Cómo dibujar: línea de aprendizaje

1. ¡Hola!: Hola amigo, soy Liz, ilustradora y agricultora en el norte de Nuevo México. Bienvenido al Estudio Prints & Plants. En esta clase, aprenderemos a usar la línea para construir una base sólida para tu práctica de dibujo. Implementaremos lo que aprendemos creando una tarjeta de recetas ilustrada inspirada en una vieja receta familiar o en tu favorito actual para limpiar en la cocina. Empezaremos nuestra clase desacreditando ese molesto mito que nos decimos : “No puedo dibujar”, para que podamos sumergirnos plenamente en una exploración divertida usando líneas para dibujar con confianza. Empezaremos explorando los elementos básicos de la línea antes probar nuestros calentamientos divertidos de limosna para sentirnos cómodos con nuestros materiales. Practicaremos múltiples ejercicios de línea que explorarán cómo este sencillo pero poderoso elemento de diseño puede crear ilustraciones que sean un reflejo de la forma en que ves el mundo. Aplicaremos lo que hemos aprendido haciendo nuestras tarjetas de recetas ilustradas utilizando las habilidades que desarrollamos a lo largo de esta clase. Entonces, ¿estás listo? Dibujemos. 2. Bye, Bye en las creaciones!: Antes de sumergirnos en el trabajo de línea, quiero abordar algo que escucho todo el tiempo como maestro, y como una frase que solía decirme a mí mismo también, “no puedo dibujar”. Me dije esta mentira por años porque pensé que para dibujar, tenía que parecer de cierta manera o ser totalmente realista o igualar alguna obra maestra histórica. El dibujo tiene cierta presión porque tiene una historia tan larga. El dibujo más antiguo conocido es un grabado en cuevas que data de hace 73.000 años. A primera vista esta historia puede sentirse realmente intimidante y causar dudas para incluso poner pluma a papel, pero la belleza de esta larga historia es que también está llena de una gran variedad de estilos de dibujo. Realismo, abstracción, detalle, sencillez, lo que sea, probablemente lo puedas encontrar. ¿Qué significa esto? Significa que hay mucho espacio para ti y tu estilo de dibujo también. Porque amigo, puedes dibujar y el mundo está ansiando tu estilo único. Aquí te dejamos una gran cita de la ilustradora Lisa Congdon de su libro Find Your Artistic Voice : “El miedo a menudo es un indicador de que estamos en algo brillante o nuevo, algún territorio inexplorado, algo que mecerá nuestra mundo o los mundos de otras personas. Si replanteamos el miedo como un indicador de riesgo, y un elemento esencial en el proceso de encontrar tu voz, es posible que podamos empezar a verlo como un signo positivo, e incluso emocionarnos con ello”. Tenemos ese juicio e incredulidad en la puerta. Es hora de crear. 3. Materiales: La belleza del dibujo es que puedes comenzar con materiales muy mínimos, que probablemente ya tengas en tu casa, un lápiz, o un bolígrafo, y una hoja de papel. Además podrás practicar tu habilidad desde básicamente cualquier lugar con solo un bolígrafo y un cuaderno de bocetos. He creado una lista de materiales y el documento de recursos adjunto en la sección de proyectos y recursos de esta clase. Siéntase libre de referir eso por los nombres y enlaces de marcas que disfruto para reunir las herramientas recomendadas. Hay tantas opciones para elegir cuando se trata de suministros de arte, pero estos son mis favoritos actuales, y recomendaciones para esta clase. Número 1. Un bolígrafo negro o un conjunto de bolígrafos negros de diferentes tamaños. Te recomiendo el juego de rotuladores de ilustración prismacolor premier de siete en negro. Actualmente prefiero esta marca y set porque entrega una línea negra nítida y fluida, y me gusta tener una variedad de opciones cuando se trata del tamaño del bolígrafo. Puedo crear líneas delicadas increíblemente pequeñas con la punta doble de cinco tamaños, o usar la punta del pincel para una línea más fluida. También me gusta usar la punta cincelada para rellenar formas más grandes para el contraste que cubriremos más adelante en esta clase. También me gustan estos bolígrafos porque son resistentes al agua, por lo que tus dibujos están más protegidos de los elementos. Los micrones también son una opción de bolígrafo popular. No obstante, en mi experiencia, he encontrado que tienden a secarse más rápido que el conjunto prismacolor. También he tenido más de una vez cuando se me cayó el micrón y la punta ya no era funcional. Sigo cayendo mis bolígrafos prismacolor de vez en cuando, y no he tenido el mismo tema. Cualquier pluma funcionará para esta clase, no dejes que eso te detenga, pero el conjunto prismacolor es mi recomendación ahora mismo. Número 2. Necesitarás unas hojas de papel en blanco para jugar y experimentar. Esto solo puede ser papel de impresora blanco básico, o papel de periódico para la experimentación, o si quieres algo con un poco más de peso que un diente, recomiendo un cuaderno de bocetos de medios mixtos Canson XL. Te recomiendo usar este cuaderno de bocetos en al menos el tamaño de 10 pulgadas por siete pulgadas para tus tarjetas de recetas cuando creas tu proyecto de clase. Estas tarjetas de recetas van a ser de cinco por siete pulgadas, para que 10 por siete te den algo de espacio extra. También puedes usar algo más grueso como cartulina si quieres, pero me parece que Canson es mi cuaderno de bocetos favorito en este momento. Número 3. Necesitarás una regla para medir tu tarjeta de receta en un rectángulo de cinco por siete pulgadas. Número 4. Necesitarás un par de tijeras y un cuchillo exacto, o un cortador de papel para recortar tu tarjeta de recetas. Una vez que hayas reunido tus materiales, pasemos a hablar del proyecto de clase. 