Cómo dibujar: crea composiciones cautivadoras

1. ¡Hola!: Oye, soy Liz. Soy ilustrador de alimentos en el norte de Nuevo México, y estoy tan emocionado de darle la bienvenida aquí a The Printing Plant Studio. En la clase de hoy, aprenderás todo sobre cómo crear composiciones convincentes en tus ilustraciones. Sé que la composición puede sentirse como este escurridizo, complejo, término de arte de la vieja escuela. No quiero que te sientas intimidada, quiero que te sientas empoderada y confiada en tu habilidad para hacer composiciones, por eso hice esta clase. Voy a descomponer todo en piezas digeribles del tamaño de un bocado, para que te alejes de esta clase con toda la terminología artística para tirarte en tu próxima cena. Pero también con la capacidad de crear composiciones con confianza, desde una base sólida. Empezaremos esta clase buceando en los elementos que hacen una composición poderosa, así como las reglas de las composiciones tradicionales y por supuesto, cuándo romperlas. Después practicaremos muchos ejercicios prácticos, tanto en papel como digitalmente en Adobe Illustrator, para acumular tu kit de herramientas de composición. Implementarás todo lo que aprendas al finalizar este curso, con el proyecto de clase final para crear una portada de libro de cocina ilustrada. ¿ Estás listo? Agarra tu cuaderno de bocetos, agarra tu bolígrafo, vamos a sumergirte. 2. MATERIALES: En esta clase, aprenderás a construir una composición usando lápiz y papel, así como a construir una composición digitalmente en Adobe Illustrator. He creado una lista de materiales en el documento adjunto en la sección de proyectos y recursos de esta clase. Siéntase libre de referenciarlo para los nombres y enlaces directos para reunir las herramientas recomendadas. Para la porción analógica o bolígrafo y papel de esta clase, necesitará un bolígrafo. Te recomiendo el juego de marcadores de ilustración premier Prismacolor de siete en negro. Actualmente prefiero este conjunto porque estos bolígrafos crean líneas negras nítidas y fluidas. Hay tantos tamaños para elegir. Puedes crear líneas pequeñas y delicadas con la punta del tamaño 005 o usar la punta del pincel para obtener una línea fluida más gruesa. Estos bolígrafos también son resistentes al agua, lo que protege tus dibujos. Una de las principales razones por las que recomiendo usar un bolígrafo en lugar de un lápiz para tus ejercicios de dibujo es que no puedes borrar tus “errores”. Encontré en las clases que imparto que mucha gente, yo incluido, se detiene demasiado temprano en un dibujo por la creencia de que han estropeado. No obstante, cuando trabajamos con un bolígrafo, podemos dibujar líneas confiadas y aprender de nuestros errores entendiendo rápidamente lo que no funciona en un dibujo o aprendiendo a incorporar los errores considerados a nuestro dibujo final. Esto abre paso a accidentes felices y nuevos descubrimientos. Abraza la tinta y ten confianza en tus líneas. Cuando trabajamos con pluma, tenemos que hacer que funcione. Esto suena desafiante y a veces realmente lo es. Pero es un gran enfoque para aprender a través del proceso. Para esta clase, también necesitarás múltiples hojas de papel para los ejercicios de dibujo. Este papel puede ser cualquier cosa, desde papel de impresora de ocho y medio por 11 pulgadas, hasta papel de cuaderno de bocetos, hasta papel de periódico. Para bocetos rápidos y práctica, prefiero papel de impresora o papel de periódico. Pero cuando estoy creando ilustraciones sobre la marcha o una obra de arte que pretendo ser una impresión final como la portada del libro de cocina para esta clase, me encanta usar un cuaderno de bocetos de medios mixtos Canson XL. Te recomiendo el tamaño de nueve por 12 pulgadas de este cuaderno de bocetos para la clase. Puedes cortar fácilmente el papel hasta el tamaño recomendado de ocho por 10 pulgadas para la tapa final del libro de cocina en el proyecto de clase. Para esta clase, también necesitarás un par de tijeras, un palo de pegamento, un lápiz y unas cuantas hojas de papel de construcción. No te preocupes por el color del papel de construcción. Simplemente elige algo que sea conveniente y que te llame la atención. También necesitarás una regla para medir tu papel hasta ocho por 10 pulgadas para la tapa del libro de cocina en el proyecto de clase. Para la porción digital de esta clase, necesitarás un bolígrafo. Nuevamente, el pack de Prismacolor es mi recomendación. Hojas de papel en blanco para dibujar, acceso a un escáner, así como Adobe Illustrator. Está bien, creo que eso es todo. Reúna tus materiales y sumémonos en la descripción general del proyecto de clase en la siguiente lección. 3. Descripción del proyecto de clase: Para tu proyecto de clase, crearás una portada de libro de cocina ilustrada utilizando los elementos de composición que discutimos y practicamos a lo largo de esta clase. Tendrás la opción de crear esta portada de libro de cocina con bolígrafo y papel, o digitalmente en Adobe Illustrator, o ambos. Empieza a pensar en algunos alimentos y herramientas de cocina diferentes que te gustaría incluir en la ilustración de tu proyecto final. Estoy pensando que voy a dibujar unas verduras de mostaza volantes, definitivamente una espátula porque me encanta hornear, así como algunas otras divertidas sorpresas vegetarianas que verás cuando lleguemos a la sección de Proyecto de Clase al final de este curso. Asegúrate de subir tu portada final de libro de cocina en la sección Proyectos y recursos de esta clase. Cuando subas tu portada final de libro de cocina, también me encantaría que incluyeras algunas fotos de tus bocetos de proceso de las lecciones de práctica a lo largo del curso. Esto puede incluir tu composición de recorte, tus ejercicios de miniaturas y ejemplos de tus composiciones de patrones intuitivos. También me encantaría que incluyeras tu tablero de inspiración de Pinterest que crearás en la lección “Gathering Inspiration”, y un breve párrafo sobre la portada del libro de cocina que estás ilustrando. ¿ Es un libro de cocina de recetas familiares? ¿ Un libro de cocina de tus recetas favoritas? ¿ Un desayuno solo libro de cocina? Comparte la historia detrás de tu ilustración de libro de cocina con tu proyecto final. Asegúrate de subir tu proyecto final en la sección Proyectos y recursos de esta clase. También he compartido algunos documentos de recursos debajo del botón Proyecto de clase que incluyen los materiales recomendados para esta clase, clases de Skillshare a las que hice referencia a lo largo las lecciones para sumergirme más profundamente en temas particulares, así como descargas de imágenes que utilizaremos en algunas de las lecciones. Asegúrese de hacer sus preguntas y compartir sus descubrimientos a lo largo del camino en la sección Discusiones. Me encanta escuchar de ti. En la siguiente lección, nos sumergimos en lo que realmente significa la composición y por qué es tan importante. 4. ¿Qué es la composición?: ¿ Qué es la composición? En su definición más básica, la composición es cómo se organizan los elementos visuales en una página. No obstante, el significado de la composición va mucho más profundo que esto, porque es la práctica de crear un sentido de armonía, unidad, y belleza en una obra de arte. Por lo tanto, la composición no sólo es una herramienta para guiar la mirada de un espectador a través de una obra de arte, sino que también es un método creativo necesario para comunicar un cierto sentimiento o mensaje a un espectador. Como afirma Matisse en Notas de un Pintor, composición es el arte de organizar de manera decorativa los diversos elementos a los que mandan los pintores para expresar sus sentimientos. Cuando una composición no es armoniosa y no equilibrada, puede sentirse sosa y poco interesante o caótica y sobreestimulante. Por ejemplo, una composición muy ocupada puede sentirse caótica, interesante, emocionante o desconcertante. Alternativamente, las composiciones simples pueden sentirse tranquilas, a tierra y otras veces demasiado vacías. Una composición armoniosa encaja entre estos dos extremos para crear un sentido de orden. Una composición convincente puede sentirse como una inhalación profunda y exhalación, un momento de pausa y un momento de equilibrio. Algunas composiciones son tan poderosas que llevan a un espectador a quedar cautivado por una obra de arte, perder la noción del tiempo y sentir un profundo sentido de conexión. El tiempo promedio que una persona mira una pieza de arte es de entre 15 y 30 segundos. Pero una composición convincente puede llamar a un espectador a quedarse con la obra de arte durante 15 minutos o 30 minutos o más. ves, cuanto más tiempo nos quedemos con el arte, más podemos descubrir sobre la obra, el significado, y el artista. Todo lo cual nos da un sentido más profundo de conexión. Apuesto a que has tenido un momento como este con una obra de arte en un museo, en una calle de la ciudad, o en tu propia casa que golpeó tan profundamente un acorde, no has podido olvidarlo. Tómese un momento para pensar de nuevo a ese tiempo con esa obra de arte específica. Cierra los ojos y recuerda los colores, los temas importan, la disposición de los elementos en la imagen, quién eras en ese momento en el tiempo, lo que estabas pasando en ese momento de tu vida. ¿ Cómo se relacionaron los elementos de la obra de arte entre sí? ¿ Cómo se relacionaron con usted esos elementos? Apuesto a que muchos de los sentimientos iniciales que experimentaron en ese momento están resurgiendo ahora. Eso es justo lo poderoso que puede ser el arte y la composición. Para mí, el momento del arte que destaca en mi mente es tan claro. Fue cuando visité el Museo Georgia O'Keeffe cuando tenía 13 años. Yo estaba en octavo grado y comenzaba a incursionar en arte en la escuela, pero en realidad nunca creí que pudiera convertirme en artista porque mis dibujos, no eran totalmente realistas. Pensé que el arte tenía que estar arraigado en el realismo. Pero luego en el museo, giré una esquina y vi uno de los dibujos pastel de Georgia O'Keeffe llamado Pedernal 1945. Me detuvo en mis huellas y golpeó algo tan profundo dentro de mí que todas las demás obras de arte parecen caerse de la vista. Estaba cautivada. El trabajo mostró un paisaje, pero mostró el paisaje en el estilo de O'Keeffe desde su perspectiva y enfoque únicos. Este dibujo, no era realista. Fue una obra de contraste en color entre blues y melocotones, en forma entre crestas geométricas de la montaña y el derrapo orgánico curvo de un hueso abstracto. Ese momento todavía me trae escalofríos porque era el momento que necesitaba saber que yo también podía ser artista. Fue un momento que me mostró que el arte no se trata de realismo. Se trata de sentir. Se trata de conexión. Se trata de crear un puente entre creador y espectador por un momento en el tiempo que sea compartido, recordado e influyente. ¿ Te he convencido? Las composiciones convincentes pueden llamar a un espectador a perseguir un sueño, tener una nueva realización, encontrar sanación y disminuir la velocidad para encontrar un sentido más profundo del significado. Cosas bastante poderosas eh. Para comenzar a elaborar tus propias composiciones convincentes a lo largo de esta clase, pregúntate algunas de estas preguntas orientadoras. ¿ Cómo puedo usar estos elementos para guiar mi ojo por toda la obra de arte? ¿ Cómo puedo colocar estos elementos para guiar el ojo del espectador a lo largo de la obra de arte? ¿ Cómo puedo arreglar estos elementos para invitar a alguien a quedarse con la obra de arte? ¿ Cómo puedo transmitir cierto sentimiento o emoción usando estos elementos en la obra de arte? Obtener una composición convincente que clics requiere mucho ensayo y error y experimentación. Habrá un momento en el que estés creando una composición y solo haga clic, como dos piezas de rompecabezas que se juntan. Cuando sientas esto, y lo harás, sabrás que te has encerrado en un arreglo que funciona. Caminaremos por muchos ejercicios en esta clase para practicar composiciones de construcción. Pero ante todo, quiero decir, confía en tus instintos. Escucha esa guía creativa interna que te dice dónde colocar cada elemento en tu dibujo. Tu fe en esos impulsos creativos se fortalecerá con el tiempo y te llevará a elaborar composiciones que se pegan, que son únicas a tu estilo. En la siguiente lección, vamos a hablar de los principales elementos de la composición y cómo incorporarlos a tu obra de arte. 5. Elementos de la composición: En esta lección, lo estamos sacando del estudio y de vuelta al aula para sumergirnos en los elementos de la composición. Considerado como su caja de herramientas para hacer referencia ya que crea sus obras de arte a lo largo del resto de esta clase y en su propia práctica. Esto podría sentirse como una gran cantidad de información porque es algo así, pero no dejes que eso te intimide a medida que comienzas a construir composiciones. No te sientas presionado para incluir cada elemento o preocuparte por equivocarlo. Estos elementos son guías para que hagas referencia cuando te sientas atascado o sientes que a tu composición le falta cierto estilo. Así que solo diviértete, tómalo y experimenta. Agarra un bolígrafo, agarra una hoja de papel y anotemos algunas notas en el aula. Algunos de los principales elementos de la composición son; equilibrio, movimiento , ritmo, que también pueden denominarse repetición y patrón, enfoque, y contraste. Dependiendo de dónde mires, el número de elementos podría ser más que esta lista, pero como muchos elementos pueden trabajar de manera cohesiva juntos, los he combinado para simplificar nuestra exploración hoy. En primer lugar, hablemos de equilibrio. La composición es todo sobre el equilibrio. Se trata de crear un verdadero sentido de armonía entre diferentes elementos en una obra de arte. Cuando se trata de equilibrar, existen tres categorías principales que puedes considerar a la hora de crear tus dibujos: simetría, asimetría y simetría radial. simetría es cuando los elementos de tu dibujo son una imagen espejo a ambos lados del centro de tu página. Si doblaras tu dibujo por la mitad, ¿los elementos encajarían por completo entre sí? simetría puede crear el sentido de una composición muy equilibrada, pero dependiendo del tema, este completo equilibrio reflejado puede sentirse un poco deslustre. asimetría es cuando los dos lados de tu obra no son una imagen espejo, sino que aún se equilibran entre sí por el uso del peso visual. Este equilibrio de peso visual suele depender del elemento de contraste, que discutiremos más en un poco. Este contraste y equilibrio de peso se puede lograr arreglando elementos opuestos a lo largo de tu página; como aclarar oscuro, grueso y delgado, espacio negativo o vacío, y espacio positivo o lleno. Tamaños pequeños y grandes de objetos, sujetos simples y complejos. asimetría se puede usar para crear composiciones que sean visualmente intrigantes porque si bien todavía hay una sensación de equilibrio y armonía entre elementos variables, no es inmediatamente obvio cómo se crea ese equilibrio. El elemento de misterio y descubrimiento puede mantener a un espectador comprometido con trabajo asimétrico el tiempo suficiente para averiguar cómo se está transmitiendo ese sentido de armonía. simetría radial es cuando hay simetría espejada alrededor del eje central. Por ejemplo, una estrella o la estrella superior en un tomate o un pez estrella o un patrón de colcha. simetría radial dentro de una composición puede ser particularmente efectiva en la repetición de patrones, los cuales practicaremos creando más adelante en esta clase. Otro elemento de composición es el movimiento. movimiento dentro de una composición es todo acerca de dirigir el ojo del espectador a través de tu obra de arte de un elemento a otro. composiciones convincentes se forman a partir de una relación de elementos que mantienen el ojo del espectador comprometido a través del movimiento a través de un dibujo o alrededor de un lienzo. El movimiento no sólo se trata de orientación visual, sino que también se trata de transmitir un sentimiento en una obra de arte añadiendo un sentido de energía y actividad. Por ejemplo, en este cuadro, ¿cómo ves que el movimiento está siendo transmitido por el artista? En esta obra ocurren tantos elementos de movimiento. El paraguas de adentro hacia afuera da la sensación de los movimientos de una ráfaga invisible de viento, así como la mujer que intenta atrapar el paraguas antes de que se vaya vuela. Además, su vestido fluye hacia la derecha, lo que amplifica la sensación de movimiento a partir de una fuerte ráfaga de viento. El niño de la izquierda del cuadro está a medio movimiento con niños que parecen ser sus amigos. Ella está