Transcripciones
1. 01 Introducción: Hola, soy Leon Clingman, y soy actor y entrenador interino de Sudáfrica. Estudié actuación en el Lee Strasberg Theater Institute a Nueva York, y llevo cerca de 28 años actuando en la televisión Theatre Foreman. A abogado Ahora trabajas para mayo te 5000 pesos y perlas no dejan mucho en reservas una inversión si lo permites. hoy voy a estar hablando de técnicas de actuación y de los principios básicos de diversas técnicas. Ahora hay muchas técnicas de actuación diferentes, y no podré entrar en todas ellas. Pero he elegido algunas de las principales que se están enseñando y utilizando en todo el mundo para
compartirlas con ustedes. En este curso, cubriremos las siguientes técnicas de nueve maestros. Constantino Stanislavski, Strasberg, Stella Adler, Meisner, Chekhov, Auto Hargon. Estética Práctica de David Mamet y William H. Macy. Biola Spool y los Actores Técnica de Fundición de Matthew Harrison. Por lo que regresa una vuelta Desbiens, estás en dar un paseo
2. 2: Según el diccionario, una técnica es un método práctico, habilidad o arte aplicado a una tarea en particular. Bueno, Sanford Meisner, el creador de la técnica Meisner, una de las técnicas de las que estaremos hablando posteriormente definió actuar como vivir verazmente bajo circunstancias imaginarias. Entonces esa es nuestra tarea. ¿ Cómo logramos esta tarea? ¿ Cómo damos vida a los personajes con veracidad? ¿ Cómo nos conectamos y expresamos honestamente a esos
estados psicológicos a veces extremadamente complejos y emociones que son personajes experimentando? ¿ Cómo cambiamos nuestra fisicalidad, nuestras voces, acentos, etcétera de tal manera que nuestro público lo crea? Israel que se ríen y lloran, Y me moví a pensar por nuestras actuaciones, Bueno, aquí es donde entra la técnica. Nos cavamos la caja de herramientas de Interactive llena de todas las técnicas que hemos aprendido, y creamos
un mapa, un plano sobre cómo navegar por el guión y crear un personaje totalmente redondeado, creíble que está viviendo veraz en el mundo que el escritor y director han creado. Ahora pueden ser momentos en los que coges un guión y solo te conectas con él. Simplemente te conviertes en ese personaje sin tener que hacer nada, y es impresionante cuando eso sucede. Pero está listo. La técnica es realmente importante y útil cuando estás filmando o estás en una obra de teatro en tomar 45 o Performance 500 simplemente no sentirlo más. Por lo que vas a tu mapa y encuentras el camino de regreso. Ser actor profesional puede ser altamente estresante y exigente, y siempre se espera que entregues lo mejor de ti. No importa lo que esté pasando a tu alrededor o en tu vida personal. A nadie le importa eso. Te están pagando por hacer un trabajo. También es necesario tener poderes excepcionales de concentración y enfoque. Una técnica sólida te ayudará a desarrollar estos y te ayudará a través de muchas situaciones difíciles en set in, audiciones, en escenario, etcétera. Hay muchas técnicas diferentes por ahí, y decir cuál es la mejor es imposible. Todos somos diferentes. Respondemos de manera diferente a diferentes técnicas. Es algo muy personal, y al final del día tienes que decidir qué funciona mejor para ti. En última instancia, todas las técnicas están diseñadas para lograr el mismo propósito, que es darte un conjunto de herramientas que te ayudarán a entregar impresionantes
actuaciones veraces . Te encontrarás con algunas personas que jurarán por una técnica en particular y jurarán que esa es la única técnica que funciona y que todas las demás técnicas son inútiles. Esto no es cierto. Algunos actores trabajan con una técnica toda su vida, y eso es genial si les funciona. Otros actores estudian muchas técnicas diferentes y luego se instalan en una que sienten que funciona mejor para ellos. Algunos actores siguen llenando su caja de herramientas de actores con diferentes técnicas y usan diferentes una combinación de otras diferentes, o incluso crean sus propias técnicas a partir de lo que han aprendido para después usar la que
sienten que funciona mejor sea cual sea el proyecto en el que estén trabajando, algunas personas te dirán que estudiar es una pérdida de tiempo y que puedes actuar o no puedes. Esto tampoco es cierto ahora. Hay algunos actores por ahí que son muy exitosos y nunca han estudiado, pero esto es raro. Es la excepción más que la norma. Desafortunadamente, aunque todos nacemos con la capacidad de ser completamente emocionales, usar nuestras voces correctamente y de respirar correctamente a medida que
crezcamos, estamos condicionados a no nos digan estar callados constantemente para dejar de soñar día. Se nos dice que no nos comportemos emocionalmente o cosas como los chicos no lloran. Eso no es muy dama como las chicas no se comportan así, etcétera. ¿ Alguno de estos suena familiar? Bueno, cuando escuchamos estas cosas una y otra vez, nos
hace llegar a ser conscientes de sí mismos, a acumular inhibiciones, y nos quedamos emocionalmente bloqueados. Dejamos de usar nuestras voces. Naturalmente, dejamos de respirar adecuadamente, y después tenemos que ir a la escuela de actuación para aprender a hacer todas estas cosas que solíamos
hacer de forma natural como Niños.
