Cómo ser contratado como ilustrador: conceptos básicos para que te adaptes

1. Introducción: Hola a todos, y bienvenidos a mi clase de habilidad compartida. Convertirse en un artista bueno o profesional requiere dedicación y tiempo. Sabes, creo que es bastante fácil y común encontrar pequeños videos de consejos y trucos en línea. Pero, ¿cuál es el camino que debes tomar si realmente quieres convertirte en un artista versátil e hirable en la industria del entretenimiento? Yo soy Marco Bucci He sido artista profesional desde hace más de 20 años. He trabajado para cosas como películas, juegos, películas, televisión, libros, lo que sea. También he cumplido muchos papeles en mi carrera, que van desde el diseño de personajes hasta el arte conceptual , la ilustración terminada y todo lo demás. También he estado enseñando desde hace más de una década. He ayudado a personas de todas las edades y todos los niveles de habilidad a alcanzar su potencial. Muchos se han convertido en artistas profesionales ellos mismos, mientras que otros se contentaron con seguir siendo aficionados serios En mi tiempo de enseñanza, he podido catalogar tantos de esos momentos aha. Esos momentos que son tan preciosos para nosotros como aprendices que nos ayudan a asegurar que estamos en el camino correcto y progresando bien. A medida que enseño esos conceptos, también soy capaz de refinar cómo los uso en mi propio trabajo, que luego se alimenta de nuevo en mi enseñanza. Esta clase de habilidad compartida es hiper concentrada. Se centra en la acumulación de esos momentos ajá. Esos momentos quiero que tengas para fomentar el crecimiento más rápido y efectivo en tu aprendizaje. Todo en esta clase gira en torno a su habilidad, encontrar un trabajo como artista en diferentes avenidas y diferentes conjuntos de habilidades, cosas que van desde el diseño de personajes hasta el arte conceptual y fondos y entornos Lo bueno de estos conjuntos de habilidades es que se aplican a través de diferentes medios Podrías usarlas totalmente para trabajar en cine, televisión, libros, juegos, lo que quieras. Ser hirable significa tener fundamentos sólidos a los que puedas recurrir, sin importar cuál sea la tarea En esa nota, vamos a estar aprendiendo a través trabajos de la vida real que en realidad tenía como artista, trabajos que me obligaron a usar muchos sombreros diferentes. Podría estar haciendo desarrollo de personajes algún día y luego enchufar ese personaje a un ambiente al día siguiente El material de esta clase es muy procesable. Aprenderemos los fundamentos individualmente, pero también aprenderemos a hacer malabarismos con ellos porque eso es exactamente lo que se espera que hagas como profesional A través de la clase, se le presentarán conferencias y ejercicios de desarrollo de habilidades y demostraciones, y también se le animará a completar uno o dos proyectos de clase. Uno de esos proyectos se basará en el carácter y uno se basará en el medio ambiente. Lo bueno de dividirlo en dos proyectos es que puedes decidir qué tema te sienta más cómodo o te interesa. O si eres súper entusiasta, puedes hacer ambos proyectos. Depende totalmente de ti. Por último, esta clase es apropiada para una amplia gama de niveles de habilidad. Si eres nuevo en esto, esta clase actuará como una base sólida. O si vienes con un poco más de experiencia, esta clase te ayudará a agudizar tus habilidades y te mostrará el camino de la mejora continua Mi objetivo en cualquier caso, es encontrarte donde estés y hacerte notar ese progreso en tu trabajo Quiero que empieces a ver el progreso en un cronograma tan corto como semanas o incluso días. Esta clase tiene mucha información empaquetada en ella, así que bloquea algo de tiempo en tu calendario, dale toda tu atención y empecemos a aprender. 2. La fusión de la mentalidad con el espacio de trabajo: Bien, antes de entrar en el meollo del dibujo y la pintura, me gustaría hablar de un tema más amplio de lo que estamos haciendo aquí Lo que estamos haciendo es que estamos siendo creativos. Esa es probablemente toda la fuerza impulsora que te trae a esta clase y a tu estación de trabajo o a tu cuaderno de bocetos es que quieres crear cosas No sé ustedes, pero yo nací no con ninguna habilidad o talento, pero nací con ganas de crear cosas. He estado creando cosas desde que puedo recordar. Sean terribles dibujos en mi cuaderno de bocetos cuando era niño. Así es. No podía dibujar cuando era niño, pero esa es otra historia. Terribles libros de bocetos. Yo tocaría mucha música. Leería mucho, y sigo haciendo todas esas cosas. Pero es algún impulso innato en mí, no sé de dónde vino, pero nací para crear cosas para bien o para mal Cuando digo para peor, quiero decir, si no soy creativo, si no puedo ser creativo por una semana o dos, me vuelvo un poco loco de revuelo. Creo que muchos de ustedes por ahí probablemente puedan relacionarse. Ahora bien, cuando se trata de ser creativo, esto puede sonar un poco extraño, pero como que lo trato como trabajo, pero no trabajo en sentido negativo, sino trabajar como en, hay que presentarte para hacer una tarea. Recuerdo que cuando era más joven, solo sería creativo cuando me apetecía. Sabes, tocaría algo de música algún día, dibujaría algo otro día. Lo traté totalmente casualmente, y eso está bien. Pero cuando decidí tomarlo en serio y tal vez algún día convertirme en un profesional, de repente necesitaba sacar a relucir ese impulso creativo tipo de demanda. No podía esperar a que la inspiración golpeara. O sea, si haces eso, probablemente crearás algo una vez cada dos o tres meses. La inspiración no es tan común. Necesitas crear un ambiente para ti mismo donde si la inspiración golpea o si no lo hace, aún puedes ser creativo y hacer el trabajo. Y una de las mejores maneras que encontré para hacerlo. Es una especie de hackeo mental, llamémoslo, es lo mejor que puedas, controla y diseña el espacio en el que trabajas, o tal vez debería decir, hazlo para que vengas a un espacio para ser creativo. En mi caso, es la habitación estudio en la que estoy ahora mismo. Aquí es donde vengo cuando hago cualquier cosa creativa, ya sea dibujo y pintura, como lo hago profesionalmente, o tengo otras aficiones. A mí me gusta esculpir. A mí me gusta hacer unas tres D de impresión. Tengo algunas cosas electrónicas detrás de la cámara ahí. Pero todo está contenido en esta sala. Esta es mi habitación. Mis hijos no entran aquí o si lo hacen, están muy supervisados, ni siquiera mi esposa realmente entra aquí. Este es mi espacio. Recuerdo que estaba leyendo este libro de Steven Pressfield llamado La guerra del arte Es un libro fantástico, muy recomendable lectura muy rápida. Creo que son 100 páginas. Se trata de la psicología o mentalidad de ser una persona creativa Una de las líneas en ese libro que siempre me ha pegado fue que dijo Steven Pressfield Haz de tu espacio un santuario, no para ti, sino un santuario al concepto de creatividad Hazlo para que cuando entres a tu espacio creativo, te haga querer crear algo. O sea, eso suena trivial ahora que acabo escuchar que me sale de la boca así, pero es verdad Cuando vengo a este espacio, me siento bien. Me siento inspirado. A mí me gusta esta habitación. Quiero sentarme en esta silla y mirar esas pantallas y sacar un cuaderno de bocetos o lo que sea que esté haciendo ese día, y quiero crear Te voy a dar un pequeño paseo en video por este espacio en tan solo un momento. Hay algunos conceptos que me vienen a la mente que me ayudaron a diseñar este espacio. Créeme, no soy diseñador de interiores. Quiero decir, probablemente debería tomar algunas clases de habilidades compartidas sobre diseño de interiores. Lo que hice, sin embargo, es que solo pensé en las cosas que me gusta ver, las cosas que me hacen sentir cómodo. Por ejemplo, este revestimiento de madera aquí. Eso es madera vieja para tarimas que encontré a un costado de la calle, que corté con una sierra y la corté a medida, y la engrapé en la pared ¿Por qué madera vieja para tarimas? No lo sé. Hay algo de la madera vieja rústica que me gusta. Me parece reconfortante. La carpintería es otro pasatiempo mío, y sólo hay algo de la madera vieja recuperada Entonces puse este panel de madera en mi pared. Ahora bien, este panel de madera es específico de este rincón de mi habitación Ya sabes, donde dibujo y pinto. No se ve detrás de la cámara, pero el resto de esta habitación es de paneles de yeso viejos y lisos que he pintado, igual que una habitación normal, pero aquí es especial. Este panel envuelve todo mi espacio creativo en el rincón aquí Y no lo sé. Es sólo un ambiente que me gusta. He visto otros espacios de artistas que están poblados con muchas plantas. Ahora bien, en realidad no soy una persona de plantas. Quiero decir, me gustan las plantas, pero soy terrible para mantenerlas vivas, así que no hay plantas para mí. Intenté mantener una planta una vez, pero murió en una semana, así que no más plantas para mí. A mí me gusta que las cosas estén ordenadas, pero no necesariamente todo guardadas. Me gusta tener cosas en su lugar pero a mi disposición. Si necesito un lápiz, está ahí mismo. No tengo que ir a cavar en un cajón, aunque podría estar más ordenado si los lápices estuvieran en un cajón, me gusta tener mis cosas al alcance del brazo Nunca voy a romper mi mentalidad del proceso creativo Sólo puedo agarrar las herramientas que necesito. Verás cómo entra en juego eso cuando haga el pequeño paseo por el video. Pero el tema de todo esto es entender qué es lo que te hace sentir cómodo o feliz o creativo, porque sobre todo si tu objetivo es llevar esto a un nivel profesional, o incluso si tu objetivo es hacer de este un hobby muy serio, algo que puedas hacer a diario o semi diario. No puedes permitirte esperar la inspiración. Tienes que poder presentarte y hacer algo. Sí, cuando la inspiración golpea, podrías crear algo un poco mejor porque la inspiración es como un estimulante mental que simplemente se siente bien Pero hablando por experiencia, quiero decir, llevo haciendo esto más de 20 años o 20 años como profesional de todos modos. Honestamente puedo decirte que la inspiración solo está ahí como el 10% del tiempo para mí. La mayor parte del tiempo cuando me despierto por la mañana, casi siento que no quiero hacerlo, pero este es el espacio que me ayuda a sentir que puedo instalarme, tal vez ponerme algo de música ambiental o tomar un café, lo que sea que esté de humor para ese día, y puedo cerrar el mundo y hacer lo mío. Y luego una vez que llevo media hora o tal vez una hora dentro de ella, me parece que me cuesta detenerme. El tiempo simplemente pasa justo al lado. Y eso es todo un testimonio de la mentalidad, y la mentalidad, creo, comienza con tu espacio personal Así que aquí hay un pequeño paseo en video de lo que estoy pasando aquí. Entonces aquí está el espacio que acabas de ver, pero desde un ángulo diferente, esto me simula como que entré en la habitación Ahora bien, esta pasa a ser una habitación encima de mi cochera, así que es bastante considerable De hecho, ese es un escritorio de siete pies que construí. Se acaba de construir con una lámina de contrachapado de la que corté el tamaño. Copié mi antiguo escritorio ICA de mis días de estudiante y corté este pequeño rincón aquí Me ayuda a acurrucarme y ayuda a mi postura. No tengo que inclinarme tanto. Entonces sí, aquí es donde trabajo todos los días, bueno, de todos modos entre semana. Y a veces me colo aquí los fines de semana, también. Recuerden, este es mi santuario a la creatividad. Las obras de arte que tengo en mi pared, y todas estas son originales de otros artistas, me recuerdan ese impulso creativo crudo Observe que estos son todos bocetos, no hay trabajo terminado. Ese boceto de Batman es mío, pero hay algunas razones especiales detrás de eso. En fin, elegí piezas no por su belleza terminada, sino por su impulso emocional crudo. puedo ver las huellas dactilares literales Aquí puedo ver las huellas dactilares literales en estas esculturas de arcilla Me gustan mucho las poses y gestos de las esculturas Disney ahí, y puedo ver el grafito en todos esos bocetos a lápiz Entonces en cuanto a equipos, estoy ejecutando una configuración de monitor dual bastante estándar, solo una LCD barata a la izquierda ahí para correos electrónicos y navegación web y tal. Entonces a la derecha, tengo un gran y viejo paseo a casa cínico. Es el modelo más profesional, más grande que hacen. Irónicamente, en realidad no lo uso realmente excepto como monitor Prefiero mucho mi tableta walkm regular, que está justo aquí Se trata del Intuos P, que es la tableta más grande que hacen, pero empecé a pintar digital en 2002 aquel entonces, no había tabletas sínticas ni de pantalla, y simplemente me acostumbré a esta tableta normal y los viejos hábitos mueren duro, supongo Ahora bien, hay momentos en los que sí uso un sintetizador, como cuando estoy trabajando en animación, por ejemplo Lo tengo en un brazo de montaje que puedo sacar fácilmente. Y cuando no estoy dibujando con él, puedo meterlo de nuevo en la pared solo para alejarlo más de mis ojos. Aquí hay una simulación de lo que veo cuando me siento en mi silla. Mantengo ese espacio a la izquierda de mi tablet abierto para cualquier medio tradicional o escultura o bosquejo que quiera hacer A veces hago pequeños bocetos gauches ahí o simplemente bocetos a lápiz o simplemente tomando notas o algo así Por supuesto, tengo ese arte a mi alrededor y realmente puedes entender eso desde este punto de vista. Tengo mi teclado y mi mouse en un lugar debajo del escritorio. De nuevo, tenía un viejo escritorio ICA que hacía esto y me gusta mucho ergonómicamente Ayuda a mi postura. Justo por aquí, tengo mi micrófono que usé para grabar videos educativos como este y mis cosas de YouTube. Nuevamente, está al alcance del brazo. Simplemente giro la cabeza y puedo decir las líneas, que es exactamente lo que estoy haciendo ahora mismo. El micrófono está escondido. Nunca tiene que moverse. Siempre está ahí cuando lo necesito. Tengo mi pequeña interfaz de audio aquí mismo. Puedo marcar en la ganancia del micrófono o lo que sea que tenga que hacer. Eso tampoco se mueve nunca. Este micrófono es sólo un juguete. Es una escultura que me gusta. Parece que se está poniendo polvoriento. Ojalá, eso te demuestre que no he escenificado esto En fin, da la casualidad de que la impresión de tres D interactúa con todas mis aficiones. Entonces tengo la impresora tres D justo aquí y está imprimiendo lejos. En fin, por eso mi escritorio mide siete pies de largo. Para que pueda caber todas estas cosas y otra vez, tenerlo todo al alcance del brazo. Ahora, antes de que hiciera todo esto, este solía ser un pequeño rincón de lectura agradable Aquí había un sofá, una pequeña cosa tipo mesa de café, pero sabía que este era el espacio que más me hablaba , así que me deshice de todas esas cosas y lo reemplacé con mi estudio. Por aquí a la derecha, tengo una bonita ventana. He leído en alguna parte que es útil reenfocar tus ojos en diferentes distancias Cuando tomo descansos que no implican que realmente salga de la habitación, lo que en realidad intento hacer, trato de salir de la habitación tanto como sea posible cuando trabajo solo para descansos. Pero siempre que no tengo tiempo para eso, me gustaría simplemente mirar por la ventana. Hay unos verdes hermosos por ahí, y me he asegurado de que ningún pájaro morirá a manos de esta ventana. De vuelta a mi hardware por un segundo. Esto no se está ejecutando en una computadora portátil ni nada por el estilo. Se está ejecutando en una computadora de escritorio. Aunque no es una supercomputadora. Mis especificaciones están en la pantalla ahí. El lugar para gastar tu dinero sin embargo es en RAM, en mi opinión. Una gran cantidad de RAM ayuda a garantizar que su software no se empantane. En fin, porque produzco muchos archivos, tengo algunos discos duros portátiles aquí abajo. Por aquí, solo un par de cajones, mis suministros de escultura están aquí. Ahora no esculpo tanto, así que estos suministros están escondidos, y cuando sí esculpo, simplemente uso el área a la izquierda de mi Al otro lado de la habitación está mi escritorio de arte tradicional. Ahora bien, esto es estrictamente para el trabajo personal. No uso los medios tradicionales profesionalmente. Aquí hay una pieza personal que acabo de terminar en acrílicos. Como puedes ver aquí, este es un lío mucho más caótico. Aunque te lo aseguro, es un desastre controlado. Aquí tengo mis pinceles. Tengo algunas pinturas escondidas en estos mini cajones, y están organizadas por temperatura de color Tengo un tipo diferente de pintura aquí y otro tipo de pintura ahí. Tengo un montón de lápices de colores aquí y justo arriba está mi fiel aerógrafo Una vez más, es la misma filosofía. Todo está al alcance de la mano. Yo personalmente no necesito que todo sea espeso y palmo. Tengo una tolerancia limitada para un poco de lío, pero lo que están viendo aquí es el alcance de esa tolerancia. Cuando las cosas inevitablemente cruzan esa línea de tolerancia, tiempo que necesito para que me guste media hora generalmente, solo para que las cosas vuelvan a la línea de base. Nuevamente, la recompensa mental de solo hacer eso es enorme. Ahora, antes de ir más lejos, recuerdo lo que era ser un joven estudiante. Estaba alquilando una habitación individual en una casa, y si esa es tu situación, entonces literalmente no puedes tener una habitación dedicada para tareas creativas. Si bien te recomiendo el segundo que tengas diferentes habitaciones a las que acceder, deberías desacoplar tus habitaciones para dormir de tus habitaciones creativas. Pero si aún no puedes hacer eso, sigo pensando que puedes poner en práctica los principios de esto. Intenta esforzarte un pequeño rincón de tu habitación para las cosas creativas. Si solo estás alquilando una habitación, tal vez tus camas allí, cosas creativas por ahí lo más lejos posible. Hazlo para que no puedas literalmente darte la vuelta sobre tu silla y caer en tu cama, que es exactamente lo que hacía hace 20 años. Hay investigaciones reales para apoyar que ese tipo de situación simplemente no es útil a largo plazo para su mentalidad Si solo tienes una habitación, intenta crear el mayor espacio posible entre donde seas creativo y el resto de tu vida en esa habitación. Bien, estamos listos para sumergirnos aquí. Antes de hacerlo, sin embargo, una última cosa, se te va a presentar mucha información en esta clase, información que está fuertemente condensada y concentrada. Por favor, no esperes que lo obtenga todo y lo ponga todo en uso de inmediato. Casi te garantizo que eso no sucederá, simplemente porque todo está concentrado, vas a necesitar ordenarlo y darte tiempo no sólo para entender los conceptos, sino luego ver cómo puedes ponerlos en uso. Ahora, algo de esto, sí, sucederá enseguida. Simplemente no esperes que todo en el curso suceda de inmediato. Pero eso es lo bueno de compartir habilidades y clases bajo demanda como esta. Tienes tantas opciones. Ni siquiera tienes que mirar a toda la clase de adelante hacia atrás de inmediato. Podrías comenzar con solo decir el primer trimestre o tal vez las primeras lecciones. Esas primeras lecciones en esta clase ciertamente pueden apoyar tu práctica de dibujo durante semanas o incluso meses. Vamos a iniciar esta clase con el dibujo de gestos. Cuando aprendí por primera vez el dibujo de gestos, no seguí adelante desde hace unos tres meses. Puedes hacer lo mismo con esta clase. O tal vez otra forma de verlo es, sí, verlo de adelante hacia atrás. Ni siquiera dibujes ni nada, solo míralo todo, lo que probablemente podrías hacer en algunas sesiones, y luego volver, volver a ver secciones y ponerlas en práctica, dándote tiempo suficiente para digerir eso antes de pasar una vez más al resto de la clase Piensa en ello como tener una bolsa de galletas frente a ti. Puedes comer solo una o dos galletas y saborear la experiencia Pero si te comes toda la bolsa, irónicamente te habrás robado todo ese placer Siento que aprender es así. Por lo general, funciona mejor cuando tomas pedacitos a la vez, secciones digeribles, las digieres y luego pasas al siguiente paso Recuerda, incluso cuando has avanzado en tus tres cuartas partes del camino a través de la clase, es totalmente viable volver al principio, apuntalar algunos fundamentos ahí Después de todo, todas estas clases se construyen unas sobre otras. Si te encuentras volviendo atrás y parcheando algo desde la primera parte de la clase, eso en realidad es ayudar a lo que viene mucho después Es como reparar los cimientos pobres de una casa. Va a ayudar a que el techo se mantenga encendido si tienes buenos cimientos. De verdad creo que esa es una de las caídas más comunes que veo hoy en día con los alumnos Solo por cosas como Tick Talk y los cortos de YouTube y los carretes de Instagram, todo el mundo solo se usa para desplazarse scroll scroll y obtener gratificación instantánea Dibujar no es así, desgraciadamente. Necesitas darte tiempo. Entonces te haré un trato. Haré todo lo posible para presentarte el material manera más entretenida y lo más eficiente posible, pero tienes que reducir la velocidad y darte tiempo para asimilarlo todo Todo bien. Entonces aquí vamos. 3. Adaptable = contratable: En este capítulo, vamos a echar un vistazo a lo que podría esperarse de ti como ilustrador. Un tema que he notado en mi trabajo es que los clientes varían ampliamente. Y porque quiero hacer esto profesionalmente y ganarme la vida de ello, me corresponde poder adaptarme a todo tipo de estilos diferentes Ahora, sí tengo un estilo de dibujo natural. Al igual que si estoy dibujando y pintando por mí mismo, tiendo a trabajar en un estilo específico. En el que me siento más cómodo, pero eso puede salir por la ventana cuando trabajo para clientes. Ser adaptable así con tu arte es algo con lo que los estudiantes luchan muy comúnmente. No viene de forma natural. Por lo general, tal vez solo un estilo le viene naturalmente a alguien y algo más puede sentirse completamente ajeno al principio. Pero con nuestras raíces en los fundamentos del arte, deberíamos poder adaptarnos realmente a cualquier estilo Debido a que esta es la habilidad central que te hace hirable, necesitamos poner la adaptabilidad como prioridad en nuestro aprendizaje En esta lección, te mostraré primero cómo he tenido que adaptarme a varios estilos a lo largo de los años, y también voy a tratar de explicar cómo están todos arraigados en el mismo conjunto de fundamentos. Voy a seguir eso con una pequeña demostración donde pinto el mismo cuadro básico dos veces, usando los mismos fundamentos y el mismo tema, pero abordaré esas pinturas de manera completamente diferente Esto le dará una buena comprensión de cómo los mismos fundamentos básicos del arte pueden impulsar estilos completamente diferentes Vamos a llegar a ello. Todo bien. Lo primero que me gustaría mostrarle. Lo que tengo en pantalla aquí son cuatro pinturas diferentes, todas las cuales hice, y todas están hechas en diferentes estilos. Probablemente puedas verlo de inmediato. Esta pieza con el monstruo aquí está hecha en un estilo caricaturesco, mientras que esta es más realista Pero también, si nos fijamos en la aplicación de pintura, esta de aquí es muy afilada con muchos bordes recortados y líneas rectas. Hay muy pocas curvas en ella. Las formas aparecen muy afiladas y con bordes duros versus dicen esta de aquí donde las formas son muy suaves y aerografiadas Se siente menos como una hoja de afeitar y más como una almohada suave, digamos. Esta pintura aquí también podría parecer una almohada suave, pero en esta, la pincelada es un poco más pronunciada Se pueden ver los trazos individuales casi. Comparado a decir éste donde las cosas son aerografiadas y bastante suaves Si miras ahí el giro de forma en el hocico de Pete, tiene bordes muy suaves Mientras que si miras el giro de forma en el monstruo, casi puedes contar los trazos de pincel que se encargan de hacer eso. Lo mismo ocurre alrededor de toda la pintura. El puente, de nuevo, puedes contar los trazos de pincel aquí. En esta zona de aquí, puedo ver los trazos garabateados que hice No hay esfuerzo por disfrazarse. Una filosofía similar es cierta en esta de abajo de aquí, excepto que en lugar de pinceladas, has recortado formas. Parece que las cosas fueron talladas con una plantilla y luego aplicadas a la pintura. Realmente no hay trazos de pincel aquí en absoluto. Es este concepto de formas cortadas con bordes duros. Esta pintura aquí a la derecha está en algún lugar entre esas cosas. Definitivamente es más similar decir este de aquí. Los brushtrokes son visibles. Pero en general, el efecto que voy por aquí es más realismo. Ahora, no el realismo fotográfico. No quiero engañar a nadie para que piense que esto es una fotografía. Todavía debería ser una pintura. Pero si acercas aquí, puedes ver que todavía hay trazos de pincel muy notables. En su mayor parte, no estoy tratando disfrazar los pinceles que estoy usando Si vamos al personaje principal, Clara aquí, ella es la más renderizada, es decir, tiene la gama más amplia de bordes de duros a blandos También se utiliza una amplia gama de tipos de brochas. Ahí se pueden ver pequeños destellos y puntos. Mezclado aquí con alguna pincelada más amplia donde las pinceladas se disfrazan más, se mezclan, digamos Si le subimos a la cabeza aquí, es lo mismo. Hay un aspecto muy suave en la forma. No estoy tratando de mostrar los trazos tanto como lo estaba en esta pieza. Pero al mismo tiempo, no quiero disfrazar el hecho de que se trata de una pintura hecha a mano De hecho, cuanto más atrás en la distancia se obtiene en esta pieza, Alejar, para que pueda ver algún contexto, ver a todas esas personas en el fondo mismo ahí. Si nos acercamos a ellos, quiero decir, mira esto. Es una especie de divulgación completa que se trata de una pintura o una pintura digital, donde estoy usando todo tipo de pinceles digitales para lograr cierto efecto. Entonces, por supuesto, cuando alejas, todas esas pinceladas se amalgaman, y te haces la ilusión de que esto es una multitud de Lo mismo ocurre en esta multitud de personas, claro, he escogido algunos detalles aquí y allá, como que se puede ver la estructura de la cabeza de este tipo. Ciertamente no hay ojos o realmente no hay boca ahí dentro. puede ver a esta persona aquí, casi parece una calavera, solo la estructura básica de una calavera. Pero cuando se aleja, todos de nuevo, se fusionan y esos trazos empiezan a tener sentido A veces opto por hacer pinturas que estén un poco más renderizadas. La catedral en esta pieza solo tiene un poquito más llamémosle rigidez en la pincelada Ahora, no del todo, se pueden ver trazos desnudos así, que sí disfruto dejando atrás cosas así. Muchos de los mismos pinceles punteados aquí que utilicé en este personaje de aquí Son exactamente los mismos pinceles porque generalmente uso los mismos juegos de pinceles. Pero en otras áreas como las estructuras de aquí arriba, solo hay un poco más de atención al renderizado. Nuevamente, no al nivel del realismo fotográfico porque ese generalmente no es mi interés por el arte. Pero se puede ver que hay una atención específica que decir, asegurándose de que esta forma cilíndrica sea muy, muy creíblemente redonda, con transiciones muy suaves, y probablemente usé un aerógrafo al menos para bloquear eso para asegurarme de que tenía una transición suave antes de agregar detalle En otras áreas, como dicen las nubes de aquí arriba, es completamente abstracto con los trazos de pincel completamente mostrando, y es solo cuando alejas que todos tienen sentido juntos. Y sí, esos son zombis, por cierto. Aquí hay otra pieza con la estética de bordes muy duros. Es del mismo proyecto que éste. Como puedes ver, ambos parecen convivir. Si esto fuera un libro, absolutamente podrías imaginarlos estando uno al lado del otro en la misma extensión. Eso tiene que ver con el estilo. El enfoque estilístico que estoy tomando entre estas dos imágenes es totalmente consistente He establecido las reglas de estas imágenes. Es decir, está hecho de, como dije antes, formas de bordes duros y formas que no están ocultas. Podrías sacar tu penil aquí en photoshop y trazar esta forma de luz que está cayendo al suelo aquí, algo así Ahí hay una forma muy clara y sencilla. Incluso pequeñas formas diminutas. Yo podría hacer lo mismo con esto. Mira esto, ¿qué es esto un trapecio Mira esta forma aquí. Es como una caja deformada. Una de las reglas que tenía para mí en estas imágenes es hacer que las formas sean muy simples y geométricas. Podemos acercar esta pieza aquí y ver el mismo tipo de aplicación. Si miras la luz y la sombra que caen sobre la hierba, estoy tratando de imitar la luz moteada que cae de un árbol, pero son triángulos y trapecios y cuadrados y rectángulos , realmente no hay Son gráficas y en tu cara, y esa es la regla número uno de este estilo que establecí para mí cuando hice este proyecto. Aquí hay otro ejemplo de un proyecto que veremos aún más a lo largo de esta clase. Pero es una serie de conceptos de carácter para un mismo proyecto. El proyecto sólo quiere un personaje. Es este personaje llamado Jake, pero no tenían idea de cómo debía ser Jake. Aquí hay al menos aquí 13 diseños, y creo que tenía otra página entera que envié. Pero puedes ver que al igual que este proyecto de aquí, me aseguré de que todos mis dibujos de Jake estén hechos con la misma estética. Si tuviera que poner en palabras, es una especie de formas redondas. No hay nada realmente agudo en esto, aunque a veces los hay, su camisa es especie de calabaza una forma de rectángulo. Aquí hay líneas rectas. Podrías trazar una línea recta bajando por todo su cuerpo ahí. Pero en su mayor parte, es redondo. Su cabeza es de forma redonda. Esta cabeza, lo mismo, es de forma redonda. Pero incluso donde sí uso rectas, si miras su brazo aquí, quiero decir, sí, esa línea inferior es un poco recta, pero notas que se alimenta en una curva agraciada Eso es cierto incluso de las líneas en su cuerpo. Esa es una línea bastante recta ahí, pero notas que se alimenta en un zapato que es redondeado. Estoy tratando de hacerlo cada vez que uso rectas, los estoy complementando con sus homólogos redondos, solo para asegurarme de que se sienta agradable, amable y suave Las formas redondas tienden a sentirse un poco más amigables con muchos de estos bocetos. Incluso puedes ver mis entrados rudos. Mira esta zona justo aquí, puedes ver mis marcas desbastadas en croquis Si notas esas marcas de boceto muestran que estoy pensando en redondez yendo así Es sólo después de hacer algunos trazos de boceto que encuentro la forma final con la que quiero ir. Por supuesto, todos estos son ejemplos de cómo tengo que ser adaptable como artista. Si este cliente viene a mí de este proyecto y quiere cierta mirada recortada, bueno, si le presenté a ese cliente estos dibujos, estaría como, eso no va a funcionar. O si tuviera aquí a este cliente que obviamente es Disney, estos son personajes de Disney, querían esa mirada agradable casi cepillada al aire donde estás llamando menos la atención al enfoque de la pintura, y se vuelve mucho más sobre solo leer a los personajes y que se sientan simplemente agradables y suaves y agradables a la vista Mientras que con esta pintura aquí, esta es una de mis propias piezas personales. Voy por una combinación donde quiero que se sienta amable y suave y agradable a la vista, pero también quiero atraerte al tipo específico de pincelada que estoy usando Casi quiero que sientas como la energía de mi brazo mientras pinté esto. Se puede ver y sentir lo que se puede haber sentido al pintar estos trazos. Eso es lo que voy a buscar aquí. Eso es a menudo lo que busco en mi propio estilo personal. Este proyecto aquí requirió una ligera adaptación. Todavía quiero que sientas la energía de los trazos, pero tuve que ser consciente de los puntos focales, estas áreas aquí donde esto tiene que sentirse un poco más cerca de esto, donde solo notas la renderización del personaje y menos la pincelada Pero de nuevo, como te mostré antes, a medida que vas al fondo, es más así, donde sí, puedes decir cuál es el tema, esta es una estatua gigante de alces, pero hay mucha más atención llamada a la pincelada física que se mete en ella Aquí hay uno hecho para el mismo proyecto que este. Estos son parte del mismo libro. Este es otro proyecto de Disney. Llegué a ilustrar la versión de libro de su película de cascanueces de 2017, 2016 2017, y estas son mis ilustraciones de esa película Nuevamente, este de aquí está más renderizado. Podemos acercar y podemos ver cómo estoy usando bordes más suaves para mostrar realmente solo la redondez de la forma Pero como casi siempre trato de hacer. Sigo encontrando áreas para dejar atrás evidencias de los brushtrokes Pero en zonas donde el punto focal como su cara, estoy tratando de ser muy suave y muy rendery en esa zona Y lo mismo con la mano, esto también es una gran parte del foco. Estoy tratando de ser un poco más rendery con la mano. Si acercamos el zoom, se puede ver que estoy mezclando y como difuminando mis bordes entre trazos Utilicé mucha herramienta para difuminar para esto y aerógrafo aquí Todavía puedo ver evidencia de mi bloqueo aquí, para lo cual uso mi pincel punteado, lo que sí me encanta usarlo Simplemente me hace sentir que soy libre de pintar lo que quiera antes de encerrarme en trazos finales. Pero de todos modos, ojalá, esto te dé un poco de visión general de cómo se ve, al menos en el contexto de mi propia carrera, de cómo he tenido que ser adaptable a diferentes proyectos y hablando de diferentes estilos. Quizá tengas la pregunta, bueno, ¿cómo haces eso? ¿Cómo saltar y ser camaleón entre diferentes estilos La respuesta a eso, como aludí en la introducción a esta clase, se trata de conocer tus fundamentos Si sabes lo que fundamentalmente le estás haciendo a una foto. Por ejemplo, agregar luz versus sombra, eso se puede hacer en 1 millón de estilos diferentes. Pero para hacer eso, primero hay que saber, ¿qué es la luz? ¿Qué hace? ¿Qué es la sombra? ¿Qué hace eso? ¿Cómo se relacionan entre sí en una imagen? Esas no son cuestiones estilísticas. Esos van por debajo del estilo, como los cimientos de una casa, y son preguntas fundamentales. Para solidificar aún más ese concepto para ti. Quiero hacer un pequeño demo donde pinto lo mismo dos veces, pero en dos estilos diferentes con enfoques diferentes. Aquí vamos. Aquí tengo dos lienzos y los pintaré Seguiré el mismo enfoque en cada uno y están relativamente sincronizados, para que puedas comparar cada paso del camino. Obtendrás una visión clara de cómo los fundamentos son los mismos en ambos, pero el enfoque, y por lo tanto, la estética visual resultante o estilo son diferentes entre los dos Ya, puedes ver a la izquierda, estoy usando mucha más pincelada y a la derecha, solo estoy usando esas formas recortadas, similares a los proyectos que te mostré justo antes En ambos casos, sin embargo, voy por un fondo superior oscuro y un fondo inferior claro. Me voy a imaginar que la parte inferior de la imagen es como el piso, y habrá una pelota sentada en ese piso, que estoy bloqueando aquí. Por supuesto, a la izquierda, estoy usando un pincel para bloquear esa bola y a la derecha, estoy usando esa selección dentada Y ya eso ilustra el principio básico en juego aquí. Lo fundamental es que estamos retratando una pelota en esta imagen Pero la forma en que nos acercamos a esa pelota difiere completamente de una imagen a otra. Por ejemplo, a la izquierda, estoy agregando sombras solo con un pincel redondo, pintándolo, y ahora a la derecha, agregaré esas mismas sombras, pero con una herramienta de selección, y en lugar de pintarlo con un pincel, usaré rellenos de color básicos. Cada uno de esos rellenos de color a la derecha se puede ajustar, lo que estoy haciendo ahora mismo. Mira la sombra en el balón de la izquierda. Fíjate en lo que es muy cepillada. Ahora mira lo que está sucediendo en la imagen correcta. Estoy bloqueando en esa misma sombra, pero de nuevo, con un relleno de borde duro de precisión de píxeles. Voy a usar esa misma técnica ahora para construir las luces en la pelota. Observe que estoy haciendo lo mismo en la pintura de la izquierda, pero he construido esas luces de nuevo con un pincel. A la izquierda, estoy presionando muy ligeramente en mi tableta para mezclar estos tonos y colores. Mientras que en la pintura correcta, eso no es posible. Me estoy restringiendo a rellenos de color de bordes duros. No hay mezcla suave. La mezcla es otro de esos fundamentos. Puedo imitar la mezcla a la derecha. Sólo tengo que hacerlo con formas que estén muy juntas en tono, no grandes cambios de una forma a la siguiente. Basta con mirar las regiones de sombra de las dos esferas, la izquierda y la derecha, y notar cómo ambas tienen lo fundamental de la mezcla suave, pero se logran de dos maneras completamente diferentes. Casi parece que dos artistas diferentes los pintaron. Por supuesto, ese es el poder de ser adaptable. Puedes imitar el look de artistas muy diferentes. Eso es lo que te hace intrínsecamente hirable o deseable acompañar o cliente Ahí hay mucha más versatilidad que si solo te especializaras en una cosa. Y sí, hay muchos artistas por ahí que sí solo se especializan en una cosa. Pero también creo que el mercado ha cambiado enormemente en la última, digamos, década o más, donde los artistas tienen más éxito cuando pueden adaptarse Después de todo, esa es la naturaleza del negocio. Diferentes clientes tienen diferentes necesidades, diferentes necesidades requieren diferentes estéticas y estilos, siempre es atractivo para una empresa si puedes montar a horcajadas sobre eso Prácticamente hablando, una empresa o cliente preferiría simplemente trabajar con un artista, alguien que conozca y en quien confíe, que tenga que encontrar un artista diferente cada vez. Por ejemplo, he hecho bastante trabajo para Walt Disney Publishing. Acabas de ver algunos ejemplos de eso en la sección anterior. El director de arte siempre me envía un correo electrónico y dice: Oye, Marco, aquí está el estilo de este próximo libro. ¿Te sientes cómodo trabajando de esta manera? Porque siempre he podido decir, sí, me siento cómodo trabajando de esa manera, literalmente puedo contar la cantidad de trabajos que he conseguido que no habría conseguido si solo hubiera trabajado en un estilo. Probablemente he procurado años de trabajo de esa manera. Nuevamente, es todo gracias a los fundamentos. 