Cómo dirigir una interpretación: cómo hablar con los actores

1. Introducción: Hola, mi nombre es Sebastimttiaz Weisbach y bienvenido a dirigir performance Sebastimttiaz Weisbach y bienvenido a dirigir performance, como platicar con Actores. Soy actor y director de Bowl en Alemania. Y en este curso voy a ser tu instructor ya que aprendemos a dirigir la performance, AKA cómo platicar con actores. Recientemente terminé mi primer largometraje independiente, Stutter, y enseñé actuación de cámara en Catalyst Institute for Creative Arts and Technology Así que no sólo tengo experiencia trabajando con actores experimentados, sino también con jóvenes estudiantes que aún no han tenido la oportunidad de reunir tanta experiencia. Dirigir el rendimiento es una de las partes más complicadas de ser cineasta, porque hacer ajustes en la forma en que un actor se acerca a la separación y dar retroalimentación significativa no es tan sencillo como ajustar la temperatura de color en una No solo los recién llegados, sino incluso los cineastas experimentados, a menudo obtendrán ese elemento crucial de ser un directo o equivocado, resultando en Y aquí está la cosa, algunas personas tecnológicas en los comentarios de Youtube podrían decirte que estás subexpuesto de una sola parada e introducir ruido en tu metraje, pero todos inmediatamente pueden decir la actuación forzada Entonces, ¿cómo lo haces bien? ¿Cómo se comunica con los actores de manera efectiva? Y ¿cómo te aseguras de convertir tu película en un esfuerzo colaborativo para obtener los mejores resultados? En esta clase, te voy a enseñar las mismas técnicas que los actores utilizan en clases, estudios y talleres. Estamos trabajando con técnicas de algunos de los mayores practicantes de actuación, como Constantine Stanislavski, Stella Adler Y debido a que este es un curso en línea y no un culto, no nos adherimos estrictamente a ningún practicante. Simplemente mezclamos y combinamos y vemos qué funciona. A través de estas técnicas, obtendremos una mejor comprensión del viaje del actor y podremos brindar mejores comentarios y resultados dinámicos. Aprenderás a hablar el mismo idioma que los actores, porque dirigir es todo acerca de la comunicación. Como cualquier otra profesión, los actores utilizan un lenguaje muy específico. Y después de este curso, trabajar con actores capacitados será muy sencillo porque tú como cineasta hablarás el mismo idioma Serás fluido, un actor por así decirlo. Y si estás trabajando con actores con menos experiencia, entonces podrás ayudarlos a crecer a lo largo de las lecciones de esta clase. Y si bien hay grandes recursos por ahí por los directores de Hollywood sobre cómo dirigir, encuentro que la mayoría de estas clases solo son realmente aplicables si estás dirigiendo una película económica de Hollywood. Las técnicas que aprenderás en esta clase serán aplicables en cualquier nivel, on de, sets de cine, producciones escénicas, coachings, clases de actuación, o incluso si quieres mejorar tu propia entrega de Dirigir actores no es simplemente una de las partes más divertidas y gratificantes del trabajo de un cineasta y director También es diseño de producción gratuito, configuraciones de iluminación, incluso el mejor catering. Todas estas cosas cuestan mucho dinero. Pero si realmente puedes aprovechar el tiempo que pasas con los actores, ya sea en los ensayos o en el set, puedes crear más. Con menos. Al final de esta clase, tienes tarea de producir uno de los dos guiones Una adecuada para una persona y una escena de diálogo para dos. Si lees estas escenas ahora como están en la página, podrías estar inclinado a decir, bueno, realmente no hay tanto ahí. Es un poco descalzo y ese es exactamente el punto en que estas escenas de texto cero podrían balancearse en cualquier dirección. Están diseñados para ser un patio de recreo para tu creatividad y para la creatividad del actor. Ábrela, ábrela. Esto está abierto. Son para parafrasear a la gran Stella Adler, el Es trabajo del actor y del director desbastar algo de músculo sobre estos huesos. Para este proyecto, puedes mantener la puesta en marcha bastante simple. Cuanto menos pienses en la tecnología, mejor querrás hacer la escena en una larga. Toma una gran instalación simple en un trípode. Perfecto. Este curso no se trata los aspectos técnicos y visuales del todavía de mezclar los aspectos técnicos y visuales del cine o el trabajo con el actor. Está realmente enfocado en comunicarse con los actores, brindar mejores direcciones y ofrecer una orientación más clara. Por supuesto, esta clase en línea no solo es valiosa para los directores, sino también para los instructores de talleres de actores , tutores y entrenadores. Si eres actor, solo filma el proyecto como filmarías, autograbarías y usa las técnicas de este curso para aprender a dirigirte mejor y subir de nivel tu trabajo desde el mismo momento en que pones tus manos en el guión. Así que vamos a comenzar su viaje para convertirse en un maestro comunicador y director bien redondeado Acción. No lo sé. Entonces realmente debería pizarra antes de decir acción por la acción, ninguna acción. 2. El objetivo: motivación para los actores: Capítulo dos, el objetivo. Es uno de los clichés más grandes la actuación y se remonta a los inicios de lo que ahora consideraríamos la teoría moderna de la actuación Un actor preguntando ¿cuál es mi motivación? O en otros términos, ¿por qué estoy haciendo lo que estoy haciendo en el sentido más amplio Y hablando en palabras de Konstantin Amizlavski, eso es lo que llamamos el objetivo Cada personaje tiene un objetivo en cada escena y un súper objetivo para la obra general o guión A veces estos también son referidos como el objetivo de la escena y el objetivo general, pero el significado detrás de ellos sigue siendo consistente. He aquí un ejemplo de la cultura pop. En Empire Strikes Back, Luke quiere derrotar a los remanentes del imperio galáctico Ese es el súper objetivo del personaje. Y ese súper objetivo a su vez informa a todos los demás objetivos. Porque Luke sabe que necesita entrenamiento Jedi. Tan pronto como choca aterriza en Dagoba, su objetivo es que yo quiera encontrar a Yoda, el Maestro Jedi Sin embargo, ¿qué significa exactamente objetivo? ¿Qué quiero yo, como mi personaje? Todas las acciones dentro de una escena son impulsadas por esa motivación. Y cambiar ese objetivo por sí solo puede impactar masivamente cómo un actor se acerca a la escena e impulsa una actuación orgánica Orgánico, en este contexto significa una