señalando y su rodilla izquierda está en una ligera curva lo que hace parecer que está a punto de moverse o correr. Además, las olas del océano parecen chocar contra la playa, amplificando la sensación general de movimiento en un día ventoso. ¿ Se pueden encontrar más elementos de movimiento dentro de este cuadro? Todos estos elementos se unen para crear una obra de arte energizada que está llena de acción. Existen muchas maneras diferentes de transmitir movimiento en una obra de arte. Puedes usar texturas repetidas a través de una obra de arte. Por ejemplo, Van Gogh es conocido por su uso de mentes texturizadas hechas con una gruesa aplicación de pinceladas y pinceladas. También puedes usar el espacio en el Lienzo para transmitir movimiento. Por ejemplo, Lisa Congdon coloca la figura humana en esta obra de arte entre el cielo y el agua usando marcas de salpicaduras para transmitir visualmente que la persona se está moviendo por el espacio. También podrías agregar líneas detrás de un sujeto para mostrarlo moviéndose por el espacio. Esto puede tener un estilo dibujante que de forma rápida y directa transmita dónde se mueve el sujeto dentro de una obra de arte. También puedes crear tensión visual para transmitir movimiento. Esto se puede hacer congelando un momento en el tiempo que visualmente sabemos que no puede durar para siempre. Por ejemplo, en este cuadro de Degas, la bailarina se pone a media pose, pie sobre un pie, inclinando su cuerpo hacia adelante y usando sus brazos para equilibrar. Sabemos que no puede sostener este movimiento suspendido para siempre y así hay un elemento de atención visual que debe caer pronto en un nuevo movimiento. Este método de creación de movimiento medio puede aumentar la sensación de tensión y drama en una obra de arte, lo que lleva a un mayor sentido de intriga y suspenso para el espectador. El siguiente elemento de composición es el ritmo, que también puede pensarse como repetición o patrón. Este elemento se vincula muy directamente al movimiento porque como vimos, la repetición se puede utilizar para crear una sensación de movimiento visual en una obra de arte. Al igual que en la música donde cada canción tiene un ritmo específico, la obra también tiene diferentes ritmos dependiendo del artista, el tema, y el medio. ritmo y la música se crea utilizando un espaciado específico de notas. ritmo en el arte se crea con espaciado de diferentes elementos visuales. Existen cinco tipos principales de ritmo y obra de arte: regular, aleatoria, alterna, fluida, y ritmo progresivo. Un ritmo regular en el arte es aquel en el que los mismos elementos se repiten por igual en cuanto a tamaño, espaciado, color y forma. Este tipo de ritmo puede sentirse muy equilibrado y a tierra en una obra de arte, por ejemplo, los mismos tomates, en este dibujo, al mismo color, al mismo tamaño, en la misma forma, todos espaciados regularmente a través de este diapositiva. El ritmo aleatorio, por otro lado, es cuando los mismos elementos se utilizan varias veces pero sin un orden o arreglo medido. Por ejemplo, en este cuadro, Autumn Rhythm, Jackson Pollock utilizan los mismos elementos de pintura salpicada, pero sin un arreglo planeado. El ritmo alterno es cuando dos o más elementos se repiten cada dos vueltas. Se podría pensar en un tablero de ajedrez o un tablero de ajedrez, o en este ejemplo, la sección transversal de la remolacha, ven los colores del blanco y el rosa alternando con cada círculo irradiante. ritmo que fluye da la sensación de movimiento elegante y suave través de una obra de arte podría hacer al uso de elementos orgánicos o curvos. Por ejemplo, el uso de espirales de Klimts en este cuadro, Árbol de la Vida, lleva el ojo vívidamente a través de la obra de arte. ritmo progresivo en la ilustración es el uso de elementos repetitivos que cambian en una sola característica, como el tamaño o el color a lo largo de un patrón. Por ejemplo, en esta obra de Andy Goldsworthy, el guijarro se hace más grande a medida que circula hacia afuera desde el centro de la espiral. Entonces el tamaño cambia, pero el sujeto no. El ritmo progresivo puede ser drástico y dramático o lento y sutil. Por ejemplo, el cambio de valor entre estos tres cuadrados es bastante rápido y por lo tanto dramático, pero el cambio en valor del mismo color o tono a través de 10 cuadrados es más gradual y sutil. Enfoque, o punto focal es otro enorme elemento de composición. El foco es donde la mayor parte de la atención de un espectador va dentro de una obra de arte. Esto podría ser lo primero que se siente atraído al espectador, el tema al que el ojo del espectador sigue regresando mientras se mueve alrededor del arte o el mensaje principal de la obra. Piensa en cuando te absorbes tanto en un proyecto que pierdes la noción del tiempo y estás completamente enfocado en la tarea en cuestión, repente miras hacia arriba y te das cuenta de que han pasado 30 minutos, una hora o más. Este es el poder del enfoque en la composición también, pueden llevar al espectador a quedarse con la obra. foco se puede crear de diversas maneras incluyendo tamaño, color, aislamiento, creando un sentido de lo inusual, por ejemplo, un círculo en medio de un grupo de cuadrados, así como una herramienta llamada subordinación, que utiliza elementos de apoyo para llamar la atención y destacar al punto focal. Esto, se puede pensar en ello como personajes de apoyo en una novela al protagonista principal. Esencialmente, subordinación significa restar importancia a todos los elementos de la obra de arte distintos del punto focal para llamar la atención sobre ese punto focal. Por lo que la subordinación también puede considerarse como énfasis. enfoque se puede aplicar al realismo en la ilustración en la que un sujeto es reconocible, o se puede aplicar a la abstracción en la ilustración en la que los elementos se separan del realismo y son más representacionales, por ejemplo, una geométrica patrón. este anuncio de VW se ve un ejemplo de una forma sencilla pero poderosa de crear foco. El auto se coloca en un mar de espacio negativo. El auto se convierte en el principal punto focal porque está aislado en el espacio, ningún otro elemento está distrayendo del sujeto. El auto es los puntos de venta y eso se enfatiza al ser el único tema aparte del texto de los anuncios. El ojo del espectador sabe exactamente a dónde ir, sin confusión, sin alboroto, solo enfocarse. Ejemplo de subordinación es esta sencilla ilustración de tomate. Un tomate se rellena con el color rojo, todos los demás tomates son solo contornos. Esto permite que estas formas se desvanezcan en el fondo y por lo tanto llamar más atención y énfasis y enfoque al tomate rellenado en el frente. El enfoque ayuda a crear una composición convincente porque muestra claramente al espectador dónde mirar, lo que transmite claridad e impacto. Otro ejemplo de enfoque y composición convincente se encuentra en este cuadro, Christina's World, de Andrew Wyeth, pintado en 1948. Observe a dónde va su ojo primero en esta obra de arte. Una forma de probar esto, y hagámoslo juntos, es cerrar los ojos. Ahora, poco a poco comienza a abrirlos y toma nota de dónde van tus ojos primero, dónde van de inmediato. Es bastante probable que tus ojos primero vayan a la mujer, Christina. ¿ Por qué la convierte en el punto focal? Para empezar, el color de su vestido es rosado, que se encuentra en marcado contraste con el resto de la paleta de colores apagada de la pintura. También se encuentra en primer plano o más cerca del espectador que cualquiera de los demás elementos de la pintura, por lo tanto, es el tema más grande de todos los elementos de la obra. Además, está a medio movimiento, lo que crea el sentido de atención visual que discutimos antes. Piensa por un momento si estabas en su posición, medio camino del suelo, apoyada sólo por tus brazos como si estuvieras a punto de jalarte hacia adelante. Es este aliento de un momento entre acciones lo que crea esa tensión. Por qué es inspiración para la mujer en este cuadro fue una mujer llamada Anna Olson que vivía en una granja en principal. Olson tuvo un trastorno muscular degenerativo que le quitó su capacidad para caminar a finales de los años 20. Ella se negó a usar una silla de ruedas y así se arrastró por los terrenos. Por lo que aquí se representa a la mujer en medio de su movimiento en ese momento de tensión justo antes de que se vuelva a tirar hacia adelante. Al igual que en el ejemplo de la bailarina Degas, el artista aquí crea un momento de atención visual a través del movimiento congelado en el tiempo. El movimiento que el espectador anticipa a cambiar en cualquier momento. Ahora bien, el punto focal en este cuadro es muy interesante porque sólo juega un papel en la composición general. A pesar de que tu ojo primero aterriza en la mujer, observa a dónde va a continuación. Ella está contemplando la distancia a lo largo una línea diagonal implícita o imaginaria hacia la distante casa de campo. Naturalmente, con curiosidad, eso nos lleva como espectadores a contemplar también esa lejana casa de campo. Entonces, ¿a dónde va tu ojo? Probable a la izquierda, a la otra casa de campo o granero en el cuadro. Entonces, ¿a dónde va tu ojo? De vuelta al punto focal inicial, la mujer en rosa. Estos tres elementos principales de la pintura forman una composición triangular dentro del lienzo, que es una forma muy poderosa de mapear elementos en tu propia obra de arte. Similar a la regla de los tercios, que discutiremos en la siguiente lección, el triángulo puede crear una sensación de intriga y movimiento continuo a lo largo de una obra de arte, en lugar de sentirse visualmente atascado o estancado . Además, las líneas diagonales implícitas pueden acrecentar el sentido de movimiento y energía en una obra de arte más que las líneas horizontales o verticales implícitas. Por ejemplo, en este cuadro se puede ver la línea horizontal con la hierba, y mientras tu ojo eventualmente podría seguir esa línea a través de la obra, las líneas diagonales implícitas del triángulo son más fuertes y toman los primeros momentos de atención y movimiento visual. Otro elemento que hace de la pintura de Wyeth una composición convincente, es que incorpora espacio para equilibrar los principales elementos de la obra. En lugar de llenar cada pulgada del lienzo con edificios o más personas, hay una amplitud de terreno que da espacio para respirar al ojo. De hecho, es posible que encuentres que después de recorrer el triángulo implícito entre los tres elementos principales de la obra, tu ojo vaga hacia ese espacio para seguir la curva del pastizal horizontalmente, sobre las huellas de llantas y fuera del lona, sólo para volver a ser llevada al lienzo por el poderoso contraste del color del vestido de Christina, el tamaño de su figura y su momento entre movimientos. El espacio es tan importante para darle al ojo un lugar donde descansar en medio del movimiento alrededor de una composición. Al determinar el punto focal en una obra de arte, otra forma de encontrarlo es tomar nota de dónde sigue regresando tu ojo. Por lo que tan pronto como tu ojo se mueva de Christina a la casa de campo, intenta mantener los ojos solo en la casa de campo, sin moverte a ningún otro lugar del cuadro. Mi conjetura es que el rosa de su vestido y el tamaño de su forma en primer plano está llamando a tu ojo a retroceder hacia ella como el personaje principal en esta escena, sea por el triángulo que ya discutimos o hacia atrás por esa línea diagonal que viajaste para llegar a la casa de campo. medida que construyes composiciones a lo largo de esta clase y miras otros ejemplos de ilustraciones, observa si algún elemento te distrae del punto focal previsto. Estos elementos pueden alejar tu ojo del foco, lo cual puede ser confuso y dejar al espectador sintiéndose incierto de dónde mirar. Por lo general, no quieres esta sensación de distracción o elementos que compiten en una composición a menos que sea con el propósito de aumentar la atención visual, o transmitir un mensaje específico como mareos o caos. Pero como discutiremos en la siguiente sección, estas reglas se pueden romper y jugar con, así que confía en ti mismo y experimenta. Ya hemos mencionado el contraste un poco en los elementos anteriores de composición. Es una herramienta tan poderosa para crear esa tensión que hemos estado discutiendo, para hacer una obra de arte realmente atractiva visualmente. El contraste es como el drama. Es donde, contraste de color, o valor como claro y oscuro, tamaño, materia, textura como lisa y rugosa, y forma, geométrica y orgánica o curvada. Todos esos son ejemplos de contraste. Una nota rápida sobre el color. El color es increíblemente importante para el contraste en el arte. De hecho, es tan importante que mi próxima clase aquí en cuota de habilidad sea todo sobre el color, así que tómate eso tan pronto como esté disponible. Pero para los propósitos de esta clase, no vamos a sumergirnos demasiado en ese tema, y en cambio continuaremos centrándonos en dibujos en blanco y negro, para desarrollar nuestras habilidades en composición. Otros elementos a considerar a la hora de construir tu obra de arte, y la composición son el espacio , como mencioné, puede referirse tanto al espacio positivo o lleno, espacio negativo o vacío. Hablamos de espacio brevemente con movimientos y también en el ejemplo de Christina's World. El uso del espacio, y cómo se colocan los elementos dentro ese espacio son cruciales para una composición convincente. Por ejemplo, el anuncio Think Small, alternativamente, en la “Noche estrellada” de Van Gogh, hay mucho movimiento, y gran parte del lienzo está lleno de marcas de pintura texturizada. El flujo de estas marcas y la repetición, crea un camino fluido para que el ojo siga, pero hay mucho menos uso del espacio vacío y negativo para que el ojo descanse. Boundaries' una poderosa herramienta para guiar la colocación de los elementos dentro de tu composición. Un límite podría ser los bordes de un lienzo, los bordes de tu papel, un marco rectangular tradicional, o podría ser una forma irregular que cortes de papel. El límite puede ser la primera pista en tu mapa creativo para cómo colocar los elementos de tu dibujo. Los límites a veces pueden sentirse restrictivos, pero recuerda que los límites generan creatividad. Hay algunas formas de considerar cómo trabajar con ellos al construir tus ilustraciones. Por ejemplo, podría colocar todos sus elementos dentro de los límites dados para que toda la imagen visual esté contenida dentro del espacio. O podría hacer que ciertos elementos se salgan de la página, o que se ejecuten fuera del límite. Esto puede ser realmente visualmente interesante, y una táctica que lleva al espectador dentro y fuera de la obra, causando más movimiento en la pieza. Por último, podrías incorporar el límite, dependiendo de lo que sea, a tu obra general de arte. Por ejemplo, algunos pintores como Georgia O'Keeffe, ocasionalmente pintarían sus marcos para que coincidieran con su pintura. De esta manera, el marco, o el límite se convierte en parte de la ilustración para formar un todo completo. Añadiendo a esa armonía general de la composición, más que el marco o límite que distrae de las imágenes de la obra. Con la ilustración, se puede pensar en incorporar su límite en su dibujo de algunas maneras. Por ejemplo, si estás trabajando en un dibujo en blanco y negro para una impresión artística tradicional que pretendes enmarcar, podrías seleccionar un marco blanco que prácticamente se mezcla con tu papel, por lo que hay una transición perfecta en entre el dibujo y ese marco. O si estás trabajando en una ilustración tanto para la parte frontal como trasera de una portada de libro o revista, podrías jugar envolviendo parte de tu imagen desde el frente, a través de la columna vertebral y hacia atrás, que hay una transición sin fisuras entre los diferentes espacios del límite de la cubierta. O podría enfatizar la frontera en una obra de arte para crear un elemento adicional de interés. Esto podría lograrse agregando una ilustración alrededor del borde de la obra como vides, o flores, o un patrón geométrico abstracto. También se podría crear un borde que sea apenas espacio negativo, para darle más espacio de respiración a la obra. Esto puede agregar más atención y centrarse en el tema. Como ves con este borde blanco alrededor del suelo abstracto Ilustración. Estas son solo algunas ideas para que te pongas en marcha sobre cómo las fronteras y los límites juegan un papel importante en la creación de tus composiciones, y pueden crear diseños aún más convincentes de tu obra de arte. Ya sea que una composición se sienta ocupada o simple, depende de algunos de los elementos que ya