Cinematografía DIY: haz que tu video parezca una película | Ryan Booth | Skillshare
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Cinematografía DIY: haz que tu video parezca una película

teacher avatar Ryan Booth, Filmmaker, Cinematographer, Director

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:47

    • 2.

      Mi filosofía sobre la cinematografía

      4:45

    • 3.

      Términos clave

      2:49

    • 4.

      Herramientas del comercio

      6:19

    • 5.

      Maximizar tu locación

      4:35

    • 6.

      Grabando y esculpiendo la luz natural

      13:49

    • 7.

      Conclusión

      1:49

    • 8.

      Mi proyecto: velas de hormigón

      2:53

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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37.184

Estudiantes

39

Proyectos

Acerca de esta clase

Aprende a fotografiar con alma y a hacer que tus videos parezcan más caros, gracias al famoso cinematógrafo y director, Ryan Booth.  

Más conocido por su largometraje documental sobre The Revenant, un proyecto encargado personalmente por el director ganador del Oscar Alejandro G. Iñárritu, el enfoque de Ryan en la realización de películas fusiona el mundo comercial y del video con un marcado estilo documental.

En esta inspiradora clase de 40 minutos, Ryan te guía a través de su proceso creativo de cómo hacer que algo se vea hermoso, intencional y de mayor valor de producción de una manera rápida y fácil, esencialmente, hacer que un video se vea como una película.  

Las lecciones principales incluyen:  

  • Términos importantes para los aspirantes a cineastas 
  • Herramientas sencillas para aprovechar la luz natural
  • Como aprovechar al máximo tu locación
  • Rodar y dar forma a la luz a lo largo del camino

Sin necesidad de equipos sofisticados, conocimiento específico o un gran equipo de rodaje, Ryan nos ofrece una visión entre bastidores de cómo cualquiera puede entrar en una locación y darle vida de la manera más convincente posible.  

¡Al final de esta clase, tendrás la confianza y la inspiración para filmar tu propio momento cinematográfico como un profesional! 

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Ryan Booth

Filmmaker, Cinematographer, Director

Profesor(a)

Ryan Booth is a filmmaker by way of photography, by way of audio engineering, by way of college, by way of Texas.

Ryan Booth is a director living in Texas. Booth's filmmaking career took off in 2011 when his first short film won a contest hosted by Vimeo and Canon and premiered at Sundance Film Festival.

He spent the next few years cutting his teeth as a Director of Photography, working on commercial projects for MTV, Spotify, Under Armour, Pepsi, and Home Depot, as well as music videos for Atlantic Records, Sony, and Universal Music. He DP'd two documentary features in 2015, one of which was commissioned by Alejandro G. Inarritu, Academy Award-winning director of Birdman, that explores the modern implications of the themes woven into Inarritu's latest film, The Revenant. ... Ver perfil completo

