Color expresivo: domina la armonía y la percepción en la fotografía y el video

1. Introducción: Años atrás, cuando agarré por primera vez la cámara, me atrajo la simplicidad y belleza de la película en blanco y negro Posteriormente, al comenzar a trabajar profesionalmente con la fotografía digital y el video, todavía me tomó años apreciar plenamente el poder del color como herramienta para la expresión creativa. Decidí profundizar en investigar y entender cómo el color podría elevar mi trabajo Y me emociona compartir las ideas clave que transformaron totalmente mi enfoque aquí. Soy Robert y me emociona darle la bienvenida a esta clase sobre armonía del color y percepción del color. Como creativo con casi dos décadas de experiencia en fotografía y cine, me he dado cuenta de que una comprensión clara del color es esencial para cualquiera que quiera llevar sus imágenes al siguiente nivel En esta clase, exploraremos principios a menudo pasados por alto de la ciencia del color que pueden marcar una profunda diferencia en su expresión como narrador visual Si eres un principiante completo o tienes años de experiencia, te irás equipado con muchos conocimientos e ideas prácticas para ayudarte a evaluar y manipular el color con confianza. No solo discutiremos aspectos técnicos o ideas para mejorar su flujo de trabajo de gradación de color. También veremos cómo los medios tradicionales como pintura o la fotografía analógica, pueden informar nuestro uso del color en el mundo digital. Aprenderás a crear armonía. Aprenderás a aprovechar al máximo tus colores para que puedan comunicar claramente tu visión artística. Aprenderás a usar el color para dirigir la atención de tus espectadores y experimentar con intensidad para crear fotografía y video que resuene y sea impactante para tu A lo largo de la clase, estaré compartiendo ejemplos de obras de arte clásicas, fotografía histórica de dominio público, algunas fotografías digitales y videoclips que me he llevado, además de demostrar algunas técnicas usando Photoshop Light room y Final Cut Pro. No te preocupes si estás usando una aplicación diferente. Siempre y cuando tenga curvas RGB, podrás seguir y aplicar estos principios a tu propio trabajo. También te estaré mostrando algunas imágenes editadas en el Hanser, una aplicación de emulación de películas y taponamiento que complementa maravillosamente los conceptos que estaremos explorando Por cierto, esto no es obligatorio, pero la respuesta es una aplicación que utilizo para gran parte de mi trabajo y permite tanto en cuanto color que no puedo recomendarla lo suficiente. Puedes obtener un 10% de descuento usando el código de afiliado loco por el color al comprar cualquiera de sus complementos desde su sitio web. Si eres fotógrafo, cineasta, o simplemente un creativo o un artista que busca expandir tu lenguaje visual, puedo decir que esta clase es para ti Únete a mí en este viaje hacia el increíble mundo del color, la armonía y la percepción, y prepárate para ver tu trabajo bajo una luz completamente nueva. 2. Descripción general y proyecto: Bienvenidos a esta clase sobre armonía del color y percepción del color. Estoy emocionado de sumergirme en este fascinante mundo del color contigo. Antes de que empecemos, quiero darte una visión general rápida de lo que vamos a estar cubriendo y en qué trabajarás a lo largo de esta clase. Nuestro enfoque principal será comprender los principios básicos de la percepción del color. Explorar la relación entre el color y la luz, y aprender a evaluar y manipular el color de manera expresiva. Mucho de lo que voy a estar hablando es muy subjetivo. Todos podemos tener diferentes ideas sobre cómo se supone que debe ser una buena imagen con buenos colores. Mucho de esto se basa en nuestra propia experiencia y contexto que nos rodea, pero mi esperanza es explicar todo de tal manera que puedas aprender los principios para que puedas aplicarlos a tu propio trabajo artístico creativo. Para el mismo propósito, también discutiremos algunos enfoques e inspiración de medios tradicionales como la pintura y la fotografía cinematográfica, para que puedas enriquecer tu propia comprensión del color. Si quieres tener un sentido del poder del color como expresión. Y aprenda cómo los principios básicos del color pueden ser más universales en lugar de ideas personales individuales de lo que se supone que debe quedar bien. Todo lo que tienes que hacer es mirar hacia atrás en la historia en busca de piezas que han dado forma al significado del arte tal como lo conocemos. Ahí está Stay Night de Vincent Bangoch, por ejemplo, una gran ilustración de cómo empujar los límites de la realidad con colores intensos puede crear una pieza que resuene con sus espectadores en tantos niveles Por otro lado, los sutiles tonos de Johannes Bermeer's Girl con un arete de riesgo demuestran cómo una paleta más restringida aún puede transmitir un fuerte sentido de A lo largo de esta clase, te animo a aplicar activamente todo lo que compartiré contigo a tu propio trabajo. De hecho, este es un buen momento para hablar sobre tu proyecto de clase. Quiero que tomes una foto o videoclip y manipules el color usando las técnicas e ideas que cubriríamos. Tienes que saber que en cada ejemplo de fotografía que te muestro en esta clase, específicamente, si estoy manipulando su color, uso archivos raw cuando estoy editando porque tienen la mayor información de color en ellos. Te sugiero que también uses archivos raw cuando trabajes en tu proyecto de clase si es posible, aunque más tarde uses export en Peg para compartir en video, puedes grabar log. Pero en su mayor parte personalmente no lo hago. Yo solo sé que tengo menos ancho de banda para trabajar. Básicamente lo que vas a hacer en tu proyecto es lo que se llama gradación de color. Tu objetivo será crear algo que tenga armonía de color, o en otras palabras, algo que se sienta cohesivo Se puede tener libertad creativa. Y no necesariamente estoy buscando algo que sea realista, sino algo que se sienta como su propia interpretación de una imagen. Si quieres desafiarte a ti mismo, toma una imagen o video que fue tomada bajo condiciones de iluminación difíciles, algo así como iluminación dura o artificial. Digo esto porque la luz suave natural suele ser la más agradable a la vista. Entonces tal vez enseguida no sentirías que tienes mucho que hacer o tal vez sí. Depende totalmente de ti. Si quieres incluso llevarlo un paso más allá, te sugiero que tomes tu imagen y la corrograes ahora mismo con cualquier conocimiento de color que tengas actualmente No mires esta imagen hasta después de haber terminado este curso y corrograate una vez más con lo que aprendes Tengo algo que decir aquí. La mayor parte de lo que te estaré enseñando en esta clase será en el contexto de la fotografía digital o el video. Pero sólo porque son las áreas con las que más experiencia tengo. Las mismas ideas y conceptos básicos se pueden aplicar a muchas formas de arte diferentes. Si sientes que quieres hacer tu proyecto usando lo que aprendes en otra cosa, como una pintura o diferentes medios, no dudes en hacerlo. El objetivo con esto es ver tu propio desarrollo en la comprensión del color, la armonía y la percepción. Me encantaría que publicaran algunas fotos o videoclips de antes y después. Si haces algo que no sea foto o video, entonces puedes enviar algo que refleje tu comprensión del color antes de la clase y luego algo después que quieras comentarios, puedes solicitarlo específicamente. Pero aunque no, me encantaría ver qué se te ocurre al compartir tu proyecto de clase. Estoy seguro de que otros alumnos también serán inspirados y alentados si tienes alguna duda. Si sientes que algo no estaba claro, si estás en medio de trabajar en tu proyecto y te sientes confundido o perdido, o incluso si sientes que hay algo que será valioso para que otros alumnos conozcan habilidades. Tiene esta área de discusión para cada clase donde puedes publicar y ya sea yo u otros alumnos podemos saltar para comentar. Tengo que decirte que a pesar de que tengo cerca de dos décadas de experiencia con la fotografía y el video, todavía no sé todo lo que hay que saber sobre el color. Tener esta área de discusión puede ser sumamente valioso para compartir conocimientos y experiencias unos de otros. Por lo que te animo a que lo hagas. Bien, pasemos a la siguiente sección donde te hablaré sobre los fundamentos de la percepción del color. Voy a compartir con ustedes algunos conceptos clave que serán importantes conocer a medida que avancemos a lo largo de este curso. Al principio, todo puede parecer demasiado conocimiento o teoría. Pero te prometo que a medida que avancemos, haré todo lo posible para compartir contigo ejemplos y referencias porque realmente quiero ayudarte a desarrollar tu color ocular Recuerda, este es un viaje de exploración y descubrimiento. Así que diviértete nos vemos en la siguiente lección. 