3. 3: Entonces, empecemos a hablar de algunas de las principales técnicas que hay ahora. Probablemente los humanos han estado actuando desde los días del cavernícola, pero saltemos un par de 1000 años hasta principios del siglo XX y empecemos por ahí. Hay tantos acercamientos a la artesanía como actores que se acercan a ella, aunque todos los actores deben desarrollar su propia comprensión de la obra. Varios maestros maestros han liderado el camino en la formación desde finales del siglo XX. Estos gurús bien conocidos ayudaron a desarrollarse actuando tal como la conocemos y siguen creciendo algunas de las estrellas más grandes de la industria. Empecemos con Constantino Stanislavski.
4. 4: Constantin Stanislavsky fue un famoso actor,
director y maestro ruso que influyó profundamente en el teatro del siglo XX y más allá. A lo largo de su larga vida, desarrolló una variedad de técnicas que se conocieron como el Sistema Stanislavski o el método. Sus libros, Mi vida en el arte y Actor prepara construir un personaje y crear un papel todavía se
estudian en la actualidad. Si bien muy complejo, uno de los objetivos básicos del sistema Stanislavski era retratar a personas naturales creíbles en el escenario. Este movimiento fue un marcado contraste con el Fez,
Bian's en la Rusia del siglo XIX. La mayoría de los actores durante esa época hablaron un tono grandioso y gestuaron de una
manera sobrepasada . Stanislavsky ayudó a cambiar gran parte de eso. En muchos sentidos, Stanislavsky es el padre del estilo actual de actuación metodo, proceso en el que los actores se sumergen en los personajes tanto como sea posible. A pesar de que el sistema Stanislavski no puede explorarse a fondo en una breve charla como esta , veamos algunos aspectos que definen fuera de este famoso método de profesores. Una forma sencilla de comenzar el método Stanislavski es preguntarte ¿Qué haría si estuviera en la situación? Esta es una buena manera de considerar reacciones naturales a los acontecimientos. En la historia, Stanislavsky obligó a los actores a encontrar formas de exhibir Verdadero a la Vida, la naturaleza
humana. Era el último vigilante de la gente. Alentó a sus alumnos a observar cuidadosamente a los demás, centrándose en sus rasgos físicos tanto como en sus personalidades. Después de estudiar a la gente cotidiana, muchas veces se
disfrazaba de campesino, era un anciano e interactuaba con la gente del pueblo para ver lo bien que podía encajar. Toda persona es única. Por lo tanto, cada personaje debe exhibir rasgos únicos, muchos de los cuales pueden inspirarse y adaptarse a partir de las observaciones de un actor. Stanislavsky esperaba que sus actores consideraran la motivación del personaje. ¿ Por qué el personaje dice esto? ¿ Por qué lleva eso para pasar a esta parte del escenario? ¿ Por qué enciende la lámpara? ¿ Por qué saca un arma de la droll? Algunas acciones son obvias y fáciles de explicar. Otros pueden ser misteriosos. Consideró que el actor debe estudiar el texto a fondo para determinar la motivación detrás de los personajes, palabras y acciones. Stanislavsky no quería que sus actores simplemente crearan un facsímil de una emoción. Quería que sus actores realmente sintieran la emoción Así que si una escena requería emoción extrema , los actores necesitaban ponerse en la mente desprendieron la situación del personaje para que experimentaran genuinamente la intensa emoción. Para que los actores puedan conectarse con el estado emocional del personaje, Stanislavsky les aconsejó llegar a sus propios recuerdos personales y aprovechar una experiencia de vida
comparable. A esto se le llamó memoria emocional. Stanislavsky es trabajo, marcó un cambio en la actuación del siglo XX e inspiró a toda una nueva generación de técnicas y maestros. Laurence Olivier y John Gill buenos fueron ambos actores famosos que usaron el sistema Stanislavski.