4. Proyecto de clase: Para tu proyecto de clase, crearás tu propia tarjeta de recetas ilustrada de cinco por siete pulgadas usando una vieja receta familiar o un go-to favorito como inspiración. Te recomendaría usar una receta. Recomendarías porque probablemente todos querremos probar los alimentos que compartes en los proyectos de clase. Te recomiendo este tamaño de cinco por siete pulgadas porque es lo suficientemente grande como para escribir tu receta y también ser exhibida como una bonita obra de arte en tu cocina o en la cocina de un amigo. Una vez que selecciones tu receta, elige de uno a tres de los ingredientes enumerados para dibujar en un lado de la tarjeta. Te recomiendo elegir ingredientes que sean visualmente interesantes. Para mí esto significaría que en una receta de guiso, por ejemplo, sería más probable que seleccionara espinacas en lugar de una papa, porque la espinaca tiene un universo de líneas que explorar. Para mí, una papa no es tan intrigante visualmente dibujar. Pero esta es totalmente tu elección creativa y proyecto, y tal vez encuentres que esa papa sea muy intrigante. Elige el ingrediente o ingredientes que más te exciten. Una vez que hayas seleccionado tu uno, dos, tres ingredientes, crearás un dibujo de línea de ellos en un lado de tu tarjeta de recetas usando las habilidades que practicamos hoy en día. En el otro lado de la tarjeta de recetas, escribirás tu receta y por supuesto firmarás y datarás tu creación. Puedes subir tu tarjeta de receta final a la sección de proyectos y recursos de esta clase donde dice crear proyecto. Cuando subas tu tarjeta de receta final, también me encantaría que incluyeras tu tablero de inspiración de Pinterest que crearás en la lección de inspiración de recolección, un breve párrafo sobre por qué elegiste tu receta y ingredientes seleccionados, y escaneos o fotos de tus bocetos de ejercicio que recorreremos juntos. Debajo del botón de proyecto de clase, he compartido un documento de recursos que incluye los materiales recomendados para esta clase y otras clases de habilidades compartidas que hago referencia a lo largo de las lecciones. Por último, asegúrate de hacer tus preguntas y compartir tus descubrimientos a lo largo del camino en la sección de discusión, me encanta escuchar de ti. Muy bien, vamos a sumergirnos en los elementos de línea en la siguiente lección. 5. Elementos de la línea: Antes de poner bolígrafo a papel, vamos a charlar sobre algunos de los elementos de línea. Line es la piedra angular de tu obra de arte. Del mismo modo que una piedra angular es la primera piedra utilizada para construir una base, línea suele ser el primer elemento utilizado en papel, para guiar a los demás elementos de su obra de arte, como el color y la composición. Cuando hablemos de línea, usaremos diferentes palabras para describir este elemento de diseño, incluyendo dirección, por ejemplo, horizontal, vertical o diagonal. Longitud, por ejemplo, larga, corta o mediana. Contorno, también conocido como el contorno de la forma. contorno puede ser muy exacto o puede ser borroso entre objetos. Este desenfoco también se puede referir como línea implícita, en la que la línea no está físicamente presente, pero los ojos de los espectadores aún conectan la información faltante. Líneas continuas, líneas rotas , peso, que también se conoce como el grosor o ancho de una línea. Línea definida, esta es una línea que está físicamente presente y conecta claramente dos puntos. Línea implícita, de nuevo, esta es una línea que no está físicamente presente, pero que sólo está sugiriendo, el ojo del espectador hace la conexión, pesar de que la línea no está todo ahí. Orgánica, también conocida como líneas curvas y fluidas. Geométrica, también conocida como líneas rígidas y angulares. Líneas paralelas y líneas perpendiculares. Las líneas pueden estar solas, cruzarse o unirse. Cuando las líneas se unen, crean formas. A menudo, se piensa que, para que una forma sea una forma verdadera, debe estar totalmente conectada. No obstante, como vimos con línea implícita, una forma también puede ser implícita. Si miramos una forma como esta plaza, eso está todo conectado, lo llamaríamos cuadrado. Pero si echamos un vistazo a esta imagen, nuevo, pero con líneas rotas, nuestra mente y el ojo aún pueden hacer las conexiones entre estas líneas rotas, para llamar a esta forma un cuadrado. Veremos muchos de estos elementos de línea en acción a lo largo de esta clase. Presta atención a los tipos de línea a los que te atraen, cuando creas tu tablero de inspiración y cuando comienzas a crear tus propios dibujos. En nuestra siguiente lección, comenzaremos a reunir inspiración para nuestras creaciones. 