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Transcripciones

1. Introducción: Me llamo Ryan Booth y soy Cineasta, Cinematografía y Director. Trabajo en una amplia variedad de proyectos, principalmente proyectos basados en documentos. A veces es trabajo narrativo, a veces es trabajo comercial, a veces en realidad documentales. Yo llegué a trabajar este último otoño en uno de mis proyectos favoritos, que fue un documental de larga duración sobre el proceso espiritual que atravesó nuestro húngaro Naritu para crear la película, The Revenant. Llegamos a pasar tiempo con elenco y equipo de esa película y especie de realmente explorar, por qué hicieron esta increíble película. Entonces, para esta clase, de lo que vamos a hablar es cómo entrar en un espacio en el que nunca habíamos estado antes y averiguar la mejor manera de rodar ese espacio. Miraremos la luz mientras cae sobre la habitación. Hablaremos de cómo posicionar a nuestro sujeto y la mejor manera de quitarle un puñado de cosas para que se sienta como si hubiéramos creado este mundo intencional. Vamos a invitar a uno de nuestros amigos David, que es fabricante de velas. Vamos a intentar construir un corto documental pequeño de 60 a 90 segundos sobre David y el proceso de él haciendo estas velas. Nos brindará una gran oportunidad para rodar en este tipo de enfoque documental intencional realismo realzado a la cinematografía. Entonces, mi objetivo para ustedes sería que, en algún momento durante el punto de este proyecto, estén mirando su pantalla y vayan, “¡Oh, Dios mío! Esto parece una película”. Si tienes ese sentimiento entonces, que es algo a lo que aferrar. Pasaremos la mayor parte del tiempo rodando con luz natural. hoy, vamos a hablar de quitarle la luz, contraposición a añadir un montón de luz. Un puñado de decisiones que podemos tomar como cineastas, que hacen que nuestras escenas pasen de sentirnos como un video a ser este tipo de momento cinematográfico. 2. Mi filosofía sobre la cinematografía: Se escuchan las palabras cinematográficas batearon un poco. La gente dice: “Oh, eso se ve realmente cinematográfico. Quiero que esto se vea realmente cinematográfico”. Creo que he pasado mucho tiempo tratando de averiguar qué significa exactamente ese término. Creo que es una de esas cosas que como que la conoces cuando la ves. Es una especie de esa reacción de tripa que te gusta, “Eso parece cinematográfico”. Y lo que quieren decir es, que parece que podría estar en una pantalla grande. Se ve intencional. Creo, para mí, que esa es realmente la base crear imágenes cinematográficas, es la intencionalidad. Muchas veces, desde una perspectiva técnica, eso puede significar que la luz es intencional significando que la luz muchas veces en una imagen cinematográfica viene de un lado. Es una luz que envuelve la cara. Cinemático, muchas veces tiene que ver con el juego de sombras. Creo que lo que no hay a menudo es tan interesante como lo que es y lo que eso significa es que las imágenes cinematográficas son aquellas que están fuertemente empapadas de sombras. Eso no significa que estén súper, súper oscuros todo el tiempo pero significa que definitivamente hay mucha sombra y muchas diferencias, y capas y, profundidad a la imagen que es cinematográfica. Muchas veces, el cinemático posiblemente podría significar que hay diferencias de temperatura de color dentro de una misma imagen. Ahí hay un elementos de primer plano. Hay múltiples capas de cosas que dibujan la mirada. Es realmente algo que como Director de Fotografía, es tu trabajo obviamente crear imágenes cinemáticas click pero en realidad, eso solo significa trabajar en finalmente afinar tu ojo para ver cosas que están sucediendo. Entonces, como DP, puedes caminar cuando estás en el metro, cuando estás en la tienda de abarrotes, y la luz simplemente patea por esa ventana y salta del piso y pone bien este reflejo detrás de alguien que patea un poco de luz en el cabello del tipo que te chequeaba en la tienda de abarrotes. Eso podría ser potencialmente una imagen cinematográfica. Y no necesitas una cámara para ver imágenes cinematográficas. Creo que un gran ejemplo sería una puesta de sol. Ocurre el atardecer, dos veces al día. Se llega a ver salir el sol. Se llega a ver el sol ponerse, y a cada lado del sol saliendo y el sol poniéndose, la luz simplemente hace todo esto increíble, los colores son increíbles, la profundidad es increíble. A menudo viene la luz desde un costado y hay sombras largas y todo simplemente se ve convincente y luce cinematográfico. Eso pasa todos los días, y creo, la misma manera que puedes salir y ver la puesta de sol de la manera en que la luz está cambiando y dando forma durante esa puesta de sol, está entrenando tu ojo para ver que ocurre todo el día, todos los días en los lugares donde estás viviendo tu vida. Uno de mis fotógrafos favoritos es un tipo llamado Robert Frank y en 1952, cruzó los Estados Unidos de América con un par como de cámaras y alguna película en blanco y negro y creó este proyecto llamado The Americans. En ese momento, cuando todo estaba muy abotonado y sensación perfecta en los años 50, creó estas descuidadas, sueltas, increíbles hermosas imágenes en blanco y negro en todo Estados Unidos de América. Creo que hay algo en esas imágenes y la