5. 5: Ahora hablemos del estrés. Técnica Berg. El método de Lee Strasbourg se inspiró en el Sistema Stanislavsky sobre el Teatro de Arte de Moscú. Estudió con estudiantes de Stanislavski y luego desarrolló su propia técnica. Se enfocó en un enfoque de adentro hacia afuera, moviendo emociones pasadas de la vida del actor que podrían aprovechar en la performance. Esto se conoció como Memoria de los sentidos, y Estrasburgo desarrolló una serie de ejercicios de memoria de los sentidos. Durante estos ejercicios, los actores exploran objetos, lugares, sensaciones
físicas, gustos, olores y experiencias centrándose en cómo recuerdan estas cosas a través de sus sentidos. forma en que experimentas estos ejercicios puede y generalmente sí difiere de la experiencia real. Estos ejercicios fueron diseñados para abrir emocionalmente al actor. El primer ejercicio de memoria de sentido que hacen todos los actores es el ejercicio de la taza de café. Entonces así es como funciona el ejercicio de la taza de café. El Estrasburgo tendría el acto de sentarse y cerrar los ojos y luego en tu mente, visualizar una bebida caliente que has bebido antes en tu vida o beber regularmente como una taza de café o una taza de té, Un chocolate caliente. Empiezas a visualizar la taza o la taza, o cualquier recipiente del que bebas en tu mente. Una vez que puedas visualizar claramente esto, entonces
comienzas a explorar esta experiencia a través de tus sentidos. ¿ Cómo huele? Sentir gusto ¿Cuál es el toque? Al igual, Um, y tú. Empiezas tú. Imagina el peso fuera de la copa sintiéndose realmente en tu mano. Lo sostienes y empiezas a sentir. ¿ Cuánto pesa con esta bebida en la taza? ¿ Cuál es la textura de la copa? ¿ Es una porcelana lisa o una cerámica rugosa? ¿ Es cálido al tacto? ¿ Cómo se siente eso? ¿ Cómo te hace sentir eso? Y empiezas a cuestionarte sobre lo que está pasando en tu cuerpo. Puede desencadenar algún tipo de respuesta emocional que es totalmente inesperado. Pero ese no es el propósito del ejercicio. El propósito del ejercicio es sólo hacerlo. Sean cuales sean los resultados, es sólo un bono. Nunca trabajamos por el resultado. Entonces como te estás imaginando esta copa y comienzas a explorarla, puedes. Puedes probar el café o el chocolate caliente sentir cómo se siente en tus labios en tu lengua en tus dientes en tu paladar. De
verdad, mucho tiempo tomado ve despacio y realmente explora cada experiencia de Senso rial alrededor de esta actividad, y luego puedes empezar a cambiar las cosas a tu alrededor. Puedes en tu mente. Se puede cambiar la temperatura del café. Puedes hacerlo más caliente. Puedes hacerlo más frío y luego volver a empezar a explorar. ¿ Se siente diferente cuando se le llama? ¿ Tiene un sabor diferente cuando hace más frío? ¿ Huele diferente? Puedes sostenerlo tu oído y escuchar. ¿ Hay alguna identificación asociada de sonido con esta taza de café? Um, una vez que has hecho eso y has explotado de una manera más literal, entonces
puedes empezar a explorarlo de una manera no literal. Entonces, ¿cómo se siente si pongo la taza de café en mi párpado o detrás de la rodilla, o entre mis muslos? A. A la espalda? ¿ Porque estás haciendo esto en tu mente? Puedes colocar esa taza de la manera que quieras. No tienes que sostenerlo como literalmente sostenerlo todo el tiempo. Puedes empezar a imaginar que taza de café está sentada en el centro de tu espalda. Y otra vez, ¿cómo se siente? ¿ Cómo te hace sentir otra, cualquier sensaciones o emociones que estén empezando a ser evocadas por esta exploración, y lo haces por una hora Ahora empezarás a perder el foco por momentos y puedes parar. Déjalo ir. Y luego una vez que te reenfocas, vuelves a arrancar todo el ejercicio, re visualizando todo. Um, el propósito de este ejercicio es comenzar a construir enfoque y concentración. Y también, como dije, puede desencadenar algo, y se puede empezar a tomar notas si lo hace. Si el desencadena cualquier tipo de emoción, entonces notas que abajo después del ejercicio porque tal vez puedas usar eso más adelante cuando estés haciendo una escena o trabajando en algo,
um, um, posible
que encuentres que probablemente encontrará que ciertos sentidos son más fuertes. Por lo que algunas personas su sentido del olfato, van a oler ese café o ese chocolate caliente muy intensamente, pero no necesariamente lo visualizarán claramente o no sentirán
tanto la temperatura . Entonces alguien más podría sentir la temperatura realmente intensamente, pero no eran necesariamente oler tan claramente o visualizar es claramente, y entonces algunas personas tendrán una experiencia intensa a través de todos los sentidos. Um, sí. Entonces ese es básicamente el ejercicio Coffee Tup. Y como dije, este fue el mismo,
muy primer ejercicio en el que Lee Strasberg haría que sus actores hicieran. Después hay cientos de ejercicios más de memoria de los sentidos que irían. Progresas más, lo