4. Cómo ser contratado: consejos de la industria: Uno de los debates más grandes que tendrás que resolver por ti mismo gira en torno a la pregunta, ¿ debería ser generalista o especialista Un generalista es alguien que tiene habilidades como en todas partes, diseño de personajes, lo que implica posar y dar vueltas, hojas de expresión, todo el camino para decir, arte conceptual, poder visualizar algo en una pintura muy rápidamente, a entornos, poner personajes en un fondo o simplemente fondos ellos mismos sin personajes, y tal vez todo el camino a la ilustración terminada. Que pueden combinar personajes y fondo, así como pesadas herramientas de dirección de arte como la iluminación y la composición, cosas así. Un generalista es alguien cuya aptitud abarca todo ese material Un especialista, por otro lado, es alguien que está hiper hiper enfocado en una sola cosa Lo ves por todas partes en la industria. Una muy común, por ejemplo, sería alguien que es diseñador de personajes, y eso es todo lo que hacen. Ni siquiera tratan de hacer ambientes. Comúnmente verás estas cosas reflejadas en las carteras de artistas Si alguien es generalista, entonces podrías ver personaje aquí ambiente aquí, o si alguien es especialista, cuando veas su portafolio, deberías esperar ver solo personajes Ahora bien, cuando se trata de estilo, creo que hay una respuesta muy clara, deberías ser generalista Estilo sabio. Deberías poder dibujar y pintar en varios estilos diferentes. Por supuesto, acabamos de hablar eso en la discusión anterior. En mi opinión, solo te estás disparando justo en el pie si solo puedes hacer un estilo. Si el arte es tu afición, entonces está bien. Un estilo es todo lo que necesitas. Pero esta clase tiene el tema de ser hirable, y una de las mejores y más obvias cosas que puedes hacer por ti mismo en esa arena es poder adaptarte a diferentes estilos Pero volvamos a la materia por un segundo. No hay una respuesta fácil. Tampoco hay una respuesta correcta e incorrecta. Todos son diferentes. Todos tienen diferentes aptitudes e intereses, y conjuntos de habilidades. Si bien puedes ampliar tu conjunto de habilidades, que es lo que espero estar haciendo en esta clase aquí contigo, probablemente sea razonable asumir que te sientes más cómodo con una cosa. Aquí es donde puedo empezar a hablar personalmente. He notado mi propio enfoque, algo así como cambiado a través de mis años en el arte. Empecé mayormente interesado en los personajes. En realidad, quería ser animadora de personajes, así que todo lo que hice fue dibujar e intentar animar Fue solo varios años después, unos cuatro años después, en realidad, descubrí que me encantaba pintar y no solo pintar personajes, sino en realidad pintar fondos y ambientes. Me tomó totalmente desprevenido, pero solo seguí mi corazón en esa. Reemplazé personajes por ambientes, y realmente volví a hacer que ese enfoque volviera a centrarse durante los próximos años. Ahora, finalmente hice el círculo completo y me casé con los dos. Por supuesto, nunca me olvidé completamente de los personajes. Pude juntar a los dos. Recuerden, esto es en el transcurso de varios años. Pero me pareció que para mí, simplemente me sentía natural ser generalista, es decir, tenía habilidades en diferentes áreas y las combinaría No solo eso, sino que realmente quería crear ilustraciones terminadas, también, cosas que tuvieran personajes y fondos donde no se tenga la idea de que una se hace mejor que la otra. Sienten que viven juntos. Desde hace mucho tiempo, ese ha sido mi impulso como artista, ser generalista Eso me ha hecho maravillas a nivel freelance, porque, claro, los clientes pueden venir a mí para todo tipo de cosas. El engaño que encontré de ser generalista es que los grandes estudios, tus Pixars o Dreamworks, o Sonys, les cuesta mucho más mirarte y decidir dónde encajarías Porque se puede hacer un poco de todo, la psicología, creo que con un gran estudio es que probablemente preferirían mirar a un especialista porque encajan perfectamente en esa caja. Ahora bien, aunque antes he trabajado en grandes estudios a nivel freelance, la mayor parte de mi trabajo en realidad no ha sido para como los AA Pixars del mundo, o si lo ha hecho, por ejemplo, he trabajado para Disney desde hace casi diez años Gran parte de mi trabajo de Disney ha estado en su departamento editorial, donde pueden usar un conjunto de habilidades generalistas para hacer ilustraciones completas Pero alguien como un Pixar o un Sony, realidad no lo están buscando, excepción de la etapa de arte conceptual, pero eso tiende a ser una especie de etapa breve en el pipeline de producción La mayoría de los artistas empleados en esos estudios son especialistas. Recuerda que los estudios más grandes pueden darse el lujo de emplear a personas en función de sus especialidades, y una descripción del trabajo en esos estudios será muy clara. Queremos cumplir un rol de diseño de personajes. Debido a que son estudios enormes, si eres generalista, podrías estar compitiendo con los mejores diseñadores de personajes del mundo que han pasado toda su vida artística enfocándose en esa habilidad, y como has ampliado tu conjunto de habilidades, es posible que te resulte más difícil competir en esa área Entonces, si tu objetivo es específicamente trabajar en los estudios más grandes del mundo, nuevamente, tus Pixars y Sonys, probablemente deberías ser un especialista Yo, sin embargo, he encontrado que para mi carrera, he podido trabajar para todo tipo de estudios, de nuevo, a veces estudios grandes, pero muchas veces como estudios como Haspro, que es una compañía de juguetes bastante grande, pero tienen una Tenían el presupuesto para pasar alrededor de un año armando un largometraje. Todavía no está hecho todavía. Creo que está en producción ahora mismo, aunque no estoy segura. Estaban contratando en su mayoría generalistas para realizar todo tipo de trabajos El trabajo que hice fue, tomé algunas ideas de personajes que alguien más había hecho, y las puse en dos ilustraciones. Y en esas ilustraciones, uno de mis trabajos como una especie de artista conceptual era no sólo poner a los personajes en ilustraciones, sino inventar y diseñar entornos en los que se encontraban esos personajes Y con eso vino mucho como el diseño de iluminación. Tendría que integrar a los personajes en un ambiente que estuviera iluminado de la manera en que lo vería iluminado. Y fue un buen tipo de prueba para ver si sus diseños de personajes podían vivir en este tipo de ambiente. He hecho muchos trabajos así. Trabajos que me requirieron recorrer la gama desde personajes hasta entornos, combinándolos la mayor parte del tiempo Otro ejemplo serían los libros infantiles. Absolutamente necesitas ser generalista si quieres trabajar en cualquier tipo de publicación Sea típicamente con la publicación, realmente no tiene una sección de diseño de personajes y una sección de diseño de entornos. Es solo un artista en el caso de la mayoría de los libros infantiles, o si se trata de un equipo pequeño, lo que a veces puede suceder. He hecho libros donde somos dos, pero ambos artistas tienden a ser generalistas trabajando juntos y juntando tu arte Desde mi experiencia, los editores prefieren en gran medida trabajar con un solo artista, y ese artista idealmente puede hacer todo. Ahora, recuerda que un generalista, que es lo que soy, no quiere decir que estés bien en todo Deberías ser bueno en todo. Ahora, lleva tiempo. Llevo 20 años haciendo esto , pero en algún momento, siento que puedes desarrollar la habilidad para llegar al punto en el que podrías competir con un diseñador de personajes especializado, aunque probablemente no podrías competir con su reputación y experiencia, porque un especialista podrá acumular muchos trabajos de diseño de personajes donde quizás no puedas hacer eso como generalista Pero no quiere decir que tus habilidades sean inferiores a las de otra persona, que es especialista. Cuanto más trabajes en las cosas, más construirán tus habilidades. Para atar ese concepto a los próximos capítulos de esta clase, los capítulos que están a punto de ver justo después de esto, estamos a punto de trabajar en todos nuestros fundamentos. Lo bueno de los fundamentos del arte es que los fundamentos del arte son por naturaleza Puedes aplicarlos a cualquier cosa. Vamos a fingir que quieres ser un especialista. No te digas a ti mismo, Oh, quiero hacer personajes. Eso significa que no tengo que aprender sobre el color. No, no hagas eso porque te limitarás. La naturaleza de los fundamentos del arte es que todos se entrelazan Todos van de la mano. No hay nada que esté apagado en su propia isla. Incluso algo así como el color, podrías pensar que el color no está relacionado con el dibujo. Es cierto, ahí hay un poco de abismo, pero sobre muchas, muchas pinturas, te sorprendería cómo el color puede influir en tus formas y en tu Eso me lleva a mi siguiente punto sobre trabajar para estudios. Recuerda que la mayoría de los estudios que existen en el mundo no son tus Pixars y Soonys y Dreamworks Hay estudios más pequeños. En mi experiencia, te beneficia ser generalista en un estudio más pequeño porque estudios más pequeños generalmente no tienen los presupuestos súper altos para contratar especialistas en cada área Además, si se trata de un estudio pequeño, no van a llamar la atención de esos especialistas como un Pixar Entonces ser generalista me ha llevado a hacer gran parte de mi trabajo en estudios más pequeños A veces hasta estudios muy pequeños, eso todavía puede pagar, claro. Pero todo el camino hasta estudios más grandes que tal vez solo quedan un paso por debajo de los Pixars Sólo una nota rápida sobre eso. Cuando era más joven, cuando tenía como 20 años, pensaba que una carrera artística no valía nada si no trabajabas para los perros grandes, ya no me siento Este es mi trabajo. Así es como gano dinero. Ahora tengo una familia. Si alguien quiere pagarme por mi trabajo Ya sea una agencia editorial de mamá y pop para la que he trabajado antes, todo el camino hasta un Dreamworks A mí realmente no me importa. Ya no siento la necesidad de ver mi nombre en una secuencia crediticia de Dreamworks Esto viene de alguien que ha tenido su nombre en muchas secuencias crediticias. Para mí, todos son iguales después de 20 años de hacer esto. Realmente ya no me importa si es un gran estudio del que todos han oído hablar o un estudio pequeño del que nadie ha oído hablar. Si te pagan, eso es lo importante. Recuerda, tu objetivo aquí es ser contratado para tu trabajo. Si tu objetivo es eventualmente trabajar en Pixar, por favor date tiempo para escalar esa montaña y llegar a ese pináculo Probablemente no va a pasar nada más allá de la universidad. Hablando de estudios y ser contratado por estudios. Realmente te corresponde mirar los estudios a los que quizás quieras postularte y ver cuáles son sus proyectos y adaptar tu cartera Hablaré un poco más sobre portafolio, y te mostraré algunas de mis carteras al final de esta clase Considera esta parte una de la discusión, que retomaremos más adelante. Pero es muy inteligente mirar lo que produce un estudio e intentar trabajar en esa línea. Ya seas especialista o generalista, no importa Tómese algunas semanas o días o meses, sea lo que sea, para armar una colección de trabajo que parece que podría salir de ese estudio. El otro consejo rápido que tengo sobre diseñar tu portafolio y armar un cuerpo de trabajo que se vea cohesivo es tratar reducir la cantidad de uno offs que muestras Uno offs significa como, Oh, hoy, hice una foto de un personaje de perro Ah, y ahora estoy haciendo una escena de dios griego. Ah, y mañana, voy a hacer una escena caricaturesca de pantalón cuadrado de bob esponja No me malinterpretes. Es genial hacer todas esas cosas. Pero si tu cartera sale constantemente del campo izquierdo, incluso como generalista, es difícil para la gente saber realmente en qué eres bueno Intenta armar una colección de trabajo que sea general, pero se sienta como una visión cohesiva, o armar un proyecto donde estés diseñando un entorno de una película o juego singular, por ejemplo Ya sabes, aquí tienes una página de diseños de templos mayas. Ahora, aquí hay una página de personajes que encajarían en ese templo maya. Y mira en la página siguiente, aquí tienes un ejemplo de esos personajes en realidad en el entorno del templo maya. Entonces tienes tres o cuatro páginas de un proyecto cohesivo o IP que puedas desarrollar, que luego podrás mostrar a tu empleador potencial 5. Cómo conseguir que te contraten: sigue habiendo consejos de la industria: Recuerda que cuando la gente mira tu trabajo, probablemente lo esté viendo por primera vez a menos que ya te conozcan, que es algo de lo que hablaré también en la siguiente sección, esa forma de networking. Pero debes considerar la idea que un cliente estará viendo tu trabajo por primera vez y nadie tiene la paciencia para realmente sentarte y estudiar tu trabajo. Lo van a hojear. O probablemente en estos días, van a desplazarse por él. El desplazamiento es aún peor porque desplazarse en un teléfono o una computadora es mucho más rápido que voltear las páginas de Si puedes golpear a alguien con varias imágenes que son cohesivas entre sí, casi se convierte en una declaración en el cerebro de tu potencial empleador, y eso solo te pone más a la vanguardia de su mente Cuando se trata de la curación de carteras y la construcción de carteras, probablemente sea un poco más fácil ser un especialista Por ejemplo, si estás haciendo personajes, solo vas a llenar ese portafolio con personajes. Por supuesto, diferentes estilos, como mencionamos, pero una página podría ser varios personajes intercalados juntos Entonces la página siguiente podría ser exploraciones detalladas de un personaje Otra página serían los cambios tridimensionales de ese personaje Fluye bastante lógicamente. Si estás haciendo entornos, posible que tengas miniaturas, una página Y tal vez composiciones más grandes, la página siguiente, entonces tal vez estudios aislados de cada elemento en el entorno en otra página. Y entonces tal vez en la página siguiente, después de eso, una bonita, hermosa representación completa de ese ambiente. Y luego después de eso, vas al siguiente ambiente. Entonces, ya sabes, siendo un especialista, está bastante cortado y seco, qué querrás enfocarte en tu portafolio y cómo organizarlo. Pero el mismo principio es cierto. No solo tengas todo saliendo del campo izquierdo. Por ejemplo, cada página, no creo que deba ser de diferentes personajes por todas partes. Escoge uno y explórelo. Diferentes atuendos, diferentes poses, diferentes cambios de rumbo, diferentes ángulos Pasa algunas páginas en ese personaje antes de pasar al siguiente. Apenas en general, no caigas en esa trampa de campo izquierdo. Recuerda que cuando un estudio o un equipo de producción contrata a un artista, es muy diferente a que un individuo te contrate para una comisión Por una comisión, es una única vez, y en realidad no estoy hablando de comisiones en esta clase. Las comisiones son geniales, pero no son una forma confiable de ganarse la vida. Te recomendaría que construyas tu carrera sobre el trabajo de proyectos. Ya sea con equipos de artistas como en una película o juego o como un proyecto de libro, donde podrías ser el único artista en él, pero es un libro que tiene 32 páginas de largo, por ejemplo. Esos proyectos exigen más de ti como artista porque si dices si eres diseñador de personajes, vas a necesitar poner a un personaje en diferentes poses, diferentes ángulos, diferentes tomas, diferentes composiciones, diferentes expresiones faciales. Si eres un artista ambiental, necesitarás hacer lo mismo, pero con diferente iluminación en ese ambiente, diferentes ángulos, diferentes composiciones, diferentes estados de ánimo y sensaciones Si eres generalista, quién sabe lo que te van a lanzar, pero van a esperar que juegues a la pelota en cada paso del camino Hay que tener las habilidades para acomodar eso. Por supuesto, preséntate a trabajar todos los días o en tu estudio en casa todos los días como freelance, listo para cualquier tipo de desafío que te puedan lanzar Me parece que ese tipo de trabajo de proyecto una experiencia mucho más valiosa porque completa tu conjunto de habilidades. Obtienes una cosita agradable para escribir en tu CV o tu currículum. Si se trata de un proyecto, especialmente un proyecto más grande, es probable que la gente haya oído hablar de ese proyecto cuando te estén contratando un año más adelante. Mientras que si todo lo que te estás enfocando son comisiones individuales, digamos para la campaña de mazmorras y dragones de alguien, no va a empacar el mismo golpe cuando se trata de tu CV ni nada por el estilo No se ve exactamente igual en papel cuando dices, diseñé el personaje orco de la campaña de mi amiga Breeze DND. Pero voy a bromear a un lado. Ese tipo de trabajo es genial. Simplemente no son realmente los bloques de construcción de una carrera. Y en esta clase, estamos viendo el arte como una carrera continua, algo sobre lo que puedes construir en los años y años que vas a estar haciendo esto. Supongo que en ese contexto, las comisiones son geniales. Sólo hazlos a un lado. Mientras enfocas la mayor parte de tu tiempo en aterrizar como trabajo de proyecto. Eso es lo que recomiendo de todos modos. De nuevo, solo soy una persona, hablando desde mi propia experiencia. Pero después de hacer esto durante 20 años, espero que esa experiencia lleve algo de peso contigo. Bien, el tema sucio. ¿Deberías usar IA? No lo recomiendo. No quiero convertir esta clase en un debate sobre la ética de la IA. Sé lo suficiente como para saber que todo el mundo tiene su postura al respecto. Yo personalmente no lo uso. Y parte de eso es que sí tengo problemas éticos con ello. Pero también, me parece que con buenos fundamentos y buenas habilidades, eres mejor que la IA. No lo necesitas. Ya sabes, si necesito referencia para algo, solo voy a hacer una buena búsqueda antigua en Google. No necesito usar IA para darme las respuestas a un problema. Quiero resolver las respuestas a mi problema con mi propio cerebro artístico. Siente como herramientas como la IA eluden eso y te dan respuestas preparadas que bien, nunca serán personales porque no eres tú quien lo resuelve En ese sentido, siento que las plataformas de IA intentan darte demasiado. Simplemente me siento como, más despacio. Quiero resolver los problemas a cada paso del camino, no algún algoritmo. Debido a que la IA realmente se ha reducido a la barrera de entrada, que ya estaba baja, pero la IA la ha desplomado hasta el piso, ahora vas a estar compitiendo con usuarios de inteligencia artificial Pero digo que como una buena noticia, es que la IA suele ser bastante fácil de detectar, y sé que un montón de gente en la industria y artistas generalmente la rechazan. Conozco activamente a personas que si ven la IA en la cartera de alguien, no están siendo contratadas porque el uso de la IA, especialmente el uso excesivo de la misma o el uso obvio de la misma, proyecta el mensaje de que eres un artista perezoso Quiero decir, si vas a dejar que una computadora haga el trabajo por ti, ¿por qué voy a contratarte? Ahora, obviamente, no puedo controlar, ¿ ni quiero controlar tu brújula? Si estás éticamente de acuerdo con el uso de la IA, recomendaría hacerte un favor y no usarla para ningún trabajo terminado, tal vez generar referencia con ella Otra vez, no voy a hacer eso, pero si lo estás, asegúrate de que la mayor parte de los problemas que estás resolviendo provienen de ti. Después de todo, eso es lo que va a hacer que un artista sea diferente de otro. Sus soluciones únicas a un problema, que está todo envuelto y atado con tu propia personalidad y tu propio carácter. Para cerrar esta sección antes de recogerla al final de la clase, estamos a punto de meternos en la plática de fundamentos aquí Pero para cerrar esta sección, hay una cosa más de la que quiero hablar. Es decir, ¿deberías hacer una prueba no remunerada para que un estudio sea contratado Esta fue una práctica extremadamente común en los años 90 y principios de la década de 2000, comencé como profesional a principios de la década de 2000, y hacer pruebas no remuneradas era casi Es como, por supuesto, que haces una prueba no remunerada. Eso ha cambiado ahora porque gente lo ve como explotador, lo que es. Pero soy de dos mentes de lo de la prueba no remunerada. En primer lugar, si tienes una cartera fuerte y obtienes una buena reacción por parte de un posible empleador, te preguntan, harías esta prueba por nosotros para demostrar que eres bueno para el proyecto. Obviamente depende de ti si dices sí o no, pero te recomiendo encarecidamente hacer algunas preguntas. La primera pregunta es, ¿ tiene algún tipo de presupuesto para esto? Aunque no sea lo que en última instancia me pagarás por el trabajo, ¿tienes algún tipo de presupuesto asignado para tus pruebas? Además, asegúrate de que no te están pidiendo que hagas trabajos de producción como prueba, sobre todo si no es remunerado Si es una prueba paga, eso es algo diferente. Entonces no es realmente una prueba, es un trabajo, solo un trabajo más pequeño que puede llevar a más. Así lo veo yo. Si es una prueba paga, deberías poder hacer trabajos de producción, no hay problema. Sin embargo, si no es remunerado, asegúrate de que no estás trabajando para su proyecto, o si lo estás, asegúrate de tener algo por escrito, muy importante para que sea por escrito que diga que tal vez no usen esto Quizás a menos que seas contratado entonces para ser ese artista, tal vez entonces puedas elaborar un modelo de compensación, que es algo que ya he hecho antes. He hecho una prueba no remunerada donde cuando me contrataron, les permití que la usaran, pero ellos la pagaron Generalmente pienso que cuanta más experiencia tengas, menos dispuesto deberías estar a hacer una prueba, porque tu experiencia y tu cartera deberían ser toda la evidencia que alguien necesite para contratarte. De hecho me pidieron que hiciera una prueba el año pasado, y me molestó y me reí como una prueba, tengo todo este trabajo que he hecho ¿Por qué qué información posible aún no tienes? Pero ellos querían una prueba y yo pude negociar un pequeño presupuesto para ello. Creo que negocié 250 dólares. Yo hice la prueba en aproximadamente dos días, así que funcionó. obstante, si eres nuevo el campo y no tienes experiencia, creo, y esta es solo mi opinión, puedes tirarla por la ventana, creo que deberías ser más susceptible de hacer una prueba, aunque no sea remunerada, pero asegúrate de que no te estén dando toda una tarea enorme Ya sabes, como que no hay cambios completos de personajes, tal vez solo un boceto de personaje o una obra de arte conceptual que podría llevarte un Nada que te vaya a poner por las etapas de producción, todo lo cual no se paga, y sin ninguna garantía de que vas a conseguir el trabajo al final de todos modos Pero te estoy hablando por experiencia aquí, muchos de los trabajos más grandes que he aterrizado para los que he hecho pruebas. Ahora, una vez más, no he hecho una prueba menos esa que me pagaron hace un año. Realmente no he hecho una prueba en una década porque con experiencia, gente sabe de qué se trata. Pero si eres nuevo, quizás quieras considerarlo como parte del costo de hacer negocios e irrumpir. De nuevo, solo mi opinión, por favor siéntete libre de tirarlo por la ventana si no te gusta eso. La desafortunada realidad es, aunque por cada prueba que te niegues a hacer, va a haber otros artistas que lo hagan. Es una de esas capturas 22 cosas. Supongo que este pequeño segmento aquí es solo una advertencia al respecto. Hay que sopesar los aspectos prácticos contra la ética personal, contra los negocios. Creo que si lleva a un trabajo bien remunerado, vale la pena hacer una prueba no remunerada, pero nunca hacer una prueba no remunerada a menos que preguntes primero si hay presupuesto, porque muchas veces habrá O si alguien te está pidiendo que hagas una prueba y está buscando una vena de trabajo específica, tal vez ya la tengas, pero no estaba en tu cartera. Se podría decir, Oh, aquí, tengo algo así como eso. Échale un vistazo a esto. ¿Esto satisface sus requerimientos? Simplemente tómalo como una señal de que no están muy seguros, tal vez cómo platicar con un artista o cómo evaluar la obra de un artista. Porque recuerda, muchos de tus clientes probablemente no serán artistas ellos mismos, y alguien que no es artista tiene dificultades para evaluar el trabajo de un artista. Ellos saben que les gusta, pero no saben exactamente si puedes hacer lo que ellos quieren que hagas. Al final, claro, toma tu propia decisión. Nada de esto es ni siquiera relevante si no tienes buenos fundamentos artísticos A la hora de ser contratado como artista o ilustrador o diseñador de personajes o quien sea que quieras ser, necesitas buenos fundamentos. Cambiemos de marcha en esta clase ahora. Repasa un montón de fundamentos. Todo, desde personajes, gestos, formas, formas , color y luz, estudios, entornos, ilustración. Repasemos por todo eso, y luego justo después de eso, volveremos a las cosas de hier ability, carteras, y cómo acercarnos a la gente, cosas así, y terminaremos la clase con eso . Aquí vamos. Cambiemos de marcha y entremos en algunos fundamentos del arte. 6. Personajes: dibujo de gestos: Debido a que estamos íntimamente familiarizados con cómo se ve la gente, actúa y se comporta, dibujar a la gente es un gran lugar para comenzar a formar tus fundamentos Ya sea que estés mirando tu propio arte u otras personas mirando tu arte, con dibujar a la gente, se volverá muy obvio si algo simplemente no se siente bien. Porque de nuevo, todos tienen esa experiencia interpersonal. Por lo que dibujar personas es un gran barómetro con el que puedes medir tu progreso Por supuesto, también es muy útil porque probablemente estarás dibujando muchísimo a personas o personajes. A la hora de dibujar personas, el primer aspecto a entender es el concepto de pose. Posar se relaciona con cómo se mueven o se comportan las personas , su lenguaje corporal. El lenguaje corporal es una de esas cosas universales que todos en el mundo entienden. Cruza países y culturas. Ya sea que alguien esté corriendo a tomar un tren o simplemente esperando su café, la forma en que posan puede decirnos mucho sobre esa persona. Incluso yo sentado aquí ahora mismo, podría estar sentado así, proyectando cierta imagen, o podría estar sentado así, que proyecta una imagen completamente diferente. ¿Cuál fue el cambio ahí? Bueno, uno, los hombros están hacia atrás, el pecho está afuera, y el otro, los hombros están arriba, los brazos están adentro, todo está más apretado Hay todo un mundo de diferencia de lenguaje corporal ahí sin mucho movimiento físico, sin embargo, y estarías sacando conclusiones en cuanto a mi carácter basado en mi postura. Esto es lo que nos interesa en esta lección, cómo observar y finalmente capturar esas cosas. La mejor parte de todo esto es capturar poses que se pueden hacer rápidamente con el concepto de dibujo por gestos. El dibujo de gestos es donde empecé cuando era joven estudiante. En realidad, no era tan joven, tenía 19 años, pero el gesto es el primer concepto que me presentaron como habilidad profesional No vamos a estar dibujando líneas terminadas en un gesto. Un dibujo de gestos tiene como objetivo capturar el movimiento o la sensación de una pose, usando muy amplias, las llamo líneas rítmicas, y nos adentraremos en lo que eso significa de inmediato En esta lección, se trata analizar lo que es importante, separarlo de lo que no es importante en una pose, y ponerlo en la página rápidamente y con energía y actitud. Este pase de gestos es lo que captura la vida en la página, y esperamos preservar esa vida hasta el producto final. Esta lección también da inicio a nuestro primer proyecto de clase oficial, así que comencemos Lo primero que me gustaría establecer aquí es lo que quiero decir con líneas rítmicas. Bueno, primero echemos un vistazo a lo que no es una línea rítmica. Cosas como esta. Podrías estar acostumbrado a dibujar donde tus líneas son todas muy cortas y eclosionadas así y estás tratando de llegar a un contorno terminado Por ejemplo, si estuvieras dibujando la cabeza de alguien, podrías dibujarlo así. Aquí está la forma de la cabeza así, y aquí está la nariz y aquí están los ojos. Podrías pensar en dibujar de esta manera donde intentas llegar a estos contornos terminados de inmediato. Esto no es dibujo rítmico y no es dibujo por gestos Puedes dibujar de esta manera, pero te recomiendo encarecidamente cambiar tu enfoque a otra cosa. Las líneas rítmicas se parecen más a esto. Capturan movimientos amplios a través la página o no sólo a través de la página, sino a través de la pose o a través la forma, a través del tema, a través de la composición, sea lo que sea a la que puedas estar aplicándola. Creo que si miras los trazos que acabo de hacer en la página ahí, puedes sentir su energía. Lo que quiero decir con energía es que ojalá puedas sentir la forma mi mano se mueve cuando hago estos trazos, con solo mirar esto. Piénsalo casi como una montaña rusa, donde estás trazando el camino o trayectoria de la cosa. Cualquier lugar dado en la línea no es importante. Lo importante es que esto suba, como una montaña rusa, se detenga en la cima y se desplome hacia abajo. Y como si estuvieras montando esta montaña rusa, puedes sentir los empujones y tirones que te impulsan junto con esa línea rítmica Con el dibujo por gestos o realmente cualquier tipo de dibujo, hay tres líneas básicas que debes tener en cuenta. Se les conoce comúnmente como curvas C, que se parecen a las curvas de la letra C, S, que se parece a la letra S, o rectas, que son simplemente rectas Ahora bien, es importante que no tomes estas letras literalmente. Por ejemplo, una curva C no tiene que verse exactamente como la letra C. Esta aquí también es una curva C, o ¿qué tal si la invertimos así? Eso también es una curva C. Una curva C podría tener su gancho más en la parte superior y luego bajar con más gracia así Yo también llamaría a eso una curva C. Son cosas de forma muy libre. Una curva S podría verse así. Podría parecer decir esto. Esa es una combinación de dos curvas en S, pero entiendes la idea. Puede ser ancho y apretado así, o puede ser amplio y agraciado así O cualquier cosa en el medio. Una recta no tiene por qué ser perfectamente recta así. Puede ser recto así. Yo diría que esto tiene una sutil curva s, pero clasificaría esto como una recta Por supuesto, las rectas pueden ir en cualquier dirección. También pueden ser de cualquier longitud. Te das cuenta cuando dibujo estas líneas rítmicas, hago varios trazos para establecer Eso tiene todo que ver con ese concepto de sentimiento Estoy tratando de sentir estos ritmos en mi cuerpo. Por ejemplo, equiparo rectas a llevar mucho peso o contener energía muy puntiaguda Hablaremos de eso en la próxima sección. Pero cuando dibujo una recta, realmente estoy empeñado en dejar eso fuertemente abajo, tener confianza con mi mano. Mientras que, digamos que cuando dibujo una curva S, es una experiencia más fluida, un poco más lenta Estoy dibujando esto un poco más lento, como si estuviera en un río lento, un poco más agraciado, tratando de sentirlo. Si no me gusta adónde fue éste, no tengo que borrarlo, solo puedo dibujar sobre él, solo puedo dibujar sobre él, y tal vez ponerme un poco más oscuro o tal vez un poco más grueso a medida que llego a algo que se parece más a lo que tenía en mi mente, o simplemente algo que se siente bien cuando lo dejo. Y una curva C para mí también es como una curva S. Tiene esa sensación más agraciada. Pero sí pienso en una curva C como entre una curva S y una recta y que puede tener un poco más de esa energía puntiaguda. A veces voy a hacer curvas C con dos rectas incluso así Se puede ver a medida que dibujo estos cómo se puede capturar una sensación de energía basada en su propia fisicalidad, la forma en que dibuja físicamente estas líneas Aquí hay un dibujo con el que trabajé en uno de mis proyectos de Disney. Esto es bastante apropiado porque los animadores ayudaron a popularizar la idea de estas líneas rítmicas y el dibujo de estas líneas rítmicas Debido a que los animadores tienen que dibujar tantas imágenes, han desarrollado herramientas para atravesar estos dibujos de la manera más rápida y efectiva posible Una de esas herramientas se llama comúnmente la línea de acción. Echa un vistazo a esta pose. Si te pidiera que imaginaras esta pose se redujo a una sola línea, bueno, ¿qué línea rítmica elegirías? ¿Una curva S, una curva C o recta? Para mí, la respuesta es una curva C. Es una curva C que se ve así, algo que recorre toda la pose. Generalmente pienso en líneas de acción como estar en medio del cuerpo. No está definiendo ningún contorno o lado del cuerpo, está por la mitad. Observe que esta línea de acción conecta todo en la pose desde la parte superior del sombrero hasta la parte inferior de los pies. Todo en la pose está temático fuera de esta curva. También puedes empezar a mirar las extremidades reales de la pose. Por ejemplo, este brazo aquí. Imaginemos una línea de acción para ese brazo. Bueno, también es una curva C, pero va así. Es una curva muy pronunciada con un ángulo muy duro ahí mismo. De hecho, este brazo le tiene un poco de tensión. Se siente como si estuviera amarrado un poco. Casi se podría dibujar esto con dos rectas. Recuerden como dije antes que las rectas tienden a tener un poco más de energía puntiaguda a ellas. Este es un ejemplo de lo que estoy hablando. Creo que se podría considerar el gesto de ese brazo se construye con dos rectas o una curva C con un ángulo agudo muy pronunciado hacia él Veamos su pierna izquierda aquí. Hay una pose muy agraciada en eso. No es llevar mucho peso, si lo hay, yo diría que esta extremidad se ajusta a una curva en S como esta Es un tipo de ritmo muy agraciado. ¿Y su pierna derecha? Bueno, esa pierna está soportando algo de peso, y en realidad, el ritmo de esa pierna es muy similar al del brazo. Yo diría que es una curva C que tiene igualmente un ángulo muy empinado ahí mismo, también muy similar a dos rectas Nuevamente, cuanto más cerca estés de recto, en mi opinión, más peso o energía activa tiene la parte de ella. Por supuesto, lo desarrollaremos con varios dibujos en esta sección. Sigamos adelante ahora y gesticular esta pose juntos. Empezaré con la línea de acción. Esto también me ayuda en un sentido práctico. Sé dónde está la parte superior e inferior del cuerpo. Pero lo que puedo hacer desde aquí es que puedo colocar la cabeza con solo un laico básico y. No estoy tratando de dibujar al personaje. Sólo estoy tratando de tener una idea de que, él tiene una cabeza redonda, va ahí. Esa es la parte superior de la cabeza y tal vez esta es la parte inferior de la cabeza aquí. A partir de ahí, puedo decir, ¿dónde está el hombro? El hombro está debajo de la cabeza. Voy a decir que es por aquí. Nosotros hacemos un gesto hacia abajo desde ahí. Quizá pueda empezar a meter el gesto del brazo ahí dentro. De nuevo, esa curva de C pronunciada de la que hablé, y puedo continuar con ese ritmo para averiguar a dónde podría ir la mano. Desde luego no estoy tratando de dibujar una mano, recuerden. Sólo estoy tratando de conseguir eso otra vez, similar C curvilíneo ritmo de la mano, así Debido a que ahora tengo el hombro y el brazo, puedo tener una idea de dónde podría estar la parte inferior de su chaqueta. En algún lugar de aquí. Voy a poner esto con una línea indicadora. Esto no es una línea de contorno. No estoy tratando de dibujar el contorno acabado de su chaqueta. Sólo estoy tratando de decir, oye, la parte inferior de la chaqueta está justo ahí. Ahora bien, ¿por qué estoy usando una curva C? Bueno, eso en realidad se pone un poco de forma, que cubrimos en la siguiente lección. Fácilmente podrías simplemente poner una línea recta ahí para indicar dónde está. Pero me gusta el estadio o punto de referencia donde eso es solo con una pequeña línea ahí Observe que me acostumbro a usar múltiples trazos para dibujar mis gestos con. De nuevo, eso te ayuda a adentrarte en la sensación o ritmo que estás dibujando. Es útil bajar toda la postura lo más rápido que puedas. Ahora voy a ir a su pierna derecha, que es la pata portante de peso. Al darse cuenta de dos cosas aquí. Ya hablé del gesto de curva C que tiene, pero también estoy mirando la relación entre dónde está el pie y usaré la parte delantera del pie y la parte frontal de la mano. Tiene este ángulo. Quiero replicar ese ángulo en mi dibujo. A veces incluso es útil marcar un punto de referencia, poner un pequeño círculo o una x en