3. Conceptos básicos de la percepción del color: Todos, En esta sección, nos sumergiremos en algunos conceptos básicos de cómo percibimos el color. Y explora algunos conceptos clave que te ayudarán a crear imágenes más atractivas visualmente. Primero, hablemos de tres características del color que son muy importantes para definir en el contexto de esta clase, Ligereza, matiz y saturación. La ligereza también se llama tono. Se refiere a lo brillante u oscuro que aparece un color, o en otras palabras, cuánto más se acerca al color blanco o negro. El matiz es lo que normalmente pensamos como el color en sí, rojo, azul, verde, y así sucesivamente. La saturación es la intensidad o la pureza de un color. Un color altamente saturado aparecerá vívido, mientras que los colores desaturados se verán más O ahora aquí hay un dato interesante que veremos una y otra vez a lo largo de esta clase. Cada color tiene su propia gama óptima de ligereza, donde aparece más saturado y vibrante a nuestros ojos. De hecho puedo mostrarte esto en algo así como Photoshop. Tomemos tiras de colores completamente saturados. Ahora déjame agregar un degradado de negro a blanco en una nueva capa. En el momento en que cambio el modo de fusión de normal a luminosidad, lo que está sucediendo aquí es que estamos tomando los colores de la primera capa y los valores de luz de la segunda Esta imagen aquí ahora nos revela cómo nuestros ojos perciben los colores saturados en base a lo claros u oscuros que son. Bien, Todo esto que estoy diciendo puede empezar a sonar demasiado complicado. Déjame simplificarte un poco más para ti. Medimos la ligereza en una escala 0-100 donde cero es negro puro y 100 es blanco puro Pero aquí está la parte que nos ayudará a entender el color de una manera que podamos aplicarlo a nuestro trabajo. Diferentes colores pico en intensidad en diferentes puntos dentro de este rango. Es decir, esta división que empezamos a percibir a través de todos los colores nos muestra el punto exacto de ligereza donde cada color alcanza su forma más saturada o pura. A partir de esta imagen, podemos entender cómo en general, la gama donde la mayoría de los colores se ven mejor cae en algún lugar 10-70 en esta escala Esto es solo una estimación, y sigo omitiendo algunos colores que no debemos olvidar. Por ejemplo, Gelo aparece más saturado alrededor de 90 en la escala del rayo, que está bastante cerca del blanco Por otro lado, el azul se verá bastante saturado alrededor de las cinco en la escala que es casi negra. ¿Qué significa esto para ti como fotógrafo, camarógrafo o alguien que se ocupa de las imágenes Bueno, al comprender la gama óptima de ligereza para diferentes colores, puedes tomar decisiones más informadas sobre exposición y la iluminación para hacer que esos colores realmente destaquen. Alguna vez has notado cómo la mayoría de las películas grandes, rara vez tienen blanco puro o negro puro en ellas? Como muchos de ellos, incluso en escenas de luz diurna, en realidad están lejos de ser totalmente brillantes. Incluso esta imagen de mí hablando contigo ahora mismo, hay áreas brillantes y luz. Pero si tengo blanco puro a mi lado, puedes ver que estoy tratando de mantener mi tono y rango de ligereza muy por debajo de eso. Y aún así las decisiones sobre la ligereza general de las imágenes, ya sea fotografía, video u otros medios, permiten mucha expresión e intensidad en los colores. ¿Recuerdas el cuadro de noche estrellada que vimos en la primera sección Ahora puedes empezar a entender por qué al ser una escena nocturna o más oscura, todavía se siente tan intensa. Bueno, es por el azul, que es sólo un azul que permite intensidad incluso cuando está oscuro. Una de las primeras cosas que realmente puede escuchar si comienza a aprender sobre edición de color o gradación de color, es que enfriar las sombras y calentar los reflejos generalmente creará resultados de colocación. Rápidamente puedo mostrarte esto en una de mis propias fotos. Estoy aquí en Photoshop y voy a añadir una capa de ajuste para el balance de color. Déjame ir a las sombras y voy a añadir un toque de azul. Sólo un poco de azul. Iré a los reflejos y agregaré un toque de amarillo. No hice otra cosa. Ahora, vamos a verlo antes y después. Esta no es una regla puesta en piedra y no funciona para todas las fotos. Pero ahora puedes empezar a entender por qué los colores empiezan a reventar. Si lo haces, esto no es sólo por el contraste entre el azul y el amarillo, sino porque estos colores se están utilizando de una manera que su ligereza, en promedio, coincide con el lugar donde están en su mejor momento. Por otro lado, puedes aprender a hacer que los colores tengan menos atención o intensidad para que no distraigan de lo principal Este video de mí hablando contigo ahora mismo no tiene azul intenso por todas partes en las sombras que me rodean. O tu atención estaría por todas partes. No quiero abrumarte. Pero antes de ir más lejos, hay otro detalle importante que podemos aprender de esta imagen que muestra la relación entre la luminosidad y la saturación de colores que ves. Cuando aumentas o disminuyes la luminosidad de un color, también afectará su saturación. Si tomas un color que está en su pico de saturación y lo haces más claro o más oscuro, comenzará a verse más lavado. Ilustrar esto. Echemos un vistazo a cerrar Monas impresión Sunrise. Observe cómo el sol anaranjado y su reflejo en el agua están justo nivel de aproximadamente 95 ness donde los tonos amarillos y naranjas alcanzan su punto máximo. Nunca he visto este cuadro en la vida real. Al enumerar esta imagen que les estoy mostrando, podemos ver que todos los tonos azules y morados en el cielo y el agua son algo menos intensos. Siguen dentro de ese rango de ligereza que te estaba diciendo, 10-70 Pero la forma en que estos diferentes tonos y tonalidades juegan entre sí, no trates de tener la misma intensidad del amarillo y el naranja De lo contrario, estaremos percibiendo esta pintura tanto más oscura como practiques trabajar con el color en tu propia Tenga en cuenta estos principios. Busca oportunidades para exponer tus imágenes para que los colores importantes caigan dentro su gama óptima de ligereza. Una vez más, sí tengo que mencionar que esta no es una regla que hay que seguir siempre muchas veces. No queremos que todos los colores estén saturados o queremos algo más claro o más oscuro. Y fuera de esta gama de la que hablamos, colores apagados y más suaves como los pastiles también pueden ser muy Pero espero que esta sección te haya ayudado a entender más sobre lo que realmente está sucediendo con los colores una vez que empieces a tomar decisiones sobre la ligereza de tus imágenes. Ahora bien, si sabemos que nuestros colores cambian su saturación cambiando la ligereza, si queremos tener nuestras imágenes dentro de cierto rango de ligereza, notaremos que mientras algunos colores serán hermosos y vivos, otros empiezan a verse embarrados, sucios, apagados, y en realidad no pop como quizás nos gustaría Entonces, ¿qué podemos hacer para arreglar esto? Esto es lo que quiero compartir con ustedes en la siguiente sección. Hablemos de la relación entre saturación y contraste. El contraste es muy importante y quiero que lo entiendas mejor para que también puedas empezar a incorporarlo en tu flujo de trabajo en. 4. Mejora de los colores con saturación y contraste: Todos, bienvenidos de nuevo a nuestra clase. En esta lección, vamos a sumergirnos en trabajar con saturación y contraste para hacer que tus colores realmente destaquen. Primero, hablemos de saturación. Como aprendimos antes, la saturación se refiere a la intensidad o pureza de un color. Cuanto más saturado está el color, más vivo e intenso aparece. También, aprendimos que mover la ligereza afectará la saturación. Algo muy importante a saber relacionado con esos mismos principios es cuando los colores están más saturados. Y dentro del rango de ligereza que enseñamos antes, es muy fácil distinguirlos. Pero échale un vistazo a los que están fuera del rango. Es más difícil conocer uno de otro. Ahora, puede que te sientas tentado a simplemente subir ese control deslizante de saturación en tu software de edición, pero espera un segundo Usar el control deslizante de saturación para agregar saturación en realidad puede hacer más daño que bien cuando aumentas la saturación de esta manera afecta a