performance que es natural y lógica dentro los confines del guión y del género Es un término mejor para usar que araña naturalista o realista hombre araña naturalista o realista disparando como hondos de telaraña o Sebastian y yo irrumpiendo en una canción en Lala Land no son acciones realistas, pero Tienen sentido en el contexto de las películas y mundos que se configuraron. ¿Cómo transforma un objetivo una performance? Toma una escena donde un personaje se sienta a un piano para tocar una canción para otro personaje. Ahora bien, esa es una acción bastante clara y lo suficientemente directa, pero ¿por qué exactamente nuestro personaje entra en escena y comienza a tocar el piano? Digamos que nuestro pianista quiere seducir al otro personaje para que toquen su canción y puedan caer sin problemas en las teclas, tal vez manteniendo un contacto visual lúdico mientras lo hacen O digamos que quieren impresionar al otro personaje porque han tomado clases de piano y secreto y ahora quieren presumir. Cuando imaginas ambas escenas espalda con espalda, ¿ves cuán diferente sería el lenguaje corporal de los personajes aunque no cambiaras nada más que el objetivo O imagínese esto. Nuestro pianista sabe que su cónyuge fue asesinado en un club de jazz mientras tocaba una canción en particular Y ahora quieren incriminar al asesino poniéndoles esa canción Trampa perfecta para ratones. Aquí hay algunos consejos aseados cuando se trata de objetivos. Se anima a primera persona. Cuando los actores hablan de sus objetivos, deben hablar en primera persona. Quiero esto, quiero eso usando el personaje como barrera lingüística. Mi personaje quiere tener una galleta, solo crea distancia innecesaria. Yo, como mi personaje, quiero un buen objetivo y una galleta. Los insumos específicos conducen a resultados específicos. Un buen objetivo debe ser claro y preciso. Intenta ser específico. Cuando hablas con tus actores sobre objetivos, quiero mostrarte lo mucho que me lastimas es un objetivo claro. Quiero decirte algo es un objetivo vago que encajaría a casi cualquier personaje en cualquier escena Hazlo visceral, cuando sea posible. Actuar no es sólo un proceso intelectual. Es emocional. Se trata de instintos y reacciones intestinales Si creas objetivos viscerales, es más probable que provoques reacciones emocionales e impulsos espontáneos en tus actores En cuanto a cuánto se inclinará un actor en el objetivo dentro los confines de un personaje y escena dependerá de diversos factores Pero piénsalo en esto, ¿qué objetivo suena más interesante? Quiero salir de la habitación lo más rápido posible, o quiero escapar. Quiero ser malo contigo, o quiero destruirte. Incluso yo quiero destruir puedes verte muy diferente dependiendo de si dicha destrucción es entregada por JK Simmons y latigazo, o en forma de quemadura enferma por Alicia Silverstone Debido a que el objetivo es uno de los aspectos fundamentales del análisis escénico, será uno de los puntos de partida para un desglose de guiones Por lo general, lo primero que trazará un actor experimentado , concedido, algunos más. Los actores experimentados no comprometerán sus objetivos al papel, sino que solo vibrarán con la escena, pero aún así lo sabrán aunque sepan instintivamente más que El núcleo del conflicto dramático suele estar dentro de la incompatibilidad de los objetivos de dos personajes Un policía quiere acatar la ley, el otro policía cree en conflicto de venganza desde el principio. hecho de que estos dos personajes que fueron arrojados a una escena tengan objetivos, poniéndolos en diferentes caminos incompatibles y no es tan interesante En conclusión, el objetivo es el mapa estructural que perfila la escena sin demasiados detalles Sin esta trama inicial del curso, trabajar en los detalles no importará demasiado. Si un avión no puede despegar, no tienes que preocuparte demasiado por el menú a vuelo Tanto los directores como los actores deben saber cuáles son los objetivos de los personajes y los súper objetivos. Y entonces ambos pueden averiguar cuáles funcionan mejor para la trama y crear el conflicto más dramático y convincente. 3. Acciones: verbos, ritmos y tácticas accionables: Detector tres, acciones. Bien, ahora sabemos lo que queremos, pero ¿cómo lo conseguimos? Para llegar a ser mejores actores, los actores necesitarán aprender mejores verbos. Porque cada nuevo verbo permitirá a un actor pensar en la acción de una manera única y creativa. Y lo mismo va para ti como director. Veamos esta idea por un minuto y cuál es la implicación aquí Muchas veces cineastas novatos y actores novatos por igual pensarán en adjetivos, volverán a hacer la escena pero enojados y ahora felices, y ahora tristes La perfección, pero actuando como un acto de proceso, actuar como nuestros actores, no como emots. No se trata de las emociones. Se trata de las acciones. Si se hace bien, las emociones ocurren como un mero efecto secundario de las acciones e interacciones con otros artistas intérpretes o ejecutantes. Para elaborar verdaderamente una actuación orgánica, estarías buscando verbos transitivos y accionables Pero este no es un curso de gramática. ¿Qué significa eso exactamente? Bueno, un verbo transitivo es un verbo que transita de una persona a otra Yo algo que tu. Ejemplos comunes son, te enseño, te amenazo, te seduzco, y así sucesivamente y así sucesivamente Son procesables porque se pueden convertir en acciones significativas Crean una acción clara para que un actor la ejecute y algo que puedan hacer en la escena a su pareja. Las emociones y reacciones no son más que un efecto secundario bienvenido de las acciones. Es a través de las acciones que creamos una escena dinámica e interesante. Estas acciones, particularmente en un diálogo, también agregan un elemento de imprevisibilidad a la No todo se puede mapear con gran detalle, y así la actuación realmente cobra vida con el objetivo siendo lo que tú como tu personaje quieres lograr. Las acciones o tácticas trazan una trayectoria de cómo quieres lograrla. El proceso de descomponer un objetivo en diversas acciones también se conoce como acción. Hablar con tus actores y acciones te ayudará a guiarlos con mayor precisión a través del viaje de su personaje, y sin embargo mantener cierto elemento de sorpresa. Pero, ¿qué son los verbos accionables? Prácticamente cualquier verbo puede ser accionable. Hay algunos grandes recursos disponibles, como acciones, los actos Tesauro Pero para empezar, aquí hay algunos ejemplos para desafiar, cuestionar, consolar, tentar, confesar, intimidar, la