que evitemos hacer eso. Para el cuidado del cepillo, empecé en esto un poco temprano con el limpiador de pinceles. El limpiador de cepillos es brillante para preservar tus pinceles. Nunca, nunca dejes tus cepillos en el agua así. Eso es un viaje a la papelera. Lo que tiende a suceder es que las puntas de los pinceles curvan y debido a que tienen fibras plásticas , son fibras sintéticas, esa curva permanece y básicamente has dejado esa curva en el pincel para siempre y es muy difícil trabajar con. Cuando los guardo durante la noche, tiendo a guardarlos planos así y si estoy viajando con ellos o moviéndome con ellos, los moveré en un rollo de pincel como este y los meteré ahí y los mantendré realmente ordenado y seguro. Es así como guardo mis pinceles y me encanta absolutamente. Mi mamá me hizo esto así que es un poco precioso y me encanta absolutamente, y creo que si tienes una máquina de coser, son súper fáciles de batir en casa. Ahora, una pregunta que sí surgió recientemente es una vez que tus cepillos experimentan un poco de desgaste, podrían conseguir unos cuantos flyaways aquí escuchan y estas cerdas pícaros te pueden enloquecer porque arrastrarán por zonas que tal vez no estás anticipando, así que lo que recomiendo es simplemente literalmente agarrar tus tijeras y recortarlas. Pero asegúrate de intentarlo y sacarlo de la base del pincel porque de lo contrario, vas a tener media cerda ahí dentro. Ya he recortado unos cuantos de éste, así que hay un chiquito tocón ahí arriba, pero tienden a influir menos en el camino que si lo tuvieras arriba para que uno esté todo hecho ahí. Cuando se trata de almacenar tu papel y pintura, mi mejor recomendación es sacarlo de la luz solar directa porque la luz solar directa se va a amarillar tu papel y realmente lo daña. Se va a despojar de ella toda la longevidad también, tan importante almacenar eso, especialmente fuera de la luz solar directa, e incluso tus pinturas también pueden realmente desvanecerse si solo las dejas fuera todo el tiempo y obtienes pateado por los rayos UV, realmente borra tus colores. Algo que sí olvidé mencionar aquí es nuestro chat de referencia. Si te has unido a mí, siéntete bienvenido a Acuarela. Hicimos nuestra tabla de referencia de color aquí, eso acaba de pintar cada uno de esos colores para que podamos referirnos a eso bonito y claramente y tener una referencia visual. Entonces, si te has unido a mí por la magia de la mezcla de colores, estos pueden ser útiles también porque podemos hablar de colores complementarios y primarias y cosas como esta. Los tengo cerca si crees que eso es importante para ti. último, pero no menos importante, necesitas una gran pizca de coraje porque requiere tanto coraje para trabajar con capas en acuarela. No solo probablemente desees usar coraje para romper este pedazo de papel blanco, sino que también estarás trabajando en partes de pinturas que ya tendrán éxito, así que ese es un reto realmente grande. Se necesita coraje para mezclar todos tus colores. Se necesita coraje para incluso explorar cosas nuevas, así que no puedo esperar para empezar contigo. Me alegra tanto que acabemos de pasar por todos estos materiales. Sabemos con qué estamos trabajando. A continuación, vamos a pasar por un pequeño concepto que yo llamo bloques de construcción. Este va a ser nuestro pequeño ejercicio de calentamiento antes de saltar a las cosas realmente pesadas. 3. Construir bloques: Ahora que estamos más familiarizados con los materiales con los que estamos trabajando, el siguiente paso es trabajar en algunos bloques de construcción. Me encanta esto como un ejercicio de calentamiento porque se mueve nuestro pincel, nos hace empezar a pensar en colores, y si alguna vez estoy atascado y no estoy seguro a dónde ir, veces solo conseguir algunas marcas en la página es la mejor manera de parar. En realidad voy a dar la vuelta de esta manera y voy a recoger mi cepillo grande, talla 10. Mi reto para ti a través de todo este día, todo este curso, es mezclar cada color porque es un hábito de un principiante, así que solo escoges pinturas directamente de aquí, y creo que tan pronto como empieces a pensar un un poco más sofisticado con tu paleta de colores, ese es otro truco para que tus pinturas y tus pinturas funcionen mejor. Yo sólo voy a empezar a lanzar unos colores aquí juntos y siéntete libre de jugar con lo que quieras jugar, y vamos a seguir cambiando todo el tiempo de todos modos. En primer lugar, lo voy a hacer singulares bloques de construcción de diferentes trapeadores que puedo hacer con este pincel, y no estamos pensando en Lego aquí y todo perfectamente ensamblado, definitivamente estoy pensando pila gigante de Lego y todo tipo de caótico. Simplemente diviértete y juega con él como conseguir que este pincel se mueva de la mejor manera posible. El primero es literalmente sólo ir por las pequeñas marcas como estas, y sólo conseguir que un poco revoloteadas y un poco desordenadas. Si es demasiado perfecto, entonces no vas a tener una sensación natural muy orgánica en tu trabajo final. Es mucho solo conseguir un poco de pincel moviéndose y mi cabeza está bateando junto con él a medida que voy. Entonces para mi siguiente fila, sólo voy a ir un poco más, diminuto un poco más de presión. Todo lo que estoy haciendo es empezar a visualizar algunas de estas pequeñas texturas y formas que puedo juntar en nuestro trabajo para crear una pieza más grande. Ahí tenemos unos pequenos y luego voy a probar un poco más de presión. Entonces podría ponerme tal vez un poco más morado ahí dentro, bonito morado. Voy a añadir un poco más de presión. Me encantan estas formas particulares de lágrima porque vienen tan útiles para hojas, pétalos, todo tipo de materia orgánica. Un poco más, y luego voy a empezar a unirlos un poco. Ve qué pasa, intenta conseguir la forma aún más grande. Entonces vamos a volver de nuevo y bajar a más pequeño y sólo tratar de diferentes formas cada vez. Es increíble todas las diferentes formas que puedes conseguir con este pincel pequeño. Si haces formas como esa o cambias el ángulo de tu pincel, vas inclinado, te vas a poner un poco diferente, vas hacia atrás, vas a ser un poco diferente otra vez. También lo piensas de manera diferente. Obtienes montones de variedad. Creo que la variedad es absolutamente esencial, todo cuando estoy pensando en mi propio trabajo y la forma en que me gusta que represente en la página, cualquier cosa que sea demasiado perfecta y rígida, simplemente termino por no gustarme, y a veces me lleva un poco averiguar por qué y es por estar apretado cuando estoy pensando, así que esto es conseguir que tu pincel se mueva libremente. Yo sólo voy a seguir jugando aquí, mantener todo bastante separado por ahora. Un poco más cerca. A lo mejor sólo conseguir un poco más al azar y simplemente empezar a hacer todo tipo de formas juntas. Se puede ver que tengo mi dedo, sólo la punta de mi dedo presionando el papel ahí porque si tengo mis dedos en la página, termino con huellas dactilares aceitosas donde resiste la pintura mientras pinto por la pista cuando vas pintar esa zona como lo en la tierra y no hay forma de arreglarlo, lamentablemente. Es una de esas pequeñas áreas en las que no podemos trabajar. Ahí hay algunas lindas formas flojas flojas. El siguiente que quiero hacer es empezar a unir algunas de estas juntas para que veas cómo las marcas pueden crear formas e intereses mientras pintas a lo largo. Voy a añadir un poco de marrón a mi mezcla morada. Intenta empezar a pensar en una paleta más orgánica, menos saturada, va a sacar pedacitos aquí y allá. De nuevo, voy a empezar con mi forma más pequeña aquí. Pero voy a tratar de recogerlas un poco más, construirlas una sobre la otra y terminas con estos pequeños trazos de pincel que pueden tener estos hermosos efectos texturales. Entonces voy a agarrar, es una muy buena oportunidad tener un poco de juego con la mezcla de colores también. Simplemente he metido básicamente lo opuesto al morado para que sea un más sucio, terminó casi como un marrón chocolatey. Entonces voy a ir un poco más grande con las marcas y los voy a culpar a todos juntos. Lo que tiende a pasar aquí es todo ese hermoso espacio negativo, obtienes montones de interés pasando. Entonces vuelve a ir más grande. Es sólo conseguir que ese cepillo se mueva, y dejar que se afloje, no pensarlo demasiado. Encuentro que cuando si estoy un poco rígido o rígido cuando recojo el pincel, algo así es el pequeño ejercicio perfecto para simplemente no preocuparte tanto por el desenlace y solo estás teniendo un poco de juego. Voy a mezclar ese color otra vez, ir a un color diferente otra vez, y de nuevo sólo empezar a perturbar sus formas así. No olvides también el rango tonal. rango tonal es tan importante. Acabo de tomar un poco de este color aquí y diluirlo con agua, y eso puede hacer hermoso, este va a ser bonito rosa oscuro. De nuevo, solo tienes que ir un poco más grande, y puedes ver algo de ese hermoso sangrado que puede ocurrir cuando somos imprecisos con nuestros pincelados. Si fuera demasiado preciso, todas serían formas independientes y se ven bastante incómodas o casi demasiado perfectas. Pero cuando los dejamos correr juntos, empieza a ver el potencial real de la acuarela, dejándola sangrar, dejando que ese efecto natural orgánico tome forma. Yo sólo podría poner un poco más de naranja ahí. Deberías empezar a sentirte más cómodo con el pincel a medida que te desplazas, y luego comienzas a pensar, no solo estás pensando en las formas del pincel en sí, sino que estás pensando en los colores, el agua, el pigmento, y está empezando a juntar todas las cosas que hemos estado aprendiendo en el camino. De nuevo, sólo voy a seguir pertando a todos esos juntos. Que casi se conforma. Voy a ir por el golpe máximo que puedo conseguir por aquí. A lo mejor un poco más oscuro solo para que podamos decir que corren hacia el otro lado. Estas son pequeñas formas que tiendo a trabajar en diversas formas de capas. Cuando esté trabajando en una pieza final, estaré agregando todos estos pequeños bloques de construcción juntos, no solo una capa, sino tres, cuatro, a veces hasta 15 capas diferentes, y no es cobertura completa cada vez que estoy trabajando con capas, a veces es solo agregar algunos acentos más oscuros ahí dentro, y eso le puede dar una forma completamente nueva y un poco de vida. Me encanta trabajar con capas tanto porque te da tiempo y un poco de espacio para respirar para que puedas hacer una pausa, guardarla, volver a ella y mirarla con ojos frescos. Porque entonces a veces realmente puedes analizar dónde estás, con cómo todo se junta. Lo último que voy a hacer es simplemente esencialmente el mismo concepto otra vez pero vamos a estar girando la página porque esto es algo que la gente olvida todo el tiempo. Esta página no está fija, y creo que es súper importante. Empezando de nuevo con mis pequeñas marcas aquí, se puede ver que sólo estoy, de nuevo, sólo agarrando los mismos bordes del papel para asegurarme de que eso se esté moviendo. Me voy a quedar con mis púrpuras y rosas oscuras aquí. Esto me está gustando. Cada color que he recogido es un poco de una mezcla de cosas aquí, pero que puedes ver automáticamente que el nivel de saturación, si no estás trabajando directamente fuera de los escritorios, puede ser una forma realmente interesante de empezar jugando con el color. El color es tan importante para estar pensando todo el tiempo. Simplemente haz marcas un poco más grandes. Es así como hago mucho de mi trabajo de pétalos. Ve mucho color, y digo tantas veces en mis alumnos que demasiado asustado para permitir que las cosas se toquen, que cuando tocas, ahí es cuando ocurre la magia, es donde ocurre todo el sangrado. Es una forma de conseguir todas esas hermosas mezclas y mezclas y ese elemento inesperado [inaudible] para. Pero lo que crea la belleza es ese equilibrio de tus habilidades más lo que trae la acuarela a la mesa. Sigue así. Esta fue una divertida, solo tener una playlist para calentar porque realmente te hace mover tu cuerpo, te hace mover el papel, te hace mover el pincel de pintura. Recoge un poco amarillo, creo. Voy a seguir dando vueltas. Si quisieras hacer algún trabajo de extensión en este ejercicio, podríamos volver a hacer todo esto todo de nuevo con este pincel, y vas a conseguir todo un nuevo conjunto de bloques de construcción. Es como Lego y [inaudible] Se necesitan todos ellos y se obtienen todas estas hermosas, obtiene una extensión de todas estas marcas que se pueden hacer. Terminemos este aquí arriba. Ahí vamos. Ahora les voy a mostrar algunos ejemplos de cómo utilizo estos bloques de construcción en mi propio trabajo porque creo que cuando los vemos así, sí, conseguimos esto. Totalmente lo conseguí. Pero es entonces pensar en ellos en contexto. Creo que eso puede ser algo realmente importante para visualizar en este punto. Una de mis cosas favoritas para pintar que uso estos bloques de construcción para todo el tiempo. En realidad, voy a sacar eso del camino, para no dañar esto. pintura [inaudible] está aquí. Se puede ver que las propias cabezas de flores están literalmente compuestas de todos nuestros bloques de construcción más pequeños, y yo diría que he hecho tal vez cinco o seis capas diferentes de estos bloques de construcción, y como la acuarela es translúcida, siempre se puede ver a través de la capa más inferior. Cada vez que añades una capa adicional, agregas intereses de complejidad en detalle, que creo que es una parte súper cool y tan única de la acuarela. Si voy así, tengo una mezcla de círculos, puntos, pequeños dabs, son mis bloques de construcción, son mis puntos y dabs. Creo que he confundido a la gente en el pasado. Yo soy como, no, es fácil, son solo puntos y dabs, pero en realidad es más sofisticado de lo que piensas porque necesitas entender, necesitas casi visualizar y categorizar visualmente cómo representan estas cosas en la página. A modo de otro ejemplo, tengo mi margarita de papel, trabajo aquí. Esto es todo básicamente pequeñas versiones de estos huelgas más largas y son ellas una y otra vez, y crea tanto detalle y esos delicados pétalos, tengo algunos puntos aquí en realidad. Yo realmente quería generar esa textura que se ve en la vida real. Creo que eso es tan importante captar esa energía del tema. Ese es otro estilo de bloque de construcción, y luego el último bloque de construcción que quería mostrarte era el [inaudible] que es un bloque de construcción más redondo. Si no estoy pintando un círculo y luego llenándolo, estoy usando las cerdas del pincel, muy similares a lo que he hecho aquí para que esté creando estas formas redondas, y entonces eso de nuevo tiene, diría probablemente cuatro o cinco capas diferentes y espero que se seque, aleje, vuelva a ella y luego vaya, vale, puedo analizar de cerca. ¿ Necesita más oscuro? ¿ Necesita más contraste? ¿ Necesita más cobertura? Ahí es cuando se puede aplicar otra capa en lugar de apresurarse y trabajar en las cosas e intentar hacerlo en una sola sesión. Esos son mis bloques de construcción. Espero que haya disfrutado de eso. A partir de aquí, vamos a empezar a aprender a pensar en capas. Tenemos algunos activos con los que trabajar aquí, y ahora vamos a empezar a construirlos juntos y visualizar cómo funciona realmente lo de estratificación. Nos vemos en el próximo episodio. 