todos los colores de tu imagen por igual, lo que puede hacer que tus colores se vean antinaturales y colapsados Déjame mostrarte a lo que me refiero en esta imagen que te mostré desde la última sección ya la obtuve en una gama de ligereza más ideal. Pero algunos colores parecen un poco muertos. Si menciono la saturación misma, es fácil meterse con colores que no necesitan estar más saturados. En cambio, queremos aumentar la saturación de una manera más específica. De una manera que en realidad está muy relacionada con lo que aprendimos antes sobre luz y la intensidad de los colores. El secreto es usar curvas RGB para agregar contraste. Tengo que hacer un pequeño paréntesis aquí. Muchas aplicaciones, ahora tenemos la capacidad de ajustar contrastes con un solo deslizador, que en su mayor parte, no nos dará los resultados que estamos buscando en relación con el color, luminosidad, y su saturación Hay una sección en esta clase habla específicamente de los retos de lo digital. Pero por ahora, hay que saber que una de las herramientas más potentes para controlar el color de una manera que tenga sentido con estos principios de los que hemos hablado son las curvas RGB. Una herramienta que encontrarás en Photoshop light room captura una y tus aplicaciones de edición de imágenes más populares. Si es la primera vez que escuchas hablar de curvas, déjame decirte breve, las curvas RGB son una forma de ajustar los colores y los niveles de brillo en una imagen. Imagine cada canal de color, rojo , verde y azul, como un gráfico de líneas en un gráfico. El eje horizontal representa los niveles de brillo de la oscuridad a la luz. El eje vertical representa la intensidad de ese color. Cuando ajusta la curva para un canal de color específico, esencialmente está manipulando su imagen para mostrar el color a un nivel de brillo diferente Por ejemplo, si elevas la curva para el canal rojo en los tonos medios, le estás diciendo a la computadora que haga esas áreas más rojas. Si bajas la curva para el canal azul en las sombras, le estás diciendo a tu computadora que haga esas áreas menos azules. En términos simples, las curvas RGB te permiten afinar los colores y el brillo de tu imagen ajustando cómo se muestra cada color en diferentes niveles de brillo. Para esta sección donde estamos hablando de contraste y saturación, en realidad sugeriría que solo toque la curva RGB real, que está moviendo todos los canales de color rojo, verde y azul al mismo tiempo. Al hacer esto, esencialmente estás cambiando el brillo y el contraste de tu imagen. Aquí estamos en nuestra foto. Parecíamos un poco aburridos y sin vida. Después de llevarlo a un rango de menor ligereza, puedo comenzar a agregar contraste con una curva S. Si te das cuenta, estamos haciendo algunos colores un poco más brillantes y otros un poco más oscuros sin salirnos de la gama que quiero. Al aumentar el contraste con las curvas, también estás potenciando la saturación de tus colores de una manera muy natural. Estás manipulando colores sin romper esta relación que hay entre ellos y su ligereza. Ahora comparemos la saturación hecha sólo con deslizadores o ajustándola con curvas Vea cómo los colores en la imagen donde hicimos el ajuste con curvas se ven más vibrantes, naturales y más vivos Ese es el poder de usar curvas para agregar contraste. Por supuesto, tenemos que ser conscientes de que el contraste es un poco como agregar sal a tu plato favorito. Un poco de contraste va lejos en sacar a relucir los sabores, o en este caso, los colores. Ahora otra cosa a considerar es el equilibrio entre detalle y saturación. Cuando empujas demasiado tus colores, puedes empezar a perder detalle en algunas áreas de tu imagen. En la fotografía cinematográfica, el grano en realidad puede ayudar a compensar la falta de detalles en áreas saturadas. La textura del grano agrega interés visual y evita que la imagen se vea demasiado plana. En la fotografía digital, no tenemos eso construido en grano. Puede que tengamos algo de ruido dependiendo de nuestra cámara, pero en general, debemos tener mucho cuidado de no empujar demasiado nuestros colores. Echemos un vistazo a esta imagen. En realidad no he tocado la saturación o el contraste, ni las curvas en absoluto. Esto es exactamente como se tomó. Se ve bien, no pasa nada. La saturación parece equilibrada y natural. Pero lo que quiero decirte es que antes de hacer cualquier ajuste, necesitas evaluar tu imagen. Si echamos un vistazo más de cerca a los rojos, podemos ver que están en su propio límite. Esto dependerá de tu cámara y de cómo tu aplicación de edición interprete los colores, piéndete Las cámaras de película sí tienen un contraste y saturación muy naturales cuando se trata de imágenes en bruto. Esto es lo que utilizo en este caso. Pero si solo miro esta imagen y pienso como, bien, déjame bajarla en ligereza y saturar con curvas como lo hemos hecho hasta ahora Entonces nota cómo estoy empujando estos rojos y estoy aplastando los detalles como la textura aquí, o los diferentes tonos de rojo apenas se están perdiendo. Evalúa tus imágenes antes cualquier edición de color o al aumentar la saturación a través del contraste, te estarás perdiendo algunos detalles y variaciones de color que pueden hacer que tu imagen sea más expresiva e interesante de ver En este caso específico, como veo los rojos ya muy intensos, primero bajaría la saturación. Entonces agregaría el contraste para que los diferentes tonos destaquen poco a poco. Por supuesto, esto también afecta a los otros colores, así que hay que estar atento a eso. Los detalles con sombras han traído alguna variación ahí. Ahora tengo diferentes tonos de rojo. Se siente más vivo aunque la imagen en su conjunto pueda estar menos saturada que antes. Para ser honestos, aunque lo dejé sin agregar contraste ni cambiar nada desde el principio, está bien. Mucha gente estará contenta con eso. O incluso si empujo el contraste, haciendo que otros colores destaquen y pierdan algunos detalles en los rojos. Es algo que veo muy a menudo. Solo quiero que sepas que tienes la opción de incluso usar tonos apagados si quieres, y seguir teniendo tu imagen se siente viva y expresiva con muchas más variaciones de tonalidad Al igual que el cielo de la impresión de la pintura, amanecer estaba compuesto por muchos tonos diferentes de azul y no solo uno. Déjame ejecutar la misma imagen a través la respuesta mi aplicación de emulación de películas favorita Solo quiero mostrarte cómo el grano también agrega algunos detalles y variación de color de una manera diferente. Me encanta todo el proceso analógico y sus imperfecciones y es bueno saber que específicamente cosas como el grano también pueden traducirse en textura y profundidad en nuestras imágenes Independientemente de tener esta textura extra o no saber que la saturación y el contraste pueden afectar la forma en que se percibe el detalle en una imagen. Algo que te vendrá bien a la hora de intentar que tus colores se sientan más naturales. Para recapitular, cuando quieres agregar más saturación a tu imagen, una de las formas más naturales hacerlo es agregando contraste, específicamente usando curvas RGB Además, ten en cuenta cuánta saturación tiene tu imagen y considera ajustarla o eliminar algunas para evitar perder detalles importantes en color. Si estás filmando fotografía analógica o quieres experimentar con un look de película, no tengas miedo de dejar que Green haga parte del trabajo pesado en este departamento. Eso es todo para esta lección. En la siguiente, estaremos hablando de armonía de color y algunas técnicas para crear paletas colores cohesivas. Ver otros. 