razón por la que todavía las miramos 70 años impares después es porque hay una cualidad intangible a esas imágenes. Hay algo en ellos que simplemente se siente real. Y para mí, eso es algo que realmente quiero poner en las imágenes que hago. Este tipo de calidad intangible que aunque todo no sea exactamente perfecto, solo te hace sentir algo, porque por qué hacer películas si no nos ayuda a sentir algo, a explorar una idea, a sentir algo, para conectar con nuestro propio tipo de vidas individuales. Y como director de fotografía, como la persona detrás de la cámara, realmente eres el conducto a esa experiencia para el público. Es tu trabajo sentir y ponerte en la creación de imágenes para que el público también sienta algo. No se puede poner el dedo en por qué te gusta algo. Simplemente sabes que te gusta. Ese es un indicador realmente genial que estás en el camino correcto cuando sólo tienes esa sensación. Eres como, “Hombre, sólo hay algo en esto”. De muchas maneras, eso es cinematográfico y puede ser difícil de definir pero seguro como demonios sabes cuando lo has hecho. 3. Términos clave: Entonces, antes de que nos pongamos realmente a disparar un poco, pensé que probablemente deberíamos hablar de un puñado de términos y conceptos clave que estaremos discutiendo ya que realmente sacamos la cámara y nos ponemos en marcha en un rato. Creo que muchas veces cuando comienzas por primera vez, puedes quedarte abrumado por la terminología y la especificidad. El cine es un deporte de equipo complejo. Entonces, por eso, requiere que todos estén en la misma página de muchas maneras. Entonces, por eso hay tantos términos específicos y cosas específicas que las personas hacen referencia cuando están en el set. No es porque la gente esté tratando de sonar más inteligente que otra persona. Es literalmente porque puede ser trabajo de alguien ir a buscar la pieza de equipo que estás solicitando. Entonces, todo el mundo necesita llamar lo mismo a esa pieza de equipo, para que cuando digas: “Oye, hombre. Necesito un Apple Box”, no van pareciendo ir, “¿Qué es un Apple Box y dónde se obtiene uno?” Van directamente a las Apple Boxes, y vuelve porque es este gran organismo en movimiento tratando de crear estas películas. Entonces, la terminología puede ser intimidante, pero realmente no lo es. No es tan grande de un trato. Entonces, desde un punto de vista conceptual, hablaremos de algunas cosas hoy. El principal siendo la luz clave. Luz clave siendo dónde está la gran luz que está clavando tu sujeto. Es la luz principal ahora mismo. Es esta ventana. Esa es la luz clave para mí. Lo contrario de eso es lo que es el relleno. Puedes tener luz de llenado, o puedes rebotar de nuevo en, o alternativamente en el lado de relleno, que está en contra de la llave, puedes traer lo que se llama relleno negativo, que es quitarle luz desde el lado de relleno. Eso lo haces en un esfuerzo por crear una relación de contraste, que es literalmente la diferencia entre lo brillante que es en el lado clave y lo brillante que es en el lado de relleno. Entonces, la diferencia entre esta luz aquí y esta luz aquí es tu relación de contraste. No soy un DP súper técnico. Digo todo esto como si supiera de lo que estoy hablando, pero literalmente no puedo decirte cuál es la relación de contraste entre esto y esto aquí mismo. Hay algunos DPs que literalmente podrían mirarme a la cara ahora mismo y : “Oh, eso son cuatro a uno”. No tengo idea de cuál es la relación de contraste real. Yo sólo sé que me gusta cuando se ve así y tal vez si este lado fuera un poco más oscuro, me gustaría aún más. Entonces, no tienes que sentir que necesitas saber exactamente como la relación de contraste es duh duh duh, y esta es esta parada, y esta es esta parada. Si quieres ponerte técnico, fantástico, pero no tengas miedo si no tienes, pero necesitas saber que esta es la clave, este es el relleno, y la relación de contraste es la diferencia entre ambos. 4. Herramientas del comercio: Entonces, cuando estoy trabajando en un proyecto de presupuesto bajo o incluso un proyecto sin presupuesto, hay un puñado de cosas que me aseguraré de tener conmigo como herramientas para hacer las imágenes más interesantes posibles. El primero es tu ojo eres tú. Creo que es saber que cuando camino en ninguna pieza de engranaje va a ser tan buena para ver cómo está cayendo la luz como yo. Es mi trabajo ser el instrumento más finamente afinado en el set, en cuanto a poder ver dónde está cayendo la luz, cómo está cayendo la luz y cómo mejor posicionarme y posicionar al sujeto para que ese espacio luzca complejo y estratificado y cinematográfico. El segundo más importante que tendré cuando esté en el set es encontrar una parte particular de ese conjunto que tenga una cantidad decente de luz natural y por luz natural, me refiero a luz de ventana. Podrían ser ventanas masivas como esta. Podrían ser ventanas más pequeñas, realmente no importa. El realidad es que para crear una luz de aspecto realmente natural y eso es lo que quiero decir con luz natural, el sol de muchas maneras es solo un HMI gigante que es una luz de película muy cara. Pero esa luz gigante crea esta enorme y hermosa fuente que envuelve el rostro de forma muy natural. Entonces, es la luz que se ve muy natural eso es lo que