Transcripciones
1. Introducción: Mi nombre es Justin Maller. Soy artista digital australiano. Llevo haciendo arte digital desde el año 2000, y lo he estado haciendo profesionalmente desde que terminé la universidad. Pero me puse muy serio en ello cuando encontré a la comunidad en línea, y lo que tienes alrededor del 2000. Empecé Depthcore que fue mi colectivo de arte en 2002. Entonces, eso es sólo un grupo privado de artistas que nos juntamos. Nuevamente, hay mucha colaboración. Empezamos a hacer obras de arte juntos, aprendiendo cómo hacer cosas, aprendiendo lo que el software podía hacer, y explorando,
y experimentando, y jugando mientras todos estábamos en la escuela. Eso en realidad ha llevado a otro de mis proyectos favoritos que es la colaboración con Ruso, es algo en curso. Entonces, esta es una clase sobre colaboración. Se trata de una clase sobre cómo puedes construir trabajo, construir amistades y construir relaciones a través del trabajo colaborativo, y cómo puedes crecer cualquier aspecto de tu vida creativa que estás tratando de crecer ya sea tu trabajo, ya sea tu red, si es tu público, sea cual sea la parte de tu vida que intentes crecer. Se trata de darse cuenta de eso y hacerlo llegar a buen término. Porque podrías ser alguien que acaba de empezar en el mundo creativo, y esta es una gran manera para que simplemente comiences a conocer gente de
ideas afines y a explorar y hacer cosas nuevas. Podría ser para alguien que lleva un minuto en el juego y tuvo un callejón sin salida. Esta es una gran manera de abrir un poco tu mente y de ver tu propio trabajo y solo arte desde un punto de vista diferente. O podría ser para una gente realmente talentosa realmente establecida busca hacer algunas conexiones nuevas, buscando probar algo nuevo tal vez salir de un poco áspero en el que habían estado, o tal vez simplemente no han considerado la colaboración como un medio viable de expresión antes podría
ser simplemente algo que nunca se les ocurrió, pero podría ser genial atarse con otra persona. Entonces, realmente creo que ese nivel de habilidad no tiene nada que ver con lo que le quitas a esta clase en particular. Mis mejores amigos del mundo conocí primero a través de la colaboración. Simplemente enviándonos imágenes el uno al otro, y haciendo trabajar juntos, haciendo shows juntos, simplemente jodiendo juntos. Es algo que creo que es realmente vital para una buena vida creativa, y es algo que es eminentemente alcanzable dada la edad en la que vivimos. El Internet lo hace tan fácil, y es una cosa tan divertida, maravillosa de hacer que supongo que me apasiona. Sí, odio la inspiración. Odio como concepto. La gente lo fetichiza como poseer la colección perfecta de revistas o libros, o ir al café adecuado, o entrar en esta charla o esa charla va a resultar en que seas la mejor creativa. No es así. Es justo lo que creo que te hace sentir bien y feliz como persona. Si te sientas y te das tiempo para trabajar mientras estás en un buen lugar mental, y estás estimulado, eso es lo importante. Entonces, esta clase, todo se trata de colaboración, y se trata de cómo puedes construir tu trabajo, y construir amistades, y relaciones, y crecer cualquier parte de tu vida creativa que estés tratando de crecer, ya sean tus habilidades, si es tu red, si es tu audiencia. Se trata de cómo usar la colaboración como plataforma para ver todo eso cobra vida.
2. Tu proyecto: Está bien. Entonces, la tarea para esta clase va a ser tomar una fotografía y agregarle tu propio giro. Entonces, ya sea que
sea ilustración, tus propios elementos fotográficos, tus propios elementos fotográficos,cualquier tipo de tratamiento que quieras hacerle, vas a tomar esta pieza y vas a convertirla en tu propia colaboración. Si apenas estás empezando y te preocupa acercarse a alguien más para usar su trabajo, no te preocupes. Te estoy brindando todos los activos que vas a necesitar para poder experimentar y hacer lo que quieras para esta colaboración inicial. Para este proyecto, te voy a estar dando una serie de imágenes que aparecen en mi buen amigo Cody Tom. Cody es un fotógrafo profesional de estilo de vida que vive en Brooklyn y nos
ha dado nueve imágenes para usar como base para estas colaboraciones iniciales. Al considerar el trabajo que se te proporciona, evalúa la composición para encontrar lugares naturales en los que tu trabajo se enganche. Encontrarás la pieza que te habla con bastante rapidez. Por supuesto, puedes hacer tantas como quieras pero primera vista la imagen correcta como punto de partida te destacará de inmediato. Entonces en la clase, vamos a cubrir cosas como cómo meter tu trabajo ahí en primer lugar. Vamos a pasar un poco de tiempo justo mirando las diferentes técnicas que puedes emplear para crear una composición cohesiva. Ya sea que eso sea solo equilibrar elementos, fuentes de luz , puntos de
sombra, todas pequeñas cosas técnicas que realmente van a hacer que tu trabajo parezca que pertenece a la composición. Y sí, también vamos a echar un vistazo alto a cómo empezar en colaboración y qué hacer cuando estás contactando a alguien y estableciendo una nueva relación creativa de colaboración. Entonces, hay tres formas en que puedes acercarte a esta asignación en particular. Si eres ilustrador, puedes tomar la fotografía que he suministrado y meter tus propias ilustraciones en ella. Si eres fotógrafo, puedes vincularte con un ilustrador y conceptualizar cómo hacer una sesión para incorporar mejor las ilustraciones. Alternativamente, puedes hacer el rodaje e incorporar mis ilustraciones tú mismo. O en tercer lugar, puedes hacer ambas cosas. Podrás crear tus propias ilustraciones, tomar tu propia fotografía, planear tu propio proyecto. Puedes tener cualquier nivel de implicación de mis activos que te brindo o cosas que quieras crear. Depende de ti. No tienes que trabajar en mi tipo de estilo para este proyecto en absoluto. Obviamente, mi estilo es en lo que puedo enseñar porque es lo que conozco, pero no hay un enfoque equivocado para esto. Sea cual sea tu estilo ilustrativo, estoy seguro de que podrás encontrar la manera de abordar este proyecto. Si estás dibujado a mano, no hay problema. Si quieres trabajar con elementos fotográficos tomados de stock, no hay emisión. Si también eres una persona 3-D, eso también es genial. No hay un enfoque equivocado para esto. Hagas lo que hagas, solo tráelo a este proyecto y hazlo una manera reflexiva y creo que vamos a tener un resultado realmente grande. La parte más difícil va a ser la primera parte. Que sobre todo como ilustrador, si solo tratas de encontrar un concepto