cuanto a dónde crees que aterrizaría ese pie, y luego gesto hacia él así. Porque ese pie tiene mucho peso sobre él, voy a mantener el pie como recto. Es una curva C en una recta. Ahí está esa pierna y te das cuenta que estoy preservando ese ángulo. Ahora, siempre que sea posible, cuando le dibujo la pierna trasera, por ejemplo, me gusta sentir ese ritmo que ya tengo en el cuerpo y extenderlo hacia abajo para la pierna. Recuerden que dije que la pierna es como una curva en S que va así. Bueno, eso es lo que estoy tratando establecer aquí esa curva S. También es útil para señalar o trazar donde está el pie en el dibujo. Es como si estuviera la parte inferior del pie donde impacta el suelo y tal vez aquí está la parte superior del pie, que también es una cosa agraciada tipo curva C aquí Voy a ver quizá dónde está la parte superior de su pierna aquí y dónde está su trasero, esta zona de aquí. Voy a rudo eso en tal vez dos. Ahí es una curva C obvia. Eso me permite tal vez dar vueltas y encontrar tal vez dónde está el lado del mismo como donde está el contorno lateral. Literalmente no quiero dibujar esta línea, pero estoy notando que esa es una curva C, esa es una curva C, esa es una curva C, y estoy captando esos ritmos también Este es mi puente para meterme en mi primera sugerencia de dónde estarán eventualmente las curvas de nivel. Esta línea de aquí, está rota por la manga, pero también es una curva C. Esta es la belleza de estudiar dibujos de animación. Se mantienen justo abajo a lo esencial de la pose. Su brazo trasero sale así en otra curva C. Voy a aplicar la misma idea ahora a su pico. Me siento como esta acción curvilínea C aquí para ello. Aquí está la parte superior de su chaqueta, curva C. Incluso la parte superior de su sombrero es como una curva de C ahí, y todo su sombrero en sí tiene una acción. Va por el cuerpo. El ala de su sombrero podría ser algo curvilíneo en S. Estoy sintiendo las cosas que le van a dar a este dibujo una sensación de energía en la vida. Te das cuenta que no tiene nada que ver con los contornos finales, pero tiene mucho que ver con el propio personaje. El sentido de que este personaje se está moviendo o pensando o siendo. Ahora, cuando dibujé, diga la línea de acción para su brazo, bajé por la mitad del brazo así. Eso es lo que he dibujado aquí, la línea media de acción. Nuevamente, cuando trazo líneas de acciones, voy por la mitad de lo que sea, soy línea de acción. Pero así como te mostré con los contornos del cuerpo aquí, también es muy útil para tener una idea de lo que están haciendo rítmicamente los contornos opuestos Por ejemplo, estos contornos son curvas C opuestas. Lo voy a poner en mi gesto. Es como una curva C bajando por aquí y la otra retomando donde la dejó yendo por aquí. Me estoy expandiendo hasta los contornos de la cosa. El puño de su manga es como otra curva C. Lo bueno es tener ese gesto inicial colocado, como por ejemplo, sé dónde podría estar el final de su mano versus el final de su pie. Por lo tanto, sé dónde podría aterrizar el manguito. Un gesto es una forma de trazar también proporciones. Por ejemplo, podría mirar esto y decir, h, estos dos codos están un poco demasiado juntos Aquí es donde quizá borras un poco. A lo mejor subir el codo, solo redibuja ese ritmo para que el codo esté un poco más alto, y eso altere la acción, el lenguaje corporal Pero si ahora escondo el dibujo lineal original, todavía tenemos una pose muy definitiva aquí. Es algo que puedo sentir como el artista detrás de esto. Sé a dónde va esto, y soy capaz de calibrar como, Oye, ¿ese es el tipo de pose que quiero? ¿Ese es el tipo de sensación que quiero? En este caso, se siente como si estuviera avanzando, pero de una manera astuta o cautelosa, no está muy seguro de lo que va a encontrar, pero de todos modos va avanzando Esto ciertamente no es un puntal confiado. Puedo calibrar todo eso justo a partir de este gesto, un gesto que puede llevarte uno a 2 minutos para dibujar, si no aún más corto. Pasemos ahora para ver esta página de diseños de personajes de Jake que ya has visto antes. Ahora que tienes una introducción y una comprensión básica de lo que es el gesto, quiero que ahora mires estos dibujos a través de esa lente Observe que todos ellos tienen un gesto dinámico. La palabra dinámica significa que generalmente estás evitando posturas rectas arriba y abajo, donde nada se mueve en el cuerpo. Y para mostrarte exactamente a lo que me refiero, escojamos la pose más arriba y abajo que puedas encontrar en esta, como decir esta de aquí. El cuerpo no es muy acrobático aquí. A primera vista, sí parece ser recto arriba y abajo. Pero solo en términos de la línea de acción, mira lo que estoy haciendo para compensar eso. He inclinado la cabeza, dándole a la pose todavía una bonita curva s corriendo por ella. La idea detrás de esto es que un ser humano normal rara vez posa hacia arriba y hacia abajo. O sea, sí, sí sucede, supongo. Normalmente estamos en movimiento. En fin, quieres retratar el movimiento porque eso te dice mucho más sobre el personaje El movimiento implica que las cosas rara vez están en el mismo lugar. Tus piernas no estarán en el mismo lugar, tus hombros, uno puede estar arriba, uno puede estar abajo, tu cabeza podría inclinarse. En el dibujo número tres ahí, parece que está en medio de saludarte, así que he levantado una mano. Tus caderas podrían estar fuera de eje como este tipo de aquí. Este lado de sus caderas siendo el lado portador de peso ya que su pie está plantado en el suelo, portando ese peso, y el lado alto de sus caderas permite que este pie se levante y no lleve mucho peso. Esta pose aquí, dibujo número siete. Esto está bastante cerca de ser una pose recta hacia arriba y hacia abajo también. Pero incluso aquí, hay algunas cosas que se compensan. Por ejemplo, si dibujé una línea que conecta sus hombros, se le eleva alto en la cabeza, como si estuviera levantando los hombros, dándole un poco de acción a la pose. Además, si hice una plomada similar conectando los pies, notas que también está fuera del eje Esas dos líneas son partes clave del dibujo y no son paralelas. Y ese poco de offset ayuda a que sea interesante. A veces voy a probar poses que se basan en una línea recta. No siempre tiene que ser una curva S o curva C. Pero fíjense en lo que estoy haciendo. Simplemente estoy sesgando esa línea, así que está en un ángulo. Incluso esta versión del personaje aquí, esa línea está sesgada, sesgada alejada de la vertical Eso es algo que hago muy a menudo como este tipo de aquí, esa línea está sesgada. Yo diría que es recto aquí, pero luego hace un poco acción de curva C justo en la parte inferior. Yo diría que está en algún lugar entre una curva C y una recta. decir, es una curva C, pero se ventila hacia recta. Recuerda que las curvas C pueden aprovechar la potencia tanto de las curvas S como de las rectas Veamos este de aquí. De hecho, yo llamaría a esto una curva S. Si pensamos en bajar por la mitad de la forma, bueno, la mitad de la cabeza empieza a bajar de esta manera, en una acción de curva C, pero luego cambia. Esta es una curva en S. Esta de aquí también es una curva en S. Recuerda, atravesando la mitad de las formas. Esta de aquí también es una curva en S. Se puede ver como esto no es como una fórmula. Dentro del concepto de una curva en S, todavía tienes infinitas posibilidades. No es como si estuvieras atado a una pose solo porque se basa en una curva S. Esta pose aquí es una curva C. Pero es una curva C que tiene el vértice de la curva ahí mismo, en el tercio inferior de la C. No es como una letra C perfecta que obtendrías en una fuente, por ejemplo. También está sesgada. Nuevamente, la parte más externa de esa curva C está ahí mismo, que por supuesto es donde están sus caderas Siendo las caderas un punto de pivote en el cuerpo. Sigamos adelante y tomemos esa pose y la hagamos un gesto juntos. Sólo para mostrarte el tipo de mentalidad en la que estaba cuando empecé a trabajar en este trabajo por primera vez Aunque muy rápido, solo quiero hablar de mi interfaz digital. Estoy usando Photoshop aquí, pero definitivamente no tienes que usar photoshop. Hay toneladas de aplicaciones por ahí, muchas de las cuales son gratuitas, como Creta, por ejemplo, es gratis, y es muy parecido a Photoshop Si estás usando un iPad, probablemente quieras usar algo como Procreate o pinceles Esos son los dos muy baratos y siguen siendo profesionales. También hay otras aplicaciones geniales como Clip Studio Paint, por ejemplo. Creo que la única razón por la que uso photoshop es porque lo llevo usando desde finales de los 90 y simplemente lo conozco muy bien. De todos modos, no importa qué aplicación esté usando, tengo mi ventana de capas abierta aquí, mi selector de color por aquí, y tengo mi herramienta básica establecida por aquí. Eso es. Ahora, como saben por mi gira de estudio, también tengo monitores duales. En mi otro monitor, tengo mi lista de pinceles aquí. A veces sí pongo mis pinceles aquí, aunque ahora mismo está chocando con mis lienzos Puse mi ventana de pincel fuera de pantalla, lo cual no puede ver, pero está justo en el monitor a mi izquierda. De todas formas sólo voy a usar un cepillo para esto. Entonces a veces tengo abierta esta ventana del navegador, que solo te da una vista en miniatura de la imagen que tienes y puedes navegar con ella Pero eso es todo. Esas son las ventanas que tengo abiertas. Ahora, cuando dibujo gestos, normalmente empiezo con este pincel de caligrafía. Tiene un bonito aspecto grueso a delgado. Para mí, se alimenta del concepto de ritmo porque le tiene un control de grosor tan agradable, cuanto más duro presiono, más grueso es. Pero solo encuentro la naturaleza del cono de grueso a delgado en este pincel de caligrafía muy, muy agradable Se relaciona con mi propia filosofía y sentimiento de dibujo de gestos. Bien, sigamos adelante y gesto afuera dibujando el número nueve ahí. Normalmente, sí empiezo con la cabeza. Ahora, no dibujo la cabeza. Sólo indico, de nuevo, si la cabeza se redujera a una curva, sería en este caso, una curva C, y solo indicaré dónde está esa cabeza y la forma gestual general de la misma A menudo empiezo con la cabeza porque entonces puedo llegar directo a la relación de los hombros. La relación entre la cabeza y los hombros, encuentro que es tu primer punto crítico, ya que dibujamos aquí y a medida que practicas esto, verás lo increíble que es, cuánta actitud puedes empezar a sentir de inmediato cuando entres ahí dentro la relación cabeza y hombro. Entonces a partir de aquí, voy a hacer un gesto hacia fuera esa curva C. Asegurándose de que el ápice de la misma esté en la zona de la cadera aquí. Supongo que la pierna sí baja y hace una curva en S, si la estoy siguiendo hasta la extremidad externa ahí, y entonces esta otra pierna está por aquí, asegurándome de que tengo un poco de perspectiva ahí dentro. Hablaremos de perspectiva en la siguiente sección. Pero por ahora, solo ten en cuenta que es bastante raro que los pies estén en el mismo plano. La perspectiva lineal hará que 1 pie esté detrás y el otro pie esté al frente. Pero nuevamente, repasaremos eso en la siguiente sección. Sus brazos continúan ese ritmo de curva C o al menos la parte superior de la curva C del cuerpo. Es un poco más recto Me gusta ramificar mi gesto para indicar dedos. Nuevamente, no estoy tratando de dibujar una mano, solo estoy indicando dónde podrían estar los dedos, solo pensando en ellos como extensiones rítmicas del brazo Por supuesto, voy a hacer lo mismo con el brazo trasero aquí. Dedos estrechándose esa curva C para darle un pequeño gancho especial al final A veces simplemente exploraré más estos ritmos y obtendré indicaciones de dónde podrían estar los contornos exteriores Nuevamente, estos no son intentos finales en los contornos exteriores. Es que esa idea como, la rodilla va a estar aquí. Quiero tener una idea de cómo el contorno exterior de esa pierna interactúa con el resto del gesto. Yo también puedo hacer eso en la pierna trasera. Si solo miramos esta zona aquí mismo, cuenta de lo que no he dibujado. No he dibujado dos líneas paralelas así. Las líneas paralelas tienden a ser una elección un poco aburrida. Recomiendo evitar líneas paralelas. Observe lo que hice en mi gesto, primero tuve mi curva inicial para la pierna así, y luego la externa se estrechó y entró. Se convirtió en este tipo de ritmo mucho más interesante. Realmente recomiendo ir por ese camino. Piense en ello como los flujos y reflujos de un río. La naturaleza rara vez hará que las dos orillas de un río sean completamente paralelas. Es orgánico. Tendrá un buen flujo de compensación hacia él. Volviendo a nuestro dibujo de gestos aquí, hay una capucha que lleva puesto, y esa capucha también es una rama de esa curva temática. Yo estaba así. Su cabello podría salir, también haciendo una curva s. Estoy decidiendo que gran parte de mis elecciones de diseño se basan en las relaciones gesturales Específicamente, las relaciones de ritmos. Esta es su oreja. Parece un dibujo de una oreja, al menos una caricaturesca Pero lo que me preocupa es el ritmo que lo está impulsando. Incluso la nariz, como la parte inferior de la nariz también es una curva C. Esta pequeña curva C diminuta de la nariz siendo como una extensión de las curvas C del cuerpo, una continuación del tema. Solo estoy eligiendo llevar eso realmente al grado M, marcarlo, tenerlo enraizado en casi todas las partes. Ahora eso no es una regla. No es necesario que tu curva C temática y línea de acción se hagan eco en cada parte. No tienes que hacer eso. Si puedes hacer eso, casi tienes garantía de que el dibujo tendrá un bonito atractivo para ello. Es como una historia que está perfectamente ligada a un tema, y se tiene la sensación de que es una historia muy apretada en ese sentido. Un dibujo es de la misma manera. Una vez más, para los zapatos, tiene esta linda cosa de la curva del mar. Cuando hay peso colocado sobre algo, ambos pies están plantados en el suelo, aguantando peso, me gusta indicarle eso con una recta. Ponga una recta ahí donde su zapato pueda impactar el suelo y una recta aquí donde este zapato podría impactar sobre el suelo. ¿Ves cómo se siente como si estuviera realmente plantado en el suelo? Aquí, déjame deshacerme de estas cosas porque creo que ahora son un poco confusas ahí. Sí, ¿puedes ver cómo los zapatos por estas rectas, realmente se sienten como si estuvieran plantados? Es muy agradable tener un poco de ruptura de tu ritmo. He hablado de ritmos temáticos, estando todo basado en curvas C. Pero cuando se puede tener una curva C como esta, deteniéndose abruptamente en una recta Hay algo bonito en eso. Comienza sintiendo que estas partes del cuerpo están dando y tomando en términos de cómo están distribuyendo el peso. Romper un ritmo así es casi como agregar pimienta a algo. Sólo un poquito aquí y allá. Le vamos a dar un poco de zing. Lo que hay que entender del dibujo por gestos es que no hay reglas. Las ideas que aquí se presentan conforman una serie de herramientas que puedes usar a tu disposición. Así que ahí tiene sus pequeñas cuerdas colgando de su sudadera con capucha e incluso esas cuerdas. Hay curvas C. Por cierto, es exagerado poner estos en un dibujo de gestos Este es un detalle que diría para el final. Pero solo porque estamos analizando un trabajo terminado , solo quiero que veas cómo lo estoy pensando. Veo lo que hice aquí. Yo hice la misma curva C dos veces. Intenta no hacer eso. Eso es similar a las líneas paralelas. Es mucho mejor y más cerca de la naturaleza si puedes compensarla. Voy a hacer una curva C simplemente diferente a la otra. Este es más ancho, este es más estrecho. Este termina casi en una recta y éste tiene más de un ahusamiento. ¿Ves como eso es mucho más interesante? Simplemente borraré el que no me gusta ahí. Puedes ver aquí, tenemos un tendido muy sólido. Ahora, me tomó varios minutos dibujar eso porque estoy explicando cada paso del camino. Pero si solo estuviera dibujando esto, probablemente podría llegar a ese dibujo en 2 minutos o 1 minuto. También es muy editable. Cualquier cosa aquí siento puede cambiar porque realmente no me he comprometido con nada. Estas líneas rítmicas son lo suficientemente abstractas como para que todo sea flexible en esta etapa Pero sin embargo, la magia es que todavía tienes totalmente la sensación de lo que podrías producir a partir de aquí. Es como una valiosa bola de cristal en ese sentido. Para este, lo grabé sin hablar, para que puedan ver cómo realmente voy sobre esto. El proceso es el mismo. Simplemente va a ser más rápido. Empecé con la cabeza y me gusta la línea de acción mi camino por el cuerpo. Entonces me gusta hacer un chequeo rápido de proporciones. Me meten las caderas y los hombros justo como líneas por ahora. Entonces trato de precisar exactamente dónde se ramifican los hombros de la cabeza En este caso, los hombros se levantan, por lo que se cruzan con la cabeza Ahora, rítmicamente, mira al recto responsable de su brazo que está extendido, su brazo derecho ahí Esa recta realmente ayuda a comunicar el empuje. Nuevamente, las rectas son muy buenas en un tipo agudo de energía puntiaguda, como un empuje o peso que se sostiene Observe que su brazo izquierdo, que es el brazo de la derecha, es una curva en C, lo que le da ese brazo una sensación un poco más relajada. Tener una diferencia entre los dos ayuda al dinamismo de la pose Para las piernas aquí, solo estoy tratando jugar fuera del tema que va con el poco de una curvatura al cuerpo o la curvatura a la línea de acción. Para dar un toque de perspectiva, siempre me gusta asegurarme de que los pies no toquen el piso en el mismo punto vertical de la página. A partir de aquí, se pone la pose. He estado dibujando desde hace aproximadamente un minuto. Ahora, no siempre pude poner una pose completa en 1 minuto. Eso es algo que sucede con la práctica y la experiencia. Pero lo que hago en esta etapa es intentar potenciar algunos de los ritmos y relaciones que hay ahí Por ejemplo, no quiero que los hombros y las caderas sean paralelos. Como puedes ver, básicamente lo son ahora. Solo usando un par de colores diferentes, solo compensaré ese ángulo un poco. Es totalmente válido hacer líneas como esta en el dibujo por gestos. El gesto de recordar es un modo abstracto de dibujo. Son los cimientos. Esas líneas me ayudan a recordar que a medida que agrego formas y detalles a esto para respetar estas relaciones subyacentes y no olvidarlas a medida que avanzo. Derecha Echemos un vistazo al dibujo número ocho aquí. Para este, volveré a narrarlo en vivo para poder transmitir mis pensamientos a medida que avanzo Nuevamente, comience con la cabeza. A veces es útil hacer un poco de crucetas para marcar dónde están los ojos y hacia dónde apunta. Veremos un poco más este proceso en el siguiente capítulo. Pero si aquí tienes una cruz de pelo que representa la mitad de los ojos, entonces a veces solo puedes trazar una nariz con una curva simple, manteniendo tus líneas bonitas y ligeras para empezar, e inmediatamente desarrollas una sensación de dónde está mirando el personaje, la rotación y el ángulo de su cabeza. Entonces tal vez a partir de aquí, incluso podría construir gesto para el cabello, por ejemplo. Bajando de esta manera, y tal vez algunas orejas. Nuevamente, con estas líneas fluidas rítmicas gesturales, puedes tener una idea de la perspectiva pareja y los inicios de indicios de forma Quería sesgar esta línea vertical así que está fuera en ángulo Ya, ¿puedes ver la cantidad de actitud que pasa solo con eso? Ahora, mira esto. Aquí viene algo más de actitud. Voy a colocar la línea del hombro. También está un poco fuera de eje. Hace la letra T con mi cuerpo línea de acción. Pero de nuevo, no es una T perfecta que cruza unos ángulos perfectos de 90 grados. Está sesgada. Es así. Esos ángulos son un poco flojos. No son 90 grados. Me gusta mucho usar la palabra offset. A partir de aquí, puedo colocar un hombro alto y un hombro bajo. No extremadamente alto o extremadamente bajo, sino más alto y más bajo. Esas son palabras críticas en las que puedes pensar más alto, más bajo, compensado. A lo mejor para las caderas, voy a compensar eso un poco de la línea del hombro. Esta línea va así, esta línea va así. Están cerca de paralelos, pero no del todo paralelos. Entonces a veces incluso se puede averiguar dónde están los pies en este proceso. No siempre hago eso. Pero en este caso, porque estoy viendo un dibujo de acabado, voy a balear donde están los pies por ahí A menudo no sé lo suficiente mi diseño para colocar donde están los pies, pero puedes probarlo. Siempre se pueden mover estas cosas. Ahora mira esto. A veces es agradable hacer un gesto hacia abajo del brazo, una línea de acción para el brazo. Pero en lugar de comprometerte con ello, solo pon un círculo a donde creas que podría estar la mano y luego poner otro círculo donde está la otra mano. Es casi como si estuviera usando guantes de boxeo o algo así. Pero de inmediato, puedo tener una idea de esa acción. Entonces a partir de aquí, tal vez quiera hacer un gesto hacia esa mano. Gesto hacia esta mano. A lo mejor estoy como, No, los brazos no deberían ir así, tal vez debería salir por aquí. Si primero colocas las manos y luego haces un gesto hacia ellas, es posible que te resulte un poco más fácil construir poses más naturales o creíbles Aquí son curvas C gesticular para los dedos. Ahora, a veces sí ayuda saber exactamente qué está haciendo el personaje. Por ejemplo, en el dibujo número tres aquí, este personaje está diciendo, hola. Esa es la acción que imaginé en mi cerebro cuando lo estaba dibujando. Este tipo te estaba hablando de una locura que acaba de ver. Este tipo está mirando algo de suciedad en el pie o algo así. Este tipo está explicando algo, pero con un poco de trepidación, está perplejo o tal vez fascinado por algo, y está moviendo su cuerpo tal vez hacia la persona con la que está hablando quizás o tal vez alejando su cuerpo de lo que le alejando su cuerpo No estoy segura. Pero cuanto más puedas interiorizar sobre lo que realmente está pensando y sintiendo el personaje , más informará tu gesto sobre cómo se posiciona físicamente su cuerpo Quiero decir, podrás interiorizar esos pensamientos y tu cuerpo se moverá en consecuencia Aquí, voy a insinuar algunos de los contornos exteriores, pero pensando rítmicamente, esta es una curva C, una curva C más ancha y su pie va a ser plantado De nuevo, ya lo sabes. Me gusta usar rectas, siempre que algo esté portando peso Siempre que hago 1 pie, giro y hago el otro pie. Se nota que están en dos planos distintos. Planos, es decir, si dibujé una línea horizontal desde este punto, cruzando ese punto, Este punto es sólo un poco más alto. Es muy sutil, pero sí recomiendo jugar con esa relación. Incluso puedo hacer esto un poco más alto y esto puede ser un poco más bajo. Te recomiendo jugar con esa relación en tu trabajo. Es sólo otro de esos elementos que ayuda a darle vida a lo que estás dibujando. Aquí hay otra curva C para sus zapatos. A lo mejor este aspecto del gesto en el exterior tiene más de una curva S a él. Esta es más una curva C, y entonces sus pantalones cortos tal vez tengan una curva C así. Ahí vamos. Con unos minutos, solo unos minutos después de esto, tenemos una pose de trabajo, sin duda algo que puede soportar ser desarrollado en un diseño de personaje completamente dibujado Incluso podrías aplicar curvas C para indicar una forma general de los ojos, por ejemplo, la forma general de la boca. Ojalá ya se pueda ver que todo está basado en estas líneas rítmicas temáticas de acción y exploraciones rítmicas de acción y exploraciones rítmicas Lo que eso hace es que cura la pose. Lo une. He estado usando la palabra tema, pero eso es lo que hace un tema. Un tema lo une. Si estás en una fiesta de temática hawaiana. Las camisas hawaianas y la comida hawaiana lo atan todo junto, y nadie se queda en la oscuridad en cuanto 7. Personajes: forma 3D: Si el dibujo por gestos representaba la parte emocional del dibujo donde captas el sentimiento y la actitud y el estado de ánimo, la forma de dibujo es el extremo opuesto de ese espectro donde estamos pensando muy literalmente. Todavía no estamos pensando en las líneas finales finales, pero estamos pensando en la sólida tridimensionalidad de lo que estamos viendo Vamos a estar usando muchas formas básicas, cosas como cilindros, cajas, esferas y construyendo personajes a partir de esos elementos. Pero lo que es más importante, no se trata realmente de construir personajes en este momento. Un personaje es solo una de las muchas aplicaciones para las que puedes usar esto. Esto es más un desarrollo de un modo de pensar y ver donde somos capaces de visualizar las cosas no en dos espacios D en la página, sino en tres espacios D entrando y saliendo del espacio. Esa es la herramienta que te permite representar las cosas desde diferentes ángulos desde tu imaginación. forma de dibujar es el siguiente paso ideal de un dibujo por gestos. Entonces tomemos el mismo carácter con el que acabamos de trabajar y apliquemos forma a él. Lo que me gustaría hacer aquí es sumergirme y aplicar algunas herramientas de forma de construcción, y luego retrocederemos y llenaremos algunos vacíos teóricos. Quiero mantener esta clase lo más aplicada posible. Empecemos aquí y construiremos a del gesto con el que acabo de terminar en la lección anterior. Lo que tengo aquí es el dibujo en la capa de fondo, y entonces lo que he hecho es simplemente poner una capa encima de ella en la que voy a dibujar. Todas las cosas que estoy haciendo aquí están en una capa separada. Bien Empecemos de nuevo con la cabeza. Sigo usando el mismo orden de progresión, y la cabeza se coloca desde nuestro gesto es esta forma y es una forma circular. Voy a poner esto y esto inmediatamente, aquí mismo, este pequeño pelo cruzado se alarga. Piensa en una banda elástica que viaja sobre una esfera. En este momento estoy dibujando detrás de él. Usaré una línea punteada para eso. Estoy dibujando detrás de la esfera, entonces esto está por encima de ella. Entonces lo mismo para la línea media, pero mira esto, lo extenderé para repasar esta forma esférica teórica que estoy usando mientras me acuesto para la cabeza y da vueltas. Entonces si fuera a ser responsable y ver a través del formulario, ve así y dibuja una línea punteada detrás de él. Yo digo, sé responsable porque me parece que si eres una persona de draft, ya sabes, alguien que quiere dibujar bien, un dibujante, quieres saber siempre los entresijos de todas tus formas, no solo lo que estás viendo, sino el reverso de ello Si puedes ver a través de tus formas, como si tuvieras visión de rayos X o algo así, tendrás una forma más sólida en general. Lo que parece ser evidente por sí mismo. Si sabes más, tendrás más verdad en tu dibujo. También voy a simplemente subir mi capa blanca para ocultar el gesto un poco más de vuelta a nuestro dibujo de forma. Se va a deshacer de esa nariz que estaba ahí del gesto y reformularla. Estaba un poco demasiado lejos a la izquierda. Quiero ponerlo justo en el medio así, y voy a usar mi rojo para indicar líneas medias Déjame redibujar la línea media bajando por la cabeza. Esta línea está en el medio de la forma, repasando la forma. Pero cuando golpea la nariz, tiene que viajar alrededor de la nariz. ¿Ves eso? Imagina que así es una banda elástica envolviendo estas formas, y esa banda elástica viaja, por supuesto, alrededor de la forma a medida que se envuelve alrededor de ella, ¿verdad? Y lo mismo con este pelo cruzado de aquí. Bien. Regresa a nuestro negro. Ya ves lo útil que es tener esos colores ahí arriba. No tengo que arrastrar en el recogedor de color. Entonces empezaremos a construir el cuerpo porque tenemos eso. Ahora, nuestro gesto, recuerda que estaba diciendo que en una ilustración de dibujos animados, a menudo tus líneas rítmicas de gestos pueden convertirse en contornos finales Bueno, aquí es donde podemos empezar a ver que eso sucede. Pero pensemos en la forma. ¿Dónde estaría la parte superior de su torso como la parte superior de la caja torácica? Bueno, en el dibujo real de aquí, la parte superior de su caja torácica está oculta por los brazos, pero está en algún lugar allá arriba. Pensemos en nuestro dibujo ahora, y pongamos una pequeña elipse para la parte superior de la forma del torso Entonces esa línea gestual que colocamos aquí, en realidad voy a reutilizarla. Esta es la parte inferior de nuestro torso. Voy a usar la parte inferior de la camisa, la parte superior de las caderas como punto final de este torso. Entonces lo conectamos con esta línea rítmica que es de nuestro gesto también. Y esto también. Lo que tenemos aquí es una forma. Déjame subir mi mitad. Ahí vamos. Lo que queremos hacer es agarrar nuestro rojo aquí y entender aún más esta forma. Es plano en la parte superior, entonces esta línea media baja hasta por aquí Puedo punto de referencia donde el punto medio está justo debajo del ombligo. Y redactar. Nuevamente, una banda elástica que envuelve firmemente esa forma se vería algo así. Ahora, fíjate cómo esto se desvía de la línea de gestos debajo de ella que aún puedes ver Eso es porque esto no es una línea de gestos. La línea de gesto capturó casi el ritmo promedio del cuerpo, mientras que esta línea va sobre la forma física literal de tres D. Entonces continuemos con eso y dibujemos otra línea roja, siendo esta una elipse que va sobre la parte frontal de la parte superior del torso, y siempre es útil dibujar detrás, y también nuestra primera línea, vamos a dibujar detrás de la forma Podemos dibujar otro que viene aquí abajo y elipse. Observe que estoy siendo muy cuidadoso. Ya no estoy dibujando rítmicamente. Estoy dibujando técnicamente. Si lo del ritmo era la parte emocional, entonces lo técnico es la parte física. Entonces ahí está cómo construyo el torso. Eso es todo lo que necesito. Volvamos al color negro y continuemos. Lo que me gustaría hacer mirando mi dibujo de referencia ahí a la izquierda, usaré los pantalones cortos. Construyamos los pantalones cortos. En lugar de construir la pierna, construyamos los pantalones cortos y luego la parte inferior de la pierna saliendo de eso. Sabemos que estamos empezando desde aquí y aquí, primero construyamos los pantalones cortos por aquí. Nuevamente, nuestro gesto, que me dejó traer eso un poquito de vuelta para que lo veas. O gesto nos dijo dónde terminan los cortos ahí mismo. Pero ahora es el momento de resolver la forma cilíndrica. Ese sería el fondo de los pantalones cortos. Voy a hacer es dibujar eso todo el camino alrededor. Usaré una línea muy fantasma en la parte de atrás. Esta siendo la parte de los shorts que no puedes ver, y esta siendo esta la parte de los cortos aquí que puedes ver. Entonces dibujaré la forma conectando un lado de la misma, el contorno. Esto es en realidad un contorno ahora, a diferencia del gesto. Se nota el gesto en este caso, algunos de esos contornos estaban cerca, como ese de ahí. Pero aquí es donde finalmente resuelvo los contornos de la forma. Ahora, incluso esto, estoy separando esta lección del diseño de formas. El diseño de formas es la siguiente lección. El diseño de formas es donde puedes alterar esto aún más. Pero en este caso, lo que estoy tratando de hacer es simplemente asegurarme de tener una sólida comprensión tridimensional de este personaje. No el personaje, sino la comprensión tridimensional de las formas que construyen el personaje. La forma final, que es la siguiente lección es donde obtendremos una comprensión final del aspecto completo del personaje. Pero esta es la forma tridimensional. Agarraré mi color rojo aquí y dibujaré otra elipse para la parte delantera de los pantalones cortos Aquí. Yo lo deshago. Esa elipse era demasiado plana. Hablaré de por qué cuando retrocedamos en la siguiente sección de esta lección, retrocederemos y hablaremos alguna teoría. Pero ahora mismo quiero conseguir esa elipse lo más cerca posible a la derecha, dar la vuelta a la forma Bueno. Aquí tenemos esta parte de la entrepierna El cilindro no va hasta allí, pero podemos imaginarlo viajando allí y conectándose. Yo uso mi línea roja conectando con el cuerpo aquí arriba. De nuevo, tratando de ver a través la forma como si tuviéramos visión de rayos x. No sólo estamos dibujando el frente de estas formas, la parte visible para nosotros desde este punto de vista, estamos dibujando lo que alguien de atrás podría ver. Esta es una habilidad muy, muy útil y profesional que si quieres ser un diseñador de personajes de cualquier tipo, absolutamente necesitas esta habilidad. Porque lo más probable es que estés diseñando para tres D. Quiero decir, generalmente, producciones, estos días son tres D. Pero aunque estés diseñando para dos D, ya sabes, los animadores o el flujo de producción que pasa por el pipeline necesita saber cómo se ven estos personajes en tres D. Así que aunque estés dibujando para un medio dos D, como una animación de dos D o algo, aún necesitas conocer la tridimensionalidad de tu personaje Por supuesto, eso es lo que te va a ayudar a dibujar al personaje en cualquier pose o ángulo diferente. Así que he dibujado un par de elipses para el otro lado de los pantalones cortos Y entonces voy a conectar eso. Ahora, ya sabes, no es un cilindro perfecto como este. No es un cilindro plano. Su pierna está doblada, ¿verdad? Así que voy a doblar mi cilindro también. Es así, y vamos a dar la vuelta a la parte posterior de los pantalones cortos. Ahora algo de esto como esta parte de aquí, no para saltar demasiado adelante, sino esta parte de aquí, que ahora mismo estoy coloreando de negro, que en realidad va a ser visible, porque su pierna va a salir de eso. Sin embargo, voy a deshacer eso, me estoy adelantando. Sólo estoy pensando un poco más adelante. Ahí está ese cilindro y probablemente podamos asegurarnos de que podamos conectar este ritmo aquí dentro, volviendo a hacer gestos un poco, asegurándonos de que estas dos formas sí se alineen volviendo a hacer gestos un poco, asegurándonos de que estas dos formas para que cuando dibuje área de la entrepierna nuestras formas no estén desalineadas para ese Bien, vamos a ir a esta etapa aquí. La pierna sale directamente del interior del cilindro de los pantalones cortos, podemos llamarlo así. Éste golpea la parte superior de ese cilindro debido a la gravedad. Los pantalones cortos van a descansar en la pierna. Pero esta pierna, como te mostré hace apenas un minuto, sale de la mitad de los shorts porque esos son unos shorts bastante holgados Es decir, esta parte, podemos ver el interior de este cilindro hueco. Ese es el interior de la prenda de pantalones cortos, y esta pierna sale así. Tenemos un cilindro aquí y un cilindro aquí. Si eres el responsable, también debes continuar con esa pierna. Simplemente dibujaré con contornos de grado muy fantasma o líneas punteadas, lo que quieras Continúa esa pierna dentro de los pantalones cortos y la traza de regreso a su punto de origen cerca de las caderas. Pero mientras estamos aquí, vamos a por el zapato. Ahora, el zapato es menos como un cilindro y más como una caja. Voy a dibujar como forma de caja redondeada. Esto es a lo que me refiero. Aquí está la parte inferior de una forma de caja. Esto es esto siendo la planta del pie, la parte inferior, y esa caja simplemente va a subir así interconectando con el ángulo Estamos viendo esa caja desde un bajo ángulo bastante extremo. ¿Puedes ver eso? Así es como voy a bloquear en el zapato. Bien ahora es el momento de aplicar eso a la otra pierna. La primera pregunta que siempre me hago cuando estoy dibujando pantalones y shorts es, ¿de dónde sale la pierna? Era bastante obvio en este porque la gravedad obligará a esta intersección justo aquí donde los pantalones cortos están tocando la pierna. Pero en este, estos shorts están más en la mitad de la pierna ish. No lo voy a poner de la mitad porque nunca es una buena opción. Casi nunca. Por lo general, el formulario pasará más tiempo de un lado u otro. Yo elegiré este lado. Aquí estoy favoreciendo el lado derecho, el otro lado de la pierna sale así Este cilindro termina así, esta elipse que se estrecha hacia abajo, voy a dibujar alrededor de la forma La línea muy fantasma o línea punteada, lo que prefieras Esa pierna va a subir. Ahora, ¿dónde está la rodilla? En esta, la rodilla estaba ahí. Eso no lo mencioné. Lo siento. En esta pierna. Nuevamente, la rodilla se entierra un poco dentro de los pantalones cortos. Lo mismo aquí, la rodilla está por ahí, y seamos consistentes en dónde están las rodillas en relación con los extremos de los pantalones cortos. Entonces esa pierna sube y se encuentra con las caderas, entrepierna por ahí, y esta pierna por aquí, y volveremos a dibujar, usando rojo, dibujaré las elipses correspondientes que representan las formas cilíndricas debajo Asegúrate de que nuestro personaje tenga una apariencia de creíble debajo de la ropa. Esto lo verás todo el tiempo en producciones animadas donde los personajes serán dibujados desnudos. Es decir, no dibujan como genitales ni nada. Eso no tiene sentido. Pero como un maniquí está desnudo, dibujarán al personaje así solo para asegurarse de que la forma sea consistente, cohesiva y creíble Lo mismo con el zapato de aquí, sólo voy a bloquear en este zapato como una caja. Estoy ignorando la elasticidad de la misma por ahora. Voy a poner eso en la sección de forma, que es la siguiente lección después de esto. Pero sí quiero entrar en el hecho de que está doblada en el talón. Es así. Fui un poco demasiado lejos allá atrás. Déjame borrar eso. Es como el zapato