lista continúa Yo recomendaría no rehuir el uso de verbos de acción física realmente fuertes, como escudo o asalto, ya que pueden desencadenar una reacción inicial en tu actor y crear un interesante proceso físico y psicofísico y Trabajar con acciones tiene un beneficio adicional. Da vida a una escena, mientras que una emoción es estática. Atrapar a alguien es un proceso activo. Una táctica que puede ayudar a un personaje a lograr su objetivo. Y luego, cuando se topa con un muro de ruptura, necesita ser intercambiado por una táctica diferente para descomponerlo Aquí te explicamos cómo hablar con tu actor sobre el personaje y asegurarte de que estás en la misma página. Cada personaje tiene un súper objetivo, eso es lo que quiere el personaje largo de toda la película o obra teatral. Para cada escena, un personaje tendrá un objetivo. Hay algunas excepciones, sobre todo escenas en torno a la ruptura del acto. Así que cada vez que sucede algo crucial para la trama, es muy probable que objetivo de un personaje cambie a mitad de escena. Pero normalmente una escena, un objetivo. Un objetivo nos dice lo que quiere un personaje. Una acción nos dice cómo van a conseguirlo. Aquí tienes tu mini ejercicio para el proyecto de clase. Descomponer el guión por personaje e identificar el objetivo y al menos tres acciones que realiza el personaje para lograr dicho objetivo. Pregúntele a sus actores sobre sus objetivos y acciones y vea si quiere crear una actuación a partir de su idea, de la suya, o encontrar algo completamente nuevo en el proceso, algunos practicantes, entrenadores y actores desglosarán su guión en una acción por bit de diálogo Personalmente pienso que eso hace que un personaje sea demasiado cambiante y maleable, resultando en un desempeño casi predecible Prefiero ver una acción llevada a cabo hasta su conclusión natural. Pero ese soy yo, Descubre qué funciona mejor para tu visión y colaboración. Lo siguiente que hay que saber son los latidos. Un latido significa un cambio En los verbos de acción, muchas veces los actores dibujan literalmente una línea vertical, medio diálogo para indicar un latido Dependiendo de cómo se escribiera el guión, también podría indicar los ritmos. Literalmente dirá beat o caps. Debido a que estos ritmos son momentos de carácter tan cruciales, es importante encontrar el lugar perfecto y el ritmo para ellos. Los ritmos fuertes y repentinos son perfectamente adecuados para comedias de ritmo rápido, mientras que los beats y dramas tienden a ser un poco más suaves, más En conclusión, los verbos o tácticas accionables son los que se utilizan para un personaje logre su objetivo Una buena regla para trabajar con el fin de elaborar un viaje convincente para una escena es la regla de los tres. Un objetivo debe dividirse en al menos tres verbos o tácticas accionables, porque eso crea un principio, un medio y un final 4. Se acabó el texto: ejercicios sin diálogo: Capítulo cuatro, deshacerse del texto. Si no tomas nada más de este curso que este bit siguiente, seguiré haciendo mi trabajo. Si una escena funciona sin diálogo, funciona. Si no funciona sin diálogo, las palabras no te van a hacer mucho bien. Toma cualquier gran escena de toda la historia del cine y vuelve a verla. Vale la pena el sonido , te lo prometo. Lo que está pasando será igual de claro sin el diálogo. Al ensayar o bloquear, ¿cómo te aseguras de que puedas lograr una claridad similar En este capítulo, voy a sugerir tres métodos diferentes que ayudarán a tus actores a entender mejor a sus personajes y tener una razón todo lo que hacen frente a la cámara o en el escenario Estos métodos te ayudarán, como su director, a crear narrativas más convincentes también. El primer método es particularmente útil para producciones teatrales, pero también puede funcionar en un set de filmación. Para ello, hay que estar más adelante en la producción. Tus actores necesitan conocer sus líneas y sus acciones. A lo mejor incluso ya has puesto un espectáculo. En lugar de usar el texto, los actores se involucrarán en un recorrido narrativo. Ellos narrarán sus acciones entre sí y crearán algo parecido a una versión novelizada de la obra Te estoy encantando, podría decir un personaje mientras bailan coquetos alrededor de su compañero de escena. Me parece útil este tipo de carrera tarde en los ensayos para una obra de teatro o algunos shows en, cuando los actores pueden sentir que han perdido las motivaciones de los personajes Esto también puede ayudar a los actores a descubrir algo nuevo y llegar a nuevas acciones sorprendentes. El segundo método es una ejecución silenciosa. El diálogo está completamente prohibido en esta carrera. Todas las acciones se juegan silenciosamente. Los actores necesitan encontrar otros medios de comunicación. Pueden usar miradas significativas, lenguaje corporal, distancia y proximidad. Todo lo no verbal va. Esto le preguntará mucho a los actores y deberán mantenerse atentos y receptivos a las acciones de su compañero de escena. Si se hace bien, esto puede crear una interacción verdaderamente única entre los personajes. Y mostrar que la mayor parte de la comunicación no es verbal y no se basa en las palabras. Esta técnica puede incluso terminar en la película final, o en este proyecto de clase, atreverse a callarse. Y se atreven a los actores a guardar silencio también. El diálogo es siempre una orilla segura. Pero las cosas maravillosamente interesantes suceden cuando no estamos seguros de lo que nos depara la vida Esto es de mi abuela. Significa mucho para mí y quiero que lo tengas. Quiere hacer una variación en la carrera silenciosa. Bueno, aquí hay un gran ejercicio que sale directo de Estrasburgo. Y método de actuación, este ejercicio también es realmente genial si estás trabajando con niños o actores más jóvenes. Se llama el ejercicio galimatías. Tus actores tocarán la escena como lo harían con el texto, pero en lugar de usar las palabras reales de la página, simplemente crearán un idioma en el acto, lenguaje compuesto como si tus actores se están comunicando claramente, si su cuerpo y voz hacen todo el platillo, las palabras son. Pero un buen ejercicio de galimatías adicional es un calentamiento muy divertido y asegúrate de que tus actores no solo sepan lo que están diciendo, sino que también sepan qué hay debajo todas las palabras y cómo están tratando de llegar a su compañero de escena Sólo inténtalo, volvamos a hacer la escena, pero esta vez sin las palabras. Aquí está el reto para el proyecto