queremos decir cuando decimos luz natural. Entonces, ese es tu mejor aliado en un proyecto de presupuesto bajo o sin presupuesto es el Sol. Todo lo demás que intentaremos y mantendremos con nosotros en un set para una sesión de bajo o sin presupuesto van a ser cosas que nos ayuden a modificar la luz del sol. Entonces, una de esas cosas sería una carta de rebote de algún tipo. Ahí está la versión oficial que es como un tablero de cuentas o un tablero de polainas todo el camino hacia abajo para como un pedacito de núcleo de espuma. Literalmente también podría ser como una pared blanca a tu lado, podrías posicionar a tu sujeto para usar una pared como relleno. Es cualquier cosa que básicamente una superficie de luz que empuja tu luz clave hacia atrás a tu sujeto ya sea por detrás o por un lado. Otra cosa que vamos a querer usar, vamos a usar mucho es un sólido negro. Entonces, oficialmente si utilizas como el equipo de agarre adecuado estos vienen en todas las formas y tamaños diferentes. El más tradicional sería un floppy de cuatro pies por cuatro pies es como lo llaman. Es como una gran pieza de sólido negro y es de velcro, una solapa de velcro está abajo para que pueda ser de cuatro pies por ocho pies. Es impresionante y los uso todo el tiempo. Cuando lo pones entre el sujeto y alguna fuente reflectante o rebotante mata cualquier exceso de luz ambiental para ayudarte a aumentar tu relación de contraste. Estaremos usando relleno negativo una tonelada hoy porque nuestra luz clave es tan grande y se está derramando por toda la habitación. Entonces, vamos a estar tratando básicamente de caminar hacia adentro y ayudar a mantener parte del rebote hacia abajo de nuestro tema para ayudar a aumentar esta relación de contraste. Lo último que diré es genial tener es algo de difusión y esto es como una adecuada difusión que va en un kit de gimnasio scrim o lo que sea pero es cualquier tela que sea básicamente translúcida de alguna manera. Permite que la luz pase a través de ella. Es una forma de suavizar realmente la luz para ayudar a dar forma a la luz solar que está llegando. A veces es posible que estés filmando una escena y la única vez que puedes filmar esa escena el sol solo está volando por la ventana y está creando una relación de contraste demasiado alta. Es súper brillante aquí lo que lo hace súper oscuro por aquí y quieres suavizar y difundir esa fuente. El modo en que lo haces es poner algo de difusión entre tu luz clave y tu sujeto. Para nosotros hoy, está súper nublado afuera por lo que nuestra difusión está sucediendo muy arriba en el cielo por lo que no necesitamos agregar un montón de difusión. Tenemos una bonita luz suave ya entrando por esta ventana pero difusión la cual puedes comprar de manera oficial cuáles serían rollos de difusión rasco o hay alguna nota que venga en todas las formas y tamaños y sabores. Entonces, si tienes luz solar golpeando a través de una pequeña ventana quieres difundirla, quieres agregar un poco de rebote para ayudar a que la ventana se sienta más grande y tal vez un poco de relleno negativo para que no tengas ese reflejo regresando y de repente pones tres piezas de equipo y aún no tienes luces arriba y estás ayudando a dar forma y crear esta luz que se siente intencional, que de nuevo la intencionalidad es la base de la creación de imágenes cinematográficas. La cámara con la que voy a estar filmando es un dragón rojo que suena como alguna cámara increíble de fantasía pero realidad voy a estar filmando solo en una lente canon de 24 a 105, probablemente tengas una lente similar a ésta en casa y tengo algunas densidad neutra, un filtro de densidad neutra variable aquí para ayudarnos con el ND. Lo que no quiero que hagas es pensar “Le está disparando al dragón, se va a quedar impresionante y lo que sea”. Creo que lo que hay que recordar de las cámaras es una cámara roja o aireada o alguna cámara de película cara te permite ver una mayor relación de contraste. Entonces, puede haber una diferencia mayor entre tu llave y tu lado de sombra. Puede haber una tonelada de diferencia entre eso y todavía es capaz de registrar muy brillante y lo muy oscuro. Pero la realidad es que nuestros ojos son increíblemente sofisticados y complejos de fabricación de imágenes de hardware. Podemos ver áreas muy luminosas y muy oscuras. Nuestros ojos en realidad pueden exponer para dos exposiciones diferentes mientras que nuestra cámara sólo puede ver una. Entonces, la razón por la que una cámara cara es cara es porque está tratando de replicar el ojo humano lo más cerca posible para permitirnos ver muy brillante y muy oscuro al mismo tiempo. Pero si no tienes miedo de que tu cámara no pueda ver muy brillante y muy oscura al mismo tiempo, puedes juntar esta relación de contraste y de repente se verá increíble. Puedes hacer que una DSLR luzca increíble, si no tienes miedo de jugar con tus ratios de contraste. 