ilustrativo que funcione con la fotografía que se te presenta. A veces solo te saltará pero muchas veces vas a tener que probar muchas cosas antes de tener el momento de la ha que encontraste la combinación perfecta. Entonces, eso puede ser frustrante. Puede ser increíblemente liberador cuando consigues ese momento eureka de inmediato pero ese es un verdadero reto desde el principio. Y luego después de eso, otro reto al que te vas a enfrentar es realmente hacer que esta composición parezca cohesiva. Va a ser en poner el fino detalle y los pequeños toques que realmente hacen que parezca los elementos ilustrativos pertenecen a la fotografía pero también es divertido. Son retos divertidos y es lo que te va a ayudar a crecer. Entonces, nada de qué preocuparse. Entonces, lo que quiero ver es que quiero ver que este proyecto se desarrolle con el tiempo. Es realmente raro que el primer pase que tomas en una colaboración vaya a ser perfecto. Hay un montón de cosas diferentes que vas a necesitar considerar si estás ilustrando sobre una fotografía. Hay un montón de cosas diferentes que vas a necesitar considerar si estás filmando para una ilustración. Entonces, lo mejor que se puede hacer es subir trabajo y conseguir crítica al respecto a medida que se avanza. Por lo que tres, cuatro, cinco por tantas piezas que quieras poner
hasta que lleguemos a ese producto final es ideal. Solo para que puedas obtener comentarios de otros estudiantes, obtener comentarios de mí sobre cómo se van dando forma a las cosas, la composición de tu pieza, y tal vez solo algunos detalles finos. Al igual que las sombras y los reflejos y lo que pueda necesitar tweakin elegí esta tarea porque cuando estás hablando de colaboración, la única manera de entenderla realmente, es hacerlo. Y el punto de esto es que no es tan difícil de hacer. Se puede salir y comenzar una colaboración cualquier día de la semana. Se puede iniciar el proceso y estar trabajando dentro de un día o dos lo más probable es. Y lo grandioso de esta clase es que puedes estar trabajando de inmediato ya que voy a
suplir todo lo que necesitas para ponerte en marcha desde el primer día.
3. Colaboración: La colaboración comienza con encontrar a alguien cuyo abajo colaborar. Estás buscando a alguien que te pueda suministrar trabajo que vuela tu imaginación y realmente te haga ir. Quieres a alguien que pueda proporcionar el mejor punto de salto para que
tu proceso creativo comience sin inhibiciones ni sin ninguna preocupación. Entonces, estás tratando de crear una relación sólida desde el principio con buenos límites en su lugar donde sabes a dónde puedes ir, a dónde no puedes ir, pero lo más importante a dónde quieres ir. Encontrar a alguien con quien colaborar puede parecer desalentador, pero en realidad no es tan difícil. Simplemente mira en los lugares que ya estás buscando, mira en Instagram, mira en Twitter, mira en Facebook, Deviant Art, Dribble, Skillshare en cualquier lugar. En cualquier lugar que veas a alguien que está subiendo el tipo de obra que te interesa, es el lugar para empezar. Necesitas ser realista sobre a quién acercarte. Si estás empezando, no te limites a acudir a un profesional
establecido y decir: “Oye, colaboremos”. Encuentra a alguien que tenga el mismo nivel de talento y entusiasmo que tú y acércate a ellos de manera honesta. En mi opinión la mejor manera empezar a llegar a alguien más es hacerlo en privado. No les pegues en comentarios públicos o algo así,
ya que frecuentemente se ignoran comentarios como ese. Encuentra la manera de ponerte en contacto con ellos vía correo electrónico o algún otro tipo de mensaje privado, para que puedas tener una conversación real fuera del ojo público. Se trata de construir confianza y eso no es algo que se haga mientras todos los demás están mirando. No hay forma correcta o incorrecta de empezar con esto,
una vez que encontraste a alguien que está abajo para colaborar, podría ser tan sencillo como decir hey mándeme algunas imágenes y te lo envían y te lo vas a poner en marcha. Podría ser que tengas una sesión de planeación real sobre dónde quieres llevar el proyecto, qué tipo de resultados quieres lograr donde robas cosas de ida
y vuelta sobre lo que en última instancia te gustaría estar haciendo. Entonces, puede ser tan formal o informal planeada o espontánea como quieras. Depende de ti y el nivel que sea apropiado te dará a conocer muy rápidamente cuando empieces a hablar alguien más sobre trabajar con su trabajo. En colaboración el respeto lo es todo. Necesitas hablar con la persona con la que estás trabajando y entender si los activos que te han proporcionado son trabajo terminado,
trabajo que está en curso o simplemente materia cruda. Por ejemplo si eres ilustrador trabajando con un fotógrafo, bien
pueden enviarte fotografías que consideren terminadas. Como tal cuando les estás agregando tus elementos, estás equilibrando tus elementos para adaptarse al ritmo que te han enviado. También podría ser que te hayan mandado algo que apenas han tocado, eso sale directamente de la cámara y están de acuerdo con que hagas lo tuyo con él. En cuyo caso se pueden ajustar las sombras, los reflejos, los tonos de color. Haz lo que quieras para crear la composición que te agrade, pero tener el respeto de pedir en primer lugar es primordial para hacer una buena colaboración. Al colaborar siempre debes tener permiso de los demás artistas para estar trabajando con su trabajo. Si no tienes ese permiso, lo que estás haciendo no es una colaboración, es robo de arte. Por lo tanto, asegúrese de obtener permiso
explícito escrito o verbal de otra persona antes de alterar alguna vez su trabajo. La atribución es importante. Siempre que publiques el trabajo en línea, es realmente importante que te asegures de que tu colaborador esté bien representado en la descripción como eres. Publica su nombre, publica su sitio web, publica mangos de redes sociales, cualquier cosa que puedas hacer que sea apropiado en el recinto que estás publicando. Es súper importante que se les reconozca tanto como contribuyente y creador de la obra que estás publicando como tú. Entonces, si apenas estás empezando y te preocupa acercarse a alguien más para usar su trabajo, no te preocupes. Te estoy brindando todos los activos que vas a necesitar para poder experimentar y hacer lo que quieras para esta colaboración inicial. futuro también puedes usar sitios web de acciones gratuitas para conseguir elementos para empezar. Entonces esos son los fundamentos de la colaboración. Adelante y empecemos con tu tarea y así puedas empezar a poner en práctica estas cosas.