haces. Entonces, sí, así que si
quisieras, quizá podrías probar esto por tu cuenta. Um, ve a tomar una taza de café o un chocolate caliente y luego piensa en todo y luego déjalo ir y tal vez al día siguiente o más tarde ese día, siéntate, cierra los ojos e intenta visualizar y explorar esa taza de café. Estrasburgo también creía que los actores tenían que estar muy relajados. Sentía que la atención consumía energía valiosa que se podía utilizar de manera más eficiente y que creaba bloqueos que ahogaban la capacidad del actor para emocionar a Feli. Por lo que desarrolló un muy lejos un ejercicio de relax para ayudar a los actores a relajarse. En cada clase, el actor comienza con una hora de relajación y luego se mueve directamente a una hora de
memoria de los sentidos . Esto es muy largo e intenso y ayuda al actor a acumular sus poderes de enfoque y concentración. análisis de guiones creído estresante era crucial para entender al personaje. Y, igual que Stanislavsky, hicieron que los actores hicieran una serie de preguntas sobre su personaje. Quién, qué, cuándo, por qué y cómo. También consiguió que los actores construyeran una historia de espalda para sus personajes. Dijo que para conocer a un personaje debes conocer de su pasado desarrollando una
historia de personajes también te ayudará,
el actor, el actor, a
conectarte con el personaje. También dijo a los actores ejercicios de improvisación para ayudar a explorar los personajes, las relaciones y las circunstancias, etcétera. Una vez que se hizo todo el análisis y exploración,
hizo que el actor se preguntara ¿Qué me motivaría, al actor, a comportarme de la manera en que lo hace el personaje? ¿ Hubo un tiempo en el que sentiste una emoción similar? ¿ Cómo se sentía? Piensa en tu pasado como se relaciona con las emociones y comportamientos que has identificado y luego trabaja ejercicios de memoria de sentido que sientes te ayudarán a conectar y representar al personaje . Verdadero, el método requiere una intensa devoción y valentía emocional. público se asombró por el sentido de la realidad que los actores del método crearon. Se sintieron como si no estuvieran viendo actores en absoluto, sino asomándose a la vida de personas reales. Algunos actores famosos que estudiaron con Lee Strasberg incluyen a Marilyn Monroe, Al Pacino, Dustin Hoffman y James Dean.
6. 6: a continuación, discutiremos la técnica de Stella Adler. Stella Adler se entrenó con Lee Strasberg pero en desacuerdo con las interpretaciones y el
uso de Estrasburgo del sistema Stanislavsky, sintiendo que el recuerdo emocional era una forma psicológicamente poco saludable de abordar la actuación. Posteriormente, estudió con el propio Stanislavski y luego desarrolló su propia técnica. En primer lugar, Adler creía que los actores debían ser seres independientes, creativos, creativos,
bien redondeados con sus propios puntos de vista personales y sus propias opciones únicas y
fuertes. Stella Adler creía que el talento de un actor yace en su imaginación. En lugar de utilizar las experiencias personales de la vida y el recuerdo emocional para dar
vida a los personajes . Ella alentó a los actores a desarrollar su imaginación observando primero el mundo que los rodea en detalles muy específicos para luego crear imágenes específicas en su mente
para rodearse de cosas que les eran fieles en el escenario o en frente a la cámara. Adler también enfatizó fuertemente el uso off action al actuar, por ejemplo, etiquetar específicamente lo que un personaje está haciendo en relación con otro personaje. Las acciones son, en este sentido, externas específicas y alcanzables. Por ejemplo, si un actor interpretando al personaje A está teniendo un acalorado argumento con el personaje, sea más que tocar la emoción. Deciden los Actimates. ¿ Qué está haciendo mi personaje para llevar a ser y jugar esa acción ese verbo en lugar de simplemente enojarse con el personaje, ser tal vez personaje, provoca lambasts o insights personaje Ser este tipo de acercamiento prometió al actor ser enfocado y comprometido externamente y específicamente en su pareja de escena en lugar de internamente en un estado emocional generalizado. Los estudiantes de Edler también se capacitan en métodos integrales de interpretación y análisis de guiones
en los que los guiones se desglosan en ritmos específicos y líneas del texto se asocian con acciones o verbos específicos. Y por último, Adler valoró el cultivo fuera de una rica humanidad o compromiso holístico con el mundo más allá del teatro o plató cinematográfico. Consideró que los actores deben estar expuestos a una variedad de ideas y experiencias culturales, sociales, políticas e históricas para convertirse en seres humanos y artistas más mundanos y bien redondeados. Algunos actores famosos que estudiaron esta técnica incluyen a Marlon Brando, Robert De Niro, Mark Ruffalo y Melanie Griffith.