6. Búsqueda de inspiración: Entonces ahora es la parte realmente divertida. Recopilación de inspiración. Antes de sumergirnos en nuestros propios dibujos de línea, sugiero crear un tablero de Pinterest. Esto puede ser un tablero público o privado, pero Pinterest es una herramienta increíble juntos un surtido de imágenes para alimentar tu práctica creativa. Para empezar a reunir tu inspiración, haz una tabla. Yo he llamado a la mía Line Inspo. Empecé con una búsqueda de dibujos de líneas. Aquí está la colección que reuní que me inspira. Cuando recojo dibujos de líneas en un solo espacio, puedo comenzar a ver las conexiones de estilos por los que me atraen. Aquí, veo que realmente me encantó la simplicidad, el minimalismo y las líneas continuas fluidas. A mí me gustan las líneas que son confiadas y bien definidas. También me gustan las líneas que son más delgadas, y bastante similares en ancho a lo largo de toda la pieza. Reúna tu inspiración de línea y nota los elementos que discutimos incluyendo línea continua, ininterrumpida, peso de línea, línea definida o implícita así como línea geométrica y curva. Observe cualquier hilo continuo que conecte sus imágenes reunidas para destapar el tipo de trabajo de línea que disfruta. Una Nota sobre el Derecho de Autor. La inspiración es un gran lugar para empezar cuando estás probando algo nuevo o te sientes atascado. No obstante, nunca se quiere tomar directamente de otro artista. Cuando te inspires en una obra de arte o en una fotografía, anota los elementos que te alimentan, en lugar de copiar directamente lo que ves. Dylan Mierzwinski tiene una gran visión general de cómo hacerlo en su clase, “Niveling Up Your Art Game”, que he vinculado en el documento de recursos adjunto en la sección de proyectos y recursos. En el siguiente apartado, comenzaremos a dibujar. 7. Dibujo es la observación es: Antes de poner bolígrafo en papel, es tan importante conocer realmente tu tema. Te recomiendo ir a tu mercado de granjero local o tienda para recoger tus ingredientes seleccionados para usarlos para tus dibujos de línea. Te recomiendo trabajar desde el verdadero trato en lugar de una fotografía porque podrás presenciar tantos más matices y detalles interesantes con el tema que nos ocupa que pueden perderse en una foto. Dicho esto, si una fotografía es todo lo que tienes para trabajar y definitivamente es un gran punto de partida y mucho mejor que no empezar en absoluto, no dejes que este punto te detenga. Solo asegúrate de que la fotografía sea la que te tomas tú mismo, o si usas una desde Internet, asegúrate de que sea de uso personal solo, por ejemplo, para practicar tus habilidades de dibujo en esta clase. Una vez que tengas a tu sujeto a la mano, es hora de presionar, “Pausa”. Uno de los elementos clave del dibujo es frenar lo suficiente para ver verdaderamente tu tema. ¿ Con qué frecuencia nos tomamos tiempo para frenar en el día para apreciar lo que tenemos ante nosotros? Nuestros cerebros piensan que conocen objetos a nuestro alrededor. Por ejemplo, si digo “Árbol”, entonces es muy probable que una imagen visual de un árbol aparezca en tu mente. Para mí, ese árbol es una forma de contorno bastante rugosa con algunas hojas detalladas. Pero si voy directamente a un árbol y lo examino de cerca, descubro cientos de detalles que no me vinieron a la mente en el recuerdo inmediato. Hay texturas y líneas que corren por la corteza, líneas que van por muchas direcciones a lo largo de cada hoja, detalles ocultos en la hierba debajo del árbol. Para empezar a dibujar, debes frenar lo suficiente como para ser testigo de verdad de tu sujeto. Es aquí cuando se pueden hacer nuevos descubrimientos y conexiones. En una nota paralela, este concepto también se aplica a las personas en nuestra vida, amigos, socios, vecinos, hermanos. Cuando conocemos a alguien desde hace mucho tiempo, podemos pensar que sabemos todo acerca de ellos, pero cuando bajamos la velocidad y nos mantenemos abiertos a nuevos descubrimientos, llegamos a encontrar aún más detalles, peculiares, y cualidades únicas para amar. Entonces toma tu tema, tu ingrediente, en tu mano, si vas a usar múltiples ingredientes en tu dibujo final, solo empieza con uno ahora mismo. Sin dibujar ni escribir, basta con hacer una nota mental de sus líneas. Toca el sujeto y siente la textura de esas líneas. Observe los patrones que crean esas líneas. Observe las formas que aparecen por las líneas que se unen. Observe cómo su ojo viaja a través de la superficie de su sujeto. ¿ Te queda el ojo en algún lugar en particular? ¿ O está en continuo movimiento? ¿ Qué elementos hacen que tu ojo se mueva de esta manera? Considera los elementos de línea que discutimos anteriormente y qué elementos ves ahora en tu tema. ¿ Las líneas son orgánicas o geométricas? ¿ Están rotas o continuas? ¿ Cómo es el peso de línea? ¿ Es grueso, delgado o variado? Es probable que ocurra una combinación de elementos, así que solo haz una nota mental de lo que observas. También podría anotar estas notas en un trozo de papel. Al observar su tema, lo honra y lo aprecia. Estás creando un sentido de conexión y una comprensión más profunda del objeto antes de sumergirte en tu representación del mismo en papel. Cuando nos tomamos este tiempo, antes de sumergirnos, podemos crear arte con más intención, atención, y respeto. En la siguiente lección, es hora de poner bolígrafo a papel. 