5. Maximizar tu locación: Entonces, lo que vamos a hacer en esta demostración básicamente es algo que hago de manera bastante regular, que es un proyecto de estilo documental. Muchas veces, incluso en comerciales y películas, entramos en un espacio que no necesariamente había visto o rodado ese espacio antes, y bastante rápido, tendremos que evaluar cómo se ve la sala y cómo mejor rodarla de una manera de crear imágenes lo más cinematográficas posible. Entonces hoy, tenemos un amigo, David, que va a estar trabajando en hacer unas velas. Hace estas increíbles velas. Entonces, vamos a armar un escenario aquí donde está trabajando, y lo vamos a cubrir de una manera que se vea lo más interesante posible. Lo primero que hago cada vez que entro en un espacio en el que no he estado antes es ver dónde está cayendo la luz. En este espacio, obviamente, tenemos estos hermosos, increíbles, grandes ventanales los cuales actuarán como nuestra luz clave. realidad se trata de mirar entonces cómo la luz está cayendo sobre el propio espacio a lo largo las paredes traseras y tomar decisiones que tal vez necesitemos sobre cómo empezar a quitarle la luz. En términos generales, cada vez que entras en un espacio, va a haber más luz de la que necesitas. En realidad se trata de quitarle un puñado de cosas para realzar y dar forma a la luz que existe aquí. Lo principal es correcto cuando entramos en este espacio, hubo algunas cosas que de inmediato destacaron. El primero es la esquina, esta dirección por aquí. Ambos rincones en realidad, se puede ver que la ventana se ilumina. Porque esta pared de ladrillo extiende la luz de la ventana a medida que entra, hay una bonita pequeña caída. Los rincones tienden a ser buenos spots para eso. Pero mientras miro así, noté que tenemos una unidad AC, que sé que no vamos a poder dirigirnos y movernos, y porque David va a estar sentado cuando esté haciendo sus velas, no hay manera de que yo disparar a esta esquina sin que esta unidad AC juegue bastante pesadamente en nuestras imágenes. Sé que a pesar de que me gusta mucho este rincón, y tenemos el ladrillo, y es realmente hermoso, blanco, sé que eso va a limitar el lugar que puede estar mi cámara. Para mí, conceptualmente, cuando entro en un espacio, lo que estoy queriendo de la luz es que la luz se vea lo más interesante posible desde tantas direcciones diferentes como sea posible, para que cuando lleguemos a permitir a David, nuestro sujeto, para hacer sus velas, no está teniendo que golpear marcas o estar limitado en lo que puede hacer. Mientras él sea capaz de moverse libremente, y yo pueda moverme libremente, entonces obtendremos las mejores imágenes posibles. Por culpa de la unidad AC, descartamos ese lado, y decidimos que vamos a disparar a esta esquina. De lo primero que notamos aquí dentro, había un montón de cajas apiladas, y había una gran televisión aquí mismo. Además del concepto de eliminar esencialmente las cosas como una forma de llegar a imágenes más interesantes que se aplica a las cosas que se encuentran en los propios espacios, pudimos sacar la televisión de este espacio, que luego se permítanme moverme muy libremente, y tener todo este telón de fondo para tener detrás de David mientras está trabajando. Eso es algo bastante sencillo, pero arreglar un poco los muebles es realmente útil. En realidad es una parte útil de la iluminación. La otra cosa fue que este escritorio de aquí estaba en realidad contra esta ventana, que si bien luce genial lo haría para que si me alejo de la ventana entonces le voy a estar disparando la espalda. Entonces, movimos el escritorio por aquí, para que tuviéramos un bonito ángulo luz y permitiendo que la cámara viajara realmente bien por el espacio. Nos permitirá entonces, mientras estamos filmando, filmar fluidez posible, movernos tanto como sea necesario y reunir un montón de imágenes realmente grandiosas lo más rápido posible. Ahora que básicamente hemos pasado cinco minutos más o menos reorganizando algunos muebles y situando nuestro escritorio de la manera más exitosa posible, vamos a meter a David, y dejarle empezar a trabajar, y vamos a empezar a hacer algunos ajustes, y podemos traer alguna sensación negativa o algún rebote dependiendo de cómo la luz realmente esté cayendo sobre él mientras está empezando a trabajar. Entonces, eso es lo que sucederá a continuación. Subiremos la cámara y empezaremos a ver lo que está viendo la cámara. 6. Grabando y esculpiendo la luz natural: Está bien. Entonces, este es David. David fue lo suficientemente amable como para entrar y hacernos unas velas. Entonces, ya lo tengo sentado. Al igual que hablábamos antes, básicamente, tiendo a que mis luces clave entren alrededor de un ángulo de 45 grados. Eso tiende a lucir realmente bonito, porque entonces puedes venir a disparar contra la llave en este eje. Entonces, tengo a David sentado y ahora, es hora de subir la cámara y ver lo la cámara está viendo es muy diferente a lo que nuestros ojos están viendo, y empezar a trabajar alrededor y averiguar exactamente cómo va a salir esa cobertura. Sé que la iluminación es más o menos va a ser, diremos 85 por ciento iluminada en este momento, lo que realmente se trata de solo encontrar la posición correcta en la sala y luego traeremos algunos elementos. Entonces, además de la iluminación, empiezo a pensar en la composición ¿cuál es cómo cuento la historia, cómo obtengo las tomas que necesitamos cortar juntas para contar este documental de perfil sobre David? Entonces, es tanto la iluminación como la composición a medida que levantamos la cámara, empezando a ver qué funciona. Entonces, voy a conseguir la cámara y vamos a empezar a trabajar