7. 7: Ahora echemos un vistazo a la técnica Meisner. Sanford Meisner desarrolló este enfoque único en los 19 años treinta después de trabajar con Lee Strasberg y Stella Adler en el Group Theatre. Al igual que Stanislavsky, Strasberg y Adler antes que él, Meisner tortuga a los estudiantes para vivir con veracidad bajo circunstancias imaginarias dadas. No estuvo de acuerdo con la interpretación de Estrasburgo fuera de Stanislavski y creó su propia técnica, que se centró más en la relación entre los personajes y en cómo se afectan entre sí con lo que están haciendo y sintiendo. Desarrolló su ahora famoso ejercicio de repetición, cual fue diseñado para sacar a los actores de sus propias cabezas para dejar de pensar y dos más bien enfocarse en el otro personaje y responder impulsivamente en el momento a lo que ese personaje está diciendo, cómo se están comportando y cómo eso te afecta. De acuerdo, así es como funciona el famoso ejercicio de repetición Meisner. Meisner tendría que actores o sentarse uno frente al otro o pararse uno frente al otro y mirarse a los ojos del otro y conectarse entre sí. Y entonces un actor haría una simple observación sobre el otro actor cualquiera podría empezar. No había un orden específico a eso. El que tuviera el primer impulso para empezar lo haría y harían una simple observación como si tuvieras el pelo castaño o llevas aretes o llevas una camisa azul , y luego el otro actor repetirá que no tienen que pensar en cualquier cosa. Simplemente tienen que repetir exactamente lo que han escuchado, Y entonces esto va y viene. Por lo que el actor a dirá, Estás usando una camisa azul. Se irá la actividad. Llevo una camisa azul. Llevas una camisa azul. Llevo una camisa azul y esto va de ida y
vuelta, de iday
vuelta, y
vuelta, y vuelta, y puede durar una hora o incluso 10 minutos. Cinco minutos. Y entonces algo cambiará orgánicamente sin que el actor lo piense. Si estás viendo este ejercicio y alguien se mete en la cabeza y cambia la repetición a través de un proceso de pensamiento, inmediatamente lo verás y sentirás que en realidad no se supone que debe, y simplemente sucede orgánicamente. Y eso es lo que Meisner estaba esforzándose por este orgánico, lo que llamó el pellizco y el Ouch. Entonces si te pellizco, ¡ay! Sin
pensarlo, solo Es solo una respuesta natural. Por lo que quería que los actores se hicieran eso el uno al otro. Creyó que todo lo que hacemos como actores es traído por lo que la otra persona
nos hace hacer. Por lo que haría que hicieran esta repetición y comenzaran a construir esta habilidad fuera, pudiendo realmente recoger y leer a la gente y cómo te están afectando. Entonces en un principio, este es un ida y vuelta muy básico. ¿ Llevas una camisa azul? Llevo una camisa azul. Y luego, como dije, algo empieza a cambiar. Se puede, o algo que uno de los actores se va a frustrar porque están diciendo
lo mismo una y otra vez, y o podrían encontrarlo ridículo y divertido. Y luego empiezan a reírse de ello, y luego el otro actor retoma eso y envía la forma en que dicen la línea y se remonta, empieza a cambiar. O que mi anuncio en otra palabra. Por lo que se frustran. Está pasando desde hace 15 minutos, y luego un Actores. Sí, llevo una camisa azul, y ahora el otro actor va, Sí, llevas una camisa azul. Ahora ha cambiado de que llevas una camisa azul a Sí, llevas una camisa azul, así que esto es como lo llamamos a la pila con sólo de decirlo una y otra vez. Algo se amonta en tu cabeza. Cualquier cambio ahora, Hay una serie de formas en que cambiará la repetición. El 1er 1 es que siempre tienes que ser veraz a tu verdad. Entonces si crees que no llevas una camisa azul y el otro actor dice que
llevas una camisa azul, entonces cambiaría instantáneamente. Él iría. No llevo camisa azul. Puede que pienses que esto es gracioso, pero en realidad he visto a dos personas realmente pelear o discutir por el color de la camisa que alguien que llevaba puesto. Pero si te mantienes fiel a lo que crees, el actor realmente cree que no debería haber el color que
estaba diciendo la otra persona ? Y eso cambió drásticamente la repetición. Entonces lo que pasaría en esa situación es que irías inmediatamente. No estoy usando un debería azul. Ahora el otro actor, si creen que puedes responder con no estás usando una camisa azul manteniéndote usando una camisa
azul. No llevo un barco azul. No llevas una porquería policíaca. Eso suena como si tuvieras razón. No llevas una camisa azul, o si no te creen, entonces podrían irse. No llevas una camisa azul, así que puedes ver solo por cómo te sientes. En realidad no importan las líneas. Tanto Estrasburgo como Meisner y la mayoría de los profesores en funciones coincidieron en esto. No son importantes las líneas. Es como dices las líneas y lo que hay debajo de ellas lo que es importante. Entonces si estás diciendo que no llevas una camisa azul o llevas una camisa azul, es la misma línea. Pero es qué, dos significados diferentes, la forma en que se está encontrando. Esto lleva entonces al siguiente nivel fuera de la repetición. Entonces empezamos con sólo lo básico de ida y vuelta. Ahora empezamos a hacer observaciones sobre lo que realmente está pasando detrás de las líneas. Entonces si ahora el Actor A ha dicho no cree actividad y no estás usando un