4. Pensar en capas: Está bien. Acabamos de tener un poco de exploración de nuestros bloques de construcción, y estos son pequeños activos que vamos a usar al final de la línea. Ahora, quiero que tengamos un poco de juego con toda esta idea de estratificación. Creo que es algo que realmente desanima a la gente porque no saben a dónde va a ir, así que no quieren hacerlo. estratificación está construyendo varias capas de pigmento una encima de la otra, pero necesita estar completamente seco para cada capa. Eso es lo más crucial y ahí es donde entra esa paciencia joven saltamontes. No puedo reiterar eso lo suficiente como para que ojalá pudiera llamarte rojo si estás interrumpiendo tu trabajo a medio camino del dibujo, porque realmente va a ser interrumpido al desenlace. Podemos hacer translúcido. pigmento acuarela siempre es translúcido, así que no importa cuántas capas acumules uno encima de otro, siempre vas a estar en una vista a través de la capa más inferior. Vamos a utilizar ese concepto y empezar a explorar un poco de esta translucidez pero también cómo pueden verse las capas en ciertos arreglos. Voy a trabajar en dos cosas simultáneamente pueda dejar que una se seque mientras también trabajo en otra cosa. Esta es una técnica de distracción absolutamente clave para mí porque soy un poco como un go, go, go, go, go. Si sigo trabajando en algo mientras está mojado, termino arruinándolo y me frustro. Voy a empezar una aquí y luego voy a ir a la otra. Entonces voy a intercambiarme a medida que voy así que estoy permitiendo que las cosas se sequen en el medio. Por ahora, voy a trabajar aquí. El primero que vamos a explorar es la mezcla visual con capas. Cuando tenemos nuestras capas translúcidas, y de hecho hice este tipo de vuelta aquí, cuando pones dos capas una sobre la otra, casi estás mezclando los colores de la página. Si pones azul y luego con una capa de amarillo sobre la parte superior, vas a tener un tono de gris en el medio. Esa es la intersección que ocurre en la página entre capas, y puede ser una forma tan hermosa de cambiar los colores en tu trabajo. Vamos a tener un poco de juego y pintar cuatro barras de esos colores primarios. Voy a necesitar que se sequen antes de poder hacer las siguientes capas. Entonces es cuando me voy a distraer y trabajar en el siguiente. Podrías hacerlo un poco más grande que eso. Cuando estamos trabajando con capas, lo mejor es no ir 110 por ciento con tu pigmento primero arriba porque elimina parte de esa hermosa capacidad translúcida. Lo que tiende a suceder es que si capas encima de la parte superior, todo ese pigmento suelto, exceso de pigmento en el papel se reactiva de nuevo, se desplaza, y terminas con estas líneas borrosas y fudgy que son menos ideales. Voy a recoger este azul aquí y pintar una barra azul. Nuevamente, no volumen máximo en el color, solo una versión diluida. Pintar aquí un bar azul. Está bien. Sólo un bonito lavado plano. Entonces para nuestra última, voy a escoger el magenta, que es lo opuesto al azul en nuestro disco morado y rosa. No es el color más hermoso, desafortunadamente, porque no es un magenta muy bonito. Pero, ya sabes. ¿ Qué vas a hacer? Ahora, pinta eso. Oh, acabo de hacer clic un poco de azul. Está bien. Tengo eso abajo. Pero paciencia, necesito esperar a que esto se seque totalmente. Ahora mismo estoy en una habitación bastante cálida, así que eso puede que en realidad no tome tanto tiempo. Voy a ponerlo a un lado y preparar mi próximo conjunto de ejercicios así que estoy trabajando en ellos simultáneamente. Podría estar en un columpio hacia atrás y volver a eso y estará seco. Yo sólo voy a poner eso por ahí, una vez que consiga que el suyo empiece. Está bien. Estos tienen mezcla visual de color y vamos a estar haciendo capas de colores alternos en la parte superior para que podamos decir qué pasa cuando los intersecemos. Este de aquí trata más sobre las premisas y los conceptos básicos de estratificación. Voy a hacer que pintes seis hojas. Para este, quiero que mezcles un verde, por cierto. No quiero que solo elijas cualquier verde viejo. Yo quiero que empieces a integrar esa mezcla de colores y las ideas alrededor de tus complementarios y tú más colores terrosos que tonalidades, consigue eso en la programación desde el primer día. Voy a poner un poco del magenta ahí dentro. Ah ahora, tengo un color realmente rojizo [inaudible] en verde. El motivo por el que los animo a hacer esto es porque los greens en estos discos, sobre todo, estamos trabajando en su mayoría con formas frondosas y botánicas hoy en día, es que los greens están tan saturados, y enfermizos, y definitivamente no del mundo natural. Así que tengo una linda, una especie de, aceituna ahí con la que estoy feliz de trabajar. Nuevamente, no es el pigmento rico más intenso. Voy por una dilución. Como ejercicio de extensión, podrías explorar con varios niveles de pigmento en tu pintura, lo que sucede para todas las capas individuales. Está bien. Voy a pintar seis hojas. Ni siquiera me preocupo por los contornos para esto, sólo voy a pintarlos, así. Aproximadamente del mismo tamaño, porque entonces conseguiste un buen calibre de lo que trabajas con esto, como una hoja de muestra. Nuevamente, me quitaron las yemas de los dedos del papel porque soy notorio por tener pequeños puntos blancos alrededor de los bordes. Es realmente molesto cuando no quieres que eso se ponga un poco más yendo allá. Está bien. Ahora necesito esperar a que eso se seque. Lo que voy a hacer es cambiar a estos dos, distraerme, pero comprobando si esto está seco o no. Para comprobar si algo está seco, normalmente puedes sostenerlo hasta la luz. Si estoy mirando eso, puedo decir que hay un poco de brillo en estas esquinas aquí dentro, así que diría que no es lo suficientemente seco para trabajar todavía. Yo diría que este fin es. Si le metes dedos, a veces te quitas algunos pigmentos para que mejor no lo toques. El otro modo que puedes hacer es revisar la parte de atrás. Porque si está mojado, a veces lo puedes ver a través del reverso de la página. Sólo voy a tener que hacer una pausa aquí un minuto, dejar que eso se seque antes de hacer la siguiente capa. Sólo he tenido que poner las cosas a un lado por un momento para que estén totalmente secas. Ahora, están 100 por ciento secos, y puedo seguir trabajando arriba. Si yo fuera a trabajar arriba con ellos parcialmente seco, lo que tiende a pasar es que se pone viejo turbio, no te dan estas hermosas formas crujientes. Cuando se superpone sobre la parte superior de la seca, obtiene otra hermosa forma seca crujiente sobre la parte superior y es una forma mucho más agradable de trabajar. A partir de aquí, acabaré de introducir algo de ese color magentry en mi mezcla amarilla, que ahora es buena. Lo que vamos a hacer es que voy a pintar algunas formas de hoja por aquí para que podamos empezar a ver cuando tuvimos esa intersección de dos capas tienen una mezcla visual de color puede suceder. Si pones dos capas de amarillo sobre la parte superior, y aproximadamente la misma dilución, terminas con una fuerte división del amarillo. Es una buena manera de fomentar un poco más de fuerza en tus colores cuando estás trabajando. En realidad, lo que voy a hacer es que voy a trabajar todo el camino hacia abajo. Cuando ponemos amarillo sobre azul, realidad vamos a terminar con nuestro verde secundario. Voy a ir así. ¿ Ves cómo eso se lee como verde una vez que hacemos una capa por encima de la parte superior? Enjuaga eso, por si acaso he recogido algo en exceso. Entonces cuando pasemos por encima de nuestro magenta, terminaremos con un rojo anaranjado. Si estás trabajando demasiado mojado, realmente activarás ese pigmento de todos modos y dirás un poco borroso o barajando pasando. No es gran cosa, generalmente solo significa que necesitas tomar un poco menos de agua en el cepillo. Está bien. Ahora, voy a hacer mezcla azul y voy a pintar una hoja azul junto a mi amarillo. Oops, los desangré. Está bien. Entonces azul sobre azul, solo obtenemos una versión más fuerte del azul. Es una forma realmente interesante de cambiar algunos colores en tu pintura. Si eres alguien que tiende a mojar realmente fuertemente hacia un área en particular, solo necesitas tener turnos más sutiles, esto puede ajustar un poco tus colores. Ah, necesito azul otra vez para mi de abajo. Deberíamos conseguir un poco de vibra morada, así. Después agarra el magenta. Entonces hago otra aquí arriba. Vamos a conseguir que ese color rojo vuelva a funcionar. Porque no es un magenta puro sin embargo, va a estar un poco sucio. Por aquí nos sacamos un poco de morado. Obtendremos un magenta más fuerte cuando hagamos una doble capa de magenta. Lo que estoy viendo es esta sección transversal donde las dos capas se han cruzado una sobre la otra. Para nuestros próximos colores, voy a empezar a investigar algunos colores complementarios y tus colores secundarios. Voy a añadir un morado, verde, y rojo. Digamos que cuando añades una capa morada, que es lo contrario al amarillo, en realidad obtienes una versión más sucia de un amarillo o es una forma realmente bonita de simplemente cambiar el amarillo hacia abajo y desaturar un poco. Voy a por un poco de morado. No me voy a molestar en mezclar un morado. Yo sólo voy a tomar directamente del disco para este ejercicio. Pero otra vez, no demasiado fuerte. Trabajar con menos suele ser más porque podemos agregar más con capas. Pero si vamos con tanto pigmento intenso directamente del murciélago, no tenemos a dónde ir. No se puede limitar al máximo la cantidad de pigmento que se puede obtener en la página. Ese es nuestro morado, por lo que puedes ver el amarillo se ha convertido en este color marrón más sucio. Esa es una cola un poco divertida que tenemos ahí. Después sobre el azul, vamos a tener una mezcla azul. Entonces por aquí vamos a terminar con unos polumy realmente bonitos. Nuestro próximo color secundario va a ser verde, así que voy a pintar algunas hojas verdes a continuación. Voy a ir con el que pueda acercarme más a esto, he mezclado ese color. Tan solo consigue un bonito color esmeralda yendo allá. Después pintando tus hojas ahí para que te den una hermosa lima. Con lo que realmente estamos terminando es casi como un color terciario cuando estamos haciendo estas intersecciones. Es mezcla de colores. Pero con las capas, es todo otro concepto que no llegamos a tocar en el mágico color mezclando tanto. Aquí porque el verde es lo contrario al magenta en la rueda de color, vamos a terminar con otro color pardo o más terroso. Entonces el color final, ¿qué me estoy perdiendo? Me falta un naranja y rojo. me voy a mezclar un poquito por mi cuenta. Quiero un color carmesí escarlata. Ahora con la naranja, mézclalos ahí. Cuando tienes un color más sutil como el amarillo, va a ser más difícil ver que las capas salen porque no tiene mucho valor en la página. Pero cuando tenemos azul, puede ver con bastante claridad la línea de donde estaba la capa anterior, así que ten en cuenta también. Acabo de agregar en mi naranja ahí y porque el naranja es opuesto al azul, vamos a terminar con un color más fangoso. Entonces para nuestra final, deberíamos terminar con un color bastante rojizo. Aquí vamos. Espero que eso ayude a articular lo que quiero decir cuando digo mezcla de color visual porque las dos capas translúcidas, piense como hojas de celofán, si sostienes las hojas de celofán hasta la luz y pones un amarillo y un rojo, terminas con naranja. Es esa mezcla de color pero a través de la luz y la translucidez del pigmento, que solo creo que es una manera tan fresca de trabajar con acuarela y particularmente única a la acuarela porque estás trabajando con mucho translúcido capas a diferencia de capas pesadas, gruesas como lo harías con acrílico o aceite. Ahora vamos a dar vueltas atrás. Vamos a dejar ese ahí. Voy a volver a dar vueltas a mi ejercicio de hojas, me encanta un poco de ejercicio de hojas. Simplemente creo que es solo una buena manera de ilustrar muchas técnicas diferentes. Vamos a quedarnos con éste y llamarlo la hoja de muestra para que sepamos con qué empezamos. El siguiente, voy a hacer aumento de valor. Aumentar el valor es esencialmente lo que estábamos haciendo aquí cuando agregamos una capa secundaria del mismo color y se lee más oscuro en la página porque has vuelto a agregar más pigmento. Voy a volver a mi mezcla gris que hice. Esperemos que os quede algo, quizá tenga que hacer un toque minúsculo más. Aproximadamente, vamos. Voy a pintar sobre esto, y algunas personas llaman a esto acristalamiento. Si has hecho todos los tutoriales de acuarela y te gusta, ¿cuál es la diferencia entre capas y acristalamiento? Es lo mismo. Es mucho solo agregar capas para crear más profundidad e interés en tus formas. Voy a pintar por encima. Permítanme girar un poco más solo para crear ese efecto obvio. Si has pintado en forma en tu trabajo y no estás realmente contento con cómo está leyendo en la página, tal vez sea demasiado ligero. Esta es la mejor manera de agregar un poco más de valor y se va a leer como una forma más prominente. Ve con más cuidado por esos bordes para que puedas ver la diferencia entre uno y dos. Eso es todo. Podría aumentar valor a todo tipo de grados. Podrías agregar montones de pigmento y terminar con un muy oscuro, o simplemente podrías cambiarlo sutilmente si crees que solo necesita el ajuste más pequeño. El siguiente se llama ajuste de color. ver cómo he hecho un poco de mezcla de aceitunas para esta hoja aquí y creo que esta aceituna no está funcionando en mi pieza, me gustaría cambiarla a una más verde. Podrías ya sea porque estamos trabajando con esta aceituna, el color es como aquí dentro. Probablemente añadiría un poco más de lima o incluso un poco más de esmeralda, y eso va a cambiar ese color a un verde más brillante. Pero todavía va a tener los matices de la aceituna, que es una buena manera de pensar como crear un subtono a través de tu trabajo, realidad puedes leer a través sin que te des cuenta. Yo sólo voy a agarrar un poco más de esta esmeralda que tengo aquí y una bonita dilución otra vez, no demasiado pesada. Voy a pintar por encima. Se puede ver que no me estoy poniendo un verde recto, así que el verde es así, pero estoy agregando arriba, tienes un color completamente nuevo porque has mezclado visualmente los dos colores. No olvides torcer tu papel, es un poco más fácil acceder a esos ángulos. Ahí vamos. He ajustado el color y ahora su lectura es un poco más esmeralda a diferencia del color oliva con el que empezamos. Pero se puede ver que sigue relacionándose con los otros colores la página porque tiene el mismo subtono. El siguiente es uno que tiendo a usar mucho y realmente me encanta éste. Es sombreado. Básicamente puedes hacer una técnica húmeda sobre húmeda encima de una capa existente. Voy a dejar caer algo de color ahí para crear algo de sombreado. Voy a llenarlo todo con agua pura y clara. Porque estoy trabajando en un cuarto un poco cálido, voy a tener que