5. Principios de armonía de colores: Todos, en esta sección, les enseñaré algunos principios muy importantes sobre la armonía del color. armonía del color se refiere a la agradable combinación de colores. Como fotógrafos, camarógrafos o creadores visuales, entender cómo los colores funcionan juntos es esencial para crear imágenes que se sientan equilibradas y tengan un aspecto cohesivo Primero, permítame hablarle sobre los retos de trabajar con colores puros y saturados. Si bien pueden parecer audaces y atractivos por sí mismos, combinar demasiados tonos saturados puede ser una receta para el desastre El problema principal es que estos colores a menudo carecen de un terreno común, lo que dificulta que se armonicen entre sí Una buena manera de pensar sobre esto es compararlo con la música. Como un acorde de piano se crea combinando múltiples teclas tocadas juntas. La armonía del color se logra combinando diferentes tonos para crear una composición visualmente agradable Música Cuando tocas un acorde con solo unas pocas teclas, el sonido es claro y agradable. Del mismo modo, cuando se trabaja con una paleta limitada de colores o se combinan algunos tonos saturados, el impacto visual puede ser más equilibrado y agradable de ver A medida que añades más claves a un acorde en Música, la complejidad aumenta y mantener un sonido armonioso se vuelve más desafiante. Es lo mismo en color. Imagina una pintura con rojo brillante, azul, verde y naranja todos compitiendo por la atención. Podría parecer más un desastre caótico que una obra de arte cohesiva Como regla muy general, si tienes el control de los colores de lo que sea que estés filmando, algo comercial, por ejemplo, es una buena idea para limitar los colores dominantes en tus imágenes y jugar con diferentes tonos de ellas. Las pinturas clásicas son un enorme recurso de aprendizaje para esto. The Keys de Gustav Klimt es un impresionante ejemplo del uso del color y el La obra está dominada por ricos tonos dorados con acentos de azul, verde y rojo que crean una sensación de equilibrio y armonía. O la otra pintura, el paisaje con la caída del coro, donde hay marrones y verdes terrosos Y el artista utiliza específicamente la saturación para dirigir la atención del espectador hacia el tema principal. Por supuesto, también podemos decir que los colores en estas pinturas han sido elegidos específicamente para crear un ambiente calmante o sereno O que el artista escogiera colores específicos para la emoción que quería evocar en los espectadores Pero al analizar solo los colores, sin entrar en su interpretación subjetiva en absoluto, podemos ver que hay pocos colores. Pero es la variación de sus tonos lo que crea una profundidad y dimensión de la obra de arte. ¿Cómo podemos crear armonía de color? Cómo podemos hacerlo en situaciones en las que quizá no tengamos el control de todo al momento del rodaje, como el corion, o el set, o la luz, o incluso los atuendos En la fotografía documental por ejemplo, una técnica sencilla para lograr armonía del color es desaturar ligeramente tus colores Esto puede parecer contradictorio al principio, pero déjame mostrarte todo lo que hemos estado hablando hasta ahora de una manera muy sencilla. Aquí tenemos muchos colores saturados, todos peleando unos con otros por la atención. Esto es lo que queremos evitar en una imagen de una sola vez. Te dije que reducir el número de colores, sobre todo con colores que comparten algunos puntos en común con ellos, los hará mejores sobre el hielo. Aquí, podemos llevar cada color con su vecino. Rojo con naranja, naranja con amarillo, amarillo con verde, morado y azul y así sucesivamente. A pesar de que siguen siendo colores completamente saturados, estas combinaciones son simplemente mejores a la vista, para conocer diferentes combinaciones de colores que funcionan bien juntas. Puedes seguir adelante e investigar y aprender sobre diferentes paletas como colores complementarios, colores análogos, colores monocromáticos Hay tantas paletas listas para usar que funcionan bien. Y hay muchos recursos por ahí que pueden ayudarte en esta área, pero eso va más allá del alcance de esta clase. Volvamos a nuestros colores completamente saturados. Quiero que mires esto solo por unos segundos. Sólo voy a reducir ligeramente su saturación y mostrárselos de nuevo. Al reducir la saturación de los colores, en realidad hemos hecho que funcionen mejor. Juntos, los colores parecen menos intensos, pero en general, parecen ir entre sí de una mejor manera. Ya no parece que todos quieran nuestra atención de una vez. Otra forma de armonizar los colores es introduciendo un tono separado que cierra la brecha entre los diferentes colores Les da este terreno común. Especialmente algo que los une a todos. Aquí tenemos todos esos mismos colores de antes. Ahora solo voy a agregar una capa amarilla en, digamos alrededor del 10% en la parte superior. Veamos las imágenes una por una, todos los colores a su saturación completa, bajando la saturación para hacerlas un poco más armonizadas Y ahora agregando un color extra para acercarlos incluso entre sí. Aquí es donde empezamos y aquí es donde estamos. Este es el punto donde la gradación de color, mientras se mantiene en mente la percepción del color y la armonía comienza a tener un poco más de sentido. Porque no sólo estamos manipulando la ligereza, la saturación y el contraste, como en las sesiones anteriores de las que hablamos, sino que ahora estamos cambiando y agregando colores Es aquí donde también podemos entender cómo agregar un poco de tonos cálidos o fríos no sólo puede hacer que nuestras imágenes destaquen con el contraste, sino que básicamente estamos haciendo eso, lo que acabo de decirte, agregando un tercer color. En su aplicación de edición. Incluso puede tener la opción de apuntar específicamente a las sombras , tonos medios o reflejos. Todo esto, para que puedas crear imágenes que se sientan cohesivas, muchos casos También puedes usar este color extra para equilibrar tonos que no están funcionando del todo juntos. Por cierto, déjame mostrarte con este ejemplo. Tenemos esta imagen de este pequeño gato, o se siente un poco verdoso, tal vez Un poco azulado Por supuesto, puede que tenga que ver con las condiciones de iluminación o que haya todas estas plantas verdes. Podemos ver que ya no hay colores intensos. No hay necesidad de reducir aún más la saturación en un caso como este, para arreglar cualquier color fundido, primero corregiría el balance de blancos. Pero es complicado porque ya se siente Bien. Permítanme añadir un toque de calidez porque la imagen se siente así llamada. En el momento en que empiezo a calentar mi imagen, noto que los colores de estas plantas empiezan a volverse demasiado intensos. Empiezan a destacar más, lo que le quita la atención al tema principal. Quiero que esos colores se unan un poco más. En ese caso, tendría un tercer color, como mencioné antes. Ahora el pequeño gato es, todavía siente un poco de frío. Lo opuesto al azul es el rojo o el amarillo. Voy a estar agregando eso en los tonos medios. Eso también lo haré con las sombras. Ahora empieza a sentirse un poco más juntos. Todos los colores empiezan a mezclarse entre sí, pero no quiero que se sienta tan cálido, así que agregaré un toque de frialdad en los reflejos ¿Por qué el azul otra vez? Porque esto es lo contrario del color que quiero equilibrar. Después de esto, probablemente entraré y ajustaré el contraste y la saturación como hablamos antes con curvas. Pero por ahora solo quiero mostrarte antes después esto es solo un muy buen punto de partida donde mi esquema de color se siente más cohesivo Ahora podrías estar pensando en uno, reducir la saturación y agregar un tercer color hacen que mi imagen luzca más fangosa o sin vida Y es una preocupación válida. Es cierto que el uso excesivo estas técnicas puede llevar a colores apagados o apagados. La clave es utilizarlos cuando los necesites. Con experiencia, aprenderás a evaluar la dirección que necesitas tomar, ya sea con ligereza, saturación o agregando otros tonos. Sugiero que cuando añadas un color diferente, trate de pensarlo como un mediador entre los colores dominantes, no el Starov Además, es muy importante considerar que tus imágenes aún pueden ser hermosas e impactantes, incluso con colores que podrían considerarse fangosos o desaturados Considera este cuadro de Pierre Bernard. Si bien usa una paleta relativamente apagada, desaturada y limitada, todavía logra una rica armoniosa gama de tonos La armonía no tiene por qué significar aburrida. Ahora déjame decirte otra cosa útil aquí. Ya que estamos empezando a agregar colores que tal vez no estaban originalmente en nuestras imágenes, las cosas pueden empezar a verse un poco extrañas, como que tal vez haya armonía, pero la imagen simplemente se siente exagerada o falsa Otra técnica muy útil a la hora de tratar con la armonía del color es agregar equilibrio con algunos colores neutros. En otras palabras, incorporando negro, blanco y gris en tus imágenes. Estos neutros actúan como punto de referencia para el espectador, haciendo que los otros colores parezcan más naturales y creíbles Aquí hay un videoclip donde quiero ilustrar este principio del que te estaba hablando. Estoy dentro de Final Cut Pro y acabo una edición de color muy rápida con las herramientas nativas de gradación de color, tengo que hacer un paréntesis rápido aquí para mostrarte algo que será interesante y útil si usas corte final Mi grado de color que hice es muy sencillo. Acabo de traer el nivel de ligereza aquí abajo con mis ruedas de colores. Mis aspectos más destacados también están un poco abajo. Mis tonos un