del curso. Ejecuta toda tu escena sin ningún diálogo. Centrarse en el bloqueo y la comunicación. Verás que pueden pasar cosas maravillosas cuando no estamos pensando demasiado en las palabras En conclusión, el texto es sólo una herramienta para que los actores comuniquen su intención. Y no debería ser el foco principal del actor. Eliminar las palabras de la ecuación realmente puede ayudar a crear y crear una actuación dedicada, matizada y convincente ¿Quieres ejecutar el proyecto de aula sin palabras? Muéstrame lo que puedes hacer con acciones justas en un monólogo en determinadas circunstancias 5. Circumstances dados y las 9 preguntas: Capítulo cinco, Circunstancias dadas. La idea de circunstancias dadas fue creada por Constantino Stanizlovski, y básicamente se reduce a lo que sucede a mi alrededor, ¿cuál es la vibra aquí ? Para entender completamente por qué algo que parece tan básico es de tal trascendencia histórica, hay que entender que en la época de Stanizlovsky, uno de los problemas con la actuación era que los actores simplemente subirían al escenario y mostrarían emociones exaltadas sin ningún entendimiento más profundo para el viaje lógico del personaje o la obra para el Es como la gente imitando líneas emocionales de películas en Tektok, acuña algo llamado las Una de las primeras técnicas de análisis que cualquier actor necesita emprender solo para tener una idea la escena y tomar las decisiones lógicas correctas. A veces se dan estas circunstancias y a veces hay que crearlas. Aquí también es donde entra algún trabajo al estilo de Sherlock Holmes para actores o directores pidiéndoles que deduzcan qué es exactamente lo que está sucediendo en Los actores a menudo tendrán que hacer eso para las audiciones porque solo reciben unos pocos lados Pero también es necesario que los directores sean flexibles con las circunstancias dadas. Porque la producción latente, el rodaje de autos en movimiento, podría convertirse en un paseo en bicicleta Parte de las circunstancias dadas es lo que me rodea. ¿Qué hora es? ¿ De dónde vengo al entrar en escena? ¿A dónde voy después? ¿Cuál es mi clase? Gustan az Laski era muy miembro de la burguesía rusa de principios del siglo XX Una forma muy precisa de descomponer las circunstancias dadas fue creada por la actriz y practicante Utter Hagen las nueve preguntas Si un actor o usted como director puede responder estas nueve preguntas, entonces usted es bastante bueno para ir. Número uno, ¿quién soy? Esto puede ser muy simple y superficial, como nombre y edad, o desglosado aún más. Rasgos físicos, cicatrices, ética, historia psicológica, etcétera No sobrecargues a tus actores con historia de fondo. Mantenlo sencillo. Lo que les importa, en la escena, en la obra, o en la película. Número dos, ¿qué hora es? Estos dos pueden ir desde el extranjero, el futuro no muy lejano. Para más específico, son las 09:15 P.M. hora para que llegue el tren El tiempo también puede dar a los actores una gran herramienta de investigación. ¿Cómo actuó la gente en la década de 1950? Número tres, ¿dónde estoy? Esto puede ser una oficina, un niño acogedor en casa, una comisaría, etcétera El país y la región también pueden jugar un papel masivo en esto. Número cuatro, ¿qué me rodea? Este es un ejercicio perfecto para actores que se descarrian en el set, ya que les permitirá adentrarse en los sitios y ver si hay algo a lo que puedan usar o acostumbrarse Este también será tu trabajo para rellenar bajo ciertas condiciones si estás parcheando juntos el espacio en la edición, por ejemplo, donde ahora ves la pantalla verde escénica, veremos los hermosos paisajes de Arizona Número cinco, ¿cuáles son mis circunstancias? Esto se refiere al pasado, presente y futuro. ¿Qué pasó justo antes de la escena, qué está pasando en esta escena y qué pasará en la siguiente escena? Es importante que los actores y directores por igual trazen mapa y el ritmo del viaje del personaje. Número seis, cuáles son mis relaciones a nivel superficial, esto se refiere a las relaciones que los personajes tienen entre sí. Pero cada vez que un actor entra en un espacio o toca un utilete, se establece una nueva relación. Afinando estas relaciones y asegurando que cada relación con objetos y personajes tan significativa pueda llenar una actuación de vida. Número siete, ¿qué quiero? Este es bastante sencillo, ya lo hemos hablado. Ese es el objetivo. La forma en que los actores suelen expresar el objetivo es una buena indicación de ello. Quiero algo, algo, número ocho, ¿qué hay en mi camino? Ah, el obstáculo. En otras palabras, si un personaje quiere algo, ¿por qué no lo consiguen simplemente? Ahí es donde entra el obstáculo. Algo que está en la forma que obliga un personaje a emplear diferentes tácticas. Un obstáculo puede ser externo, algo, o alguien más, o interno, un miedo, una fobia, una vacilación, etcétera. Tus actores deben conocer sus obstáculos, y si sientes que su viaje es demasiado sencillo, lanza una llave en sus obras No, en realidad no puedes simplemente confesar porque si el otro personaje se entera, se lo dirán a tu mamá Ajustes como estos pueden crear fácilmente contraste y conflicto en una escena número nueve. ¿Cómo consigo lo que quiero? Pues bien, esta pregunta sigue una trayectoria clara. ¿Qué quiere un personaje? ¿Por qué no pueden simplemente conseguirlo? Bueno, entonces, ¿cómo lo hacen? Se trata de las acciones que un personaje está dispuesto a tomar para cumplir con su objetivo. darle un ejemplo, en una escena de interrogatorio, un policía y un sospechoso se sientan en una habitación con poca luz. El policía quiere resolver un delito, pero el sospechoso no confesará solo a través del objetivo y el obstáculo De inmediato tenemos establecido un conflicto. Vamos a patearlo o no, ¿de acuerdo? ¿Cuáles son las acciones que podría tomar el policía? Podrían amenazar al sospechoso, intimidarlos, negociar con ellos, consolarlos, secuestrarlos. Y de repente tenemos una transición significativa de acciones y una escena con diferentes ritmos. Pero hasta ahora, sólo hemos mirado a un personaje y a un actor, digamos en este guión imaginario. Es bastante evidente que el sospechoso no va a hablar. A lo mejor es porque quieren proteger a su hermana, quien saben que cometió el delito. Ahora el obstáculo es bastante evidente. Enfrentarán consecuencias si no hablan. Por lo que no pueden simplemente proteger directamente su hermana protegiéndose, evitando al policía, luego confrontándolos. Podemos crear otra transición significativa de verbos de acción y, lo que es más importante, conflicto. En conclusión, las circunstancias dadas convierten un guión en una novela llena de rica vida interior. Solo el director y los actores realmente necesitan conocer. Es posible que el público nunca vea lo que se esconde debajo de la cama de un personaje, pero el actor necesita saberlo. 