termina así y tiene un doblamiento porque está a punto de pisar el pie. Esto no es un perfecto. Esto ciertamente no es un dibujo de un zapato. Este es un buen lugar para recordarte que esta no es necesariamente las formas finales. De hecho, no son las formas finales en absoluto, son solo las formas. Algunas de estas formas en realidad podrían estar cerca de la final, pero en el caso de este zapato e incluso ese zapato de ahí, no lo es. Estas son solo las formas básicas que estamos visualizando en nuestra cabeza antes de poder comprometernos con las formas Ahora bien, cuando se trata de dibujar así, más experiencia consigues con el dibujo, menos tienes que hacer físicamente este paso, De hecho, cuando dibujo ahora, casi nunca hago esto, pero siempre, y esa palabra se usa intencionalmente. Siempre, piénsalo. Nunca hay un punto en el que no esté pensando en tres D. Es sólo que tienes que pasar por los pasos de dibujar esto? Eso depende de tu experiencia. Vamos a por los hombros. Aquí hay una elipse donde está el hombro. Entonces otra vez, usando nuestro gesto, sabemos que nuestro codo está ahí. Sin embargo, me desharé de esa X porque puedo ver el gesto ahí, y dibujaremos la tapa final del cilindro, y luego conectaremos eso. En este caso, el brazo es un cilindro bastante recto. Está ahusado un poco como si fuera más ancho aquí, estrecho aquí, así que se estrecha un poco, pero es más o menos un cilindro recto Vamos a meter el otro brazo mientras estamos aquí, sabemos dónde está el codo ahí mismo. Nuevamente, dibujaremos a través de la forma si continúo esto arriba y sabemos dónde está la parte superior del torso, eso pone el otro hombro por ahí. Para que podamos dibujar ese cilindro, yo puedo dibujar a través del cilindro de forma. Aquí es donde me estoy dando cuenta de que mi codo está un poco demasiado lejos. Ese brazo tendría que ser demasiado largo para llegar a ese punto. Ahora bien, hay algo como los tramposos gráficos, sobre todo en dos D. En tres D, no se puede hacer tanto esto del todo. En dos D, podría extender un poco la longitud de ese brazo si quisiera. En este caso, lo traeré un poco solo para ser honesto al respecto. Pero cuando lleguemos a las formas finales, puedo cambiar de opinión ahí y sacarlo un poco más. Las producciones D tienen este problema todo el tiempo, por cierto, donde quieren cierta pose, cierta silueta, no pueden conseguirlo porque el personaje no puede hacer eso físicamente. Estudios como Pixar incorporan habilidades de trampa en sus modelos todo el tiempo Es algo muy común que hacer en el arte para engañar el aspecto de una silueta basada en los gráficos o una silueta que quieras. Pero esa es una pregunta de forma, no una pregunta de forma, así que llegaremos a eso en la siguiente lección. Ahora consigamos el cilindro para el fondo, el brazo inferior, que es la parte superior de este dibujo. Ahí es donde terminaría la muñeca para el brazo delantero y sabemos dónde está el codo. Ni siquiera voy a dibujar nada, pero estaría ahí mismo. Yo sólo voy a continuar con esta cosa. Observe lo que normalmente hago es encontrar los dos puntos finales del formulario, y luego conectarlo. Entonces lo que me gusta hacer, cabalgando un poco confuso con líneas aquí, simplemente fantasma solo pintando de blanco sobre esto, fantasma de lo que hay detrás Sigues queriendo ver esas líneas, pero yo solo las estoy haciendo un efecto fantasma Se puede conseguir un aerógrafo. Aquí hay un aerógrafo Eso se puede hacer. Solo voy a hacer fantasma un poco estas líneas. Incluso aquí. Que ese brazo aparezca como si estuviera al frente, ahí vamos. Volver a nuestro pincel de dibujo. Voy a compartir ese pincel de dibujo con la clase, por cierto. Realmente disfruto este pincel. Es uno que hice y personalizé. Creo que lo obtuve de un pincel de photoshop predeterminado que luego simplemente personalizé para mi propio uso de dibujo. Nuevamente, siempre útil tener estas elipses intermediarias atravesando la forma Usted es responsable de la forma a cada paso literalmente. Deberías saber qué está haciendo esa forma en todas partes. Si no sabes lo que está haciendo el formulario en un momento determinado, más que probable que te equivoques ahí. Dibujar casi nunca pasa gratis. Es muy raro que tengas suerte y solo pongas lo correcto como extremadamente raro. Cuando ves un sorteo profesional, parece que eso es lo que les está pasando, pero es que sus instintos están tan perfeccionados que no siempre tienen que hacer estos Aquí hay una caja para la mano. Aquí hay una caja justo aquí y los dedos se encurrucan. Ver eso. Aquí está la parte posterior de los dedos. Ahí vamos. Este brazo, podemos usar nuestro rojo y simplemente continuarlo detrás de la cabeza. La mano estaría por aquí. Ahí está la muñeca, y la mano, por supuesto, se ramificaría de eso. Pero sé que esa mano está en el lugar correcto, así que simplemente no la voy a dibujar para esto. Pero la clave es, sé que está en el lugar correcto. Por eso no tengo que dibujarlo aquí. cuanto al juguete que está levantando en el aire ahí, solo diré algo, pero voy a dibujar esto más rápido y con la forma más básica, aquí hay una forma esférica para la cabeza, línea de ojos allá arriba, algo de pelo saliendo de ella Tiene un brazo cónico muy cilíndrico donde es más estrecho en el hombro y mucho más ancho donde están los dedos Y este brazo aquí también es como un cilindro cónico, y esa pata es un cilindro enorme que va así. Simplemente me estoy moviendo más rápido por esta parte del dibujo aquí y algunas cajas aquí para los dedos de los pies. Ahí vamos. Todo esto tiene sentido ahora en términos de forma tridimensional. Sí veo lo que estoy haciendo aquí. Repasando las líneas, asegurándose de que las cosas se alineen, asegurándose de que una forma aparezca frente a la otra. Uno piensa que los hombros se están conectando a donde aproximadamente deberían estar en el torso. No estoy pensando en anatomía, no estoy pensando en cómo los hombros realmente conectan en la vida real con la clavícula o algo por el estilo. Eso no es importante aquí. Es solo colocación general. Obviamente, la anatomía entra en juego cuando estás aprendiendo el dibujo de la vida, que es un tema diferente a esta clase, pero cuanto más anatomía conozcas, supongo que más te podría ayudar aquí también. Pero ciertamente no necesitas ser un experto en anatomía para dibujar de esta manera. Todo bien. Poder visualizar las cosas de esta manera asegurará que tu dibujo final tenga ese deseable sentido de profundidad y forma. Sin embargo, para comprender aún más lo que estamos haciendo aquí, me he cambiado a Blender, que es un programa de tres D. Ahora no necesitas saber licuadora para esto. Sólo voy a mostrarte algunas cosas sobre la naturaleza del dibujo en tres D y tres D espacio que necesitas saber de nuevo para poder hacerlo bien. Tengo un cilindro cargado aquí arriba, y puedo rotar mi vista para ver el cilindro desde diferentes ángulos. Pero mira esto. Si acabo de entrar en este modo aquí, puedo ver todos los puntos que lo componen, lo cual es útil. Porque lo que estoy a punto de hacer es agregar un anillo alrededor del cilindro. Aquí está aquí. Estos son como los anillos que hemos estado dibujando en nuestro personaje. Ahora mira esto sin embargo. A medida que muevo este anillo arriba y abajo, ¿ves que su perspectiva está cambiando? Te puedo mostrar además esto haciendo transparente el cilindro. Entonces ahora vemos alrededor de la parte posterior del formulario, igual que hemos estado dibujando. Mira esto. A medida que muevo el anillo hacia arriba, ¿ ves que la elipse se estrecha más Y a medida que la muevo hacia abajo, la elipse se ensancha ya lo ve. Además, esto depende de la vista de la cámara. Si fui así, mueve la cámara justo en línea con el cilindro, o debería decir con la elipse ahí, estoy justo en línea con eso Lo que parece una línea recta estos momentos. Ahora mira esto. Si hago lo mismo, si lo muevo hacia arriba, se va ensanchando a medida que vamos subiendo. Entonces puedo bajar y pasar por el punto donde es una línea recta ahí mismo, y puedo bajar y se ensancha de la manera opuesta. Es fundamental entender cómo funciona esto. Todo tiene que ver con el concepto de la línea del horizonte. Otra palabra para la línea del horizonte es la línea ey. La línea de ojos o horizonte es una línea teórica en el espacio que está nivelada con tus ojos, o en este caso, mi vista de cámara aquí en tres D. La línea del horizonte en esta imagen está aquí Sé que está ahí porque ahí es donde mi elipse se convirtió en una línea perfectamente recta ahí mismo Lo que tienes que saber sobre la línea del horizonte es que cualquier cosa por encima la línea del horizonte está por encima tus ojos o por encima de la lente de la cámara. Estamos viendo la parte inferior de la misma. Lo contrario es cierto. Cualquier cosa por debajo de la línea del horizonte está debajo de tus ojos o lente de cámara, y por lo tanto, vemos la parte superior de la misma. Por ejemplo, con este cilindro aquí, de nuevo, la línea del horizonte está justo por aquí donde estoy cruzando el cursor de mi ratón aquí. Eso quiere decir que la parte superior del cilindro, esta parte aquí está por encima de nuestra línea del ojo, así que no podemos ver la parte superior del mismo, y la parte inferior del cilindro, esta parte de aquí está por debajo de nuestra línea ey, así que no podemos ver la parte inferior de la misma. Si muevo el cilindro hacia abajo por debajo de la línea del horizonte, bueno, mira esto. Ahora podemos ver ese plano superior del cilindro. También lo que eso significa es que si agregué otro anillo y volveré a hacer transparente el cilindro. Si agrego este anillo, ahora mira esto, aunque estoy colocando este anillo justo en la parte superior del cilindro, esa elipse tiene una perspectiva diferente ahora Sólo para recordarte si muevo este cilindro hacia arriba donde estaba antes, esa elipse sale así Pero si está aquí abajo de la línea de ojos, ahora esa elipse ha cambiado para salir de esta manera Para que pueda poner este cilindro en alguna parte, ponerlo aquí y tal vez mover mi línea de ojos casi así Se puede decir dónde está mi línea de ojos en tres D aquí, por cierto, porque se puede ver ahí es donde termina la cuadrícula Es muy débil, pero puedes ver esta línea en el horizonte muy lejano, por cierto, por eso se llama la línea del horizonte, está en tu horizonte, y está determinada por tus ojos No confundas la línea del horizonte donde el agua se encuentra con el cielo. Sí, eso también se llama horizonte, pero eso no es lo que está dibujando la línea del horizonte. La línea del horizonte es esa línea horizontal que está parejo con tus ojos. En este caso, aunque miren esto, aunque esté mirando hacia abajo, he girado mi cámara para mirar hacia abajo. Mi línea del horizonte aún está aquí. Eso es porque aunque esté mirando hacia abajo, la altura física de mis ojos, el nivel al que están mis ojos en espacio está por encima del cilindro. A pesar de que estoy mirando hacia abajo, mi línea de ojos sigue por encima del cilindro, lo que significa que si hice el cilindro transparente y moví esta elipse, se puede ver que no importa dónde esté la elipse en el cilindro, todavía puedo ver que el lado superior de esa elipse, porque siempre está por debajo de la El cambio ahora es cuanto más abajo se encuentra por debajo de la línea del horizonte, más ancho se vuelve. Todo bien. Aquí hay una captura de pantalla de ese último fotograma aquí en photoshop. Vamos a hacer un poco de práctica de dibujo en el espacio aquí. Sé dónde está la línea del horizonte porque de nuevo, puedo verla ahí mismo donde la cuadrícula termina en tres D. Si yo dijera justo esta distancia abajo del horizonte, bueno, esa elipse estaría casi recta. Pero como todavía estamos por debajo de la línea del horizonte aquí, todavía podríamos ver la parte superior de la misma, pero seríamos muy estrechos, algo así. Si continué mi distancia bajando de la línea del horizonte, en algún lugar de aquí abajo, que se trata de nivelar con este cilindro, entonces sé cuando puedo verlo en la referencia, que la elipse se ensancha que la primera, algo así Ahora, mis elipses son dibujadas a mano por un humano. No van a ser tan mecánicamente perfectos como el modelo de computadora, pero eso está bien. Voy a tratar de hacerlo lo mejor que pueda, algo así. Ahora bien, si solo continúo las líneas aquí abajo, es como dibujar un cilindro. Ahora que estoy muy abajo en este nivel, estoy mucho más abajo de la línea del horizonte, esa elipse necesita realmente hacerse más amplia Estoy tratando de casi gestos. Estoy tratando de sentirlo con el brazo antes de comprometerme con estas líneas. Es algo así. Ahora esa elipse tiene que desprenderse de los cilindros, patas ahí, claro, y es algo así Podría fantasma por la espalda pintando sobre Pero recuerda, es importante dibujar el dorso de estas formas, al igual que hicimos con nuestro personaje hace un momento, dibujamos a través de la forma como si tuviéramos visión de rayos x. Esto ayuda a mejorar nuestra redacción. Porque, de nuevo, si puedes ver a través de tus objetos, tendrás una forma más cohesiva en todo momento Ahí vamos. Ahí está nuestro cilindro. Para enfatizar que este es el lado superior del cilindro, tal vez solo pinte esto de blanco, así que ahí parece una forma sólida . Y ahí está nuestro cilindro. Ahora, digamos que estábamos por encima línea del horizonte en algún lugar de aquí arriba. Bueno, ahora la elipse sale de esta manera. Pero porque todavía estamos cerca de la línea del horizonte, no sale tanto. Quizá sea algo así. Pero ahora estamos viendo la parte inferior de esa elipse. Si acabamos de conectar estos dos puntos, bueno, ahora tenemos a nosotros mismos, otro cilindro espacialmente exacto más Pero en este caso, enmascararía o fantasma esa zona trasera para asegurarme de que todavía la veamos, siendo responsables de ello. Pero la línea visible a nuestros ojos es esta línea de fondo. Lo contrario es cierto en la parte superior, voy a enmascarar o fantasma a cabo esta parte de la elipse para asegurarse enfatizar que la línea superior de esta elipse es la que es visible a nuestros ojos Es un concepto sencillo, pero extrañamente, esto pasa inédito y desapercibido para muchos artistas En consecuencia, hace que muchos dibujos de la gente sean simplemente incoherentes en tres D, el intento está ahí, pero la precisión está apagada. Si la precisión básica está apagada en tu forma, vence el propósito Puedes estar fuera con un gesto y aún así capturar una sensación perfectamente válida, pero realmente no puedes estar demasiado apagado con la forma y capturar la forma válida. Volviendo a nuestra hoja de personajes de Jake aquí, la que has visto antes, solo quiero mostrarte cómo estoy aplicando estas. Veamos a este tipo de aquí. La primera pregunta que hay que hacer es, ¿dónde está la línea del horizonte? Es decir, si tuvieras que mirar a Jake aquí, es decir, si tuvieras que proyectar tu línea de ojos hacia adelante, ¿dónde colisionaría esa línea con el personaje ¿A qué parte de su cuerpo son iguales tus ojos? Yo diría que probablemente sea por aquí. Tener ahí la línea de ojos en la barbilla significa que la cámara está bastante baja al suelo, lo cual es cierto Si miras esto, sí parece que estás bajo el suelo, mirándolo un poquito. Déjame volver a poner esa línea del horizonte ahí. Eso quiere decir que esta zona está por encima de la línea del horizonte. Como vimos con nuestra elipse hace un momento con los cilindros, eso significa que este contorno cruzado o esta banda elástica, a veces se les llama contornos cruzados, por cierto, da la vuelta así ¿Ves lo bien que le envuelve la cabeza, y parece que está siguiendo la perspectiva? Si hice esto, algo así, no se ve bien. Hay algo mal en eso o inexacto. Esto es lo que se siente como si estuviera envolviendo su cabeza. Por el contrario, mira esta parte aquí donde termina la camisa, la línea del cinturón, que está por debajo de la línea del horizonte. ¿Ves como tengo la elipse bajando? Es de esta manera. Si tuviéramos que dibujar ahí un cilindro teórico y luego fantasma en las líneas detrás de él, se puede ver que ahí somos responsables de nuestra perspectiva. Bien, vamos a bajar la página a esta versión de Jake. Este es un ángulo muy diferente. En esta, le estamos mirando ligeramente hacia abajo. Se aplica la misma pregunta. ¿Dónde estarían nuestros ojos nivelados en esta visión? Yo diría que está en algún lugar aquí arriba, proyectando mi línea de ojos infinitamente en el espacio, se alinearía por ahí, lo que significa que choca básicamente con la punta misma de su cabello Eso quiere decir que en este caso, a diferencia de aquel en el que la línea daba la vuelta de esta manera. En este tipo, toda su cabeza está por debajo de la línea del horizonte. Esta elipse va alrededor de su cabeza de esta manera. Si fuéramos a fantasma en la parte trasera de ella, sería así. Si volvemos a mirar su línea de cinturón ahí, notemos que la elipse es más ancha porque está más por debajo de la línea del horizonte De nuevo, podemos ser responsables y hacer la espalda, y luego podemos conectar nuestro cilindro teórico ahí, y se puede ver cómo estoy siendo responsable ante espacio de las tres D en el que viven estas formas. Incluso en cuadros muy realistas como este, este está pintado en un estilo más realista. Pero claro, el mismo principio es cierto. Primera pregunta, ¿dónde está la línea del horizonte? ¿Dónde están nuestros ojos nivelados con su cuerpo? Yo diría que está en algún lugar por ahí. Hay algunas elipses muy obvias como esta. Ve que se dobla hacia afuera porque va hacia abajo. Este se dobla hacia afuera incluso un poco más. Esta elipse aquí también se dobla hacia afuera. Ahora su cabeza está por encima de la línea del horizonte, así que ésta sale por aquí. Ojalá esto lleve a casa la importancia de saber dónde está esa línea del horizonte. Ahora, hay una cosita extra que arroja una llave inglesa en todo esto, y esa es la rotación. De vuelta en licuadora aquí, tengo una forma de caja seleccionada una caja rectangular. Lo voy a hacer transparente como siempre lo he hecho, y pondré nuestra pequeña sección transversal ahí. Vamos a ponerlo ahí mismo. Ahora, ahora estamos por debajo de la línea del horizonte, así que estamos mirando hacia abajo aunque sea una forma de caja, es el mismo principio que una elipse, como un cilindro Simplemente pasaba que estaba usando cilindros antes y ahora son cajas, pero estamos mirando la cara superior de este contorno cruzado o esta sección transversal contorno cruzado o esta sección transversal porque estamos por encima de la línea del horizonte, está por debajo de la línea del horizonte. Voy a hacerlo incluso con la línea del horizonte o ahí mismo. Ahora es perfectamente plano. podemos ver ni el plano superior ni el plano inferior, así que es perfectamente recto Pero mira lo que iba a pasar ahora. Si giro el objeto. Yo estoy haciendo esto. Estoy rotando así. Déjame recuperar mi vista a donde estaba. Si giro el objeto, bueno, pronto ahora estamos viendo el plano superior de esa sección transversal porque el objeto se inclina hacia nosotros. Tenemos que ser conscientes de eso. Si el objeto estuviera sin rotar, simplemente perfectamente plano arriba y abajo así, lo vemos plano, pero al segundo empieza a girar, esa es una variable que tenemos que considerar De vuelta en mi pintura aquí, hay algunos objetos que se rotan. Por ejemplo, esta pierna aquí. Esta pierna es como un cilindro, pero porque se extiende hacia nosotros, como si estuviera caminando, esa forma cilíndrica de la pierna se ha girado hacia nosotros. Nuestra línea del horizonte era ¿qué pasa ahí? A pesar de que esa pierna está por debajo muy por debajo de la línea del horizonte, porque ha girado hacia arriba hacia nosotros, estas elipses rompen eso y van por El cilindro va así y esto envuelve así la espalda. Yo estoy contabilizando esa rotación. Es lo mismo con los brazos aquí. Déjame pintar este brazo muy rápido aquí. Si quisiera dibujar ese brazo simplemente plano arriba y abajo, bueno, está por debajo de la línea del horizonte apenas. Entonces esta elipse apenas estaría yendo hacia abajo. Tendríamos las patas de nuestro cilindro aquí, y este extremo del brazo sería así. Eso representaría el brazo colgando hacia abajo en el espacio de una manera perfectamente vertical. Pero eso no es lo que está pasando aquí. Ese brazo ha girado hacia nosotros. Esa rotación es suficiente para cambiar la naturaleza del cilindro, por lo que sale así. Aquí, déjame volver a poner la línea del horizonte en algún lugar por ahí. El concepto de línea de horizonte sigue siendo importante porque lo que puedes hacer es que siempre puedes comenzar mentalmente desde una forma perfectamente plana arriba y abajo, como la forma de caja aquí que te mostré hace un momento, y eso fue perfectamente plano arriba y abajo así, puedes imaginar dónde están estas secciones transversales en relación con la línea del horizonte. Entonces a partir de ahí, puedes rotarlos en consecuencia. Esto es algo que de nuevo, siento que está poco enseñado en el arte, y realmente necesitas ser consciente de ello para que tu forma tenga sentido cohesivo en un espacio de tres D. Pasemos ahora al siguiente paso de construir un personaje, la forma. 8. Personajes: formas finales: Bien, diseño de formas. Esto es finalmente, donde obtenemos esas líneas finales finales en nuestro trabajo. Las formas son como el pegamento que une el gesto y la forma. Las formas, aunque también son su propio problema a resolver. Una forma es simple. Es como si esto fuera un círculo. Es sólo una forma. Todos dibujan formas desde muy pequeños. Pero como artista profesional, tenemos que entender el concepto de que vamos a estar dibujando muchas formas para crear una imagen. Y esas formas necesitan ser leídas o entendidas visualmente por el espectador. Es lógico pensar que cuanto más simples puedas diseñar esas formas, más lógica podrás poner en cómo se dibujan, mejor será para tu espectador. Como resultado, un buen diseño de forma le da a tu trabajo un aspecto atractivo. En esta lección, vamos a sumergirnos directamente en las formas. Trabajaremos con el mismo personaje con el que hemos estado trabajando, pero también veremos ejemplos de cómo uso las formas de manera más amplia también. Obtendremos una filosofía general para el diseño de formas y luego la aplicaremos. Todo bien. Así que tengo mis dibujos de diseño de Jake en la pantalla aquí y he desenterrado algunos más aquí a la derecha Tengo esta es toda la página que envié al cliente para ese trabajo en particular. Algunos de los números ya no tendrán sentido. Tengo dos número cinco, dos número seis, lo que sea. Inicialmente presenté estos dibujos al cliente en dos hojas diferentes y en dos pases diferentes. Pero de todos modos, me gustaría repasar estos dibujos y desarrollar una pequeña lista de verificación de principios de diseño de formas a tener en cuenta. Principios que uso todo el tiempo, principios que creo que son muy efectivos, y vamos a obtener un poco de libro de cocina buscando formas que luego usaremos en un dibujo Bien, el punto uno de nuestra lista de verificación es algo que me gusta considerar inmediato, de inmediato. A mí me gusta llamarlo la meta forma. La meta forma es como una forma general que tu personaje o cualquier objeto que estés dibujando, realmente, la forma general a la que se ajusta Puedo precisar lo que me enseñó esto. Es esto de aquí. Esta hoja modelo de Disney's Aladdin. Voy a acercarlo rápidamente aquí. Es bastante baja resolución, pero no importa. Tienes a todos los personajes de la película aquí arriba. Aquí abajo, puedes ver a qué metaforma simple o forma general se ajustan todas. Se nota que cada forma es única. La idea aquí es que el ADN de la forma al ser diferente permite a tu ojo diferenciar rápida y fácilmente entre cualquier personaje dado. Es una herramienta tan útil que los ilustradores la aplican a su obra, pesar de que puedes mirar una ilustración para siempre si quisieras Sigue siendo muy útil para obtener ese binario rápido o ADN leído en tus cosas. Echemos un vistazo a algunas de las más obvias. Como por ejemplo, este tipo de aquí, la forma es esta cosa de gran triángulo ahusado, eso es solo para el cuerpo Si tuviera que incluir la cabeza en eso, la cabeza es como un gran globo que le agrega aún más un cambio de forma. Me gusta incluso colorearlos o simplemente obtener la herramienta de llenado de cubo de pintura y simplemente hacer para tener una idea de lo que está haciendo esa forma. Entraremos en cómo medir si esa es o no una forma interesante en solo un momento, esos serán más elementos en nuestra lista de verificación. Pero por ahora, pensemos la idea de tener una meta forma general. Ahora bien, de nuevo, estos son sólo principios. No siempre tienes que hacer esto. A veces lo pronunciaré más, a veces menos. Por ejemplo, este personaje usa la misma meta forma. Es la misma cosa triangular cónica para el cuerpo. Sepa que no estoy incluyendo los brazos, por cierto, porque los brazos pueden moverse tanto, es útil considerar realmente solo el tronco del cuerpo para esta etapa, y conecto los pies como lo estoy haciendo aquí. Entonces, sí, para este tipo, la cabeza, también se estrecha, pero es más de un estilo anguloso El otro era más redondo, si quieres, solo puedes conseguir una herramienta de llenado de cubo de pintura y hacerlo. Casi parece un peón de pecho o algo así con este interesante pincho ahí Cuando rellenas tus formas así, estaba a punto de decir silueta. No es una silueta. La silueta es la forma final real que hace el personaje. Esto es más de la fuerza impulsora detrás de la silueta. Lo que estás haciendo aquí es solo mirar tu forma e intentar asignarle un personaje. En este caso, ¿se ve divertido? A mí me gusta cómo tiene una inclinación hacia ella. Casi tiene un gesto incorporado a él. Eso me gusta. Esta versión de Jake sigue siendo muy similar, pero es un poco más redondeada, un poco menos exagerada, un poco más basada en la realidad, y donde las curvas y ángulos se mantienen un poco más en equilibrio entre sí y lo rellenaremos y veremos cómo se ve Puedes ver en lo que estoy pensando aquí es una filosofía de diseño general. Incluso tan pronto como sea esta etapa, cuando estás acostado por primera vez en tu personaje, puedes comenzar a abordar esta idea de la meta forma Esto realmente ayudará a darle a tu personaje mientras ese sentido de carácter. Esta versión de Jake es más ceñida y sedosa y S Hasta la cabeza le tiene esa elegancia. Voy a rellenar eso. Se puede ver la diferencia. Esta forma me sugiere, una fisonomía muy diferente lenguaje corporal o actitud general, entonces di esto Esta versión de Jake es Este tipo está un poco más vuelto hacia adentro, digamos. Veamos esta versión funky de él. En esta, es como si el cuerpo se fuera, entra y luego vuelve a salir. Entonces en todos estos, la cabeza es enorme porque es un personaje joven. Los personajes jóvenes se prestan a los cabezudos. Pero hay muchas ondulaciones aquí adentro hacia afuera, adentro, y eso es lo que estaba pensando cuando diseñé esta versión de él Consiguió un look bastante animado. A mí me gusta. Éste de aquí, mira esto. Es esta muy angular, casi como la versión inspirada en el cubismo de Jake, donde todo es geométrico Ahí dentro hay algunas curvas como en los zapatos, por ejemplo. Pero casi todas las partes del cuerpo son esta geométrica angular, e incluiré las manos aquí también solo porque éstas reflejan totalmente esa misma filosofía en forma de meta. Todo es súper anguloso, no muchas curvas, aunque hay algunas, quizás lo más notable, la cabeza es muy curva. ¿Esa es una buena idea? Bueno, no lo sé. Eso depende del cliente. Solo estoy presentando diferentes opciones aquí. Solo estoy tratando de construir en mis metaformas un poco de contraste, ángulos versus redondos en este caso. Podemos ver como éste tiene una mirada casi abstracta, nuevamente, cubista En esta versión de Jake, invertí lo que hice aquí y lo hice más de un ahusamiento hacia abajo donde comienza ancho en los hombros y baja. Aquí sólo voy a llenar éste sin la cabeza. En realidad no es mi trabajo aquí decidir qué es mejor que el otro. Mi trabajo es brindar opciones. Todo bien. Lo que hemos estado llegando hasta ahora es la capacidad de mantener nuestras formas simples y fáciles de leer. La lógica es bastante sencilla. Si una forma es simple, tu ojo puede leerla rápidamente, y si tu ojo puede leer algo rápidamente, tu arte tiene una probabilidad mucho mayor de tener un alto nivel de atractivo para el espectador. Ahora, un principio clave que hemos estado usando para lograrlo es una diferencia en la forma. Y hasta ahora lo hemos estado logrando una manera bastante básica, y eso es tener una diferencia de ancho de arriba a abajo. Se puede ver que esta forma es mucho más delgada en la parte superior, más ancha en la parte inferior. Ese ha sido un jugador clave a lo largo de todas estas siluetas Esta es más ancha en la parte superior, más estrecha en la parte inferior, como discutimos Este de aquí, más estrecho en la parte superior, más ancho en la parte inferior. Recuerda que este de aquí es mucho más estrecho en la parte superior y mucho más ancho en la parte inferior Nuevamente, estoy hablando del tronco del cuerpo aquí, ya que eso es generalmente lo que busco cuando diseño personajes porque esa es la parte de la silueta que es más consistente. Entonces, tener esa sensación de diferencia en tu forma le dará un nivel de interés inherente ya que el ojo puede identificarse, un lado de la forma es la parte superior, uno es el inferior. No son intercambiables. Ese es quizás el aspecto central de mantener tus formas interesantes. Tomemos eso ahora y agreguemos a nuestra lista de consejos de formas que hemos estado construyendo hasta ahora. Los tenemos meta-forma. Ahora estamos pasando a la asimetría. El principio de conducción detrás de esto es si tienes una forma simétrica como un cuadrado, bueno, es simétrico en los cuatro lados, arriba a abajo y de lado a lado. Ya sabes, este cuadrado podría girarse en cualquier ángulo diferente y cada vez tiene la misma forma. Esto es indeseable en el diseño de buena forma. No quiere decir que nunca haya lugar para la simetría. En el arte, la palabra nunca casi nunca debe usarse porque siempre hay excepciones. Pero la realidad amplia es que la simetría tiende a ser aburrida y que en realidad no engancha tan bien a la vista del espectador. Entonces, lo que necesitamos construir son herramientas y formas de compensar la simetría. Y esto es lo que yo llamo a esta simetría compensada. En este caso, queremos la idea de un cuadrado, pero ¿qué tal si hicimos el cuadrado más de un trapecio así Entonces, lo que hemos hecho aquí para compensar la simetría es bastante simple. Hemos tomado lo que eran líneas paralelas de izquierda y derecha, por ejemplo, y las hemos hecho ya no paralelas dándoles solo ángulos ligeramente ahusados Si fuéramos a continuar con estas líneas, se hace evidente que los ángulos ya no son simétricos. Lo mismo ocurre con las líneas superior e inferior, aunque estas son un poco más sutiles, si yo fuera a rastrearlas, puede ver que convergerían lejos a la derecha si mantuviera esas líneas en marcha Entonces, cuando se trata de una forma que tiene líneas paralelas, una excelente manera de compensarla es simplemente rotar esos ángulos un poco en cualquier dirección. Mucho lo mismo se aplica. Si tuviéramos una forma que fuera demasiado circular, digamos así, aquí se trata de un círculo digital perfectamente dibujado. Bueno, para esto en realidad es fácil. Si solo trato de dibujar un círculo a mano, es automático solo porque soy humano e imperfecto, este círculo automáticamente se compensa, y es algo así Simplemente voy a seguir repasando esta forma aquí, y luego si quisiera , puedo borrar las áreas con las que no quiero comprometerme, algo así, y la versión M del círculo ahora representa lo mismo que acabamos de hacer con el cuadrado, hemos compensado la simetría del círculo. En este caso, no tengo líneas paralelas con las que compararme, claro, lo que voy a hacer es tomar el punto más ancho de cada lado Creo que el punto más ancho del lado derecho está ahí y el punto más ancho del lado izquierdo está Y se nota como eso no hace una línea horizontal. Se gira diez grados más o menos. Podemos tomar la parte más ancha en la parte superior, que probablemente está por ahí, y la parte más ancha en la parte inferior, que tal vez está ahí, y tienes esto En lugar de un perfecto pelo cruzado, lo hemos compensado. Esta idea de medir los puntos más amplios es algo que uso todo el tiempo Digamos que teníamos más de una forma orgánica, algo que no es un círculo o un cuadrado, algo que combina los dos tiene algunas curvas en él, tal vez algo así. Lo que estoy respondiendo negativamente sobre esta forma es muy parecido a la idea de simetría. Si tuviera que medir el ancho de esta forma con estas líneas verdes, ese ancho es más o menos consistente en todo el camino a través de la forma. Nuevamente, si bien eso no es intrínsecamente romper ninguna regla ni nada por el estilo, eso no me gusta en general, porque una vez más, creo que pierde oportunidades para involucrar al espectador ¿Cómo usaría una forma así, pero diseñarla de una manera un poco más interesante? Bueno, yo usaría la idea de simetría offset, y yo diría, Bien, ¿cómo puedo encontrar la manera de hacer que la apariencia de esa forma, pero tal vez hacer que el punto más amplio en cada extremo sea ligeramente diferente, tal vez algo así Esta forma, diría yo, cumple con el mismo propósito que nuestra forma original Tiene el mismo tipo de identidad que él. Pero se puede ver ahora el punto más ancho de la forma, tal vez está aquí hasta aquí y ese es el ancho de la misma Bueno, eso es diferente ahora que la parte superior e inferior. Tenemos un medio más ancho y una parte superior e inferior encogidos, e incluso la parte inferior está aún más encogido Así que esta forma gana un efecto de estrechamiento de arriba a abajo a medida que viaja hacia abajo. Y cuando una forma tiene esos ahusamientos, esas compensaciones, esas diferencias, tienes una probabilidad mucho mayor de que esa forma se ponga en contacto con el ojo Volviendo a nuestros dibujos jake aquí, estos principios de forma se aplican no sólo al cuerpo completo como un todo. Pero cualquier pequeña forma individual como si me acercara el brazo de Jake ahí mismo. Primero que nada, trazar esa forma y la cortaré en la muñeca. Esta parte superior del brazo es recta, una curva S muy sutil tal vez, y esta parte inferior del brazo tiene este ahusamiento hacia él y nuevamente simplemente la cortará en el hombro ahí. Déjame volver a dibujar esa forma aquí solo mano libre. Esta fue la parte superior, la cortó ahí, cortó ahí, y es la parte inferior de esa forma la que tiene esa sensación de offset. Entonces hay un cambio de ancho. Es más ancho aquí arriba, más estrecho aquí abajo. Una cosa que sé es verdad de los estudiantes, M habiendo sido estudiante por más tiempo, y todavía me considero un estudiante y también haber enseñado a estudiantes desde hace más de diez años. Creo que soy maestra desde hace 13 años a estas alturas. La naturaleza humana en general no es para hacer eso. La naturaleza humana querrá hacer formas como esta, simplemente simétricas. Si bien, de nuevo, no hay nada intrínsecamente malo en eso, si repites la simetría una y otra vez, estás en el camino rápido para crear imágenes aburridas Ahora bien, este principio está en todas partes en mi propio trabajo porque he entrenado mis músculos para hacer esto. La forma en que muevo mi mano, he entrenado a lo largo de los años para hacer formas de esta manera. Se puede ver como la nariz. Se nota como esa nariz está ligeramente sesgada y en un ángulo como este Si volviéramos a identificar los puntos más anchos de la forma, está ahí y ahí, está en ángulo Hasta los lados, está ahí y ahí. Está en un ángulo. Si miras esta oreja, no es una oreja circular perfecta, está compensada. Está sesgada. De nuevo, me encanta usar los puntos más amplios ahí versus ahí Está en ese ángulo. No es vertical, está a 20 grados de eso. Recuerda lo fácil que sería si no estuvieras al tanto de estos principios, lo fácil que sería dibujar la oreja como un semicírculo perfecto aquí, donde las cosas son un poco demasiado simétricas Nuevamente, mientras que eso no es solo va a matar a este personaje. O sea, podrías hacer eso en un área pequeña y salirte con la tuya. Lo que quieres aprender a hacer en tu arte es entrenar tu mano para evitar eso a favor de algo menos simétrico. De esa manera, si quieres simetría, aún puedes hacerlo, pero no está sucediendo por defecto. Si solo fuera a seleccionar esa forma aquí en photoshop, activaré la herramienta Warp aquí, y esto es literalmente lo que está haciendo mi cerebro. Mi cerebro está deformando la forma así, solo sesgándola un poco, así que está Ahora bien, se podría decir que eso está bien y es bueno para los dibujos animados, pero ¿y si quiero dibujar de manera realista Pero resulta que la naturaleza es lo que nos enseña esto. Me gusta usar como ejemplo el músculo de la pantorrilla humana. Este es solo un pequeño ejemplo. Hay millones de ejemplos en toda la naturaleza. Pero mira la simetría offset que ocurre en este pedacito de anatomía, la parte más ancha de la forma es diferente Tiene esos diferentes ángulos como te mostré en la caja, la parte más ancha aquí versus aquí está fuera del eje horizontal, solo un poquito, diez grados, cinco grados, algo así, un poco