poquito, las sombras un poquito arriba. Todo esto solo para llevar mis niveles de ligereza dentro ese rango que mencionaba antes. Pero lo interesante aquí es mirar las curvas. El código final pro no tiene la misma curva que la habitación luminosa. Me da una curva de luma que sólo manipula el brillo, no está controlando las tres curvas rojas, verdes y azules Lo que significa que si cambio esta curva hacia arriba y hacia abajo, veo el cambio de brillo, pero no en la saturación de los colores para lograr el mismo efecto del que hemos estado hablando en las secciones anteriores. Con contraste y saturación, la única manera de lograrlo con las herramientas nativas es creando la misma curva en los tres canales separados. Eso es un poco problemático para mí. Prefiero usar un código de conexión. Colopinale Color finale me da algunos deslizadores que es como a lo que estamos más acostumbrados, aunque el control deslizante de exposición es el mismo problema que puedes ver, solo cambia el brillo, pero no cambia No uso este deslizador de exposición en absoluto, pero puedo editar las capas en las capas, esta curva. Como puedes ver, mira los amarillos, empiezan a hacerse más intensos Significa que realmente estoy manipulando los colores con esta curva Este realmente controla los otros tres al mismo tiempo. Bien, Ahora para ilustrar mi punto, déjame acercarme un poquito. Verás que mi puerta aquí no es totalmente negra. Tiene como algún color parduzco. Como amarillento. Si quisiera que toda la imagen se percibiera un poquito más natural, lo que puedo hacer es quitarle algo del color en esta zona más oscura de mi imagen Para este corte final sí tiene una herramienta nativa que es muy útil. A esto se le llama las curvas de matiz y saturación. Puedo bajar al que dice Luma VS saturación de manera similar a las otras curvas El lado izquierdo de las cubiertas, las zonas oscuras de mi imagen y el lado derecho, las zonas luminosas puedo decir en la zona oscura reducen La saturación es solo un cambio muy minúsculo que marcará diferencia y hará que mi imagen se sienta más natural. Puedo tomar una escena rodada a la luz del día, por ejemplo, como este clip tomado en una boda, y puedo manipular el color de mi imagen una manera que no es necesariamente natural, realista, sino entrando y neutralizando las zonas negras u oscuras, ya empieza a sentir que de alguna manera funciona Grabación de color de video. Esto me parece un poco más fácil de hacer porque las herramientas incorporadas permiten controlar no solo el tono y la luz, sino también la saturación. Si estoy en cuarto de luz, por ejemplo, tengo el control del matiz y puedo agregar saturación a diferentes niveles de luz de mis imágenes con una herramienta de gradación de color, pero no puedo eliminar totalmente el color. En el caso de tratar con fotos, la mejor manera de agregar neutrales, como negros en tus sombras o blancos en tus reflejos, es encontrar el color opuesto al que tienes ahí dentro Si veo que hay azul, lo contrario en la rueda son los tonos amarillos o cálidos. Si hay demasiado magenta, entonces tendría verde para neutralizar de esa manera Todavía terminamos con un tono general que une todo. Y tenemos estas áreas que hacen que nuestras imágenes sean más creíbles Simplemente se siente menos exagerado. El desaturar, neutralizar o incluso agregar colores en las sombras o áreas brillantes de tus imágenes puede ser Pero puede tener un gran impacto en cómo tu audiencia percibe tu trabajo. Bien, recapitulemos las principales conclusiones de esta sesión. El número uno, si es posible, limita el número de tonalidades dominantes en tus imágenes Estoy hablando aquí cuando tienes el control de tu escenario de tiro. Número dos, desatrate ligeramente los colores para ayudarles a armonizar. Número tres, usa un tercer tono estratégicamente para salvar los colores que chocan Número cuatro, incorpora tonos neutros para que tus esquemas de color sean más creíbles Al tener en cuenta estos principios, estarás en camino de crear imágenes impresionantes y armoniosas que cautiven a tus espectadores En la siguiente sección, exploraremos la idea de utilizar los colores de manera expresiva para evocar emociones Esto te será muy útil a la hora de encontrar un estilo único y personal. Ver en. 6. Expresión artística con color: Bienvenido de nuevo. En esta sección, aprenderás más sobre la expresión con color. Como creativos, tenemos el poder de ir más allá de simplemente capturar la realidad y crear imágenes que más que eso, buscan evocar emoción y contar una historia Primero, hablemos de la idea de colores correctos. Si bien es importante entender los aspectos técnicos del color, como el balance de blancos o la saturación, no siempre tenemos que apegarnos a lo que se considera realista. De hecho, muchas imágenes llamativas y memorables a lo largo de la historia del arte adoptan opciones de color únicas y poco convencionales Volvemos a las pinturas clásicas en busca de inspiración, aquí está Cafe Ras At Night de Vang, y en la mayor parte de su obra, realidad, el artista no pretende representar la realidad tal como la vemos, sino expresar su visión interior y sus emociones a través En el caso de la fotografía digital y el video, también podemos usar el color para crear un ambiente o ambiente específico. Aquí es donde empezamos a adentrarnos en algo muy subjetivo que tiene que ver con la interpretación del espectador. Un elenco de color cálido puede evocar sentimientos de cercanía, algo personal, tal vez incluso nostálgico, mientras que un tinte azul frío puede sugerir Ya que estamos hablando de interpretación del color, debes saber que muchas veces esto también tiene que ver con el trasfondo de tus espectadores Incluso hay diferencias culturales en las preferencias de color. Específicamente, cuando se trata de tonos de piel. En algunas culturas asiáticas, por ejemplo, una tez más clara y pálida a menudo se considera hermosa Mientras que en otras partes del mundo, un resplandor bañado por el sol es más deseable Esto es algo que se consideró incluso desde la creación de la fotografía cinematográfica. Esa es la razón por la que la película Kodak, una compañía estadounidense, tiende a cambiar un poco más hacia los colores cálidos. La película Fuji de Japón tiende a ir un poco más hacia los tonos de color. Ahora, por supuesto, vivimos en un mundo que es mucho más internacional que nunca en la historia. Pero como artistas, todavía podemos optar por abrazar estas diferencias y utilizarlas para crear imágenes únicas y culturalmente relevantes Al contrario, podemos usar los colores de formas inesperadas. Esta es en realidad una de las razones por las que personalmente me encanta el aspecto de 35 milímetros Porque tiene tantas sorpresas y cosas inesperadas en cuanto al color, incluso cuando hay imperfecciones técnicas Para mí, la fotografía cinematográfica parece capturar un sentimiento más que la realidad. Que de alguna manera es lo que muchas veces debemos esforzarnos por lograr. Otra forma de usar el color de manera expresiva es adoptando condiciones de iluminación inusuales En lugar de esforzarse siempre por lograr una iluminación perfecta y uniforme, intente experimentar con iluminación artificial La iluminación perfecta está totalmente bien. Muchas veces veo gente tratando de lograr estas fotos cinematográficas, pero hay que saber que muchas veces todo lo que hay para esto es simplemente abrazar condiciones de iluminación que no siempre son las más perfectas Ahí está esta foto, por ejemplo, donde algunos días antes del día de la boda de esta pareja, la novia fue con el novio a hacer algunos últimos arreglos en el vestido. Yo estaba con ellos solo para capturar algunos momentos mientras esto pasaba. Si hubiera estado esperando una luz perfecta, suave o hermosa, no me hubiera llevado nada. Una cosa que personalmente me gusta hacer es usar puntos de iluminación fuerte y dura. Cuando estaba empezando, trataría de evitar esta iluminación, pero he aprendido a usarla creativamente para dirigir la atención del espectador Me inspiré en un estilo de pintura llamado Claroscuro, que de manera similar pinta con la luz Ahí están estos puntos de luz, pero también sombras muy profundas. Estoy hablando de expresión y duras condiciones de iluminación. También hay otra cosa que tengo que mencionar, está totalmente bien romper lo que sea que entendemos como reglas. Volvamos a este formulario, a ver que no hay detalle en estos negros En muchos casos, a pesar de que he hablado de variación de color, o de no perder detalle en color, sigo rompiendo esa regla si es necesario Parece que existe la idea de que los negros