4. Uso de fotografía: Este es mi buen amigo, Coty Tarr. Es fotógrafo de retratos y estilo de vida de Brooklyn. Muchos de los retratos que sí involucro a deportistas y mucho estilo de vida y fitness tipo de trabajo también. He trabajado con revistas como Sports Illustrated, Men's Fitness, y otras como esa. Creo que es realmente divertido porque es algo personal, sólo
nos estamos divirtiendo, no hay presión, de ningún tipo. Yo tomo la foto, y se la pasa,
y él ve lo que ve y sólo pone sus piezas en ella. Es realmente genial. Nuestra relación colaborativa es bastante casual porque
somos buenos amigos y nos conocemos y nos respetamos. Como es, no hay acuerdo formal ni nada así entre nosotros. Somos realmente buenos compañeros. Es fácil colaborar con alguien así, porque el nivel de confianza ya está presente. Somos capaces de mantenerlo casual, y solo enfocarnos en divertirnos y ser creativos. colaboración es muy refrescante porque, la
mayoría de las veces estoy filmando cosas por mí
mismo, sólo soy yo y mis decisiones y mis gustos. En cuanto traes a alguien más a bordo, traen a la mesa todo lo que tiene, y puedes mirar las cosas de maneras completamente nuevas y refrescantes. Creo que ese es el mayor beneficio para la colaboración. La foto que estamos viendo ahora es tomada en el norte del estado de Nueva York a las afueras del lago Placid. Estaba en un viaje de campamento con algunos amigos, y siempre estoy vigilando las fotos que podría tomar con las que potencialmente Justin podría trabajar en algún momento, y para mí también. Pero, una de las razones por las que pensé que esta foto podría salir muy bien, es que tiene un bonito escenario para ello, en primer plano, con las rocas, el hermoso paisaje detrás de ella. Pero, también es una fotografía muy sencilla para trabajar en el sentido que es una fuente de luz y es fácil colocarla, en lugar de múltiples fuentes de luz como algunas de las otras fotos que vamos a ver. Esta definitivamente va a ser la fotografía más fácil para que los estudiantes
trabajen, en que solo hay un avión en el que debes preocuparte por lanzar sombras. Sólo hay una fuente de luz, y los tiempos son bastante neutros, los puntos de sombra son bastante neutros. No hay mucho ajuste que necesitarás hacer,
excepto realmente para igualar los tonos fríos de Coty en la pieza. Pero esta es una pieza
muy, muy buena para que mucha gente empiece con. Absolutamente. La foto que estamos viendo ahora es realidad una de las tomas que tomamos en el bosque que hemos mencionado. El origen de luz que pasa por la parte superior aquí es muy divertido trabajar con. Porque de nuevo, es una sola fuente de luz que es un poco más difusa. Pero, realmente deja que el foco se pare en la pieza debido a que la única fuente de luz viene a través de manera más direccional. Una cosa diría que ésta es otra, una de las fotos más fáciles para que los estudiantes trabajen. Algo que consideraría es la luz de difusión que sale de las plantas. Si pones un elemento ahí dentro, considera que también va a haber alguna luz siendo reflejada y emanada de las plantas más ligeras en primer plano. Además, asegúrate de igualar los tonos de sombra, llévalos de los árboles a la izquierda y a la derecha, porque esa es una parte fuerte del tono en esta pieza. Se trata de una fotografía tomada en Dumbo, puesta en Brooklyn. Nuevamente, esto tiene un escenario realmente bonito para ello. Algo que tal vez quieras tener cuidado, es la pequeña barda de construcción
que hay en primer plano, puede ser difícil trabajar con ella. Pero, si puedes incorporarlo y casi encajar la pieza detrás de
ella, podría ser una situación realmente interesante. Creo que esta pieza presenta un reto interesante para los estudiantes, en que pueden intentar retocar eso si quieren ser realmente ambiciosos al respecto, o encontrar una forma creativa de integrar elementos que oscurezcan eso. Porque, no estoy seguro de que sea algo que necesariamente quieras tener presente en tu composición final, tal vez encuentres la manera de hacerlo. Una sola fuente de luz otra vez, pero esas sombras son algo a considerar desde la arquitectura de arriba. Pero, creo que la gente podría divertirse un poco con esto. Esta podría ser una imagen divertida para simplemente transformarse en y por sí misma, en
lugar de traer necesariamente un elementos extraños simplemente tomar las cosas aquí y alterar y editar así, y tener un poco de una sesión de manipulación de fotos podría ser una buena opción para las personas que no están tan ansiosas por ilustrarse a sí mismas. De nuevo, esta es otra foto tomada en Dumbo, fuera en Brooklyn. Este es más tarde por la noche, por lo que se puede ver toda la luz ambiental pateando,
las fuentes de luz de arriba. Esto podría ser divertido para trabajar con fuentes de color, ¿verdad? Sí. Esta es una donde los estudiantes van a tener que usar las técnicas de saturación de tonalidad que discutimos, y también usar un mezclador de canales, algo que no hemos cubierto en gran longitud. Pero si tienes una jugada con un mezclador de canales de Ajuste de imagen, y juegas con los diferentes valores ahí, y los diferentes niveles de constantes que hay. En esta imagen en particular estaría tirando hacia abajo la constante azul cual generará la luz amarilla de tungsteno que ahí está presente, y golpeando un poco los rojos. Es decir, este es el tipo de cosas que tienes que tener en cuenta cuando estás fuera trabajando elementos
ilustrativos en una imagen que es bastante coloreada la iluminó como esta. Bonito escenario abierto sin embargo. Sería un reto pero, alguien podría hacer algo realmente genial con esto. Absolutamente. Esta es una que me llevé en la ventisca, durante la tormenta Juno que impactó. Esta va a ser difícil para ellos trabajar. ¿Sí? Ciertamente las ráfagas de nieve van a presentar un poco de reto. Los estudiantes pueden replicar a los que usan un pincel. Lo que debemos hacer es, crear un pincel nuevo, establecer el tamaño del mismo para que sea bastante pequeño, entrar en la preconfiguración del pincel, y encender la dispersión, jugar un poco con eso y el espaciado real del pincel, serías capaz de recrear la nieve en nueva capa así. Múltiples fuentes de luz, de nuevo, pero realmente solo una fuerte viniendo del final de la pieza. La profundidad de campo en esto también va a ser un reto interesante para que