trabajar bastante rápido porque se va a secar más rápido de lo que quiero. Voy a agarrar un poco de pigmento más oscuro, tal vez incluso un poco más del color esmeralda, para realmente mostrarte este apagado. Voy a dejarlo hasta el final aquí. A lo mejor cepillarlos si no se está moviendo de la manera que yo quiero. Podría dejar que eso se seque. Debido a que toda la zona está húmeda va a chupar y jalar través y ser un poco más de gradiente, gradual. Eso puedo animar un poco. Si consigues esas gotas así, creo que es algo común que puede pasar, la forma en que te has levantado el cepillo, terminas con esta gota de grasa de pigmento. Se puede fregar eso con el cepillo. O bien puedes agarrar un poco de toalla de papel y chupártela. Pero si todo está mojado, en realidad es que sí tienes el riesgo de interferencias, pero si tienes mucho cuidado, en realidad puedes levantar eso. Apenas un poquito, un poquito. Si está interrumpiendo la colocación de tu pigmento. Escribo para anotar nuestro título, eso es sombreado. Lo uso mucho para hojas donde quiero generar una curva o adjuntarlas a un tallo o simplemente tener más de ese hermoso efecto de acuarela. No trabajo a menudo súper plano así. Preferiría tener un poco más de una mezcla de colores ahí dentro. Si he representado una hoja o cualquier otra forma demasiado plana en mi trabajo, puedo añadir una capa secundaria donde traigo más sombreado. El siguiente, sólo voy a llamarlo detalle. Voy a agarrar mi pequeño pincel para éste en realidad. Agarra un poco de esta naranja tal vez, un poco de amarillo. Tienes que pensar de nuevo a tus bloques de construcción. Aquí es donde dejaron de venir los bloques de construcción, porque una vez que se va a acostarse y se puede agregar más información para darle más identificación. En este le voy a pintar las venas. Está básicamente mojado sobre seco. Ese está mojado sobre mojado y esto está mojado sobre seco. Obtenemos formas nítidas, formas específicas. Entonces has agregado más detalle. Ayuda que representen mejor en la página como una hoja. El final son las capas offset, que es otro de mis favoritos absolutos. Aquí es donde se empieza a obtener un poco más de flujo orgánico en su trabajo y realmente se puede aflojar. Es ser menos restrictivo o se puede decir que realmente me he referido a los bordes aquí. Ahora, los cerebros adultos aman los contornos y las formas fijas. Esto está tirando todo eso por la ventana y sólo vamos a pintar por encima de ella. Creo que esa es una de las grandes cosas pioneras que tiene que pasar cuando estás construyendo tus capas. Sé más experimental y usa ese coraje y ten una jugada con lo que puede pasar porque hasta hagas, a veces realmente no lo entiendes , necesitas poder verlo. Capas offset es literalmente, sólo voy a pintar tal vez una hoja espacial negativa sobre la parte superior, pero no perfectamente sobre. En realidad podría incluso hacer un poco de sombreado en ese también. Obtienes estas formas más irregulares en tu trabajo. Imagina muchos de esos alrededor. Entonces de repente tienes esta hermosa fluidez a través de todo. Espero que eso aclare algunas de las preguntas en torno a la estratificación. Esto no es de ninguna manera cada oportunidad con estratificación. Aquí sólo hemos hecho dos capas. En todos estos, una vez que se sequen de nuevo, podríamos construir una tercera, cuarta, quinta capa. Cuando estemos pensando en capas, no siempre asumas que tiene que ser una cobertura completa cada vez. Simplemente puedes agregar pequeños detalles aquí y allá. A partir de aquí, tenemos nuestros conceptos básicos parte abajo. Ahora vamos a empezar a pensar un poco más orgánicamente y empezar a ver realmente cómo se ven las múltiples capas en la página. 5. Capas Leafy simples: Acabamos de empezar a explorar un poco de todo esto de estratificación y empezamos a pensar en cómo podemos usar capas en nuestro trabajo. Este próximo pequeño ejercicio en realidad van a ser tres mini ejercicios. En realidad tengo el cuarto allí. Pequeña ronda de bonos. Deshazte de él. Vamos a hacer tres cosas diferentes usando capas de diferentes maneras, usando lavados planos simples pero con diferentes cantidades de pigmento, lo que significa rango total a través de cada uno. Puedes empezar a ver los beneficios de usar menos pigmento versus más pigmento. Similar a lo que hicimos en el último ejercicio, voy a trabajar en los tres simultáneamente, y ponerlos a un lado, y dejarlos secar entre cada capa. Voy a trabajar en 1, 2, 3, y luego volver a dar vuelta al primero de nuevo para que cuando esté listo para pintar, no vuelva a pintar sobre papel húmedo. Yo sólo los voy a poner a un lado por un minuto. Este, me voy a centrar en el tono de la luz como sea posible, así que realmente, realmente, realmente colores claros. Utilizo básicamente estos tres conceptos todos en uno y todos en formas intercambiables en mi propio trabajo. Este es súper delicado, y es tan bonito trabajar con él, y realmente resalta esa translucidez de la pintura. Voy a hacer sólo formas de hojas sueltas por todo aquí. Voy a seguir variando mis greens porque creo que cuando trabajamos demasiado plano, es un poco malo entrar en. Yo hago eso a veces cuando estoy siendo un poco perezoso, y creo que solo llámate para salir. Tienes una mezcla de tus colores. Mantén eso en movimiento. Vamos a hacer formas similares por todas partes. Hay un poco de polvo en mi pigmento del que hablaba en la sección de materiales. Yo sólo voy a seguir moviendo eso, tal vez poner un poco del magenta en el verde para conseguir esa aceituna. Básicamente son tres pequeños trazos de presión para crear estas formas de hoja. Nunca entres demasiado fuerte con el color porque vamos a construir la profundidad a través capas en lugar de ir realmente lleno con el color tan temprano. Simplemente mantén todos estos colores mezclando. Hago este pequeño verde secreto en el disco número 4, muchas veces olvidado. Tanto amor por estos verdes. Amar tener un pincel nuevo con el que trabajar. Tiene un punto tan bonito comparado con el que he estado batallando junto con. Un par más aquí abajo. Simplemente yendo así para espaciarlos uniformemente porque lo que voy a hacer es pintar capas futuras encima. Creo que eso es lo que más lucha la gente, es proyectar a dónde van a ir las capas. Creo que eso en su mayoría se va a lograr a través de la experiencia. Cuanto más lo hagas, más familiar te vas a quedar con cómo va a funcionar eso, y podrás preplanificar tus pinturas de esa manera. Eso probablemente sea bueno para ese. Yo sólo voy a poner ese a un lado y dejarlo secar. Ahora, para el siguiente, voy a ir todo lo contrario y trabajar súper pesado en mi pigmento. Ve tan básicamente como volumen completo como puedas. En realidad voy a ir a llegar directo por los morados y los azules porque son los pigmentos más fuertes de aquí y los que son demasiado fácilmente capaces de trabajar pesados, sobre todo cuando están mojados. Es tan fácil recoger tanto pigmento y no tienes ningún otro lugar para ir con él. Es difícil diluirlo de nuevo. Voy a conseguir algunos de estos ultra pesados pasando. Voy a sacudir un poco la forma. Podríamos también tener una obra aquí y expandirnos más allá de hacer lo mismo una y otra vez. Voy a pintar en un tallo poco con solo mi agarre vertical así. A lo mejor otro por ahí y por allá. Voy a pintar unas hojas pigmentadas muy pesadas por aquí. Otra fibra. ¿De dónde viene todo? Cuando tengo a mi perro en la habitación, es imposible porque es una pelota pelusa y simplemente va a todas partes. Si lo piensas, lo que estoy usando aquí son mucho esos bloques constructivos donde escribimos al principio. Son solo puntos y dabs para representar hojas a no demasiado exagerado en este punto. Déjame sacudir el color porque sigo terminando con el mismo tipo de colores pasando ahí. Ve con un poco de morado. Voy de verdad, de verdad, muy pesado con el color. ¿ A dónde voy a ir? A lo mejor un poco más azul. A lo mejor ése. Simplemente realmente metí mis pinturas ahí así que voy a tener que darles una limpieza más tarde. Tiendo a hacer eso mucho. Simplemente voy a recoger colores aleatorios. Siguen recibiendo hemorragias y cosas pasando pero ahí hay tanto pigmento que en realidad va a estar bastante activo incluso cuando lo moje de nuevo más tarde. Solo necesito equilibrar un poco este. A lo mejor poner uno por aquí. Ese es ese. Ahora, voy a poner eso a un lado, dejar que eso se seque también. Entonces el tercero de nuestros ejercicios en este. Tenemos ultraligero, muy translúcido, delicado, pesado, de carga pesada, mucho pigmento, muy oscuro. Entonces este te está dando un poco de combinaciones de ambos y podrías ser capaz ver cómo puedes empezar a construir algo de energía con estos. Pero en realidad voy a empezar para mi primera capa trabajando bastante ligero y luego voy a añadir más oscuro a medida que me meto en ella. Voy a cambiar ligeramente el ejercicio otra vez. Voy a crear un efecto en cascada de hojas que bajan, así que casi como hojas de chicle o una gran cascada de follaje que sale del árbol. De nuevo, trabajando la luz tranquila así. Consigue un poco de una mezcla de colores. Obtenemos estos tonos grises claros cuando mezclas el rojo y el azul juntos. Ponga algunas formas más grandes. A lo mejor mezclar todo eso juntos para conseguir una linda malva. Vuelve a mis greens. Ya puedes ver, cada vez que vuelvo a mi paleta, solo estoy utilizando algunos de los colores que ya he mezclado. Es así como empiezas a conseguir que un idioma vaya en tu trabajo también. Simplemente puedes seguir usando esos mismos colores en el stock. Cuando sigues buscando lo mismo una y otra vez, vincula las cosas. Cuando trabajo en una serie, guardo la misma paleta sucia todo el tiempo y eso ayuda a que los colores aparezcan todo a través de tu trabajo. A lo mejor hacer unos cuantos más aquí. Necesito más azul-y. Voy a poner ese a un lado ahora. Tengo algunas formas realmente básicas aquí. Estas no son obras emocionantes a mirar en este momento. Son bastante llanos, pero está consiguiendo la idea de que no estamos tratando de lograr una pintura completa en la primera sesión. Es más como bajar la primera capa, es muy básico, es muy básico, y luego construimos y construimos y construimos sobre ella para crear detalles más interesantes a medida que avanzamos en lugar de tratar de lograr en una sola sesión. Era algo que tenía que recablear en mis propias prácticas donde estaría impaciente y quisiera terminar todo, pero quedarme satisfecho con conseguir una capa abajo y sentirme realmente feliz con cómo se ve eso y emocionado por el siguiente paso. Ayuda a generar algo de energía en tu trabajo también. Eso definitivamente está amortiguado y eso acaba de ser pintado, así que definitivamente está húmedo también. Lo que voy a hacer es que sólo voy a hacer una pausa un momento, ponerlos a un lado y dejarlos secar, y luego volveré a ellos cuando estén absolutamente secos para poder pintar esa siguiente capa. Ya he puesto estos a un lado y lo dejo totalmente, completamente seco. Voy a dar vueltas atrás y volver a mi primer cuadro y trabajar unas capas más translúcidas. Podría mirar estos y luego creo que mucha gente querría luego ponerlos todos perfectamente entre los espacios, pero en realidad los vamos a capas por encima porque esto es lo que estamos tratando de aprender aquí. Voy a agarrar algunas capas translúcidas más ligeras, un pigmento bastante diluido que queremos. Voy a asegurarme de que me superponga todas las hojas cuando agrego la capa secundaria. Ese es bastante. Podría ir un poco más para el siguiente. Puedo ponerlo aquí arriba. Tengo los dedos en mi trabajo otra vez. Siempre tendré que ser consciente de eso. Voy a seguir cambiando esos colores, asegurándome de que todo funcione juntos. Básicamente voy a usar la capa secundaria para vincular todas estas hojas juntas. Se puede empezar a ver esas intersecciones y cómo pueden causar un trabajo potencialmente parecido. Esto es lo que pasa, es que hasta que lo visualizas, a veces simplemente no sabes realmente cómo va a funcionar. Si volviste a hacer este ejercicio, porque es nuestra acuarela amiguita, va a ser totalmente diferente, porque sólo tenemos tanto control sobre. Voy a agarrar un poco más de esa, voy a vincular estos dos. Estoy tratando de llenar poco a poco huecos así como conseguir un poco de una composición equilibrada pasando vinculando todos estos juntos. En realidad voy a hacer una tercera capa en esto también. Lo estoy guardando en el fondo de mi mente ya que estoy pintando porque necesito permitir espacio para la siguiente capa de hojas e intentar conseguir áreas donde pueda vincular tres capas juntas. Yo iré allí. Yo estoy tratando de ponerlos a todos en diferentes ángulos también, porque se obtiene esta agradable sensación revuelta. Creo que muchas mezclas del mismo tipo de blues y greens es realmente efectivo para este ejercicio. En realidad puedes hacerlo con todo un solo color también y solo tienes un efecto monótono que todavía se ve realmente bonito. A lo mejor uno enderezado ahí. Creo que son muchas como puedo apretar por una segunda capa sin tocar accidentalmente capas parcialmente amortiguadas, porque estas de aquí arriba que hice primero ya han empezado a secarse, así que voy a evitar tocar eso más y volver a ponerlo a un lado, y sumérgete en éste. Estoy apuntando a tres capas en esta. Cuando miro este sin embargo, estoy como, “¿Puedo agregar más? ¿ Quiero agregar más?” Probablemente podría agregar un poco más, pero no voy a tener ese efecto translúcido porque el pigmento es tan pesado que no tiene a dónde ir, así que todo lo que realmente puedo hacer es ahora que está seco es que puedo agregar hojas adicionales porque he tenido tiempo y espacio para mirarlo con ojos frescos, o si fuera a entonces agarrar un poco más de otro color, tal vez podría agregar uno aquí, pero se puede ver, realmente no consiga tanto del efecto superpuesto que está sucediendo. Puede ser un poco decepcionante. Este es un pequeño recordatorio de que cuando trabajas realmente pesado con tu pigmento, puede ser perjudicial desde el principio. Trabaja más ligero y luego construye en los oscuros. Entonces solo voy a agregar unos cuantos más aquí solo para realmente correr ese hogar. Las capas secundarias no siempre tienen que superponerse a las capas anteriores. Esa es otra cosa a tener en cuenta. Sólo voy a agregar unos pequeños puntos y dabs y un poco de bloques de construcción solo para crear un poco más de interés porque en general estas piezas me parece un poco planas, es muy, muy monocromo, muy pesado. Hay momentos en los que esto es útil, pero tal vez no para todo el trabajo porque es tan denso. Ahora voy a hacer estallar esa a un lado. En realidad, probablemente voy a poner eso a un lado completo y no volverlo a tocar porque si solo seguí con la tercera capa, es más pigmento, más pesadez, y no creo que eso realmente vaya a beneficiar el trabajo. A mi tercera, donde voy a tener un surtido, como una mezcla completa de gama de colores. Yo quiero mostrarte algunas cosas diferentes que puedes hacer con este ejercicio. Vamos a poner un azul aquí. Ahora porque estas hojas están