aplastados siempre son malos Pero si se usa con intención, puede servir para enmarcar lo que quieras que la gente vea. Todo lo que hemos aprendido hasta ahora. Puedes usarlo o ir en una dirección diferente si tienes una razón para hacerlo. Las fuentes de iluminación convencionales y romper las reglas del color pueden crear una sensación de misterio, drama o incluso surrealismo en tus imágenes Esa es una de las razones por las que me gusta mucho hacer fotografía de bodas. Porque me presenta algunos retos de luz o color, donde a la vez permite mucha experimentación creativa a veces, como durante el tiempo de fiesta. Un aspecto que siento que está innecesariamente sobreenfatizado en fotografía o video, igual que esta idea de que nunca debes cruzar tus sombras negras, es que necesitas tener tonos de piel perfectos Pero estoy aquí para darte permiso. No te sientas obligado a hacer que los tonos de piel se vean correctos o naturales si eso no se ajusta a tus objetivos artísticos para la imagen. Generalmente, cuanto más artística y estilizada es una imagen, más libertad tienes para interpretar cosas como los tonos de piel de una manera poco convencional Nuestras mentes pueden aceptar la separación de la realidad cuando reconocemos la obra como de naturaleza artística. Al mismo tiempo, como dije antes, a veces sólo hay que trabajar con el curso o la luz que tiene. La mente del espectador comprenderá también que la fuente de luz puede no ser blanca. Está bien en interiores de bodas, a menudo encuentro luz amarilla o verdosa Sería muy frustrante para mí si quisiera que pareciera que se rodó en un estudio o con una luz suave natural Yo utilicé, emfrase lo que tengo y trato de crear armonía con las técnicas que hemos estado discutiendo muchas veces En lugar de neutralizar o corregir colores como estuvimos hablando en la sesión pasada, puedes considerar mantenerlo así si contribuye al estado de ánimo o estilo que buscas Recuerda, la clave de la expresión artística con color es ser intencional y reflexivo en tus elecciones. No tengas miedo de romper las reglas y experimentar con diferentes combinaciones y técnicas. Las imágenes más convincentes son aquellas que sorprenden y desafían las expectativas del espectador. Bien, ahora recapitulemos esta sección. Número uno, no siempre tienes que apegarte a colores correctos o realistas en tus imágenes. Número dos, puedes usar el color intencionalmente para crear un ambiente o ambiente específico. Número tres, experimenta con iluminación poco convencional y moldes de color para crear imágenes únicas y expresivas Número cuatro, sé reflexivo e intencional en tus elecciones de color y no tengas miedo de romper las reglas. En la siguiente sección, hablaremos sobre algunos de los retos y limitaciones de trabajar con el color en un flujo de trabajo digital, y cómo superarlos para lograr tu visión artística. Estén atentos. 7. Retos en los flujos de trabajo digitales en color: Hola, en esta sección vamos a sumergirnos en los retos de trabajar con el color, específicamente con la fotografía y video en la era digital. Los últimos apartados han sido muy prácticos. Entonces, mientras dejamos que se hundan todas esas técnicas de las que hemos estado hablando, quiero compartir con ustedes algunos antecedentes que les ayudarán a comprender aún más todo lo que hemos discutido en su día. Los fotógrafos de cine lo tuvieron un poco más fácil a la hora de colorear. Cada material de película fue cuidadosamente elaborado para producir una paleta de colores específica. Dando a los fotógrafos un sólido punto de partida. Podrían confiar en las características únicas de la película para crear el aspecto deseado. Los colores renderizados por algo como retrato Kodak o Fuji Velvia no sucedieron por accidente Fueron cuidadosamente diseñados por artistas y científicos del color para que fueran agradables desde la cámara. Es decir, los fotógrafos podrían elegir una película con sus características preferidas y los colores ya saldrían armonizados Por supuesto, estoy simplificando demasiado esto, pero quiero decir que hubo tanta investigación y tanta ciencia del color que se metió en la creación de paletas de fotografía cinematográfica que al final facilitaría esta parte del trabajo a los que presionaban el hombro Después de algunas investigaciones para la fotografía cinematográfica en el dominio público, encontré algunas muestras de la página web del Museo Albert Can. Ahora fíjense que estos son desde el comienzo mismo de la década de 1900 Estos están hechos con procesamiento urocromo desde los primeros días de la fotografía de película y acero Puedes notar cómo cada una de estas imágenes tiene su paladar de color muy específico, ya sea cálido o frío, o incluso cuando hay un uso más diverso o intenso. No se ve que los colores choquen entre sí. Se pueden encontrar aquellos elementos que antes mencionamos de estar menos saturados, mezclarnos unos con otros, o sobresalir estratégicamente con ligereza o intensidad para guiar la atención del espectador Ahora, en el mundo digital, en su mayor parte, parece que no tenemos esas mismas tradiciones de color preestablecidas. Los procesadores de fila modernos y las aplicaciones de edición de color todavía se centran principalmente aspectos técnicos como la resolución, reducción de ruido, las herramientas de afilado, etc. En cuanto al color, ahora muchas cámaras parecen haber ido más hacia la dirección de capturar tantos colores realistas como sea posible, tanta información que los sensores puedan obtener, y entregar tantas opciones como sea posible para que el usuario haga el resto Nos encontramos ante una abrumadora variedad de direcciones en las que podríamos tomar nuestras imágenes y las herramientas permiten tanto que puede ser emocionante y abajo t ahora hay tanto que podemos controlar. Las cosas simples hacen la diferencia. Como en el pasado, la película tenía un balance de blancos fijo, pero ahora el usuario necesita ajustarlo ya sea sobre la marcha o en la aplicación de edición. Puedes cometer errores fácilmente con balance de blancos y afectar el resto de tu procesamiento. O puedes dejar que los ajustes automáticos tomen el control. Pero muchas veces eso también puede interponerse en el camino de la expresión artística El caso es que con la tecnología, hay tantas posibilidades disponibles. Y si bien esta flexibilidad es grande, también puede generar inconsistencia y moldes de color si no se maneja correctamente Ahora bien, todo lo que he hablado con ustedes hasta ahora en secciones anteriores, ¿adivina qué? Está muy en línea con el procesamiento de fotografía analógica donde no se pudo separar el color de la luz. La fotografía cinematográfica fue muy limitante en muchos aspectos. Pero soy un firme creyente de que algunos límites son necesarios para que la creatividad prospere Puedes considerar todo lo que he compartido contigo como algunos de estos límites que puedes, por supuesto, expandir ahora con tecnología o experimentar creativamente ahora en un flujo de trabajo digital Como dije antes, podemos hacer tanto y no hay que estar constreñidos por estas técnicas que hemos comentado. Pero quiero que sepas que muchas de las herramientas y deslizadores que encontrarás en las aplicaciones de edición de color no siguen las mismas convenciones analógicas. A qué me refiero con, vamos a comprobar Carrera de luz por ejemplo, todos estos controles deslizantes están controlando ajustes como la exposición, reflejos de contraste, etc., pero de una manera muy algorítmica, a través de software y ecuaciones matemáticas precisas, pero no siguiendo todos los principios de la ciencia del ¿Por qué? Porque la aplicación está hecha. De manera que, por ejemplo, si el usuario solo quiere agregar bien contraste , intentará agregar solo contraste, pero sin afectar la saturación, porque el usuario no pidió eso. Si el usuario quiere, puede agregar saturación por sí mismo sin tocar contraste o ligereza. La luz o los detalles solo en áreas brillantes u oscuras se pueden ajustar con estos otros deslizadores. Todo esto tiene sentido y es genial tener dejando todas estas partes aisladas del procesamiento. Específicamente, si no tienes experiencia o estás familiarizado con cómo funcionan las cosas o deberían verse, entonces puede ser bastante frustrante y puede llevar fácilmente a un sobreprocesamiento Estoy muy agradecida de que aún tengamos esas curvas RGB de las que estaba hablando. Déjame decirte que acabo rayar la superficie de lo que se puede hacer con ellos. Realmente puedes hacer tantas manipulaciones de color específicas con las curvas de color individuales En algunas aplicaciones, como