los estudiantes intenten trabajar con las ilustraciones. Esta es otra foto que tomé al norteño fuera del lago Placid. Este podría ser bastante duro para trabajar. Es una especie de mediodía,
una fuerte luz del día entrando por la línea de los árboles. Sí. Lo intenté y fallé en esta imagen. Me encantaron los tonos y los colores que hay en ella. Me gusta la iluminación, y me encantó el detalle general de la misma. Pero la profundidad de campo es un reto. Esa fuente de luz realmente específica que se está difundiendo a través de los árboles también, es una pieza desafiante. Pero alguien realmente podría destrozar esto. Esta es una hermosa fotografía. Sí. Es una composición difícil y ocupada. Pero, si pudieras arreglarlo, se vería realmente enfermo. Esta es una instantánea que tomé en el metro hace un par de semanas. A altas horas de la noche, apenas un par de personas esperando el tren. No hay tanto espacio en el que trabajar, porque es un primer plano bastante superficial. Cualquier cosa que vas a tener que colocar va a tener que ser bastante grande para que se siente naturalmente frente a ese letrero, y al chico en la moto. Es decir, hay espacio para volver con ella también a lo largo de la plataforma. Pero esto es, si alguien puede sacar algo con esto, me quedaré impresionado. Es demasiado guay de una fotografía para no incluirla. Absolutamente. Las fuentes de luz son geniales. Sí. Realmente interesante. Pero trabajar dentro del primer plano y de la gente, sería interesante. Si estuviera trabajando en esto solo echaría un vistazo a las sombras que habían sido creadas por la gente que estaba ahí e intentaría igualar eso. puede ver que viene ligeramente a la caída. Esta es otra tomada durante la tormenta de nieve que tuvimos. Gran tiro. Caminando sobre el Puente de Williamsburg. Esto podría ser muy divertido para trabajar. Me encantan las fuentes de luz amarilla que llegan por el centro. Esta es una de las más fáciles de trabajar desde el tipo de fotografías nocturnas y de nieve, siendo que no hay partículas de las que preocuparse. Ni siquiera esas muchas fuentes de luz de las que realmente preocuparse. Hay algunas cosas geniales que pueden informar dónde y cómo coloques cualquier ilustración que quieras. Este es un tiro realmente genial. Casi hice mi pieza en esta. El único motivo por el que no lo hice es que el escenario real que tienes con el puente retrocediendo así, es más estrecho que el otro, y quería jugar con un escenario más grande. Sí. Realmente un gran tiro. Buena opción, grandes colores también. Entonces, aquí estamos. Imagen que he elegido, me gusta mucho. Tiene increíbles profundidades de campo, tiene grandes colores desde el principio, tiene los inicios de alguna simetría realmente agradable, y me sentí como si fuera un espacio realmente genial para explorar. Grandes fuentes de luz provenientes de los lados izquierdo y derecho. Bueno también lo que hará esto un poco más fácil, es que sí descompongo en detalle cómo crear
sombras para correlacionarse con estas fuentes de luz particulares. Tendrás punteros específicos sobre cómo usar esta imagen en particular. Lo que estamos viendo ahora es mi pieza en su formato final. Pero esto es después de un día y medio quizá dos días de trabajo para hacerlo bien. No es como empezó. Y ni siquiera está cerca de cómo estuvo en el primer borrador. Estoy realmente emocionado de ver qué van a hacer los estudiantes este proyecto. Veo lo que hace Justin aquí, y se ve increíble, así que, no tengo idea de qué esperar. Creo que va a ser realmente genial. Realmente genial. Esa es la diversión. Esa es la diversión
5. cómo elaborar un concepto;: Entonces, como comentamos, al iniciar una colaboración, es importante establecer el parámetro de si te están
entregando el trabajo final o si te están entregando trabajo crudo. Esto, sobre todo, se refiere a la fotografía. Vi por primera vez el trabajo de Trash en línea, en Instagram, y simplemente me encantó. Me encanta la fuerza de su composición y sólo la magnífica simetría que emplea. También tiene un respeto realmente comandante del tolueno y diferentes puntos de contraste. Entonces, me sentí realmente atraído por su trabajo de inmediato. Tenemos un par de amigos en común, pero en realidad sólo le lancé un tuit público en Twitter y le dije: “Oye hombre, deberíamos conectarnos”. No recomiendo esto, no
es un gran enfoque, pero sí funcionó para nosotros y
empezamos a juntar nuestra primera colección no mucho después de sólo traducir eso en una colaboración con él y con su increíble fotografía. Ahora, cuando hago mis colaboraciones de mano de basura, me
está enviando la obra final. Estas fotografías están terminadas. Han sido graduados de color, los niveles han sido equilibrados, son buenos para ir. Entonces, cuando estoy creando en esto, es muy importante que respete eso y que no ajuste sus niveles, no ajuste sus tonalidades, y creo trabajo que encaja con lo que ha presentado. Esta es una parte importante del respeto que hemos estado insistiendo a punto de
asegurarnos de que estás haciendo cosas que van a hacer feliz a tu compañero colaborativo. Entonces, este es un ejemplo de mí probando conceptos diferentes y diciendo lo que se pegaría. Esta fue una idea bien, pero la geometría era demasiado simple y demasiado dominante para esta composición en particular. Esto fue justo, la perspectiva estaba equivocada. Este fue el primer render que realmente empezó a tener sentido para mí. Sentí que las formas que tenía presentes y el nivel de densidad que había dentro de ellas, iba a funcionar bien con lo que tenía. Entonces, algunos básicos de libre transformación posterior. Entonces, hice un poco de libre transformación para hacer que este render particular funcione mejor con el espacio como se presentó. Entonces decidí que no me gustaba la parte superior, específicamente. Entonces, acabo de soltarme eso y rendericé un nuevo top más fuerte más geométrico. Sí, eso es acerca de lo correcto. A partir de ahí, acaba de agregar en algunos renders secundarios en segundo plano para crear profundidad, fácil. Nuevamente, todo esto se hizo sin tocar de ninguna manera los puntos de contraste o matices de