discutimos, incluidos los movimientos. Por ejemplo, mucho movimiento puede sentirse realmente agitado. Espacio. El trabajo de arte con muchos elementos y ningún espacio negativo o en blanco puede sentirse ocupado. obras de arte con demasiado espacio negativo pueden sentirse planas, o poco interesantes. Ritmo. Por ejemplo, el ritmo aleatorio de los elementos fortuitos puede sentirse realmente ocupado, un ritmo equilibrado del mismo elemento puede sentir conexión a tierra, o a veces demasiado simple. Nuevamente, todo se trata de encontrar el equilibrio entre extremos para transmitir la sensación que quieres comunicarte con tu arte. Por ejemplo, podrías estar creando una ilustración de una calle de ciudad en, digamos, Nueva York, y quieres capturar la energía activa que ves. Si ese es el caso, entonces querrías maximizar el uso del movimiento, espacio positivo y lleno, y el ritmo bullicioso de muchos elementos dentro del trabajo, ya sean personas, bicicletas, autos, food trucks o todo lo anterior. Por otro lado, quizá estés queriendo crear un dibujo que le dé a tu espectador una sensación de paz y calma. Podría inspirarse en la amplitud de un jardín a la luz de madrugada. En este caso, querrías incluir menos elementos con mayor enfoque en el espacio negativo, dándole al ojo un lugar para descansar, produciendo un ritmo general más lento entre los elementos de la obra para transmitir un lento y sensación de calma. El modo en que coloques los elementos juntos transmitirá inevitablemente cierta emoción, o mensaje. Considera qué es eso, y qué tono deseas compartir con tu espectador. A medida que avanzamos, probablemente usarás muchos elementos diferentes de esta lista en tus composiciones, todo con el objetivo de crear ese sentido de equilibrio, unidad, y armonía. A medida que avanzamos, recuerda que algunas preguntas útiles que hacer cuando observas y construyes tu trabajo son, ¿cómo los elementos llevan mi ojo a lo largo de la obra? ¿ Los elementos me invitan a permanecer en el trabajo, o les falta equilibrio e interés? ¿ Algo se siente fuera de lugar? ¿ O todo encaja armoniosamente? De nuevo, cuando haga clic, lo sabrás. Es como un pequeño clic en el corazón o aleteo cuando has colocado un elemento y de repente todo fluye. No te desanimes Si no lo sientes, muchas veces, viene después de la frustración, después de la prueba y el error, y después de alejarte de tu trabajo el tiempo suficiente para regresar más tarde con ojos frescos. Cuando llego a ese punto de frustración, muchas veces me gusta dar un paseo en la naturaleza, y volver a mirar el trabajo, y encontraré una nueva solución, un nuevo paso que dar. Sigue trabajando con él hasta que encuentres ese equilibrio, y sabes que aprenderás de cada composición que hagas. En la siguiente lección, vamos a hablar de las reglas tradicionales de cuenta-a-cita de la composición, y por supuesto, cuándo romperlas. 6. Reglas de composición: Nos vamos a sumergir en algunas reglas tradicionales de composición. Pero primero, quiero compartir que si bien las reglas son útiles, definitivamente hay momentos en los que están destinados a romperse. Pero es muy útil aprender las reglas, saber cuáles romper, y cuándo a medida que desarrollas tu propio estilo creativo. Georgia O'Keeffe y Picasso fueron dos de muchos artistas que desarrollaron una sólida base de las reglas del arte y tuvieron formación tradicional. Pero luego forjaron su propio camino usando ese conocimiento como punto de partida, pero lo rompieron por sus propias visiones creativas del mundo, razón por la cual todavía hablamos hoy de su obra. Picasso dijo: “Aprende las reglas como un profesional para que puedas romperlas como un artista”. Eso es lo que haremos. Ten esto en cuenta mientras repasamos algunas reglas tradicionales de composición a considerar. Para empezar, la regla de los tercios es una directriz que utiliza una cuadrícula de nueve cuadrados iguales dentro de un límite. Estos cuadrados están formados por dos líneas verticales igualmente espaciadas y dos líneas horizontales igualmente espaciadas. La regla es que los elementos más importantes una composición deben colocarse a lo largo de estas líneas y en la intersección de las mismas. Esto ayuda a crear más tensión e intriga en una composición en lugar de si los sujetos estuvieran centrados justo en el medio. Se aplica la regla del espacio para crear un sentido de movimiento, energía, o resolución en una obra de arte. Se trata de incorporar ese espacio negativo del que hablamos en torno a tu tema. Esto aplica si tienes un tema central, pero también puede funcionar en patrones de repetición. Esta regla indica que el espacio negativo puede llamar más atención sobre su tema, proporcionar ese espacio de respiración que discutimos y amplificar el sentido del movimiento dentro de su obra. Puede darle al ojo del espectador ese lugar para descansar y permitir que pasen más tiempo con tu dibujo. simplificación se trata de reducir la cantidad de detalle dentro de una obra de arte para llegar a los elementos esenciales. Esto también se puede cortar como cuándo parar con el dibujo, lo que realmente puede ser un reto porque a menudo es tentador seguir trabajando y reelaborando una pieza hasta que sea perfecta. No obstante, a veces más simple puede ser mejor. Georgia O'Keeffe dijo: “Los detalles son confusos. Es sólo por selección, por eliminación, por énfasis que podemos llegar al verdadero significado de las cosas. Recuerda, realmente estamos tratando de transmitir la emoción y el sentimiento en la obra de arte, y a veces reducir la distracción del detalle puede ayudar a hacerlo. La simplificación es esa idea. Menos es más y ese mensaje puede comunicarse poderosamente con menos detalles. Se necesita práctica, confianza, y vulnerabilidad atrevida. En realidad puede ser realmente complejo lograr la simplicidad porque es una tendencia humana a querer llenar espacios vacíos. Ya sea un estante vacío en un nuevo hogar, silencio en una conversación, o un lienzo en un estudio. No obstante, hay sentido y poder a la simplicidad, así que sumérgete en ella. Para más sobre reducción de detalle y simplicidad de elaboración, puedes visitar mi clase, “Cómo Dibujar: Línea de Aprendizaje”. Todas estas reglas son como recetas cuando estás aprendiendo a cocinar. Al principio, puedes empezar con libros de cocina, pero a medida que practicas a partir de las pautas de diferentes platillos, aprenderás qué especias van bien juntas naturalmente. Qué verduras emparejan bien, y tal vez lo más importante, tu propia paleta y gustos únicos. Quizás, prefieres tus comidas un poco más picantes de lo que llaman las recetas, o no te gusta un cierto sabor en absoluto, así que simplemente lo dejas fuera. Lo mismo pasa cuando estás creando arte. Empieza con las reglas o las recetas, encuentra lo que amas y lo que no cavas totalmente. Empieza a desviarte de la receta para experimentar con confianza con tu propio estilo. En la siguiente lección, echaremos un vistazo a algunos ejemplos de composición y hablaremos sobre cómo mejorar la sensación de equilibrio en una obra de arte. 7. Cómo hacer composiciones exitosas: Una cosa es hablar de teoría y otra implementar elementos en acción. Gran parte de la composición se trata de práctica, ensayo y error, aprender a medida que avanza. Encontrarás lo que te gusta y aprenderás cómo diferentes elementos pueden encajar para transmitir esa armonía y equilibrio. Personalmente creo que no hay bien ni mal en la obra de arte, sólo diferentes enfoques y estilos y preferencias. A medida que creas, en lugar de preguntar, ¿estoy haciendo esto bien? Mejores preguntas que hacer son, ¿funciona esto? ¿ Esto está creando equilibrio y unidad? ¿ Este es mi estilo? ¿Es esto lo que me gusta? Echemos un vistazo a algunos ejemplos de diferentes composiciones, incluyendo las que se pueden mejorar. medida que pasamos por estos, presta atención a cuando sientas ese click de pieza de rompecabezas del que hablamos. Esta es tu pista de las composiciones que te parecen convincentes. Mira los elementos que hemos discutido en estas obras de arte y observa cómo puedes incorporarlos a tus propios dibujos. Por ejemplo, cuando miramos esta ilustración, se puede ver que hay una sensación de movimiento creada verticalmente por la colocación de las manzanas. Hay una ligera curva hacia las manzanas, lo que lleva el ojo desde este más grande hacia abajo a través de este patrón hasta el más grande aquí abajo. También hay una sensación de alternancia de ritmo debido a estos dos colores; el rojo más oscuro y luego este rosa realmente claro, así que ahí está pasando una bonita sensación del ritmo. No obstante, hay un momento de interés porque hay esta manzana extra tirada. Si tomas tu dedo y cubres esa manzana con tu pulgar, puedes imaginar cómo sería esta composición sin ese tema. Eso crea un poco de sentido de equilibrio asimétrico, porque hay esta manzana extra offset de esta mina principal de manzanas. Eso solo crea un poco más de intriga y ayuda al ojo del espectador a llevar por esta sección de las manzanas así como a salir de la página aquí. Otro elemento del que vemos que hablaremos más con nuestro proyecto de clase en la portada del libro de cocina es este texto aquí mismo. El texto puede ser parte de una composición incorporada con los elementos de las imágenes. Este texto se convierte en parte del punto focal de esta obra porque las manzanas se colocan a su alrededor en este medio semicírculo, y eso es casi como si estuviera acunando el texto para llamar la atención allí también. Otro lugar y fuente que me encanta ir por inspiración para la composición y el diseño es la comida y la naturaleza. Cuando me siento particularmente atascado en una obra de arte e ilustración, me gusta ir a batir una comida rápida y solo tomarme tiempo mientras cocino para observar realmente mi comida. Si estoy cortando una col rizada o arrancando algo de lechuga, realmente miro ese tema y busco los elementos de diseño y composición de los que estamos hablando hoy. O podría ir a dar un paseo y buscar plantas y buscar evidencias de diseño en mi entorno natural. Te animo a que hagas eso también, si te sientes atascado o incluso solo buscas inspiración. Muchos de los elementos de diseño y composición de los que estamos hablando se encuentran a nuestro alrededor todos los días, sobre todo en la comida y el mundo natural. Por ejemplo, cuando nos fijamos en esta rebanada naranja de primer plano, tengo curiosidad por qué elementos de composición se ven. Tan solo tómate un momento para mirarlo y después cuéntame más o anota los elementos que hemos discutido, ya sea movimiento de punto focal, equilibrio, ritmo. Cuando miro esto, mi ojo es inmediatamente atraído hacia esta forma de estrella central, por lo que eso se convierte en el punto focal de esta composición. Pero entonces, mi ojo sigue estas líneas hacia afuera hacia el borde de esta fotografía, para que eso se convierta en una sensación de movimiento, sobre todo con estas líneas que son más curvas y orgánicas dentro de cada rebanada. Hay una agradable sensación de contraste ocurriendo entre estas líneas lineales rectas de esta rebanada y las líneas internas que son curvas y orgánicas. Eso crea una agradable sensación de contraste. También hay una sensación de equilibrio, porque si cortamos esto a la mitad justo aquí, sería bastante simétrico, doblado por la mitad. Todos esos elementos de competencia están entrando en juego. ¿ Hay algo más que veas o algo más que encuentres? Si es así, por favor suéltalos en la sección de discusión porque me encantaría escuchar sus observaciones. Otro ejemplo se puede encontrar en las hojas de espinacas. Esto es de una granja local, y me encanta particularmente esta variedad de espinacas, espinaca Bloomsdale, porque es tan deliciosa con las líneas. Es como un dibujo de líneas, una obra de arte. Lo que puedes ver aquí es que estas líneas son como líneas de cresta o como pequeñas colinas en las cimas de las montañas. Son como hendiduras en las que podrías entrar. Cuando miramos esto, no es totalmente simétrico. Eso es lo que me encanta de cada hoja de Bloomsdale, es que todos son muy únicos y se rizan alrededor de sí mismos de diferentes maneras. Pero lo que sí pasa es que la línea central es la línea más gruesa que podemos ver, y así eso se convierte en algo así como un punto focal en esta hoja de espinacas, y crea una sensación de equilibrio también, porque nos pide doblar visualmente esta hoja sobre esa línea, dóblala sobre sí misma. No hay simetría total, pero hay una sensación de equilibrio a ambos lados de la línea. Lo que pasa, desde enfocarse en esta línea más gruesa, es que al igual que en la rebanada naranja, nuestro ojo empieza a seguir estas otras líneas irradiando hacia los bordes de la hoja. Podemos seguir esas líneas por toda la superficie de esta hoja y movernos alrededor de esta obra como si se tratara de una composición. Ahora bien, no hay color contrastante ocurriendo entre diferentes colores, y luego nos sumergimos más en el color en una clase diferente, pero sí quiero tocar eso. Todo esto es verde, es una espinaca verde hojas, pero se puede ver cómo hay diferentes valores y tonos de verde sucediendo en esta hoja por la iluminación. Eso está bien porque eso empieza a jugar con cuántos colores puedes obtener de un solo color, y cómo aún puede haber contraste entre un tono realmente claro, casi blanco, de verde todo el camino a estos profundos oscuros, casi negro, tonos de verde. Hablemos brevemente de cómo mejorar ciertas composiciones. Yo estaba trabajando en esta ilustración de suelo, una abstracción de primer plano del suelo. Cuando estaba trabajando en este patrón, estaba dibujando cada pieza individualmente, y me detuve aquí por un momento porque realmente me preguntaba, ¿quiero dejar esta sala de respiración alrededor del patrón? ¿ Quiero dejar estos espacios en blanco en blanco? Pensé en hacer eso por un tiempo, pero luego volví a la pregunta que les estoy animando a que hagan, que es, ¿qué sentimiento quiero transmitir al espectador? Lo que realmente quería pasar con la interacción con este trabajo, fue que quería que el espectador se sintiera como si estuvieran totalmente absorbidos en esta sección, este único parche de suelo. Yo quería que la obra de arte sintiera como si fuera una vista microscópica, como si estuvieras mirando a través de un microscopio a una sección del suelo y pareciera totalmente casi como si tuvieras anteojeras puestas, como si estuvieras justo en ese espacio. Decidí tirarlo hacia los bordes completos del papel, así que continué el patrón hasta los bordes. Pero entonces lo que hice cuando me preparé para hacer de esto una impresión a la venta, ya que sí agregué un borde blanco alrededor del borde. Eso hago a veces, sobre todo si es un relevo para estampados estampados, solo una impresión de arte a la venta. Yo sí agrego este borde a veces solo por un poco de espacio de respiración visual, pesar de que no hay mucho espacio negativo en la propia obra de arte. A veces me gusta añadirlo alrededor de los bordes solo para dar un respiro y aplausos. Este es otro ejemplo de pensar en la composición y cómo mejorarla y realmente estar en medio del proceso. Entonces dibujé esta ilustración de frambuesas hace unos años, y he dibujado algunos elementos, hay uno más que verás en un momento. Pero yo jugué con solo cosechar en estos dos, la frambuesa reducida a la mitad y la frambuesa completa. Pero realmente sentí que faltaba algo y así carecía de sentido de interés y del equilibrio que buscaba, así que recorté de nuevo al dibujo inicial que incluía esta sección transversal ampliada. Ahora, lo interesante de este trabajo es que esto no es realismo. Quiero decir que la sección transversal de una frambuesa no sería más grande que la frambuesa misma. Pero me gustó mucho acercarme y mirar la abstracción y ser funky y raro y salvaje con ella y convertirla en la porción más grande del dibujo. Habiéndose reunido en la base de este dibujo, realmente equilibró los otros dos elementos más pequeños. Por aquí, cuando acabo de cortar en estos dos, son aproximadamente iguales en tamaño. Son bastante similares en tamaño, así que ese no era el interés que buscaba, y agregar esta pieza más grande al fondo realmente dio más el equilibrio que buscaba en la composición. Cuando lo ilustré por primera vez, sí permití que las ilustraciones se salieran de la página, y me gusta hacerlo a veces para que el ojo de los espectadores pueda viajar por el borde de un dibujo específico y luego volver a rodear. Entonces eso es lo que hice aquí. En Christina's World, de nuevo, vemos al punto focal entrar en juego aquí con su cuerpo, siendo su forma en primer plano el tema más grande de la pintura. También