funciona Incluso mira dónde están los huesos a ambos lados del pie, está compensado. También la mitad de la parte posterior de la rodilla aquí. Está compensado. Lo que la naturaleza hará una y otra vez es que va a cambiar estos metaángulos generales. Se alternarán los ángulos entre una cosa y otra. No hay un patrón exacto de cómo se alternan. Pero mientras se alternen, o en otras palabras, no solo sean constantemente paralelos, estás en camino de imitar lo que hace la naturaleza, lo que, a su vez, crea una vista muy familiar para el espectador porque está acostumbrado a ver esto en la naturaleza todo el Quiero decir, no tienes que ser artista para saber que la naturaleza rara vez hace simetría. La simetría es más una cosa humana. Claro, si estás diseñando un edificio como un edificio de ciudad, tal vez uses la simetría allí. Pero probablemente para la gran mayoría de lo que vas a dibujar, sobre todo si estás dibujando personajes o escenas orgánicas, esta idea de compensar la simetría es enormemente valiosa Nuevamente, puedes encontrar esto en todas partes. Mira el punto más ancho del bíceps aquí versus el tríceps allá, señalando el punto más ancho de esa forma, está ahí versus ahí, compensado Veamos el deltoides, que es el músculo aquí arriba cerca del hombro, donde el brazo interconecta con el Vamos a trazar esa forma deltoide. Mira este desplazamiento como forma esferoide. Si tuviera que dibujarlo, tiene quizá una tapa esférica aquí arriba, pero la forma en que se estrecha hacia abajo, estamos empujados por encima la derecha y sólo un poquito a la izquierda Ese eje está desplazado. Y lo que estamos haciendo aquí no es estudiar anatomía, aunque esto se podría aplicar absolutamente a la anatomía, ya que es literalmente lo que hace la anatomía para dar forma. Pero lo que estamos haciendo es simplemente darnos cuenta de lo que hace la naturaleza, que está constantemente compensando que está constantemente compensando Yo solo uso el término meta ángulo. Eso solo se refiere a observar ¿qué es ese ángulo versus ese ángulo versus ese ángulo? Si puedes introducir variedad en eso de una cosa a otra, abajo de una forma, esto es solo un brazo, pero aquí tenemos tres ángulos muy diferentes, y podemos llevarlo aún más lejos. Mira el ángulo que se crea en el área de los nudillos aquí. Sé que lleva un guante, pero ha girado la mano para hacer un ángulo así. Estas son las simples comprobaciones y balances que puedes usar para ayudarte a crear simetría de compensación, por ejemplo, o simplemente esa sensación de diferencia en tu forma que ayuda a impulsarlos mucho más Sigamos explorando la idea de agregar diferencia a tus formas, pero el concepto de rectas versus curvas Recuerda en gesto, hablamos de cosas que se diseñaban con rectas o curvas C o curvas S. Es lo mismo con las formas. Siempre estás usando una selección de esos tres tipos básicos de líneas o curvas. Lo que quieres hacer con tus formas, en términos generales, es asegurarte de que tu forma esté compuesta por una variedad de esas cosas. Ahora bien, de nuevo, estas no son reglas duras, estas pueden cambiar, o puedes aplicarlas en diferentes cantidades en función del estilo que estés buscando. Pero en general, agregar diferentes tipos de curvas a la forma en que compongas tu forma ayudará a agregar interés. Aquí hay un par de diseños de pies grandes que van junto con el personaje de Jake. Solo echemos un vistazo a este tipo de aquí, por ejemplo. Aquí hay una curva en S que define lado del brazo y la forma del hombro, ¿notas en el otro lado de esa forma, es una recta. Bastante simple. Ahora, déjame mostrarte lo que no es. Si tuviera que editar esto rápidamente. Observe que no es esto. No es esto porque vean cómo se ve como un globo ahora en este punto o simplemente algo que es un poco menos atractivo. No hay nada intrínsecamente malo en ello como sigo diciendo Pero en general, creo que si solo deshice eso, volví al original, esta idea de una curva S encontrándose una recta es un poco más dinámica e interesante porque es más Nuevamente, el ojo tiene muy poco que ver cuando lo presentas con simetría o cuando lo presentas con la misma elección repetidamente. Porque es como copiar y pegar lo mismo por ambos lados, ¿verdad? Entonces en el caso de este brazo, si tengo una bonita curva S en un lado y una recta aquí, la forma resultante será un poco más inesperada para el espectador. Déjame simplemente rellenar esto rápidamente. Como resultado, esa naturaleza inesperada de la forma impulsa un nivel de interés que una forma como esta no haría tanto. Porque nuevamente, esta forma tiene lados muy similares a cada lado. No es una mala forma, es perfectamente legible y simple, pero si tienes algo que sientes que es demasiado espejado o simétrico, simplemente toma un lado, deshazte demasiado espejado o simétrico, simplemente toma un lado, de él, y trata de componerlo con un tipo diferente de curva, una recta, o tal vez sigue siendo una curva en S, pero esta se abunda más abajo Y podemos usar la simetría offset para desviar el eje diagonal de este. Déjame mostrarte algunos ejemplos más aquí. Solo traeré aquí una hoja de papel de calco como lo he hecho antes. Si nos fijamos en la meta forma general de este personaje por el tronco del cuerpo, aquí hay una curva C. Mira lo agradable y simple que es esa curva C por aquí, ¿qué es? Es una recta, o tal vez es una curva C cóncava, pero una cóncava muy estrecha. Esta curva de C está en picado y esta es muy casi angular Combiné este principio de rectas versus curvas con el principio de la meta forma, que es algo que te recomiendo encarecidamente que hagas, y encontrarás oportunidades para esto a medida que adquieras experiencia y la práctica es combinar todos estos consejos juntos Aproveché una oportunidad similar de rectas versus curvas en Jake aquí Está acostado, así que eso significa que probablemente me vendría bien una recta, donde su cuerpo está golpeando el suelo, y también está llegando, así que podría usar rectas allí también. Todo esto es una especie de dos rectas, y eso dejó toneladas de espacio para esta meta forma general se curvara realmente en este lado Es esta idea muy exagerada de rectas versus curvas Déjame agarrar la herramienta del cubo de pintura y llenarla. Dibujaré una versión más abstracta aquí en la parte inferior, básicamente un par de rectas Entonces en el lado opuesto, aprovechando cada oportunidad que pueda para todo tipo de curvas diferentes. La forma no es sólo Jake, podría ser una nube, por ejemplo. Podría ser un dragón acostado boca arriba con una gran barriga. Las formas son abstractas. Se pueden aplicar a tantas cosas diferentes. Echemos un vistazo al brazo de aquí. La porción del brazo, aquí hay una curva C y aquí otra curva C, pero hay dos curvas C diferentes. Sigo considerando esto bajo el estandarte de rectas versus curvas, pero no hay que pensarlo literalmente No hay que usar literalmente una recta contra una curva. Es más algo versus algo. En este caso, una curva C estrecha versus una curva C más ancha. Por supuesto, eso se combina con la idea de la simetría de desplazamiento ya aquí tenemos una parte más ancha fuera del eje de los ángulos Se puede ver como esto es como un libro de cocina para formas en lugar alguna cosa formulaica que siempre produce el mismo resultado Puedes buscar esto en todas partes. Si trazamos una forma detrás de la cabeza de la criatura así, esto es lo que es una curva en S, Pero luego mira al otro lado Es una curva C grande y ancha, incluso hasta los diseños de los dedos. Como si tuviéramos una cosa curvilínea S aquí, una curva S ancha y de vientre grande versus una curva S más estrecha allí Nuevamente, busque simetría de desplazamiento, simetría de desplazamiento. Sí me gusta recordarle a la gente lo fácil que sería dibujarlo de otra manera. Por ejemplo, si tuviéramos el dedo yendo así, imagina lo fácil que sería crear un dedo muy simétrico. Sepa que esto es fácil porque lo veo una y otra vez en el trabajo estudiantil, incluso en mi propio trabajo estudiantil. Desde hace años cuando estaba descubriendo por primera vez estos principios. Para mí, representó un enorme cambio de mentalidad. Es tanto dentro de la naturaleza humana, supongo, hacer una forma que sea simétrica así. Pero si empiezas a hacer forma simétrica tras forma simétrica, tus cosas empiezan a parecer hinchadas o yo lo llamo el efecto banana Parece un montón de plátanos, y es difícil desverlo Es difícil conseguir una sensación de atractivo ahí. Ya sabes, hasta mira las uñas de los pies. Recto, curva. Ahí está el elemento más básico de esta punta recta versus curva. Veamos el pie de Jake por aquí. Tenemos una curva S así, una especie de este interesante tipo de forma curvilínea S versus una recta y una curva Entonces es una especie de forma boxy. Déjame dibujarlo aquí abajo. Así que es como una forma de caja. Pero está hecho de una curva S ahí, luego una curva C estrecha y una recta. En lugar de algo genérico como este, trabajas dentro de esas pautas y simplemente lo haces un poco más interesante variando el tipo de línea que estás usando para crear esa forma. Otra forma de aplicar esta técnica es mirar cómo una especie de forma viaja de principio a fin. Y lo que quiero decir con eso es, echemos un vistazo, por ejemplo, a sus pantalones aquí mismo. Hubiera sido muy fácil para mí simplemente dibujar una línea recta todo el camino hacia abajo. Eso estaría bien. Esa forma se ve bien y lo hice en otros Jakes Eso no es algo que vaya en contra de la ley ni nada. Pero una cosa que puedes hacer para usar recta versus curvas es si alguna vez te sientes como, Bien, estoy haciendo mucho Estoy viajando mucho en línea recta aquí. Vamos ahora en algún lugar abajo de la forma. Es la misma forma. Ahora agreguemos una pequeña curva en la parte inferior, como un poco de especia, un pequeño remolino, un poco de destello Nuevamente, esto es como una gran curva C larga, y vamos a ir a la curva S en la parte inferior. En este caso, es como curva C versus curva S, y lo mismo aquí, curva C versus curva S. Yo podría hacer lo mismo con un hetero. Si tuviera una forma recta que estaba dibujando aquí, este es un lado de una forma, y quiero que me digan aquí abajo. Bueno, en vez de que la recta vaya todo el camino hacia abajo, ¿por qué no decir simplemente, ir ancho y hacer una pequeña curva de C? Ahora, no se sienta tentado a hacer simetría del otro lado así A lo mejor del otro lado, iría recto y una curva C más ancha así. Yo compensaría esa simetría y seguiría usando la idea de rectas versus curvas, que es exactamente lo que hice en este Jake de aquí Se podía ver en general, sus pantalones son estrechos que anchos. Dentro de eso, es más ancho por un lado y más estrecho en el otro lado Nuevamente, combinando estas técnicas de diseño de formas. Ahora, recuerden, no es una regla. Por sus pantalones aquí, yo no hice eso. Yo sólo las hice rectas. Ahora, resulta que pienso que esto no es un dibujo tan bueno como resultado, aunque personalmente no me siento atraído por este dibujo tanto como yo, algunos de los otros. Creo que es específicamente porque mis formas creo que son menos interesantes aquí. Ahora bien, se trata de un área muy subjetiva del arte. Esta lista de consejos, este pequeño libro de cocina, es una serie de cosas que puedes probar Recuerda que no hay leyes del arte. La policía de arte no va a venir a tu puerta si ignoras esto. Pero si miras y examinas alguna obra de artista profesional, verás en juego estos principios. Sólo te voy a mostrar algunos ejemplos más. Si tomas su cabeza aquí, es como una curva C en este lado y una curva C más ancha en este lado. Lo mismo por aquí. Curva C en este lado, rectas en ese lado Este es un poco más simétrico, pero los ángulos son diferentes. Esto es más una cosa de simetría compensada. Aquí hay uno bueno, diseño de curva A S, como si pensaras la línea general de su cabeza, es como una cosa curvilínea S con una curva C en la parte posterior Entonces el fondo es como una recta. Entonces si tuviera que conectar esto es algo curvilíneo C. Esta forma aquí, casi parece una de esas balas de Super Mario Brothers. Forma muy sencilla que se compone de los tres tipos de curvas en este caso. Puedes mantenerlo muy sutil, también, en este tipo. Pienso en esto como una curva C continua, pero del otro lado, es más una curva en S. Es sutil, es sutil, y es algo de lo que estoy plenamente consciente a medida que lo dibujo. Ahora, recuerden, he entrenado mi mano, la forma en que mis manos se mueven, he entrenado a lo largo de los años. He relegado esto a una decisión casi inconsciente. Esto es algo que se vuelve fácil cuando llegas a esa etapa. Antes de llegar a esa etapa, hay que practicarla conscientemente. Aunque solo sea tomar un cuaderno de bocetos y hacer una forma como esta y decir: Bien, hay una recta versus una curva Me gusta sombrearlo solo para enfatizar aún más la forma a mis ojos. No sé por qué eso ayuda, pero parece que sí. Di, Bien, ¿cuál es otra manera de hacer esa forma? ¿Qué tal si son dos rectas y la curva s sube así Esa es una variación de esa forma. Todas estas son decisiones de diseño muy conscientes que puedes tomar que ayudarán a que tus formas sean lo más interesantes posible. Como siempre me gusta hacer, me gusta contrastar diferentes estilos solo para mostrarte que estos principios se aplican pase lo que pase. Este estilo no podría ser más diferente que este estilo. Pero recuerda que esto es algo que no es sólo para artistas y dibujantes y cajones y El diseño de moda también hace esto. Tenía foto de referencia para este vestido. No soy diseñadora de moda. foto de referencia para este vestido. Pero la forma en que está diseñado este vestido, es como recto, recto, en la espalda, es más una curva s y como una curva s grande abocinada Así confeccionó este vestido la diseñadora de moda. Estos principios son universales de esa manera. Me aseguré de que cuando estaba pintando Clara aquí elegí el ángulo para pintarla en eso maximizó esta relación de forma Porque recuerda, cuando te alejan para ver la cosa completa, tu ojo no tiene mucho tiempo para leer todo Es necesario darle al espectador estas formas muy simples para que puedan boom, consíguelo de inmediato. Si tu forma emplea estos consejos que te estoy diciendo, te juro que serán más memorables para el espectador. Bien, hagamos un dibujo juntos. Estaré redibujando esta versión de Jake, y voy a narrar mis pensamientos Esto es tiempo real con pensamientos narrados y obtendremos en todas estas herramientas de diseño de formas y las pondremos en uso Ahora lo primero que siempre hago es meterme en un gesto y nos pondremos en un poco de la forma cosas de las que hablamos. Te das cuenta que estaré combinando muchos de estos conceptos juntos. Acabo de hacer un poco de forma, un poco de gesto. Quiero encontrar donde ese hombro está presionando contra su mejilla versus el otro hombro Entonces vamos a conseguir una bonita curva de C aquí para el cuerpo y este precipicio donde creo que va a terminar la camisa, mejor donde están las caderas aquí Y ahí hay un cilindro. Es como un cilindro cónico. Aquí hay alguna forma. Ahora bien, esta no es la forma final. Voy a obtener la forma final en más adelante. casi seguro que la forma final se desviará Es casi seguro que la forma final se desviará un poco de esto Es imposible hacerlo bien la primera vez, al menos lo es para mí, y no espero eso de mí mismo. El brazo va a estar bajando en una curva un poco de C terminando aquí. Este brazo está fuera, tal vez más de una recta con un pequeño gancho al final. La mano grande aquí, y la cosa de la mano del guante de boxeo, que luego puedo manipular. Ahora los pies, vayamos rectos porque las piernas se mantienen tensas Es una muy no incómoda, pero es algo así como, pose enganchada. Quiero conseguir algunas rectas en las piernas para ayudar a vender eso, y simplemente bloquearemos en esta idea de una continuación de una curva C en el gesto y también solo un indicio del desplazamiento cónico simétricamente forma aquí y el f también puedo bloquear en los pies con el principio del amor del boxeo Es así. Este brazo está adentro. Ahí también está mi pase de gestos con un pequeño toque de forma. Ahora, lo que voy a hacer es bloquear lo que creo que va a ser la forma de la cabeza. Voy a ir a la curva C aquí. Vamos un poco más rectos por la parte inferior de la mandíbula y eso se filtra justo en el cuello Una vez tengo una mancha solidificada para el cuello justo aquí, y aquí hay un cilindro Ahora sé dónde se puede basar el hombro a partir de eso. Sé que ahora mismo el hombro es probablemente un poco demasiado ancho. Para que pueda moverlo. Quiero tenerlo ahí arriba y creo que va a estar presionando de esa manera. Pero de nuevo, siempre puedo borrar esto, si quiero. Esto es digital después de todo. Aunque fuera un lápiz, podría borrarlo. Pero es mucho más fácil con lo digital. Vamos a entrar. Sí me gusta meterme por la cabeza, esa elipse central que da la vuelta Puedo dibujar detrás del formulario justo con mi línea punteada. Pero normalmente no hago eso cuando en realidad estoy dibujando. Es algo que te recomiendo practicar, pero cuando vayas a dibujar, adelante y hazlo si te pone más cómodo, pero no voy a hacer eso tanto, pero siempre estoy visualizando A veces me verás dar la vuelta al formulario de manera invisible, podrías seguir mi cursor, el cursor mi mouse o alrededor del formulario Porque tengo la línea central, sé dónde va a terminar aterrizando la nariz en alguna parte de aquí. Haré todo lo posible de inmediato para obtener una forma que tenga simetría offset a ella, tenga dos tipos diferentes de curvas. Esto es tal vez una recta que se encuentra con una curva C. Entonces a partir de aquí, puedo bloquear donde van a ir los ojos. Estoy pensando en perspectiva aquí, así que la nariz está frente a este globo ocular lejano A mí me gusta simplemente fantasma en casi gesto en una pizca de dónde están mirando esos ojos. Cuando tienes al personaje buscando en alguna parte , inmediatamente implica vida. Simplemente hay algo en eso. Incluso me gusta meter a la pupila. Siempre puedo cambiarlo. Pero hasta me gusta meter al alumno en esta etapa temprana. Entonces puedo también me ayuda a conseguir la forma del ojo y en este caso, el navegador de ojos, cosas cómicas o caricaturescas que están por encima de la cabeza, lo cual no tiene sentido a nivel literal, pero este es un diseño de dibujos animados La parte posterior de la cabeza será una curva de barrido pero encontrándose con una espalda recta ahí y esta curva invertida al revés que va por aquí. Me gusta empezar con la cabeza porque eso me ayudará a aterrizar en todas mis demás proporciones. El gesto fue un indicio de eso, pero ya estoy viendo, por ejemplo, creo que quiero que la camisa no sea tan larga. Quiero el torso, es decir, que sea más pequeño, así que hasta puedo simplemente hacer esto. Puedo subir esto con lo digital. Puedes hacer todas estas cosas, y voy a meter el hombro y el hombro moviéndose hacia el brazo ahora es como un cilindro. Ahora, recuerda el concepto de línea del horizonte. 9. Proyecto de clase 1: crea la ficha de diseño de un personaje: En este proyecto de primera clase, me gustaría que usaras todas las lecciones de dibujo que hemos analizado hasta ahora para diseñar tu propia hoja de personajes. Con el diseño y desarrollo de personajes, es importante idear múltiples versiones de un personaje. La comparación de esos diseños te ayuda a comprender y refinar aún más quién es el personaje. Para este proyecto, el primer criterio es producir al menos cinco versiones de un personaje. La descripción del personaje, la voy a mantener simple, similar a Jake, un niño de cinco a 7 años con una actitud El género y la etnia del niño pueden ser de su elección. En tus dibujos, asegúrate de explorar diversas poses y ángulos. Hacerlo ayudará no solo a informar quién es el personaje, sino que ayudará a un cliente a visualizar aún más su idea. Por último, no se requiere colorear el personaje, pero eres libre de hacerlo si así lo deseas. Como un pequeño bono, si quieres presentar tus diversas etapas de trabajo, gesto, forma, en tu presentación final, dudes en hacerlo también, pero no es obligatorio. Ese es el proyecto de primera clase. Adelante y diviértete con él. 10. Entornos: teoría práctica de la luz y el color para ilustradores: Bien. Estamos a punto de tomar un giro bastante masivo desde el dibujo de conceptos y el puente hacia la pintura. Específicamente, vamos a estar lidiando con el color y la luz. Los principios que estamos a punto de discutir están casi puramente divorciados de los principios del dibujo, pero como veremos en la siguiente lección, todos se unen para crear una ilustración final. En esta sección, sin embargo, me gustaría centrarme los aspectos clave de la teoría del color y cómo la luz y en los aspectos clave de la teoría del color y cómo la luz y el color trabajan juntos para darnos una especie de vocabulario visual de cómo entender la luz y el color, así como cómo analizarlo a partir de la referencia fotográfica, y finalmente te mostraré mi proceso para pintar un estudio fotográfico específicamente con el objetivo de maximizar tu habilidad aumento de color y luz. Prepárate para un nuevo comienzo aquí. Vamos a llegar a ello. Comprender el color comienza con la comprensión del concepto de temperatura de color. Esta es una rueda de colores. Seguro que ya has visto uno de estos antes. Muestra todos los matices que podemos ver en el espectro visible de la luz, y el matiz que significa los nombres de color, rojo, naranja, amarillo, azul, cian, violeta, etcétera, verde, y muestra la progresión a través Lo principal que vamos a estar viendo al principio, y este es una especie de concepto clave de todo esto, y es muy básico. Es que hay una sección general cálida de colores en la rueda de colores y una sección general de colores fríos, y son opuestos entre sí. Esta es la sección cálida de la rueda de colores. Es como una rebanada de pastel que va por aquí y abarca lo que los amarillos, rojos, naranjas, esta zona Este es el lado cálido de la rueda de colores. La sección fría es, bueno, es exactamente el lado opuesto de la rueda de colores. Está comenzando aquí con el azul cian y entrando en algunos de los morados, y en el camino tienes el blues aquí Cianos, azules, morados, algunas de las violetas. Esa sección es la sección fría de la rueda de colores. Tenemos cálido versus fresco. Ese concepto se llama temperatura de color. Demos el siguiente paso de bebé a partir de ahí y veamos los colores individuales en cuanto se relacionan con la temperatura del color, calentándose o enfriándose. hora de entender el color, lo primero y principal que necesitamos saber es que los nombres de los colores, el matiz es inútil, rojo, amarillo, verde, azul, morado, lo que sea, cian, turquesa, naranja. Eso no es muy útil. No es útil porque no es lo suficientemente específico. temperatura del color es la herramienta que nos permite hablar de color con especificidad ya que nos permite comparar e identificar exactamente el tipo de matiz que estamos viendo. Creo que cualquiera que entre a esta clase, aunque no tengas experiencia, sabes que hay diferentes tipos de rojo, diferentes tipos de verde, es diferente blues, etcétera Nunca hay solo una de las tonalidades. Se puede ver en la parte superior de mi gráfico aquí. Tengo temperatura más fría y temperatura más cálida, y en el medio está el matiz del que ambos emanan Empecemos con decir rojo. Solo para asegurarnos de que todos entiendan lo que dice este gráfico, para que podamos seguir profundizando. Entonces empezamos con el rojo. Ahora bien, ¿dónde está ese rojo en la rueda de colores? Probablemente esté justo por aquí. Estamos empezando por ahí. Ahora, podemos ir más calientes, lo que significa que estamos cambiando de esta manera. Ahora, ¿por qué es eso más cálido? Bueno, la zona cálida de la rueda de colores es, los amarillos, las naranjas, los rojos Esta es la rebanada cálida de la rueda de colores. Cambiar un rojo de esa manera asegura que se mantenga caliente en lugar de enfriarse, y a medida que cambiamos ese rojo más cálido, lo estamos modificando ligeramente. Eventualmente se va a poner naranja. Si volvemos a nuestro gráfico aquí, esa es la misma progresión que estoy mostrando aquí. Lo inverso es cierto, tenemos ese mismo punto de partida rojo, pero ahora queremos cambiar más frío. Si miramos nuestro gráfico aquí, rojo quiere cambiar más frío, y solo puedes verlo visualmente. Se está poniendo más violeta para cuando llegue ahí. Bueno, en la rueda de colores, ese cambio representa un movimiento de esta manera. El rojo cambia de esta manera, estoy seleccionando colores a lo largo la rueda de colores aquí hasta que nos metamos en las violetas Ahora, me detuve en el violeta y me detuve en el naranja del otro lado porque una vez que nos metemos en esos colores, ya no es rojo. Se vuelve anaranjado y eventualmente amarillo y verde, y de este lado, se convertiría en violeta en los morados y luego azules Esos ya no son rojos. Detuve mi turno antes de que el matiz cambie totalmente. Hagamos otra. Escojamos un verde porque mucha gente se pregunta si el verde es cálido o fresco. El verde es una especie de camaleón. Sucede que es el color del que más variaciones podemos ver. Existe entre las rebanadas cálidas y frías de la rueda de colores. El verde realmente puede tener mucha flexibilidad para ir de cualquier manera. Digamos que este es nuestro punto de partida verde medio que he identificado aquí en nuestro gráfico. Cuando desplazamos un verde cálido, igual que el rojo. Lo estamos desplazando a esta área. Estamos cambiando el verde de esta manera. Cambiamos un enfriador verde, lo estamos cambiando de esta manera. Hay una tonelada entera de greens en el medio. Se puede ver en la rueda de colores y de igual manera, se puede ver en la tabla. medida que hago un verde más cálido y voy por aquí, estoy recogiendo verdes así, y hay tantos greens. Todo esto es verde. Recuerden, hay tantos greens que podemos ver. Estos greens se están calentando a medida que van hacia la parada cálida en la rueda de colores. Casi se puede pensar en la rueda de colores como tener dos paradas de tren diferentes. Esta es la estación de tren cálida, y esta es la estación de tren genial. Y los conceptos básicos para pasar de cálido y fresco son, ya sabes, estás viajando alrededor la rueda de colores para pasar de cálido a frío, y puedes viajar hacia el otro lado para cambiar de frío a cálido. Y eso es lo que estamos haciendo con estos gráficos. Entonces ese mismo verde es verde aquí, que existía justo aquí. Ese verde se enfría cambiando de esta manera. Estos verdes finalmente se meten en los azules cian. Es lo mismo para todos los colores. Eso es también por cierto, cómo se calienta un azul. Es otra pregunta de color común que me hacen mucho, y a cualquier instructor se le pregunta es el azul es un color estereotípicamente frío, y eso es cierto ¿Cómo se calienta un azul? ¿Eso es posible? Bueno, sí, en realidad es muy fácilmente posible usando este método básico. Todo lo que tienes que hacer es tomar tu punto de partida, digamos que estamos empezando por ese azul. Y simplemente muévalo de esta manera hacia los calentamientos. Yo diría que estos azules, no quiero ir demasiado lejos porque entonces otra vez, me voy a meter en violetas y morados y eventualmente rojos, y esos ya no son Pero para cambiar un calentador azul, simplemente lo cambias de esa manera. Ahora bien, si tu azul está aquí, tal vez quieras cambiarlo de esta manera porque está más cerca de los calentamientos que van por esa dirección. Ahora aquí es donde este método en particular se queda un poco corto porque si tuvieras que tomar un azul di ahí y cambiarlo de esa manera, bueno, tienes que pasar por los greens antes de llegar a los amarillos, y eso puede ser un problema Vamos a resolver ese problema justo en la siguiente sección. Pero en general, solo sepa que tenemos nuestra rebanada de pastel caliente de la rueda de colores, y tenemos nuestra rebanada de pastel genial de la rueda de colores. La forma más básica de cambiar temperatura es mover el matiz dado, rojo, amarillo, verde, azul, en este caso, hacia esas áreas de la rueda de colores. Con esos conceptos en nuestro haber, podemos adentrarnos en formas más complejas de pasar de cálido a frío. Aquí hay cuatro gráficos. Ahora, no te asustes si no entiendes de inmediato lo que hay en la pantalla ahora mismo Te lo explicaré. En realidad es bastante simple. Bueno, lo primero es algo que ya sabemos, los dos primeros gráficos, estos tipos de aquí son exactamente de lo que acabamos de hablar. Es solo que se presentan de una manera diferente. En ambos casos, estoy tomando un color cálido para empezar, en este caso, este amarillo, y queremos llegar a un color fresco en ambos casos, el mismo azul. Y en la tabla número uno aquí, simplemente me estoy moviendo en una dirección a través de la rueda de colores. Amarillo, se convierte en naranja, se vuelve rojo, se convierte en violeta, se vuelve morado o índigo, luego se vuelve azul. En la rueda de colores aquí, ese amarillo comenzó por aquí y simplemente dio la vuelta a la rueda de colores esta manera hasta que llegó a nuestro azul. Entonces antes de que escape de nuevo al gráfico aquí, gráfico número dos simplemente va al revés. Toma el mismo amarillo y el mismo azul, pero llega a él de esta manera. Como pueden ver, el Gráfico número dos aquí, mismo amarillo, pero esta vez pasamos por los verdes, hacia las turquesas y cianes, y finalmente en estos azules profundos Eso es Gráficos número uno y dos cubiertos. Ambas son formas totalmente válidas de controlar la temperatura del color, pasando de cálido a frío. El problema con solo esos dos gráficos, sin embargo, es que todo está muy saturado. Los colores son odiosos. Se siente como algo que obtendrías en una feria de algodón de azúcar o algo así. Se ven demasiado vibrantes en todo el camino. Necesitamos poder controlar diferencias de color más sutiles, y ahí es donde entra en juego el siguiente concepto poderoso a la hora de entender la temperatura del color, y ese es el concepto de gris. Volviendo a nuestra rueda de colores, probablemente notaste que hay esta sección media que está entre cada color. Probablemente también notaste que a medida que te mueves de un color saturado, estando la saturación aquí afuera, siendo la saturación cuando tienes algún color, digamos esta naranja, saturación de los colores de salida de aquí, más vibrante que puede ser ese color. Eso es saturación. En esta rueda de colores, si escogimos un color saturado y nos movemos hacia el medio, notas que el color se está saturando cada vez menos . Se está poniendo más gris. Al mirarlo en esta pantalla, esta naranja, a medida que te mueves hacia la mitad de la rueda de colores, ese naranja estaría cada vez menos saturado hasta que en última instancia alcanza este gris perfecto o saturación cero. Esa saturación cero, cada color tiene eso en común, razón por la cual se encuentra en medio de nuestra rueda de colores. Cada color tiene en común este gris saturado cero. Ahora en esta rueda de colores, se ve blanco, fácilmente podría ser un gris como este. Sin embargo, el punto es que es saturación cero. Si muestro eso, y traigo mi muestreador, se puede ver que es saturación cero Ese es el punto entero de esta sección media. Eso es gris. Pero cuando digo gris, no estoy hablando de un solo punto. Estoy hablando de los alrededores. Aquí hay como una mancha de color. Plural gris. Otra forma en la que quizás hayas escuchado esto antes son los colores neutros. El concepto de neutral es bastante sencillo. Si escogemos un color muy saturado y lo ponemos ahí. Bueno, ¿qué es una versión neutral de eso? Bueno, es simplemente un color es del mismo color, solo que menos saturado. Esta sería una versión neutralizada de eso, y tal vez puedas escoger algo en el medio, ponerlo en el medio Tenemos dos neutros y un color saturado. Lo mismo es cierto para cualquier color, escojamos este color morado. Pongámoslo aquí. Esa es una versión muy saturada de ese color. Bueno, ¿cómo puedo neutralizarlo? Lo mismo, reducir la saturación e ir así. Esa es una versión neutralizada de eso. Incluso puedo neutralizarlo más e ir así. Ahora, tiendo a no usar tanto la palabra neutral. Yo sólo voy a decir gris se apagó. Pero ya sea que alguien diga grises o neutros, es lo mismo Ahora, te das cuenta cuando hago algo gris apagado así, la identidad del color comienza a disolverse. Si acabamos de ver la manera del zoom aquí, si acabamos de ver este color así, bueno, de pronto, es difícil determinar el matiz. Podemos ver que es ish púrpura, pero no es tan obvio como eso. Y ahí es precisamente donde entran estos dos gráficos inferiores. Avanzan a través de temperaturas de color pasando por el gris. Tomemos el gráfico número tres, por ejemplo. Esta en realidad es bastante simple. Traeré el recogedor de color aquí. Todas las cartas comienzas en el mismo color y todas terminan en el mismo color. Sólo voy a probar ese color amarillo y ahí está en el recogedor de color aquí Este gráfico progresa de cálido a frío, no usando ninguno de los tonos Déjame probar eso otra vez. Simplemente va de esta manera, recto hacia atrás a través de la saturación cero o por el neutro o por el gris. Entonces sale, instantáneamente sale y vuelve a salir. Ahora bien, ¿cómo se permite simplemente salir? Porque recuerden, los dos primeros gráficos, estos tipos de aquí arriba, esos se movían a través de todos estos tonos. Lo probaré, podrías ver si miras el selector de color a continuación, mira que se mueve a través de todos los tonos Este, si lo muestro, otra vez, mira el recogedor de color medida que avance por este gráfico, vea que está pasando por el gris y los tonos están clavados ¿Lo ves simplemente salir? Aquí está en los amarillos Cuando se pone gris, simplemente aparece justo en el blues. Ahora, sólo está permitido hacer eso porque una vez que estás en un perfecto gris de saturación cero o incluso en algún lugar muy cercano a él, en algún lugar de aquí, Bueno , recuerda, todos esos colores, como si somos saturación cero, todos esos colores comparten eso en común. Ese punto de saturación cero bien podría ser cualquier matiz. Eso significa que puedes usar esto como zona warp o pasaporte, tal vez entre dos colores cualquiera o incluso más que eso, cualquiera de tres o cuatro colores, lo que quieras, en realidad. Solo te lo estoy mostrando aquí en estos gráficos con dos colores solo para que las cosas sean simples. Pero cuando lleguemos a la pintura, lo que haremos en la siguiente lección, veremos que el gris es un punto de paso único entre cualquiera de los colores que estamos usando en nuestra paleta. Bien. El cuarto y último gráfico muestra una vez más la misma progresión general de este amarillo a este azul. Pero lo hace usando una combinación de gráficos número uno y tres. Utiliza el gris, pero también usa tonalidad. A medida que lo pruebo, nuevamente, déjame agrandar solo para que lo veas. Mira el recogedor de color mientras hago esto. Ya ves que se está volviendo más gris, pero también tonos conmovedores Entonces una vez que llega a algún lugar en la saturación cercana a cero, ahora estamos en el corte de pastel fresco del picker de color de la carta de colores del color Obviamente, aunque Photoshop aquí representa la rueda de colores como una línea vertical recta, la progresión del tono sigue siendo la misma. De hecho, volvamos a sacar a colación nuestra rueda de colores, y te mostraré lo que acabo de hacer en la Tabla tres y cuatro aquí de esta hoja. gráfico tres comenzó aquí y simplemente pasó directamente por el gris y terminó ahí. En el camino, escogí estos colores en el camino para llegar allí. Entonces se inicia el Gráfico número cuatro y se termina aquí para allá. Pero éste, en lugar de dar la vuelta al exterior, alrededor de la saturación, como lo hizo el Gráfico número uno, recuerde que el Gráfico número cuatro es una combinación de uno y tres. En lugar de hacer eso, abrazó al gris así y salió por ahí medida que los colores avanzaban alejándose del amarillo, se volvieron menos saturados y más grises Entonces a medida que avanzaban por los colores más fríos, las violetas y los azules, pudieron saturarse más Ahora bien, el gráfico número cuatro, en mi opinión, es lo más parecido a lo que realmente hace la naturaleza. Un segundo cercano a eso es el gráfico número tres. La naturaleza también suele utilizar la tabla número tres, pasando directamente a través de los grises para aparecer en otro color La naturaleza rara vez usará saturación pura, Gráficos número uno y dos. Podrías ver algo de eso en una puesta de sol, por ejemplo , colores muy saturados, pero en general, verás muchas tablas C tres y cuatro. Pasemos ahora a analizar estos colores y cambios de temperatura a partir de fotografías reales. La primera pregunta que necesitas saber la respuesta es, ¿dónde vas a poner tus colores cálidos y fríos en general? Eso tiene todo que ver con la luz y la sombra. Esto es obviamente una escena iluminada por el sol, y parece algo de tarde, lo que significa que el sol se está volviendo mucho más cálido y más saturado Ahora eso es simplemente una cuestión de ciencia. Aquí hay una tabla de temperaturas Kelvin, y se puede ver en esta zona aquí, Tenemos una luz solar directa algún lugar alrededor del mediodía es como aquí Entonces a medida que llegamos al amanecer y al atardecer temprano o más tarde en el día, la saturación aumenta. También el sol se pone más naranja. cuando nos adentramos en el