8. Calzón de calzado: contorno: Pongamos bolígrafo a papel. El motivo por el que recomiendo usar lápiz para estos ejercicios de línea es porque elimina la posibilidad de considerar errores demasiado pronto y borrarlos en lugar de aprender de ellos. He visto este ritmo una y otra vez en las clases que imparto. Cuando hay disponible un borrador, los estudiantes suelen empezar a borrar su trabajo antes de haber estado con el dibujo el tiempo suficiente para saber si el error percibido es realmente algo a eliminar. Cuando usamos lápiz con estos ejercicios, tenemos la oportunidad de aprender de lo que llamamos errores o incorporarlos a nuestra obra de arte. Abraza los errores. Creo que los errores son en realidad oportunidades para crecer, para aprender, para mejorar, así que abrástrelos. También hay cierta belleza que viene cuando usas un bolígrafo porque requiere que tengas confianza en las líneas que pones en papel. Es más difícil ser tímido con tinta que con lápiz. Debes confiar en tus decisiones, comprometerlas con el periódico y aprender de ellas a medida que avanzas. Pero aún así, sin presión. Todo esto se trata de aprender. Abraza las imperfecciones y encuentra cómo pueden realmente realzar la belleza de tu obra de arte y embellecer tu estilo específico. Parte de la magia de las artes, después de todo, es la oportunidad de conectar con el trabajo, sabiendo que una mano humana estaba detrás de él. Para este primer calentamiento, vamos a hacer un ejercicio llamado contorno ciego. Agarra tu bolígrafo, una hoja de papel en blanco, y tu ingrediente que has seleccionado como tu primer tema. Este ejercicio es un reto realmente divertido porque dibujas la línea de contorno, también conocida como la línea exterior de tu sujeto. Pero hay una trampa. No puedes mirar tu papel mientras haces esto. El único lugar donde pueden ir tus ojos es en tu tema. Así como cuando observamos nuestro tema en el dibujo es lección de observación. Aquí están observando a sus súbditos, pero más que simplemente observar, esta vez están documentando lo que son testigos. Este reto de no mirar el papel es un ejercicio maravilloso para liberar juicio de tu dibujo y caer en los patrones que tienes ante ti. Aquí hay una cita sobre el contorno ciego de un autor llamado Sam Anderson, “El objetivo del dibujo ciego es ver realmente lo que estás mirando, fusionarse casi espiritualmente con él en lugar de retirarse en tu imagen mental del mismo. Nuestros cerebros están diseñados para simplificar, para reducir el tumulto del mundo en orden. dibujo ciego nos entrena a mirar el caos, a honrarlo. Es un acto de meditación, tanto como una práctica artística, una puerta de entrada al ser puro. Nos obliga a estudiar el mundo como en realidad es”. Aquí tengo mi trozo de espinaca. O puedo sostenerlo o simplemente colocarlo delante de mí. Para este ejercicio, a menudo es más fácil tener a tus sujetos fijos en tu mesa. Voy a poner un temporizador para todos nosotros durante tres minutos para hacer este ejercicio. Se puede configurar un temporizador para cualquier período de tiempo. Animo mucho experimentar con enlaces de cinco minutos, 10 minutos, 15 minutos, y aún más. Pero tres minutos serán nuestro punto de partida por ahora mismo. Ahora antes de comenzar, voy a elegir un punto en el contorno del tema. Mi ojo está descansando justo aquí, y ahora pongo mi bolígrafo a papel para empezar. Ahora estoy iniciando un temporizador, y tú puedes hacer este ejercicio a mi lado. Voy a ir muy despacio, como el ritmo de caracol despacio. Estoy moviendo el ojo y la mano al mismo tiempo alrededor del contorno de este tema. Yo sólo estoy dibujando la línea. No estoy incluyendo sombra o una textura aunque la vea. Yo sólo estoy dibujando la línea exterior. No dejes que te vaya el ojo demasiado rápido. De hecho, para este ejercicio, no quiero que termines el dibujo dentro de los tres minutos. Yo quiero que vayas tan despacio que solo termines parte del dibujo. Muévete como si tu ojo y tu mano estuvieran conectados por una cuerda, para que a medida que tu ojo se mueve, tu mano se mueva al mismo ritmo. Ahora mismo, tu mano está grabando exactamente lo que ve tu ojo. Se trata de una traducción directa de su observación. No estás viendo el papel tan tentador como es. Esto es acumular tus músculos de observación y dibujar. Igualmente importante, también es construir una confianza que tu mano pueda traducir lo que ves, así que no mires. Sé que es tentador mirar tu papel, pero haz lo mejor que puedas para mantener tus ojos sólo en tu tema. Si sientes que tu bolígrafo se va del papel a la mesa, eso es genial. Eso significa que no estás mirando. Simplemente echa un vistazo rápido para volver a colocar tu bolígrafo en tu página donde sientes que es lo más cercano a donde lo dejaste y sigue adelante. Se acabó el tiempo. Este dibujo no es de ninguna manera una interpretación realista o perfecta de mi tema. Pero sí me dio una nueva comprensión de este ingrediente. Empecé a presenciar nuevas curvas y líneas que no vi al principio. ¿ Qué nuevos detalles notaste en tu tema con este ejercicio que no viste a primera vista? Asegúrate de subir un escaneo o foto de tu dibujo de contorno ciego cuando crees tu proyecto de clase para que podamos ver tu proceso. En la siguiente lección, vamos a hacer otro calentamiento, y sí, esta vez definitivamente puedes mirar el papel. 