6. Ejercicio de Improv: circunscripciones dadas: Capítulo seis, Dadas Circunstancias Un Ejercicio. Aquí hay un pequeño ejercicio que me gusta hacer con mis alumnos. También te puede resultar útil cuando estás trabajando con un grupo de actores para usar como calentamiento de improvisación, o si estás trabajando con actores más jóvenes o niños Se trata de un ejercicio derivado del teatro de improvisación que una vez más, va a mostrar lo flexibles que pueden ser las palabras en un texto Empareja a dos o más actores y dales sus líneas. Sólo podrán usar estas tres líneas, pero pueden decirlas en cualquier orden o repetirlas tantas veces como quieran. Las líneas son, estaba ahí mismo. ¿Dónde está? Se ha ido. Ahora dales un conjunto de circunstancias dadas para crear una pequeña escena lúdica de improvisación Éstos son algunos de mis favoritos. Alguien en una cena en el siglo XIX se da cuenta de que el collar de diamantes se ha ido Dos personas varadas en un bote de rescate durante una semana en medio del océano ven un helicóptero, Dos personas en un viaje diario en el metro cuando descubren una rata del tamaño de un perro, alguien dispuesto a pagar rescate a un secuestrador en un parque, pero han perdido el ¿Ves lo tremendamente diferente que puede ser una escena basada en el mismo guión y cuán maravillosamente imaginativos somos cuando nos desafiamos a nosotros mismos en conclusión las circunstancias dadas y pronunciar las nueve preguntas de Haagen pueden sonar un poco básicas, pero eso es porque están Estos fundamentos de una escena, sin embargo, permitirán a los actores ofrecer una actuación más matizada, más orgánica Y tomar decisiones que sean fieles al personaje y al escenario. nueve preguntas de Uterhagen son particularmente útiles porque dan a los actores una lista de verificación de elementos para simplemente marcar una tras otra A veces los actores recibirán una biografía de personaje innecesariamente larga tomada directamente de la Biblia de una serie Pero, ¿cómo se supone que alguien de manera realista debe mantener toda esta información en sus cabezas También de manera realista, ¿qué importa si tus padres te dieron ese pony que siempre quisiste cuando tenías seis años Si la escena solo te ve pidiendo café, las nueve preguntas hacen un gran trabajo al agilizar la información necesaria para que los actores den su actuación con claridad y dedicación Es cuestión de elegir las cosas que importan y ordenar las que no. claridad sobre las circunstancias ayudará a tus actores, pero también te ayudará como director. 7. Magic if: imaginación para actores: Capítulo siete, La memoria de la emoción y la magia Si. ¿Cómo puedes ayudar a tus actores a dar vida a los apoyos y las circunstancias sin ser demasiado intrusivos Incluso en los inicios de la teoría actuante moderna alrededor de principios del siglo XX, esa era una pregunta que hacían los practicantes. Y había dos escuelas de pensamiento. Una es la escuela de experiencia personal que se ramificó en el método de actuación. Esto se reduce a recordar cómo te sentiste cuando. Ahora, por favor, ¿podría volver a sentir eso? Esta puede ser una técnica poderosa, pero revivir experiencias traumáticas obviamente puede ser perjudicial para los actores Como director, no se debe pedir a los actores que revivan el trauma personal Puede que ni siquiera tengas la más mínima idea de sus vidas personales. Entonces, ¿cómo lo sabrías siquiera? Y luego está lo obvio. No siempre funciona. No siempre funciona para la escena. Y a plano no siempre funciona. Talleres de actuación que crean un espacio cómodo y seguro y brindan a los actores el tiempo para preparar y configurar la escena. En mi experiencia, trabajar con memoria efectiva o emocional puede ser una verdadera revelación y un ejercicio de apertura mental. Pero comienzan con las luces alrededor de los actores. El AD jugueteando por la lista de tiendas, maquillaje, dando looks finales y un poste de auge justo sobre sus cabezas Además, esto puede ser bastante limitante porque confiarías en las experiencias personales de los actores con los que estás trabajando. ¿Recuerdas ese momento de tu vida en que fuiste perseguido por un montón de robots alienígenas? Entonces aquí está la otra escuela de pensamiento, involucrando la imaginación hasta cierto punto que va a ser necesaria para los actores de todos modos, simplemente porque hay tripulación en los soportes de luces del set, podría haber una pantalla verde. El otro actor tal vez ni siquiera esté en el set ese día. Nada demasiado descabellado. Una de las técnicas de Stanislavsky puede ser particularmente útil para aprovechar esa imaginación Se llama la magia si. Y la belleza de esa técnica es que respeta a los actores como seres pensantes y no requiere que se engañen en un estupor La magia si puede hacer que los actores hagan preguntas inteligentes sobre cualquier interacción y provoquen un proceso único en sus cabezas. Te voy a dar un ejemplo. Este es un vaso de lo que sostengo, pero ¿y si fuera whisky caro? ¿Y si yo fuera un alcohólico coving? Y de repente sin demasiado trabajo de fondo y sin un proceso de preparación dedicado, simplemente porque ahora puedo empezar a pasar por una lista de preguntas en mi cabeza y dejar que mi imaginación se pregunte, hemos llenado la simple acción, sosteniendo un vaso de vida. Y tampoco sientas que estás obligado a usar solo ifs naturalistas Imagina si este vaso te diera un choque estático cada vez que lo tocaras. Si este vaso fuera el Santo Grial, pero no querías que tus amigos lo supieran Mantenlo divertido y juguetón. En conclusión, la imaginación es una poderosa herramienta en la actuación y en la dirección. Aprender a usar la imaginación de tus actores, cómo guiarlos, cómo inspirarlos, va a ser invaluable para tu viaje como director y como narrador en La magia, si es una técnica fantástica porque te permite como director dar un simple prompt y luego ver a dónde van tus actores con su imaginación. 