captura una, también tienes curvas para manipular solo la luz. Pero otra vez, cuidado. Puede pensar que usar curvas de canal individuales en RGB o una curva separada para la luz solo puede ser una forma precisa de controlar los colores. Lo es, pero también hay que tener cuidado porque muchas veces arreglar un problema sólo puede crear otro. ¿Cuál es la comida para llevar clave aquí? No te dejes atrapar demasiado en las herramientas técnicas. No te olvides del panorama más amplio. Tu visión artística y tu ojo fotográfico siempre deben guiar tus elecciones de color. Las herramientas están ahí para apoyar tu visión, no dictada. Inspirate en los maestros pintores o en la fotografía analógica. Porque es ahí donde aprenderás a usar los colores de manera atrevida y expresiva para transmitir emoción y atmósfera. Estoy muy feliz de ver realmente un regreso de estos principios de la ciencia del color en algunas compañías de cámaras Hay cámaras Fuji Film, por ejemplo, que ofrecen perfiles de cámara donde es obvio que han aplicado conocimientos de color que provienen de la era de la fotografía analógica. También hay varias aplicaciones de emulación de películas que se han construido con esto en mente Mi favorito personal es la respuesta. Esta aplicación no solo pone a tu disposición muchos stocks de películas diferentes que puedes aplicar a tus fotos o videos digitales, sino que también cuenta con deslizadores y todos ellos sí funcionan mucho siguiendo un procesamiento analógico Habiendo calculado los cambios de color e incluso algunas imperfecciones cada vez que mueves algo por aplicaciones como light room o captas uno o el código final pro, todos siguen siendo increíbles Pero mi consejo para cualquier tipo de app o en cualquier tipo de flujo de trabajo digital es tratar de no perderse con las posibilidades ilimitadas Recuerda que las imágenes más convincentes suelen ser las que evocan un sentimiento o cuentan una historia, más que aquellas que solo hacen uso de la última tecnología No estoy diciendo que tengamos que volver a usar solo herramientas analógicas o solo buscar la nostalgia y la imperfección en nuestra gradación de color No, para nada. Puede aceptar los desafíos de un flujo de trabajo de color digital como oportunidades para experimentar, aprender y desarrollar su estilo único. Para resumirlo, tenga en cuenta cada decisión que tome en su aplicación digital preferida Incluso cosas pequeñas como el balance de blancos pueden afectar negativamente tus fotos si no se configuran correctamente. Número dos, familiarízate con las curvas IDV y todos los principios que hemos aprendido hasta ahora de contraste, saturación de luz y armonía Te sugiero que aprendas esto antes de manipular configuraciones individuales, deslizadores o incluso curvas de canal de color separadas en tu aplicación de edición preferida El número tres, sobre todo, lidera tu visión artística, guía tus elecciones de color, ¿bien? En la siguiente sección, exploraremos cómo la percepción y el contexto juegan un papel crucial en cómo sus imágenes son vividas por otros. Discutiremos más la subjetividad de la percepción del color y cómo puedes usar este conocimiento a tu favor. Nos vemos pronto. 8. Percepción y contexto: Bienvenidos de nuevo a nuestra clase. En esta sección, hablaremos de algo realmente fascinante. Cómo nuestra percepción del color es en realidad bastante subjetiva y puede estar influenciada por muchos factores diferentes. Ya lo he mencionado algunas veces en secciones anteriores, pero me gustaría hablar de esto con la perspectiva de qué podemos hacer como creativos para entender la percepción de nuestros espectadores que puede ser única entre sí y aún así crear algo que sea convincente y resuene con el primero Es muy importante entender que aunque todos percibimos los colores en su mayoría de la misma manera, sabemos que el color es rojo o verde, por ejemplo. Pero nuestras impresiones individuales pueden variar bastante. Lo que parece un azul vibrante y hermoso para una persona puede parecerle un poco aburrido o silenciado a otra persona. Nuestra propia percepción de los colores está cambiando todo el tiempo. Si estás viendo imágenes como esta por un tiempo o esta otra, pueden quedar bien. Pero si de repente te muestro una foto muy colorida, porque es un cambio tan grande, tus ojos pueden reconocerlo. Pero muy pronto también nos adaptaremos. Curiosamente, estas son las fotos con las que estamos rodeados todo el tiempo en redes sociales Porque hay una idea común de que si queremos que nuestras imágenes destaquen, necesitan ser siempre lo más intensas posible. Esta es simplemente una manera de hacerlo, y no hay nada correcto o incorrecto. Pero de nuevo, si eso es todo lo que estás viendo todo el día en cuanto al color, y de pronto ves una pintura hermosa, armonizada, como los nenúfares por dinero, puedes pensar que a esto le falta algo de intensidad o que se siente un poco Donde en realidad tiene tanta variación de tonos y colores y es tan expresivo. ¿No es ese mundo? Creo que por esa razón es importante como creativo tratar de mantener una dieta visual buena y diversa. Me refiero a esto en el contexto de las redes sociales y las cosas que consumimos. Te sugiero que sigas el arte en lugar de las tendencias. Pero no son solo nuestras preferencias personales o nuestra dieta visual las que afectan la forma en que vemos el color. El contexto en el que vemos una imagen juega un papel muy importante. Cosas como el tamaño de la imagen, la iluminación en la habitación, si una persona la está mirando con nivel de brillo completo o medio en un dispositivo móvil, aunque haya música de fondo o ruido y olores, todo puede impactar nuestra percepción. Es como que la comida siempre sabe mejor cuando comes en un acogedor restaurante a la luz de las velas una cafetería ruidosa y luminosa Es por eso que ver obras de arte en persona puede ser una experiencia tan diferente a verla en línea o en un libro. Ahora, por supuesto, mucho de esto está fuera de nuestro control. Pero, ¿qué significa esto para nosotros como creativos, fotógrafos o videógrafos Bueno, antes que nada, si es posible, deberíamos tratar de ser intencionales sobre cómo presentamos nuestro trabajo. Personalmente me resulta extremadamente difícil ser consistente con publicar cosas en Instagram o redes sociales. Porque siento que todas estas plataformas están lejos de ser ideales. Pero es lo que es si tratas con video fotográfico o imágenes por trabajo, o si te tomas más en serio esto, puedes tener un sitio web de portafolio. De veras creo que eso es mucho mejor. Pero aparte de las formas en que puedes presentar tu trabajo, específicamente hablando de color, hay algunas cosas que puedes tener en cuenta. Déjame mostrarte algo. Veamos algunos colores intensos colocados sobre un fondo blanco. Hay tonos más cálidos en la parte superior y colores más fríos en la Todos ellos también tienen un ligero gradiente en ellos. Esto es para que entendamos cómo se perciben los detalles o ligeras diferencias de tono dentro ligeras diferencias de tono dentro de un color frente al blanco. partir de estas plazas que estás buscando ahora, puedes reconocer lo que se siente más intenso? Sí, este azul en realidad ya hemos hablado cómo este azul tiende a ser el más saturado a bajos valores de luz. También parece ser el color más oscuro de todo esto. Esto destaca aún más con un fondo blanco. Una cosa más, ¿cuál de estos cuadrados nos hace sentir que tienen la mayor variación de tono? En otras palabras, que nos muestra la mayor cantidad de detalles dentro del color o cuál es el más obvio gradado. Esto es más difícil pero definitivamente no es azul. Ya lo tienes. ¿Esto es amarillo? Si no lo percibes así, por lo menos, debería ser uno de estos tonos más cálidos. Ahora vamos a cambiar el fondo a negro. Todos los colores y degradados son exactamente iguales, pero nuestra percepción es más o menos lo contrario ¿Qué color se siente más intenso? Es el amarillo. Es casi como si estuviera brillando, destacándose, ya que su intensidad está conectada a un alto nivel de luz. Cuál parece mostrarnos el mayor detalle o variación en su piedra. Ahora es este azul. Otra cosa que podemos notar es que todos los colores en general se sienten más brillantes contra el negro. Pero ahora, si nos volvemos blancos, todos ellos se sienten más oscuros. Bien. ¿Qué hacemos con esta información? Bueno, ahora ya sabes que los colores cálidos serán percibidos como más brillantes e intensos contra fondos más oscuros. Ni siquiera tiene que ser el fondo. Los colores más oscuros pueden ser predominantes en tu imagen. Si tienes algunos tonos cálidos, es