9. Warm de 2: muchas líneas: Ahora vamos a hacer algunas marcas en papel. Nuevamente, esta vez puedes mirar. Vamos a practicar dibujar algunos de los tipos de líneas que discutimos en los elementos de la lección de línea. Se puede practicar haciendo líneas orgánicas, líneas geométricas, líneas paralelas, líneas continuas largas, líneas rotas cortas, lo que se llame. Al marcar estas líneas en papel. Observe cómo los diferentes tipos afectan el movimiento y la sensación de la pieza. Por ejemplo, cuando miro estas líneas orgánicas curvas, siento una sensación de calma, paz y centrado. Cuando miro las líneas angulares y geométricas, siento una sensación de juego y sencillez, y también una ligera sensación de rigidez. Este tipo de líneas se pueden utilizar para formar obras de arte que están arraigadas en el realismo o la abstracción. Tiempo de definición. realismo es un tipo de arte que representa al sujeto en cuestión lo más directamente posible. Por ejemplo, Kendyll Hillegas es una ilustradora de alimentos que también enseña aquí en Habilidades liebre, y hace un trabajo increíble de renderizar comida de manera muy realista. Recomiendo encarecidamente mirar su trabajo para más ejemplos. La abstracción, por otro lado, es un tipo de arte que quita mucho de los elementos realistas para enfocarse en cambio en una emoción o un sentimiento. abstracción puede hacer referencia a un sujeto real como punto de partida, pero ramificarse de la realidad centrándose en cambio en líneas y colores, texturas, y composición, más que en una traducción directa del tema. Personalmente, mi trabajo suele caer en algún lugar del medio. Cuando empecé a dibujar, me sentí presionada para que todo fuera hiperrealista. Pero este no era en realidad mi estilo preferido ni lo que mi voz creativa me decía que hiciera. Cuando empecé a soltar esta expectativa y confié en mi mano y ojo, pude descubrir mi propio estilo el cual hace referencia a la realidad como punto de partida pero luego juega con la eliminación del detalle y experimentos con el color para crear un estilo de ilustración plana. Un estilo plano suele significar que los dibujos y las imágenes no tienen sentido de profundidad. El realismo suele tener más profundidad usando sombra y perspectiva. Personalmente me encanta el estilo plano porque a mí aparece y es simplemente lo suficientemente diferente de la realidad que me parece intrigante y juguetón. Aquí no hay bien ni mal. Estos son diferentes enfoques y estilos para el secado. Te animo mucho a que encuentres el mejor ajuste para ti mientras practicas. Si quieres aprender más sobre el realismo y el dibujo, recomiendo mucho clase Kendyll Skillshare, dibuja cualquier cosa. Técnicas básicas para proporciones realistas. He vinculado a esta clase y a la guía de recursos que se enumeran a continuación. Ahora que tenemos algunas de estas diferentes líneas en papel, echa otro vistazo a tu tema, observa y haz una nota mental o anota en tu cuaderno de bocetos los tipos de líneas que están presentes y cómo interactúan entre sí. ¿ Cómo las líneas movieron tu ojo alrededor de tu ingrediente? En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo simplificar su asignatura para un enfoque mínimo al dibujo de líneas. 10. Cómo simplificar un tema: Ahora que todos estamos calentados, es hora de sumergirnos en algunas técnicas de línea para dar vida a tu sujeto en el papel. Nuevamente, estoy enseñando desde un estilo de ilustración más plano y sencillo porque ese es mi enfoque personal y preferencia. Si quieres profundizar en el realismo, recomiendo la página de Skillshare de Kendyll Hillegas. El ejercicio de primera línea es todo sobre la simplificación. A menudo, cuando nos acercamos a un tema ya sea un paisaje o una naturaleza muerta, puede sentirse increíblemente abrumador tratar de capturar todos los detalles en papel. Este ejercicio ayuda a simplificar el proceso solo eligiendo las líneas necesarias del tema. Toma tu tema y ponlo ante ti. Sólo nos estamos centrando en la línea aquí, sin sombreado. También para este ejercicio, mantén el mismo peso de la línea o su grosor a lo largo de tu dibujo. Mira tu tema y pregúntate, ¿qué líneas son necesarias? Esto toma algunas decisiones creativas y elección artística de ti. Se llega a decidir qué incluir. Por ejemplo, con esta espinaca elegiría esta línea central, definitivamente elegiría todo el contorno de contorno. Escogería sólo algunas de las venas radiantes de la línea central, pero no todo el detalle. ¿ Cuánto detalle podrías eliminar sin dejar de referenciar de nuevo a tu tema? Puede comenzar dibujando el contorno o la línea exterior de su sujeto antes de pasar a algunas de las líneas interiores. Pro tip, si te sientes totalmente abrumado por dónde empezar, te escucho. Una opción para empezar es tomar una foto de tu tema, imprimirla y luego usar papel de calco para trazar sobre la foto para tener una sensación de las líneas de tu ingrediente. Alternativamente, si tienes un iPad y Procreate, puedes tomar una foto con tu iPad, abrirla en Procreate, crear una nueva capa, reducir su opacidad, usar un color que brote que realmente puedas ver, y trazar sobre la imagen. Esto te ayudará a calentar y conocer directamente tu tema antes de traducir al papel. Una vez que hayas hecho esto, pasa a tu periódico y continúa con el ejercicio. Haz algunas iteraciones simples de tu tema donde elimines el detalle. Nuevamente, así como nos movíamos despacio con contorno ciego, muévanse realmente despacio e intencionalmente aquí también. Haz esto un par de veces para que con cada versión, elijas diferentes líneas para incluir y excluir. Observe cómo cambia el movimiento visual con cada dibujo dependiendo de aquellas elecciones que haya realizado. ¿No es eso asombroso? Tu elección creativa y observación pueden crear una obra de arte completamente nueva cada vez que pongas lápiz a papel. Al mirar tus dibujos, es posible que encuentres