tenemos una sensación de movimiento ocurriendo en base a dónde se colocan los elementos a lo largo de la pintura. En Starry Night, tenemos una agradable sensación de movimiento basada en los trazos de pincel que Van Gogh ha aplicado al Canvas. Por lo que sus trazos de pincel texturizado que realmente crean este fluido fluyendo ritmo a la obra de arte, un fluido movimiento orgánico que fluye. No pasa mucho espacio negativo en esta composición, pero sigue siendo bastante común porque nuestro ojo se puede mover realmente fluidamente por todo el Canvas. En este diseño de patrón de superficie de Elena Wilken, a quien tanto amo su trabajo. Este es un patrón que se repite. Con el diseño de patrón de superficie, lugar de que nuestro ojo descansando solo en un punto focal, continúa moviéndose a lo largo de todo el patrón. Este patrón podría estar en papel tapiz o en una tela o en una envoltura de regalo. Por lo que se pide a nuestro ojo que permanezca en ritmo y en movimiento. Entonces, cuando estás pensando en crear un diseño repetitivo, es importante pensar en cómo tirar de elementos de composición que contienen intriga e interés sin ser demasiado abrumador. En este trabajo con los girasoles, el girasol es el tema y aquí está pasando una agradable sensación del ritmo. Pero en lugar de Elena usando el mismo tamaño exacto y el mismo ángulo exacto de cada cabeza de girasol, ella ha variado los tamaños, y ella también está, en esta, puede ver cómo ha girado algunas de las hojas en tan es como si la cabeza de girasol estuviera en ángulo. Eso crea un poco más interesado en el movimiento de nuestro ojo desde los diferentes tamaños y los diferentes ángulos del girasol, a diferencia de si todo fuera sólo el tamaño y la forma repetida exactamente igual a través. También tiene algún buen uso del espacio negativo porque si entrecerras en este trabajo, comienzas a ver ese fondo blanco roto brillar a través. Pero lo que Elena ha hecho aquí también es agregar un poco más de interés con estos elementos botánicos, florales, encajados en ese espacio negativo. Eso agrega un poco más de intriga que si esos se hubieran ido por completo. Nuevamente, al igual que hicimos con la manzana, es este es un consejo divertido y un juego divertido para jugar cuando estás mirando obras de arte, es usar tu dedo o tu mano solo para tapar algunas porciones de la obra para ver cómo cambia tu ojo y la interacción de tu ojo con la obra de arte. ¿ Cómo cambia la sensación de la composición? ¿ Cómo se mueve tu ojo de manera diferente cuando esos elementos están cubiertos? Eso puede ser un ejercicio realmente bueno cuando estás creando tus propias composiciones para averiguar qué elementos están funcionando realmente y qué podría quedar fuera. Algo más que Elena ha hecho aquí es que no está incluyendo cada detalle que podrías ver en un girasol. Ella realmente está mirando el tema y convirtiéndolo en su propio estilo, y una de las formas en que lo está haciendo es eliminar detalles y avanzar hacia la simplicidad. Eso ayuda a disminuir lo que podría ser demasiado caótico de un patrón repetitivo. Cuando hay menos detalle, puede darle a nuestros ojos más momentos para descansar a lo largo del movimiento de esta repetición. Este es otro patrón repetido por el mismo artista, y esto es bastante diferente como podemos ver. Este trabajo se siente un poco más ocupado. Pero ocupado en una composición no es necesariamente algo malo. Puede ser realmente enérgico y juguetón y divertido. Entonces lo que Elena ha hecho aquí es que ha encogido algunos de estos elementos florales. No son tan grandes como las cabezas de girasol. Gran parte de esto son más pequeños y así que todos son hadas mucho del mismo tamaño, o están en ese mismo rango de tallas aquí. Están realmente unidos así que no pasa mucho espacio negativo o respiración, pero le da a la pieza una sensación de alegría más que de caos. Una de las formas en que está creando esa juguetona es el uso del color, la forma en que está organizando y posicionando cada una de estas formas, así que algunas están mirando hacia arriba, otras hacia abajo, ahí todas van diferentes direcciones. Otra cosa que sucede y que se puede pensar en construir un patrón y usar elementos de composición es que en una pieza que está más llena como esta y más ocupada, se puede proporcionar al ojo un ancla o una sensación de tierra por realmente jugando fuera de la repetición. Entonces en un patrón de superficie, hay una repetición, y cuando lo buscas, puedes empezar a encontrarlo. Aquí vemos estos dos elementos de flores rojas. Aquí las vemos repetidas. Por lo que puedes mirar aquí arriba y ver este elemento de flor gris repetido aquí. Eso en realidad le da la esencia del ojo de la conexión a tierra y ese sentido del ritmo del que hablamos en una composición, porque es como un ritmo, es como uno, dos, y si esto fuera una pieza más larga de tela, podríamos decir tres, cuatro. Por lo que en medio del ajetreo y en medio del espacio lleno, nuestro ojo tiene un lugar para volver a crear ese sentido del ritmo y la consistencia. Nuevamente, volver al equilibrio, eso puede ayudar a equilibrar más espacios llenos en la composición. Por supuesto Elena está usando color aquí para sumar a la alegría con los rojos, pero también está bajando eso con estos agradables grises neutros y estos amarillos dorados más tranquilos. Por lo que está creando una agradable sensación de equilibrio con el color, y realmente simplemente haciendo de esta una composición muy juguetona y usando el posicionamiento de todos los elementos para crear una sensación de movimiento. En la siguiente lección, vamos a hacer una herramienta que pueda llevar a descubrimientos de composiciones en tu entorno cotidiano. Vas a ver el mundo de una manera completamente nueva. 8. Visor de bolsillo: Esta lección es un pro tip que quiero compartir contigo para que puedas empezar a mirar tu entorno en materias con una perspectiva fresca. Es realmente fácil que nuestros cerebros se atasquen en cómo pensamos que se ve algo. Por ejemplo, cuando digo flor, puede que te venga a la mente una imagen genérica de una flor. Pero cuando realmente te acerques y personales con el tema, comenzarás a descubrir unos nuevos detalles que son visualmente intrigante. Puede ser realmente desafiante salir de nuestra forma tradicional de ver para ver algo familiar con nuevos ojos. Pero esta herramienta que estoy a punto de compartir te ayuda a hacer justamente eso. En esta lección, vamos a crear un visor que puedes llevar contigo en paseos por tu barrio, cuando salgas a mandados, o simplemente en casa para empezar a ver nuevas composiciones a tu alrededor todo el tiempo. Para empezar, agarra una hoja de papel en blanco o papel de construcción y tus tijeras. Corta una hendidura en una porción de tu papel, y luego desliza tus tijeras en esta hendidura para cortar un rectángulo. Puedes hacer este rectángulo delgado o grueso, pero te recomendaría no hacerlo demasiado grande. Aquí, tengo este rectángulo cortado del papel, y ahora voy a cortar un límite cuadrado a su alrededor para deshacerme de parte del exceso. Puedes guardar ese exceso de papel para futuros bocetos. Ahora, tengo un visor. Esta herramienta mirando el mundo a través de una cámara. Empieza a sostener tu visor a la altura del brazo y mira alrededor de la habitación en la que te encuentras actualmente. Acomodarse en un tema y míralo a través de esta herramienta. Mueve el visor a la izquierda, y a la derecha, y arriba, y abajo para capturar diferentes porciones de este sujeto. Observe cómo este único tema que está observando puede llenar el rectángulo de muchas maneras diferentes. Con este ejercicio, se llega a observar muchas composiciones diferentes a tu alrededor que pueden servir como oportunidades de aprendizaje e inspiración para tus ilustraciones. Así que lleva tu visor alrededor tu casa y practica mirando a través de ella a diferentes temas. Llévelo contigo en un paseo para ver temas naturales con una nueva perspectiva también. Simplemente toma nota de cómo estos diferentes sujetos llenan el visor y mueve tu ojo a través del rectángulo. Observe qué instantáneas crean composiciones convincentes llenas de intereses y cuáles caen planas. Simplemente anota estas observaciones en tu cuaderno de bocetos para referirnos a medida que nos sumergimos en más ejercicios. En la siguiente lección, vamos a discutir mis principales consejos para comenzar a construir tu composición. 9. Consejos para crear una composición: Estamos a punto de sumergirnos con bolígrafo y papel en el próximo ejercicio, pero quiero compartir algunos consejos que pueden ayudarte a sentar las bases para construir esa composición. A pesar de que el color juega un papel importante en la construcción de una composición, es un tema que requiere totalmente su propia clase, así que recomiendo para los propósitos de esta clase en particular, solo apégate al dibujo de líneas y no te preocupes por el color todavía. Si quieres aprender más sobre el dibujo de líneas, puedes visitar mi clase, Cómo dibujar: línea de aprendizaje y también la clase de Peggy Dean Botanical Line Drawing. Los dibujos de líneas son un gran lugar para empezar, porque puedes construir tu dibujo a partir de este único paso fundacional. Por cada dibujo que creo, me gusta construir los elementos uno por uno. Por ejemplo, en lugar de dibujar algunas líneas y agregar sombreado y luego dibujar más líneas y luego agregar color, típicamente trabajo bastante sistemáticamente, comenzando con dibujos de líneas simples y luego explorando dónde el valor, contraste y color se pueden agregar. Te recomiendo construir tus dibujos e ilustraciones un paso a la vez. Es por ello que he dividido esta forma de dibujar series en tres clases ahondando en la línea, la composición y el color. Tan sólo un pro-tip, un rápido resumen de mi proceso, que tal vez quieras agarrar pedacitos y pedazos de. Se ve así. Uno, escoge tu materia. Por lo general esto para mí es, cuando veo una verdura realmente hermosa fresca de mi granja de socios o mientras estoy cocinando comida. Número 2 es agarrar mi bolígrafo prismacolor y hacer unos dibujos de línea del tema en mi cuaderno de bocetos. número 3 es, para reflexionar sobre estos bocetos iniciales. A mí me gusta montarlos, retroceder, entrecerrar el papel, tomarme un momento con los dibujos iniciales para pensar en cómo puedo hacerlos más interesantes, más abstractos, más sencillos. Entonces, empiezo a colocar los sujetos en un nuevo trozo de papel en blanco, en una composición utilizando sólo esos dibujos de línea. A veces si estoy contento con ese dibujo de línea, me detendré ahí. Otras veces empezaré a rellenar ciertas áreas con tinta para crear contraste o me pasaré a seleccionar y aplicar colores. Es así como trabajo en papel. Cuando estoy trabajando digitalmente, escaneo esos bocetos iniciales en Adobe Illustrator y los vectorizo, y luego empiezo a jugar con composición y color. Te guiaré por todo eso más adelante en esta clase. Piensa primero en tu materia, que quieres incluir en tu dibujo, y cuánto detalle pretendes incorporar. A medida que observas tu tema antes de dibujar, considera qué detalles podrían eliminarse según sea necesario, y cuáles encuentras esenciales para la obra de arte. A continuación, considera el mensaje o el significado que deseas transmitir, piensa si es un sentimiento específico que quieres mostrar con la obra de arte. Considera los elementos de composición que podrías usar para atravesar ese punto, o quizás estás trabajando en un patrón abstracto, y en este caso, ¿quieres que se sienta tranquilo, ocupado, misterioso? Considera tu mensaje y cómo puedes usar el kit de herramientas que has estado construyendo para compartirlo. Hablamos de que las fronteras son un elemento realmente importante de composición. Siempre me gusta darme un límite establecido para trabajar cuando empiece, ya sean los bordes de mi papel o una forma que dibuje en mi papel. Cualquier borde que elijas te da un punto de partida y ayuda con el diseño. Podrías empezar con solo elementos, pero luego se siente un poco como flotar en el espacio. Los límites que son típicos para mí elegir para empezar son, un pedazo de papel de 8 por 10 pulgadas, un cuadrado de 8 por 8 pulgadas, o un cuadrado de 10 por 10 pulgadas. Porque estos son todos los tamaños típicos de impresión de arte que utilizo que podrían enmarcarse. También podrías elegir un marco funky que sea más atípico, como un óvalo o una forma abstracta. Bueno, practica ambos de estos a lo largo de las lecciones en esta clase. Tenemos una base sólida, y es hora de poner bolígrafo a papel. Vamos al estudio, agarra tus materiales.. En la siguiente lección, vamos a empezar a construir composiciones. 10. Composición de cortar formas: Este ejercicio es un calentamiento realmente útil para elaborar y visualizar diferentes composiciones. Para empezar necesitarás tus tijeras, papel de construcción, un palo de pegamento y una hoja de papel blanco en blanco. Para empezar, dibuja una variedad de formas abstractas en tu papel de construcción. Crea formas de varios tamaños, crea formas geométricas y orgánicas o curvas. Esta va a ser tu biblioteca de formas para empezar a construir tus composiciones. Por ejemplo, he creado este surtido de formas, corté triángulos de diferentes tamaños, garabatos, círculos, formas curvas que me recuerdan a alguna planta submarina. Cuando tengas tu surtido dibujado en tu papel de construcción, corta cada forma. Una vez que los hayas cortado, empieza a colocarlos en tu papel en blanco, no pegues nada aún, solo juega y experimenta arreglando tus formas en el papel de diferentes maneras. Esto te da mucha flexibilidad y libertad para ver qué fluye y cómo combinar los elementos para crear una sensación de equilibrio y armonía. Empieza con un elemento y construye a partir de ahí [MUSIC]]. Cuando estés contento con tu diseño, puedes comenzar a pegar tus formas a tu papel. Wallah, has creado una composición. Toma una foto o escanea esto a la sección de proyecto de clase para que podamos ver tu proceso en acción. En la siguiente lección, usaremos pluma y papel para construir una composición de patrones. 11. Patrón intuitivo: En esta lección, vamos a hacer una composición de patrones intuitiva. ¿ A qué me refiero con eso? Esta es una herramienta realmente útil para iniciar la práctica porque te saca de la cabeza y te ayuda a confiar en la conversación entre tu corazón y tu mano. En lugar de entrar en esto con un plan establecido, vamos a construir la composición un elemento a la vez. Para empezar, dibuja una forma irregular abstracta en una hoja de papel blanco en blanco. Este es tu límite. Ahora comienza a llenar este límite con una variedad de formas. Se puede iniciar en el centro o se podría empezar en el borde. Dentro de este límite, eso es límite abstracto, voy a empezar de nuevo aquí a la izquierda y sólo voy a empezar a imitar y a espejo las líneas que ya veo justo como punto de partida. Esas líneas iniciales realmente pueden guiar hacia dónde va a ir tu patrón irregular, tu patrón intuitivo. Esto se trata realmente de construir las formas intuitivamente. Realmente no estoy pensando demasiado en cada paso, solo estoy permitiendo que mi mano, mi ojo, mi cerebro, mi corazón guíen la siguiente forma. Estoy dejando algo de espacio entre estas líneas, pero todos nuestros patrones van a verse diferentes. Pero es un rompecabezas divertido. Las formas comienzan a encajar entre sí. No te preocupes por que sea perfecto. Sólo juega. Ahora una vez que hayas llenado ese espacio con tu patrón, puedes empezar a añadir un poco de contraste con los valores. Voy a usar este marcador de punta cincelada porque es más grueso y aquí hay mucho control para rellenar ciertas formas. Voy a empezar a llenar simplemente intuitivamente ciertas áreas. Aquí, me gusta lo que está pasando entre estas dos formas. Cómo están cerca de tocar, pero no del todo. Me gusta la alternancia entre el valor oscuro y la luz aquí abajo. Ahora estoy mirando estos círculos y voy a empezar a llenar algunos de estos. De verdad estoy pensando a medida que paso por estos, al principio, pensé que haría todos los demás, pero quiero hacerlos todos porque quiero que se llenen como si hubiera una base fuerte o fuerte puesta a tierra a esta pieza. Siento como el peso de este contraste, este valor más oscuro hace bajar la vista. Eso no es sólo flotar aquí en todas estas formas, le da algo de raíz a todo, pero no quiero llenarlo en el curso cuadrado quiero contraste entre los dos. Puedes empezar a rellenar o incluso engrosar algunas de las líneas que has hecho. Esa es una manera realmente genial de agregar contraste a. Se puede empezar a llenar ciertas áreas para agregar más intriga y las diferencias de valor para más interés visualmente en la composición. Eso me gusta. Al mirar esto y al mirar tu propia pieza, puedes empezar a preguntar, ¿está fuera de equilibrio? ¿ Hay otra área que yo pueda agregar algo de contraste también para que sea más desequilibrada? Estoy viendo que hay mucho peso para visualmente aquí arriba. Lo que eso significa para mí es que quiero ver si está contrarrestado por aquí y es algo con estos círculos inferiores. Pero entonces estoy mirando, puedo agregar un poco de peso, tal vez incluso al contorno de la forma que no está fuera de límites? Eso me gusta. Ahora siento que hay más equilibrio a lo largo de todo el patrón. En la siguiente lección, profundizaremos en la práctica de algunas de las reglas de composición que discutimos anteriormente en esta clase. 