8. Texto y subtexto: qué hay debajo del texto: Capítulo ocho, texto y subtexto. No es lo que dijiste, es como lo dijiste. A veces encuentro ambos, en mi experiencia como actor pero también como director o profesor, que usar acciones puede ser un poco vago Particularmente cuando se trabaja con texto. instante se puede decir cuando un actor no sabe qué pensar o no está seguro de cuál es el significado detrás de las palabras. Mejores actores a veces pueden burlarse a sí mismos a través de algunas líneas de diálogo, pero este no es un enfoque sustentable de una escena Aquí es donde entra en juego trabajar con subtexto. Stanislavski usa una bonita distinción entre subtexto y en monólogo, pero a veces Realmente no importa qué terminología uses, porque lo que significan es lo mismo. ¿Qué piensa un personaje? Stanislavski usa subtexto cuando el carácter es texto, y en un monólogo cuando el personaje no suele coincidir una línea de diálogo con una línea de Porque es muy difícil pensar a un ritmo diferente al que hablas. subtexto es una herramienta que describiría casi como un atajo Cuando sientes que las líneas de un actor suenan apagadas, siempre puedes preguntarles, ¿cuál es tu subtexto Aquí, te voy a dar un ejemplo. Usamos una línea súper simple, tal vez solo una palabra. A lo mejor el subtexto para tal vez podría ser no. Podría ser sí. O podría ser, tal vez incluso podría ser, te odio, el cielo es el límite. Si realmente quieres que tus actores alineen el subtexto y el texto, solo haz que digan primero el subtexto No, sí, te odio absolutamente. subtexto casi se puede usar como un hack, una forma rápida para que actores y directores se aseguren de que están en la misma página cuando se trata de lo que un personaje está diciendo y pensando En el uso práctico, a menudo encuentro que el subtexto es un poco más preciso que un verbo accionable La acción puede ser, te pido disculpas, pero el subtexto podría ser, sé que te lastimé y sé que nunca podré recuperarlo Mucho más específico, ¿no? Y encontrarás que cuando un actor clava su subtexto, también clavarán su punto extra de texto subtexto es realmente fácil de anotar porque usted o el actor pueden simplemente escribir una línea de subtexto justo al lado del texto en el guión Es una bendición que los guiones nos den tanto espacio vacío para llenar. Así es como esto puede funcionar y practicar. Pídele a tu actor el subtexto o la línea de apertura. Puedes preguntarles, a quemarropa, ¿Cuál es tu subtexto? O puedes azucar una pregunta. Pero, ¿qué es lo que realmente intentas decir? Los personajes con una rica vida interior también tendrán un rico subtexto O como dice Stanislavski, un público no va al teatro a escuchar el Pueden leer el texto en casa. Ellos van al teatro a escuchar el subtexto. Y aquí está tu ejercicio para el proyecto. Pide a tus actores que escriban una línea de subtexto por cada línea de texto Si estás trabajando con el monólogo, pide a tus actores que interpreten la escena una vez que hayan terminado, pero no actúen con el texto En cambio nos dan sólo el subtexto. Esto puede sonar contundente y mucho más abiertamente honesto que cualquiera de nosotros en la vida real Entonces diles que se apoyen en ello y se diviertan con él. Esta es la oportunidad de dejarlo salir todo si estás trabajando con el diálogo. Dile a tus actores que creen el subtexto como ejercicio de pareja Muy a menudo los actores no tendrán con quien trabajar y tendrán que prepararse solos en casa. Y eso no es lo ideal. Si bien tienes dos actores en la sala, deben preparar el subtexto línea por línea para sus respectivos personajes Porque en la vida real somos maestros en recoger el subtexto Si alguien entra a mi tienda y dice hola con el subtexto, quiero presentar una queja sobre usted Mi reacción no sería hola con el subtexto. Tan agradable de ver, Que sea un ejercicio de preparación divertido e interactivo. Y luego dejar que se golpeen entre sí con su subtexto. Guiar el subtexto puede ser una herramienta extremadamente útil para ti como director En conclusión, el texto y el subtexto no siempre tienen que ser drásticamente diferentes Pero tenlo en cuenta. El subtexto permite producir una capa de significado que no está en el guión, inculcando la O jugar con una vida que antes no había estado ahí. Un buen ejemplo para esto viene del clásico de culto, The Room. Cuando el empleado de la tienda le dice a Johnny, eres mi cliente favorito, la línea suena tremendamente apagada porque no hay subtexto Imagínese si ella realmente le dijo que descartara, o este es mi último día y solo estoy trabajando a través de la política de la compañía. subtexto es una herramienta maravillosa para usar la imaginación colectiva de todos los creativos en el set y hacer ajustes fáciles y rápidos mientras filma o mientras ensaya 9. Casting: la primera opción de un director: El capítulo nueve, Casting, Actores Directivos, comienza tan pronto como empiezas a lanzar actores. Y esa elección puede que no siempre dependa completamente de ti. Piénsalo a lo largo de la línea de ubicaciones de exploración, tu mente podría ver una cosa, pero la realidad de la producción te obliga a conformarte con otra cosa O vas a trabajar en un lugar sorpresa que supera todas tus expectativas. Lo mismo ocurre con los actores de casting. Para esta lección, vamos a presumir que usted estará a cargo de, o al menos parcialmente responsable, del casting. Podrías ser tú quien ponga el casting y organice la audición. Podrías mirar carretes y cintas autoadhesivas. O podrías llegar a los teatros locales o preguntar por ahí en tu grupo de amigos para ver si alguien está interesado en actuar Puedes incluir a Dame Judy Dench y Gary Oldman en tu Pitch Deck, pero lo más probable es que no consigas que formen parte de tu película al momento de escribir el casting Ser relativamente específico, pero no demasiado así. De todos modos necesitarás algo de flexibilidad, así que no hay necesidad de asustar al elenco perfecto con un cuidado demasiado descriptivo tomado directamente del guión Ben, de 25 años, es un hombre de dos metros de altura con canas y cicatriz en la mejilla derecha Buscamos un acto alto en sus 20 es bastante bueno. Además, intenta ser inclusivo de género en tus llamadas de casting siempre que puedas. A veces cierta parte exige cierto género, pero no siempre. Si tienes un grupo más amplio de actores del que sacar, solo aumentará tus posibilidades de hacer una mejor película. Y si audicionas a un actor para un papel para el que tal vez no encajen bien, tal vez encajen mejor para una parte diferente, o trabajas con ellos en el futuro Cuando estés buscando el casting perfecto, estar abierto a los cambios, cambia el personaje, solo el guión si es necesario, no intentes