secas, puedo pintar alrededor de ellas y no se van a sangrar el uno al otro. Puedo [inaudible] justo hasta el borde y no va a sangrar. Es realmente bueno si quieres una forma realmente sólida, pero tienes tonos variables. Si eso estuviera mojado, se sangrará el uno al otro y tendrías solo un charco. Por lo que este es uno de los bonitos beneficios de estratificar y después tener esa paciencia es tener el espacio para permitirle pintar alrededor de las formas. Yo también iré allá. Crea casi como un efecto de espacio negativo. Tengo un poco más. Estoy pintando algunas otras hojas. Podría hacer otra hoja aquí abajo que realce la punta de esa. Pinta eso hacia abajo. Agarra un poco más verde o algo así. Voy con un verde un poco más fuerte esta vez. Podría incluso añadir otro aquí solo para crear el siguiente aquí atrás de las hojas. Así. Se puede conseguir realmente nítido y preciso con esto también. Especialmente si se cepilla [inaudible], se puede conseguir algunas formas realmente bonitas. Yo sólo voy a quitarme eso al borde de la página. Necesito otro color. A lo mejor conseguir un poco de marrón en la mezcla. Consigue más aceituna yendo. Yo me voy a quitar uno hasta el filo aquí. Ahí hay una huella dactilar. Disculpe. Entonces podría simplemente hacer una más aquí. No me preocupa mucho conectar todo. No estoy pintando nada. Es más solo generar la idea de lo que sucede cuando introducimos múltiples capas en una forma. Podría simplemente hacer una pequeña ahí. [ inaudible] un poco demasiado. Yo sólo quería casarme un poco en ese azul porque estaba destacando solo. Ahí arriba estaba solitario. Esa es mi capa secundaria ahí abajo. Se puede ver que en realidad no he intersectado nada en absoluto, pero he podido trabajar alrededor de formas que antes estaban pintadas porque están secas y no hay riesgo de que se sangren entre sí. Una vez más, voy a hacer una pausa y dejar que estos dos se sequen, y luego voy a volver atrás y hacer la tercera capa. Entonces eran dos. Voy a volver a este e intentar la tercera capa ahí. Nuevamente, simplemente yendo con los mismos tonos claros ahí encima, y vas a conseguir esta acumulacion de una capa adicional donde vas a conseguir aún más intersecciones y más interés. Va a conseguir algunas variedades más de greens pasando aquí. Tengo todo tipo de sopas verdes. Ligeramente diferente. Probablemente va: “¿Por qué sólo va entre esos tres?” Pero estoy coleccionando el más mínimo poco de tono diferente cada vez. Mi objetivo aquí es hacer la ocasional intersección de tres vías, así que justo ahí. Va a haber una pequeña área donde hay tres capas translúcidas de acuarela. Entonces básicamente voy a trabajar a mi manera y sentir cualquier espacio incómodo con algunas formas de hoja más. Podría hacer muchas cosas aquí. Podría hacer otra intersección de tres capas. Agrega un poco de azul ahí dentro, tal vez aquí. Es muy difícil adelantarse a cómo se verán las cosas cuando trabajes con capas. Entonces ejercicios como estos son tan beneficiosos porque empiezas a ir, vale, si uso hasta el más mínimo demasiado pigmento, voy a perder esa translucidez. Pero obtienes las marcas más increíbles a medida que te vas avanzando, y creo que es sólo un aspecto tan hermoso para las acuarelas. Tal vez está subestimado con los principiantes o mal entendido con los principiantes. Vámonos uno aquí. Ese no tiene intersección de tres vías, pero es un hueco que quería llenar. No es crucial que llenes cada Hall, y tampoco es crucial que cubras más capas, incluso podría hacer una completamente apagado. Esa sigue siendo la tercera capa porque te has dado tiempo y espacio para tener un poco de pensar, reanalizar con qué áreas quieres tener una obra de teatro y en dónde quieres trabajar. Déjame ponerlo ahí. Un poco de coraje ahí. Creo que dejé ese color, así que voy a poner un poco más de eso por aquí, y redondear este. Se puede ver que a veces doy un paso atrás, y un poco de distancia es lo que puede ser una verdadera clave porque si estás trabajando súper de cerca y poniéndote realmente analítico, creo que pierdes un poco de contexto. Tener ese espacio, puedo decir, vale, hay un agujero aquí, definitivamente quiero llenar eso, así que ese va a ser mi siguiente paso. Entonces tal vez necesito reanalizar a dónde voy a ir a continuación antes de colocar más pigmento. Uno de los beneficios masivos de trabajar con capas es que se puede trabajar de manera más gradual, y realmente se puede analizar el trabajo entre cada pieza también, y en cada capa, se puede traer un poco de otra cosa. Ahí está esa. ¿Sabes qué? Creo que eso está más o menos ahí, creo que ya está hecho. Ya no quiero tocar eso. Se siente como sólo un poco de un tipo casual de camada de hojas abstractas. Creo que me gusta particularmente esta zona aquí donde hay esas múltiples intersecciones y es probablemente cuando más me atraen los ojos. Eso es algo a tener en cuenta también, es cuando tienes múltiples capas y tienes mucha información que se genera en un área en particular, eso crea energía y te atraerá la mirada. Puedes controlar por dónde pasa eso por dónde y cuándo intersectas tus capas. Voy a reventar ese de ahí y luego me voy a sumergir nuevo en este un apuro. Consigue algunos más de estos yendo. Este lo voy a pensar realmente suelto. Soy un poco como estas que me he metido atrás, hace las cosas un poco rígidas y probablemente me he ido un poco demasiado cautelosamente con ellas, así que sólo voy a ir un poco suelto sobre la parte superior y tal vez con unos colores fuertes como bien. morado en tu verde siempre es agradable para conseguir estos lindos azules. Voy a hacer capas offset sobre la parte superior solo para crear un poco más de interés aquí. Voy a ir un poco salvaje y sólo a ver qué pasa. Si me gusta un lote de color oddball al azar que morado, por lo general trato de utilizarla en unos pocos lugares así que no es como un independiente como, “Woah, ¿qué hizo ahí?” Puede parecer un error, pero en cuanto incorporas un error dos o tres veces, entonces ya no es un error. Es sólo un giro de trama. Agrega unos cuantos hits más aquí y allá. Bloques de construcción. Mis bloques de construcción tienden a hacerse más pequeños cuanto más profundo me meto en un cuadro. Algo a tener en cuenta es que mis capas base son estructuras amplias sobre las que construyo. A medida que me hago cada vez más pequeño, mis bloques de construcción se ponen más pequeños y más pequeños. Tan solo consigue un poco de acción flyaway ahí dentro. Necesito sólo un par de formas oscuras más ahí dentro. Este, cuando trabajas con tanto color y tono dinámicos, generas montones más energía. En realidad sólo voy a hacer algo más escenografía tipo de color. Tienes tu naranja que es opuesta al azul, así que solo voy a añadir eso por un poquito de energía, pero voy a derribar a un cerdo mezclándolo con un poco de azul como ese y enloquece todo mi pellet enseguida. Esto ayuda con un poco y energía también. Unos pequeños toques más de bloques de construcción y bailes alrededor de la página. Ahí están nuestras tres técnicas diferentes de uso de capas. Esta, simples capas translúcidas muy puntualmente puestas una encima de la otra para tratar de generar esas láminas de celofán como he descrito. Nuestro pigmento pesado, súper práctico para cuando queremos crear contraste. Pero entonces si vamos demasiado pesados, demasiado temprano, no tenemos camino por recorrer. Entonces tenemos que tener un trabajo más dinámico de alta energía donde tengamos color, tono, montones de movimiento. Probablemente estás mirando todos estos y diciendo : “Se parece muchísimo a tu trabajo aquí atrás”. Es porque eso es lo que me he roto para crear estas tres cositas. Cuando estoy trabajando, estoy integrando los tres juntos. Se puede ver que tengo tonos bastante pesados. he agregado en última vez porque son las cosas que puedes agregar profundidad después. Es muy duro trabajar hacia atrás desde. Se puede restar acuarela, sólo se puede agregar. Entonces es una especie de método aditivo y me acuesto a él en lugar de ir demasiado pesado demasiado pronto. Entonces algunos de estos tonos claros son de luz súper duper, y les he permitido, a pesar de que en la naturaleza no necesariamente siempre se puede ver a través de ellos, crea un efecto realmente hermoso. Entonces he usado un rango realmente dinámico de color e interacción de colores complementarios y rango tonal, algo así, para crear ese flujo hasta trabajar así. Desde aquí, hemos tenido una pequeña jugada con cómo podemos jugar con tu estratificación. Tengo un pequeño ejercicio realmente divertido, no puedo esperar para enseñarte. Está relacionado con el espacio negativo, que sé que mucha gente tiene un poco de un ataque al corazón, pero te prometo, realmente lo vas a disfrutar. 6. Espacio negativo: Acabamos de echar un vistazo a algunas capas frondosas simples. Ahora vamos a empezar a explorar otra pequeña avenida llamada espacio negativo con estratificación y este es un ejercicio tan divertido. No puedo esperar a compartirlo contigo. o menos no quiero llamarlo temprano pero garantizados buenos resultados. Vamos a necesitar una regla, lápiz, cinta de pintor, y tal vez una goma de borrar por si acaso. Básicamente voy a hacer un cuadrado de 12 por 12 centímetros aproximadamente o cinco pulgadas si estás en el sistema imperial. Yo sólo voy a medir realmente un cuadrado y voy a crear un cuadrado flotante en medio de la página y voy a enmascarar esa zona. Esta es una técnica que puede ser súper hermosa para trabajar porque te vas a quedar con este borde blanco alrededor de los bordes. Acabo de marcar 4.5 centímetros en cada extremo. Voy a dejar mis líneas de lápiz adentro y borrarlas muy último cuando todo esté seco. Línea de lápiz ahí dentro. No voy muy pesado con mis líneas de lápiz, más ligero es mejor porque significa que estás entorpeciendo la página y cuando borres no te quedarán estos canales en el papel. Voy lo más humanamente posible. Lo siento, desde la parte superior de mi página, voy ocho centímetros abajo, que es como tres pulgadas, pero estoy trabajando A4, así que si eres una letra prensa y entonces vas a necesitar ajustar las medidas en consecuencia. Ocho centímetros abajo. Déjame comprobar que definitivamente tengo 12 centímetros. Lo estoy mareando al exceso de velocidad mi papel alrededor tanto. 12 centímetros. Entonces voy a bajar 12 centímetros aquí y aquí y medir eso también. Perfecto. Ahí está mi plaza. Los pongo a un lado porque ya están terminados. Ahora, tengo un área más grande en la parte inferior y un área más corta en la parte superior ahí. Es un poco más al fondo. Esa es una técnica de framers realmente clásica. Cuando los tienes un poco más alto en el marco, se ve un poco más equilibrado, si tenías eso perfectamente centrado, tiende a lucir fondo en blanco pesado cuando lo pones en la pared. Ya basta de esto chicos. Esta es la cinta baja la podemos reemplazar si necesitamos, voy a agarrar una longitud que va más allá del ancho de mi cuadrado y la voy a tirar realmente apretada y ponerla justo a esa línea de lápiz de ahí. Entonces el truco con este es, si solo usas los dedos para ir y empujar eso hacia abajo así, no va a sentir cada brecha del cerro y valle en el papel, así que tiendo a sacarme la parte posterior de mi uña y simplemente correr eso como eso. Puedes hacerlo con una cuchara. Mis pinceles de pintura negra en realidad dejan una marca negra, pero solía usar mi pincel para ir y ir así a lo largo del borde. Simplemente ayuda a llenar la cinta en esos cerros y valles para que puedas asegurarte de que no haya sangrado debajo del tipo porque es muy decepcionante cuando levantas la cinta y se sangra debajo. Voy a trabajar a mi manera y hacer eso por el resto de los bordes, mismo trato. ¿Cómo lo estaba haciendo? Mi clavo. Estoy evitando meterme los dedos en el área central porque ahí es donde estaré pintando. Yo sólo voy a seguir centrándome así. También son importantes las esquinas porque es capa adhesiva duplicada, por lo que eso puede causar un problema, demasiada presión y dejarás una hendidura en el papel sin embargo. Tampoco quieres hacer eso. Es un poco agitada, pero definitivamente vale la pena el resultado final. [ inaudible] Básicamente lo que he hecho es que esta es mi área de lona y el resto se va a enmascarar. Cuando pele esto hacia arriba, voy a tener este hermoso borde crujiente a la obra de arte, solo puede realmente juntar una pieza o llevarla a un nivel completamente nuevo. Para comenzar este trabajo, muy primera capa en realidad va a ser la capa que se revela como la capa más alta. las cosas que son las más positivas. Voy a ir muy suavemente y pintar en un color azul muy claro. En realidad voy a hacer un poco de mezcla de colores. Voy a cambiarlo continuamente de diferentes tonos de azul. Simplemente sigue mezclándolo juntos. Traeré un poco de riego, mantenerlo muy ligero en el escenario porque nos vamos a oscurecer y oscurecer a medida que avanzamos. Simplemente sigue cambiando pedacitos de azulado, morado tal vez un poco de granulado. Mantén eso en marcha. Sólo estoy usando los dedos en la cinta para abrazar la página o no se va volando y lo arruino. A lo mejor un poco más de ese color púrpura se veía bien. Pintar hasta los bordes. Me he perdido un par de spots justo ahí, ya. Entonces si te encanta el look de las flores y las cuchillas en la pintura, esta es una pequeña técnica bonita para solo generar un poco más de irregularidad sin secados porque solo voy a poner en realidad unas gotitas limpias al agua. Esa es nuestra primera capa hecha. Ni siquiera he explicado lo que estamos haciendo todavía, pero quiero ser un poco misterioso. Voy a dejar que éste se seque y vuelva una vez más, totalmente seco al hueso. ¿ Dónde está esa gente de paciencia? Vale la pena, te lo prometo. Volveré pronto. Tengo esta primera capa totalmente seca ahora, y voy a tener que darte un poco de pista hacia dónde va esto. Voy a usar una flor de margarita australiana llamada flor de franela como mi inspiración. Básicamente vamos a cortar formas de espacio negativas y crear este increíble efecto de profundidades haciendo estas. El primer lápiz que voy a hacer es la capa más alta de nuestras margaritas. Entonces vamos a pintar alrededor de los exteriores de ellos para ayudar a generar ese efecto espacial negativo. Básicamente voy a dibujar un círculo y luego es igual que la linterna clásica, pero una franela tiene extremos puntiagudos, esa es realmente la principal diferencia. Vamos a colorear esto. El lápiz que en realidad ves por la pista. Esta es una práctica para tener una jugada. Yo sólo voy a añadir unas cuantas flores más. Realmente ligeramente con el lápiz. A lo mejor un pequeño colgando del final ahí y tal vez uno más aquí arriba. Es mejor ir y dejar un poco de espacio porque vamos a generar más flores a medida que vamos profundizando en las capas. No se quiere llenar todo el espacio en esta etapa. Creo que eso es bastante bueno. Voy a dejarlo ahí. Ahora, para algunos de este tipo de espacios, definitivamente recomiendo usar tu pequeño pincel para que puedas meterte en esos rincones y hendiduras. Para los espacios más grandes, todavía voy a trabajar con