fácil que esto destaque y se sienta más vivo al mismo tiempo. Los tonos más profundos pueden parecer tener más detalle y más variación de tono. Al igual que en esa imagen que te muestro con múltiples colores en cuadrados y con fondo negro. Nuestros colores más fríos en las sombras tampoco parecen muy intensos Ahora bien, si tenemos una imagen que es más brillante en general por sí misma, tenemos lo contrario sucediendo. Los colores más fríos pueden parecer más intensos. Por defecto, los tonos más cálidos pueden sentirse menos, menos brillantes, pero con más detalle en ellos. Todo esto para decir que con esto se puede empezar a tomar decisiones más informadas sobre cómo captura una imagen en un entorno brillante u oscuro. Puede ser útil cuando estás enmarcando una foto para saber si quieres incluir más del brillo del cielo o más de las sombras debajo del árbol Incluso puede ayudarte a evaluar una imagen antes de editarla. Sabiendo que quieres que los detalles aparezcan más en las zonas cálidas o frías. Esto te dirá si tal vez deberías acentuar las sombras o hacer que tu imagen sea más brillante El detalle o la intensidad de los colores no siempre es necesario. Personalmente hago todo lo posible para no obsesionarme demasiado con toda esta información e ir mucho más sintiendo en lugar de seguir reglas como si fuera una fórmula matemática Aún así, creo que es muy bueno saber todo esto cada vez que estás editando algo y simplemente no funciona de la manera que quieres. Considera este conocimiento sobre la percepción y el color como herramientas que puedes usar creativamente cuando sientas que es necesario Otro consejo práctico que sí sigo mucho es que cada vez que estoy grabando color una foto o video, sobre todo si es algo que va a ir a los clientes, principalmente lo tendré sobre un fondo blanco. Si es posible, en habitación luminosa haciendo clic en el fondo y en mi lienzo, seleccionando la opción ahí, o en corte final agregando un buzón blanco Si no, al menos, voy a tratar de tener ahí una forma blanca que pueda ocultar o mostrar de vez en cuando. Tener el blanco como referencia es simplemente bueno para mí saber que no estoy haciendo mis imágenes demasiado oscuras. También volveré y lo cambiaré a negro. Siento que tengo la tendencia a ir un poco más cálido en mis imágenes una vez que cambio los colores circundantes de blanco a negro. Como te dije, sé que todo saldrá un poco más. Realmente se verá mejor. Mi enfoque principal es asegurarme de que todo por lo menos se vea bien en un ambiente bien iluminado, brillante y no ideal. Simplemente no tengo control sobre dónde va a estar viendo la gente. Espero que esta sección le haya sido útil. Yo diría que lo más importante es ser consciente de que cada vez que estés manipulando los colores de tu fotografía o videos, debes saber que se percibirán de manera diferente Para resumirlo, aquí están los puntos clave de esta sección Primero, siempre que sea posible, sea intencional sobre cómo presenta su color para optimizar la experiencia de visualización. Siempre tenga en cuenta el contexto en el que se verá su trabajo. Segundo, entender cómo los colores interactúan con diferentes tonos de fondo. Los colores cálidos aparecerán más brillantes e intensos contra los colores más oscuros. Mientras que los tonos más fríos pueden mostrar más detalles en la variación en imágenes más brillantes. Los colores más fríos pueden parecer más intensos, mientras que los tonos más cálidos aparecen menos brillantes, pero con más detalle. Tercero, usa este conocimiento para tomar decisiones informadas al momento de capturar y editar tus imágenes, considera el equilibrio de tonos cálidos y fríos, sombras y reflejos para enfatizar el nivel de detalle o intensidad deseado en áreas específicas de tu composición. Cuarto, cuando se gradúe el color, use fondos blancos y negros como referencia para garantizar que sus imágenes se vean bien en diferentes entornos de visualización. Recuerda que la percepción del color es objetiva y la experiencia de todos puede diferir ligeramente. Sobre todo, concéntrate en crear imágenes que resuenen contigo y confíes en tus instintos Usando tu conocimiento de la percepción del color como una herramienta para mejorar tu visión creativa cuando sea necesario. Bien, en la siguiente sección, vamos a ahondar a la clase con algunos recursos e ideas adicionales que te ayudarán a seguir aprendiendo sobre el color del otro 9. Recursos adicionales y cerrados: Hola a todos y enhorabuena por llegar al final de esta clase. Espero que los conocimientos y las técnicas que hemos cubierto no sólo amplíen su comprensión del color, sino que también le hayan inspirado a aplicar estos principios en su propio trabajo. Como artistas, tenemos el poder de dar forma a la forma en que otros ven el mundo a través de nuestra lente. El color juega un papel crucial en este proceso, ya que puede evocar emociones, establecer el estado de ánimo y guiar la mirada del espectador Espero que con todo lo que hayas aprendido sobre el color, estés mejor equipado para tomar decisiones intencionales. En tu, para conocer más sobre el color, te animo a que sigas estudiando las obras de maestros pintores. Durante la clase te muestro obras de Vincent Bango, Claude Monet o Johannes Vermeer También están Paul San, Henry Mattis Nar, y muchos más sobre fotografía Me encanta el uso del color por maestros como Herr Griard, Pinkasov y Observe cómo todos estos artistas utilizan el color para crear armonía, contraste e impacto visual en sus composiciones. Si esta clase ha despertado tu interés en la película, míralo todo Recomiendo encarecidamente explorar esta aplicación o enchufar que mencioné La respuesta, fue creada por un equipo muy, muy apasionado por el color. Las herramientas de respuesta, las emulaciones de películas y los deslizadores se basan en los mismos principios de armonía de color que hemos discutido en esta clase Es un recurso invaluable para el aprendizaje y la experimentación. Si decides comprar la app desde tu sitio, por cierto, recuerda que puedes usar el código de descuento de afiliado loco por el color, para obtener un 10% de descuento, pero no te sientas obligado También puede buscar diferentes aplicaciones de emulación de películas que pueden funcionar igual de bien Lo más importante es encontrar herramientas que funcionen para usted y su propio proceso creativo. Incluso sin jugar con fotografía analógica o emulaciones de película digital Recuerda que una herramienta muy poderosa para manipular el contraste de color y la saturación son las curvas RGB Si bien pueden parecer menos intuitivos que los deslizadores, dominar las curvas te dará un control incomparable sobre tus imágenes No me metí en herramientas muy técnicas, pero si te interesa, también te animo a investigar y aprender sobre histogramas y vectorscopios, ya que estos pueden proporcionar valiosos conocimientos composición del color de los que te gustaría profundizar en la armonía y percepción del color También recomiendo el libro, Life Like Color, que en realidad sirvió como base para gran parte del contenido de esta clase. Recuerde, sin embargo, que el conocimiento sobre color es solo una pieza de la forma de composición del rompecabezas y su visión artística única es igualmente importante para crear imágenes convincentes. Para aquellos de ustedes interesados en explorar la composición, por cierto, invito a que revisen una clase que tengo sobre fotografía por capas y formas están conectadas y comprender cómo interactúan entre sí puede informar sus decisiones de compartir. Al aplicar todo lo que aprendiste en esta clase a tu propio trabajo, no dudes en ponerte en contacto con preguntas o compartir experiencias en el área de discusión. Si te gusta esta clase, por favor deja una reseña. Siempre me emociona leer de los alumnos me encantaría saber si lo que aprendiste fue útil. Si hay algún aspecto particular de la fotografía o el video que te gustaría que cubra, por favor házmelo saber para que pueda seguir haciendo otros cursos en esta área. Por último, te animo a que compartas tus proyectos con una comunidad de clase. Ver cómo otros han aplicado los principios del color, armonía y la percepción puede ser increíblemente inspirador y puede generar nuevas ideas para tu propio trabajo. Recuerda que la clave del crecimiento como artista es seguir aprendiendo, experimentando y empujando los límites de tu creatividad Confía en tus instintos, mantente curioso y nunca dejes de explorar las posibilidades ilimitadas del color en Gracias por formar parte de esta clase, y no puedo esperar a ver las increíbles imágenes y videos que creas.