acto de camiseta azul para ser recoge en eso y se
van, no cambiarían la repetición. Piensas en línea porque estás diciendo que no crees que estoy usando una camisa azul. Por lo que ahora el actor B básicamente se llama mentiroso al actor A. Ahora el actor A podría ofenderse a eso y ir, No
estás usando una camisa azul y luego actuar como actor grande. Está frustrado por eso. Ahora empiezas a retomar la emoción. Ahí están activos a will go toe to be Estás frustrado y activo. Se irá Sí, estoy frustrado. Por lo que ahora la conversación que el ejercicio ha pasado de que lleves una camisa azul a tu frustrado Sí, estoy frustrado y empieza a construirse y retrocede así en Deacon. Ve a una montaña rusa si alguna vez ves uno de estos ejercicios. Increíble, porque la gente realmente no está diciendo nada importante. Pero estas increíbles relaciones se desarrollan y estas dinámicas asombrosas. Y ves que la gente pasa de frustrarse a estallar, reír a empezar a llorar, porque empiezas a sintonizar cómo realmente te sientes acerca de lo que alguien más te está haciendo. Entonces cuando digo que no llevas camisa azul te
estoy llamando mentirosa,
aunque no digo eso, y entonces eso me hace frustrado,
enojado, enojado, Lo que sea. Diferentes emociones para diferentes personas surgirán, pero a medida que comienzas a sintonizar estas cosas, comienzas a retomar realmente el comportamiento humano. Y eso es lo que Miles el sentarse actuando Waas y Estrés libro actuar es comportamiento. Entonces, por ejemplo, podrías tener una línea o una escena donde un actor diga, Actor a dice, ¿Me amas? Actúa para ser responde. Por supuesto que te amo y actor un dedo. Eso es genial. Ahora, si el actor A dice: ¿Me amas? Y actividades, Motivación o quiere lastimar al actor A. Se van fuera de curso Te amo o podrían ir si realmente los aman. Por supuesto que te amo,
y eso cambiará la forma en que el Actor A o bien dice, Bueno, eso es genial, dependiendo de la intensidad o la intención detrás de cómo se dijo esa línea. Por lo que podemos decir una cosa muchas maneras diferentes y tener diferentes significados. Y si miras a tu alrededor cuando tienes conversaciones con tus amigos o tu familia, empieza a retomar estas cosas como podrías decirle a alguien:
Hola, Hola, ¿cómo estás hoy? Sé que estoy bien. Todo está bien. Es un día hermoso, Pero si de verdad escuchas y de verdad ves, ya verás Tal vez hay algo en la forma en que dicen que ese dicho estoy teniendo un día
realmente malo, pero voy a sonreír y tapar. Entonces eso es lo que hace este ejercicio. Empieza a perfeccionar tus habilidades para poder ser el número uno, enfocarte en alguien más y ser afectado por ellos y leer lo que está pasando con ellos y número dos. Empiezas a tomar conciencia de cómo eso te afecta y cómo te hace sentir. Cuando la gente haga ciertas cosas dirá ciertas cosas en el Mawr hábil que obtienes. Con este ejercicio, recogerás. Incluso el pequeño sutil twitch de una isla podría estar diciendo algo que no se está diciendo con las palabras y que te afectará. Y cuando eso empieza a suceder particularmente desdoblarse, crea esta asombrosa dinámica en la que te atraes. Y a los editores, cuando están editando, les encanta. Cuando alguien, cuando otro actor responde en ese momento a algo que ha pasado en pantalla y esos son los momentos más dinámicos en las películas, y ese fue todo el propósito fuera de este ejercicio para conseguir realmente actores, también, que se vean afectados unos por otros y que se concentren y sintonicen con el otro actor y con lo que está pasando dentro de ellos. Entonces si te gusta, puedes probar esto con un amigo o un miembro de la familia, simplemente bajarte del set el uno al otro, mirarte a los ojos y hacer una simple observación y empezar a hacer la repetición ida y
vuelta y ver lo que pasa. Háganoslo saber al respecto. Después Meisner agrega una actividad a la repetición, por lo que un actor tendrá que encontrar una actividad y luego hacer esa actividad mientras otro actor empieza a hacer repetición con ellos. Tienen que mantenerse enfocados en hacer su actividad, pero también tienen que hacer la repetición al mismo tiempo. Esto realmente ayuda a los actores a desarrollar su enfoque y concentración. repetición entrena al actor para conectar realmente con otros actores. Construye tu habilidad para observar el comportamiento humano y las emociones y para ser afectado incluso por el cambio más sutil en el comportamiento emocional en otra persona, creyó
Meisner. Nunca se trata de ti. Siempre se trata de la otra persona. Entre los famosos estudiantes de Meisner se encuentran Robert Duvall, Grace Kelly, Tom Cruise, Christoph Waltz y I Am Keaton.