estos pincel más grande. Voy a hacer tal vez solo una mezcla un poco más pigmentada aquí así que un poco más oscura, pero de nuevo, sigue cambiando, para que haya un montón de variantes en color en los caminos a través. No hace falta sólo un poquito más. Eso es bueno. Tienes que trabajar bastante rápido porque estamos trabajando alrededor de las formas que hemos dibujado y vamos a llamar la atención sobre los espacios negativos que quedan atrás. Hacer estas tres capas es una manera tan hermosa de usar esta técnica porque solo obtienes los resultados más fascinantes. Un poco más azul. Las hojas de estas flores son estas hermosas plateadas azul-gris, eso es lo que es para mí la referencia azul. Simplemente me encanta cómo se ven en la naturaleza porque son crudas, blancas grisáceas y son tan hermosas. Toma un poco de paciencia. Sí, esa es esa palabra otra vez, para realmente cubrir bien todos estos espacios. Whoa, un poco demasiado pigmento ahí, un poco de púrpura, sólo para mantener las cosas en movimiento. Si tienes que volver a una zona que está incluso un poco seca como esta línea dura aquí, solo seguiré trabajando de nuevo en ella, y puedes mantener ese borde abajo, y eso evitará que se arregle en la página, que se va a ver un poco divertido porque puedes terminar con es línea incómoda a través de la mitad de tu trabajo donde has pausado. Voy a tener que cambiar a mi pequeño pincel para pasar por esta sección apretada aquí. Interruptor rápido. Nuevamente, no olvides que esa página no está fija a la mesa porque eso realmente te va a ayudar a meterte en esos rincones más estrechos un poco más fácil. Sigue siguiendo como alrededor del exterior de tus líneas de lápiz. Al final, vamos a borrar cualquier línea visual de lápiz. La mayoría de las veces que he hecho este ejercicio, las líneas mismas realmente desaparecen en la pintura, y ni siquiera se dan cuenta de ellas. A los únicos que borras son la caja que estamos pintando alrededor. Lleva un poco de tiempo porque es un poco agitada. Solo estoy usando la punta más de este pincel mucho de esto solo para meterme en esos espacios estrechos. Rompe esa línea hacia abajo con un poco de fregado. Fregar, hecho literalmente solo burlarse de la superficie del papel para agitar el pigmento que ya existe ahí, y puede activarlo y traerlo de vuelta a un lugar viable. Llénate a este pequeñito. Baja al fondo aquí, tengo un poco más de una continuación de color verde ahí. Última pequeña sección para ésta. No he hecho ni una cosa. Yo quiero hacer estos centros porque eso va a hacer realmente que se parezcan más a lo que son. Yo sólo voy a definir un poco este centro pintando alrededor del borde. Le da un poco de efecto 3D, y disfraza un poco más de ese lápiz. Es bonito si puede recolectar parte de la pintura húmeda de su trabajo espacial negativo también. Una vez más, llegó a esperar a que eso se secara. Sólo voy a poner eso a un lado, distraerme un momento y volver a él cuando esté completamente seco. Esto está seco ahora, y aquí es donde lo del espacio negativo puede ponerse un poco de la mente doblada. Lo que vamos a hacer es lápiz en algunas flores más, y luego vamos a restar las existentes y las nuevas y sólo pintar ese fondo. Está quitando más fondo, y vamos a pintar más pigmento ahí dentro para crear un poco más de profundidad. Voy a hacer tal vez una aquí mismo, y se superpone e interactúa con las otras flores existentes como súper efectivas, porque lo que va a hacer es hacer que las más altas sean las más brillantes y todo lo demás debajo de ellas va para retroceder. Voy a dibujar puntualmente unas flores que cruzan por la derecha y dejar algunos pedacitos complicados para que yo pinte. Pero ahí es donde pasa lo bueno. A lo mejor uno ahí dentro. Yo voy a hacer esta, y luego voy a hacer otra, así que cada vez tendrás esta reducción. A lo mejor sólo un par de pétalos aquí arriba se vería bien. Ahora, me voy a volver a pintar. Podría tener que reducirme al pequeño pincel porque tengo brechas aún más estrechas en las que meterme. Voy a usar una cantidad similar de pigmento que la última vez. Porque estamos haciendo esta cosa aditiva, y vamos a seguir agregando valor agregando más pigmento en la parte superior, no necesito aumentar la cantidad de pigmento con el que estoy trabajando porque se multiplica hacia abajo con toda esa translucidez y conseguir un bonito azul en marcha. Si tengo un área verde aquí, es agradable entremezclar algunos de los colores, por lo que podrías golpear un poco más verde y luego más azul, y tener ese cambio pasando, y eso puede crear un poco de magia hacia el final también. A través de las capas translúcidas, se pueden ver todos los turnos. Se va a poner este poquito realmente incómodo ahí dentro. Tener este bonito consejo puntiagudo en mi nuevo pincel es muy útil en este momento. Entonces estoy pintando alrededor de cada forma que no está lapicada. Frota eso en esta ráfaga de líneas de lápiz. A lo mejor ir un poco más morado ahí dentro. Aquí, tenemos una pintura hasta el área de pétalos de ahí, y para ayudar a definir encontrar flor retrocediendo. Mantén eso yendo por ahí. Es probar toda mi paciencia sólo siendo así de apretado que tratando de conseguir que sucediera toda esta pequeña intersección perfecta. Debería decir que en realidad no soy la persona más paciente y por eso he tenido que inventar tantos trucos para distraerme mientras estoy trabajando, porque de lo contrario trabajaré en algo demasiado rápido o demasiado, y luego no hay vuelta atrás, así que he arruinado demasiadas obras trabajando de esta manera. He tenido entrenarme para refrescarme cuando estoy trabajando en áreas húmedas, sobre todo porque solo quiero seguir trabajando, así que en cambio voy a trabajar en otra pieza en lugar de soldar con algo que está demasiado húmedo. Es muy difícil animarte a hacer. Pintar a ese pequeño hueco ahí dentro. Voy a revelar otra flor aquí. Necesito algunos greens conforme vamos por aquí, caben en estos rincones y hendiduras. Ni siquiera estoy siendo demasiado cuidadoso al respecto. Simplemente no creo que eso esté en mi naturaleza ser demasiado cuidadoso, y aun así obtienes un resultado realmente bueno. Si eres realmente súper aseado y ordenado, puedes conseguir obviamente formas muy nítidas, pero estoy siendo lo más cuidadoso que puedo ser. Va a ser diferente para todos. Me he perdido alguna parte. Me he echado de menos ahí dentro. Simplemente empieza a llover afuera. Vuelve a entrar ahí. ¿ Se puede empezar a ver a dónde va esto? Creo que esta es una de esas cosas hasta que está terminada, es muy difícil visualizar dónde va a terminar. Pero te puedo prometer que es tan bueno. Es muy efectivo, y me encanta usar esto en mi propio trabajo. Sigue cambiando esos colores, no importa si te vas a los bordes porque vamos a pelar toda esa pintura, pero trata de no ir más allá del amarillo porque obviamente volverás a golpear la página. Descubierto hasta ese punto y luego menos pintura sobre él. Estaba fino triángulo ahí dentro. Es un poco difícil de controlar si eres alguien que trabaja con mucha agua porque esos pétalos se van a desbordar hacia ciertas áreas. Es un buen truco para gestionar tu volumen de agua también y tu control de agua. Copia de seguridad en este tipo de aquí arriba. Pintar este rincón. Hay uno más revelado, el menos poco final aquí para ir. No quiero oscurecerme demasiado porque entonces no tienes a dónde ir. Tienes que dejar unas puertas abiertas para ti. Haz esa. Yo no lo creo. Simplemente hazlo de nuevo por si acaso. Ahora acaba de conseguir esta última pequeña área central y luego voy a tener que dejarla secar otra vez. Antes de que me olvide, mejor pinto esos centros. Tengo uno aquí, uno aquí, uno aquí, y eso es todo. Es hora de dejar que ese se seque. Voy a volver y hacer una capa final, que va a ser la capa más profunda del mole y realmente simplemente correctamente [inaudible]. Una vez más, agradable y seco. Voy a hacer una última capa sobre esto. Esta va a ser la guinda del pastel. Nuevamente, yendo a dibujar algunas flores de relleno entre y detrás de las existentes. Tengo que conseguir que ese pequeño cepillado funcione a todos estos pequeños huecos, pero luego se va a sacar a todos esos montones de unos hacia adelante y realmente darle algo de profundidad, que me encanta de este ejercicio. Esto con mi lápiz saltando de nuevo, dibujando algún tipo, formas locas ahora porque no queda mucho espacio. Ni siquiera tienes que hacer demasiados con estos últimos. Todavía vas a conseguir los efectos. Podría poner uno ahí dentro. Ups. Necesito mi borrador para esa, se pasó. Yo solo quiero asegurarme de que tengo unas líneas claras muy bonitas para que yo siga. medida que se oscurece, a veces necesitas el lote para brillar en tu plomo gris-rojo puedes ver dónde has colocado tus flores. Yo también voy a hacer algunas formas fuera a un lado. Todo corre hacia un costado. No quieres que se vea demasiado contenido. Eso realmente puede ayudar con este sentimiento también. Necesito agregar una línea más aquí. Eso va a ser algo complicado para mí, pero estoy listo para el reto. No pongas eso ahí dentro. Una vez más, voy a ir con sólo tal vez el más mínimo pigmento un poco más oscuro esta vez porque esta va a ser la capa que más reciba. Está permitido ser un poco más oscuro. Voy a añadir un poco más. Eso va a estallar realmente para las primeras capas. Las que pintamos inicialmente, que en realidad acabamos de pintar alrededor de todo el tiempo. Cortar aquí un poco agitadamente esta última capa, pero vale la pena. Parece que estoy a punto de volver el papel porque mi cara está tan cerca, pero me ayuda a ver exactamente a dónde tengo que ir. Yo sólo puedo conseguir algo de esto directo aquí arriba. ¿ Dónde está mi próxima flor? No es el camino hasta esto. Necesito pintar esto entonces. Cada capa es menos pintura pero más agitada porque hay que recorrer más áreas. Ahora estamos hasta esta flor aquí arriba. Yo sólo voy a ir por aquí. estos rincones pequeños. ¿ Qué hay de uno ahí? Necesito uno ahí dentro. A lo mejor un poco de pintura. ¿A dónde voy a ir? Termina a este tipo. Asegúrate de obtener las formas siempre pequeñas entre medias. Ahí es en realidad donde sucede la magia y realmente revela la forma. Va a hacer ese centro aquí, bueno, está tan mojado. Tengo otro aquí dentro. Yo trazo ahí una línea. En realidad voy a tener que meterme en esa pequeña brecha superior de ahí también. Es una capa anterior. Tengo un punto ahí para dar la vuelta. Cuanto más cruz corro, más se cruzan las flores. Hace que la pintura sea más compleja, pero hace que el efecto general sea realmente bueno. Merece la pena ir al esfuerzo de conseguir mucho crossover entre estas formas hace que el efecto realmente destaque. Tan nerviosamente como lo es. Ahí hay otro centro, necesito un poco de verde por ahí porque estoy usando mucho morado, y podría parecer demasiado de una manera u otra. Voy a traer esto aquí arriba. ¿ Tengo algo que cruzar? No. Pintar en ese pequeño hueco de ahí. Entonces tengo a otra margarita para ir por aquí arriba, y alrededor de esta existente. Acabo de repasar uno de mis pétalos, está bien, eso sólo va a tener que ser un poco flaco o tal vez me deshaga del todo. Simplemente finge que eso no pasó, ahí vamos. Siempre cometiendo pequeños errores, pero a veces se trata de rodar con ellos y aceptarlos en contraposición a pensar en obras completamente ruinas. Sólo que alguna vez voy a notar que falta un pétalo en esta flor. ese pequeño hueco apretado allá arriba también. Un poco más de concentración con ésta ahora, porque la he metido en algunos huecos súper apretados. siguiente está ahí, así que solo voy a preplanear cómo voy a acercarme a él trayéndolo a tal vez más lugar morado porque será el morado será más oscuro. Yo quiero traer eso porque es la mitad inferior del papel, voy a bajar eso a oscurecer allá abajo. Está bien, tengo que traer eso. Consciente de esa próxima flor. Tengo tanto pigmento en mi cepillo, solo necesitaba un poco de agua que en realidad lo mantuviera en movimiento. Entonces trae eso, casi ahí. Arriba en este, pequeño hueco ahí dentro. Poco como un rompecabezas. Tengo la mitad inferior de ésta. Mejor gíralo, de lo contrario lo voy a terminar con la mano en él. ¿ Qué me he perdido? El de este poquito aquí y luego creo que ya terminé, solo tengo que hacer los centros. Yo sólo voy a pintar estos centros en. Uno ahí. A cinco minutos de pintar los centros en, sí realza realmente el hecho de que se ven como flores. No es totalmente esencial si solo quieres formas de margarita y en realidad puedes hacer esto con cualquier cosa, cualquier forma. Puedes hacerlo con sombreros, puedes hacerlo con hojas, puedes hacerlo con cualquier cosa. Ese es el trabajo, pero en realidad no está terminado hasta que saquemos esa cinta. Idealmente, esperarías a que se seque porque entonces no hay riesgo de que estas pinturas húmedas en el borde se metan en tu página, pero estoy demasiado emocionado, así que quiero meterme en ello ahora. Voy a recoger este filo aquí porque eso es lo que ya se levanta. Asegúrate de tener las manos limpias, no hay nada más frustrante que ir a despegarla, y luego te pongas azul afuera porque queremos estas lindas líneas crujientes, y me encanta esto. Es tan satisfactorio, sacando esto. Tiendo a tirar a través de la obra, en caso de que haya pintura en la cinta así. Mira esa línea, sí. Asegúrese de que la cinta no toque la página. Desechar de inmediato. De nuevo, asegúrate de que tus manos estén limpias. Tire de ésa. Eso va a ir directo al siguiente bit. Yo sólo voy a enrollarme sobre sí mismo, con mucho cuidado. Me encanta esta técnica de enmascaramiento sin embargo, porque simplemente consigues realmente hermoso ponche de color con esta línea súper refinada alrededor del borde exterior. Volvamos a doblar eso hacia abajo sobre sí mismo otra vez. Está tenso. Consigue este último golpe apagado. Intensidad que va a trabajar. Ahí vamos. Lo último que haría con este es en realidad esperar a que esté completamente seco y borrar todas estas líneas. Pero hay que esperar porque si le llevaras el borrador ahora mismo, accidentalmente dejarías algo de ese azul y lo mancharas por todas partes. Mejor incluso solo dejarlo por una hora, si te preocupa en absoluto. Creo que esto es algo tan bonito para practicar y es muy bueno para envolver la cabeza. No sólo estratificando ese espacio negativo. Que mi reto para ti sería crear una pequeña serie y pensar en colocar las flores de manera diferente en cada una. Eso puede ser suficiente para que un cuerpo de trabajo realmente cuelgue juntos. Pero esto es tan hermoso, me encanta éste. De verdad no puedo esperar a ver qué se les ocurre ustedes. A partir de aquí, en realidad vamos a iniciar una conversación sobre trabajar con fotos. Creo que esto es algo que no se discute con suficiente frecuencia, especialmente en el mundo creativo y los derechos de autor de las personas y cosas como ésta. Entrémonos en eso antes de que empecemos nuestro proyecto final. 