forzar algo a un actor que simplemente no funciona. Si buscas elegir a alguien de principios de los años 20 pero no encuentras un actor adecuado, no intentes doblar a un actor de 40 años en un soporte diferente sin el cabello y el maquillaje adecuados Esté abierto a hacer ajustes el personaje para reflejar la apariencia, tipo y el aura general del actor que has elegido. Debido a que el cine es un medio bastante naturalista, todo lo que un actor traiga a la mesa será visible para el público No hay pretender que un actor atlético será algo más que un personaje atlético, sin importar la frecuencia con la que los otros personajes los llamen nerd. Al lanzar tartamudeo, mayoría de los personajes eran neutrales de género, con bastantes excepciones El papel de un terapeuta, como lo imaginé, era un hombre burocrático más distante, encorvado Pero cuando echamos a nuestra actriz, Viviana en la parte, no sólo le aportó una calidez natural, escena de repente tomó matices de cuidado materno y comportamiento muy inapropiado ¿Qué clase de tonto sería para tirar eso a la basura en lugar de trabajar con él? Así es como hago una audición actores cuando busco desarmar Nos reunimos tomando un café. Primero, quiero conocer a la gente con la que estoy trabajando. Porque no sólo trabajo con el actor, sino también con una persona. Hacer una película es una experiencia personal y se trata de una visión compartida y de estar en la misma página sobre el proceso de realización cinematográfica No necesito ser el mejor amigo cada actor con el que trabajo, pero tengo cierto estilo. Cuando trabajo, soy espontáneo y a menudo sugeriré entradas salvajes o direcciones apenas relacionadas para despertar la imaginación del actor. No esperes una relación de colaboración perfecta con cada actor con el que trabajes. Pero creo que este es un factor importante del proceso de casting y realización cinematográfica y uno que no debes pasar por alto en el set Los actores necesitan confiar en ti y viceversa. Así que conócelos como personas primero agregaron beneficio. Tiende a sacar un poco los nervios del camino. Entonces la primera lectura va a ser mucho más fluida. En el siguiente paso, dejo que los actores interpreten la escena tal y como se han preparado. Idealmente con otro actor leyendo en las líneas. Idealmente el actor que ya ha elegido el papel. Esto generalmente me dará una buena visión general sobre su instinto ¿Cómo se prepara un actor? ¿Obtienen la vibra general del personaje? Y ¿traen a la mesa algo que antes no había visto en el personaje? Y para el paso final, les voy a dar algunas indicaciones, no necesariamente lo que quiero ver en el día. A lo mejor les voy a tirar una bola curva. En su mayoría solo voy a estafar lo que me ha presentado el actor y trabajaré con eso Realizando la escena de nuevo es mi prueba para ver cómo maneja el actor las indicaciones, si pueden hacer ajustes rápidos en el acto, si son flexibles y divertidos de trabajar con ellos. Ahora bien, esta no es una receta mágica de talla única para todos, pero hasta ahora me ha funcionado. Entonces tal vez te funcione también. En conclusión, para citar a un general alemán del siglo XIX, ningún plan sobrevive al primer contacto con el enemigo Lo mismo ocurre con el cine. Es la marca de un aficionado apegarse a ideas que simplemente no puedes lograr ese día. Mantener la flexibilidad y estar abierto a las soluciones que tus colaboradores te ofrecerán no va a perjudicar tu proyecto. De hecho, tu proyecto se beneficiará de que crezca más allá de su alcance original. Encontrar el elenco perfecto para una película, una escena o una obra de teatro puede ser atrevido bajo cualquier condición Pero trabajando en un nivel de no o bajo presupuesto, se vuelve aún más difícil encontrar buenas personas con las que quieras trabajar y usar sus personalidades únicas a tu favor. Es un activo. 10. Colaboración creativa: el esfuerzo de realización cinematográfica: Capítulo Diez Colaboración. La belleza del proceso cinematográfico radica en cuán colaborativo es y puede ser el proceso Si eres ilustrador, la totalidad de tu obra dependerá de ti. Estás a cargo de todo el proceso desde el momento en que ideas una imagen en tu cabeza hasta el último trazo del pincel Pero como cineasta o director, a veces puedes simplemente relajarte y relajarte Trabajas con un gaffer experimentado. Genial. De inmediato todas tus imágenes van a lucir más profesionales, talentosas ingenieras de sonido. Todo lo que filmes sonará mucho mejor. Y si tienes actores talentosos, entonces ellos traerán sus propias sugerencias e indicaciones para el personaje. Y luego elaborar la actuación manera colaborativa se convierte en cuestión de negociar los mejores momentos para el personaje y la historia Cualquier actor experimentado estará abierto a direcciones porque saben que en manos de un buen director, se verán mucho mejor. Pero como director, usted también, debe estar abierto a sugerencias. Deberías escuchar al actor y ver sus actuaciones con atención. No intentes forzar tu visión en todo el set, porque crees que estás destinado a ser el próximo Tarantino Cubric. A lo mejor lo eres, y si eres bueno contigo. Pero dirigir actuaciones también es cuestión de averiguar cómo otras personas pueden enriquecer tu visión. Porque, y esa es la razón crucial por la que el cine con IA nunca producirá algo que valga la pena ver Realmente no quieres lo que quieres. Una IA te dará exactamente lo que quieres. Pero lo que realmente quieres es que tu película sea la mejor que pueda ser. Y para que eso funcione, debes considerar que tu visión única la barra más baja para despejar. Y ese listón podría ser bastante alto. Pero si alguien trae una mejor sugerencia, si un actor te presenta un giro único en el arco de los personajes que no habías anticipado antes, entonces serías bastante estúpido al decir que no a esa oferta. Es como el valor de producción libre porque al final, eso es lo que hace que tu película se vea mejor y refleje positivamente en tu propio trabajo y en ti como director. Todavía a veces los cineastas, particularmente los cineastas jóvenes que simplemente saben que están preparados para la grandeza, me preguntan cómo pueden conseguir los actores hagan exactamente lo que quieren, cómo pueden tirar de todos los hilos y hacer que los y hacer línea lee, ahí es cuando un director le muestra al actor exactamente cómo deben realizarse las líneas y ser obedientes Marionetas pequeñas. Bien simple. Sólo hay que pagarles una tarifa justa. Y entonces