8. 8: De acuerdo, hablemos ahora de la técnica de Chéjov. Michael Chéjov desarrolló su propia técnica de actuación después del exilio de Rusia lo trajo a Europa y Estados Unidos a finales de los 19 años veinte. A pesar de que Michael Chéjov
entrenó por primera vez Understanding Slutsky, sintió que las primeras fases del sistema Stanislavski condujeron a una actuación que era demasiado naturalista en estilo. Chéjov decidió destapar y enseñar formas a través de las cuales los actores podían aprovechar sus mentes subconscientes y la experiencia universal de la humanidad. A través de diversos ejercicios, sintió que era importante que el acto no limite a sus personajes dibujando a partir de sus limitadas experiencias conscientes. Sentía que las infinitas experiencias de la humanidad se almacenaban en la mente subconsciente y
se podía acceder a través de gestos físicos y otros ejercicios que eran de naturaleza externa. En la técnica de Chéjov se enfatiza la sinergia entre el cuerpo, imaginación, las emociones y el intelecto. También trata al actor como un artista apoyando al área más valiosa y
vulnerable del actor, su individualidad creativa. En el checo de la técnica, esta zona creativa de la que se levantan todos los impulsos artísticos se encuentra en el centro del cofre. También es el área donde sentimos las sensaciones edificantes y caras fuera del amor y empatía, que ambos tienen un papel importante en la técnica de Chéjov simplemente reconociendo este
centro artístico y abriéndolo. La inspiración comienza dentro de nosotros a través de este ejercicio y actor hará ojos físicos una
necesidad interna o emoción a través de un gesto externo. Este gesto exterior y sus sentimientos que lo acompañan se vuelven atrás y se internalizan . En breve check off, cualquier estudiante exploró las conexiones entre las expresiones físicas y los estados psicológicos . Algunos practicantes famosos de la técnica de checkoff son Clint Eastwood, tu Brenner y Anthony Quinn.
9. 9: a continuación, veamos la técnica auto Hargon. Además de su trabajo como actor ganadora del Premio Tony, Water Hargon fue una querida maestra, el HB Studio de Nueva York, y fue autora del respeto más vendido por la actuación y un reto para el actor en sus inicios carrera. Abogó por el uso off substitution, técnica en la que se sustituyen los eventos ficticios del guión por eventos personales de la vida para crear una reacción auténtica. Más tarde Hargon refinó el enfoque y lo renombró Transferencia. Desarrolló una serie de preguntas para que los actores se hicieran a la hora de crear un personaje , y enfatizó la importancia de ser muy específicos. También creó una serie de ejercicios para que los actores hicieran, como el ejercicio Objeto y Cuarto Muro. Todas estas preguntas y ejercicios se pueden encontrar en los libros que mencioné antes. Twitter Hargons La técnica popular enfatizó el realismo y la verdad sobre todo. En el marco de una larga y legendaria carrera docente, Hargon desarrolló los talentos de Matthew Broderick, Sigourney Weaver, Jack Lemmon y muchos otros
10. 10: Esta técnica de actuación basada en la acción fue desarrollada por el dramaturgo David Mamet y el actor William H. Macy e incorpora elementos de Stanislavski y Meisner. Se trata de un análisis de escena de cuatro pasos que simplemente se enfoca en la búsqueda de una acción. estética práctica se basa en la práctica de descomponer una escena, utilizando un análisis de cuatro pasos que conlleva lo siguiente lo literal lo que literalmente le está sucediendo a tu personaje dentro de la escena. Por ejemplo, mi personaje literalmente está pidiendo el divorcio a su esposa de 10 años. El deseo. ¿ Qué quiere un personaje en última instancia que diga o haga el otro personaje? ¿ Qué quiere mi personaje de la otra persona dentro de la escena, por ejemplo, quiero que el otro personaje me conceda un divorcio. La acción esencial. En este paso, debes destilar las circunstancias dadas y las acciones de tu personaje que te ha dado
el dramaturgo en un deseo humano universal que subyace al texto. Por ejemplo, si tu quieres es, quiero que el otro personaje crezca sobre mí un divorcio porque están haciendo mi vida miserable. El deseo humano universal o la acción esencial subyacente a ese deseo específico podría ser conseguir que mi atormentador me muestre compasión y me libere el como si esto relacionara la
acción esencial con los actores de la vida, ésta suele ser la más análisis de paso difícil. Por ejemplo, si su acción esencial es liberarse de este horrible matrimonio, como si pudiera ser. Dice: Si odio mi trabajo y quiero irme y nunca volver, necesito renunciar porque merezco ser feliz. A diferencia de otras técnicas de actuación, este paso no es un dispositivo de memoria. En estética práctica, se enseña a
los actores que usar la memoria fuera de las experiencias pasadas dificulta la verdad fuera del momento dentro de una escena. Porque ya sabes cómo termina esa memoria, hay una resolución intrínsecamente ligada a esa memoria. Por lo tanto, si optas por usar un recuerdo para replicar una respuesta emocional dentro de la escena, tienes que ignorar la resolución o pretender como si nunca hubiera pasado la
estética práctica como si fuera algo que pudiera suceder de manera viable en tu vida eso aún no ha sucedido. Eso produce una respuesta dentro de ti una chispa para involucrar al actor en la escena. Ayuda al actor a escapar de la ficción, encontrar la verdad y a aplicarla en otro lugar. Esta técnica está dirigida a hacer que la experiencia de actuar se base enteramente en la voluntad
del actor. La estética práctica pide a un actor sólo que comprometa su voluntad a la persecución, muchas veces acción basada en el otro actor. Entre los actores famosos que utilizan esta técnica se encuentran Felicity Huffman, Rose Byrne, Jessica Elber y Cameron Manheim.