profundo atardecer, realidad puedes meterte incluso en el rojo. Seguro que todos lo hemos visto en el día a día. Esta foto que estamos viendo es de media a última hora de la tarde, así que ese color del sol va a estar en algún lugar por aquí. El sol parece cambiar de color a través del día y eso es solo cuestión de ciencia. Puede buscar la tabla de escala de temperatura de color Kelvin o simplemente hacer referencia a la que está en la pantalla ahora mismo Aunque probablemente puedas encontrar algunos que etiqueten diferentes momentos del día un poco más claramente que esto. Pero ni siquiera necesitas saber las cosas de Kelvin. Con solo mirar la foto, deberías poder determinar cuál es el color del sol, simplemente muestreando las áreas que están iluminadas por el sol. Vamos a traer nuestro recogedor de color. Al hacer esto, podemos ver que no hay mucha variedad entre diferentes cosas iluminadas por el sol. Incluso puedo elegir algunos de estos colores de árboles. Están muy mirando donde está el matiz. Este es el campo de trigo, y este es el árbol. Observe que estos tonos no están cambiando mucho. Aquí está el área cortada del trigo. Aquí está como el trigo cultivado. No estoy seguro si en realidad es trigo, parece que lo es, pero no sé. Entonces aquí está el árbol. Se puede ver en general, a pesar de que estoy muestreando tres tipos diferentes de material. El matiz está en algún lugar atascado por aquí. Eso nos da una indicación en cuanto al color del sol. Es buena evidencia porque el sol es un influencer muy fuerte del color El sol es en realidad el influencer más fuerte de colores que tenemos Cuando tengas una escena de luz solar, solo prueba las cosas a la luz si tienes una fotografía que estás viendo, solo muestrea los colores en diversos materiales, diversos objetos, directamente golpeados por ese sol, y obtendrás el promedio de donde está tu tonalidad es lo que el color del sol lo que representan estos colores, estos colores cálidos iluminados por el sol. Esa es la sección cálida de nuestra carta de colores. He hecho un poco de espacio debajo de la imagen aquí. Voy a poner esto aquí como una representación de la parte cálida de nuestro gráfico. Hay algunas variaciones. Solo voy a probar algunas de esas variaciones y tener estas son las calidades. Ahora bien, ¿dónde están los refrigerados? Bueno, ¿eso es lo contrario? Los enfría los vas a encontrar mayormente a la sombra Ahora, paremos por un segundo y entendamos por qué eso es cierto. Bueno, recuerda que el sol le da su color a lo que sea que golpee. Bueno, las sombras son zonas que no son golpeadas directamente por el sol. Están libres de la influencia del sol, la peor parte del mismo se ha ido porque está bloqueado Ahora bien, sí, algunos de los colores del sol pueden encontrar su camino hacia la sombra al rebotar la luz, pero eso no es de lo que estamos hablando todavía. Hablaremos de rebote de luz medida que nos metemos en la pintura y esas cosas. De lo que estamos hablando es de la influencia directa. Las sombras B son sombras, porque no son golpeadas directamente, son susceptibles de ser mucho más frías. Demostremos nuestras sombras y veamos lo que tenemos aquí. Tenemos todo tipo de colores realmente. Ahora, mientras hago esto, hay dos cosas en general que deberías estar viendo aquí. Una es que el matiz ha subido aquí, pero también que aún quedan algunos matices, aquí abajo, puedo probar uno ahí mismo Ese matiz estaba en la sombra, pero sigue ahí. Ahí, es decir, cerca de donde estaban los tonos del sol. Pero también tienes tonalidades que están arriba en el blues y en algunas de ellas están en los greens aquí Eso abarca toda esta gama. Eso es lo primero que debes notar, el matiz cambia. Lo segundo que debes notar es que tenemos muchos neutros o grises Déjame probar uno de estos perfectos. Este matiz estaba en el reino del sol, pero miren la saturación, el nivel de gris, se ha ido muy abajo. comparación, este es el qué iluminado por el sol, y este es ese mismo, tono similar, pero míralo a la sombra Es mucho más gris. Obviamente, también es más oscuro porque es sombra, pero veamos la temperatura de color por ahora si podemos. Volvamos a nuestras cartas de colores para hablar sobre lo que acabamos de ver y usaremos la tabla número tres para empezar. Los colores cálidos del sol, no estamos hasta aquí. Se trata de un amarillo de saturación completa. No fue eso. Fue más en este rango. Fue como, digamos sobre esa de ahí. En nuestra fotografía, empezamos por aquí como nuestro color más cálido Tal vez también tuvimos un poco de eso, así que tal vez podamos comenzar en algún lugar de aquí como nuestro más cálido Entonces llegamos a que estaba por ahí. Voy a cortar esto. El gráfico en nuestra fotografía se parece más a esto. Déjeme traer eso. Vamos a traer esto aquí. Yo sólo me desharé de ese gráfico inicial. Sólo voy a probar eso. L pintarlo y ver cómo encaja. Ahora, es un poco demasiado amarillo. Nuestro campo de trigo es más anaranjado, pero todo lo que tengo que hacer es simplemente hacer eso. Ahí vamos y tal vez un poco más ligero. Ahí vamos. Ahí está nuestro campo de trigo a la luz. Puedo tener pequeñas variedades como podría ir un poco menos saturado, puedo ir un poco más saturado. Todos estos colores parecen encajar porque están dentro de la influencia del sol. Podría cambiar un poco el matiz y aún así estar bien porque estoy dentro del reino de los colores cálidos del sol. Ahora bien, cuando cambio a la sombra, si solo tuviera que hacer este color más oscuro y pintar con él, no coincide. Ya no coincide con la fotografía, ¿y por qué es eso? Bueno, el valor es correcto. Me he vuelto más oscuro, valor, es decir, luz versus oscuridad. He profundizado el valor para ponerme tan oscuro como necesito ser. Ese es sin duda un color de sombra oscura, pero no es la temperatura adecuada. Para que ese color se ajuste, tendría que hacerlo más fresco. ¿Cómo hago eso? Bueno, puedo hacerlo de una de dos maneras. El método número uno es que podría alejarlo de los calentamientos, podría subir de esta manera si quisiera y hacer eso, pero eso todavía está demasiado saturado, S, podría intentar ir por el otro lado. Vamos por el otro lado por aquí. Y haz eso. Pero eso también está demasiado saturado. El método número uno no funciona del todo por sí solo, lo que correspondía al gráfico número uno y dos Eso es lo que acabo de probar ahí. Esos no funcionaron porque eran dos colores recubiertos de caramelo. Estaba demasiado saturado. Lo que tengo que hacer aquí, intentemos otra cosa. Tomemos de nuevo nuestro color solar. Vamos a ir más oscuros con él como acabamos de hacer, pero ahora vamos a apagarlo. Mira esto. Se ajusta. A lo mejor es un poco demasiado oscuro, voy a ir un poco más ligero. Mira eso. Encaja perfectamente. Lo que acabo ahí fue que usé el gráfico número tres. Simplemente califico el color. Ahora también oscurecí ix. Estamos en la sombra. Las cartas de colores no te muestran la luz contra la oscuridad. Simplemente te muestran la temperatura del color. Tuve que agregar el paso extra aquí y oscurecerlo. Pero yo uso la tabla número tres, tomando el color del sol y si quiero entrar en una sombra más fría, oscurecí y disminuí la saturación y el boom, miren eso la saturación y el boom, miren Así como así, parece un color fotográficamente creíble Bien, aunque puedo hacer otra cosa. También puedo mirar, volviendo a nuestra carta de colores aquí. Probemos el gráfico número cuatro, que disminuyen la saturación, pero también cambian el matiz. Probemos eso en nuestra fotografía. Nuevamente, comenzaré con el color del sol, algo así, lo oscureceré para sombra, y también cambiemos el matiz y disminuyamos la saturación ¿Qué pasa con ese color? Mira esto. Sí, eso funciona. Probablemente no me gustaría pintar eso en todas partes, pero podría encontrar pequeños lugares donde eso funcione ya que lo estoy escabullando como palabra de un artista para garabatear un artista para garabatear Puedo escabullir eso y funciona. Lo puedo poner en todas partes. Puedo ponerlo en esta sombra, esta sombra, aquí. Dondequiera que haya sombra, encajará. Pero lo desharé, solo para volver a la fotografía. ¿Qué tal si hago lo mismo, pero sigo mi camino hacia Kool y estoy aquí Mira eso. Eso también funciona. ¿Y si continúo con eso? Eso también funciona. Y si lo sigo a azul, y como hicimos en el Cuadro número cuatro, nos saturamos más cuanto más nos acercamos al azul. ¿Qué tal si hice eso? Bueno, volvamos a nuestra foto aquí y tal vez vayamos aquí y aumentemos la saturación. Y, eso funciona. Parece que podría caber. Como lo estoy poniendo en varias sombras, parece que puede caber. ¿Cómo lo haría si fuera ahí y simplemente me saturara aún más? Ahora estamos empezando a saturarnos un poco, pero un poco de eso aquí y allá mientras lo estoy hundiendo, sigue mi cursor Lo estoy salpicando por todas las áreas de sombra. Eso también puede funcionar. Este es el poder de nuestras cartas de colores. De pronto tenemos un mapa, un mapa de cómo los gusanos se convierten en enfriados y viceversa. 11. Entornos: práctica de luz y color: Quiero darle un paso por el proceso de estudiar a partir de una fotografía y hacer una pintura que podemos llamar nuestra propia en términos de cómo somos capaces de interiorizar la luz y el color Lo primero que voy a hacer es simplemente cebar la superficie del underpainting aquí Nosotros solo algunos no conozco neutros genéricos cálidos y fríos. Significado genérico, pueden provenir de cualquier tonalidad, así que hay morados y rojos y aquí hay algunos amarillos y verdes, Observe que mi picker de color nunca está dejando 20% de saturación Obtenemos este aspecto agradable ya de un underpainting ayudará Verás cómo informa a los colores que avanzan. Eso es un poco oscuro, así que voy a abrir niveles e iluminarlo un poco No lo quiero demasiado brillante, pero sólo un poco más brillante que eso. Entonces, ligeramente por encima del tono medio, algo así. Sea estos colores sangrarán a través y, en general, desea que los colores más claros se desprendan Al menos esa es mi experiencia. Es beneficioso que los colores más claros se desprendan. Bien. Hagamos el dibujo más básico aquí, y esa es una de las razones por las que elegí una fotografía como esta es porque es muy fácil de dibujar. Sólo hay unas pocas formas. Aquí están los árboles en la distancia, las líneas del horizonte allá atrás. Ahí hay una nube interesante que solo vamos a insinuar. Esto no se supone que sea un estudio detallado, completamente renderizado, sino todo lo contrario. Este lienzo, por cierto, el que estoy pintando aquí tiene sólo 600 pixeles de ancho. Esto pasa a ser 600 por 439. Muy pequeño. Eso te permite pintar no solo rápidamente, sino que te desalienta de pintar detalles La otra regla, y esta es una regla absoluta no se permite el muestreo. No se te permite probar esto porque eso no es aprender nada si muestras. Tienes que escoger los colores tú mismo. Siempre puedes mirar. Lo que podrías hacer es traer el recogedor de color y decir, Oh, qué es la luz contra la sombra, puedes mirar esas relaciones y luego volver por aquí y volver a por aquí y volver establecerlas escogiéndolas en tu pintura Eso está permitido. Eso es juego limpio, pero no muestreando directamente. Entonces el cielo. Lo que pasa con los cielos es que se calientan en el horizonte. Ahora sigue siendo un color más fresco, es alféizar un color azulado, pero un azul más cálido Ahora, ¿cómo se calienta un azul? Bueno, ya hablamos de esto. Podrías alejarte del azul, puedes subir hacia el púrpura, lo que en realidad está sucediendo en ese cielo, si puedes creerlo. El cielo, puedes ver que se está poniendo un poco más púrpura, pero sobre todo se vuelve más gris. Voy a usar estos, voy a usar estos gris púrpura justo ahí dentro Y poner en asegurarse de que es bastante ligero a un poco más hacia el morado. Observe que no es literalmente púrpura. Eso sería más como una cosa del atardecer. Es púrpura ish. Se mueve hacia el morado. Esa es una cosa que podemos aprender sobre el color es que no necesariamente se trata del color final al que estás llegando. Lo que importa es la dirección en la que se mueve. Por eso te mostré estos modos de mover color desde cambiar el matiz hasta cambiar la saturación. No se trata del color que el ojo en realidad no ve el color que eliges. Ve el contexto de ese color a través de cómo se mueve. La cima del cielo se satura más hacia el azul. Acabo de poner esto. Estoy dejando espacio para esa nube ahí. La nube en la que me colocaré un poco más tarde. Dejémoslo así por ahora. Ahí vamos. Sólo estoy tratando mezclar un poco de pincelada ahí Simplemente usando este cepillo para peinar. Ahora, pensemos en los campos de trigo. El color está en algún lugar de aquí. Ahora bien, no importa exactamente lo que sea. Siempre y cuando elija cuál es el color de mi sol y elija una saturación relativa para ello. Voy a decir, está alrededor de esta naranja y es por ahí. Esto es lo que va a golpear el sol. Va a influir en los colores para ser así. Ya se puede ver dónde está ayudando el underpainting. No tengo que contender con un fondo blanco. Oh, por cierto, solo estoy pintando esto en una capa. Por eso no ves mi ventana de capas. Los colores del sol o algo así, y puedes variar eso. Puedo hacerlo un poco más amarillo e ir así. Scumble que El descascaramiento es una técnica muy útil. Trato de escumbir de manera direccional aunque esto sería garabatear Scumbling es como nefasto así, garabatos direccionales. Hay una buena definición para la escoria. Poniendo esto y puedo ponerme un poco más roja si quisiera. Simplemente cambiando el matiz. Siempre que estés dentro de vecinos cercanos como amarillo, naranja, rojo, puedes cambiar libremente. No podría ponerme azul, esto no funcionaría para nada. Estás frente a la rueda de colores. Ni siquiera podía ponerme verde. Eso empieza a parecer un poco extraño. No hay razón para que esos colores se mezclen, están muy separados. Pero si estás haciendo pequeños turnos como este, fácilmente puedes simplemente deslizarte con la misma saturación, solo puedes deslizarte entre tonos. Pero de nuevo, intenta mantener esos movimientos mínimos cuando estés haciendo eso. Pero en la etapa inicial aquí, es útil sentar algo de eso. Quiero conseguir unos colores de sombra ya. Para ello, sólo podría pintarlas con un pincel. Pero ¿ sabes qué voy a hacer? Voy a agarrar la herramienta de selección y dibujaré con solo mirar la fotografía, simplemente dibujar en estas, formas de sombra de árbol, nada especial, y está bien si me equivoco. Siempre puedo volver a hacerlo y eso cubre todo esto. Pero en lugar de usar un relleno de color, agarraré un pincel, y presionaré el control H en photoshop que oculta esto. Ahora tengo que pensar en el color. Bueno, me gusta probar siempre donde estoy. Muestra mi punto de partida. Quiero ir más oscuro para la sombra, y quiero ir más fresco. Ahora, eso lo hace ahí mismo. Pero en lugar de quedarnos exactamente en el mismo tono, alejémonos también de esta cálida porción de la rueda de colores. Puedo ir en cualquier dirección. Puedo bajar por este camino. Y finalmente acabando ahí o puedo subir de esta manera. Vamos a subir por ese camino. Colóquelo en. Mientras hago eso, podría cambiar de opinión y bajar por este camino. Es totalmente válido para hacer eso, mezclando algunos de estos colores. Pero debido a que esta es una hierba verde en primer plano, tal vez vuelva a subir de esta manera, escumble en algunos La otra cosa del color es cuando estás mezclando tonalidades como esta, trata de mantenerte en el mismo valor Si tuviera un verde que es mucho más oscuro, ves que eso no funciona tan bien. Si estás en el mismo valor, puedes mezclar tonos más libremente. Eso es lo que estoy haciendo aquí. También puedo continuar mi trayectoria hacia el blues y tal vez incluso agregar un poco de saturación como lo hago. Mira esto. Esto funciona. Quizás más hacia el azul y más saturado. Nuevamente, siguiendo la tabla número cuatro. Aunque, a diferencia del gráfico número cuatro, que bajó por los tonos de esta manera, voy subiendo por los tonos de esa manera, que fue lo que hizo el gráfico número dos Estoy combinando estos gráficos. Ahora, todavía tengo mi selección de píxeles duros ahí. Quiero anular la selección de eso. Agarraré mi herramienta favorita de manchas aquí y apenas comenzaré a difuminar estas sombras, lo cual es una buena manera de imitar los bordes suaves que tienen. En realidad no es mezcla. No estoy tratando de mezclar las sombras con las luces. Simplemente estoy tratando de suavizar el borde duro porque más lejos se aleja una sombra una sombra proyectada del objeto que la proyecta Esto es claramente árboles detrás la cámara proyectando una sombra sobre este campo. Pero debido a que esos árboles están tan lejos, los bordes que crean de la sombra serán muy suaves. Eso es cierto de todas las sombras. Cuanto más lejos estén del objeto que lo moldea, más suave será su borde. Solo estoy tratando mantener intactas las formas de estas sombras, pero solo intento suavizar el borde Entonces con mi herramienta para difuminar, por cierto, también puedo pintar con ella. A lo mejor voy a conseguir un neutro cálido aquí, eso es demasiado oscuro. Ahí vamos. Scumble en algunos de estos calentamientos Ahora sé que hay un primer plano herboso y un corte que Voy a conseguir eso un poco más tarde. este momento solo estoy tratando algunos colores se muevan aquí relacionados entre sí. Estos son a pesar de que aquí estoy en el mismo tono que estaba el sol, estoy muy gris abajo. Esto es válido. Esto seguirá luciendo más fresco que la luz del sol. Entonces lo que puedo hacer. Porque ahora tengo un poco de gama de colores. Puedo saltar a mi blues y solo recordar dónde estaba, y tal vez incluso un poco más ligero, puedo conseguir algunos de estos blues más fríos por aquí. Ahora, voy a poner los azules en las afueras de la sombra porque ahí es donde es más probable que el tragaluz baje y los golpee Porque esa zona del campo está tan abierta al cielo. Mientras que, si volvemos a la fotografía, esta zona del campo aquí, siento que está más cerca de los árboles que proyectan la sombra. Esta zona podría bloquear un poco más el tragaluz, aunque definitivamente se puede ver si lo muestro Mira lo azules que son esos verdes. Si traigo esto, mira qué azul verde es eso. Claramente hay mucho cielo azul entrando ahí también. No hay cielo azul entrando al campo al sol porque el sol es tan fuerte que domina todo el tragaluz azul Efectivamente no hay tragaluz azul visible para nosotros donde está golpeando el sol Lo que obtienes como resultado entonces es la idea de una temperatura de color separada de la luz solar versus otras temperaturas de color separadas de la sombra. Tienes dos campos diferentes, y eso es obvio en esta fotografía. Elegí esta fotografía por su claridad. Incluso nubes. Si tuviéramos que pintar esta nube, que se bloqueó aquí mismo, bueno, sabemos que el sol la va a golpear desde arriba, el sol está por encima de las nubes, claro. Y el sol es ese color más cálido. Ahora bien, las nubes son blancas, mientras que los campos de trigo ya tienen un poco de ese tono terrenal, ese tono kary para ellos. Si digamos la tierra, el campo de trigo, el color local del campo de trigo está por ahí. Eso es como si te llevaras toda la luz, lo cual es imposible de hacer, pero si lo hicieras, este sería el color local del campo de trigo, algo así. Bueno, entonces le agregas el sol cálido y lo calienta aún más. Una nube no empieza de aquí, una nube empieza sin color, son blancas. Lo que haces es aún aumentarlo hacia el color del sol, pero sólo un poquito, y claro, las nubes son muy ligeras. Algo de ahí. Incluso eso tal vez sea un poco demasiado. Esto es un poco mejor. Sigue siendo el mismo principio del color del sol que influye en estas nubes, pero parte de un color local o color base menos saturado que tenemos que tomar eso en consideración El sol no puede hacerla tan saturada, no puede hacerla tan saturada como los campos de trigo. Pero si probé eso y me scumbled en este color un poco, tengo que hacerlo un poco más ligero para igualar un poco el valor. Pero esto podría caber. En realidad, esto podría ayudar a armonizar, aunque realmente no lo veo en la fotografía, esto podría ayudar a armonizar la escena al tener ese factor de color solar en aún más Incluso aquí arriba en las nubes. Ahora la sombra de las nubes, es la misma idea que la sombra de los campos de trigo. Son más frescas. Pero debido a la perspectiva atmosférica, pensemos en montañas distantes, van a ser aún más frías Realmente he aumentado este azul. Este azul realmente no existe aquí abajo. Aunque ahí mismo obtuviera el valor correcto, aquí está más saturado que cualquier otra cosa. Cuando vas en la distancia, se te permite aumentar la saturación de tus azules porque eso es lo que hace la naturaleza. Eso es lo que hace la perspectiva atmosférica. Hace eso, por cierto, porque, por alguna razón, no sé por qué, amarillos son los primeros colores que se filtran con la distancia Ahora que tendrías que preguntarle a un científico por qué es eso. No lo sé. Tiene que tener algo que ver con la longitud de onda, supongo. Pero de eso no se trata esta clase de participación de habilidades. Aquí estoy probando un tipo diferente de azul en las nubes, inspirado en la fotografía aquí. Nuevamente, esto es solo por las sombras, las sombras de las nubes. Porque van a estar más frescos, igual que la tierra, y todo es así. Hagamos los árboles. Empecemos por la luz de los árboles. Bueno, lo sé, un árbol es qué, un árbol es verde. Bueno, hay verde, pero eso es demasiado frío. Tiene que ser verde más cálido. Aquí es donde puedes volver a la foto y decir: Bien, vamos a traer nuestro recogedor de color, ahí está la tierra, los campos de trigo de roble, y ahí está el árbol Se puede ver antes que nada, mira el matiz. No se mueve tanto. Curiosamente, sin embargo, el valor sí se mueve, el campo de trigo está aquí, mira el valor, la luz versus la oscuridad, está aquí arriba, y el árbol está muy abajo Los árboles son muy oscuros. Incluso en la luz. Los árboles son las cosas más oscuras de tu pintura. Vaya, acabo de probar eso, eso va en contra de las reglas. Empecemos de nuevo por aquí. A ver si podemos recrear eso Bueno, un árbol es verde, pero un verde más cálido. Voy a ir por ahí, verdoso, más oscuro. Y pero ahí. Pongamos eso. Cuando digo, no sé si eso es correcto. Yo, probemos una diferente. Vamos a probar eso. Probemos un poco más caliente. Eso es un poco frío para mí, creo. Los árboles son oscuros porque así es como ganan su alimento. Atrapan la luz, la fotosíntesis y todo eso. Nuevamente, tema para otra clase, y no soy experto en esto, pero así es como un árbol gana su nutrición. Atrapa la luz, y por lo tanto, debido a que atrapa la luz, no deja escapar tanta luz, por lo que son más oscuras. Hasta un árbol a la luz. Esto es cierto básicamente para todas las especies de árboles, especialmente pinos y cosas así, pero son muy, muy oscuros. Incluso a la luz. Te das cuenta que aunque mis valores aquí abajo, todavía parece un árbol a la luz. Pero mira lo que hago con las sombras. Las sombras van a ser mucho más oscuras quizá aquí. Debido a que estos árboles están bastante distantes, voy a adentrarme en el blues. Sólo voy a saltar directo al blues y ver si puedo encontrar que eso es lo correcto, muy saturado debido a la distancia otra vez. Sólo voy a tratar de poner, parece que hay una gran sombra siendo proyectada a lo largo estos árboles. Por aquí. Por cierto, siempre puedo presionar ligeramente sobre mi mesa. Si presiono fuerte, se ve así. Si presiono ligeramente, obtengo un poco de mezcla. Al igual que con la pintura tradicional, puedes cargar el pincel con menos pintura, lo que en digital significa que presionas más ligeramente sobre tu estilista Solo estoy tratando de encontrar estos pequeños patrones de sombra en los árboles a los que estoy haciendo referencia de la foto No estoy tratando de copiarlos de la foto. En primer lugar, mi lienzo es demasiado pequeño para copiarlo así. Estoy probando diferentes blues. Probemos este azul aquí, un poco más de cian. Sé por experiencia que cuanto más atrás te vuelves, más cian se pone el azul. Aquí arriba, la distancia entre este árbol y este árbol, no sé, media milla, algo así. Una diferencia significativa en profundidad entre esos dos puntos. El más cercano, puede ser más de este azul ultramarino profundo, que es un azul más cálido, está más cerca de los rojos, como comentamos al inicio de la sección Pero a medida que regresas a esta parte de los árboles, es más azul cian porque eso está más cerca del color del cielo. Debido a que la perspectiva atmosférica obliga a las cosas en última instancia a progresar hacia el color del cielo, eso debería tener sentido por qué es así. Oscuremos el valor de nuestro primer plano y obtengamos un Algo aquí, un verde más frío, estamos tomando un verde moviéndolo hacia el azul. Sólo voy a conseguir un cepillo loco para esto, y esto solo será bofetada discontinua juntos, aún más oscuro, creo Ahora bien, esta parte es interesante porque mira lo que va a pasar aquí. Esto estaría completamente a la sombra. A estas cañas y briznas de pasto están completamente a la sombra. Pero también tienen su profundo En profundas sombras dentro de ellos. Te voy a mostrar lo que quiero decir en la fotografía original. ¿Ves cómo se pone realmente oscuro en estas áreas como debajo de la hierba? Como una sombra dentro de una sombra. Eso se llama oclusión ambiental, y eso no es sólo una palabra elegante para sombra, hecho, no es sombra en absoluto Todo es sombra. oclusión ambiental es donde la luz ambiental, es decir, la luz que baja del cielo, la luz ambiental que iluminó nuestros colores de sombra aquí desde el cielo La luz ambiental no puede llegar a esas zonas, la luz ambiental está ocluida, entonces la llamamos oclusión ambiental Es una especie de remanente del software de tres D, en realidad. El software Three D comenzó a llamar a ese efecto oclusión ambiental Es un lenguaje muy programario para usar ahí, y se puso de moda Ahora la oclusión ambiental es más oscura, pero también tienes una excusa para ir más cálido ahí, se invierte Tienes el color más fresco para la hierba y sombra que instantáneamente vuelve a ser más cálido para la oclusión ambiental Esto es algo sobre lo que bromean los pintores. Es solo algo que hacer, solo haz que tus colores de oclusión ambiental cálidos. Simplemente se ve mejor. No sé por qué es eso, pero por alguna razón, cuando haces que tus colores de oclusión ambiental sean demasiado fríos, las cosas empiezan a verse un poco sin vida Solo voy a entrar con este pincel estilo rastrillo y ponerme punteando en realmente alguna oclusión ambiental, los oscuros más oscuros de la La oclusión ambiental siempre será tu oscuridad más oscura, sí, esa es la palabra Sin embargo, no siempre es negro. Sigo aquí, no totalmente negro, pero está bastante cerca. Eso es porque esta foto queda expuesta de esa manera. Pero dependiendo de todo tipo de factores y tal vez en la demostración que pintemos a continuación, aclararé la paleta en general y podremos tener una oclusión ambiental más ligera Ya veremos, ya veremos. Consigamos un conjunto de pinceles para multiplicar el modo, como puedes ver aquí arriba. L un color cálido. Lo que voy a hacer es sentarme en el camino del trigo cortado aquí. Simplemente algo así. Me da este camino recortado gratis porque quiero que los valores se queden todos, luces y las sombras, deberían Yo solo quiero esta sensación de que hay una pequeña sección cortada de la hierba, algo así. Y puedo quedarme en este pincel multiplicar para seguir bloqueando en algunos de estos detalles. Multiplicar, si no lo sabes, solo oscurece las cosas. Es como el color del agua. Mantiene la estructura de valores que se tiene. Simplemente lo oscurece, pero lo oscurece hacia un color. Si escogiera azul, lo oscurecería hacia ese azul. En realidad, algo de ese azul podría ser agradable para algunas de las partes de sombra de aquí, donde tendrías pasajes un poco más fríos. Incluso en esta área aquí, hagamos que el trigo cálido sea un poco más fresco para adaptarse mejor a nuestras sombras más frías. Mientras estoy aquí, podría oscurecer todo mi primer plano solo con este gran Algunos morados interesantes y cosas en esa hierba. ¿Puedes ver eso? ¿Al igual que pequeñas salpicaduras de púrpura? Estoy haciendo esto con mi pincel multiplicar aquí. Y voy a sacar este cepillo loco, y ahí están estas pequeñas flores silvestres moradas. Este cepillo es ideal para capturar la aleatoriedad de cosas como flores silvestres y un poco más cálidas, pero aún en gris para ser Yo llamaría a esto un fresco más cálido. En el contexto de esta pintura, este es un fresco más cálido porque ciertamente es más cálido que los verdes azules que teníamos, pero no es tan cálido, no es tan cálido como el sol. Es como un cálido neutro. Entonces es un fresco más cálido. Y también puedes tener calentamientos más fríos. Si subiéramos en la zona iluminada por el sol, calificamos eso, esto sería un calor más fresco ¿Puedes ver eso? ¿Cómo está haciendo eso? Es solo agregar un poco de esa variedad y algo de eso podría estar bien. Sólo para tirar ahí. Aunque no lo veas en la fotografía, sigue siendo apropiado porque sigue mezclándose con nuestros calentamientos reales. Me estoy dando cuenta de que solo algunos de estos árboles aquí son más sombra, calzo empezar a priorizar terminar esto para que podamos llegar a nuestra próxima demostración donde pintaremos algo de nuestra imaginación Y esto debería darte una visión general justa, como una buena base de trabajo de cómo funcionan los colores y la luz. Después en la siguiente sección, entraremos en él y pintaremos algo. Pero ahora mismo solo me estoy divirtiendo aún no he terminado del todo. Me estoy divirtiendo explorando diferentes tipos de tonalidades. Recuerda el gráfico número cuatro, para cuando estaba aquí, no todo al azul, cuando estaba aquí, apenas estaba empezando a salir de los grises y el número de gráfico, eso es lo que estoy haciendo aquí Estoy consiguiendo ese nivel del gráfico. Presente en la imagen. Ahora bien, esto es algo importante. No necesitas que todas las partes de tu gráfico estén presentes en la imagen. Eso no es un requisito. Siempre y cuando tengas pequeños puntos de control en el camino, y donde quiera que estén esos puestos de control, eso depende de Pero siempre y cuando tengas algunos de ellos, y de nuevo, no sé cuántos. Tres, cuatro, cinco, no sé. Aunque trato de ir por al menos tres, supongo, si puedo ponerle un número. Siempre y cuando tengas esos puntos de control presentes en el camino Podrás comunicarte con el espectador, como, Oye, este es el camino que estoy tomando, porque todos los caminos que te mostré son muy derivados de la naturaleza, el espectador lo reconocerá. Aunque no sean artistas, solo van a saber instintivamente lo que estás haciendo porque están muy acostumbrados a ver ese tipo de información Aquí solo algunas hojas de plantas más azules, muy, muy azules y esas cosas. Eso es porque estamos en una zona muy fresca de sombra. Esta hierba es verde. Podemos subir a estos enfriamientos Todavía consideraría esto un verde fresco. Podrías mirar esto y decir: Oh, eso no es verde, es cian. No lo sé, algo así. Eso es discutiblemente no verde, pero para mí, es un verde más fresco porque se derivó Es verde llegó ahí. A través de este camino. Para mí en mi cerebro, eso sigue siendo verde. Por eso volviendo a la parte inicial de esta lección, los nombres de color son inútiles. Porque si digo verde, bueno, quien hubiera pensado que eso era verde. Pero en este cuadro, creo que es verde. Es parte de la vegetación, de todas formas, eso es innegable. Incluso podemos escabullir algo de ese raro ligeramente gris apagado cian Ahora he calificado un poco, lo que lo está calentando, pero eso no es ni cerca de cálido. Todavía está bastante saturado para estar fresco. Pero simplemente no hace tanto frío como lo es en primer plano. Sólo estoy escabulliendo eso en algunas de las sombras. Me gusta mucho tener una sinfonía de color en sombra. Mientras que en la luz, puedes ser un poco más en realidad mucho más monótono porque la luz solar, especialmente en situaciones iluminadas por el sol como esta, la luz solar es dominante, es tan dominante que realmente no permitirá mucho color Amastica los colores para que sean así, como discutimos. En realidad no se permiten otros colores. Nadie está permitido entrar en el club. Fue con sombra, todos están permitidos en el club porque los colores de sombra pueden venir de cualquier parte. Puede provenir del cielo, puede provenir de la luz de rebote. Ahora aún no hemos hablado realmente de la luz de rebote. Lo haremos en la demostración de pintura. Me aseguraré de elegir una escena que tenga una buena cantidad de luz de rebote en ella y podamos discutir cómo eso modifica esto aún más Pero esta es una buena representación de lo que estamos viendo en términos de color y luz. Es un paso muy lateral de los personajes. Es una pista completamente diferente en la que estamos cuando se trata de luz y color. Pero lo que me encanta de la luz y el color tan complejo como puede ser y lleva mucho tiempo aprender, al igual que dibujar lleva mucho tiempo aprender. Lo que me encanta de esto es que realmente no requiere una tonelada de dibujo, pintura así. Es decir, aquí no hice mucho dibujo. Hay algunas formas. Siento que cualquiera podría dibujar lo que acabo de dibujar. La pintura y el color es una historia diferente, pero el dibujo detrás de esto es muy sencillo y básico. Si puedes seguir los principios que presenté aquí, creo que podrías seguirme fácilmente y pintarme esto junto a mí. Tus pinturas mejorarán con tiempo, la práctica, la práctica, la práctica. Recuerda que las relaciones de color solo por naturaleza, son muy sutiles. Lo que pretendemos hacer con nuestra pintura y nuestra ilustración es poder gestionar y visualizar y observar cambios de color muy sutiles, no grandes cambios. Esos sutiles cambios de color, solo toman tiempo. Pero sigue practicando y llegarás ahí. Mis cuadros iniciales no se parecen en nada a esto, y desde luego no pude pintar tan rápido. Pero lo bueno de entender, digamos las cartas de colores que acabo de mostrarte en esta sección es que realmente son una receta un poco para la naturaleza. La naturaleza hará esto una y otra vez. Y si puedes entenderlo, podrás verlo no sólo en fotografías como esta, sino incluso cuando solo estés parado afuera y la próxima vez estés de paseo. Ojalá, estés buscando estas cosas. Si eres como yo, llegarás al punto en el que ni siquiera puedes apagarlo. Estás como, Oh, guau, solo ves estas relaciones en todas partes porque son muy consistentes. La luz y el color no son un misterio una vez que profundizas en estos principios. Bien Terminemos nuestro estudio ahí, y los veré en la siguiente lección donde vamos a profundizar esta información pintando algo completamente imaginativo 12. Cómo acabar una ilustración: parte 1: Bien, hemos llegado, creo que el punto más emocionante de la clase. Es momento de unir nuestro conocimiento del carácter y el entorno para llegar a nuestra propia ilustración. Este es el producto que probablemente estarás haciendo para tus clientes. Incluso si solo estás haciendo un diseño de personaje, probablemente te pedirán que lo pintes para esa presentación profesional final. O si eres como yo, el cliente quiere toda una ilustración, carácter, fondo, totalmente pintada, totalmente integrada, aspecto profesional y totalmente terminada. Eso es lo que abordaremos en esta sección. En el camino, sin embargo, también te daré consejos una práctica accionable para desarrollar entornos y trabajar con perspectiva Entonces este proyecto está inspirado en algo que un cliente me pidió que hiciera con los personajes de Big Foot. Entonces primero, te mostraré ese trabajo y te explicaré los pasos que se dieron en él, y luego ejecutaremos juntos un proyecto similar. Bien, vamos a llegar a ello. Primero, te leeré textualmente lo que decía mi resumen de proyecto Esto es para la portada de nuestro paquete pitch. Imagen ordenada de Jake y su gran amigo de pies jugando y divirtiéndose en un ambiente acogedor de lago, algo así como una escena de cabaña. Por favor, repárelos en movimiento mientras juegan juntos. Todo bien parece bastante simple. Estos son estos bocetos que les mostré. Es como el mismo ambiente tres veces. Acabo de cambiar el modelo de Big Foot porque en realidad en esta etapa, aún no habíamos hecho las hojas de diseño de personajes. Es gracioso, esta fue en realidad mi primera puñalada a los personajes. Por eso Jake realmente no se parece ninguno de los Jakes de las sábanas y Big Foot tiene tres ideas diferentes ahí Al final fuimos con éste. Y de inmediato, les gustó la pose de movimiento. Fui un poco cliché, se balanceó la llanta, pero tiene la relación de los dos personajes, al frente y al centro, y eso es obviamente lo importante que tuve que hacer narrativo sabio, ¿verdad Se trata mucho más de la interacción del personaje que del entorno. Ahora bien, el ambiente, por supuesto, está ahí, pero solo tenía espacio para como un árbol y una roca y algo de agua. Realmente no tienes un montón de espacio, sobre todo en un lienzo vertical, encuentro que hacer muchas cosas. Los personajes que son algo verticales ellos mismos ocupan mucho de ese espacio. Y esta fue la pintura final que les produje. Déjame agrandar un poco esto. En realidad, déjame acercarme. Se puede ver cómo se ven mis pinturas finales. Todavía