12. Planificar una composición abstracta: Para este ejercicio, utilizarás una selección de formas proporcionadas que te voy a dar para construir una composición abstracta. Esta es una práctica realmente buena para enfocarse en cómo equilibrar elementos dentro de una composición sin las decisiones añadidas de materia realista o un significado específico de una obra de arte. Estos son los elementos que estamos utilizando en este ejercicio. Llegas a escoger y elegir qué elementos dibujas en tu papel y cuáles dejas fuera. También puedes repetir algunas de las formas. Por ejemplo, podría elegir usar la pequeña fibra cuadrada 10 veces en la obra de arte y dejar fuera la mayoría de las otras formas. Esto es realmente un elige tu propio ejercicio de aventura, trabajando con las formas proporcionadas. Tanto de construir composiciones es la toma de decisiones creativa. Con cada composición que creas, prueba nuevos enfoques y nuevas avenidas para buscar diferentes formas de crear ese fuerte sentido de equilibrio y armonía. Para empezar, agarra una hoja en blanco de papel blanco, un lápiz, un bolígrafo y una regla. Vamos a empezar practicando esa regla de tercios que discutimos antes. He cortado mi papel a un tamaño de seis por nueve pulgadas, pero esto funcionará con cualquier tamaño que estés usando. Las distancias solo podrían ser números diferentes a los de este ejemplo. Para empezar, quiero dividir la altura y el ancho de mi papel por tres. Por lo que para el lado de nueve pulgadas de mi página, voy a hacer una marca a tres pulgadas y otra marca seis pulgadas. Para el lado de seis pulgadas de mi página, voy a hacer una marca a dos y cuatro pulgadas. Ahora, voy a conectar estas líneas a través de la página muy ligeramente con mi lápiz para poder borrarlas más tarde usando mi regla. Ahora tengo la regla de tercios grilla. Como discutimos, si estoy siguiendo esta regla, entonces colocaré una de mis formas principales, digamos, este gran círculo en la intersección de estas líneas en lugar de directamente en el centro de la página. Entonces usaré estas líneas para guiar la colocación de mis otros elementos también. Puedo empezar a utilizar estas líneas como guía para colocar las formas en relación entre sí. Entonces cuando esté contento con la colocación, puedo borrar las líneas y porque estamos usando un bolígrafo, las formas se quedarán. Aquí, acabo de seguir esta línea de la izquierda en la regla de los tercios para alinear estos elementos juntos. Eso puede ser realmente útil sólo para mantener todo en una vía lineal, y esos están contrapiniendo este círculo que está por aquí en la sección transversal de estas líneas. No quiero poner nada directamente debajo de este círculo, porque entonces siento que va a ser demasiado parejo, pero voy a seguir colocando círculos más pequeños de esos ejemplos arriba de esta línea. Entonces ahora el ojo está siguiendo este camino lineal, y luego estoy pensando aquí para seguir la línea fuera de la página, y voy a jugar con alargar algunos de los cuadrados en rectángulos. Podría seguir jugando fuera de esta cuadrícula, claro que puedes llenar el espacio entre la cuadrícula, eso es solo un punto de partida para avanzar en tu dibujo y colocar las cosas. Una vez estuve contento con la composición general, ahora siento que está demasiado ponderado aquí, así que lo que podría equilibrar eso aquí fuera es llenar el círculo, darle más peso visual o agregar algunos círculos más pequeños alrededor de este más grande círculo. Porque entonces eso empieza a espejar los círculos por aquí, así que hay un poco más de equilibrio. Esto se siente un poco demasiado caótico para mi preferencia personal, pero de nuevo, esto es solo experimentación, aprender lo que funciona, lo que te gusta, y cómo crear equilibrio en esa composición. Una vez que estoy contento con la colocación de mis elementos, puedo borrar las líneas como nunca estuvieron ahí. Ahora es tu turno. Empieza a colocar elementos de este surtido en toda la cuadrícula que has creado. Cuando estés contento con el diseño, borra las líneas de cuadrícula de lápiz y toma una foto o escaneo de tu dibujo para subirlo a la sección de proyecto de clase al final de esta clase. Gran trabajo, pero tengo un secretito que compartir contigo. Honestamente nunca dibujo la regla de tercios de líneas en mi papel. Personalmente prefiero construir composiciones de manera más intuitiva, pero quería compartir esta técnica porque puede ser una ayuda visual realmente útil para empezar, y también puede ayudar si te sientes atascado en medio de la elaboración y obra de arte y necesitan dirección en el siguiente paso a dar. Entonces tomemos otra hoja de papel en blanco, de cualquier tamaño. Usando las mismas formas de esta agrupación, vamos a construir una composición sin esas líneas de cuadrícula. Dependiendo de tu enfoque para hacer arte, esto puede parecer un poco como saltar al extremo profundo sin sentido de orientación, pero aquí tienes algunos puntos útiles a considerar para un poco de plan antes de sumergirte por completo. ¿ Cuál es su tema principal? A pesar de que estamos usando formas abstractas, piensa en qué forma quieres ser el punto focal. Esta es la forma a la que quieres llamar más atención en tu trabajo. Por ejemplo, al mirar estas opciones, podría volver a elegir el círculo grande para ser ese punto focal de mi dibujo. ¿ Cómo usará los elementos de apoyo para llamar la atención sobre el punto focal? Estoy pensando en crear una sensación de repetición usando los círculos más pequeños para conducir al círculo más grande, o rodear el borde del círculo grande con los círculos más pequeños. Esto no sólo pone énfasis en el tema principal, sino que también crea ese sentido de contraste usando diferencias de tamaño. Su elección de elementos puede servir múltiples propósitos en la construcción de esa composición. ¿ Cómo elegirás recortar tu composición? Recortar lazos con la frontera, que es un elemento increíblemente importante de equilibrio y armonía convincentes. Recortar es cómo eliges colocar la obra dentro de su límite. Entonces, ¿elegirás cortar partes del tema? Aquí estoy eligiendo comenzar, de nuevo, sin líneas de cuadrícula, estoy eligiendo comenzar con un círculo grande que está cortado a mitad de la página. Entonces eso le quita el ojo ya, y luego estoy pensando en llevar el ojo a través de la página con algunos elementos que se repiten, algunos de los círculos más pequeños. No tienen que estar en la línea exacta. Esto es sólo devanado en forma curva toda la página. Entonces ahora que puedo seguir de esa esquina de aquí abajo a este medio círculo que está sucediendo. Ahora, algo con lo que puedes empezar a jugar es similar a ese ejercicio de patrón intuitivo que hicimos. Puedo dibujar medios círculos más pequeños dentro de ese límite principal. Entonces eso, ¿cuál es el siguiente paso? Eso se sintió como lo correcto de hacer. Entonces ahora tengo eso, y entonces también puedes jugar con convertir tu tema. Aquí, en realidad me gusta un poco mejor ese arreglo, y para crear más equilibrio, voy a añadir círculos a ambos lados. Ahora hay un poco de equilibrio simétrico sintiéndose justo aquí, y luego sube aquí, y se va del equilibrio simétrico y apenas a menudo a la esquina. A mí me gusta lo que está pasando ahí, y solo puedes seguir girando tu página y eso puede ayudar a informar la composición. Se puede ver con este ejemplo que los elementos están alejando el ojo de la página en dos direcciones. Pero si volteáramos esto y conteníamos todo dentro de este espacio, entonces eso tendría un efecto totalmente diferente de cómo nuestro ojo se mueve visualmente a través de la obra. Por ejemplo, si ese círculo grande ocurre justo aquí y no fue cortado, entonces en lugar de mover el ojo con los círculos fuera a la esquina, todavía crea movimiento al círculo principal, ese punto focal, pero esto es un más rígido y patrón geométrico de círculos que aquel fluido al que estábamos mirando. Esto está informando ahora diferentes decisiones. Ya que nos mantenemos dentro del límite de la página, empiezo a pensar en cómo, ahora podría haber usado una regla para esto, pero piensa en cómo las líneas podrían agregar una sensación de simetría aquí. De nuevo, puedes jugar con girar tu papel en diferentes direcciones para ver cómo eso afecta al ojo, pero puedes ver aquí que se trata de una pieza más contenida dentro del límite, no corriendo fuera de la página, por lo que nuestro ojo se está moviendo entre los elementos en lugar de correr y volver a encenderse. Como puedes ver con estos ejemplos, ambas opciones conducen a obras de arte completamente diferentes que mueven tu ojo a través de la página de maneras completamente diferentes. Ambos ejemplos funcionan, pero funcionan de manera muy diferente. Por lo tanto, experimenta con tus elementos corriendo fuera de la página y permaneciendo contenidos. Ve lo que prefieres. Tu preferencia también probablemente cambiará dependiendo del tema y del mensaje que quieras transmitir. Otra pregunta clave a considerar mientras piensas en tu composición es, ¿cómo crearás el equilibrio usando diferentes modos de contraste? En este ejemplo, ya he usado un momento de contraste con el tamaño, los círculos grandes y pequeños y el valor para crear contraste, rellenando algunas de estas formas y dejando algunas vacías. Por el contrario, piensa en si quieres equilibrar formas geométricas y orgánicas, espacio positivo y negativo, formas pequeñas y grandes. Piensa en cómo puedes crear algún oomfo visual al subir la tensión entre estos diferentes elementos. Muy bien, trabajo impresionante. Toma una foto o escanea tu imagen para subirla con tu proyecto de clase. En la siguiente lección, hablaremos de cómo construir un patrón sobre papel utilizando los elementos de composición. 13. Planificar un patrón: En esta lección, estaremos creando otro patrón. Pero en lugar de abordarlo desde una práctica intuitiva como lo hicimos antes, pasaremos por alguna planeación preliminar utilizando los elementos de composición. En este ejercicio, vamos a utilizar la misma selección de formas de la última lección para construir una composición modelada. Entonces, en lugar de tener un punto focal singular que es apoyado por muchos elementos, estamos creando un patrón que repite su diseño para crear una sensación de continuidad y flujo entre elementos. Cuando los patrones se imprimen como repeticiones en tela o papel tapiz, por ejemplo, el ojo suele seguir moviéndose a lo largo todo el diseño en lugar de centrarse en un punto singular. Tómate un momento para buscar cualquier patrón en tu entorno inmediato. Estos podrían estar en una manta, un cojín de sofá, una tarjeta de felicitación o una taza de café. El patrón podría incluso ser el espiral de una flor fuera de tu ventana o la repetición de cuchillas de hierba. Los patrones están por todas partes cuando bajamos la velocidad y nos tomamos tiempo para mirar. Empecemos a hacer nuestro propio patrón. Para este ejercicio, agarra una hoja de papel en blanco, selecciona solo tres elementos de este surtido de formas que hemos estado utilizando. Seleccionar un número limitado de formas puede proporcionar soluciones más creativas al ejercicio, a la vez que doma la abrumadora de tratar de incorporar demasiados detalles, volviendo a la simplificación y la simplicidad. Ahora, voy a dibujar estos en papel, empezando por la plaza grande. En mi cabeza, empiezo a planear repetir esto a través de la página en diagonal. Este será mi primer paso orientador. Ahora, estoy pensando en cómo incorporar a este patrón los elementos de composición que hemos estado discutiendo. A saber, estoy pensando en cómo crear contraste así como crear suficiente espacio negativo para que este patrón no comience a sentirse abrumador y ocupado. También quiero crear suficiente movimiento y ritmo entre formas para mantener el patrón interesante. Para un contraste agregado, podría rellenar ciertas formas para hacerlas ese valor más oscuro. También utilizaré círculos más pequeños para contrastar esos cuadrados grandes. Para el movimiento y el ritmo, los cuadrados repetitivos más grandes conducirán el ojo a través del papel y actuarán como el ancla de la pieza. Si bien no hay un cuadrado singular es un punto focal porque es la forma dominante en cuanto a tamaño, probablemente llamará la mayor atención y será apoyada por los otros dos elementos. En base a mi plan inicial, esto es lo que terminó pasando, y para ser bastante franco, no estoy contento con ello. A pesar de que tengo esta idea de las grandes plazas se cruzan en una diagonal que todavía sirve de ancla, sobre todo si se llenaron, lo que terminó pasando es que se siente un poco caótico y ocupado. Estaba tratando de llenar algunos de estos espacios negativos que se estaban formando, pero sólo eran un poco de formas y tamaños incómodos. Por lo que estaba tratando de llenar los de con estas líneas añadidas, al mismo tiempo que creaba movimiento con los círculos. Las cosas que creo que están trabajando para esta composición son el contraste entre los cuadrados geométricos rígidos y los círculos y garabatos, así como el sentido de movimiento de los círculos, equilibrando estos diagonales, movimiento rígido de las plazas. Lo que no creo que esté funcionando bien con esta composición son estas líneas aleatorias. Las cosas empezaron a sentirse demasiado ocupadas y se siente un poco simplemente fortuito de cómo se colocan estas. Por lo que sería más intencional en medir eso la próxima vez. Pero esta es una buena manera de simplemente experimentar con el patrón de repetición y una forma más planeada que decir, la práctica intuitiva que hicimos antes. Con esa información de lo que me gustó y no me gustó con el último patrón más clammed, creé un nuevo patrón. Lo que guardé en cuanto a los elementos son los cuadrados diagonales como punto de anclaje. También mantuve el contraste con las formas más orgánicas de los círculos, y luego también subo el contraste llenando esos círculos en. Esta es una repetición mucho más rítmica porque es casi como si pudieras decir 1, 2, 3, 4, o 1 y 2 y 3 y 4. Tiene más de esta fuerza motriz que el ejemplo anterior que se sentía un poco más salvaje, más caótico, y un poco más disperso. Estaba buscando algo que tuviera más sobre la sensación de patrón rítmico. Podría seguir jugando con esto. Pero esto es lo que pasa con la composición es que cuando haces uno, puedes aprender mucha información, lo que te gusta, lo que no te gusta, y llevar eso a la siguiente iteración. La composición se trata de iterar. Todo se trata de intentarlo de nuevo. Esta es la siguiente versión, y podría empujar eso a otra versión. Pero ahora, quiero que te des un giro y lo hagas tú mismo. Es hora de que construyas tu patrón. Sube una foto o escaneo de tu creación como parte de tu proyecto de clase para que pueda ver tu proceso. En las lecciones anteriores, exploramos cómo construir composiciones utilizando múltiples temas. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos en un ejercicio para construir una composición usando solo una. 14. Ejercicio de miniaturas: Este ejercicio es beneficioso cuando se mira cómo hacer la composición de un solo tema, convincente e interesante. Esto nos da una manera de sacarnos los sesos de su forma tradicional de ver, para empezar a hacer nuevas conexiones visuales y trabajo de arte creativo. Tanto del dibujo se trata de ralentizar para observar verdaderamente el objeto ante ti. Como dije antes, es fácil pensar que conocemos temas que podemos ver todos los días; un árbol, la hoja, un hervidor de té, un trozo de comida. Pero cuando nos detenemos a observar el tema con más detalle, incluso por un minuto completo de observación ininterrumpida, podemos comenzar a encontrar más momentos de belleza e inspiración. Este ejercicio es menos sobre el proceso de toma de decisiones que hemos estado practicando. En cambio, una vez que hagas una elección inicial con este ejercicio, el resto de la composición caerá en su lugar. Sumérjase, coja una hoja de papel en blanco, su pluma, y un ingrediente de su cocina que posiblemente le gustaría incluir en su proyecto final de clase cubierta de libro de cocina. Una vez que hayas reunido tus materiales y tema, quiero que dibujes tres rectángulos de diferentes tamaños en tu papel. También puedes colocar estos rectángulos en diferentes ángulos si lo eliges. Ahora, piense de nuevo en el ejercicio anterior en esta clase cuando creamos visores de bolsillo. Yo quiero que actúes como si cada uno de estos rectángulos que acabas de dibujar en tu papel fuera un visor por el que podrías mirar, para ver tu tema de una manera nueva. De hecho, para una ayuda visual añadida, podrías usar el visor que hiciste antes aquí también. Empiezo con el primer rectángulo de mi página y estoy actuando como si pudiera ver a través de él a mi tema. La primera y más o menos la única opción que estoy haciendo es elegir qué parte de mi tema quiero enfocarme a través de este límite. En lugar de tratar de encajar todo el sujeto dentro del rectángulo, solo estoy perfeccionando en una parte. Para este ejemplo, estoy eligiendo esta porción de mi tema. Ahora solo estoy dibujando exactamente lo que veo dentro de esa sección del rectángulo. Todo lo demás está recortado o recortado. De nuevo, no estoy sombreando nada en este momento, no agregando valor ni contraste. En realidad tampoco estoy tomando más decisiones de composición porque ya he recortado camino en el tema, lo que a su vez está haciendo que este tema realista se convierta en algo más abstracto. Tengo en mente la regla de la sencillez. No estoy incluyendo cada detalle que veo, solo los que creo son los más poderosos, esenciales o interesantes o necesarios. He terminado de dibujar por tema dentro de ese primer rectángulo. Ahora, usando exactamente el mismo tema que la inspiración, voy a pasar a mi segundo rectángulo y elegir una porción diferente. Estoy eligiendo esta parte del tema y dibujando sólo lo que veo dentro de ese espacio. Haré el proceso una tercera vez con el tercer rectángulo en una tercera porción del sujeto. Ahora tengo tres versiones diferentes, o composiciones del mismo tema exacto. ¿Qué tan impresionante es eso? Este ejercicio puede ser interminable porque podrías crear 5,10 o 20 rectángulos y obtener una composición diferente del mismo tema cada vez. No tiene que ser un límite rectángulo, podrías hacer un círculo o podrías hacer una forma abstracta, pero podrías hacerlo una y otra vez para mirar a tu sujeto de nuevas maneras. Cuando te sientes atascado, esta es una gran manera de sacudirlo y empezar a ver nuevos elementos en tus dibujos. Echa un vistazo a tus tres rectángulos y empieza a hacerte algunas preguntas. ¿ A qué otra cosa empieza a recordarme este tema? ¿ Cómo se mueve mi ojo dentro de cada uno de estos dibujos? ¿ Hay lugares donde mi me quede atascado? ¿ Existen lugares de contraste o tensión visual? Existen áreas donde el contraste podría crear más interés dentro del dibujo? Hay lugares donde mi ojo se mueve muy suavemente y continuamente a lo largo del dibujo? Piensa en los elementos de composición que hemos discutido a lo largo de esta clase, y mira si puedes encontrarlos dentro de estas ilustraciones. Estos podrían incluir: repetición, movimiento, punto focal, tamaño, por supuesto equilibrio, ya sea simétrico, asimétrico o radial. Hazte estas preguntas mientras miras los tres rectángulos y solo toma nota si sientes que cualquiera de los tres funciona mejor que el resto en términos de armonía, unidad y belleza. Cuando miro estas miniaturas de rúcula, ésta en el medio, empieza a recordarme a las aves en un miembro de un árbol, parcialmente eso es por la forma en que he agregado en diferentes valores, por lo que estos empiezan a parecer sombras o formas abstractas de aves quizá en esta extremidad arbórea. Este de aquí empieza a recordarme un cañón o un valle mirando hacia abajo hacia eso en la Tierra. También podría ser parte de un palo o una rama que sobresale de tal vez un árbol que está cortado o recortado de esta porción del dibujo. Este no me recuerda totalmente nada y tal vez como lo miraste, te recuerdan algo. Pero empiezo a imaginar si esto se recortó aún más como si hubiera una línea aquí, así que en realidad estoy sosteniendo mi mano hacia la pantalla, cubriendo la parte superior de ese rectángulo solo para ver si empieza a recordarme algo. mejor otra planta u otro árbol, pero no está llamando nada de inmediato. Estos dos sí me recuerdan a otras asociaciones. Ahí es donde este ejercicio realmente puede permitirte entrar en el mundo del arte abstracto. Ese es un lugar realmente divertido para estar porque puede empezar a abrirnos a ver todas estas diferentes asociaciones con la obra de arte que podría no ser el tema real, pero nos da más una oportunidad para conectarnos en un personal y empiezan a estar imaginando cosas diferentes y haciendo diferentes conexiones emocionales con la obra de arte como espectador, y con la obra de arte como creador. Este es un ejercicio realmente grande para sacarnos de ese realismo y de esa realidad del mundo y entrar en formas y líneas y sentir y experimentar con la abstracción. Eso es realmente genial en este ejercicio. Estos tres, yo diría que éste de aquí a la derecha es en realidad el más exitoso. Esto realmente va a depender tu preferencia de estilo y hacia lo que gravitas con la ilustración. Podrían estar en desacuerdo conmigo aquí o podrían estar de acuerdo conmigo aquí. Pero la razón por la que selecciono esta como la composición más exitosa, es porque realmente me siento atraído por el arte mínimo. A mí me gusta el arte que tiene espacio para respirar. A mí me gusta el arte que sea plano y sencillo. A lo que me refiero con plano es a que, esta línea que es gruesa y llena, es casi como si estuviera empujando hacia arriba contra el papel. No hay sentido de profundidad para ello. Es realmente plano y color, no hay tono medio, solo es negro rico. Pero al mismo tiempo, algo que es plano, una ilustración que es plana, también puede ser una invitación para entrar en la obra. Ahí está este push-pull entre la planitud y la profundidad. Podemos ver eso porque esta forma está empujando hacia nosotros, y al mismo tiempo quiero sumergirme en esta grieta. Yo quiero entrar en esta grieta en una roca. Parece algo en lo que tal vez podría entrar y explorar, y sin embargo también me está empujando, así que es una especie de empuje. Siento que eso crea realmente gran tensión visual e intriga en una obra de arte. También me encanta cuánto espacio negativo hay, da tanto espacio respiratorio para el ojo, y me hace sentir realmente tranquilo. A mí me gusta cómo pasa algo de simetría, cómo termina esto justo en medio de este rectángulo, y de repente es como si pudieras doblar este rectángulo por la mitad. No es simetría en el sentido de una imagen espejo, pero hay una sensación de equilibrio porque está casi en el punto medio del marco. Si te gusta eso, da un bonito equilibrado también. También me gusta pensar en cómo podrías girar este rectángulo específico en diferentes direcciones, ver cómo podría verse eso, y experimentar con cómo eso podría dar un efecto visual diferente también. Cuando mires tus composiciones, tus tres rectángulos, piensa en cuál elegirías como el más exitoso y por qué. No convertiría esto necesariamente en una impresión de arte ni nada, pero sólo preguntándome por qué siento que es la más exitosa puede guiar mi futura obra de arte, y mi futura toma de decisiones en composiciones. Lo que he contestado es, el espacio negativo, la simplicidad, el sentido del equilibrio, la planitud. Todas esas características son cosas que puedo incorporar a una ilustración futura, o una impresión futura o un patrón futuro. Esta es una pregunta realmente buena para hacer porque puede guiar la creación futura y los momentos creativos para que podamos seguir mejorando nuestras composiciones y realmente aprovechar el estilo al que realmente gravitamos y queremos compartir con el mundo. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos en cómo construir una composición digitalmente usando Adobe Illustrator. 15. Impresión de arte digital: Para esta porción de la clase, vamos a construir composiciones digitalmente. El beneficio de crear composiciones en un software digital como Adobe Illustrator, es que puedes experimentar con muchos diseños diferentes para ver qué funciona y qué no sin comprometerte con el papel demasiado pronto como podemos hacer al experimentar con un pin. Tanto los enfoques analógicos como los digitales de la ilustración tienen sus pros y sus contras. Pero el enfoque digital puede ser increíblemente útil para experimentar y aprender más sobre cómo construir composiciones convincentes. Para empezar, vamos a practicar la construcción de una composición con una impresión artística tradicional. Vamos a configurar nuestro espacio de documentos. Normalmente me gusta usar un tamaño de 8 por 10 pulgadas o un tamaño de 11 por 14 pulgadas porque esos son tamaños de marco típicos si voy a vender una impresión para enmarcar en el futuro. Para este ejemplo, configuraré el documento como un 8 por 10. Mantendré el modo color como RGB ya que estamos trabajando en la pantalla y éstos se presentarán digitalmente en la sección de proyectos de clase. Si imprimiera esta portada de libro de cocina en casa, quisiera que el documento estuviera en CMYK, pero por ahora, funciona RGB. En otra nota si trabajas con una empresa de impresión bajo demanda que actualmente hago para la mayoría de mis impresiones, a veces su requisito para archivos es RGB. Si vendiera esta impresión a través de la empresa con la que trabajo, seguiría queriendo usar el modo de color RGB. Para obtener más información sobre cómo empezar a vender tu arte en línea con la impresión bajo demanda. Puedes visitar mi clase, desechar el inventario. Cómo usar la impresión bajo demanda para vender tu arte y lanzar tu carrera creativa. Ahora, me aseguraré de que este documento esté en 300 DPI y haré clic en “Ok”. En lugar de construir una composición abstracta utilizando el surtido de formas que hicimos antes, vamos a utilizar algunos dibujos basados en temas reales. Dado que nuestro proyecto de clase final es una portada de libro de cocina ilustrada, estoy usando diferentes ilustraciones de alimentos en este ejemplo. Te invitamos a crear tus propias ilustraciones o puedes descargar el archivo de estos dibujos que he incluido en la sección de proyectos y recursos. Puedes descargar estos ejemplos y abrirlos en Adobe Illustrator para seguir adelante. Estas ilustraciones son únicamente para efectos de este ejercicio, y no pueden utilizarse fuera de esta clase. Una vez que hayas descargado el documento de imagen proporcionado o escaneado en tus propios dibujos, puedes colocar el archivo en Illustrator yendo a File Place y encontrando el archivo. O puedes usar el atajo, Shift Command P. Copié estas ilustraciones de otro documento de Illustrator en el que estoy trabajando para un proyecto personal. Estos ya están rastreados en Adobe Illustrator, pero si estás escaneando en tus dibujos originales o estás copiando y los dibujos JPEG que he proporcionado, entonces necesitarás hacer un trazo de imagen para poder trabajar con ellos en el espacio Illustrator. Si te interesa aprender a hacer eso, puedes ir a tomar mi clase corta llamada Dibujo Digital: Cómo convertir tu boceto en vector. ' Pero estos ya están vectorizados, por lo que podemos empezar a usarlos de inmediato. Similar a cuando estábamos trabajando en papel, podrías venir aquí a la barra Formas y seleccionar una Herramienta de Segmento de Línea y podrías empezar a poner en líneas para la regla de tercios que discutimos si quieres que funcione una cuadrícula. En lugar de sumergirme justo en eso, voy a empezar a jugar con colocaciones solo por su cuenta sin esas líneas y puedes verme trabajar. Con ese paso justo ahí, cuando alargué la corriente de petróleo que realmente me ayudó a pensar, para empezar a dar al espacio más de un límite. Hablamos del límite de este tablero de arte tradicional aquí mismo está el rectángulo. Pero incluso dentro del espacio, puedes crear un límite con algunos de tus elementos ilustrados. Ahora tenemos este flujo sucediendo y aunque estos ni siquiera están en el fondo, el ojo viaja desde este recipiente de aceite de oliva hacia arriba alrededor del flujo de aceite de vuelta aquí abajo. Podemos empezar a pensar en lo que podría colocarse dentro de este espacio. Voy a jugar con copiar ese elemento y reducirlo, colocándolo fuera de ese límite. Pero eso se pone un poco torpe cuando es más pequeño. Hagamos solo un toque más pequeño y ponlo ahí mismo. Pero, se puede ver cómo esto realmente es cuestión de experimentar y encontrar qué funciona y qué clics y qué no y eso es mucho ensayo y error y reorganizar y encontrar qué elementos pueden encajar y qué elementos necesitas dejar fuera. Porque a veces puede simplemente ponerse demasiado ocupado. Otro truco que realmente me gusta hacer, voy a mover todos estos elementos por aquí a la izquierda. Aquí está tu icono de tablas de arte, puedes hacer clic en eso y luego puedes hacer clic en este nuevo tablero de arte y solo crear unos cuantos más. Puedes crear tantos como quieras. Voy a crear dos más y luego en realidad voy a seleccionar todos estos mantenga presionada Opción y arrastre la agrupación hacia abajo. Tengo exactamente los mismos elementos con los que trabajar en estos otros dos espacios de tableros de arte. De esa forma podrás jugar con diferentes composiciones y probar diferentes ideas en lugar de comprometerte con el único espacio. En esta siguiente, voy a dejar fuera el aceite de oliva y voy a jugar con estas hojas recogidas. Cuando vuelvo a copiar estos por aquí porque me gustan estos tres, pero quiero ver qué otros arreglos podrían funcionar. Esta es bonita porque es simple. Nuevamente, el color agrega un componente enorme a la composición, pero en este momento nos estamos pegando al blanco y negro. Pero si quisiera agregar algo más de contraste aquí, podría pensar en rellenar ciertos espacios con negro. este momento el contorno es negro, Eneste momento el contorno es negro, pero si lo relleno, haciendo click, fui al Relleno aquí y hice clic en negro y luego puedo volver al trazo y hacer clic en “No Stroke”. Ahora es igual a la silueta de la hoja y yo podría hacer eso por aquí. Eso es lo mismo aquí también y eso crea más de una sensación de contraste. Voy a deshacer esos porque me gusta el dibujo de líneas que está pasando. Voy a dejar eso como está por ahora, pero podrías repetir tablas de arte una y otra vez para jugar con diferentes composiciones. En realidad voy a traer este aceite de oliva copiado a este espacio. De nuevo, me gusta mucho la sencillez de que sea solo la botella y el aceite. Pero si tuviera que jugar con más elementos de comida cayendo en cascada, eso también podría ser divertido. Pero eso se siente demasiado ocupado. Se puede ver de nuevo, esto es realmente prueba y error. Pero lo que realmente me atraen es en realidad, como dije, la simplicidad aquí y estoy pensando en portada del libro de cocina y potencialmente poner el texto dentro de este espacio. Sé que inicialmente dije que iba a incorporar ciertos elementos y esos pueden o no hacerlo en la portada final. Pero puedes ver aquí este es un enfoque diferente para construir una impresión artística digitalmente y realmente puedes experimentar con lo que funciona y lo que no. Aquí, no me gusta esto porque siento que a este rincón le falta algo. Siento que simplemente le falta algún interés. Esto se siente más equilibrado. Entonces esa es una mejor composición en mi mente. Esto tiene mucho espacio negativo vacío agradable en el medio y tiene movimiento alrededor de los bordes. Eso me gusta. Realmente puedes jugar y averiguar qué arreglo de elementos funciona para ti y luego subirlos al proyecto de clase con tu proceso porque quiero ver en qué estás trabajando. Para hacer eso, simplemente irías a Archivo, Exportar, y puedes ir a Exportar como, y luego puedes exportar como aquí abajo selecciona un JPEG. Puede seleccionar impresión artística, composición como título, y luego seleccionar utilizar tableros de arte y puede poner en el tablero de arte que le gustaría exportar. Si es el número 1 o el número 2. Simplemente indicarías ese número aquí, haz clic en exportar, y luego se guardaría en tu ubicación, y luego podrías subir ese archivo a la sección de proyecto de clase para que podamos ver tu proceso. En la siguiente lección, practicaremos hacer una composición con el patrón digital. 