aquí, y eso se ve bien. Algo en lo que siempre estoy pensando sobre todo cuando empiezas a balancear perfil y ver desde un ángulo de perfil, empezarás a disparar un poco en tu llave, y definitivamente, una cosa que hace que algo se sienta cinematográfico versus video-y está soplando tus aspectos más destacados. Las cámaras digitales son muy implacables cuando se trata de aspectos destacados. Para mí, alguien que está en control de sus aspectos más destacados, indica que están en control de la creación de imágenes que tiende a traducirse a algo sintiéndose cinematográfico. Entonces, muchas veces, es solo una elección intencional, no tengo que asegurarme de que pueda ver todo el camino fuera de la ventana y que nada esté sobreexpuesto, pero absolutamente tengo que decidir que quiero que sea sobreexpuesta para que eso funcione. En este escenario, me gusta esta relación de contraste que estamos consiguiendo aquí mismo. Yo lo voy a bombear un poco, y nuestra ventana está soplando apenas un poquito casi. Nos estamos poniendo al borde. Entonces, todo eso se ve realmente bonito. Otra cosa en la que estoy pensando en este punto es la luz de los ojos. Si ves algunas de tus películas favoritas, nunca verás un globo ocular que no tenga un poco de brillo en él. Si solo tienes un poco de toque de luz en los ojos puedes disparar mucho más oscuro, es mucho más indulgente, porque es el centro de la reacción emocional de mucha gente en su cara. Puedes disparar lo más oscuro que quieras siempre y cuando aún puedas ver su, ellos trabajándolo en su cara, y eso suele ser a través de la luz del ojo. Sabemos que tenemos el ángulo, la luz clave se ve bastante bien. Básicamente hay tres cosas en las que estoy pensando a estas alturas. Una es cómo se ve la relación de contraste, que básicamente es, ¿qué tan brillante es la luz clave y cuánto está envolviendo esa luz alrededor de la cara de David? Mi regla general del pulgar es disparar de la oscuridad a la luz. decir, si tu luz clave viene de este lado del marco, entonces eso significa que mi cámara va a arrancar de este lado del marco. Esa va a ser la forma más interesante básicamente de acercarse a esa luz. Esa es mi opinión personal. Cuando disparas en el lado clave, es como disparar en el lado plano básicamente, lo cual de nuevo, cualquiera de estas reglas son reglas a romper si pretendes romper esas reglas. La diferencia en la relación entre la clave y luego todo el camino hacia el lado de sombra de la cara es la relación de contraste. Tiendo a gustarme una relación de contraste bastante alta. Por lo tanto, puede agregar una luz para ajustar la relación de contraste, o puede traer una tarjeta de rebote para ajustar la relación de contraste, o puede traer un relleno negativo para bajar la luz del lado de relleno para ajustar su relación de contraste. Entonces, cualquiera de esas son formas perfectamente aceptables de hacerlo. En mi mundo, tiendo al último recurso es agregar una luz en el lado de relleno. Evito absolutamente agregar luz en el lado de relleno a toda costa. Hablamos un poco de luz clave que se cruza por la cara. Una forma de ajustar la relación de contraste básicamente es caminando en tela negra y esto se llama el kit de trapos de carretera, es como un pequeño kit de agarre profesional que se descompone en como una bolsita que puedes llevar contigo. Pero literalmente, podrías usar una sábana de cama negra, puedes usar cualquier tela negra sólida gruesa aquí. No necesita ser como un kit de bandera. A pesar de que diré, un kit de bandera es una herramienta increíble para dar forma a la luz. Entonces, definitivamente vale la pena tenerlo. No son súper caros. Entonces, esto es algún relleno negativo y básicamente lo que está pasando es que tenemos paredes blancas, tenemos una enorme fuente de luz, y la luz apenas rebota por todo el lugar. Está saliendo del techo, está saliendo de las paredes traseras, está saliendo de las paredes de aquí. Entonces, parte de la forma de empezar a dar forma a la luz, que todo dar forma a la luz significa es hacer que se vea más cara. Parecerá que estás iluminando más intencionalmente el espacio, es empezando a derribar parte de esa luz reflectante que está regresando que no quieres. Entonces, por ejemplo, aquí hay un poco de luz viniendo casi como una luz de fondo sobre David, y no necesariamente quiero eso ahí dentro. Se puede ver cuando traigo eso, eso es matar ese reflejo de espalda y apenas empieza a hacer que nuestra forma de luz sea aún mejor fuera de la cara. Entonces, eso es algo que probablemente haría es agregar algo negativo aquí mismo. Mucho de esto obviamente cuando estamos disparando en un tiro ancho y luego empezamos a movernos cada vez más cerca, podemos sumar más de estas cosas que están en nuestro cuadro más o menos. Pero eso es una cosa y luego desde este lado, se puede ver que definitivamente hay luz rebotando de esta manera. Nuestra ventana obviamente está brindando nuestra clave. Ahí es donde viene la dirección de la luz. Entonces, cuando David esté buscando, ¿me esperarás? Mira aquí, la luz está golpeando más duro aquí y luego obviamente se cae de este lado. Eso es genial, eso es lo que queremos. Pero lo que también tenemos pasando es que tenemos un muro de ladrillo blanco completamente grande directamente