que algunos sienten que les falta demasiada información. Pero esta es una gran práctica para ponerse cómodo dejando espacio en la página. El valor del espacio. Puede haber esta tentación de llenar cada rinconera, ya sea en una hoja de papel, un estante vacío y una casa, o incluso en silencio con otra persona. Pero cuando empieces a quitar los detalles, puedes abrir espacio de respiración en tu dibujo de línea para que el ojo se mueva y descanse en diferentes puntos a lo largo de tu pieza. Dependiendo de tu estilo y preferencia, esto puede ser realmente agradable visualmente. También con estrictos dibujos de línea que son tinta negra sobre papel blanco, la sensación de espacio también puede aumentar el contraste lo que puede crear una sensación de equilibrio. Discutiremos esto más en la lección de contraste de esta clase. Pero si eres un amante total del detalle y lo anhela, no te preocupes, estamos buceando en todos los detalles en nuestra próxima lección. 11. Sumérgete en los detalles: En contraste con el último ejercicio en el que simplificamos nuestra materia, en este ejercicio, incluirás cada detalle que puedas. Cada línea, marca, spot, incluye todo lo que puedas observar. De nuevo, esto es simplemente pegarse con línea, sin sombreado, y usar el mismo ancho de línea a lo largo de todo el dibujo. Puedes jugar con líneas corriendo fuera de la página o mantenerlas todas dentro de la frontera. Esto empieza a entrar en el tema de la composición, sobre el que voy a estar impartiendo una clase pronto también, pero puedes empezar a jugar con esas decisiones aquí también, solo para ver cómo afecta el movimiento de tu ojo a través de la página. Por ejemplo, aquí con mi misma espinaca, no estoy tomando esas decisiones de qué incluir, pero en cambio estoy anotando cada detalle que veo. En lugar de sólo esa línea de contorno, y la línea central principal, y algunas líneas irradiantes, voy a incluir muchas de esas líneas que no fueron mencionadas en el ejercicio de simplicidad. Todas estas venas más pequeñas, algunos de los detalles que veo a lo largo de la hoja, voy a anotar todos esos abajo en papel. A lo mejor este tipo de detalle es tu preferencia, lo cual es totalmente genial. A lo mejor este detalle campos desordenados y ocupados. De nuevo, esto se reduce a tu estilo y a tu forma de crear, así que confía en ello, confía en lo que disfrutes. A menudo hay un medio feliz entre el último ejercicio de simplicidad y este ejercicio de detalle, que exploraremos en la siguiente lección. 12. Elección creativa: Para este tercer ejercicio, vuelve a dibujar tu mismo tema, pero esta vez, elige cuánto detalle deseas incluir. Podrías ir increíblemente mínimo, y solo hacer el contorno. Podrías incluir muchos detalles, o encontrar ese medio feliz entre los dos. Agrega las líneas que te intriguen o que creas que son visualmente interesantes, y aún se adhieren a línea de igual anchura, sin sombreado. Con mi espinaca, voy a aplicar este ejercicio. Puedes verme trabajar. Con estos tres ejercicios, podrás empezar a ver y entender mejor tu tema, así como comenzar a encontrar tu estilo de dibujo, y preferencia por el detalle y la simplicidad. En la siguiente lección, comenzaremos a jugar con el peso de línea, para descubrir cómo esto influye en el movimiento de tu dibujo de líneas. 13. Grosor del trazo: Usando el dibujo que acabas de hacer en el ejercicio tres, ese espacio de detalle medio feliz. Vas a empezar a jugar con Peso de línea. Echa otro vistazo a tu tema y anota áreas donde la línea se ensancha o se mantiene delgada. Observe cómo este cambio y peso de línea afecta la forma en que su ojo se mueve a través de la superficie de su sujeto. Usando tu mismo bolígrafo o si tienes un paquete de bolígrafos con diferentes anchuras, escoge el siguiente tamaño hacia arriba, luego regresa a tu dibujo desde el ejercicio 3 para comenzar a ensanchar aquellas líneas que son más gruesas en tu sujeto. Por ejemplo, estoy usando un bolígrafo O3 en este momento de ese pack PRISMACOLOR. Al mirar a mi sujeto, noto que la línea central de la vena es más gruesa. En mi dibujo podría usar mi mismo bolígrafo, el O3, y dibujar sobre esta línea en esta zona para ampliarlo. También podría usar el siguiente tamaño hasta el O5 para ensanchar las líneas. Esto es realmente divertido si tienes un multi pen packs que puedes variar los anchos a lo largo de tu dibujo dependiendo del lápiz que utilices. peso de línea puede agregar un mayor sentido de dimensión, interés y movimiento a su dibujo de línea. Es un cambio o adición muy simple, pero puede cambiar por completo cómo se siente una obra de arte. Empieza a notar tanto en tu tema como en tu dibujo cómo el peso o el ancho de la línea afecta la forma en que tu ojo se mueve a lo largo de la obra de arte. Observe si su ojo se queda más tiempo en cierto espacio o si ha dado lugar a un área diferente de su dibujo. Experimenta con esto, puedes seguir agregando a tu dibujo actual o hacer otro dibujo de línea de tu sujeto y cambiar el peso de línea a medida que vas usando tus diferentes bolígrafos. En la siguiente lección, vamos a explorar cómo usar contrastes para agregar una sensación de equilibrio y energía a tu dibujo. 