están bastante cepillados. Están renderizadas, pero no renderizadas con fotos. Ciertamente parece una pintura, y este es un estilo que he refinado a lo largo de muchos, muchos años ahora. De nuevo, llevo al menos 20 años haciendo esto . Siempre he buscado este tipo de look pictórico. Déjame alejar el zoom para que puedas obtener una apreciación por todo el asunto aquí, porque aquí es donde realmente se junta toda la pincelada Se puede ver que composicionalmente, es una pieza bastante simple Básicamente es destacar a los personajes, y lo digo porque son los puntos de mayor contraste en la imagen. También son los elementos más grandes de la imagen. Puede ser de ayuda mostrarte esto en escala de grises. Se puede ver que en un nivel de valor, los personajes son el punto de contraste más alto y el neumático también. Es como esta tríada, triángulo de punto focal, que está apagado al tercio derecho de la imagen, podría decir, y el mayor contraste es donde va a mirar tu ojo, y lo uso como una estética muy simple para el diseño todo el tiempo Si quieres que alguien mire en alguna parte, como el punto focal, los personajes en este caso, usa alto contraste ahí. Es bastante básico. Me aseguré de que los personajes tuvieran una gama completa de oscuridad a luz. Si traigo aquí mi recogedor de color y muestro, usaré este Voy a probar como ¿cuál es la oscuridad más oscura? Básicamente es negro, incluso en el chico de aquí, incluso en Jake, sus oscuros son igualmente oscuros En el neumático, esos oscuros son básicamente los mismos. Y luego las luces más ligeras. Puedes mirar ahí el hocico grande del pie, está cerca de blanco Los ojos de Jake muy cerca de Los personajes representan esa gama completa. Entonces el fondo es, si los personajes estuvieran aquí, el fondo está aquí, solo un paso más estrecho Si miras los árboles estoy muestreando valores en el árbol. ¿Puedes ver eso? Aquí está el más ligero del árbol ahí mismo, y aquí está el más oscuro del Está cerca de los personajes porque el árbol sigue siendo una parte prominente de esta imagen, pero no es tan prominente como los personajes. De igual manera escalé su contraste, solo un poco hacia abajo. Entonces por supuesto, el árbol de fondo, ese árbol bien puede que ni siquiera esté ahí. Sólo está ahí para el ambiente. Tiene que estar ahí para el medio ambiente, pero no es importante para el panorama. Mira su rango de valores. Es como ahí para allá. Es muy estrecho. De nuevo, es esa misma idea básica. Cuanto mayor contraste vayas con varios elementos en tu imagen, más se inclinará el público a mirarlos. Ahora, inventar un entorno es una tarea desalentadora. Lo que me gusta hacer es partir de alguna foto de referencia que te meta en el estadio de béisbol En este caso, es esta fotografía la que tomé en un viaje de campamento hace unos veranos De hecho, también dibujé esta escena de la vida en mi cuaderno de bocetos, y lo hice porque quería plasmar esta sensación acogedora que creo que tiene esta Por supuesto, siempre es útil tomar una foto de algo si no tienes tiempo para dibujar o simplemente en general. Guardo una carpeta muy activa de referencias fotográficas que recojo de ¿quién sabe dónde? Estoy aquí en photoshop y haré un nuevo lienzo, y según lo soliciten los clientes, lo haré ocho por diez, y lo pondré a 150 DPI. Ahora, tu resolución final de impresión será de 300 DPI, ese es el estándar. Pero para que mi computadora y mis pinceles fluyan más rápido, me gusta ponerla más baja y luego levantarme a medida que voy He acelerado el metraje para esta parte de apertura de tonificar el lienzo Estoy usando mayormente calienta, pero hay un fresco neutro, como un fresco grisáceo Aunque ahora voy a ralentizar el metraje, y estoy dibujando en una cuadrícula básica de perspectiva. Ahora bien, siendo este un ambiente orgánico, perspectiva lineal no juega un papel muy importante te voy a mostrar exactamente donde sí juega un papel y está justo aquí al principio. Básicamente, quiero desarrollar el plano de tierra. En este caso, el suelo es el agua. Estoy poniendo un punto de fuga fuera del marco. Se puede ver a dónde vuelvo constantemente solo para enmarcar ahí mismo. Se nota que ese punto se encuentra en la línea del horizonte, que es la línea púrpura en la que puse primero. Entonces solo da como resultado una serie de líneas radiantes a partir de eso. Esto es sobre todo un pequeño truco mental que me ayuda a empezar a ver en el espacio tres D más rápidamente. Sin embargo, lo que voy a hacer aquí es simplemente bajar el tono de la opacidad de esa capa Yo hice la cuadrícula de perspectiva en una nueva capa. Usando la teoría básica de la perspectiva de la que ya hablamos, estoy dibujando en el fondo de un cilindro, es decir, una elipse Esta elipse me va a mostrar mi plano de tierra. Esta es la zona de agua frente a esa gran roca que se ve en la referencia ahí. Esa área es importante para mí porque ahí es donde voy a tener mi centro de atención. Ahí van a ir los personajes. Ahí van a estar todos los elementos interesantes . Estoy dibujando el área de perspectiva con la que estaré trabajando. me estoy ramificando de Ahora me estoy ramificando de esa elipse para averiguar dónde la costa y aquí es donde esa gran La roca es una pieza central del fondo. Es como ese árbol en mi pintura inicial. Es una parte interesante de los antecedentes. Da mucho contexto, pero en definitiva es parte del fondo, y me aseguraré de poner a los personajes delante de esto. Por supuesto, tengo mis dos piezas de referencia cargadas a la izquierda ahí, la fotografía, así como mi pintura de la escena. Se nota que hay diferencias. Mi pintura de la escena es un poco más idealizada que la foto de referencia He escogido lo que creo que es el área más importante de la escena, por ejemplo, en mi boceto en la parte inferior izquierda ahí. He enfatizado la naturaleza de esa gran roca redonda, asegurándome que en mi boceto, es el punto focal. En mi pintura, será un punto focal secundario. Ya acabo de mencionar que los personajes tomarán protagónico. Pero aquí estoy estableciendo el ambiente. Esto es lo que normalmente hago. Hay diferentes maneras de hacer esto. Podrías dibujar primero los personajes y luego rellenar el entorno. Me gusta ir por el otro lado cuando estoy haciendo un ambiente visto con personajes. A mí me gusta establecer primero el ambiente. Ahora bien, no lo entrego completamente a un título concluido. Verás a medida que avanzamos aquí, los personajes sí necesitan entrar relativamente temprano en el proceso porque informan a la composición enorme. A mí me gusta establecer una perspectiva segura, que ya está ahí. Estoy ajustando mi cuadrícula de perspectiva ahora mismo, en realidad, solo para asegurarme de que mi línea del horizonte esté donde creo que está. Recuerda, estoy proyectando mis ojos directamente a la escena y me pregunto, ¿dónde chocarían mis ojos con la fotografía Yo estaría en la zona alta de esa roca, lo cual sé que es cierto porque cuando fotografié esa escena, también estaba sentada sobre una roca elevada sobre el agua, como se puede decir Si proyectara mi cuerpo hacia adelante físicamente en el espacio, chocaría con la zona superior de esa roca Entonces sé que tengo mi perspectiva correcta. Muy bien en esta etapa temprana, mira esto. Aquí vienen los personajes. Tengo esto en una capa separada. Ahora, no nos adelantemos. Este no es un dibujo final de los personajes. Es sólo una colocación. Te das cuenta que es solo la silueta más cruda posible para un niño. Este es Jake ahí. No tengo idea de cuál será su pose o no quería simplemente copiar y pegar en uno de mis diseños anteriores. Quiero mostrarte cómo en realidad voy a descubrir una imagen completamente nueva. Se trata de un nuevo Jake en una pose completamente nueva. Nunca antes había pintado la escena, salvo el fondo de mi cuaderno de bocetos Pero quiero decir, nunca lo he pintado como ilustración, nunca lo he pintado digitalmente, nunca he puesto personajes ahí, etcétera Esto es importante para mí en esta etapa para definir qué tan grande es el personaje en su mayoría. Se trata principalmente de lo grande que es el personaje, lo que define la escala en todas partes. Ahora mismo es demasiado grande es como un gigante. Porque sí quiero que esa roca se vea mucho más grande. Y lo es actualmente. Esa roca debería tener como 15 pies de altura. Si Jake es así de grande, pronto tenemos una idea de la escala de la roca, que sólo tiene el doble de su estatura. Voy a reducir esto y claro, por eso lo tengo en una capa separada. Este es el personaje de pie grande, si puedes creerlo. Nuevamente, tenerlo en una capa significa que puedo hacer esto, puedo moverlo. Ahora, ya, hay un fundamental muy importante que quiero capitalizar, y esa es la idea de solapamiento Ves que la parte superior de la cabeza de Jake se superpone a la costa detrás de él, como si la costa desapareciera detrás de la Eso es importante porque muestra profundidad. En tu ilustración, maximiza la oportunidad de poner una cosa frente a otra. Otro ejemplo de eso aquí es cómo la gran roca de fondo está frente a los árboles. Parece tan sencillo y lo es. Pero es increíblemente común, y siempre me sorprende esto la frecuencia los estudiantes de arte toman la decisión de no superponerse las cosas Por ejemplo, creo que una peor decisión en este caso sería si pongo a Jake y Bigfoot completamente siluetados dentro del cilindro de agua, como el plano de tierra ahí, como el plano de tierra ahí, si pongo sus siluetas completamente dentro Es decir, sí, la ilustración podría funcionar. Pero habría perdido la profundidad profunda que estoy ganando aquí solo por tener la cabeza de Jake cruzando la costa detrás Aunque ya estoy fuera de la capa de personajes. Ahora estoy en la capa de fondo. Sólo hay dos capas en esta imagen. Lo siento, solo hay tres capas si cuentas la cuadrícula de perspectiva, en la que ya no puedo pintar. Para pintar capas, el fondo y los personajes. No hay reglas duras sobre cómo debes repartir tus capas de ilustración sabiamente Realmente es justo con lo que te sientes cómodo Estoy en minoría donde en realidad no me gustan las capas porque me obliga a romper con el proceso creativo. Al menos para mí sí, y tengo que empezar a pensar qué hay en qué capa, y realmente no soporto eso. Pinto en el menor número de capas posible. Yo sólo hago una nueva capa donde absolutamente no sé a dónde va algo. En este caso, es el personaje. Bien, entonces estoy empezando a bloquear en los inicios de una reflexión, un reflejo de la roca en el agua así como los árboles de fondo en el agua Hablemos de reflexiones porque podrías preguntar, ¿el agua responde a la misma información de luz y color que acabamos de ver en el paisaje, que solo tenía un plano de tierra regular, los campos de trigo La respuesta es sí y no. El agua sí responde a la luz que la golpea, especialmente el agua tranquila, esta es agua mediana calma aquí. Es una entrada en un lago. Responderá a la luz, y verán que voy a pintar la luz solar real en esto a medida que avanzamos. Pero también hay que lidiar con las reflexiones. Todo el mundo sabe lo que es una reflexión. Es el agua que refleja la superficie sobre ella, por lo que la imagen se muestra en el agua. Porque estamos en este caso, reflejando árboles oscuros, ahí vas a tener mucho pasaje oscuro. Se nota en mi ilustración de libro de bocetos, minimizé eso porque quería favorecer la roca como ya comenté. Elegí resaltar y enfatizar el reflejo de la roca más ligera en el agua, flanqueada por reflejos más oscuros en mi boceto Pero en la fotografía, el oscuro reflejo de los árboles. Recuerden, los árboles suelen ser muy oscuros como ya hablamos en la lección anterior, ese reflejo oscuro domina en la fotografía Esa es la dirección con la que iré en esta ilustración. Eso es porque estoy planeando un poco con anticipación y quiero que la luz del sol realmente ilumine a los personajes Creo que voy a tener un rayo de sol entrando por la derecha, y podemos ver ese rayo de sol en la fotografía, pero voy a enfatizar completamente eso y tener un haz completo de luz solar entrando , iluminando a los personajes Por lo tanto, puedo usar el reflejo oscuro para agregar contraste a los caracteres más claros. Ese es realmente el consejo número uno tendría para cualquiera que quiera hacer ambientes es planificar su contraste con anticipación y solo un aspecto del mismo. ¿Ahí es donde va a ir el mayor contraste? Puedes bucear eso de la luz, que la luz golpee algo cierta manera que te dé ese contraste, como por ejemplo, tal vez un personaje está en sombra o luz, y lo que hay detrás del personaje es en sombra o luz, lo contrario. La otra cosa que es realmente útil de los oscuros y las luces, manejo de los oscuros y las luces en todo tu entorno es alternarlos, claro, oscuro, claro, oscuro Si miras mi pintura, el cielo en el mismo fondo, que aún no está realmente colocado, pero puedes ver el cielo de fondo sería claro, entonces los árboles frente a eso son oscuros, entonces la roca frente a eso es luz, entonces el reflejo frente a eso es oscuro, es alternante, luz oscura, luz oscura. Eso te dará aún más profundidad en tu foto. Aquí estoy probando un Jake diferente. Es solo un dibujo de gesto de él nadando, pero no me gusta, así que me deshago de él. Y vuelvo al cuadrado uno en los personajes. Aunque en mi mente, sé que trabajarán en esa zona central de pieza. Otra razón por la que confío en eso es porque si piensas en un escenario, he dejado esa zona de agua del escenario completamente en blanco. Ahora mismo se siente vacío. En mi boceto de paisaje en la parte inferior izquierda, esa zona estaba poblada con un interesante reflejo de la roca. En mi pintura ahora, está más en blanco que eso, y eso significa que puede usar personajes. Ahí hay espacio para llenar. Usando la herramienta Smudge aquí en photoshop para comenzar a desarrollar estas reflexiones El otro aspecto de una reflexión es que están suavizadas o más borrosas, digamos, versiones de lo que están Una herramienta borrosa como en Photoshop, se llama la herramienta Smudge literalmente, pero en otras aplicaciones, tienes diferentes nombres Cualquier cosa que parezca que puede manchar pintura es una buena herramienta para reflejos Ahora estoy usando la herramienta Warp solo para obtener la forma de esa roca un poco más redonda y central y amigable. Estoy pensando en mi lección de diseño de formas , forma limpia ahí. Solo busco cierto tipo de redondez a ello. Una redondez que siento se vería bien. Eso es lo mejor que puedo decir. Recuerda que cuando tomas clases como esta o cualquier clase de arte, te van a presentar información y cosas procesables que puedes usar fundamentales Pero también hay un aspecto del arte que es intuitivo, como la forma de esa roca. ¿Cómo sé que se siente bien? Bueno, no lo sé. Es solo que hay algo en mí que dice, la roca debería verse más así. Eso es algo que no se puede enseñar porque es completamente individual y subjetivo. Absolutamente debes usar tu propia intuición cuando sientas la necesidad de hacerlo Sin embargo, solo recuerda que antes de todo eso, los fundamentos tienen que ser fuertes, y eso, por supuesto, es en lo que se enfoca esta clase para la mayor parte de ella Entonces hablando de fundamentos, los colores que estoy usando en mi escena siguen exactamente la lección que expuse en la última sección Mira los colores de luz versus sombra de la roca. puede ver que están claramente separados en dos campamentos, siendo las luces colores más cálidos, siendo las sombras colores más fríos. Hay una capa extra de organización dentro de eso y que los que son los colores de sombra más azules boca arriba en la roca Mira que están ubicados en lo alto de la roca. Entonces tal vez en el fondo de la roca, tienes lo que yo llamaría enfriadores más cálidos Eso es porque el tragaluz, que es azul, baja desde arriba Es lógico pensar que las áreas de la roca que miran hacia arriba hacia el cielo se ponen más azules, simplemente porque están recibiendo el tragaluz más directo Ahora quiero ampliar el efecto de la luz solar. En mi ventana de capas, hice una nueva capa, puse en modo esquivar lineal, y aquí tengo este pincel de triple cabeza que no sé, es como un pincel redondo. No tiene nada de especial. Es solo que su forma está ligeramente compensada de redonda y me encuentro usándolo mucho no estoy seguro de por qué. No tiene nada de especial. Simplemente disfruto de su forma. Ahora, cuando trabajas con una capa de esquivar lineal, no tienes que elegir el color súper ligero. Observe que mi elección de color está en el medio. Es un proceso muy aditivo igual que la luz es en la vida real. luz reaccionará al color del objeto y lo traerá más claro y hacia el color del sol en este caso. Pero el esquivar lineal también actúa de esa manera, lo convierte en un modo de fusión ideal para pintar cosas como la luz solar. Y me gusta mucho la composición de forma que existe en la fotografía y las formas que capturé en mi plano al aire pintando en la parte inferior izquierda. Me gusta que las formas sean variadas en tamaño. Mira la roca, por ejemplo, en la fotografía. Quiero decir, hay grandes formas de luz solar, formas medianas de luz solar, y pequeñas formas pequeñas moteadas de luz solar Esa es otra forma de contraste. Es casi como el contraste equivale a interés. Ahora eso no es cierto cada vez, pero en su mayor parte, necesitamos contraste para que algo se vea o se sienta interesante a nuestros ojos. Una gran manera de agregar contraste a sus imágenes es variando las formas y tamaños de las cosas. Recuerden, ya hemos hablado contraste claro y oscuro, creando interés. Esta es otra forma más de aportar contraste y por lo tanto bombear en el mayor interés que puedas en tu imagen. Ahora, volviendo a renderizar agua por un momento. Observe que estoy manteniendo esta agua mucho más quieta de lo que está en la fotografía. Cuanto más aún esté el agua, más puede aceptar la luz, al igual que lo hace un paisaje. Estoy tratando la luz del sol en el agua casi exactamente igual que la luz solar en la roca. Es solo que quizá un poco más oscuro porque de nuevo, está compitiendo con el ref, el reflejo oscuro un poco. Va a aportar ese valor, ese valor de luz y oscuridad un poco más oscuro en su reflejo. Pero por lo demás, no hay diferencia. Se puede ver esto de nuevo en aguas tranquilas, que estoy representando aquí, pero también en aguas menos superficiales porque el sol en realidad puede atravesar la superficie del agua y golpear el suelo debajo Si estás haciendo una pintura en medio del océano, donde tiene cientos de metros de profundidad, entonces no verás esto. Será puramente reflejo. También la turbulencia de las olas distorsionará esa reflexión, y el agua será esencialmente Bien. Déjenme hablar rápidamente de lo que estoy haciendo aquí en photoshop. Yo hice una nueva capa. Quiero pintar un poco de pasto y algas marinas y esas cosas. Pero establecí el estilo de capa en un efecto de trazo. Eso es un trazo solo pone un contorno alrededor de tu trazo de pincel. Lo hice un contorno cálido muy oscuro, como si fuera un contorno rojo muy profundo, y disminuyo la opacidad, así que no está totalmente en tu 13. Cómo acabar una ilustración: parte 2: Al dejar estos trazos de pincel, tiene ese pequeño punzón gráfico extra a la misma. Eso es algo que acabo de encontrar a lo largo los años que funciona con mi estilo. Agrega gráficos, creo, gráficos , es decir, esas formas limpias. Porque cuando estás haciendo cosas como pasto, estás agregando tantas formas. Ahora una cosa que es genial de eso es que hierba como esta tiende a ser formas pequeñas. Recuerden, acabo de hablar del contraste inherente a las formas grandes, medianas y pequeñas. Lo que pasa con las formas pequeñas es que puedes tener muchas de ellas. Exponencialmente más formas pequeñas pueden caber en tu imagen que formas grandes Como ver esa gran roca. Bueno, sólo hay suficiente espacio para una de esas rocas, pero hay espacio para 100 brizna de pasto. Por lo menos. Quieres maximizar la cantidad de pequeñas formas que pones en tu foto y dónde las pones también es importante. Mi estrategia, no hay reglas para esto, pero mi estrategia es poner las pequeñas formas alrededor del punto focal. El punto focal serán los personajes que aún no están ahí, pero puedes ver bien, sabes a dónde van a ir porque me viste minigarlos antes, y seguirán yendo ahí Pero sé que los personajes van a ir ahí. Te das cuenta que mantengo esa zona del escenario apenas muy abierta. mí me gusta usar la analogía de un escenario porque ahí es donde el público va a mirar en una obra teatral Mantén esa zona del escenario agradable y abierta y sintiéndote un poco vacía sin los personajes. Y aquí solo estoy metiendo otra roca, una roca de tamaño mediano en la que Jake puede estar parado. Pero te das cuenta, estoy haciendo esa roca muy especial iluminándola con ese rayo directo de sol Aquí es donde llevo esa idea del rayo de sol mientras entra en cascada en escena, iluminando esa pequeña roca en la que estará parado Jake, y el personaje de pie grande estará, creo, nadando justo frente a esa y el personaje de pie grande estará, creo, nadando justo frente Aquí es donde mi proceso vale la pena. No tuve esa idea hasta estuve en esta parte del cuadro. No tenía la idea de Jake parado sobre una roca y nadando con los pies grandes. Necesitaba desarrollar un poco el mundo, y aquí es donde personalmente me resulta útil obtener primero el medio ambiente. También la idea de que estoy haciendo miniaturas en el mismo lienzo que estoy pintando como has visto, porque sí inicié con la naturaleza abstracta del fondo, esos racimos de árboles en el fondo y la roca Pude sesgar las cosas y mover las cosas y voltear los cavas en todos los sentidos y simplemente usar el pincel para pintar las cosas, pintar las cosas, y podría hacer todo esto sin mucha penalización porque todavía no había nada completamente comprometido Una vez que empiezas a meter a los personajes, estás empezando a comprometerte realmente con la escena. Ese es otro beneficio más de comenzar primero por el fondo es que realmente puedes manipular el escenario en el mundo en el que viven estos personajes. Antes de entonces comprometerse con los personajes. Realmente no hay nada peor que hacer una bonita representación de tus personajes solo para descubrir que realmente no encajan en el entorno o que el ambiente se siente pegado alguna manera. Esa es una muy común. El ambiente se siente pegado al fondo en lugar de ser realmente parte de la ilustración Mientras he estado hablando por último minuto ahí, simplemente agarré un pincel texturizado y simplemente me acosté en un árbol de primer plano De nuevo, repitiendo mi patrón alterno, Luz para el cielo, oscuro para los árboles, luz para la roca, y ahora oscuro para ese nuevo árbol que acabo de poner. Entonces no es como si solo pusiera un árbol ahí porque pasa que también está en la referencia. Es decir, este es un buen ejemplo. Sí, ese árbol está en la referencia, está frente a la roca. Pero se nota en la referencia, el árbol argumenta con el valor de la roca sabia, como la luz de ese árbol es similar a la luz sobre la roca. Pero eso lo he editado. He oscurecido el árbol por la idea del contraste, continuando mi alternancia de luz oscura claro oscuro claro oscuro Ese es un buen consejo para ti cuando haces estudios fotográficos como lo hicimos en la sección anterior. Ahora esa foto que hicimos en la sección anterior pasó a tener un sistema de valores alternos bastante bueno. Ni siquiera hablé de eso ahí porque sabía que iba a hablar de ello aquí. Pero si tienes una fotografía que simplemente no está funcionando en un estudio fotográfico, intenta arreglar los valores de una manera más dirigida al arte. ver si se puede obtener la profundidad, por ejemplo, para leer mejor al hacerlo. Bien, es hora de conseguir un personaje realmente aquí. Es bueno que sepa a dónde va porque ahí conseguí el lugar para él. Te das cuenta de que su cabeza cruza la costa, tal como la había planeado ahora hace como media hora, Acabo de sacar un pincel básico estilo acuarela y estoy tratando de hacer gestos con eso. Escogí un color básico de piel la referencia ahí de mi hoja de modelo Jake, y solo estoy pintando con eso. Poniendo un poco de luz y sombra solo una pista a la idea de que el sol estará rastrillando la mitad de su cuerpo Lo voy a poner en esa roca, que está medio encendida. Quiero que Jake también esté medio iluminado, lo que solo ayudará a vender un poco de interés y tal vez algo realismo e inesperación en la iluminación Cuando pinto así, sobre todo estoy pensando en el gesto. Te das cuenta de que mis pinceladas son muy amplias y amplias y no estoy tratando de obtener formas exactas aquí. Eso es todo de una mentalidad gestual, lo que significa que pintar de esta manera, con mucho carácter, se basa en tus estudios fundamentales previos con Yo uso esa mentalidad gestual a lo largo de mi pintura. Te das cuenta que la forma en que bajan mis pinceladas por todas partes es muy gestual Eso lo aprendo del dibujo por gestos. Es algo con lo que no puedes sentirte cómodo hasta que no tengas mucha experiencia con él. Ahora, una vez que me guste la forma el personaje se ve más o menos, empezaré entonces a pensar en la forma y en última instancia en las formas finales. Pero también porque se trata de una caricatura, a veces gesto, lo mencioné en la lección anterior, a veces el gesto puede acercarse a una forma final. Ser caricatura para empezar se trata de esos ritmos, esas simples declaraciones de una cosa Pero una gran parte de este proceso en este momento es que tengo que averiguar qué están haciendo los personajes. Estoy haciendo un gesto, pero ¿qué pose hago un gesto? Empecé con una cosa bastante genérica para Jake. Acabo de copiar mi dibujo a la izquierda ahí, ese modelo Jake que dibujé a la izquierda. Ni siquiera sé realmente lo que está haciendo. Es acción anticipatoria de algo. No está claro. Yo dibujé eso y me di cuenta de que sus brazos no contaban la historia correcta. También estoy usando, por cierto, el flotante desde el dibujo de Jake de arriba Termino quitándome eso. Verás por qué. Pero ya está ahí. Y lo que voy a hacer con pie grande, en realidad voy a mantener Pie grande más pequeño, que es una broma común que hemos visto antes, Pie grande siendo un personaje pequeño. Pero voy a mantener el pie grande pequeño, y voy a tenerlo vistiendo un disfraz de tiburón, como cómo los niños usan esos disfraces de Halloween que se les pasan por la cabeza como una sudadera con capucha grande. El tiburón se estará tragando la cabeza de Pie Grande, ahí están los ojos del tiburón o su ojo visto desde este ángulo. Y va a haber una aleta de tiburón, claro. Pero la cara de Big Foot estará saliendo del disfraz de tiburón. Ahora, los personajes están en una capa diferente. Ya lo he descrito porque no sé exactamente dónde van a ir estos personajes. Asegúrate de que estén en una nueva capa para que pueda moverlos a mi antojo Lo que estoy tratando de hacer aquí es engullir al personaje de pie grande en este agradable y cálido rayo de sol, y sobre todo lo estoy haciendo por razones de contraste Si el rayo de sol está golpeando al personaje de pie grande, entonces eso significa que también volverá a arrojar una sombra sobre el agua Esa alternancia de luz oscura va a ser agradable. Aquí solo tengo un pincel superpuesto y solo calentando el suelo que se puede ver a través del agua porque esta es una entrada menos profunda de un lago Tenía una costa ahí antes de quitarme eso. Quiero que todo esto sea agua, pero va a estar a solo unos metros de profundidad tal vez. Eso es lo que me imagino y el sol puede atravesar fácilmente e iluminar el cálido suelo debajo Todo bien. Es hora de un pequeño truco de textura digital. Esa es una fotografía de una roca que acabo encontrar en Google buscando textura de roca. Pongo la capa en modo de superposición y voy a disminuir su opacidad aquí en una cantidad significativa Entonces sólo voy a poblar esa misma textura fotográfica sobre toda la roca Yo solo uso Alton photoshop y click y lo duplicará Tengo varias capas, las aplanaré, me aseguraré de que estén todas listas para superponerse, y luego haré una máscara de capa Si pinto de negro en esa máscara de capa, que estoy haciendo ahora mismo, estoy ocultando partes de la textura que no quiero ver. Es una forma de mezclarlo aproximadamente en tu pintura. Cuando tarden los 30 segundos en hacer esto, y cuando esté contento con cómo se ve maltratado así, lo aplanaré, lo que estoy haciendo ahora mismo Ahora, esto se ve horriblemente digital de inmediato de la caja así, por lo que realmente requiere más pinceladas pintadas a mano para integrar completamente la textura Pero solo quería hacer eso aquí en la roca solo por un poco de realismo, y también solo para mostrarte un truco rápido que puedes usar como ilustrador o artista conceptual por el bien de la eficiencia. Volviendo al color por un segundo. Vea cómo la luz en la superficie del agua es más roja. Eso es algo que me he dado cuenta de la vida real. Por alguna razón, hay una calidad ligeramente más roja en el color Estoy tallando eso aquí agregando aún más rojo para separarlo de la luz amarillenta sobre la Está bien hacer eso. Todavía quedan los dos colores cálidos. Ya sea que esté usando luz amarillenta o rojiza, seguirán sintiendo que están en el mismo campamento, están en la misma iluminación seguirán sintiendo que están en el mismo campamento, cálida e influenciada Es un poco agradable de variedad que encontré que la naturaleza sí. Se puede ver en la fotografía, donde la luz está golpeando el agua. En la fotografía, es más anaranjado que rojo, pero el naranja va camino al rojo desde el amarillo Acabo de progresar en ese camino preexistente. Ponerle algunas cejas a Jake aquí realmente influye en la expresión facial. No es mezquino, pero está jugando mal. Él es él tiene una caña de pescar, como se puede ver. Está tratando de atrapar al tiburón y juguetonamente está siendo malo al respecto. Te voy a atrapar cosa. Eso es en lo que estoy pensando actualmente de todos modos. Ahora, en cuanto a la luz y al color, tono de la piel reacciona exactamente igual que cualquier otra cosa. La piel de Jake comparte colores casi idénticos con los colores rock. Tiene una piel muy pálida, así es como lo estoy diseñando y la roca es una roca de color muy pálido, es lo mismo, básicamente. Es solo el dibujo lo que cambia lo que es el objeto. En mi constante exploración en el lienzo aquí, notas que ahora estoy cambiando la expresión facial de Jake. Algo un poco más amable y casi apologético Esto solo se hace cambiando las cejas. No he cambiado ni una sola cosa. Aún tiene esa sonrisa sonriente en su rostro. Pero se nota que eso puede asumir como un camaleón. Puede tomar 100 expresiones diferentes solo en base a lo que están haciendo las cejas. Las cejas son mágicas de esa manera. De hecho, siempre empiezo por las cejas, ya sea que esté haciendo una caricatura o una renderización realista, siempre empiezo con las cejas y el área de las cejas cuando trabajo en una expresión facial Decir área de cejas porque a veces si dicen que las cejas están surcadas, la carne de la ceja se adelantará a los ojos y ocultará un poco el Eso no es realmente las cejas haciendo eso, es como la zona carnosa alrededor de las Yo sí tengo otras clases aquí sobre compartir habilidades que hablan de eso. Se puede mirar a entender y pintar la cabeza, así como ilustrar libros infantiles. Al hablar de libros infantiles, aquí hay un personaje de caricatura de pie grande apropiado, encajaría bastante bien en un libro infantil. Te das cuenta de que esa luz va a iluminar su rostro parcialmente, igual que está iluminando parte del rostro de Jake Ahora estoy jugando un poco con el color aquí usando este color púrpura. Eso es algo que no es realista. El sol realmente no permitiría que ese púrpura existiera. El sol abusaría el color más cerca de los rojos. Pero de nuevo, porque esto es una caricatura, estoy dispuesto a eludir un poco las reglas de color aquí. Nuevamente, cuando se trata de estética, no hay reglas y eres libre de romper con la realidad como mejor te parezca. Sin embargo, lo que sugeriría es que cuando estás rompiendo con la realidad, como lo estoy haciendo aquí con este color púrpura, sabes que estás rompiendo realidad y que tienes una razón para hacerlo. Si no puedes llenar esos dos criterios, estarás rompiendo con la realidad todo el tiempo y generalmente sin una buena razón, y se mostrará en la obra. Arrastrará tu trabajo hacia abajo. Filosóficamente, creo que la gente disfruta del arte donde representa lo que esperan ver en términos de cómo se comporta la luz, por ejemplo, Si les muestras arte que representa cómo se comporta la luz, ya tienen una familiaridad construida con ella, y Es como si ya creyeran en tu mundo. Si no sabes cómo funciona la luz y por lo tanto, no la representes bien, de repente, creo que estás pidiendo demasiado al espectador A menos que el objetivo de tu arte sea ser completamente abstracto y de otro mundo, eso es algo completamente distinto Eso no es lo que estoy haciendo aquí. Quiero que el espectador tenga instantáneamente un reconocimiento y una conexión con esta escena. Quiero que el espectador se sienta como, Oh, sé exactamente lo que se siente estar ahí parado, porque creo que todos hemos visto escenas como esta. Espero que el espectador tenga una reacción similar a la que hago cuando veo escenas como esta y que sea hermosa y calmante y relajante Eso se logra en gran parte debido a la base de familiaridad que existe si se puede obtener la iluminación adecuada, por ejemplo Creo que conseguir la iluminación correcta es mucho más importante incluso que acertar el dibujo. Si miras los árboles de fondo, esos son apenas árboles. Son muy abstractos. Pero la iluminación en ellos es creíble, los colores que existen debido a la luz Me he dado cuenta como he trabajado, particularmente el personaje de pie grande que es difícil conocer la escala de él. Pongo su mano a la derecha rompiendo de la superficie del agua y ahora quiero hacer lo mismo a los pies. Estoy tratando de dibujar dos pies saliendo del agua, solo los talones. Y voy a ver qué puedo hacer ahí. Realmente no tengo idea de cómo se supone que debe quedar eso. Entonces improvisaré hasta que algo se sienta bien. Sí sé que el talón sobresale del agua, así que efectivamente solo estoy pintando la parte trasera de un pie aquí, como un pie peludo estoy simplificando en cajas básicas y simplemente pintando color encima de eso La parte inferior del pie será más ligera por alguna razón, y luego, el pelo púrpura estará en el talón mismo, como la pata de un animal o algo así Aquí, solo estoy haciendo un poco de refinamiento alrededor del hocico del personaje de pie grande, solo asegurándome de que esas formas sean lo suficientemente prominentes como para ser rojas Las formas pequeñas son geniales, pero no quiero que demasiadas formas pequeñas oscurezcan la ya pequeña forma, esa es la cara de Big Foot Sólo asegurándose de que su músculo sea de una forma y ligero y que su barbilla sea grande como zona de la barbilla es otra forma y ligera, no pasa demasiado ahí. Y me gusta hacer ping pong de ida y vuelta. Estoy por alguna razón, cambiando al agua aquí. Eso es porque una forma inspira a otras formas a su alrededor. Si estoy simplificando formas en un área, puedo sentir que la habitación o el espacio tienen más formas en un área cercana Nuevamente, para a modo de contraste. Realmente tengo que pasar algún tiempo aquí para asegurarme de que sus manos se articulen correctamente con la interacción con la caña de pescar Para mí, las cañas de pescar son una de esas cosas que es fácil de visualizar en tu cabeza, pero en realidad difícil de pintar los detalles de. No tenía idea a dónde iba ese cigüeñal en relación con la zona que sostienes con la otra mano. Y aquí sólo estoy limpiando esta roca. Esta forma de roca es muy importante para mantener limpia, así como las sombras de los personajes que se proyectan sobre ella. Ahora, aquí hay una decisión. Edito después porque no me gusta. Ya ves cómo la sombra de Big Foot se arrastra sobre la roca y se cruza con Jake. Eso no me gusta. Creo que no está claro que eso es lo que está pasando. Hablando de que las cosas no están claras, no me encanta el tiburón en la cabeza del tipo. Me gusta el hecho de que haya un disfraz de tiburón en la cabeza de Big Foot, pero no creo que esté lo suficientemente claro o tal vez simplemente no lo suficientemente bien hecho. Busqué en Google el disfraz de tiburón y noté que muchos de ellos tienen un color diferente en la parte superior que en la parte inferior Además, me recordaron que ojo de un tiburón es solo un punto oscuro, y creo que eso me estaba tropezando también. Estoy haciendo esas alteraciones y esto ya es mejor. Se parece más a un tiburón falso porque antes la forma se hacía el ojo en el tiburón era muy similar a la forma en que se hacen los ojos en los personajes, como los personajes vivos, y eso fue confuso. Esto se parece mucho más a un disfraz de tiburón sintético. Y le doy la vuelta a la lona todo el tiempo. Probablemente ya me has visto hacerlo varias veces. Volteé mucho la lona, tengo una tecla de acceso rápido para ello que programé porque te ayuda a ver tu pieza con ojos frescos apenas momentáneamente Cada cinco, 6 minutos, voltearé la pintura o cuando sienta que no lo he hecho en mucho tiempo. Sí, esto se ve mucho mejor. Una cosa que hago para la textura aquí es que estoy usando este pincel de puntos dispersos y luego pongo un trazo de pincel duro hacia abajo así y lo desvanezco con photoshop, si empujas control shift F, puedes desvanecer tu último trazo. Es una manera práctica de combinar trazos en la pintura. Eso es lo que hice solo para generar un poco de textura en ese atuendo de tiburón sintético. Nuevamente, sólo para separarlo de las criaturas vivientes. Entonces aquí, estoy tomando algunas fotos tal vez abrir la boca de Jake, solo probando algunas pinceladas ahí dentro. Realmente no me gusta nada de eso, así que voy a deshacer, inténtalo de nuevo. Creo que intento como cuatro o cinco cosas distintas. Entonces me doy cuenta de que tal vez tirando un poco la sonrisa hacia la izquierda y asegurándome de que no choca con la oreja Esa era otra tangente que estaba ocurriendo. La parte izquierda de la sonrisa se movía directamente hacia el contorno superior de su oreja, y simplemente no me gusta ese diseño sabio. Todo lo que tenía que hacer para arreglarlo era tirar la sonrisa a la derecha por un milímetro Tiene el pelo rubio de color claro, pero el cabello rubio a la sombra sigue siendo muy oscuro. Toda esta cabeza está en la sombra, pensando también en la oclusión ambiental, como debajo de su cabello, donde su cabello se encuentra con su cuero cabelludo Ahí va a haber pasajes muy oscuros. Ahora estoy pensando en el blanco de los ojos, al igual que la roca, agregando un poco más de azul donde recibiría más luz del cielo, tal vez un poco más amarilla ahí donde podría recibir un poco más de luz de rebote que viene roca iluminada por el sol de abajo Y ahora la parte favorita de todos, los reflejos en el ojo. Los ojos son materiales muy reflectantes. Tienen un brillo húmedo sobre ellos, por lo que reflejarán algunas cosas diferentes. En su mayoría reflejan las luces del entorno. Debido a que está en un ambiente muy ligero que lo está envolviendo completamente, le puse algunos reflejos diferentes en el ojo Esto solo enfatiza aún más la naturaleza brillante de ese material. También ayudan a separarlo del ojo de tiburón sintético, por cierto. Estoy justo al final aquí, solo jugando con la idea de extender un poco el disfraz de tiburón. Pero a mí me acaba gustando esto porque empieza a interferir con los dos pies que salen del agua. Estoy apiñando eso, esa micro pequeña área, justo donde están saliendo los dos pies Voy a deshacerme de ese cuerpo extra de tiburón para preservar los dos pies porque he decidido que los pies del monstruo son más importantes que lo que pueda estar ganando con el disfraz de tiburón alargado aquí. Voltearé la lona solo para decidir completamente. En el segundo que hice eso, incluso me di cuenta del error de perspectiva. El disfraz es que debería estar descansando entre los pies del monstruo, pero está apagado, así que solo elimínelo. No necesitamos un nuevo problema en esta etapa. Vamos a rellenar aquí esta zona oscura, hacer que parezca que no es hueca. Observe que los colores de sombra en el tiburón se calientan más cerca del agua. Eso es solo debido a que la luz reflejada rebota en el agua Supongo que en esta etapa, siento que todo está funcionando. Solo este disfraz de tiburón solo podría usar un poco más de un tipo diferente de material solo para diferenciarlo aún más de los personajes. Porque la gente va a ver enseguida a ese tiburón porque esconde al monstruo y eso es por diseño, esconde Bigfoot Sin embargo, lo que no quiero es que la gente piense que ese tiburón está vivo. Quiero que cuando lo mires, al instante sepas que algo está mal al respecto, que no es un personaje. Entonces, claro, te das cuenta de un pie grande debajo de él. Todavía jugueteando por aquí, vuelta detrás del chico, tengo ganas aumentar la saturación del azul Sólo me sentí un poco gris allá atrás. Pero cuando estoy golpeando pequeñas áreas así, sé que ya he terminado. Y aquí están los frutos de nuestro trabajo, una ilustración completamente terminada que combina carácter, narrativa, ambiente, luz, color. Algo como esto podría ser utilizado conceptualmente para presentar el tipo de historia o narrativa o diversión y juegos que podrían suceder en este espectáculo o libro o lo que sea que sea Pero debajo de todo eso, es solo una imagen atractiva que atraerá la atención o ganará la atención de quien la vea. ¿Cuál es tu objetivo principal como ilustrador? Todo bien. En la siguiente sección, hablemos de poner tu trabajo ahí fuera y estrategias para encontrar trabajo como artista. 