7. Trabajar con fotos: Acabamos de jugar un poco y creamos algunas hermosas obras de espacio de nombres. Algo que quería cubrir antes de saltar a nuestros proyectos finales está funcionando desde fotos. Hay un par de cosas que quería abordar aquí, porque estas fotos aquí son todas fotos que he tomado para mí. Son fotos que tomo en el piso, en mi teléfono, o cuando tengo mi cámara fuera, cuando estoy fuera por atrás, en la naturaleza, en los jardines de la gente, en todas partes tomo fotos todo el tiempo porque esta es la forma más segura de crear puntos de referencia para ti. No es prudente ir a Google y simplemente tomar la foto y el trabajo de alguien de eso, y replicar a partir de eso porque eso es un tema de derechos de autor. No voy a ir demasiado específico al copyright porque son reglas diferentes en todo el mundo, pero simplemente no quiero sugerir eso como una buena manera de seguir creando trabajo. Te recomiendo si quieres trabajar desde fotos, trabajar desde tus propias fotos o trabajar desde una fuente segura que has encontrado en línea que las licencias te son aplicables. Trabajar desde fotos tiene pros y contras, y entramos mucho en el trabajo desde una muestra o un corte en vivo y bienvenidos a la acuarela. Es por ello que quería enfocarme en trabajar a partir de unas fotos en este curso en particular. Hay limitaciones, pero también hay oportunidades y es solo asegurarte de que estés trabajando en ambas cosas a medida que avanzamos. Trabajando desde fotos, estás trabajando a través de ella desde una cosa estática. Es hoy, es plano. Sí, tienes vida y color ahí dentro, pero la cantidad de veces que la gente se cuelga tanto replicar las cosas idénticas y todo lo que hay ahí, se ponen muy rígidos y apretados. Es muy difícil llevar unas lecciones artísticas a una foto incluso cuando la hayas tomado tú mismo porque es un lote existente. Empezaremos con este de aquí. De esta dirección viene la fuente de luz. El cultivo es bastante enseñado, los colores son súper vibrantes. Apagas automáticamente un poco de tus lecciones creativas tan pronto como comienzas a trabajar directamente desde una foto. Tengo toda una selección aquí. En realidad voy a escoger tres para hacer mi proyecto final con. Tengo todo tipo, ¿qué quiero hacer? A ver. En realidad voy con estos tres. Estos son más bonitos. Incluiré todos estos en el paquete de descarga, así que son bienvenidos a usar mis fotos para pintar junto con este curso. No me importa si los usas. Eso está totalmente bien. Estos, voy a recoger aquí una margarita de papel, una banksia, y el wattle. Para mi proyecto final, básicamente voy a hacer un poco en miniatura con cada uno de estos y quiero trabajar con ellos para que estén vinculados entre sí y esencialmente se convierta un poco de serie. Cada uno tiene sus propias propiedades únicas cuando se trata de capas. De verdad quiero estirarte y hacerte explorar todas estas avenidas. Con toda esta pila aquí, hay tantas maneras diferentes de explorar tus capas y realmente quiero desafiarte a que no solo hagas necesariamente las que he escogido sino que escojas cualquiera que te atraiga. Cuando estoy trabajando desde una foto, me gusta tener la foto cerca, pero también me gusta hacer un boceto de la misma porque eso ayuda puede traducirse a la página. Me ayuda a cosechar, me ayuda a trabajar por dónde empezar a veces incluso. Yo lo voy a hacer así. Es una parte importante del proceso porque elimina estos dos Dan's que estamos viendo aquí y te ayuda a conseguir un poco más de expresión en la página. Al trabajar desde una foto, creo que lo más grande contra lo que la gente se enfrenta es, porque siempre me gusta aislar mi trabajo en una página, como sacar una parte de una foto en lugar de poner todo el fondo en y simplemente poniendo demasiado color ahí dentro. Yo quiero intentarlo y es casi como una ilustración botánica cuando estás sacando el tema hacia adelante o completamente fuera de su propio fondo. Si es algo así, puede que no necesariamente pinte toda la obra. Podría aislar aquí una sección que me atrae y me gustan esas formas. A mí me gustan esos colores. Creo que cosecharía muy bien. Lo mismo aquí con estos banksia. Ya sea que estos top humedezcan sea relevante o necesario, probablemente lo bosquejaré, evaluaré si me gusta o no. Entonces la margarita de papel es realmente directa pero es torpemente recortada. Lo que voy a hacer es quizá traerlo un poco aquí así que es más central en la figura, en la página. Voy a hacer un boceto de cada uno y eso me va a ayudar a llevar las cosas a un trabajo final. Básicamente, voy a hacer una serie y volver a trabajar simultáneamente, que cuando uno esté dibujando, tenga otra cosa en la que trabajar y me estoy distrayendo de ayunar demasiado. Voy a empezar con tal vez la margarita de papel. Esto no es una clase de dibujo, pero el dibujo es muy importante para articular las cosas en la página. Cuando visualizas algo, te ayuda a traducirlo a una página y obtener tu esencia de ello. Es algo bueno practicar. El dibujo de la vida es muy esencial, creo a todos. Simplemente dibujando el bodegón o lo que sea que te rodea, el dibujo es herramienta realmente importante. Mi margarita de papel, lo voy a mover más centralmente. Tiene esta gran donut en el medio. Simplemente me encantan tanto estas flores. Pasee flores, margaritas de papel, everlastings. Ellos van a muchos nombres. No voy a ir a dibujar cada pétalo, porque tampoco voy a ir a pintar cada pétalo. Quiero tratar de tener una idea de cómo conseguir en la página algunos de los ángulos o direcciones. Ya puedo empezar a visualizar qué trazos voy a usar, qué bloques de construcción van a construir esta textura margarita de papel. Dibuja un poco más. Más capas. Entonces en realidad voy a poner la pintura que tallo. Podría incluso usar mi técnica de espacio negativo para sacar la blancura de la flor, porque cuando estamos trabajando con una página en blanco, es muy difícil pintar una harina blanca porque has perdido mucha definición. No tienes profundidad porque el suelo es blanco. Hagamos tal vez sólo algunos de estos también. También hay una oportunidad de espacio negativa en este elemento central. Que se oscurezca ahí dentro. Haré pequeñas notas para mí mismo, Nick space. A lo mejor un poco más ahí dentro. Eso es más o menos todo con lo que quiero trabajar. Cuando esté haciendo mi pintura, tendré ambos cerca o si me siento particularmente que realmente quiero ponerme experimental, lo quitaré del cuadro en absoluto juntos y solo trabajaré con mi dibujo y así es como vas a conseguir una expresión creativa realmente verdadera porque básicamente te has quitado la muleta. Voy a llevar eso allá y luego voy a pasar a mi banksia. Para mi banksia, tengo la cabeza de flor misma, que está por aquí y tiene estos cono en el centro que es de donde sobresalen todos los tallos. Tengo esto. dibujo realmente me ayuda a trabajar en realidad donde quiero empezar una pintura también. A veces si he pintado, digamos, el elemento central primero, ese es probablemente uno de los mejores lugares para empezar a pintar también. Tengo toda esta textura y todos mis bloques de construcción van a entrar en juego aquí. Pocos pegajosos agregan uno. banksias son una de mis cosas favoritas para pintar. No me estoy poniendo demasiado detallado. Al igual que no estoy haciendo un hermoso dibujo que podría ser una obra de arte independiente. Se parece mucho a un tiro de ideas. Tengo el tallo aquí, tengo ese de allá. Estoy tratando de ser agradable y suelto y libre con todo. Algunas hojas pegando llave aquí. Tengo esto como mi referencia, pero no tengo que incluir todos los elementos. Yo solo quiero incluir lo que creo que contribuye al trabajo en contraposición a lo esencial solamente. No me preocupo por lo de la periferia. Yo quiero un buen flujo por ahí porque creo que eso es lo que me atrae a esta foto, es su consiguió un bonito flujo para donde proviene la flor. Yo lo voy a ejecutar fuera del borde de la página para cada uno de esos. Esa es probablemente suficiente información para que yo trabaje con esa. Para el final. Dejarme a mí mismo con pequeños proyectos aquí. A mi wattle. En comparación con estos dos, que son dos grandes cabezas de flores independientes. Éste es más complejo y mucho más denso en información. Voy a acercarme y escoger una sección que creo que complementará a aquellos en lugar de estar demasiado ocupado, porque estoy tratando de hacerlos un armónico como serie. Básicamente voy a oscilar esta pequeña sección por aquí. Pero para ti y cuando te acercas a estas fotos o si es otra de tu elección, realmente depende de ti, podrías preferir aquí arriba, o en realidad podrías preferir toda esta forma diagonal. Me encanta esta foto por el flujo que hay en ella. Creo que cuando estás trabajando desde tus propias fotos, has tomado esa foto por alguna razón, has tomado desde ese ángulo por una razón y la has guardado por una razón. Se tiene una conexión emocional automática con la imagen. Si solo agarras algo de Internet, es como zona muy gris si en realidad se te permite usarlo en primer lugar y yo también, particularmente no recomiendo buscar en Google pintura acuarela de wattle, pintura acuarela de banksia, porque ahí es cuando realmente estás en la zona roja por infracciones de derechos de autor. Ni siquiera es eso para mí en el que es malo, no es una gran manera de acercarse a un cuadro. Pero estás limitando tu capacidad creativa porque solo estás copiando. Una comparación es un ladrón de alegría. Nunca vas a estar pintando ese tema, estás pintando la pintura de otra persona de un tema, por lo que todo se acaba de diluir. Simplemente no creo que sea la mejor manera de hacerlo. La mayoría de las personas tienen un teléfono en el bolsillo donde solo pueden disparar broches donde quieran. No tienes suficiente para tener impresiones. Simplemente los tengo por el bien de hoy, bastante a menudo solo estoy dibujando desde mi teléfono o desde mi portátil. De todos modos, de vuelta a ti mi wattle, has tenido un poco de despotricación. Mi wattle. Voy a darle una forma general aquí, así que tengo algo con lo que trabajar porque es tanto detallado. Entonces estas hojas, me encantan las hojas de estas ranitas. Se ve increíble. Recuerda, lo otro con una foto es que mucha gente irá pero esa hoja está ahí. Tengo que poner esa hoja ahí. Yo soy como, ¿quién te dijo que pusieras una hoja ahí? En realidad puedes omitir cosas. Esta es una de las grandes restricciones con las fotos, es que te pones demasiado literal sobre lo que hay, lo que no hay. Se te permite omitir y tener algunas lecciones creativas ahí y trabajar con lo que quieres trabajar en lugar de estar atascado con lo que hay en la foto. Un poco más de hoja. Necesito hacer una hoja ahí abajo. El dibujo del amor, es simplemente tan libre. Sé que mucha gente tiene hipo y problemas con dibujar eso. Wattle es una de mis cosas favoritas para pintar porque creo que es una de las más orgánicas y divertidas y juguetonas y puedes tener muchos buenos momentos con capas con wattle. La mayoría de la gente se queda muy atascada con eso, creando wattles perfectamente circulares. Se ve súper extraño en acuarela. Es mejor si es más fluido en un más orgánico. Entonces me encantan más formas de lobby. Tengo muchos de estos brotes por todas partes y los compuestos de abeja también. Solo estoy tratando de conseguir esa sensación en la página. Más, grandes, y luego capullos, unos encantadores pequeños flyaway. Yo los llamo la magia porque descompone ese espacio en blanco de acciones en segundo plano. Por lo general tengo unos cuantos pedacitos sueltos al azar por ahí. A la persona común eso sólo va a ser absolutamente galimatías para mí. Es un plan hacia adelante y no puedo esperar a conseguir pintura porque ahora tengo todo esto listo para salir. Mi cerebro está zumbando y no puedo esperar para mostrarte lo que viene a continuación. 8. El proyecto final: Ahora tenemos una mayor comprensión de nuestras fotos de referencia y de dónde debemos buscar algunas. Yo quiero quedarme atascado en mi pequeña pintura. Las he planteado así, porque en mi mente, porque en mi mente, si estoy creando un poco de una serie, la forma más beneficiosa de crear una serie es en realidad trabajar en ellas al mismo tiempo. Porque sacarás un verde de aquí hacia aquí y hacia aquí y empieza a enlazar todo, y porque estoy trabajando en una serie de tres para aquí, quería visualizar cómo podrían verse juntos en una pared. Sentí el rosa porque está por sí mismo, sería mejor centralizado, y luego tenemos dos amarillos pálidos en el exterior. Creo que eso se vería bien. Es analizar cómo juntas estas cosas y casi adelantarse al resultado final también. Voy a bajar a una talla A5 aquí para estas pequeñas obras, así que está en medio de estas dos. Sólo para que pueda trabajar en ellos con bastante celeridad para todos ustedes. El primero con el que voy a empezar probablemente va a ser en realidad, es realmente solo mi preferencia [inaudible] pero voy a empezar con la banksia. Voy a mover a estos dos hacia un lado para salvarlos de astillas. Toma aquí mi pequeña banksia. Voy a mezclar unos colores primero para empezar. Porque empecé con estas estructura central aquí, probablemente voy a pintar eso en primer lugar y tal vez un poco de línea de lápiz de donde se va a ir la rama, así que sé a dónde se unirán las hojas. Pero realmente eso es casi tanto como lo que puedo hacer por la primera capa, y luego voy a alternar y trabajar en ellos todos juntos, y esa puede ser una manera tan encantadora de trabajar. Voy a por algunos de estos brownie lemony. Casi dejo mucho espacio para los amarillos en mi paleta aquí. Un poco de verde también estaría bien. Para mis primeras capas, a menudo estoy casi bloqueando formas en y obtengo el posicionamiento correcto, y puedes tener una idea de cómo eso podría sentarse en la página con bastante rapidez. Para éste, voy a estallar en una realmente sólo una figura central ahí para la banksia, y sé que todo lo demás alrededor de eso va a ser la forma de la flor. Lo que en realidad voy a hacer es poner algunos de mis bloques de construcción en marcha. Yo sólo voy a bloquear en donde esos parámetros de la banksia. Tengo un buen presentimiento de lo que va a ser ese posicionamiento de todos modos ahora. La otra ventaja a ese ser, si quisiera pintar una hoja en la que sí, quiero pintar esta pequeñita aquí, puedo hacer eso ahora porque no tengo tanta información ahí, y una vez que pones toda la información ahí, no podemos pintar sobre la parte superior de la misma. No se puede retraer cosas ni restar cosas, pero siempre se puede agregar. Voy a poner ese ahí dentro. A lo mejor sólo agarrar un poco más oscuro. Voy a usar un poco de sombreado justo en estas capas iniciales para traer eso. En realidad, ahora que también tengo mi banksia, me siento bastante bien sobre dónde se sienta eso. Eso es malo. Va a tener pintura encima, y podría que accidentalmente la ponga ahí. Al igual que lo que hacemos en Bienvenido a Acuarela y sí entro a más profundidad sobre cómo traduzco de un artículo a lápices en Bienvenido a Acuarela. Voy a simplemente muy ligeramente lápiz en forma aquí. Creo que en cuanto comienzas a bloquear en todo con lápiz, te vuelves a quedar muy restringido. Tienes una restricción aquí, y luego si tomas líneas de