14. Contraste: Ahora que tienes tu dibujo de línea en papel, es probable que tengas áreas donde se unen las líneas para hacer diferentes formas. Si no lo haces, entonces has optado por ir una ruta muy mínima, como sólo un contorno. Eso también está bien, veremos ambos ejemplos. Este es un ejercicio para crear contraste en tu dibujo de líneas, para agregar un sentimiento diferente al trabajo, el interés visual, el movimiento y una sensación de equilibrio. Vamos a empezar a rellenar ciertas áreas de tu dibujo de línea con tinta negra. Te recomiendo seguir trabajando con un bolígrafo negro aquí. Cuando nos apegamos al blanco y negro, realmente puedes empezar a ver cómo el contraste solo puede crear una obra de arte completamente nueva. En caso de que tu dibujo de línea tenga múltiples formas, usa tu lápiz para comenzar a rellenar algunas de esas formas con negro. Existen algunas formas diferentes en las que puedes hacer esto dependiendo del efecto y la textura que prefieras. Un ejemplo es el eclosionamiento cruzado. Una opción para oscurecer ciertas áreas sería usar eclosionamiento cruzado. Aquí es donde usas líneas para rellenar lentamente tu forma. Dependiendo de cuántas líneas uses y a qué distancia estén espaciadas afectará lo oscuro que parezca este espacio. Por ejemplo, si solo uso unas pocas marcas yendo en una dirección, esto todavía se sentirá bastante ligero. Si agrego más líneas a estos espacios, empieza a parecer más oscuro. Puedo mantener todas estas marcas yendo en la misma dirección, o puedo crear líneas en la dirección opuesta para seguir llenando el espacio. Otra opción es llenar el espacio usando puntos en lugar de líneas. Se trata de un efecto puntillismo donde la cantidad de puntos utilizados transmite el valor o la oscuridad del espacio. Más puntos tienen un aspecto más oscuro, menos puntos tienen un aspecto más claro. También puedes variar el espaciado entre los puntos para lograr una apariencia oscura o clara. También puedes ponerte realmente creativo y llenar los espacios con diferentes líneas como quieras. Esta es una forma divertida de experimentar con tu estilo y crear un divertido variado sentido de textura. Las líneas que podrías elegir para crear podrían ser líneas en zigzag, líneas curvas orgánicas, círculos abiertos, garabatos, ondas, lo que quieras, diviértete y juega aquí. Otra forma de lograr un nivel de contraste realmente intenso es usar un bolígrafo más grueso. Me gusta la punta cincelada y el paquete prismacolor para llenar los espacios. Esto crea un negro increíblemente rico e intenso que realmente realzará el contraste entre tu papel adecuado y tu dibujo, lo que puede crear una sensación de intensidad visual y también una sensación de equilibrio. Nota al margen, hablemos de equilibrio por un momento. Hay muchas maneras de crear un sentido de equilibrio en una obra de arte, y mucha de esta comprensión vendrá de tu práctica y experimentación. Pero por ahora, hablemos de algunos de los conceptos básicos del balance. Cuando se trata de equilibrar, existen tres categorías principales que puedes considerar a la hora de crear tu dibujo. Número uno, simetría. simetría es cuando los elementos de tu dibujo están exactamente equilibrados a ambos lados del centro de tu página. Si doblaras tu dibujo por la mitad los elementos encajarían por completo y se duplicarían entre sí. La simetría es una imagen de espejo a ambos lados. Número dos, asimetría. Al principio puede parecer que la asimetría se sentiría desequilibrada, pero en realidad puede crear una sensación de equilibrios visuales al igual que la simetría. Con la asimetría, los dos lados de tu obra no son una imagen espejo, sino que aún se equilibran entre sí por el uso del peso visual. Esto se puede lograr organizando elementos opuestos a lo largo de tu página. Por ejemplo, claro y oscuro, grueso y delgado, negativo o vacío y espacio positivo o lleno, pequeño y grande, simple y complejo. El tercer tipo de balance es radial. Otro ejemplo de simetría encontrada por toda la naturaleza es la simetría radial. simetría radial es cuando hay asimetría alrededor de un eje central de todos modos lo cortas, por ejemplo, una estrella de mar o esta obra de arte. Ahora volver al contraste. Cuando mires tu dibujo, considera las áreas que quieres rellenar para crear esta sensación de equilibrio. Si oscureces una forma justo al lado de un espacio en blanco, aumentarás la energía y el contraste de esa área de tu obra de arte. Si has optado por un dibujo de líneas muy sencillo, como el contorno del sujeto, entonces todavía puedes jugar con contraste. Podrías rellenar el interior de tu sujeto con negro, o podrías rellenar el fondo con negro, inmediato puedes ver que esto crea un nuevo nivel de intensidad. La página es realmente tu patio de recreo para encontrar el estilo que quieres usar. Se puede empezar a equilibrar el contraste que aquí vemos entre esta zona oscura y esta área blanca pensando en dónde podemos poner otra forma oscura. Ya tenemos dos yendo por aquí y eso crea una tensión alrededor del espacio en blanco central. Pero y si pensamos en cómo podemos dibujar el ojo sobre esta sección también usando este pincel de cincel o usando un método de relleno diferente. Ya que tenemos muchos oscuros por aquí, si miramos este lado de la hoja de espinacas y pensamos a dónde queremos que vaya el ojo. Estoy pensando que estaría bien que el ojo se dirigiera hacia arriba en esta forma en lugar de directamente a través ya que tenemos mucha de esa acción ya aquí mismo. Estoy mirando esta forma aquí mismo para rellenar. Llenemos eso y veamos cómo eso afecta el movimiento de