11. 11: La siguiente técnica de la que vamos a hablar es completamente diferente a todas las demás. Por el momento, son las violas, Spohn y las violas de la técnica. Polonia es reconocida como la madre de la improvisación, la improvisación, de los
maestros, los
actores para vivir en el momento y responder rápida y veraz a sus
circunstancias actuales para desempeñarse espontáneamente. Es el debiera estar sin preparación Spohn y creó una serie de ejercicios, que llamó juegos de teatro. Los juegos de teatro son muy efectivos porque no requieren lectura previa ni
conocimiento contextual . Cualquier estudiante puede recogerlos. Incluso con barreras lingüísticas o culturales. Los juegos tienen un efecto liberador, permitiendo un desempeño espontáneo dentro de un grupo. No hay vergüenza y no se enfoca en el individuo. Entre los actores que estudiaron esta técnica se encuentran Alan Arkin, Dan Ackroyd y Gilda Radner.
12. 12: La técnica final de la que vamos a hablar hoy es una técnica relativamente nueva llamada
la Técnica de Fundición de Actores, las fundiciones de actores de la escuela en Vancouver, Canadá. La técnica fue desarrollada por Matthew Harrison, actor que estudió Meisner en el Neighborhood Playhouse de Nueva York. Si bien hay un elemento de Meisner en esta técnica, Harrison ha creado algo moderno y único. El primer paso es el análisis de guiones, y Harrison ha desarrollado un proceso muy específico para descomponer el guión, que es demasiado complicado para entrar en este foro. La segunda etapa es la etapa emocional. Aquí es donde identificas el núcleo emocional del personaje y lo que sabes
de esto desde tu propia vida. El tercer paso es la etapa eléctrica o de conexión. Esta etapa probablemente tenga más en común con Meisner, pero sigue siendo muy diferente en esta etapa. Haces ejercicios que te ayudan a conectarte con tu compañero actor en la escena y con lo
que quieres de ellos y lo que quieres hacerles. Etapa para es dejar ir fuera del escenario es 12 y tres y confiar en que el trabajo que has realizado en la 1ª 3 etapas forma parte de ti ahora. En este punto, te rindes al guión y te sumerjas en la actuación. Harrison ha utilizado muchas técnicas modernas de psicología y neurociencia en el desarrollo de esta nueva y
emocionante técnica de vanguardia. Harrison también ha creado un curso en línea para que las personas que no pueden llegar a Vancouver trabajen con él personalmente. hay muchos actores jóvenes, de actualidadhay muchos actores jóvenes, de
arriba y venideros que trabajan en el cine y la televisión, como Jessica Sutton, Jodi Belfour y Kobe Smolders, quienes están utilizando esta técnica.
13. 13 neutro: Wow. Hoy hemos cubierto muchas técnicas, pero estas son sólo algunas de las muchas técnicas que hay por ahí. Hay miles de profesores y escuelas de actuación en todo el mundo, algunos de ellos enseñando estas mismas técnicas de las que hemos hablado y algunos enseñando una combinación de estas técnicas o poniendo su propio giro único en estas técnicas y algunos incluso creando sus propias técnicas únicas. No te puedo decir qué técnica es la mejor para ti. Necesitas salir por ahí y explorarlos. Y también recuerden que sólo acabamos de rayar la superficie de estas técnicas. Todavía hay tanto por aprender sobre todos ellos que no podría entrar aquí. Hay libros disponibles para que leas sobre una mentira. Estas técnicas, además de muchas más. También hay toneladas de información disponible en línea, por lo que puedes investigar estas y otras técnicas más a fondo. Y si lo quieres y lo puedes pagar, puedes aplicar a las muchas escuelas y profesores en funciones de todo el mundo. Toe realmente ir a estudiar estas técnicas en deuda. Desafortunadamente, no
puedes dominar ninguno de ellos de la noche a la mañana. Lleva años, tal vez incluso toda la vida dominarlos por favor sea tan amable de calificar la revisión y compartir este curso con tus compañeros actores ya que nos ayuda a crear más contenido para ti en el futuro. Espero que este video haya sido útil y les deseo todo lo mejor en su carrera como actor.
Skill Collective, a Collective offering skills