la fotografía original. Todo lo que hice fue hecho para encajar con lo que me fue dado desde el principio, respetando el hecho de que fue obra terminada. Ahora, Trash en su momento era en realidad relativamente nuevo en este tipo de colaboración. Estaba súper inseguro de lo que podía hacer con él. Me gustaría pensar que las primeras imágenes que presenté lo hicieron feliz, por la cantidad de respeto que mostré hacia su obra terminada. Sabía que era nuevo en el proceso de colaboración digital con un ilustrador como este y supe que probablemente estaba un poco tembloroso por tener su obra destruida. Entonces, tuve mucho cuidado con las primeras imágenes que envié para mostrar mucho respeto a su composición y para crear cosas que encajen dentro de su visión original. Estaba contento con la primera ronda y desde entonces hemos ido fuerte. Ahora, esa es una parte fundamental de estas colaboraciones. Es que necesitas probar muchas cosas. Es realmente raro que lo primero que intentes sea un jonrón. Entonces, lo primero que vas a tener que tener en cuenta, el primer principio, es sólo seguir lanzando enfoques,
conceptos, e ideas al ritmo hasta que algo se pegue. No intentes forzar un concepto que no esté funcionando. Lo vas a hacer, pero no lo hagas. Incluso haciendo este proyecto, pasé un día entero trabajando en un enfoque que simplemente no funcionó. Intenté todo lo que pude para solo lograrlo y hacerlo. En última instancia, hay, este es el día que no tengo ahora. Lo correcto te saltará de inmediato, y si eso significa que tienes que cambiar a otro, como para empezar un activo fotográfico, entonces cambia. Si esto significa que necesitas dejar de trabajar durante una o dos horas, deja de trabajar durante una o dos horas. Forzar muy raramente vale la pena, como encontré para mi disgusto con esta pieza en particular. Un buen acercamiento a la colaboración es traer elementos
fotográficos de una imagen y ponerlos en otra imagen. Esto se empatará con otras habilidades que cubrimos más adelante. Pero una de las partes muy fundamentales de esto es un proceso llamado aguafuerte. No es divertido. Definitivamente no es sexy, pero es algo que todos pasamos mucho tiempo haciendo. Ahora, en esta imagen en particular, considere esta roca. Esto es algo que podemos encontrar interesante o querer colocar en otra parte de una imagen. Lo que vamos a hacer, es usar la herramienta de lápiz, golpear P para el atajo, y vamos a acercar muy fuertemente a esta roca en particular. Entonces vamos a crear puntos de anclaje, simplemente
haciendo clic y arrastrando para golpear curvas como esta. Una vez que sueltes, tu crea un nuevo punto de anclaje. Da la vuelta y delinea la roca. Cuanto más tiempo y detalle pongas en esto, mejor aguafuerte tendrás y más realista se va a ver lo final. Entonces tómate tu tiempo. Este es un buen momento para escuchar un podcast o ponerte tu Xen, podría ser relajante. Se trata, de nuevo, de una parte muy fundamental de la manipulación y creación de imágenes, sobre todo si no estás usando 3D, que atajan de alguna manera esta. Completa el camino haciendo clic en tu punto de anclaje original, haz clic con el botón derecho en el centro y toca Hacer selección. Asegurarse de que el emplumado esté ajustado a cero. Ahora, tendrás una selección de ese hit. Copiar, y golpear pegar, y alejar el zoom. De repente, tienes una capa de roca móvil que
puedes colocar en una parte diferente de esta pieza si lo deseas o duplicar en otra composición por completo. Este proceso se llama aguafuerte y es algo con lo que probablemente deberías familiarizarte.
6. Incorporación de elementos y composición: Una vez que has bajado tu concepto, has identificado la pieza base de arte con la que quieres trabajar,
es hora de meterte en la basura y realmente empezar a poner trabajo en el ritmo. Entonces, con esta pieza particular de código con la que decidí trabajar, mucho que me encanta el contraste del cielo azul y la iluminación amarilla de tungsteno, decidí que realmente quería jugar hasta el suelo nevado. Entonces, vamos a sacar el amarillo de esto y hacerlo solo un bonito blanco como la nieve. Ahora, la forma en que vamos a hacer esto, es agregando una capa de ajuste de saturación de tono. Capa, Nueva capa de ajuste, Saturación de tono. Lo que vamos a hacer es seleccionar específicamente la parte amarilla del espectro. También vamos a ensanchar ese espectro para que incluya las superposiciones anaranjadas, y pararemos justo antes de que realmente nos metamos aquí en la parte roja del mismo. Ahora, lo que vamos a hacer es simplemente sacar la saturación de eso. Notarás que el amarillo pierde saturación pero el rojo que está presente en las vigas y la estructura del puente se mantiene intacta debido a que aquí no se selecciona el rojo. También vamos a perforar
un poco la ligereza aquí para realmente darle una agradable sensación de nieve. Fácil. Esa es la parte de saturación de matiz de esto hecho. Lo siguiente que quería hacer, era hacer la pieza más simétrica. Entonces, acabo de poner algunas reglas en cuanto a dónde estaba el centro de mi lienzo, y ajusté el ritmo, para que las líneas solo coincidan con los gobernantes, y tuve simétrica, incluso simetría en todo, donde estas vigas superiores se conocieron gobernantes horizontales, el centro del camino se encontró con la regla central, y un poco de deformación en la
esquina inferior izquierda para conseguir esas sombras en un bonito plano parejo también. Ahora, voy a traer mi primer elemento. Para mí, este es el render central. Ahora, está sentado ahí, se ha renderizado con esta pieza en particular en mi. Entonces, los colores y tonalidades están puntuales, no
hay nada para que realmente me ajuste ahí. Lo que notarás de un vistazo rápido sin embargo, es que el punto sombrío es incorrecto. Aquí hay un negro que es mucho más oscuro que cualquier otra cosa presente en la imagen. Entonces, vamos a corregir eso. Lo que vamos a hacer es usar el recolector de color, que es justo, golpeas yo y seleccionas la parte más oscura de la pieza. Probablemente va a ser esta viga aquí mismo. Ahora, en esta pieza que sirve de negro, pero en realidad, si la miramos en la rueda, realidad
es un azul oscuro en medio de la saturación. Con eso seleccionado, en la parte superior de nuestra composición, vamos a crear una nueva capa, lo