nuestro ojo. Normalmente no habría engrosado esa zona pero viste que mi marcador, o mi bolígrafo se deslizó un poco, así que solo quería tratar de fusionar eso en el que pudiera hacer un poco más de entonces realmente llevar eso arriba, aquí. Ahora vemos, alejarnos, que esta zona oscura se equilibra a pesar de que no es directamente simétrica. Estos son todos nuestros ejemplos de antes también. Pero incluso eso no es exactamente simétrico, aún le da una sensación de equilibrio a este rincón aquí abajo de la hoja porque es esta oscuridad, por lo que se refleja a través. Cuando se trata de este contraste blanco y negro, se puede jugar con estrictamente dos tonos de contraste, blanco y negro o se puede jugar con un tercer medio tono para llenar algunos de los huecos. Esto disminuirá la intensidad de contraste que se ve con estricto blanco y negro. El medio tono crea un momento de transición entre los dos valores para permitir que el ojo se mueva más lentamente del blanco brillante al negro rico. Puedes crear este medio tono dibujando menos tramas cruzadas que las oscuras más oscuras. También podrías jugar con cinco valores del blanco al negro para crear una transición aún más lenta. Puedes crear los tonos variables con la cantidad de escotillas cruzadas que utilices. Además, si estás usando lápiz por el camino, entonces puedes crear esta variación de tono por la cantidad de presión que aplicas desde tu lápiz al papel. Pro tip, hacer copias. Te sugiero hacer copias directas de tu dibujo de línea. Puedes hacer una foto y enviarla a la impresora o usar una copiadora para hacer copias, imprimir tus copias en blanco y negro. De esta forma tienes múltiplos de tu dibujo para jugar. Por ejemplo, puedes usar uno para rellenarlo solo en blanco y negro. Puedes agregar líneas texturizadas a otro, o puedes jugar con los cinco tonos y otro. Cuando hagas esto, toma nota de cómo cambia cada dibujo a medida que tomas diferentes decisiones por contraste. ¿ Cómo se siente el dibujo con solo blanco y negro en comparación con el dibujo texturizado? ¿ Cómo mueve el dibujo con tres tonos el ojo manera diferente a través de la pieza que el trabajo con sólo dos tonos? Con este ejercicio, realmente puedes empezar a explorar cómo hacer pop tu dibujo y hablar con tu espectador. En la siguiente lección vamos a aplicar todas las habilidades que hemos aprendido para crear tu propia tarjeta de receta ilustrada. 15. Tarjetas de recetas: Muy bien amigos, aquí estamos, ustedes han practicado, han construido su músculo creativo. Estás listo para crear un hermoso proyecto. Para empezar, saca un pedazo de papel de tu cuaderno de bocetos. Nuevamente, recomiendo las latas y el exilio de media media media pad. Usa tu regla para medir un espacio de cinco por siete pulgadas y yo usaría lápiz para esto, que puedas borrarlo al final una vez que hayas cortado tu proyecto hacia abajo. Este es el tamaño típico que me gusta usar para las tarjetas de recetas ilustradas porque son lo suficientemente grandes para escribir la receta en la parte posterior y exhibir como una hermosa obra de arte en la cocina. Ahora, usando las escalas y ejercicios que hemos practicado juntos hoy, roba sus 1, 2, 3 ingredientes elegidos en un lado de sus tarjetas. En la parte trasera, escribe tu receta y no te olvides de firmarla y fecharla con tu nombre en la esquina inferior derecha. Ya has hecho esta obra maestra después de todo. Asegúrese de escanear o fotografiar su tarjeta de receta terminada para su custodia. Si lo desea, puede laminar su tarjeta para evitar que se salpice mientras cocina también. Si deseas digitalizar tu boceto en formato vectorial, recomiendo visitar mi dibujo digital de clase, cómo hacer de tu boceto un vector en tres sencillos pasos, para un flujo de trabajo sencillo para vectorizar tus dibujos de línea. He vinculado esa clase en el documento de recursos. También recomiendo encarecidamente la clase de habilidadesde Dylan Mierzwinski, digitalizando bocetos dibujados a mano con carácter. También he vinculado esta clase en el documento de recursos. Si te divertiste haciendo esta tarjeta de recetas, también puedes considerar hacer un juego de tarjetas de recetas, con tus comidas favoritas o crear algunas tarjetas con espaldas en blanco para regalar a amigos para que rellenen sus propias recetas. Asegúrate de compartir tus creaciones en la sección de proyecto de clase en esta clase, no puedo esperar a ver tus hermosos dibujos de línea y probar tu deliciosa comida. Ojalá pudiéramos llamar a reunirse para un potluck con nuestras creaciones. ¿No es así? 16. ¡Reflexiones finales y agradecimientos!: Es tal explosión contigo en la clase de hoy. Espero que te vayas con más conocimiento y competencia creativa para seguir dibujando lo que ves en este mundo. Tu enfoque, tu estilo, tu visión, importan. Sigue apareciendo a la página, sigue creando y sigue compartiendo tu obra de arte. Realmente no quiero que termine esta fiesta. Si quieres pasar el rato y seguir charlando sobre todas las cosas comida y arte, sígueme en Instagram @prints_and_plants. Si quieres obtener una dosis semanal de inspiración creativa, recetas y tras bambalinas picos de estudio, únete a mi newsletter en printsandplantspress.com. Si quieres seguir aprendiendo juntos y asegúrate de seguirme aquí en share de habilidad. No puedo esperar a verte de nuevo pronto amigo, hasta la próxima vez a la creatividad y más allá.