lápiz aquí e intentas llenarlas todas perfectamente, entonces vas a tener, de nuevo, muy restringido, lo cual preferiría un relleno más orgánico y natural. Ahora vamos a conseguir unos tonos más verdes y conseguir un poco de mi color inesperado que tanto amo. Agradable olivita ahí. Yo sólo voy a asegurarme de que todo se adhiera a ese tallo y luego voy al tallo de pintura en fin. Cualquier cosa que esté sentada detrás, probablemente lo más probable es que vaya a hacer un color más oscuro o un color más inesperado. Estos sentados detrás. Este de aquí, baila un poco porque depende de qué colores de mi pincel, qué estoy recogiendo, cómo estoy equilibrando las cosas. Tengo un morado más aquí, necesito probablemente integrar eso en otro lugar. Mi cerebro está ronroneando todo el tiempo mientras estoy pintando, a pesar de que puede que no esté teniendo pincel para página todo el tiempo, sigue activo, sigo pensando. Este va un poco al revés, así que me voy a poner [inaudible]. Ahora necesito un buen buen verde sólido. Observe que estoy mezclando cada color porque si empezamos a pintar todas las hojas el mismo tono de verde, incluso en esta foto de aquí, se puede ver que hay algunos verdes claros, pero no todos son iguales sombreados verde, es una esmeralda bastante fuerte aquí, va más oliva aquí, se va realmente tranquilo oscuro aquí arriba, y bastante brillante en estos extremos. Es algo a considerar a través de tu mezcla de color, es algo que eres capaz de articular a través del pigmento. Este se ha ido, y ahora quiero un verde bastante brillante creo que para que ese realmente brillante al final vaya, y luego necesito replicarlo en otro lugar porque es una forma independiente. ¿ Dónde está mi dibujo? Hacer la parte inferior de la hoja. Voy a hacer un poco de una mezcla verde claro para esa forma de giro, y hay algunas debajo de las hojas. En realidad, no voy a pintar esos realmente, no creo. Podría volver a por aquí, ponerme un poco más oscuro ahí dentro, necesito más oscuro. Enfrente de azul es naranja así que voy a reventar eso ahí dentro. Un poco de color. Pop eso en. El de las hojas porque son el elemento menor en esta foto, realmente quiero que el punto focal sea la flor, así que ahí es donde voy a generar más capas, más interés, más bloques constructivos, y entonces estas deja un acto más de apoyo que te llevan a mirar la flor. Puedo pintar todos estos dentro y luego tal vez volver e identificar un poco de brechas aquí y allá. Pero realmente el punto focal va a estar aquí, así que probablemente voy a dejar de trabajar en las hojas pronto y pasar al siguiente cuadro y permitir que todo eso se seque. ¿ Qué necesito? Necesito de nuevo este color. Tan sólo para pintar este en. [ inaudible] un poco de sombreado. Estoy trabajando de nuevo en la pintura de ahí arriba, así que cuando se cae la gota, cae en el punto más oscuro. Necesito crear ese flujo, un poco de azul inesperado o algo ahí dentro. Me encanta jugar con colores tanto. Voy a sacar esa por ahora, sacarla de mi sitio, ni siquiera pensar en ello porque tengo otras dos pinturas en las que trabajar y cuando vuelva a ella tendré ojos frescos. Trabajaré en otras dos pinturas, así que voy a tener más colores y más mezclas pasando, y tal vez aún por analizar y encontrar algunos huecos y agujeros con los que trabajar. Voy a sacarle esa a un lado. En realidad, no estoy apareciendo aquí con ese trabajo. Ahora a la margarita de papel. Cuando hice mi dibujo, empecé con esta parte central de las flores. Probablemente voy a hacer similar. Veo aquí con los pétalos plegándose sobre sí mismo, que es una oportunidad para algún espacio negativo. No voy a dibujarlo primero esta vez, voy a tratar de ser un poco picante con él. Lo primero que voy a hacer es pintar esta forma marrón en el medio justo este marrón claro. Porque siempre puedo agregar más oscuro, no me voy a quedar demasiado oscuro. Solo necesito bloquear esa forma, así que tengo algo con lo que trabajar. Entonces con mi naranja, voy a conseguir una bonita naranja amarillenta mezclada aquí. Yo quiero ponerme bastante brillante porque en realidad es bastante brillante en ella así que no quiero encender esa parte de ella. Un poco sucio pero bastante brillante aún. Entonces similar a lo que estábamos haciendo con nuestras flores de franela, es que voy a trabajar alrededor de algunas de esas formas de pétalos para generar esa forma curva que está sucediendo ahí. No me importa que esté sangrando en el centro tampoco; creo que está bien. Yo sólo voy a tratar de generar algunos de estos pétalos curling ahí dentro. Entonces, en el lado lejano, tenemos más de una forma real con la que trabajar. Consiguió un poco más de un pétalo incorporando por aquí. Entonces puedes ver que, en el centro aquí, en realidad hay alguna textura realmente hermosa. Voy a agregar eso después con bloques de construcción y con la punta más pequeña de mi pincel, agregarla más tarde, pero es algo que no puedo hacer ahora mismo porque voy a estar trabajando en esta forma de espacio negativa. Yo sólo voy a traer todo esto alrededor, así. Después, quítate los ojos por un minuto, dale una mirada fresca. ¿ Tengo mis formas bien? Quizá no del todo bien. Quiero asegurarme de que tengo todo eso ahí dentro correctamente. ¿ Es eso correcto en eso otra vez? Sabiendo que puedo volver y añadir un poco más de detalle ahí, voy a dejar eso ahí y en realidad voy a empezar a pintar en algunos de estos pétalos. Básicamente empiezan un poco más pinchadas en el centro y luego se extienden al blanco. Ese blanco va a ser, obviamente, muy difícil de pintar porque tengo un fondo blanco, así que voy a usar espacio negativo para definir esos pétalos por la línea. Pero, por ahora, sólo voy a empezar a meter algunos de estos colores. Necesitas mezclar un bonito rosa claro. Ahí vamos. Probablemente necesito algunas variantes, para ser honesto. Entonces, este es otro de los bloques de construcción ovalados con los que estábamos trabajando. Necesitamos una versión más oscura también, donde cortamos [inaudible] alrededor de ahí. [ inaudible] en. Voy a añadir bloques de construcción con sólo hacer estas tiras. Obviamente no puedo capas demasiadas encima una de la otra porque va a terminar en una piscina gigante, así que necesito simplemente seguir agregando pedacitos aquí y allá mientras voy suavemente. Voy a construir en ella a diferencia de tratar de que todo se haga en un solo solo solo golpe. Permitiendo que las cosas se toquen y sangren; hermosa parte de la acuarela. No es algo para evitar. A mí me encanta. Pocos puntos y eso va a ayudar a definir esos también. Allá arriba. Ahora, esto se ve bastante extraño en este momento, pero vamos a definir el borde exterior con espacio negativo para luego agregar algo más oscuro y detalle y más capas ahí dentro. Creo que esto es por lo lejos que puedo llevar este por ahora. Voy a estacionar este y pasar a mi base de wattle. Pon eso ahí arriba. Muy bien, wattle, estoy listo para ti. Voy a acercarme este un poco más a mí sólo para poder ver en qué estoy trabajando un poco mejor porque he acercado tanto a esta foto. Quiero tratar de asegurarme de que estoy generando la vibra correcta y quiero que se siente armónicamente con estos dos también. He usado algunos amarillos limónicos aquí y este wattle en sí tiene un toque de calentamientos, pero entonces el follaje es bastante azul, así que creo que eso va a ser un lindo empate aquí. Podría necesitar meterme un poco de azul en este para que todos se sientan bien juntos. Puedo ver que éste está en realidad casi seco y que está bien en marcha para secarse. Voy a tener que dar vueltas atrás, columpiarme a mi banksia. Wattle, creo que voy a empezar con tu follaje, que me encanta hacer grandes colores audaces. Este es un bonito tipo de color tealy, indigoey. Yo sólo voy a meterme en ello. Es casi como pintar palma [inaudible]. Voy a tocar un poco de púrpura inesperado en el centro ahí y en la sombra. Entonces, más allá aquí, hay un poco más de follaje. Voy a dejar eso aquí arriba. Intento ser realmente ligero y delicado porque estamos trabajando con el follaje aquí, no con la flor otra vez. Queremos que la flor sea el héroe. No voy a estar preocupándome por demasiado detalle en el follaje en esta etapa. Consigue un poco de este hermoso azul, y nos vamos. Si bien esto está todo mojado, aquí es cuando quiero sumergirme y realmente conseguir que algo más de estas hemorragias ocurran, los bellos aspectos de la acuarela. Necesitamos un poco de verde brillante también, sólo para algunos de esos pedacitos resaltados. ¿ Hasta dónde bajé? A alrededor de ahí. Tengo un poco más de espacio para follaje justo aquí. Si bien esto está mojado, en realidad voy a seguir moviéndome porque esto va a ser importante para mí estar trabajando en este mientras está un poco mojado. Voy a necesitar unos amarillos y voy a necesitar diluirlos bastante. Me encanta el wattle denso; solo puedes divertirte tanto con él. Es una de las flores más fáciles de abstraer también. Si te gusta explorar ese equilibrio de abstracto y representacional, éste es muy divertido para trabajar. Tengo un amarillo limey, un poco de un amarillo cálido, y un poco de un marrón cálido. Van a estar en última mezcla de cosas con las que trabajar. No voy a tratar de lograr toda la impresión del wattle en la primera capa. Voy a tratar de meter las quemaduras de ella ahí dentro y luego construir sobre eso. Ve primero por los grandes, creo. En algún momento, sólo me rindo a mis dibujos y a todo y estoy tratando de ver el cuadro como un agujero porque nadie se va a sentar ahí nunca a comparar una foto con dibujo con pintura. Simplemente van a mirar el cuadro y realmente tratar agarrar si tienen una buena expresión de ello o no. Si toco demasiados de los pequeños pompones juntos, van a empezar a parecer un gran desastre. Voy a tratar de sólo tener una idea de esto en la página. Nada rápido, no pensarlo demasiado. ¿ Hasta dónde bajé? El balón de wattle, se puede ver que no estoy dibujando un círculo y luego llenándolo. En realidad solo estoy usando la punta del pincel para crear una forma circular. No es ni siquiera demasiado perfectamente circular porque quiero que esta expresión suelta suceda. Necesito un poco más, creo. Hazlo un poco más oscuro debajo de estos debajo de los. Consigue un poco de amarillo más fuerte, creo. Si trato de bombear eso con más color, ya puedes empezar a ver cómo todo empieza a sangrar el uno al otro. Voy a parar ahí, estacionarlo, y luego volver a dar vueltas a mi banksia para poder seguir trabajando en eso sin meter este al olvido y tener que ponerlo en marcha. Vamos a cambiar eso por ahí. Se verá como no mucho ahora mismo, ¿verdad? Pero es porque vamos a estar trabajando en capas. Esta es la parte complicada porque si estuviéramos trabajando estos en una sola cosa, ¿cómo diablos vamos a meter tanto detalle en esa banksia? Por eso nos gusta trabajar con capas. Son bonitos bloques de construcción y te da oportunidad de valorar realmente hacia dónde vas con el trabajo e ir más suavemente a medida que avanzas. Usando algunos de esos amarillos que acabo de hacer para el wattle, voy a estar buceando de nuevo en esta cabeza banksia y empezando a generar algunos bloques de construcción más para crear información e interés ahí. De verdad, de vuelta a ese ejercicio de bloque de construcción, literalmente lo que estábamos haciendo. Lo estoy haciendo con un pincel más pequeño para éste. Si empiezo a estratificar demasiados en uno en otro, simplemente se convertirán en una piscina. Recuerda, siempre podemos esperar a que se seque, añadir otra capa. Mi pincel es como un pequeño movimiento de fuego rápido. Estoy tratando de no pensarlo demasiado, sólo estoy respondiendo a la foto. Tiene algún tipo de cosas largas de tallo ahí también, consigue esa sensación. Solo estoy usando la punta misma del pincel para crear algunas líneas finas para replicar lo que hay ahí. Es posible que encuentres otra forma de pintar una banksia. Esta no es, de ninguna manera, la única forma de pintar una banksia. Te animo a explorar y tratar de averiguar qué sistema de capas va a funcionar para ti cuando se trata de pintar una banksia. No es mucho más que puedo hacer ahí antes de que empiece a ponerse un poco demasiado. Cuando llego a este punto donde estoy construyendo las capas en la flor o el punto focal del cuadro, trato de evitar hacer demasiado a su alrededor porque una vez que eso funcione, puedo hacer que el resto funcione a su alrededor. Pero si voy y hago estas súper impresionantes y sorprendentes y luego meto la flor o si la flor no está funcionando del todo, es un desperdicio de energía. Voy a poner la energía en la flor y luego dejar que todo lo demás florezca a su alrededor. Siempre sacudiendo esos colores. Realmente no estoy arreglando demasiado duro en ninguno de los colores. Pon un poco oscuro ahí solo para un contraste extra. Si sigo empujando más pintura a eso, eso también se va a convertir en charco. Es hora de que ese se empace. Voy a volver en bicicleta a la margarita de papel. Es divertido trabajar así porque simplemente nunca se llega a parar. Es como citas rápidas, pero pintura rápida. Obviamente no tienes que trabajar tan rápido. Esto solo soy yo pintándolo mío. Yo sí dejo pedacitos aquí y luego para mi última serie aquí en florecer, tenía 12 en marcha a la vez y simplemente me entrometería y salía de varios en los que sentía que quería trabajar, y un envolver. Yo sólo voy a conseguir un poco de naranja más oscura para que pueda aumentar la textura aquí dentro. Como ya había mencionado antes, iba a volver atrás y sólo añadir un poco más de información solo para generar, ver cómo es ese punto, hermoso, naranja en la textura? Sólo voy a añadir literalmente estos puntos diminutos. Si hay alguna duda de que tu trabajo esté húmedo en este punto, empacalo. Viste que pasé de uno a otro. Hace bastante calor aquí por lo que esto estaba realmente seco y estaba listo para trabajar, pero asegúrate de que tu trabajo esté seco y no solo hagas un round robin aunque no esté seco. Ahora necesitamos hacer un poco de oscuridad en una sombra de esa misma forma. Yendo a bucear ahí dentro. Yo estoy ajustando el color ahí dentro, y luego lo voy a sombrear como lo que hicimos al pensar en lase. Ya estás empezando a ver un poco más de esa forma cobra vida, y la flor misma está más presente. Voy a agarrar algo de este color oscuro aquí para crear las sombras. Ser valiente con el contraste es en realidad una forma de mejorar realmente la impresión de una forma en la página, porque en realidad no son tan oscuros como lo que he puesto ahí, pero ayuda realmente a sacar las cosas hacia adelante y es que poco poco de coraje que necesitas, sólo esos pequeños riesgos que tomas. Si vas con confianza, el riesgo casi siempre vale la pena. Voy a hacer unas capas más a los lados aquí. Tan solo sacudiendo ese color otra vez. Una envoltura. Esa que creo es que hasta donde lo voy a llevar hasta la siguiente capa donde voy a hacer el espacio negativo alrededor del exterior. Necesitaba definirlo primero y darle alguna forma antes de hacer el contorno. Soy una persona nerviosa alrededor de los antecedentes