llamaremos punto de sombra. Vamos a llenarlo con ese azul. Eso se ve bien. En este punto, configuramos el modo de capa en Aclarar. Ahora, inmediatamente notarás que, en mi render principal aquí, ese negro ya no sobresale. Se ha aligerado, para que encaja de manera cohesiva. Con solo encender y apagar la capa, también
verás que accidentalmente hemos aligerado algunas otras partes de la imagen. El punto oscuro real para esta imagen en particular es esta viga. Entonces, tomemos una muestra de eso, y llenemos esto más tarde con ese color en su lugar. Mucho mejor. Ahora, todo el rango de contraste está presente, pero esa capa ha sido corregida. Al mismo tiempo, notarás que esta parte blanca del render es demasiado brillante. Entonces, lo que vamos a hacer, es apagarlo, encontrar aquí la parte más brillante de la nieve, y probarlo. De nuevo, si entramos al volante, notarás que son varios tonos más oscuros que el blanco puro. Vamos a crear otra capa nueva, y llenarla con esa ligeramente blanquecina. Vamos a poner eso para que se oscurezca. Ahora, cuando reintroduzcamos esto, notarás que el punto blanco está equilibrado con los reflejos detrás de él. Agradable. De manera más específica, para esta parte exacta, porque ya no se ven los blancos allá atrás, vamos a probar la pieza más ligera que podamos encontrar que está cerca de ella. Consigue un pincel, cepillo mineral. Selecciona nuestra capa de reflejos, que hemos nombrado anteriormente, y vamos a cepillar justo en ese pedacito de ahí. Mucho mejor. Ahí. Es una diferencia sutil, seguro
que estarás de acuerdo, pero es importante que este elemento en particular encaje con nuestra composición. cohesividad es una gran parte de lo que estamos buscando. Ahora, vamos a editar el elemento real en sí, ahora que tenemos esas propiedades globales establecidas. Esto es un poco más oscuro de lo que me gustaría ver a lo largo de los tonos medios. Entonces, lo que vamos a hacer es ajustar sus niveles. Imagen, Ajustes, Niveles. Este deslizador particular en el medio es de tonos medios. Vamos a moverlo hacia la izquierda para realzar los tonos medios. Veremos que se iluminan. Ahora bien, no queremos perder el bonito contraste que tenemos. Entonces, pongamos un poquito ese nivel de sombra. Ahí vamos. Ese es un buen compromiso, donde tenemos un poco más de información en los tonos medios y se conserva el contraste. Es sólo un nivel más atractivo. También querrás hacer eso con otros elementos que introduzcas. Intenta mantenerlo universal. Golpea los tonos medios y corrige deslizando las sombras. Hace para un ritmo mucho más interesante. Ahora, vamos a entrar y encender estos elementos con luces que corresponden a las fuentes de luz presentes en la imagen fuente. El modo en que vamos a hacer eso, es, de nuevo, crear una nueva capa. Este lo vamos a llenar de negro. Nómbralo esquiva. Establece ese modo de capa en Dodge de color. Esto va a iluminar severamente cualquier capa debajo de ella con el color que pintas o el tono que pintas encima. Tan solo blanco por ahora está bien. Empecemos con esta imagen más a la izquierda. Ahora bien, esto se iluminaría por esta luz de aquí. Entonces, sigamos adelante y usemos nuestro pincel para pintar en un esquivar ahí así. Ese es un buen golpe. Haz lo mismo por éste, con esta luz de aquí viniendo a través. Entonces, uno sobre nuestro objeto central en la parte superior, que está siendo retroiluminado por ambos. Uno ahí, uno ahí, y tal vez, un poco de licencia poética en uno en medio así. Ahora, obviamente, este efecto particular se ha puesto en demasiado fuerte. Entonces, lo que quiero que hagas es ajustar la capa de relleno. La diferencia entre relleno y opacidad, es que el relleno respeta el modo de capa que ha seleccionado mientras que la opacidad simplemente marca hacia abajo la capa general. Entonces, con una capa que se ha establecido en un modo de capa, se
desea usar relleno. Bajemos eso a alrededor del 30 al 40 por ciento. Usa tu propio ojo, lo que sea que te haga feliz. Creo que en esta instancia alrededor de 45 es correcto. Vamos a apagar y encender eso. Se puede ver que hemos creado una pieza que ahora está mucho más correctamente iluminada por la escena que la rodea. No obstante, lamentablemente, también hemos encendido la escena detrás de ella. Lo que vamos a hacer es constreñir este esquivar en particular a los elementos que tenemos presentes, para que sean las únicas cosas que se ven afectadas por este efecto. Para ello, Comando-clic en los elementos que son relativos, mantenga presionada la opción Mayús para golpear un segundo elemento, cuando todo esté seleccionado, y también se seleccione la capa Dodge, Máscara de
capa, Revelar selección. Lo que eso ha hecho, está constreñido que Dodge efecto justo a nuestros renders, y ha dejado el fondo solo. Una vez que lo veas así, quizá
quieras ajustar el relleno una vez más, para que todo se sienta natural. Eso es bastante bueno. Siguiente. Ahora que estamos contentos con la colocación de estos elementos en particular, vamos a crear sombras para ellos. Entonces, la forma en que vamos a hacer eso, es seleccionar aquí una capa central. Crea una Nueva Capa, la llamaremos sombra principal. Llénalo de negro. Está bien. Como puedes ver, nuestra capa de sombras creada anteriormente ha corregido ese negro para que sea el azul oscuro que es el verdadero punto de sombra para este archivo en particular. En la paleta de capas, mueva la sombra principal detrás de la capa principal. Bajarlo hasta el fondo de la composición, y considerar dónde se está tirando realmente. Esta composición es única en que tiene las dos fuentes de luz. Entonces, hemos ido adelante y hemos creado dos sombras. Uno para la derecha, otro para la izquierda. Se superponen ligeramente en el centro. Colóquelos debajo de su render. Establece ambos de su opacidad en algo que corresponda con los otros puntos de sombra que están presentes. En esta instancia, parece estar en que 50 por ciento de llenado funcionará. Agradable. Basta con ajustar eso una vez más. Enfriar. Como puedes ver, esto ha creado las sombras bidireccionales así como una sombra principal que correspondería con tener el verdadero lanzamiento así. El único pedazo de espacio que no está iluminado por ninguna luz. Vamos a seguir adelante y fusionar esos. Apple E para fusionarse, y vamos a darle con un desenfoque gaussiano. El monto que necesitas usar depende de la resolución del archivo en el que estés trabajando, pero solo a una cantidad que te sienta bien y probablemente aún refleje un poquito de la geometría presente. No demasiado, sino un poquito. Eso va a funcionar. Ahora, lo que tenemos que hacer, es transformar la sombra para