de este lado, donde las luces que rebotan fuera de esto y regresan a golpear a David en la cara aquí y se está llenando lo cual está bien, nuevo, si quieres que haga eso. Entonces, no sé necesariamente si me gusta lo que está pasando de este muro volviendo a rebotar en la cara de David desde una perspectiva de relleno. Entonces, lo que voy a hacer es agregar esto literalmente como una cortina, esto es como una cortina negra. Entonces, no tienes que tener como un ocho grande por como pantalla. Podría usar un ocho por si lo tuviera pero aquí tenemos una cortina, que básicamente va a derribar algo de este relleno y ya veremos si nos gusta lo que está haciendo y la respuesta a eso es que realmente no lo sé. Hay un equilibrio por alcanzar entre derribar luz y derribar lugares que potencialmente proporcionarán luz ocular. Entonces, cuando mato a esta fuente aquí mismo, la pared frente a ellos es un lugar donde la luz está rebotando hacia atrás y se puede ver un poco de reflejo en su ojo. ¿ Me esperarás directo? Sí, así que ahí hay luz de ojos, una buena luz de ojo desde la esquina. Ahora, cuando traigo esto, necesitamos asegurarnos de que no nos hemos quitado la luz de los ojos haciendo esto. No. Entonces, estamos sacando nuestra luz de ojos de la ventana lo cual es impresionante y luego esto le está agregando un poco de forma agradable. Entonces, muchas veces, comenzarás con un tiro más ancho porque no vas a poder caminar en un montón de estas piezas de equipo para ayudarte a dar forma a la luz, y básicamente empezarás de par en par y la razón de que comienzas de par en par y trabajas tu camino es porque puedes sumar algunas cosas a medida que vas y permitir que David continúe sus procesos sin obstrucciones lo más posible. Entonces, es sólo algo a tener en cuenta que siempre hay un equilibrio que alcanzar entre agregar un montón de negativos frente a poder disparar libremente. Siempre y cuando básicamente arreglemos a David y la mesa en el lugar correcto, no hay realmente una tonelada que hacer. Entonces, en este escenario en particular, en lo que terminamos aterrizando básicamente es una cortina negra aquí que está matando el reflejo de esta pared trasera que estaba llenando la cara de David una cantidad decente. Entonces, eso solo ayuda a que la luz clave se llene más direccional. Entonces, también llegamos aterrizando en poner una cortina negra a un 45 opuesta a la llave, y eso ayuda a que la reflexión vuelva de ese lado de la pared blanca. Terminamos por no hacer nada para tratar de matar el reflejo en el muro blanco directamente detrás de David porque le agrega un bonito envoltorio alrededor su cuello y oreja y ayuda a separarlo del fondo. Parece que tenemos algo de vuelta por aquí que viene a dispararle por encima del hombro trasero. Entonces, eso se ve realmente bonito. El semáforo se ve muy bien, esto es algo que tarda sólo un par de minutos en configurarse. A unos minutos para arreglar los muebles, poner unas cortinas negras, y ahora, me siento cómodo yendo adelante y dejando que David haga lo suyo, y podré arcar todo el camino por aquí y disparar un montón de cosas diferentes a medida que va. Entonces, en realidad vamos a seguir adelante y dejar que David empiece a hacer unas velas. Básicamente hay una regla de 10 segundos para sostener tomas lo cual es una pauta bastante buena. Encuentra un buen tiro, sosténgalo durante 10 segundos más o menos. Tienes un buen punto de entrada y salida a cualquier acción que sea que estés disparando. Por ejemplo, está grabando ahora mismo. Sé que ahora mismo, necesito meterme un dentro de él realmente recogiendo el rollo de cinta. Entonces ahora, conseguiré un ángulo diferente de él grabando o metiendo con la cinta o lo que sea, y eso será suficiente para poder construir una pequeña secuencia de disparo de pareja a partir de esto. Entonces, lo que yo también estoy haciendo, necesitas asegurarte de que estás recibiendo un tiro ancho. Siempre me olvido de conseguir mis tomas anchas porque no son tan interesantes como los primeros planos. Los primeros planos son, con mucho, lo más interesante porque rostros de las personas y están haciendo algo y es bastante atractivo de aspecto, pero tienes que conseguir tus tomas amplias también para solo asegurarte de que tienes contextos para lo que es ocurriendo. Entonces, como DP, tienes que estar pensando como director y editor también, y eso solo significa asegurarte de que las cosas que estás filmando se conecten entre sí. No puede ser sólo una serie de imágenes. Tiene que ser una serie de imágenes que se conecten para contar una historia. Entonces, una vez que David empezó a mezclarse y verter, y sé que conseguimos unos buenos primeros planos o lo que sea, en realidad necesitaba moverse entre este microondas donde está calentando la cera en la mesa, y yo sabía que eso lo haría para que la bandera que habíamos entrado para derribar parte de esa reflexión en su rostro iba a jugar en el tiro. Entonces, nos impactó eso para que David pueda moverse libremente y yo pudiera agregar una pequeña mirada adicional a esta pieza, que es él caminando hacia el microondas. Es realmente difícil saber cuándo terminas de disparar. La mayoría de la gente, si eres como yo, probablemente podría disparar todo el día y no sentir que