encontrarás que los actores son mucho más receptivos a las direcciones que a los comandos, no a las sugerencias En general, desaconsejaría usar lecturas de líneas de cualquier manera, porque todo lo que realmente haces es limitar tus posibilidades porque entonces tus actores simplemente te repetirán lo que acabas de hacer. Y pierdes la oportunidad de obtener una mejor oferta de ellos y ver su perspectiva y espontaneidad únicas reflejadas en tu trabajo En conclusión, una buena dirección es una sugerencia. Es un pase. Todos en el set están en el mismo equipo. Les tocas un pase. Ellos juegan un pase, y luego eventualmente se marca un gol. Es trabajo en equipo. Todos estamos juntos en esto, no saber exactamente a dónde va el viaje y cómo se mapea paso a paso es parte de la belleza del proceso cinematográfico 11. Comunicación: claridad en el set: Capítulo 11 comunicación. Al principio, no quería incluir esto, pero recientemente he estado en un set de filmación y ha pasado un tiempo desde que me pasó lo siguiente. Pero no era la primera vez. Y quiero evitar que cometas ese mismo error. Fui el elenco para un papel en una película y en ningún momento unset supe realmente lo que estaba pasando en las escenas Porque nadie me dijo qué parte de la escena sería rodada exactamente. Y esto no es exclusivo cineastas más jóvenes e inexpertos Incluso los equipos bien versados a menudo olvidarán hablar con los actores y se perderán en todos los demás aspectos de la realización cinematográfica, desde las luces hasta el sonido, hasta Bueno, los actores se paran como apoyos glorificados. Sí, los actores pueden leer listas de tomas y de hecho deberían hacerlo. Pero una lista de tomas solo te dirá tanto, y una acción esbozada en el guión muchas veces no sobrevivirá a la realidad de la producción. Recuerda ese paisaje épico en la página cinco, O ese es el patio trasero del abuelo de alguien ahora, y en lugar de correr unas vueltas, haces algunos saltos Dile a tus actores lo que necesitan saber para cada toma. Diles dónde comienza la escena y dónde termina la escena. Esta es la gran ruptura o esta escena cinco simplemente no es lo suficientemente buena. Anímelos a través de lo que tienen que hacer. Cuanto más claro estés en esta parte del proceso de comunicación, más eficiente serás para trabajar con actores en el set o en el escenario. Vamos a necesitar que entres, mires a tu alrededor, recoges el vaso, tomas un trago. Y luego te das cuenta de que tu madre está sentada en el sillón. La confrontas con tus ojos hasta que yo grite, corta. Ahora bien, esta es también la parte donde los actores pueden hacer preguntas. ¿Por qué exactamente voy a entrar? Bueno, quieres recuperar tu varita mágica y sospechas que tu tío Frederick la tiene. Genial. No digas más. Cualquier información que los actores no necesiten, como las elecciones de lentes o el movimiento de la cámara o la combinación de colores, etcétera, etcétera, no será Es genial comunicar estas cosas por adelantado y lanzar tu película, pero justo antes de tomar, un actor no necesitará saber que este es el que se rodó anamórfico en la Los ensayos adecuados son geniales, pero la claridad en el set es clave Si tus actores no saben lo que están haciendo, solo estarán nadando. Y siempre se puede decir y porque siempre se puede decir, realmente no se puede usar ningún otro metraje. Aquí es donde empiezas, aquí es donde terminas, esto es lo que sucede en el medio. Eso es todo lo que realmente necesitas. Todas las mejores técnicas de actuación y las mayores habilidades de coaching no te llevarán a ningún lado. Si no puedes comunicar con claridad lo que está pasando en la escena y lo que está pasando en la toma. En conclusión, no hay nada como la claridad en la comunicación. Los actores necesitarán orientación, bloqueo y marcas para ofrecer el mejor desempeño posible. Configurar una toma toma tiempo más que suficiente para platicar con los actores y decirles qué sigue. Puedes sentarte con ellos y verlos correr sus líneas, proporcionar algunos comentarios sueltos o ensayar en profundidad, dependiendo del tiempo que tengas Esta claridad y comunicación también es parte de la relación de confianza que necesitas tener con tus actores para obtener la mejor actuación de ellos. 12. Conclusión: cómo pueden aprender los directores a trabajar con los actores: Capítulo 12. En conclusión, esto nos lleva al final de nuestro curso. Estoy planeando hacer cursos de seguimiento. Entonces, si disfrutas de este, mantente atento a más cursos enfocados diferentes aspectos de dirigir y trabajar con actores. En los cursos de seguimiento, hablaré un poco más sobre los aspectos técnicos de dirigir rendimiento para la pantalla y la fisicalidad del Lo único que te queda por hacer ahora es concluir el curso con tu proyecto de clase. Y permítanme reiterar, esto realmente no se trata del nivel de producción y de la mirada en absoluto. Se trata de trabajar con los actores. Configurar una cámara, filmarla como lo harías con una audición. Mantenlo súper simple si tienes o quieres. Hemos pasado por bastantes cosas en este curso. Entonces déjame resumir brevemente que tienes un repaso para saber con qué trabajar, las acciones objetivas y los beats subtextuar Si se utilizan estas técnicas para preparar el guión como director, ¿cuál es el objetivo de cada personaje y qué acciones pueden tomar para lograr su objetivo? Usa los beats para controlar el ritmo de las acciones y tomar decisiones interesantes. Y crea un subtexto enriquecido para cada línea de texto si necesitas un punto de partida He proporcionado algunos materiales adicionales que sugieren circunstancias y objetivos dados con los que trabajar. Pide a tus actores que hagan lo mismo mientras preparan la escena, dirigen la escena, bloquean la escena y van por una puesta en escena con la que te sientas cómodo trabajando. Realmente intenta hacer este ejercicio todo sobre trabajar con los actores. Una vez que hayas clavado eso, siempre puedes introducir o reintroducir todos los demás aspectos del cine y agregar las diferentes capas de complejidad a Ha sido muy divertido compilar este curso y estoy deseando ver lo que tú, tu imaginación y la imaginación de tus actores hacen con las escenas más blandas del mundo Si agregas algo interesante a estas dos escenas, entonces ciertamente puedes encontrar capas únicas en cada escena con la que vas a trabajar. Oh, yo gato así. Debería pizarra primero y luego decir gato y también, esto debería ser una pizarra de cola. Entonces, gracias por mirar.