que corresponda con donde se habría arrojado. Golpea Apple T para traer la transformación libre, y baja el primer punto así. Obviamente, estas luces vienen de atrás, por lo que la sombra va a ser lanzada frente al objeto principal así. También estamos viendo una imagen con mucha profundidad de campo. Entonces, necesitamos ajustar la perspectiva sobre la sombra también. Volveré a T para traer a la luz la transformación libre, y sólo sacar la perspectiva así. Agradable. La sombra es un poco sobredimensionada. Entonces, solo bajemos eso a cerca del 90 por ciento. Esto no es realmente ciencia estricta aquí, así que solo haz lo que te sienta bien. Creo que alrededor del 90 por ciento es agradable. Ahora bien, algo que puedes notar aquí, es que esta sombra en particular no se
corresponde directamente con el color de las otras sombras que están a su alrededor. Lo que quiero hacer aquí, es colorear esta sombra para que sí haga eso. Muestra el color de la sombra que te gusta, y luego ve Imagen, Ajustes, Saturación de tono. Vas a golpear colorize. Ahora, porque esto en realidad es una capa negra, al principio
no pasará nada. Lo que hay que hacer es subir un poco la ligereza, y la saturación sube mucho. Ahí vamos. Se puede empezar a ver a ese azul que pasa. Ahora, baja la ligereza hasta que tengas un buen partido. Yo diría eso. Es un buen ajuste. Solo para mostrarte la diferencia y lo que hemos hecho ahí, tienes algo que encaja realmente bien con los alrededores. Así es como haces sombras. Tenemos las ilustraciones en su lugar que son bastante finales. A mí me gusta dónde están estos. Es hora de empezar a agregar algunos toques finales para integrarlos correctamente.
7. Para terminar: Ahora, tengo mi geometría y mis renders situados de la manera en que quiero tenerlos situados. Las sombras están en los lugares en los que quiero que estén las sombras. He añadido iluminación dinámica usando esa
técnica de esquivar color a diferentes piezas en diferentes lugares. Estoy bastante contenta con dónde está esto. No obstante, quiero añadir un poco más de magia, un poco más de movimiento dinámico, solo un poco más al ritmo. Entonces, para hacer eso, voy a traer un efecto fresco que me gusta usar a algunas chispas mágicas como esta. Ahora, ¿cómo hacemos eso? Te mostraré desde el principio. Los modos de capa son una parte realmente fundamental de Photoshop, son la forma en que más te diviertes con él. También es la forma más fácil de integrar efectos como humo, y chispas, y ese tipo de cosas. Entonces, voy a seguir adelante y encontrar una fotografía de stock de chispas. Voy a usar este. Entonces, el modo de capa correcto para esto va a ser pantalla. Perfecto, arrastrémoslo debajo de nuestra lente de iluminación de documentos. Ahora, pantalla significa que la imagen se superpone de manera iluminadora. El negro se caerá y los píxeles que están ahí aligerarán los píxeles debajo de él, eso es lo que es el modo de capa de pantalla. Ahora, la forma más fácil de conseguir que esto se sitúe en el lugar correcto es agregar una Máscara de Capa. Una vez que tengas eso, pinta con negro en los lugares donde te gusta la imagen, esto la hará transparente, pero me gusta lo que hay ahí, allá. Esto parece contrario a intuitivo, pero te mostraré por qué en un segundo. Estamos haciendo esto para que puedas ver lo que está presente en la imagen de stock, incluso mientras seleccionas las cosas que te gustan. Cepillo, cepillo, cepillo, así sucesivamente y así sucesivamente. Cuando tengas una selección que te guste, que creas que se ve genial, simplemente invierte la Máscara de Capa y estará presente donde te cepillaste. Estas chispas son de color naranja, nada en esta pieza es de color naranja, así que usemos Hue, Saturación para marcar eso a un rojo que funciona bien con los otros tonos presentes. También está un poco demasiado saturado, así que vamos a marcar eso un poco atrás también. Ese es un buen ajuste. Adelante y replica esa capa, libre transformando la escala a medida que avanza, para que las chispas se integren a lo largo de toda la pieza. Recuerda que menos suele ser más, pero diviértete con él. Sí, eso es lindo para la parte superior. Añadamos algunas delante de esas capas en la parte trasera también. Ahí, luciendo bien. Entonces, esta es mi opinión sobre esta composición en particular. Me gusta la forma en que la imagen juega con la simetría de la pieza, la forma en que se expande para llenar todo
el espacio y crea un poco de narrativa y drama dentro de la composición. Entonces, esa es mi opinión sobre esta asignación en particular. Cuando tienes todo en su lugar así, y sientes que la imagen realmente está redondeando, esta es la parte divertida. Esta es la parte en la que quieres tomarte tu tiempo, meterte ahí, hacer las cosas tontas como las sombras, y la iluminación, y los pequeños elementos divertidos que quieres introducir para que la pieza sea única. No se apresure esta parte, esto es divertido. Ya sabes que tienes algo fresco en tus manos, realmente pon algo de tiempo en perfeccionarlo y hazlo bien. No hay prisa por liberar esto, no