16. Patrón digital: Similar a la lección anterior cuando hicimos un patrón de repetición en papel, también podemos hacer patrones de repetición digitalmente en Adobe Illustrator. Illustrator es una poderosa herramienta para crear patrones con tus ilustraciones. Estos patrones podrían ser utilizados en productos, tela, papel tapiz, envoltorio de regalo, tarjetas de felicitación, la lista continúa. Te voy a guiar a través de cómo construir y hacer una composición de patrones muy simple en esta lección, pero hacer patrones es un tema con amplia información, así que para profundizar en el tema más profundo, sugiero altamente visitar La página de habilidadcompartir de Bonnie Christine. Para comenzar con este ejercicio, abre un nuevo documento en Illustrator. Voy a configurar este documento como una plaza esta vez, todavía RGB y aún 300 dpi. Ahora, voy a usar los mismos elementos que usamos en la última lección. Acabo de copiarlos de nuestro otro documento seleccionando todos ellos, golpeando el comando C en el Mac para copiar y golpeando comando P aquí en el documento de patrón para pegar. Ya que ya rastreé estas ilustraciones en el otro documento, están bien para ir. Ahora, es hora de jugar con la composición. Nuevamente, ya que estamos trabajando digitalmente, podemos jugar un experimento sin demasiado compromiso con cualquiera mirada de inmediato. Voy a hacer copias de estos elementos ilustrados para tener en el lado derecho de mi tablero de arte. También voy a duplicar un par de veces mi tablero de arte poder experimentar con diferentes arreglos para comparar, así que voy a agarrar esta hoja verde mostaza por aquí. Voy a regresar a mi tablero de arte inicial, y lo voy a ampliar para que sea un poco más grande. Así, y luego mantendré pulsada la tecla de opción en el teclado Mac, y mientras mantengo pulsada la opción, puedo arrastrar esa imagen sobre, soltar tanto la tecla de opción como el ratón, y luego tiraré un duplicado a la derecha ahí, y luego puedo simplemente hacer clic en los comandos D en el teclado Mac para volver a hacer esa misma acción exacta, así que lo haré. Ahora tengo estas tres hojas. Ahora, voy a seleccionarlos todos con el ratón, manteniendo presionada la opción, los voy a colocar así, así que estoy arrastrando hacia abajo la opción manteniendo la opción soltando ahora la tecla de opción y el ratón, y voy a duplicar eso de nuevo. Entonces tenemos estas tres filas de verdes mostaza. Ahora, voy a seleccionar todo porque se está acercando un poco a este borde izquierdo, y sólo voy a motonearlo. Ahora, para hacer un patrón hay una manera realmente maravillosa de hacer esto que está realmente en profundidad y te voy a dirigir de nuevo a Bonnie Christine skillshare page para ese proceso. Pero hay otra forma de hacerlo en las versiones más recientes de Illustrator donde puedes ir a Object, Pattern, Make. Pero primero queremos seleccionar esto, entonces Object, Pattern, Make. Ahora, por aquí se puede ver el ancho y la altura se puede mirar a la cuadrícula. Esto se ha agregado al panel de muestras, y ahora se puede ver cómo se está repitiendo una y otra vez. Esa es una forma realmente básica de crear un patrón repetitivo. Se puede ver cómo son estos en decimales, por lo que se puede jugar con bajar estos a números enteros nueve por nueve, y eso acaba de espaciarlo un poco. Ahora tenemos este patrón repetitivo sucediendo, y luego si estás contento con él, puedes hacer clic en “Hecho” y ahora está por aquí en tu panel de muestras. Para probar ese patrón, puedo hacer clic en “M” en mi teclado o puedes subir al rectángulo para hacer un rectángulo, y solo voy a arrastrar eso hacia afuera, y luego voy a seleccionar el patrón que acabamos de hacer. Ahí tienes un patrón de repetición realmente simple. Se puede empezar a jugar con diferentes elementos convirtiéndose en una repetición, aún pensando en los elementos de la composición. En este ejemplo de aquí, tenemos un ritmo muy exacto. Tenemos el mismo elemento repitiendo una y otra vez. Eso es algo interesante, pero podríamos jugar con el espaciado, y podríamos jugar con agregar más valor en contraste. En otro cuadro aquí, podríamos jugar con agregar en otro elemento completamente para sumar más interés e intriga. Por ejemplo, podría arrastrar esto, y luego arrastraré una hoja por aquí, y tú realmente me estás viendo como trabajo igual que hicimos en la última lección porque realmente quiero martillar a casa esa composición es realmente sobre experimentar. No siempre va a caer en su lugar de inmediato. Algunas obras van más fáciles que otras y algunas realmente vienen de manera muy intuitiva, muy rápida. Otros, es mucha frustración honestamente y realmente volver a una pieza una y otra vez, así que como vimos en el espacio de impresión de arte digital, realmente me viste en el trabajo tratando de averiguar cómo funcionan estos elementos juntos si trabajan juntos a veces te das cuenta de que tal vez algo funciona mejor por sí mismo, como botella de aceite de oliva que lo hace con otro elemento. Yo sólo realmente quiero ser transparente al respecto y mostrarte que el proceso no siempre es perfecto y que realmente se trata de descubrir tu estilo y practicar. Voy a seguir jugando aquí y en lugar de que estas hojas vayan en la misma dirección, voy a dar la vuelta esta de esta manera, y voy a hacerlo un poco más grande que estas otras dos hojas. Ahora, todavía me voy a apegar a sólo las hojas como tema para esto, pero voy a mover y copiar algunas de estas otra vez, con esa clave de opción sólo voy a copiar algunas de ellas por ahí y colocarlas en diferentes direcciones. Nuevamente, este espacio digital es genial para experimentar con lo que funciona, lo que no. No quiero esto justo al lado de sí mismo otra vez, pero lo que voy a hacer es que en realidad voy a borrar eso, voy a copiar éste y reflejarlo aquí. Ahora mismo estamos jugando con un equilibrio simétrico de los elementos. Recuerda, el equilibrio es una cosa con la composición, un componente muy importante de la composición, y lo estamos viendo ahora mismo. No se va a reflejar exactamente, pero va a ser una referencia a una imagen espejada. Ahora, voy a seleccionar todo esto y en realidad rotaré todo y expandirlo todo un poco. Esto es más bien como un patrón tirado, es más disperso, por lo que un patrón disperso que no es exactamente lo mismo en filas repitiendo se llama generalmente un patrón tirado. Pero aquí puedo ver que hay algo que estar abajo un poco más, y quiero que en realidad se refleje, así que voy a ir a Transformar, Reflectar. Se puede ver en la vista previa, se selecciona looks como previsualización verticalmente que simplemente reflejaba la forma en que yo quería, y ahora voy a rotar eso un poco. Vamos a bajar estos algunos seleccionando ambos manteniendo presionada la tecla Mayús, pero ¿sabes qué? Voy a eliminar esto y voy a eliminar esto. Porque esto es proceso, voy a mantener la opción y cambiar esta vez para que se mantenga en línea, y luego voy a reflejar esto verticalmente. Voy a bosquejarlo solo un poquito de la hoja, y voy a hacer lo mismo aquí, así que opción, arrastre, turno, así que está bloqueado en la misma línea que ese otro verde, y luego lo voy a reflejar otra vez. Te lo vas a empujar un poco, y luego vas a opción, arrastrar, desplazar, reflexionar. Enfriar. Pero ahora voy a seleccionar todo y en realidad girarlo al revés otra vez. Nuevamente, se puede ver este proceso, proceso, proceso. Esto tiene mucho más espacio negativo que el último, pero vamos a ver qué pasa cuando hacemos esto en un patrón. Patrón, Hacer. Se ha salvado. Aquí se puede ver que esto es un poco más interesante tal vez que el otro patrón, pero de nuevo, voy a venir aquí y cambiar esto a nueve por ocho y ver qué hace eso, para que sólo se encogió en un poquito. Puedes cambiar el número de copias que ves, para que puedas ver aún más copias bajando aquí. Se pueden atenuar las copias para poder ver los dibujos principales todavía, o se puede dejar eso como opacidad total. Entonces puedes jugar con los diferentes tipos de patrones, lo que ladrillo por fila, ladrillo por columna, y todos estos de nuevo, cambiaron la composición y el diseño de tu patrón. Algunos de ellos empiezan a solaparse y se ponen un poco funky, pero si volvemos a la grilla, esa es la clásica. En realidad me está gustando el ladrillo por columna. Creo que eso es realmente interesante, hay algunos bonitos huecos de espacio negativo, así que hay espacio para que el ojo respire, pero todavía tenemos algo de equilibrio y simetría pasando, podría ser como un fondo de pantalla realmente divertido, por lo que obtienes la idea. De verdad puedes experimentar, voy a dar clic en “Hecho”. Realmente puedes experimentar con diferentes tipos de patrones en tus plazas. Voy a presionar “M” en el teclado para crear otro rectángulo, y luego se guarda aquí en el panel de muestras, así que voy a seleccionar esto y ahí está tu patrón. Si quieres ver tu patrón más grande, puedes ir a Objeto, Transforma, Escala, y luego no transformar los objetos mismos, solo el patrón, y luego puedes ingresar un número o puedes desplazarte por el ratón para hacerlo más grande, así que ver esto es realmente un patrón divertido, creo que porque hay algo de simetría en el espejado y el equilibrio, y tiene esta forma de diamante entre la parte inferior de esta hoja y la parte inferior de esta hoja o puedes escalar hacia atrás para ver es wow, realmente pequeño o realmente grande. Mi ratón está queriendo seguir adelante, así que en realidad voy a entrar manualmente en el teclado 50 por ciento, y luego puedes hacer clic en “Vista previa”. Eso te muestra bastante pequeño. Voy a dar clic en “Cancelar” porque no quiero guardar eso, y ese es el ejemplo aquí. Quiero que experimentes con los elementos que has dibujado o los elementos que te he proporcionado, creando diferentes patrones y viendo lo que te llama la atención en cuanto a composición, y luego puedes subir esos como parte de tu proceso y parte de tu proyecto, en la sección de proyecto de clase, y no puedo esperar a ver qué crees. De acuerdo amigo, creo que tienes una buena cantidad de entrenamiento de composición debajo de tu cinturón, ¿no? En la siguiente lección, vamos a empezar a reunir inspiración para nuestro proyecto de clase final. 17. Búsqueda de inspiración: Típicamente, incluyo una sección de inspiración de reunión al inicio de la clase. No obstante, cuando se trata de composición, realmente siento que es importante dejar que tu intuición te guíe primero. Por eso he esperado hasta ahora a que empieces a construir una colección de ejemplos que pueden servir de inspiración. Para empezar a recolectar imágenes inspiradoras, sugiero crear un tablero de Pinterest. Esto puede ser una junta pública o privada. Pinterest es un recurso realmente increíble para reunir un surtido de imágenes para alimentar tu práctica creativa. La inspiración es un gran lugar para empezar cuando estás probando algo nuevo o te sientes atascado, pero nunca quieres tomar directamente de otro artista. Cuando te inspires en una obra de arte o en una fotografía, anota los elementos que te alimentan en lugar de copiar directamente lo que ves. Dylan Mierzwinski tiene una gran visión general de cómo hacerlo en su clase, Niveling Up Your Art Game, que he vinculado en el documento de recursos adjunto en la sección de proyectos y recursos. Para comenzar a reunir inspiración, haz tu tablero. Yo he llamado a la mía, Composiciones convincentes. Empecé con una búsqueda portada ilustrada de libros de cocina así como otra búsqueda de ilustración de alimentos. Aquí está la colección que empecé a reunir que me inspira. Cuando recojo estos ejemplos en un solo espacio, puedo comenzar a ver las conexiones de estilos por los que me atraen. Reúna tu inspiración y nota cualquier elemento de composición que realmente destaque para ti, incluyendo equilibrio, movimiento, ritmo, enfoque, contraste. Observe cualquier hilos continuos que conecten tus imágenes reunidas para descubrir las composiciones que encuentres convincentes. Cuando busco temas e hilos comunes en este tablero que he creado de composiciones, noto algunas cosas. Una de las cosas que noto es que, en muchas de estas, hay un punto focal principal. Aquí tenemos el mango, parece algún tipo de jugo. Aquí tenemos la olla de pasta, aquí tenemos el plato de pescado, así que hay muchos puntos focales sucediendo y se crean a menudo en estos ejemplos por el espacio negativo que los rodea. Aquí abajo, hay unos cuantos más. Ahí está esta pasta que es el punto focal y convertida en letras, lo cual es realmente divertido. El punto focal aquí es el título real y eso es enfatizado por esta frontera de las imágenes. Entonces aquí, tenemos el punto focal de una sartén que es creada y enfatizada por el espacio negativo a su alrededor. Eso me estoy dando cuenta. El espacio negativo también es un componente que está apareciendo en muchos de estos. Otra cosa que noto es que, realmente me atraen las imágenes planas, cosas que no tienen mucha profundidad, o sombra, o sombreado, sino que son más bien un solo color sólido. En el extremo opuesto del espectro un poco del único punto focal principal, noto que también me gusta el patrón repetido sentir, como esta imagen, esta imagen, esta imagen, y esta imagen. Tiene sentido de movimiento y está llenando el espacio por completo, y está manteniendo mi ojo realmente intrigado y curioso en cuanto a cuáles son estos ingredientes. Noto que también me gusta eso. Tengo curiosidad por cuáles son tus hilos. ¿ A qué encuentras en tus imágenes recopiladas a las que pareces atraído cuando se trata de composición, y cómo puedes incorporar eso a tu proyecto final? Estoy pensando, mirando estos que realmente me voy a centrar en la simplicidad, espacio negativo, y probablemente volver a esa botella de aceite de oliva que estábamos mirando antes. ¿ Te sientes inspirado? Impresionante. En la siguiente lección, es hora de sumergirse en su proyecto de clase. 18. Proyecto de clase: papel: Para empezar, agarra un bolígrafo y papel. Todavía recomiendo usar solo el dibujo de línea en blanco y negro para enfocarme realmente en la composición. Enfócate en cómo pueden encajar los elementos de tu trabajo para crear esa unidad. Para comenzar el proceso de elaboración de la portada de tu libro de cocina, lluvia de ideas sobre los elementos que quieres que se incluyan en tu composición ilustrada. Por ejemplo, sé que quiero incluir al menos un tomate, una espátula, y una hoja verde mostaza. Tengo esos elementos rápidamente esbozados como mis dibujos en una hoja de papel en blanco y se pueden ver coloreados aquí desde un proyecto diferente. Decide por un puñado de elementos alimentarios e ingredientes que te gustaría incluir y dibuja los de tu papel. No te preocupes por que se finalicen. Simplemente anotarlas como referencia para este próximo ejercicio. Otro elemento que entra en juego con este proyecto específico que aún no hemos discutido es el texto. El texto en mi portada será la cocina creativa e ilustrada por Liz Brandley. Los he escrito también en este papel. Anote el título de su libro de cocina y su nombre cerca de su biblioteca de imágenes en su hoja de papel. Empieza a pensar en cómo el estilo de tus letras puede contribuir a ese sentimiento general en la composición. Por ejemplo, las fuentes manuscritas pueden sentirse juguetonas y juveniles y creativas. fuentes cursivas pueden sentirse clásicas y elegantes. Las fuentes de bloque pueden sentirse confiadas y audaces. En la misma hoja de papel que tus ilustraciones de alimentos, o puedes usar otra hoja en blanco, empieza a jugar escribiendo el texto que vas a usar en diferentes estilos. Piensa en el título. Piensa en tu nombre. Toma nota si te gusta un estilo particular de fuentes y solo anota algunas opciones de escribirlo a referencia. Ahora en otra hoja de papel, dibuja 10 rectángulos de tamaño pequeño a mediano. Estas sirven como las vistas en miniatura de la portada de tu libro de cocina para crear rápidamente diferentes arreglos de tus elementos sin demasiado apego ni juicio. Esto realmente te ayuda a que el proceso creativo comience a un nivel de bajo riesgo, lugar de sumergirte justo en el arte final de la portada. Este calentamiento, similar a los recortes que hicimos al principio de esta clase, es realmente útil para ver muchas opciones diferentes antes de comprometernos con una idea. Empieza a rellenar cada rectángulo uno por uno, con diferentes arreglos de tus elementos, incluyendo diferentes estilos de tu texto. Piensa en esos elementos de composición que pueden entrar en juego aquí. Movimiento, repetición, escala, valor. Empezar a experimentar con diferentes combinaciones en cada rectángulo. Puedes repetir este proceso para tantas cubiertas en miniatura como quieras. Pero 10 es un buen punto de partida para seguir impulsando hacia nuevas soluciones que pueden no parecer obvias a primera vista. Se puede hacer que todo no tome demasiado tiempo. No los trates como demasiado preciosos. Simplemente realmente bosquejando rápidamente tratando de sacar las ideas en papel. De ninguna manera es la final. Esto es sólo para ver cómo podrían verse los diseños. Ni siquiera queda espacio para el texto. Vamos a probar eso con un bolígrafo más delgado. Sigue adelante y llena todos los muchos y entonces todavía puedes jugar con elementos como el contraste en esto, solo para tener una idea de cómo podría parecer eso. Mirando hacia atrás a este, probablemente llenaría el cuerpo principal del jitomate. Una vez que hayas esbozado al menos 10 bocetos en miniatura, decide con cuál te gustaría seguir adelante para la portada final de tu libro de cocina. Voy a seguir adelante con este boceto. Por supuesto, como hemos visto a lo largo de toda la clase, este boceto inicial es un punto de partida. Es probable que cambie a medida que creas tu trabajo final, pero es el mapa para ponerte en marcha. Ahora, saca una nueva hoja en blanco de papel. Si estás usando esa almohadilla de medios mixtos Cansom XL de nueve por 12 pulgadas, corta una de las hojas de papel a un tamaño de ocho por 10 pulgadas usando un recortador de papel, un cuchillo X-Acto, o tijeras. Ahora, comienza a replicar el boceto de miniatura de elección en tu papel agrandado. Observe lo que puede llenar, lo que está dejando vacío, cómo está llevando el ojo del espectador a través de la portada o llamando la atención sobre elementos clave, llamando la atención sobre el título, en última instancia creando armonía a lo largo de todo el diseño. Una vez que hayas creado tu composición final de portada de libro de cocina, subirla a la sección de proyecto de clase. En la siguiente lección, construiremos digitalmente una composición de portada de libro de cocina usando Adobe Illustrator. 