14. Proyecto de clase 2: crea una ilustración narrativa: Antes de pasar a la siguiente sección de esta clase, tenemos otro proyecto de clase que hacer. Una vez más, es lo que me acabas de ver hacer, crear una ilustración narrativa, algo adecuado para la portada de un paquete pitch. Eso es algo que efectivamente comunica la idea general y el estado de ánimo de un programa de televisión o película o libro. Puedes trabajar en un estándar de ocho por diez para como lo hice yo, o si quieres que sea más, siéntete libre de trabajar en una relación de aspecto de pantalla ancha de 16 por nueve. Lo que pintarás es tu personaje infantil de Project one, jugando en un ambiente de aspecto divertido, y puedes usar varios personajes aquí si quieres. No tiene que incluir un pie grande, aunque sí puede. Podría ser simplemente tu personaje haciendo algo o tal vez tu personaje y otro personaje humano. Eso depende de ti. Una pequeña historia o narrativa deben ser invocadas por los personajes, lo que significa que deberías poder leer un poco en la imagen y entender la acción que está sucediendo Si tu personaje o personajes están jugando un juego, bueno, ¿qué tipo de juego es? En mi ilustración, estaban jugando un juego de pesca donde Big Foot se viste tiburón y el niño es el pescador Obtienes una idea general de esa ventana de interacción que están teniendo. Se pueden imaginar momentos que están sucediendo antes y después y fuera del marco. Por último, para este proyecto, me gustaría que representaras una escena iluminada por el sol porque esa es la situación de iluminación hemos estado viendo en este curso Tiene más sentido probarlo en tu ilustración. Un consejo rápido ahí. Recuerda que las escenas de luz solar incluyen sombra. A menudo veo estudiantes tratando de representar la luz solar, y parte de eso es evitar la sombra, pero la presencia de sombras es lo mismo que ayuda a vender la idea de la Recuerda que puedes usar las sombras estratégicamente como dispositivo de encuadre para tus personajes como lo hice yo Un último consejo, No te des un límite de tiempo para esto. Deje que la ilustración tome el tiempo que necesite para usted. Te volverás más rápido con la experiencia. Pero en general, es muy importante que veas tu proceso a su fin. Si eso te lleva un día o tres días o una semana, dale el tiempo que necesita. Lo más importante este proyecto de clase es que veas que tu idea evoluciona de una idea abstracta a algo tangible y terminado. Todo bien. Ese es el proyecto de clase número dos. Disfrutar. 15. Sal al mundo: Bien, entonces tienes algo de trabajo en tu haber, y crees que estás listo para salir y tratar de encontrar trabajo como artista profesional. En primer lugar, felicitaciones. Eso por sí solo es un gran paso, y mucha gente podría tener problemas con la pregunta, ¿cómo sé cuándo estoy listo para trabajar? Es imposible responder a eso objetivamente. Pero lo que me gusta hacer es, me gusta mirar el trabajo de alguien o mirar el mío propio y decir, ¿ soy capaz de manejar los diversos aspectos que un trabajo pueda conllevar? Por ejemplo, ¿puedo dibujar bien los personajes? ¿Puedo dibujar expresiones faciales de manera creíble? ¿Puedo poner a ese personaje en un ambiente? Ya sabes las cosas que hicimos juntos en esta clase, si puedes abarcar la gama de esas habilidades, o si quieres hiperenfocarte, si puedes recorrer la gama de solo ese conjunto de habilidades en particular, como el solo ese conjunto de habilidades en particular diseño de personajes, pero hacer que los personajes roten en el espacio, pudiendo dibujarlos en ciertas poses, por ejemplo, entonces yo diría que estás listo para empezar a buscar Ahora, en lo que a mí respecta, hay dos formas principales de buscar trabajo. Uno es como freelancer, donde solo trabajas desde casa y consultas a clientes y personas en línea para ver si puedes encontrar algún trabajo, o dos, intenta encontrar trabajo en un estudio de animación o cualquier tipo de estudio, estudio de publicidad, por ejemplo, estudio de cine estudio de juegos, algún tipo de estudio que haga arte y emplee artistas. Y ese es el camino que tomé. Mi primer trabajo ocurrió en 2004. Mi primer trabajo remunerado, es decir, y tengo una pequeña historia para ti. La forma en que me metí en la industria fue en realidad con un trabajo no remunerado Ahora, quiero parar aquí mismo y decir, no necesariamente recomiendo trabajar gratis. De hecho, creo que hoy está algo mal visto hacer eso y yo no lo haría Pero inicié mi trayectoria profesional, digamos, en 2004. En ese momento, el estudio en el que estaba dibujando la vida, la persona con la que me había hecho amigo de una persona que dirigía el estudio, y solo buscaba un pasante, alguien que le ayudara con algunos trabajos de arte, pero también algunos trabajos de gestión como dirigir las sesiones de dibujo de la vida y cosas así Yo era todavía estudiante universitario en ese momento. Estaba estudiando cine, y tuve tiempo para hacerlo y también me encantó estar en ese ambiente. Estaba cerca de él pudiendo verlo trabajar y él me ayudaría con mi propio arte. Para mí, El beneficio estaba ahí, y tomé ese papel. Trabajé ahí porque estaba como nueve meses, creo, antes de enterarme de una feria de trabajo que venía a Toronto, la ciudad en la que vivía, y esa feria de trabajo era para un estudio que en realidad estaba justo al final de la calle, y estaban tripulando para un espectáculo animado Ahora, porque tenía ese trabajo de pasante no remunerado, por cierto, si viste mi canal de YouTube, tengo ese personaje de pasante no remunerado, Ese En fin, debido a que llevo haciendo arte y realmente curando mi portafolio unos nueve meses en este momento, tuve una presentación bastante sólida para mostrarle al director de arte en esa feria de empleo Y en pocas palabras, conseguí ese trabajo. Voy a ampliar la historia un poco más tarde en esta charla, pero por ahora, conseguí el trabajo, y así es como entré en la industria. El término irrumpir es realmente apto porque una vez que consigues tu primer trabajo en un estudio, repente conoces a cientos de artistas, cientos de artistas profesionales como tú que quieren trabajar en la industria. Y lo bueno de eso, el beneficio de eso es una vez que se hace ese trabajo, y tal vez el estudio tenga que dejar ir a los empleados porque no tienen más trabajo o tal vez solo tienen algo de trabajo, gente se filtra a otros estudios. Y cuando lo hagan, asumiendo que has sido una buena persona para trabajar, tu nombre va a estar en sus mentes. Y para mí, cómo pasó eso fue, tenía un amigo que un amigo que hice en ese trabajo, fue a un estudio llamado Nlvana, que es un gran estudio en Toronto, todavía Y esa persona me conocía y Nel Vanna estaba buscando un pintor de fondo y me llamaron Y eso es una especie de networking natural gratuito que ocurre cuando trabajas en un estudio. Ahora, me quedé en el sistema de estudio desde 2004, y creo que me fui en 2013 o algo así. Entonces, casi diez años, estuve en el sistema de estudio. Y durante ese tiempo, realmente no me interesaba el freelance porque tenía el trabajo de nueve a cinco, y estaba haciendo arte todo el día en el trabajo. No sentí la necesidad de asumir más Pero cuando llegó el momento de separarme del sistema de estudio, lo hice porque simplemente era una especie de flujo natural porque había conocido a tanta gente en casi diez años. Empecé a recibir solicitudes de freelance de otros estudios con los que había trabajado antes o, ya sabes, gente que me conocía, ya sabes, cosas de tipo amigo de un amigo. También empecé a enseñar cosas y a conseguir trabajos de esa manera, también. Empecé a darme cuenta, oye, a lo mejor podría hacer esto sin la carga de nueve a cinco. Ahora, de nueve a cinco fue divertido por un tiempo, pero sí, al final, estoy como, puedo hacer arte en casa. A lo mejor podría irrumpir en esa cosa del tipo de libertad personal. Usé el contexto que tenía en ese momento, aterricé algún trabajo freelance solo del boca a boca que se había ido desarrollando orgánicamente. Entonces aquí estoy hoy. 2024, estoy grabando esto más de diez años después de eso. Todavía estoy trabajando por cuenta propia hoy. O sea, a menos que ocurra algo catastrófico, nunca pienso volver al sistema de estudio, prefiero mucho lo de los freelance Ahora, muchos estudiantes que he conocido a lo largo mis años de enseñanza han estado queriendo comenzar como freelancer. Y aunque creo que eso es ciertamente posible, definitivamente pienso que es más difícil porque no vas a tener ese networking orgánico yendo por ti. Entonces la pregunta es, ¿cómo galvanizas eso? ¿Cómo conoces a la gente? Podrías hacer varias cosas, pero creo que la mejor, y esto es un poco polémico, pero en mi opinión, esta es solo mi opinión, claro, creo que la mejor opción son las convenciones de arte Incluso si eres persona introvertida, que soy yo. Confía en mí. Puede que no lo sepas por mí hablando con la cámara, pero ahora mismo estoy solo en una habitación. Gano energía cuando estoy solo. Creo que muchos artistas son así. Pero en una convención de arte, estás rodeado de gente de ideas afines. Todos los que hay son como tú, al menos en su núcleo, están interesados en el arte y crear cosas, lo que atrae a la gente, y es muy fácil hacer amigos en las convenciones de arte. Ni siquiera tienes que mesa. Solo puedes ser un asistente O si quieres mesa y mostrar tu trabajo, te encontrarás recibiendo muchos comentarios de esa manera. Y también harás amigos de esa manera con tus tapetes de mesa y tal vez personas que se acerquen a tu mesa a platicar contigo. Y recuerde, los estudios profesionales a menudo también tienen presencia en las convenciones de arte. Así que no sólo podrás establecer contactos con compañeros, sino que también podrás conocer a posibles empleadores. De hecho, conseguí varios trabajos apenas el año pasado. Estaba asistiendo a Lightbox, que es una convención de arte popular en Los Ángeles o justo cerca de Los Ángeles Es en Pasadena, California. Conseguí dos trabajos diferentes de solo eso. Y estas son personas que nunca antes había conocido. Gente que encontró mi trabajo y dio seguimiento varios meses después, y hoy estoy trabajando para ellos. Creo que es una buena manera de salir por ahí si no tienes la experiencia de estudio, porque la realidad es que si la gente sabe quién eres y puede ponerle cara al nombre, es mucho más probable es mucho más probable que vayan a pensar en ti o que te recuerden o te consideren cuando necesiten que se haga algo. Si necesitan algo de arte hecho, si quieren decir un cliente. Si un cliente necesita trabajo hecho, el primer pensamiento que tiene no es, Oh, ¿quién es alguna persona al azar que puedo encontrar en línea? La primera pregunta que tienen es, ¿conozco a alguien? ¿O mi amigo, Jim, conoce a alguien? Eso es lo que es el primer pensamiento. Es decir, no te puedo decir cuántas veces la gente me ha preguntado, como Marco, ¿conoces a alguien que pueda hacer este trabajo? Sucede todo el tiempo. Volvamos a la idea de tener una cartera. Ese es el quid de todo esto. Sin una forma de presentar tu arte, nunca te contratarán de todos modos. Una especie de cartera tiene diferentes formas. Lo principal que creo que muchos artistas hacen hoy en día es poner su trabajo en las redes sociales, y absolutamente deberías hacerlo. Pon tu trabajo en cualquier plataforma de redes sociales con la que te sientas cómodo. Y creo que es una buena idea para cosas de redes sociales poner bocetos, trabajos terminados, estudios, lo que sea que hagas como artista, intenta mantener una presencia ahí que le recuerde a la gente que, oye, estoy por ahí haciendo trabajo y la gente puede mirar un cuerpo general de trabajo que tú haces Sin embargo, esa es solo un tipo de forma de presentar tu trabajo, y en realidad tal vez no sea la mejor manera a la hora de conseguir un trabajo. Eso es porque cuando le presentas tu trabajo a un cliente, quieres darle una versión muy pre digerida de lo que haces. En otras palabras, quieres curarle tu trabajo a un cliente. Un cliente típico, sobre todo si es como un estudio o algo así, no tiene tiempo para pasar por dos años de publicaciones de Instagram y determinar en qué es lo que eres bueno. Tienes que decirles con tu portafolio, una cartera curada, selección curada de obras, en qué es lo que eres bueno, qué es lo que quieres hacer Eso es material para un sitio web. 16. Sal al mundo (cont.): Echemos un vistazo ahora a mi propio sitio web. Esto es makobc.com. No puedo ser más claro y directo que eso. Resulta que estoy en la sección de trabajo personal en este momento. Una de las principales cosas que ves es que son miniaturas muy grandes en las que ni siquiera necesitas hacer clic para poder apreciar completamente Quiero decir, claro, podría elegir uno y hacer clic en él, y ahí es un poco más grande. También es agradable tener estas flechas para facilitar el desplazamiento. Pero no tienes que hacer eso. Las pinturas se leen a este tamaño, y alguien puede mirar mi trabajo personal y creo que tener una buena idea de lo que hago. Por ejemplo, me interesa mucho el color, muy interesado en la luz, me gusta la caricatura Pero también hay elementos de realismo como en este de aquí y por supuesto, puedes pincharlo y verlo con mayor detalle, pero no súper alto. No quiero que alguien pueda imprimir esto, pero lo suficiente para que pueda tener una idea de lo que hago. Y, simplemente no se siente oneroso tener que desplazarse por todo esto Es una experiencia muy amable. A lo mejor 30 pinturas ahí. Estas tantas pinturas que dan un buen sentido a lo que hago, y eso es todo. Por supuesto, esto es como lo que 5%, tal vez menos de mi producción general, mucho menos si consideras todos los más de 20 años que llevo haciendo esto. Pero como profesional, esto podría ser como 3% o el 5% de mi producción. Entonces son solo las piezas más fuertes o las piezas que crees que mejor te representan. Ahora bien, si vas a la sección profesional, es exactamente el mismo diseño. Pero es exactamente la misma idea. No tienes que hacer clic necesariamente, pero te da un sentido para los clientes para los que he trabajado y diferentes proyectos que he realizado. También los diferentes estilos que personalmente, siento me presentan una fortaleza. Soy capaz de hacer un trabajo más realista como este, y un trabajo de caricatura muy tradicional como ese, y también un trabajo de caricatura mucho más doloroso como estos de aquí. Y, haces clic en uno de estos, por ejemplo, esta es una portada de libro que hice para el libro Jungle, y puedes desplazarte por algunos posts de detalle. De hecho, me gusta la forma en que se hace esto. Cuando trabajé en usé WIC por cierto para construir mi sitio web Esta fue solo una de las plantillas de WIC. WIX se deletrea W X y todavía lo uso hasta el día de hoy. Me gusta mucho. La cantidad de interacción es mínima. Todo está aquí en una sola página. Realmente trato de minimizar la cantidad de clics que tendría que pasar un cliente para tener una idea de mi trabajo. Realmente solo hace falta hacer clic en una cosa, digamos, trabajo personal, por ejemplo, y hecho. Se puede ver. O sea, si cuentas un segundo click siendo el click en la barra lateral aquí para desplazarte, dos clics, y tienes una idea de mi trabajo. Entonces si te interesa, puedes hacer click más. Pero minimice los clics y maximice la cantidad de trabajo que muestra en una página. Sabes, aquí tengo algunas cosas. Esto es lo que llamo a esto cosas más finas. Esto es una especie de broma sobre las bellas artes. Tengo una tienda donde tengo mis clases premium, y ves algunas secciones más. Entonces tengo una sección de contacto clara. Y en lugar de tener un formulario, me gusta simplemente poner mi dirección de correo electrónico ahí mismo. Y si, los robots de spam lo van a raspar, pero yo solo me ocupo de eso Google tiene un buen filtro de correo basura. Me gusta poner mi dirección de correo electrónico ahí para que la gente pueda teclearla, enviarme por correo electrónico directamente, y por supuesto, tengo mis enlaces sociales aquí. L et's click ahora a mi Instagram y compararlo, porque sí creo que son cosas muy diferentes. Observe que mi Instagram es, sí, definitivamente puedes tener una idea de las miniaturas en esto también, pero Instagram recorta las cosas en una plaza, lo cual no es totalmente propicio para los artistas porque mira esto Se lo ha recortado. éste. Su cara está recortada. Que yo sepa, no hay manera de controlarlo. Además, debido a que Instagram no mantiene la relación de aspecto, todo es el mismo cuadrado. Se siente como composicionalmente, es muy ruidoso. Es muy difícil tener una idea porque, por ejemplo, esta pintura de aquí está totalmente recortada. Es difícil tener una idea de cómo leer algo porque no se puede controlar el encuadre Mientras que en mi sitio web, todo estaba enmarcado en su relación de aspecto original, razón por la cual podrías desplazarte libremente por él sin tener que hacer clic en nada. Mientras que en Instagram, especialmente si estás viendo esto en un teléfono, estas miniaturas son muy pequeñas, ya que estoy seguro de que todos estamos familiarizados con Realmente tienes que hacer clic en algo para cargarlo y mirarlo. Instagram es bueno. Estás diciendo que Instagram es un proxy para cualquier red social. Kara es nueva ahora y yo soy nueva en Cara, así que tendré que publicar más ahí, pero Facebook, estación de arte, lo que sea que quieras hacer. Es bueno para hacer posts como este, anunciando que estoy en Lightbox Nunca pondría esta foto en mi página web. Esta es una publicación muy sensible al tiempo. Y lo mismo con cosas como esta. Aquí hay un boceto de cuaderno de bocetos que hago después de Lightbox A mí me gusta hablar de ello, pequeñas y pequeñas publicaciones de diario en Pasadena, pasé muy bien en Lightbox Aquí tienes un pequeño boceto de despedida. No creo que este boceto sea lo suficientemente fuerte como para ponerlo en mi cartera de sitios web. Ya sabes, he hecho mejores bocetos en mi opinión, pero es un bonito post de prueba de vida para que un artista diga: Oye, estoy aquí afuera, haciendo lo mío Y me gusta la idea de que puedas combinar pequeños bocetos informales como ese con algún trabajo profesional Este es el trabajo que hice para Wizards of the Coast en Magic the Gathering Y es lindo que solo puedas tener todas estas cosas. No está curada, lo que significa que no es lo mejor para la presentación Porque un cliente va a mirar esto. Vamos a fingir que no sabes quién soy, y estás como, Bueno, k, Marco hace esta portada de libro de luchadores, y luego está haciendo esta pintura aérea de avión de la escena californiana Eso es genial que pueda hacer eso, pero ¿para qué lo estoy contratando? Yo como cliente tengo que hacer el trabajo para determinar si aquí hay una prueba de concepto y ver, ¿Marco va a trabajar para este trabajo? Eso es simplemente demasiado trabajo. Para que la mayoría de los clientes lo hagan. Yo opero bajo el supuesto que la gente tiene un lapso de atención corto. Desafortunadamente, creo que eso prueba más cierto que falso, sobre todo hoy en día. Entonces un sitio web es una gran manera de pre digerir todo esto para tomar prestada una frase que usé antes, pre digerir todo esto y solo mostrarle un cliente exactamente para qué es lo que le gustaría que lo contrataran Ahora bien, no hace falta decir que tu trabajo tiene que ser bueno también. Por eso estás tomando esta clase. Quieres mejorar tu trabajo. Desafortunadamente, solo tener tu trabajo a la altura de Par, menos que seas el mejor, eso no va a ser suficiente. Necesitas algo que te ayude a separarte, especialmente hoy con herramientas como la IA, que desafortunadamente permite que aún más personas ingresen a escuelas de arte bombeando estudiantes cada año. Está mucho más saturado y por lo tanto competitivo hoy de lo que era cuando empecé. Entonces esa es una noticia un poco desafortunada , me temo. Pero creo que los principios centrales de ser hirable siguen siendo tan aplicables hoy como lo fueron cuando empecé hace 20 años, tener un buen trabajo y poder hacer algún tipo de networking Ahora bien, ¿es posible establecer redes en línea? Creo que es hoy, sí, mucho más de lo que era, de nuevo, hace 20 años. Hoy, tienes comunidades, como la discordia, por ejemplo, creo que probablemente sea la más fuerte, al menos ya que grabo esto aquí Y la discordia es agradable porque es como una forma de sacar tu nombre y simplemente conocer gente Al ser digital, tiene un poco de inconveniente y que la gente todavía no conoce tu cara. Quiero decir, ponerle cara a un nombre, quiero decir eso literalmente. La gente sabe cómo te ves y cómo suena tu voz, y te han hablado en persona. Es decir, creo que siempre será más valioso si tienes ambos? Eso es ideal. Por suerte, las convenciones de arte son mundiales No importa dónde vivas, probablemente vas a poder encontrar algo cerca, aunque tengas que volar allí. Para mí, cuando voy a convenciones de arte, por lo general, vuelo por ahí. Estoy volando a los estados la mayor parte del tiempo. Quiero ir a algunas convenciones de arte en Europa el próximo año, por ejemplo, pero deberías estar dispuesto ojalá a ahorrar algo de dinero, creo, para llegar a una convención de arte. Ahora eso me lleva a lo siguiente porque acabo de mencionar el dinero. Aquí hay algunos consejos. Nuevamente, esto es solo un consejo, puedes tomarlo o dejarlo. Trate de no presionarse para conseguir un trabajo para una fecha determinada. No descartes ningún ingreso corriente y di, voy a dejar mi trabajo, hacer arte, y me estoy dando diez meses para conseguir un trabajo, no hagas eso El mundo del arte, lamentablemente, es volátil. Va arriba y abajo. Estudios y producciones y clientes están sujetos a todo tipo de fuerzas regulares del mercado. Las inversiones son altas, luego las inversiones son bajas. Al igual que durante la pandemia, las inversiones eran muy altas, y había mucha contratación a nivel freelance. Entonces después de la pandemia, algunas de esas inversiones no estaban dando sus frutos, así que bajó. Al grabar esto hoy en junio de 2024, hay un bajo del mercado en estos momentos, y creo que todos lo están sintiendo. Yo estaba en Lightbox en octubre, y era como que apenas comenzaba por ahí o estaba sucediendo entonces de todos modos Y muchos artistas, hasta grandes nombres decían que ahí fuera está algo seco. Pero ya he pasado por esto antes. Estaba seco cuando empecé también, y luego he pasado por al menos un ciclo de una especie de boom y busto. Entonces tengo fe en que volverá. Y esos son poderes que escapan a tu control, ¿verdad? Entonces si te das diez meses para encontrar trabajo, bueno, ¿y si no puedes hacer eso y repente has perdido ingresos desde hace diez meses? Eso va a pesarte, y como probablemente sabrás de esta clase, soy grande en la mentalidad positiva, y si haces cosas que pueden resultar en una auto derrota, ese tipo de cosas pueden afectar tu mentalidad y con el tiempo, puedes quedarte harto de No te pongas en esa posición. Si tienes un trabajo que te dé un ingreso, realmente intentaría guardarlo y tratar de convocar algo de energía creativa antes o después de eso Eso es lo que hice cuando era estudiante, tenía un trabajo de mantenimiento en un estudio de cine. Literalmente estaba limpiando pisos, y que me despertaba a las 6:00 para ir a ese trabajo y llegaría a casa alrededor de las 4:00 y después de las 4:00, 4-10 o lo que sea, haría Ahora, yo era más joven y un poco más enérgico entonces. Yo tenía como 20 años. Pero en ese momento, eso funcionó para mí. Pude convocar esa energía. Ahora, siguiente consejo, no necesitas trabajar en tu arte durante horas y horas al día. Es genial si puedes convocar la energía para hacer eso. Cuando era más joven, pude hacer eso, por ejemplo, Hoy en día, las cosas son un poco diferentes para mí. Tengo familia, tengo dos niños pequeños, es mucho más difícil encontrar tiempo para agacharse en esta habitación y ser creativo Reservo mis nueve a cinco días aquí, pero eso es algo ocupado por el trabajo. Cuando se trata de trabajo personal, es mucho más difícil llegar en el momento de eso. Sin embargo, no necesitas gastar y no necesitas sentirte culpable si no puedes pasar horas a la vez en tus propios proyectos personales. Yo diría que mientras puedas darle 30 minutos al día como mínimo, estás bien. Y cuando digo por día, como cinco días a la semana, cuatro días a la semana, siempre y cuando puedas poner algo de impulso detrás de ti, Estás bien. Aunque sean 30 minutos por hora, 2 horas, eso es genial. A horas es genial. No esperes a que grandes franjas de tiempo aterricen en tu regazo y dirás: Oh, una vez que tenga ese tiempo, voy a hacer esa novela gráfica No va a pasar. Tienes que hacerlo 30 minutos al día. Si eso es todo lo que puedes hacer, si eres un padre trabajador, tal vez, 30 minutos al día, probablemente puedas encontrar ese momento para meterte en tu día. Así es como se hacen las cosas. Así es como creces. crecimiento y el desarrollo de habilidades, especialmente creativamente, se trata de impulso Necesitas ese impulso detrás tuyo. Viento a tu espalda, así es como avanzas. Ser bueno en el arte y perfeccionando tu capacidad para expresar tus ideas creativas, no un sprint Si realmente estás en esto, necesitas estar en él a largo plazo, y el largo recorrido es poco por día. mejor algunos días puedas pasar 3 horas en él, tal vez los domingos puedas dedicarte 10 horas en él. Quizá al día siguiente, 30 minutos. Entonces tal vez por dos días necesites un descanso. Los descansos son geniales. Te da tiempo para pensar en lo que estás haciendo. De hecho, en estos días, encuentro mis mejores ideas creativas, ven cuando ni siquiera estoy en esta sala. Esta es mi sala de ejecución. Aquí es donde ejecuto mis ideas. mayor parte del tiempo, voy a salir a correr o simplemente pasar el rato afuera con mis hijos, y de repente empiezan a suceder todas estas ideas como, Oh, podría hacer esto aquí y esto aquí, y ahí es cuando consigo mis mejores cosas. Entonces siempre que puedo, entro aquí y luego ejecuto. Bien. volviendo a algunos consejos prácticos Sin embargo, volviendo a algunos consejos prácticos y encontrando trabajo Una cosa que quizás quieras hacer es apelar a un agente y solicitar que alguien profesional te represente. Se trata de Kid Shannon, y esta es la agencia que me representó durante casi diez años, en realidad Hoy ya no estoy con ellos, pero mi relación con ellos fue genial, y de hecho me consiguieron algunos de mis trabajos más grandes como Wizards of the Coast, por ejemplo Un agente negocia en tu nombre, y como puedes ver en su página web, muestran todos los trabajos de los artistas bajo su bandera Aquí tienes algunas miniaturas ingeniosas donde un cliente podría buscar fácilmente a través de estilos simplemente desplazándose, si ve a un artista que le gusta, puede hacer clic obviamente y mirar más de Entonces déjame mostrarte el portafolio que envié a Kid Shannon que me hizo representar por ellos. Aquí está el PDF que les envié. Son 26 páginas. Ves que acabas de recibir información de contacto ahí arriba, ese ya no es mi número de teléfono, por cierto. Tengo ilustraciones que van desde personajes hasta entornos, aquí hay solo un ambiente puro y aquí hay un carácter puro. Pero la mayoría de ellos combinan ambientes de personajes, como cosas como esta. Se puede ver que sólo les estoy mostrando el tipo de ilustración que bien, A, creo que me querrían representar con y B el tipo de ilustración que disfruto haciendo. Es notable, creo que para hablar de lo que no está aquí. Por ejemplo, como el dibujo de la vida no está aquí o los estudios fotográficos no están aquí. Ese tipo de estudios son las cosas que haces para practicar. Lo equiparo a ir al gimnasio a entrenar para un deporte. Lo que estás haciendo en última instancia es desempeñarte en tu deporte. Las cosas que haces en el gimnasio son todo preparatorias. Cuando haces estudios de dibujo de vida o estudios fotográficos o cualquier práctica, esas cosas te benefician como artista. Pero el resultado final que quieres mostrarle a un cliente o en este caso, un agente, es el fruto de tu labor. Al final aquí, me permití un par de páginas de miniaturas Estos no son estudios, siguen siendo ilustraciones conceptuales, pero utilizo la sección para meterme en diferentes estados de ánimo, diferentes paletas de colores, etcétera Sí, los envié por correo electrónico en frío, es decir, no esperaban un correo electrónico de mi parte. Yo solo los envié por correo de la nada, y ahora te leeré el correo electrónico al que escribí Hola, Shannon Associates, LLC. Mi nombre es Marco Bucci. Soy un ilustrador con experiencia que va desde libros ilustrados hasta animación y diseño cinematográfico. Agradezco la calidad de los artistas que representan Shannon Associates y Kid Shannon, y agradecería mucho su consideración con respecto a mi trabajo para encontrar un hogar con su agencia Mi proyecto más reciente fue ilustrar un libro ilustrado de Disney Press para el Sheriff Kais Wild West que saldrá en enero de 2015 Antes de eso, mi trabajo de ilustración incluye portadas estadounidenses y británicas para el catálogo de productos de Lego, Lucas Arts, ilustraciones de videojuegos, así como diseño de personajes y entornos para muchas producciones animadas de televisión en Toronto, Canadá. Por favor, encuentre una selección en PDF de mi trabajo adjunto a este correo electrónico. Adicionalmente, puedes ver mi página web en www.marcab.com. Gracias por su tiempo y espero saber de usted a su conveniencia. Sí, ese era mi correo electrónico, y ellos estaban interesados en mi trabajo y en representarme. Pero antes de que lo aceptaran por completo, querían que completara una prueba, un resumen de proyecto de muestra que un cliente podría proporcionar. Esta fue la ilustración que resultó de eso. Muy similar a esta clase. Se trata de dos personajes que se dedican a alguna historia narrativa. Me imaginé un dúo de reparto de espaguetis, esa fue idea mía. Todavía quiero producir un libro de eso, por cierto. Quizá algún día lo haga. Al agente le gustó mucho. Ellos sí tenían un par de revisiones para mí porque a estas alturas nunca antes había trabajado en libros infantiles. Querían que aclarara los caracteres y el texto. Antes de esto, tenía muchos más árboles y más pinceladas detrás de los personajes y detrás del texto Simplemente limpié eso para asegurarme tanto los caracteres como el texto se leyeran muy claramente. Sin embargo, aceptaron el trabajo y yo estaba entonces en su página web. Le doy crédito a esa agencia por haberme brindado muchos trabajos, pero no sólo eso, muchos contactos, quienes sigo trabajando para hoy. Esas son las acciones que tomé para adentrarme más en la industria. Espero que esta sección te haya dado ideas de acciones que puedes tomar. Supongo que un consejo final de cierre aquí, no recomendaría poner su cartera a clientes y agentes, especialmente agentes hasta que sienta que tiene diez a 20 imágenes sólidas cree plenamente que le representan de manera óptima Los agentes específicamente te categorizarán rápidamente, y si les envías una cartera fortuita o algo que no está completamente hecho, probablemente recordarán tu nombre por razones equivocadas Por lo que no recomiendo consultar a un agente hasta que tenga, nuevamente, diez a 20 pinturas sólidas que representen plenamente sus capacidades Bien, eso lo envuelve para esta sección. Pasemos a algunas reflexiones finales. 17. Reflexiones finales: Enhorabuena. Ya terminamos la clase. Espero que esta clase te haya ayudado a aprender la importancia de los fundamentos necesarios para trabajar profesionalmente como artista Y espero que la clase te haya dado la inspiración para seguir adelante. Seguir progresando. Sigue dando a esto tu tiempo porque merece la pena. Me gustaría tomarme un momento rápido para recordarte que si estás luchando con algún aspecto de tu arte, dibujo, pintura, color, luz, lo que sea, probablemente sean tus fundamentos los que falten, no la calidad de tus ideas No importa de qué aspecto de la vida vengas, vas a traer contigo todo tipo de grandes ideas que solo están esperando ser realizadas, donde la gente flaquea es que los fundamentos no se afinen lo suficiente como para que tu visión se cruce de manera adecuada u óptima Ahí es donde entra esta clase. Espero haberte dado las herramientas para practicar diversos fundamentos para que en última instancia los puedas usar para expresar lo que hay dentro de ti, y que puedas hacer esto de una manera profesional que ayude quizás a cosechar trabajo en el futuro Aquí en Skillshare, tenemos una gran plataforma para comentarios Por favor, publique sus proyectos en la galería de proyectos a continuación. Hacer eso ayudará a todos, ti, a mí y a todos los estudiantes. Podemos ver lo que hiciste. Puedes ver lo que han hecho otros estudiantes, y que todo gira juntos e inspira a la gente, y probablemente también obtendrás excelentes comentarios de fuentes quizás incluso Por favor publique su trabajo. A todos nos encantaría verlo. En este punto, creo que lo último tengo que decir es adiós, gracias, buena suerte y divertirse. Se trata de Marco Bucci firmando, y te veré en otra clase