y prefiero trabajar con el sujeto en lugar forzar al sujeto a una forma que he dejado atrás pintando primero el fondo. Voy a empacar esa, lista para la siguiente. Volver a wattle. Wattle aún no está seco. ¿ Este ya está seco? No del todo seco. Voy a hacer una pausa un minuto y volveré en bicicleta cuando todo esté seco. Tengo algunas obras secas con las que volver a trabajar, básicamente tengo mi elección del lote para empezar. Voy a ir a esto, no me dieron una segunda capa aquí. Básicamente, en este punto de mi pintura, suelo empezar a olvidarme de todos estos y tratar de hacer que funcione como pintura. Esto como mi referencia si alguna vez me atasco o si creo que algo no está funcionando del todo, aquí puede haber pistas. En algún momento nos referiremos a eso si me atasco realmente o tal vez los colores no están del todo funcionando o no están seguros a dónde ir a continuación. Pero creo que estoy contento con cómo vamos así que sólo voy a entrar ahí. Voy a poner algunos colores extraños ahí porque acabo de conseguir probablemente un poco no del todo contento con la paleta de colores ahí. Voy a conseguir algunos de estos pequeños, diminutos bloques de construcción yendo por los cogollos y son un poco más oscuros. Nuevamente, no dibujando círculos, solo generando pequeños trozos de textura con mis bloques de construcción. Capa por ahí un poco. Encuentro que mucha gente se pone realmente particular sobre, oh, pero no podemos ir por encima de eso. Yo soy como, bueno, escucha, nadie va a saber que puedes, puedes hacer lo que quieras. Es tal vez solo quitando algunas de esas reglas autoimpuestas mucho del tiempo que hacen que la experiencia de pintura sea un poco más divertida, un poco más alegre. Más de esa. Es una linda magia yendo. Un poco más de ese color rojizo para compensar el verde, ese verde vibrante. Estoy usando este rojo oscuro como color de sombra para realzar y darle un poco más de vida. Simplemente pensando realmente ligero y suelto con mi pincel. Piensa en tu ejercicio de bloques de construcción y ve qué tan ligera y suelta puedes moverte con tu pincel. Entonces voy a pintar unas capas realmente translúcidas sobre la parte superior de algunos de estos pequeños pompones de agua existentes. Sólo para conseguir esa construcción de la textura real de la burbuja. Voy a trabajar bastante a la ligera y suelta con esto. Wattle tiene que ser mi cosa favorita para pintar, me encanta. Aliméntalo con algunos brotes también. Un poco de [inaudible] aquí y allá. Si accidentalmente atropellas cosas mojadas, a veces realmente pueden funcionar y verse bien. Necesito algo del color amarillo más profundo o [inaudible] para meterme en este espacios más oscuros por debajo. Si estás empezando a notar como si empiezo a notar unas cuantas, demasiadas formas se están encontrando entre sí y es entonces potencialmente en la cúspide de ponerme un poco fangosa, probablemente mejor poner el pincel de pintura hacia abajo y puedo ciclo vuelta una vez que esté seco y agregue cualquier cosa más que sienta que necesita. Creo que esta está bastante cerca de hacer. Podría simplemente agregar un poco más de contraste alrededor de las hojas, pero por ahora porque está mojado, lo voy a reventar y volver a bien, solo estaba trabajando esa paleta de colores, así que creo que voy a volver a pedalear a éste porque tendría sentido. Ya tengo esos colores y calentado. Más bloques de construcción para mi banksia. Iba a ir con un color un poco más profundo solo para crear ese contraste sobre todo alrededor de la base ahí, solo para molirla. No estoy estratiendo las cosas por separado enteramente a lo que había antes. Yo sólo voy por encima de todo porque eso sólo va a ser una acumulación de capas y una acumulación de bloques de construcción e información. Oops, accidentalmente hice clic en algo azul en eso, creo. Un poco más brillante ahí dentro, en los bordes exteriores. Porque es una forma cónica, me parece que ahí es donde se recoge la información sobre una cosa 3D, sobre todo en un cilindro, así que a veces hago unos bloques de construcción más en los bordes más exteriores, puede realzar ese 3D mira a todo. Creo que éste tiene que estar casi hecho. Antes de llamarlo nunca y simplemente ir sí, ahora está hecho, siempre lo dejaré secar fuera de la vista, volveré a ella con ojos frescos y vete, en realidad probablemente sólo me falta un poco más de detalle aquí, o ¿Qué más podría agregar para simplemente llevarlo a ese siguiente nivel? Pero el espacio es tu amigo cuando se trata de esto. Poco tiempo, poco espacio. Es hora de tener una buena, gran respiración profunda de aire para que puedas volver con energía y sentirte bien con tu trabajo. Siempre que no me siento bien con mi trabajo, suele ser porque me siento tensa y siento demasiada presión para seguir procediendo, así que es mejor simplemente ponerlo a un lado y no arruinarlo. He arruinado mucho trabajo en mi tiempo a través de la impaciencia. Este será mi último pedacito, creo. Voy a volver a esa. Ahora me siento bastante bien con esa cabeza de banksia. Es una forma tan audaz, pero al mismo tiempo está conformada por tantas partes delicadas. De verdad quiero tratar de captar eso desde la página. Estoy pensando si no estoy mirando esto y no mirando esto, esto en su conjunto funciona, no del todo funciona todavía. Me gustaría introducir unas cuantas hojas más solo para darle un poco más de profundidad a todo. Pero voy a esperar hasta que esté seco para poder volver a ella con ojos frescos. El asunto de los ojos frescos es un aspecto tan importante para todo. No puedo esperar a ver cómo resulta éste, porque es cuando voy a introducir ese espacio negativo. Con mi pincel más pequeño, porque quiero bonitas esquinas cortadas, voy a usar algunos de estos greens que he estado utilizando en todas partes para crear este fondo que voy a trabajar. No creo que vaya a llenar todo el asunto. Voy a ir un poco más artístico con él y tal vez sólo compensarlo un poco, y tener un fondo borroso. No quiero pensar demasiado en ello, pero sí quiero poner el tallo así que en realidad voy a pintar primero la idea de la derivación. Te sorprenderá lo poco que puedes agregar que solo le dará un todo, otra dimensión. Lo que intento hacer con el espacio negativo es crear las puntas de los pétalos de margarita. Tengo que tratar de asegurarme de que tengo una buena forma definida ahí. Entonces voy a agarrar mi cepillo más grande. Agarra un poco de este verde, mientras está todo mojado. [ inaudible] tan potente y asegúrate de que consigo un poco de color para lado lado lejano del tallo. El mismo trato, puede que ni siquiera haga todo el camino. Voy a parar y analizar, a ver si me gusta a mitad de camino. Simplemente usando agua para astillar estos bordes. Ya casi está ahí. Siempre que soy demasiado adherente al papel real, me vuelvo bastante atado. Yo sí dejo que los pinceles corran por el borde del papel. Creo que te da un poco más de libertad en tu trabajo. Hagamos un poco más verde irregular por ahí un poco de blob. Estoy tratando de no ponerme demasiado, porque si estoy mirando mi foto, la flor en sí está bastante enfocada, pero el fondo es todo [inaudible] Es tan borroso y poco claro qué es. Yo he corrido con eso, con mi pintura también, y apenas arrojado en algunos detalles. Podría simplemente ponerlo un poco más ahí dentro, pero casi listo para llamarlo. En todo caso, podría volver y añadir un poco más de definición en esos pedales. Pero por ahora, sólo voy a estacionarlo y ver cómo me siento al respecto cuando regrese. Ahora volvamos a mi waddle que no está del todo seco, pero creo que voy a seguir adelante porque las zonas en las que realmente voy a querer meterme menos así en las zonas húmedas. Pero realmente quiero agregar un poco más de contraste aquí con estos tonos más oscuros. Juro que en realidad paso más tiempo mezclando colores que pintar. Realmente disfruto el proceso de mezcla de colores y creo que es un paso perdido en la práctica de mucha gente porque ayuda a juntar un trabajo. Puedes armonizar todo justo a través de tu color. Ponte muy experimental. Apenas algunos toques más ligeros ahí dentro. Ahora bien, ¿qué nos falta? Creo que es un poco más de este rojo. A lo mejor en un poco de rosa o algo así. A lo mejor un poco de rosa para empatar en mi margarita de papel le ayude a conseguir todo eso. Casi ahí, pero éste, creo. Esto es un poco de bloqueos capas translúcidas que hicimos en nuestro proyecto de capas frondosas simples donde realmente me estoy centrando en crear textura e intereses con múltiples capas de la misma sobre la parte superior. Me olvidé por completo de mi foto en este momento porque realmente solo quiero envolver el cuadro sí y asegurarme de que sea exitoso todo en su propia prisa. Casi como una fiesta de waddle ahora. Ahora voy a conseguir unos hits de amarillo rayado. No mezclar y solo hacer algunos pequeños detalles con la punta de mi pincel. Tener mucha diversidad en tu marca puede hacer que el trabajo sea súper interesante también. Alguna manera de que el ojo se sienta atraído por. Está bastante cerca, creo. Un poco de magia aquí arriba. El verdadero modo en que sabré que esta obra está terminada o no es básicamente volver a ella completamente con ojos frescos mañana porque cuando trabajas tan intensamente en algo y él no puede exhumirte, pierdes perspectiva un poco. El mejor resultado en realidad es volver con una perspectiva totalmente fresca al día siguiente. Creo que este básicamente se hace en mi mente, creo que es realmente agradable y divertido. Armoniza con éste por esos rosados que al respecto en, y ahora en cada uno, trae éste a la fiesta. Definitivamente necesitan unas hojas más ahí dentro. Voy a olvidarme por completo de mi foto de referencia y sólo tratar de hacer que esto funcione como quiero que se sienta. Ahora traigo algunas capas extra ahí dentro. Bueno, eso no va a ser el color correcto. Una pequeña ahí dentro, Sólo necesitaba algo más pasando a lo que originalmente había planeado. Un poco de morado. Voy a añadir en una base poco oscura a esa. Agregar cosas en una, digamos mojada puede ser un poco más fácil con hojas porque cuando solo agregas todas las capas a la vez, puede ser bastante desafiante porque todas se mezclan sí y pierden su forma y interés. Simplemente voy a agregar un poco de magia con este color listo porque ese parece ser el color armonizador cuando estoy viendo estas tres obras juntas. Tengo esta pálida, borgoña aquí. Tengo todas estas hermosas rosas y esta. Entonces puse algunos encajes rosados ahí dentro. Cuando estás trabajando a través de tres obras tendes a armonizar y pensar más creativamente también porque eres como, si tienes una flor rosa independiente cómo vinculas esos son los dos que tienen bastante trabajo. Se llega a jugar un poco con cómo se juntan las cosas. Yo sí quiero chuck en un poco más rosa dentro de aquí. Creo que tenemos todo envuelto. Si eres alguien que no te gustó, realmente no siento a todos los nativos, eres más que bienvenido a probar este ejercicio con cualquier flor que quieras, algo fuera de tu jardín. Se puede trabajar desde la vida, o se puede trabajar desde fotos de referencia. Te he proporcionado un montón de fotos de referencia, pero también puedes trabajar desde las tuyas. Son los mismos principios. Escojo estos tres en particular porque todos compartieron retos diferentes bastante distintivos con estratificación. bloques de construcción de uno. Las capas translúcidas de uno, uno tiene espacio negativo. también me gustan estos tres juntos y entonces esto va a ser parte de tu viaje creativo, es seleccionar tres fotos que van a funcionar para ti y cosas que disfrutes pintar. No quiero obligarte a pensar en pinturas que no estás súper disfrutando de la pintura. Muy bien, trae esto un poco más. Sólo necesitaba los más pequeños pedacitos más translúcidos por aquí. Mezcla este fondo de nuevo en. Mantener contornos y ciertamente no uno de mis puntos fuertes en básicamente siempre romper las reglas ahí. Voy a necesitar algo más de este tipo oscuro de morado sólo para meterme un poco más de contraste en su. Súper últimos toques que pueden haber notado, excepto uno que he traído en este fondo aquí cada capa tiene una reducción de cuánto pigmento estoy agregando. Estoy sumando cada vez más poco a poco y con menos cobertura cada vez también. Creo que eso es importante no sentir que tienes que martillar en esto la cantidad igual de pintura cada capa. Este creo que básicamente está ahí si puedo dejar de juguetear con él. Ahí vas. Eso es una obra de tres capas. Eso es, chicos. Esa es mi pequeña serie. No puedo esperar a ver a qué se les ocurre. Tu selección, tu voz creativa. Es tan emocionante. 9. El envoltura: Muchas gracias por acompañarme por mis clases de tercer curso online en capas con acuarela. Realmente espero que tengas una muy buena comprensión de dónde y el potencial de lo que puede hacer la estratificación con tus pinturas. Yo sólo quería mostrarles algunos ejemplos de mi obra de arte. Honestamente algunas de estas flores me han encontrado tan extremadamente desafiantes de pintar, sobre todo esta de aquí. Estas son las flores finales que es lo que hicimos en el ejercicio espacial negativo. Esto me llevó tantos intentos de ponerme bien, y era cuestión de juntar esa iteración correcta de capas para realmente, realmente con éxito hacer que esto se sintiera como una obra terminada. Cada una de estas obras tiene un distintivo conjunto propio de capas y las he usado en todas las cosas con las que hemos trabajado hoy. Nuestros pequeños estudios que hemos hecho en nuestro proyecto final, espero que puedas llevarte eso y rodar con eso y llevarlos a terminar el trabajo tú mismo y no puedo esperar a ver qué se te ocurre. Sigue practicando. Practicar es clave y tengo que decir que paciencia es probablemente una palabra número uno para hoy. No sé si ni siquiera he dicho eso suficiente. ¿Ya lo he dicho suficiente? Mi reto para ti es practicar las flores no te gusta pintar o encuentras una lucha, porque ahí es cuando realmente creces como pintor. Me pareció extremadamente difícil la acuarela cuando por primera vez me acerqué a ella, y luego la final fue obviamente un gran reto también. Esa es una forma de desarrollarse realmente como artista, porque si sigues persiguiendo a los con los que estás de acuerdo, entonces nunca te vas a desarrollar más. Tienes que desafiarte. Creo que probar cosas diferentes con las que no estás familiarizado es probablemente la mejor manera de hacerlo. Si quieres continuar tu crecimiento como estudiante, tengo un foro de Facebook llamado Foro Estudiantil Natalie Martin. Se trata de un grupo de apoyo realmente hermoso donde compartimos nuestro trabajo, hay un reto creativo mensual. Puedes hacer cualquier pregunta que quieras y es un privado y todo incluido. Si no estás familiarizado o inestable en algunas de las cosas de color, tengo mi curso de magia de mezcla de colores. Si quieres revisar lo que empieza, volvamos a Bienvenido a Acuarela. Siempre estoy abierto a sugerencias y retroalimentación. Me encanta la crítica, esto me ayuda a dar forma a todos mis futuros cursos. Muchas gracias por aprender conmigo.