19. Proyecto de clase: digital: Para iniciar esta parte de la clase, abrirás un nuevo documento en Illustrator. Voy a seleccionar este 8 por 10 pulgadas. Voy a mantenerlo en el espacio de color RGB porque estaremos viendo estos en línea en la sección de proyecto de clase. Nuevamente, si fuera a imprimir esto en casa me gustaría esto en el espacio de color CMYK, pero RGB es bueno para este proyecto específico. Entonces me aseguraré de que aún esté en la resolución 300. Entonces haré clic en “Crear”. Ahora, tenemos este nuevo documento. Voy a volver a mi documento patrón y agarrar esos mismos elementos que ya han sido rastreados. Voy a copiarlos. “Comando C”, y pégalos aquí a la derecha de mi tablero. Voy a mover estos elementos por debajo de mi mesa de trabajo por un momento, para que pueda crear otra mesa de trabajo por si acaso quiero experimentar con más diseños y composición antes de comprometerme con una idea como lo hemos hecho en el anterior lecciones. Pero por el trabajo que ya hemos hecho juntos y en lo que me han visto trabajar hoy, tengo una sensación de la dirección que quiero ir. Voy a tirar de esta botella de aceite de oliva aquí arriba y la voy a ampliar. Tengo presionada la tecla Mayús para que mantenga sus proporciones. Entonces lo voy a colocar, puedes alinearte a tu mesa de trabajo. Tengo mi imagen seleccionada. Si voy aquí a la Herramienta Alinear y me aseguro de que esté seleccionada como Alinear a mesa de trabajo, entonces puedo alinearla al centro de esta manera. También puedes alinearlo de esta manera pero no lo quiero tan cerca de la parte superior, así que voy a deshacer eso y dejarlo aquí. Por el espacio, en realidad tampoco lo voy a alinear de esa manera. De verdad digo que puedes practicar alinear y ver cómo te sientes, pero confía en tu ojo. Eso se sintió un poco demasiado lejos a la izquierda, todo pensando en esto como portada de libro de cocina y pensando en esta columna vertebral. Pero como ya comentamos antes, tal vez quieras que algunos de tus elementos se envuelvan a la parte de atrás. Por lo tanto, considera eso también. Sólo voy a seleccionar esta botella de aceite de oliva y arrastrarla un poco hacia abajo. Entonces voy a acercarme aquí y ver si puedo arrastrar esta parte inferior del petróleo hasta aquí. Estoy usando la Herramienta de Selección Directa, voy a hacer doble clic en los puntos de anclaje y solo empezar a jugar arrastrando un poco esto. Esto podría parecer un poco demasiado geométrico, y así podría entrar con el pincel. Sí, eso no me gusta. Voy a borrar eso en realidad, y dejar eso como está por ahora. En realidad voy a mover esta botella hasta un poco, y voy a mover todo esto hacia abajo. Ahora, sé que para mí el texto es anhelo de estar aquí, así que voy a venir al botón Texto. Entonces estoy tratando de pensar qué relleno quiero con el texto. Tengo la Herramienta Tipo, y puedes entrar aquí y mirar. Siempre me aseguro de que si voy a vender este producto al final del día, que el texto que esté usando sea gratuito para uso comercial o que haya adquirido una licencia para ello. Pero en este caso es solo un ejemplo, así que solo busco una sensación que quiero. Yo quiero esto como la cocina creativa. Entonces quiero que sea juguetón y divertido, algo que sea invitador, algo que no es demasiado formal pero tampoco está armado. No lo sé, me gusta esto. Veamos cómo se ve eso más grande. Voy a teclear mi título. Yo lo iba a centrar, pero esto podría ser divertido contra la botella de aceite de oliva. Al principio me estaba imaginando un arriba aquí, lo cual es bonito porque eso crea un círculo con tu ojo, con la composición alrededor del texto. Pero también me gusta aquí abajo porque se está alineando contra esta botella y también está creando una línea a la piscina de aceite. Aunque entonces el espacio sí se siente un poco vacío, así que no estoy totalmente seguro de eso. Lo que voy a hacer es seleccionar todas estas opciones, y luego arrástrela para crear una copia. De esa manera puedo arrastrar este texto aquí al centro. Ahora con él aquí, quiero alinearlo con el medio de sí mismo más que con el alineamiento izquierdo. Ahí está eso. Entonces puede ser más grande en este espacio, pero yo el, EL puede ser más pequeño porque eso no necesita tanta atención. Eso podría ser un poco demasiado pequeño, pero vamos a jugar con él. Ahí está esa idea. Vamos a moverlo una y otra vez. Eso es divertido para mí. A mí me gustan mucho estos dos. Nuevamente, pensando de nuevo en mi tablero de inspiración de Pinterest, me gusta que haya espacio negativo. A mí me gusta que sea sólo una imagen, pero todavía tengo curiosidad. ¿ Qué pasaría si continuara ese círculo que está sucediendo alrededor del texto con algunos elementos alimenticios más? En realidad estoy en este, voy a hacer doble clic en esto para aislarlo y solo voy a mover la botella un poquito. Entonces eso se siente un poco demasiado alto, no me gusta este espacio. Entonces eso se siente un poco demasiado cerca. Ahí está eso. A ver. Me gusta el verde mostaza, pero me gusta el voladizo que accidentalmente dejé por aquí en el espacio de patrones. Voy a agarrar ambos y copiarlos por aquí. Yo los arrastraré hacia arriba. Eso está bien, pero se siente fuera de lugar y distrayendo para mí. En realidad voy a sacar esto por un minuto. Necesito mi nombre ahí. Recuerda, dijimos de quién está por. Voy a añadir eso y a ver si eso ayuda. Lo que sería mejor aquí es en realidad encogerlo hacia abajo y colocarlo justo en alineación con el título, para que todo el texto esté en un solo lugar. Nuevamente, dependiendo de qué imágenes estés trabajando, cómo estás trabajando tu estilo, podría ser muy, muy diferente y podrías tomar acciones diferentes a mí. Pero de nuevo, esa es la belleza de la composición. Puede ser realmente intuitivo. EL es 45 y éste es 37. Están un poco cerca que el tamaño del texto, así que voy a encogerlo así. Voy a bajar un poco esto, pero todavía tengo curiosidad por este. Estoy revisitando eso visualmente y viendo si hay una manera de hacer que eso funcione. Eso podría ser divertido en realidad. Eso elimina ese espacio incómodo que no se llenó como fluido. Sé que el aceite ahora no está saliendo de la parte superior de esto, pero me gusta cómo es una cinta envolviendo alrededor. Casi quiero aislar la botella y moverla un poquito. De verdad, eso me gusta. Eso está funcionando para mí, y voy a eliminar este minúsculo punto de anclaje aquí abajo. Eso es interesante y divertido, así que voy a jugar con eso ahora mismo. Voy a copiar mi nombre aquí a este documento y guardarlo ahí abajo. Entonces voy a mover todo este texto hacia arriba porque eso lo hizo un poco más largo. Ahora, es una cocina creativa, así que mientras estoy jugando con eso empiezo a pensar en lo creativo, y en el pincel, o en un lápiz, y justo esta espátula que tengo aquí abajo también. Entonces voy a volver a copiar todos estos de nuevo. En realidad voy a eliminar esto de aquí y luego colocarlo aquí. De repente, estoy pensando en esto como pintura y no aceite, y así estoy jugando con una opción diferente aquí. Si esto encajara aquí dentro, y esto fuera a encajar aquí, y entonces esto puede recorrer por ahí, me acerco un poco más. Entonces estoy pensando en sólo un pincel aquí mismo. Voy a bosquejar esto solo un poco, así que hay más espacio para respirar con el título. Voy a bosquejar esto sólo un poco. me gusta mucho. Voy a dibujar un pincel para traer aquí. Acabo de dibujar un pincel sobre papel, y voy a tirar eso a este espacio. Puedo hacer eso ingresando “Archivo Lugar” o simplemente puedo seleccionar “Shift Command P”, y encontrarlo en mis Descargas. Aquí está. Yo lo voy a colocar aquí. Es grande. Entonces voy a rastrearlo, para que sea una imagen vectorizada. Blanco y Negro, voy a bajar aquí para Ignorar vista previa Blanca. Veamos cómo funciona esto. Está bien, eso se ve bastante bien. No estoy usando éste, sólo éste. Daré clic en expandir y luego lo voy a desagrupar. Acabo de hacer el comando Shift G en el teclado, eliminar eso, y agrupar estos elementos juntos. Desplazar G y luego traerlos aquí. Voy a encogerlos. Se puede ver cómo el elemento de aceite se convirtió en pintura y esta composición se desplazó por completo desde el punto de partida. Ese es realmente todo el proceso. A veces las cosas están más dispuestas, pero en realidad solo empezar puede darte la idea y llevarte a la solución que ni siquiera sabías que estabas buscando. Estoy muy contento con esto y ahora voy a asegurarme de que encaja, lo que debería, en este espacio. Voy a sacar todos estos elementos de este tablero de arte, y traerlos. Sería una bonita cubierta cuadrada. Podría seguir jugando con esto. Podría golpear aquí sólo para ver si podemos hacer que este rectángulo funcione un poco más. Ese es un espacio realmente incómodo y esto me gustó un poco mejor. Pero sí me gusta cuando esto es un poco arriba en la espátula. Creo que eso se ve bien. Voy a dejar esto como está por ahora, y sólo voy a centrar esto aquí. Lo que tenemos pasando aquí, en cuanto a elementos de composición, es que tenemos el punto focal del texto y nuestro ojo está siendo liderado en este círculo. A pesar de que no hay un círculo completo, es un círculo implícito aquí abajo, nuestro ojo se mueve desde la punta del pincel por aquí, que rodea este texto principal. También puedes jugar con contraste rellenando ciertas áreas. Nuevamente, no nos estamos centrando realmente en el color, pero puedes rellenar ciertas áreas con un relleno más oscuro. Voy a venir aquí y convertir esto en un grupo de pintura en vivo haciendo clic en el cubo de pintura después de haber seleccionado esa sección. Entonces lo hago con éste, y selecciono negro, y lo tenemos. Eso es algo divertido. Eso crea un bonito contraste contra la espalda y ese tipo de espejos e imita el contraste del texto aquí. Si jugamos con eso aquí, no estoy seguro de que pueda ponerse demasiado fangoso. Siento que eso sólo se pone menos interesante. A lo mejor si solo rellenamos una parte determinada. Pero incluso entonces, creo que me gusta esto como un dibujo de línea, así. puede jugar con él, jugar con el contraste del blanco y negro, jugar con la colocación, como podría incluso mover esto aquí abajo. Pero me gusta aquí arriba. De nuevo, creo que esta sería una mejor cubierta cuadrada, porque tenemos este espacio vacío pasando aquí arriba. Pero lo que podríamos hacer para llenar eso, podríamos expandirlo para que la espátula y las pinturas sean más grandes. Ninguno por un momento. En realidad voy a mover estos por aquí para usar la herramienta de pincel de blob. Lo que quiero es que esto esté más cerca. Voy a mover eso ahí y hacerlo más alineado con los fondos de estos dos objetos atrás. Eso está un poco cerca del texto, quiero un poco más de espacio para respirar. Pero realmente lo único que quiero ver es que cabe, esto también es un poco divertido, es que encaja en el espacio. En realidad voy a borrar eso porque no vamos a usar eso. Voy a mover esto al tablero de arte aquí. Esto se está escapando de la página, y así en su lugar, lo voy a aislar y mover esto para que sea un poco más pequeño. Mueve esto aquí abajo, así. Entonces en realidad voy a seleccionarlo directamente y hacer clic en Shift E para mi borrador y borrar esa línea. Entonces de esa manera solo puedo seleccionar este componente superior y borrar eso. Ahora tenemos todos esos. Voy a subir un poco este texto. Me gusta que sea un texto escrito a mano, se siente juguetón, se siente creativo. Entonces voy a venir al pincel de blob. Voy a empezar a dibujar una línea alrededor de esta manera que se ajuste un poco mejor al espacio. Se puede ver que tiene un poco de textura en esa letra también, tan bueno. Eso se ajusta mejor al espacio y creo que entraré aquí y limpiaré un poco esto. Voy a dar click A para obtener la herramienta de selección directa. Entonces de esa manera puedo hacer doble clic en estos anclajes y jalarlos para que quede más transparente. Puedo usar ese mango para ensanchar eso, golpear aquí, y lo mismo con aquí arriba. Me volví un poco locos. Entonces puedo suavizar eso un poco con la herramienta lisa para que no sea una curva tan dura. Entonces creo que quiero hacer esto puntiagudo, el final de este puntiagudo, sólo para que espeje un poco más la punta del pincel. Ahí vamos. Eso me gustó. Me gustó mucho esta plaza, pero porque estamos trabajando dentro del espacio, nuevo, el límite me está ayudando a tomar decisiones sobre mi composición. Esto es con lo que voy a ir. Voy a mover esto solo un poquito y abajo un poquito. Ahí lo tenemos. Ya estoy listo para exportar esto. Voy a mover un poco todo hacia abajo porque se siente un poco demasiado revuelto por la parte superior. Este es un momento en el que podría agrupar haciendo clic en comando G y luego ir a una línea y ver cómo se ve cuando está alineado con el tablero de arte. De nuevo, eso me parece demasiado cerca de la izquierda por este espaciado. Entonces voy a seleccionar todo y sólo empujar hacia la derecha, luego ver qué pasa cuando lo centro en el medio y eso me gusta. Voy a dejar eso ahí. Entonces este es el tablero de arte 3 y una forma de decir que es cuando entras aquí, número 3, está seleccionado, es el más oscuro, es un borde más oscuro que éste. Si fuera a seleccionar dos, eso destacaría éste, si fuera a seleccionar uno, destacaría el equilibrio. Entonces sabemos que es tablero de arte 3. Para exportar esto voy a un archivo, exportar, exportar como, voy a decir tapa de libro de cocina. Voy a guardarlo como JPEG, usar tableros de arte y dijimos que era el número 3. Entonces sólo tres. Por ahora solo lo voy a guardar en mi escritorio, exportar eso, RGB alta. Voy a arte a optimizarlo, y dar click bien. Eso es eso. No puedo esperar a ver qué creas y qué se te ocurre para la portada de tu libro de cocina. Sube a la sección de proyecto de clase y no puedo esperar para contestar tus preguntas y ver tu progreso. 20. Gracias y próximos pasos: Tú lo hiciste. Eso es motivo de celebración porque esta fue una inmersión profunda en la composición. Felicidades por terminar la clase. Fue una alegría tenerte aquí en el estudio Prints & Plants. Espero que te estés alejando con más habilidades y una base sólida para seguir creando esas composiciones convincentes. Yo quiero recordarles que su arte y su visión y su voz, importan. Sigue creando. Sigue agregando belleza a este mundo. Si quieres seguir pasando el rato y hablando todas las cosas arte y comida, entonces sígueme en Instagram @prints_and_plants, y regístrate para mi boletín creativo semanal en printsandplantspress.com. Si quieres seguir aprendiendo juntos, sígueme aquí en Skillshare. No puedo esperar a verte de nuevo pronto, y hasta la próxima vez. A la creatividad y más allá.