tengo todo lo que posiblemente pudiera conseguir. Pero creo que en este tipo de escenarios, cuando estás disparando a alguien que está haciendo algo, es realmente útil porque hay un comienzo natural y un natural en lo que está pasando. Creo que el objetivo debería ser, para David, para mí, conseguir todo lo que pueda mientras David lo está haciendo en tiempo real. Si hay algo súper crítico, como si se trata de una pieza de marca y sabemos que necesitamos que la pegatina vaya a la caja o el sello debajo de la vela, entonces eso puede ser algo que le pedimos que vuelva a hacer, bt más o menos para que tu naturaleza en tiempo real de lo que estás disparando decida cuándo has terminado. Lo peor que puedes hacer es pensar en exceso, rebasar, y simplemente rociar y rezar. Ese no es tu trabajo. Tu trabajo como cineasta es tener un punto de vista, tomar una decisión, disparar, y luego tomar una decisión de que estás hecho. Creo que tengo todo lo que necesito. David tiene algún lugar donde estar. David corrió por todo el proceso. Obtuve tanta variedad como pude. Entonces, tiempo que hay que hacer, debe hacerse. Entonces, acabamos de terminar disparando a David empacando todas las velas haciendo cosas por dentro. Ahora, sé que queríamos conseguir como una pequeña secuencia corta en la pieza de él en realidad caminando fuera del edificio, hacia la calle, y luego hacia el salvaje oeste. Siempre que estés filmando estas secuencias de transición, realmente se trata de conseguir variedad rápidamente. Entonces, dejar que David baje por las escaleras desde atrás, agarrándolo mientras camina por las escaleras desde enfrente y sabiendo que podré cortar un par de tiros juntos de eso, y luego tenerlo a salir del edificio, siguiéndolo saliendo del edificio, y luego haciendo una pausa, haciéndolo volver a hacerlo desde fuera del edificio, luego recogerlo, y haciéndolo caminar al otro lado de la calle. Cuando alguien anda afuera, será lo mismo. Doy vueltas, tiro de cerca, tiro de par en par, obtengo tanta variedad como sea posible y la menor toma posible porque cuanto más le pides a alguien que haga algo, sobre todo en el escenario de documentales, hay definitivamente una ley de rendimientos decrecientes en términos no sólo de sus intereses sino de creíbilidad. Entonces, el nombre del juego está tratando de conseguir un par de momentos rápidos de verdad cumpliendo de él dejando el espacio. 7. Conclusión: Entonces, acabamos de envolver con David y salió genial. Tenemos una amplia variedad de opciones, algunas buenas escenas, y ahora tengo una tarjeta de memoria llena de metraje. Entonces, voy a ir a sacar mi computadora y luego tratar de cortar algo juntos de, y podríamos hacer otra clase entera sobre la edición, y la narración, y armar estas piezas, pero realmente queremos enfocarnos en crear estas imágenes y ver cómo un espacio y cómo la luz natural en el espacio puede ayudarnos a crear este tipo de imágenes hermosas y complejas. Entonces, espero con ansias ver lo que ustedes han hecho. Incluso si acabas de cortar una escena juntos o quieres subir algunas de tus imágenes fijas favoritas, tomas de marco, de las cosas que has disparado por favor, ponlas en la galería de proyectos a continuación. Espero con ansias cavar y echar un vistazo a lo que ustedes han creado y cómo han aplicado la idea de poder tomar luz natural y hacer estas hermosas imágenes de aspecto. Entonces, muchas gracias chicos por ver. A mí me emociona ver. Quiero escuchar sobre cómo ustedes toman esto adelante mientras construyen proyectos más grandes y conjuntos más grandes, ya que trabajan con el engranaje más grande. El emocionante es que se trata cosas fundacionales que podrás seguir llevando contigo. Incluso cuando estés caminando a casa esta noche, nota la luz que te rodea y piensa cómo lo haría yo, si tuviera una cámara ahora mismo, cómo puedo construir una escena fuera de la luz que estoy viendo en este momento. El lado divertido es que siempre puedes estar practicando ver y el Sol está levantado más de 12 horas al día. Entonces, hay mucho tiempo para estar trabajando, y practicar, y mejorar viendo cómo podemos usar el Sol y usar la luz natural para crear imágenes de aspecto hermoso. Entonces, gracias por ver y esperamos mantenernos en contacto. 8. Mi proyecto: velas de hormigón: La idea del estudio es crear un diseño de vanguardia que muestre cualquier forma de desarrollarse y combinar materiales puros. Soy arquitecto, así que me encanta el concreto ese es el material principal con el que me encanta trabajar. Empecé a jugar mucho con el concreto, a crear pequeñas esculturas, y entonces un día solo estaba pensando : “Oh, ¿qué pasa si solo mezcle cera y concreto y veo cómo se ve?” Entonces, como se me ocurre un objeto llamado el polímero esa vela de concreto. crecer todos mis muebles en la casa de mis padres era madera de cedro, ese sonido me recuerda a casa. Tienes el concreto de roca sobre él y cera cruda y aceite esencial. Entonces, básicamente todo es puro. No es sólo una vela ordinaria es en la misma pieza. mí me encanta ir a museos, así que odio no tocar las esculturas, cuando vas a un museo, así que quiero tener como una pequeña escultura en tu casa que puedas tocar y con la que puedas interactuar. Eso es genial. Eso es realmente bueno. Sí.