hay prisa por sacarlo, realmente disfruta perfeccionando tu ritmo. Utiliza la técnica Color Dodge con la que estábamos jugando antes para asegurarnos de que tus elementos estén correctamente iluminados, y ahora es el momento en que todo está finalizado para entrar realmente y conseguir que esas sombras sean perfectas. Podrás incluso encontrar que quieres colorear un poco las sombras, para que coincidan tonalmente con lo que se presenta en la pieza. Está bien. Entonces ahora tenemos la pieza terminada, quieres crear un par de archivos en este punto solo para envolver y tenerla lista para ir por lo que quieras usarla para el próximo. Entonces, lo primero que hay que hacer es seleccionar todo el lienzo, Apple A y Copiar Fusionado, Command, shift, C. Si no te gustan los atajos de teclado como yo, eso es Editar, Copiar Fusionado. Crear una nueva composición. A mí me gusta usar el espacio RGB de Apple, pero la gente tiene sus propias preferencias. Está pegado. Tal como está ahora, si pones el tamaño del lienzo, será un bonito archivo grande. Quieres guardar esto dondequiera que pretendas guardarlo. Simplemente guárdalo como habilisshare-print. Lo guardarías como jpeg. De lo que vamos a hacer por esto, estamos ahorrando un TIFF de calidad realmente agradable y compresión. Perfecto. Ahora, tienes un archivo de impresión de calidad perfecta que puedes usar para cualquier cosa en la que decidas imprimir esta pieza. Tener esto desde el principio es una buena idea, sólo para que no tengas que volver a entrar y hacerlo más tarde. A partir de esto, queremos crear el archivo de presentación en pantalla. Entonces, entra en Tamaño de imagen, vamos a obtener el atajo. No quieres que una pieza de paisaje como esta sea realmente más ancha que 1500 Pixeles. Simplemente no hay necesidad real, esto significará que cabrá en los portátiles de las personas, cabrá en cualquier modo de presentación que elijas. Entonces eso está bien. También me gusta, en este punto, aplicar un poco de Afilar mi pieza. Filtro, Afilar, Afilar Inteligente. Cuando estás bajando así,
esto es algo realmente bueno que hacer, solo para conseguir un poco de Sharpen extra allí. Eso es lindo. Usa tu propia discreción que te va a gustar. A mí me gusta mucho afilado, podría ser un mal ejemplo. Entonces, no caigas en mi trampa necesariamente de aplicarme tanto afilada, pero a mí esto se ve bonito y pegajoso. Adelante y solo guarda esto como jpeg. También puedes tener la máxima calidad. Hecho. Eso es todo, ahora tienes un archivo web listo para ir, tienes un archivo de impresión listo para ir, esos son los dos formatos principales que necesitas.
8. Conclusión: Entonces a medida que me veas desarrollar ese ritmo, cada una de las diferentes iteraciones de los objetos centrales habría sido un buen punto de parada y un buen lugar para compartir. Así que asegúrate de que estás poniendo tus piezas en Skillshare añadido en esos puntos de parada naturales con los que te encuentras. No esperes a llegar a un producto final antes de que sientas que estás listo para compartir. Después de obtener algunos comentarios y algunas notas al respecto, adelante y refina ese concepto principal hasta que tengas una ejecución con la que estés contento. No se preocupe demasiado por la iluminación y las sombras y por todo ese tipo de cosas. Simplemente sube esa de ahí arriba con los elementos en su lugar y la composición que crees que funciona. Después de eso, es el momento de la basura. Así que entra ahí y empieza a perfeccionar eso y a conseguir los pequeños toques en su lugar que realmente juntan la pasta, y luego probablemente obtienes una ronda más de feedback y notas y qué tienes que realmente llevártelo a casa y conseguir eso composición polaca. Cuando se están evaluando el trabajo del otro, lo que quiero que vean primero y ante todo es la forma en que el otro alumno ha utilizado el espacio presente en la fotografía base. ¿ Cómo lo han llenado? ¿ Lo han dominado? ¿ Lo han utilizado de una manera que sea efectiva para su ilustración? El primero que hay que considerar es la composición general. Después de eso, puedes dejar algún tipo de crítica sobre los propios elementos, pero ten en cuenta que diferentes personas están en diferentes niveles de habilidad así que no te metas demasiado en esto. Si estás mirando una segunda o tercera iteración, empecemos a considerar la diferente iluminación que está en juego, y la sombra, y la saturación del matiz y los niveles. Asegúrate de que todo esté equilibrado y la composición esté empezando a volverse cohesiva. Si estás mirando la cuarta o quinta iteración final de alguien, puedes empezar a juzgarlo como una pieza de trabajo general. Da tus impresiones sobre lo que te hace sentir, lo que crees que realmente funciona, lo que crees que no funciona. Está bien aislar ciertas cosas que crees que no funcionan, pero asegúrate de ser constructivas y no también resaltar cosas que crees que están a un poco de ser perfectas. Sé constructivo en tus críticas. No digas simplemente: “Esto no funciona”. Sugerir una alternativa. Sé específico al señalar lo que crees que necesita mejorar y también proporcionar una razón por la que. Respeta a tus otros alumnos y el esfuerzo que están poniendo en sus proyectos. Esto no siempre es fácil en una primera vez así que, sé amable. Lo que busco en estas piezas es principalmente composición. Entiendo que todos están en diferentes niveles de ilustración, por lo que no necesariamente estoy esperando que
todos y cada uno de los proyectos me alejen desde un punto de vista creativo. No obstante, me gustaría ver atención al detalle. Quiero ver a la gente creando composiciones balanceadas cohesivas donde cada elemento se ha integrado pensadamente en el material base. Ahora la pieza está terminada y estás contento con ella. Lo primero que quieres hacer es enviárselo a tu colaborador y mostrarles dónde estás. Quiero decir que las probabilidades son bastante buenas que van a estar encantados con lo que has hecho por todos los pasos respetuosos previos que hemos mostrado, pero solo es buena etiqueta para asegurarse de que sean los primeros que se les aplaudan los ojos en ella. Una vez que obtienes el bien de ellos, es hora de empezar a ponerlo en Internet y realmente difundirlo por ahí. Realmente haz un alboroto por tu colaboración. Haz que la gente se preocupe tanto como tú. Entonces, vas a variedad de diferentes comunidades por ahí y lugares donde puedes ponerlo. Obviamente, si tienes tu propio portafolio, ponlo en tu portafolio. Ponlo arriba en Behance, póngalo en DeviantArt, póngalo en Instagram. Muchas gracias por tomar mi clase. Espero que tuvieras algunos buenos para llevar de ella, y que te diviertas mucho haciendo estas tareas. Cuanto más diversión tengas, mejor será tu trabajo final. Y realmente espero ver lo que ustedes pueden hacer con este material.
9. Más clases creativas en Skillshare:
Justin Maller, Illustrator, Art Director, Digital Artist
